ArteFrases sobre el arte de pintores y artistas famosos

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POR OLIVER ARAUJOCITAS Y FRASES

La belleza está en el ojo del espectador. Sin embargo cuando se trata de la

expresión artística, las obras maestras no necesariamente tienen que ser
bonitas. En cambio la belleza de una obra de arte está estrechamente
vinculada a su capacidad de estimular nuestras emociones. Es el potencial del
artista para comunicar con éxito una amplia variedad de pensamientos y
sentimientos que hacen que el arte sea hermoso. El arte sostiene nuestro
profundo anhelo de ritmo, equilibrio y armonía. Cuando se combinan estos tres
elementos forman bellas obras de arte que agradan a nuestros sentidos. Al
mismo tiempo el arte celebra el triunfo del artista en manifestar sus ideas y dar
forma a su creatividad. Todos apreciamos la belleza del arte pero es
verdaderamente difícil expresar cómo estas obras de arte te hacen sentir. De
hecho, las palabras por sí solas no son suficientes para describir lo que el arte
nos comunica. Para ayudarte a expresar tu gran amor por la expresión artística
he creado la siguiente colección de frases sobre el arte. ¡Disfrútalas!
Quizás te interese estas otras frases relacionadas:
 “Frases inspiradoras sobre la música”
 “Frases de fotografía para inspirarte y reflexionar”
Si tú mismo eres artista entonces sabes lo difícil que es expresar tu ser interno.
De hecho, las palabras por sí solas no son en lo más mínimo suficientes para
expresar lo que sientes en tu interior. El lenguaje simplemente no puede
describir las ideas coloridas y las imágenes mentales que tienes en tu mente.

“Las nubes vienen flotando a mi vida, ya no para llevar la lluvia o la tormenta,

sino para agregar color al cielo de mi atardecer.”
Rabindranath Tagore
Afortunadamente el arte se ha convertido en el vehículo que nos permite
expresar lo que no se puede poner en palabras. El arte apela a nuestras
emociones y conecta con nosotros a un nivel profundo. Los artistas creativos
nos estimulan, nos crean sentimientos intensos, nutren nuestra curiosidad y
aumentan nuestra creatividad con sus magníficas obras de arte.

El arte es muy íntimo. Después de todo es una expresión del artista, de su ser
más íntimo, su profunda perspectiva del mundo y de cómo experimentan la
realidad. Como tal los artistas comparten con nosotros una parte de su
personalidad que normalmente estaría escondida en su interior.

75 frases de arte de pintores y artistas famosos

No importa si has nacido artista o es tu sueño convertirte en uno, las siguientes

frases sobre el arte te ayudarán a liberar tu potencial creativo. Aún más, estas
declaraciones elocuentes sobre el arte te animarán a desarrollar aún más tus
habilidades artísticas y a esforzarte por alcanzar todo tu potencial artístico.

Aquí están estas frases sobre el arte:

1.

“Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al
crecer.”
Pablo Picasso
2.

“El objetivo del arte es representar no la apariencia externa de las cosas, sino
su significado interior.”
Aristóteles
3.

“El arte y el amor son lo mismo: es el proceso de verse en cosas que no son
ustedes.”
Chuck Klosterman
4.

“Cualquier forma de arte es una forma de poder; causa impacto, puede influir
en los cambios: no sólo puede cambiarnos, sino que nos hace cambiar.”
Ossie Davis
5.

“El arte lava del alma el polvo de la vida cotidiana.”

Pablo Picasso
6.

“Hay que tener caos y frenesí en el interior para dar a luz una estrella
danzarina.”
Friedrich Nietzsche
7.

“La experiencia más bella que puedo tener es el misterio. Es la emoción

fundamental que se encuentra en la cuna del verdadero arte y la verdadera
ciencia.”
Albert Einstein
8.

“Usas un espejo de cristal para ver tu cara; usas obras de arte para ver tu
alma.”
George Bernard Shaw
9.

“Ser creativo significa estar enamorado de la vida. Sólo puedes ser creativo si
amas la vida lo suficiente para que querer aumentar su belleza, sólo si le
quieres traer un poco más de música, un poco más de poesía, un poco más de
baile.”
Osho
10.

“Aunque parezca paradójico, la vida imita al arte mucho más que el arte imita a
la vida.”
Oscar Wilde
 11.
“Otros han visto lo que es, y preguntan por qué. Yo he visto lo que podría ser, y
me he preguntado por qué no.”
Pablo Picasso
12.

“El arte no es una forma de ganarse la vida. Es más bien una forma muy
humana de hacer la vida más soportable. Practicar un arte, bien o mal, es una
forma de hacer crecer el alma. Por el amor de Dios, canten en la ducha. Bailen
con la música de la radio. Cuenten cuentos. Escriban un poema para un amigo
o para una amiga, aunque sea pésimo. Háganlo tan bien como sepan y
obtendrán una enorme recompensa. Habrán creado algo.”
Kurt Vonnegut Jr.
13.

“El talento artístico es un don de Dios y quien lo descubre en sí mismo advierte

a la vez una cierta obligación: pues sabe que no puede desperdiciar este
talento, sino que debe desarrollarlo.”
Papa Juan Pablo II

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Para otros usos de este término, véase Arte (desambiguación).
el artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo
estético y, por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social,
incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo.7
Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte, como los
de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y De
Statua, 1460), o Los Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la
influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló
de decorum, el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas
artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en
periodificar la historia del arte, distinguiendo antigüedad clásica, periodo
medieval y lo que llamó “renacer de las artes”.8

Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan

tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de
la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del
manierismo, derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo
componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco,
como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Giordano
Bruno fue uno de los primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas:
decía que la creación es infinita, no hay centro ni límites –ni Dios ni hombre–,
todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno, hay tantos artes como artistas,
introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se
aprende, sino que viene de la inspiración.9

Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustración, donde

comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de
la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad
del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la obra que no en
su significado.10 Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y
la pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que
la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Así, para
Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata
que el conocimiento racional. Dubos hizo posible la popularización del gusto,
oponiéndose a la reglamentación académica, e introdujo la figura del ‘genio’,
como atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas.

El tribunal de los Uffizi (1772-1778), de Johann Zoffany.

En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el

movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea de un arte que surge
espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio –el arte es la
expresión de las emociones del artista–, que comienza a ser mitificado.11
Autores como Novalis y Friedrich von Schlegel reflexionaron sobre el arte: en la
revista Athenäum, editada por ellos, surgieron las primeras manifestaciones de
la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para ellos, en la obra de arte se
encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural. 12

Arthur Schopenhauer dedicó el tercer libro de El mundo como voluntad y

representación a la teoría del arte: el arte es una vía para escapar del estado
de infelicidad propio del hombre. Identificó conocimiento con creación artística,
que es la forma más profunda de conocimiento. El arte es la reconciliación
entre voluntad y conciencia, entre objeto y sujeto, alcanzando un estado
de contemplación, de felicidad. La conciencia estética es un estado de
contemplación desinteresada, donde las cosas se muestran en su pureza más
profunda. El arte habla en el idioma de la intuición, no de la reflexión; es
complementario de la filosofía, la ética y la religión. Influido por la filosofía
oriental, manifestó que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir, del
‘querer’, que es origen de insatisfacción. El arte es una forma de librarse de la
voluntad, de ir más allá del ‘yo’.13

Richard Wagner recogió la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de

Schopenhauer: en Ópera y drama (1851), Wagner planteó la idea de la “obra
de arte total” (Gesamtkunstwerk), donde se haría una síntesis de la poesía, la
palabra –elemento masculino–, con la música –elemento femenino–. Opinaba
que el lenguaje primitivo sería vocálico, mientras que la consonante fue un
elemento racionalizador; así pues, la introducción de la música en la palabra
sería un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje. 14

A finales del siglo XIX surgió el esteticismo, que fue una reacción

al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y el materialismo de la era
industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza
una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier “el arte
por el arte” (l'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de “religión estética”. 15
Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, para que buscase de
forma autónoma su propia inspiración y se dejase llevar únicamente por una
búsqueda individual de la belleza. 16 Así, la belleza se aleja de cualquier
componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir
su propia vida como una obra de arte –como se puede apreciar en la figura
del dandi–.17 Uno de los teóricos del movimiento fue Walter Pater, que influyó
sobre el denominado decadentismo inglés, estableciendo en sus obras que el
artista debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para
Pater, el arte es “el círculo mágico de la existencia”, un mundo aislado y
autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de
la belleza.18
El taller del pintor (1855), de Gustave Courbet.

Por otro lado, Charles Baudelaire fue uno de los primeros autores que

analizaron la relación del arte con la recién surgida era industrial, prefigurando
la noción de “belleza moderna”: no existe la belleza eterna y absoluta, sino que
cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y algo de transitorio, algo de
absoluto y algo de particular. La belleza viene de la pasión y, al tener cada
individuo su pasión particular, también tiene su propio concepto de belleza. En
su relación con el arte, la belleza expresa por un lado una idea “eternamente
subsistente”, que sería el “alma del arte”, y por otro un componente relativo y
circunstancial, que es el “cuerpo del arte”. Así, la dualidad del arte es expresión
de la dualidad del hombre, de su aspiración a una felicidad ideal enfrentada a
las pasiones que le mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna, anclada en
el arte clásico antiguo, Baudelaire vio en la mitad relativa el arte moderno,
cuyos signos distintivos son lo transitorio, lo fugaz, lo efímero y cambiante –
sintetizados en la moda–. Baudelaire tenía un concepto neoplatónico de
belleza, que es la aspiración humana hacia un ideal superior, accesible a través
del arte. El artista es el “héroe de la modernidad”, cuya principal cualidad es
la melancolía, que es el anhelo de la belleza ideal.19

En contraposición al esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elaboró una

teoría sociológica del arte: en su Filosofía del arte (1865-1869) aplicó al arte
un determinismo basado en la raza, el contexto y
la época (race, milieu, moment). Para Taine, la estética, la “ciencia del arte”,
opera como cualquier otra disciplina científica, basándose en parámetros
racionales y empíricos. Igualmente, Jean Marie Guyau, en Los problemas de la
estética contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista
sociológico (1888), planteó una visión evolucionista del arte, afirmando que el
arte está en la vida, y que evoluciona como esta; y, al igual que la vida del ser
humano está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad. 20

La estética sociológica tuvo una gran vinculación con el realismo pictórico y con

movimientos políticos de izquierdas, especialmente el socialismo utópico:
autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre Joseph
Proudhon defendieron la función social del arte, que contribuye al desarrollo de
la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico. Por otro lado,
en el Reino Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William
Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de
Venecia (1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la
vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así como la
degradación de la clase obrera, defendiendo la función social del arte. En El
arte del pueblo (1879) pidió cambios radicales en la economía y la sociedad,
reclamando un arte “hecho por el pueblo y para el pueblo”. Por su parte, Morris
–fundador del movimiento Arts & Crafts– defendió un arte funcional, práctico,
que satisfaga necesidades materiales y no solo espirituales. En Escritos
estéticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) planteó un concepto de arte
utilitario pero alejado de sistemas de producción excesivamente tecnificados,
próximo a un concepto del socialismo cercano al corporativismo medieval.21

Representación de El cascanueces, de Piotr Chaikovski.

Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev
Tolstoi: en ¿Qué es el arte? (1898) se planteó la justificación social del arte,
argumentando que siendo el arte una forma de comunicación solo puede ser
válido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los
hombres. Para Tolstoi, la única justificación válida es la contribución del arte a
la fraternidad humana: una obra de arte solo puede tener valor social cuando
transmite valores de fraternidad, es decir, emociones que impulsen a la
unificación de los pueblos.22

En esa época se empezó a abordar el estudio del arte desde el terreno de

la psicología: Sigmund Freud aplicó el psicoanálisis al arte en Un recuerdo
infantil de Leonardo da Vinci (1910), defendiendo que el arte sería una de las
maneras de representar un deseo, una pulsión reprimida, de forma sublimada.
Opinaba que el artista es una figura narcisista, cercana al niño, que refleja en el
arte sus deseos, y afirmó que las obras artísticas pueden ser estudiadas como
los sueños y las enfermedades mentales, con el psicoanálisis. Su método
era semiótico, estudiando los símbolos, y opinaba que una obra de arte es un
símbolo. Pero como el símbolo representa un determinado concepto
simbolizado, hay que estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la
obra.23 Igualmente, Carl Gustav Jung relacionó la psicología con diversas
disciplinas como la filosofía, la sociología, la religión, la mitología, la literatura y
el arte. En Contribuciones a la psicología analítica (1928), sugirió que los
elementos simbólicos presentes en el arte son “imágenes primordiales” o
“arquetipos”, que están presentes de forma innata en el “subconsciente
colectivo” del ser humano.24

Wilhelm Dilthey, desde la estética cultural, formuló una teoría acerca de la

unidad entre arte y vida. Prefigurando el arte de vanguardia, Dilthey ya
vislumbraba a finales del siglo XIX cómo el arte se alejaba de las reglas
académicas, y cómo cobraba cada vez mayor importancia la función del
público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista
determinado. Encontró en todo ello una “anarquía del gusto”, que achacó a un
cambio social de interpretación de la realidad, pero que percibió como
transitorio, siendo necesario hallar «una relación sana entre el pensamiento
estético y el arte». Así, ofreció como salvación del arte las “ciencias del
espíritu”, especialmente la psicología: la creación artística debe poder
analizarse bajo el prisma de la interpretación psicológica de la fantasía.
En Vida y poesía (1905) presentó la poesía como expresión de la vida, como
‘vivencia’ (Erlebnis) que refleja la realidad externa de la vida. La creación
artística tiene pues como función intensificar nuestra visión del mundo exterior,
presentándolo como un conjunto coherente y pleno de sentido. 25

Visión actual[editar]

Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX supone una pérdida del concepto de

belleza clásica para conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.

El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la

superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos
más subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y
cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponen
una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de
realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del
tiempo de Bergson, la Teoría de la relatividad de Einstein, la mecánica
cuántica, la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las
nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a que
la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos
factores producen la génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar
la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos. 26 El arte actual
tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia simultáneamente junto a este:
así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas
inmutables, el actual, de raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social
de placer (cultura de masas). También hay que valorar la progresiva
disminución del analfabetismo, puesto que antiguamente, al no saber leer gran
parte de la población, el arte gráfico era el mejor medio para la transmisión del
conocimiento –sobre todo religioso–, función que ya no es necesaria en el siglo
XX.

Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo: de la obra de Marx se

desprendía que el arte es una “superestructura” cultural determinada por las
condiciones sociales y económicas del ser humano. Para los marxistas, el arte
es reflejo de la realidad social, si bien el propio Marx no veía una
correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que
produce. Georgi Plejánov, en Arte y vida social (1912), formuló una
estética materialista que rechazaba el “arte por el arte”, así como la
individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve. 27 Walter
Benjamin incidió de nuevo en el arte de vanguardia, que para él es «la
culminación de la dialéctica de la modernidad», el final del intento totalizador
del arte como expresión del mundo circundante. Intentó dilucidar el papel del
arte en la sociedad moderna, realizando un análisis semiótico en el que el arte
se explica a través de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado
aparentemente satisfactorio. En La obra de arte en la época de la
reproductibilidad técnica (1936) analizó la forma cómo las nuevas técnicas de
reproducción industrial del arte pueden hacer variar el concepto de este, al
perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo de reverencia mítica;
esto abre nuevas vías de concebir el arte –inexploradas aún para Benjamin–
pero que supondrán una relación más libre y abierta con la obra de arte. 28

Theodor W. Adorno, como Benjamin perteneciente a la Escuela de Frankfurt,

defendió el arte de vanguardia como reacción a la excesiva tecnificación de la
sociedad moderna. En su Teoría estética (1970) afirmó que el arte es reflejo de
las tendencias culturales de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de esta,
ya que el arte representa lo inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo
que existe pero como posibilidad de ser otra cosa, de trascender. El arte es la
“negación de la cosa”, que a través de esta negación la trasciende, muestra lo
que no hay en ella de forma primigenia. Es apariencia, mentira, presentando lo
inexistente como existente, prometiendo que lo imposible es posible. 29
Isla Pagoda en la desembocadura del río Min (1870), de John Thomson.
La fotografía supuso una gran revolución a la hora de concebir el arte en el
siglo XIX y el XX.

Representante del pragmatismo, John Dewey, en Arte como

experiencia (1934), definió el arte como “culminación de la naturaleza”,
defendiendo que la base de la estética es la experiencia sensorial. La actividad
artística es una consecuencia más de la actividad natural del ser humano, cuya
forma organizativa depende de los condicionamientos ambientales en que se
desenvuelve. Así, el arte es “expresión”, donde fines y medios se fusionan en
una experiencia agradable. Para Dewey, el arte, como cualquier actividad
humana, implica iniciativa y creatividad, así como una interacción entre sujeto y
objeto, entre el hombre y las condiciones materiales en las que desarrolla su
labor.30

José Ortega y Gasset analizó en La deshumanización del arte (1925) el arte de

vanguardia desde el concepto de “sociedad de masas”, donde el carácter
minoritario del arte vanguardista produce una elitización del público consumidor
de arte. Ortega aprecia en el arte una “deshumanización” debida a la pérdida
de perspectiva histórica, es decir, de no poder analizar con suficiente distancia
crítica el sustrato socio-cultural que conlleva el arte de vanguardia. La pérdida
del elemento realista, imitativo, que Ortega aprecia en el arte de vanguardia,
supone una eliminación del elemento humano que estaba presente en el
arte naturalista. Asimismo, esta pérdida de lo humano hace desaparecer los
referentes en que estaba basado el arte clásico, suponiendo una ruptura entre
el arte y el público, y generando una nueva forma de comprender el arte que
solo podrán entender los iniciados. La percepción estética del arte
deshumanizado es la de una nueva sensibilidad basada no en la afinidad
sentimental –como se producía con el arte romántico–, sino en un cierto
distanciamiento, una apreciación de matices. Esa separación entre arte y
humanidad supone un intento de volver al hombre a la vida, de rebajar el
concepto de arte como una actividad secundaria de la experiencia humana. 31

En la escuela semiótica, Luigi Pareyson elaboró en Estética. Teoría de la

formatividad (1954) una estética hermenéutica, donde el arte es interpretación
de la verdad. Para Pareyson, el arte es “formativo”, es decir, expresa una forma
de hacer que, «a la vez que hace, inventa el modo de hacer». En otras
palabras, no se basa en reglas fijas, sino que las define conforme se elabora la
obra y las proyecta en el momento de realizarla. Así, en la formatividad la obra
de arte no es un “resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha encontrado la
regla que la define específicamente. El arte es toda aquella actividad que busca
un fin sin medios específicos, debiendo hallar para su realización un proceso
creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo. 32
Pareyson influyó en la denominada Escuela de Turín, que desarrollará su
concepto ontológico del arte: Umberto Eco, en Obra abierta (1962), afirmó que
la obra de arte solo existe en su interpretación, en la apertura de múltiples
significados que puede tener para el espectador; Gianni Vattimo, en Poesía y
ontología (1968), relacionó el arte con el ser, y por tanto con la verdad, ya que
es en el arte donde la verdad se muestra de forma más pura y reveladora. 33
El cómic ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de bellas
artes. En la imagen Little Nemo in Slumberland, el primer gran clásico del
cómic publicado en 1905.

Una de las últimas derivaciones de la filosofía y el arte es la postmodernidad,

teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que
habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y
económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por
la Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por
la Revolución industrial. Frente a las propuestas del arte de vanguardia, los
postmodernos no plantean nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan solo
reinterpretan la realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes
anteriores, que pierden así su sentido. La repetición encierra el marco del arte
en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la incapacidad
del arte para transformar la vida cotidiana. El arte postmoderno vuelve sin
pudor al sustrato material , a la obra de arte-objeto, al “arte por el arte”, sin
pretender hacer ninguna evolución, ninguna ruptura. Algunos de sus más
importantes teóricos han sido Jacques Derrida y Michel Foucault.34

Como conclusión, cabría decir que las viejas fórmulas que basaban el arte en
la creación de belleza o en la imitación de la naturaleza han quedado
obsoletas, y hoy día el arte es una cualidad dinámica, en constante
transformación, inmersa además en los medios de comunicación de masas, en
los canales de consumo, con un aspecto muchas veces efímero, de percepción
instantánea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su génesis
conceptual y en su realización material. 35 Morris Weitz, representante de
la estética analítica, opinaba en El papel de la teoría en la estética (1957) que
«es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean
necesarios y suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una
imposibilidad lógica, y no simplemente algo que sea difícil de obtener en la
práctica». Según Weitz, una cualidad intrínseca de la creatividad artística es
que siempre produce nuevas formas y objetos, por lo que «las condiciones del
arte no pueden establecerse nunca de antemano». Así, «el supuesto básico de
que el arte pueda ser tema de cualquier definición realista o verdadera es
falso».36
En el fondo, la indefinición del arte estriba en su reducción a determinadas
categorías –como imitación, como recreación, como expresión–; el arte es un
concepto global, que incluye todas estas formulaciones y muchas más, un
concepto en evolución y abierto a nuevas interpretaciones, que no se puede
fijar de forma convencional, sino que debe aglutinar todos los intentos de
expresarlo y formularlo, siendo una síntesis amplia y subjetiva de todos ellos.

El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas,

construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta
reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir
un choque.
Władysław Tatarkiewicz, Historia de seis ideas (1976).37

Clasificación[editar]

Las siete artes liberales, imagen del Hortus deliciarum (siglo XII), de Herrad von
Landsberg.

La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden

considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de
arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se
consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y
sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas
artes como la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas
la música y la poesía. Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de
las artes fue la de los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre
“artes útiles” y “artes placenteras”, es decir, entre las que producen objetos de
cierta utilidad y las que sirven para el entretenimiento. Plutarco introdujo, junto
a estas dos, las “artes perfectas”, que serían lo que hoy consideramos
ciencias. Platón, por su parte, estableció la diferencia entre “artes productivas”
y “artes imitativas”, según si producían objetos nuevos o imitaban a otros. 38

Durante la era romana hubo diversos intentos de clasificar las

artes: Quintiliano dividió el arte en tres esferas: “artes teóricas”, basadas en el
estudio (principalmente, las ciencias); “artes prácticas”, basadas en una
actividad, pero sin producir nada (como la danza); y “artes poéticas” –según
la etimología griega, donde ποίησις (poíêsis) quiere decir ‘producción’–, que
son las que producen objetos. Cicerón catalogó las artes según su importancia:
“artes mayores” (política y estrategia militar), “artes medianas” (ciencias, poesía
y retórica) y “artes menores” (pintura, escultura,
música, interpretación y atletismo). Plotino clasificó las artes en cinco grupos:
las que producen objetos físicos (arquitectura), las que ayudan a la naturaleza
(medicina y agricultura), las que imitan a la naturaleza (pintura), las que
mejoran la acción humana (política y retórica) y las intelectuales (geometría).39

Sin embargo, la clasificación que tuvo más fortuna –llegando hasta la era
moderna– fue la de Galeno en el siglo II, que dividió el arte en “artes liberales”
y “artes vulgares”, según si tenían un origen intelectual o manual. Entre las
liberales se encontraban: la gramática, la retórica y la dialéctica –que formaban
el trivium–, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música –que
formaban el quadrivium–; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la
pintura, pero también otras actividades que hoy consideramos artesanía. 40

Durante la Edad Media continuó la división del arte entre artes liberales y

vulgares –llamadas estas últimas entonces “mecánicas”–, si bien hubo nuevos
intentos de clasificación: Boecio dividió las artes en ars y artificium, clasificación
similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una acepción que casi excluía
las formas manuales del campo del arte, dependiendo este tan solo de la
mente. En el siglo XII, Radulfo de Campo Lungo intentó hacer una clasificación
de las artes mecánicas, reduciéndolas a siete, igual número que las liberales.
En función de su utilidad cara a la sociedad, las dividió en: ars victuaria, para
alimentar a la gente; lanificaria, para vestirles; architectura, para procurarles
una casa; suffragatoria, para darles medios de transporte; medicinaria, que les
curaba; negotiatoria, para el comercio; militaria, para defenderse.41

En el siglo XVI empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la

escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también
un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de
manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante
el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del diseño), por
cuanto comprendían que esta actividad –el diseñar– era la principal en la
génesis de las obras de arte.42

Las Meninas (1656), de Velázquez, fue un alegato de la figura del pintor como

artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta entonces
se tenía del oficio de pintor.

Sin embargo, faltaba aglutinar estas artes del diseño con el resto de
actividades consideradas artísticas (música, poesía y teatro), tarea que se
desarrolló durante los dos siglos siguientes con varios intentos de buscar un
nexo común a todas estas actividades: así, el humanista florentino Giannozzo
Manetti propuso el término “artes ingeniosas”, donde incluía las artes liberales,
por lo que solo cambiaba el vocablo; el filósofo neoplatónico Marsilio
Ficino elaboró el concepto de “artes musicales”, argumentando que la música
era la inspiración para todas las artes; en 1555, Giovanni Pietro
Capriano introdujo en su De vera poetica la acepción “artes nobles”, apelando a
la elevada finalidad de estas actividades; Lodovico Castelvetro habló en
su Correttione (1572) de “artes memoriales”, ya que según él estas artes
buscaban fijar en objetos la memoria de cosas y acontecimientos; Claude-
François Menestrier, historiador francés del siglo XVII, formuló la idea de “artes
pictóricas”, remarcando el carácter visual del arte; Emanuele Tesauro ideó
en 1658 la noción de “artes poéticas”, inspirado en la célebre cita de Horacio ut
pictura poesis (la pintura como la poesía), describiendo el componente poético
y metafórico de estas artes; ya en el siglo XVIII, coincidieron en un mismo año
(1744) dos definiciones, la de “artes agradables” de Giambattista Vico, y la de
“artes elegantes” de James Harris; por último, en 1746, Charles
Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la
concepción actual de bellas artes, remarcando su aspecto de imitación
(imitatio).43