Fundamentos del Diseño 2º de Bachillerato E.

de Arte

Formas básicas de composición

El signo
El signo es un objeto y acción que representa y sustituye a otro objeto, fenómeno
o señal. Del uso del signo surge la semiótica, (del griego "semion"), como doctrina
que estudia las reglas que gobiernan la producción, transmisión e interpretación
de estos símbolos.
Podemos describir la comunicación entre los humanos, como una forma e inter-
cambio de transferir mensajes, la única forma de hacerlo es por medio del uso de
signos, tales como: el que se emite a través del habla, letras, números, fotografías,
etc.
Los signos son el medio a través del cual se hace posible la transmisión de los
pensamientos, significados e ideas. Se extrae de ellos lo que hace posible, una si-
tuación sígnica, la comunicación entre dos o más personas.

Clasificación de los signos:

Signos indicativos
La primera gran división corresponde a los signos naturales que se diferencian
de los signos artificiales. El rasgo diferencial entre ellos es la no participación di-
recta del hombre en la creación de estos signos (naturales) y la participación di-
recta en la creación de dichos signos (artificiales). En ambos casos el hombre lo
interpreta, pero no siempre los crea, ya sea como actividad consciente o incons-
ciente.
Los signos naturales reciben también la denominación de indicaciones o índices.
Así el humo es el indicio de que hay fuego, las nubes pueden interpretarse como
indicio de posibilidad de lluvia, las arrugas de la cara como síntomas de enveje-
cimiento, etc.

Signos simbólicos
Los signos artificiales se dividen a su vez en lingüísticos y no lingüísticos, inclu-
yendo entre los primeros los sistemas verbales y los que se crean a partir de ellos:
escritura, morse, braille, etc., de carácter natural o tradicional, (las lenguas o idio-
mas). Código Morse internacional
Los no lingüísticos o signos, se oponen a los verbales (base de todo el proceso de El código Morse internacional es un sis-
tema de puntos y rayas que se puede uti-
la comunicación humana), se dividen en, señales, símbolos e iconos. Los primeros lizar para enviar mensajes mediante una
influyen, según la teoría de Schaf, de una forma o de otra sobre la voluntad de linterna, un pulsador telegráfico, cualquier
otro dispositivo rítmico o incluso golpeando
los individuos mientras que los segundos sólo actúan de forma inmediata. con los dedos. A medida que el pulsador
Reznikov explica que todos los signos son fenómenos materiales que actúan di- telegráfico sube y baja, cierra o abre un cir-
cuito eléctrico y transmite una señal en
rectamente sobre los órganos de los sentidos. El disparo de un cohete como señal forma de pulsos eléctricos. En el código
Morse internacional, cada letra o número
de ataque o el humo de una montaña, significa un incendio. Los símbolos se di- está representado por una combinación de
ferencian, de los signos icónicos por tres características: rayas y puntos: una raya tiene una dura-
ción equivalente a tres puntos. La señal
.Son objetos materiales que representan ideas abstractas. del código Morse más conocida es la peti-
.Funcionan por alegorías o metáforas, y ción de auxilio: punto punto punto, raya
raya raya, punto punto punto (SOS).
.van dirigidos a los sentidos.
Su representación ha de tener un cierto significado para que puedan interpretarse
bien. Ejemplos de símbolos son la Cruz que representa al Cristianismo o el de un
centro sanitario y la Media Luna que presenta al Islam.

Los signos icónicos

Funcionan de acuerdo con el principio de semejanza y en él pueden incluirse toda
clase de imágenes, dibujos, pinturas, fotografías o esculturas.
Charles Sanders Peirce los definía como signos que tienen cierta semejanza con
el objeto a que se refieren. Así, el retrato de una persona o un diagrama son signos
icónicos por reproducir la forma de las relaciones reales a que se refieren. Esta de-

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finición ha tenido una gran aceptación gracias a la difusión hecha por su discípulo
Charles Morris que estableció el conjunto de propiedades que tienen que compartir
un signo y su denotado (aquello que el signo representa). Además, definió las es-
calas de iconicidad; unos signos serán más icónicos que otros. Por ejemplo, un di-
bujo lineal de un gato será menos icónico que la foto de un gato. La fotografía en
color, a escala real, será menos icónica que una escultura con volumen. La iconi-
cidad al 100% sería aquella que tuviese todas las propiedades visuales, tácticas,
sensitivas, etc., del objeto. La tradicionalmente la tendencia en la historia del arte
ha sido la de representar la realidad lo más icónica posible. Sin embargo, si se ob-
serva una imagen publicitaria, no siempre se representan todas las propiedades,
ya que muchas de ellas están simplemente sugeridas a través de otras.
Umberto Eco trata la estructura perceptiva análoga entre el icono y el objeto. La imagen para ser interpretada ha de
tener una cierta identificación visual con su referente, pero, al mismo tiempo, tiene que estar sometida a un código,
que le otorgue el carácter de imagen convencional. Existen diferentes códigos para la representación icónica, es
decir, códigos culturales socialmente aprendidos; no tan estrictos como los lenguajes de disciplinas. Son más difusos
y a la vez establecen las características adecuadas para la representación icónica. Una cultura establece las caracte-
rísticas pertinentes para que la imagen representada pueda ser percibida como diferenciada de otra mediante una
serie de convenciones. Así, a la hora de representar algo no reproduciremos todas las características, sino los arti-
lugios gráficos que se le atribuyen (por ejemplo, el artilugio gráfico pertinente de una cebra son las rayas. Son
códigos de reconocimiento que identifican características pertinentes y caracterizadoras del contenido.
La Teoría de la Gestalt tiene como tesis central la idea de que la percepción visual no es un proceso de asociación de
elementos sueltos, porque la mente funciona como una totalidad compleja y organizada. Sería un proceso integral en
el que el Sistema Nervioso recoge y ordena los estímulos que el signo icónico (imagen) le aporta, y los ordena con-
forme a las estructuras psíquicas del cerebro. En concreto por la existencia de un isomorfismo entre el campo cerebral
y la organización de los estímulos. La teoría de la Gestalt posee la ventaja de ofrecer elementos de organización básica
del entorno visual, reduciendo la información y encaminándola a la constitución de nuestra experiencia.
El signo icónico reproduce algunas condiciones de la recepción del objeto, seleccionadas por un código visual y
anotadas a través de convenciones gráficas.
Los signos icónicos se ofrecen al receptor real con toda la naturalidad de cada uno de ellos representándose a sí
mismos. No poseen las propiedades de la realidad, sino que transcriben, según cierto código de reconocimiento, al-
gunas condiciones de la experiencia.

Clasificación de los signos icónicos

Los símbolos pueden componerse de información realista, extraídas del entorno, fácil de reconocer, o también por
formas, tonos, colores, texturas..., elementos visuales básicos que no guardan ninguna similitud con los objetos del
entorno natural. No poseen ningún significado, excepto el que se les asigna. Existen muchas formas de clasificar a
los símbolos; pueden ser simples o complicados, obvios u oscuros, eficaces o inútiles. Su valor se puede determinar
según hasta donde penetran la mente pública en térmi-
nos de reconocimiento y memoria.
El receptor es la persona a la que va destinado el signo.
Así que el medio a través del cual se ha de interpretar
este el signo ha de encontrarse familiarizado con el. Si
el receptor no conoce el símbolo que el transmisor está
ejercitando, difícilmente podrá comprender el mensaje
del signo, propiamente dicho.
Para que pueda comprenderse un mensaje, emitido a
través de un signo deben incluirse tres aspectos: Los
sintácticos, semánticos y pragmáticos.
Sintácticos: Estudian el signo según la forma percibida.
Semánticos: Estudian la forma en que el significado se
encuentra conectado con el significado, la relación entre
la forma y lo que significa la forma.
Pragmáticos: Por su utilización y uso, el resultado de
Triángulo semántico estos, los efectos del mismo.

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Elementos básicos del signo:

El punto
Desde el punto de vista científico, el punto representa un concepto abstracto que indica
con precisión exacta la ubicación de un encuentro, intersección, etc., o de un fenómeno de
significación concreta, hablándose así de punto de cruce, de acción, etc.
En sentido gráfico, el punto es una superficie materializada, es decir, reconocible por el ojo hu-
mano; es la unidad gráfica más pequeña, el “átomo”, por así decir, de toda expresión plástica.
Sin embargo, rara vez se presenta el punto como elemento aislado; por lo común lo hace en
relación con otro signo, como cuando corona la letra i dándole significado de vocal al mero
trazo vertical (1), o como lugar geométrico del que equidistan los que componen la circun-
ferencia, convirtiéndose así, simbólicamente, en expresión del «centro» del círculo (2).
La reunión de puntos sobre una superficie es considerada como trama, es decir, ya no como
acumulación de puntos aislados sino como efecto colectivo tonal; como fundamento, por
ejemplo, de nuestra técnica de reproducción de semitonos (3).
Este elemento estructural es tanto imaginario como real. En cualquiera de los dos casos hace referencia a una posición
en el espacio y ejerce una fuerte atracción sobre el ojo. El centro óptico de un impreso es un ejemplo de punto ima-
ginario, como las letras iniciales, que actúan como puntos. De la misma forma se usan los puntos grandes para atraer
la vista. El punto supone la unidad mínima de comunicación visual. Es el elemento gráfico fundamental, el mas
económico y simple del alfabeto visual y además es el único elemento gráfico irreducible en si mismo.

La línea
Se encuentra formada por una serie de puntos unidos entre sí, sucesivamente, asimilando la trayectoria de la misma,
seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y
afecta al resto de elementos juntos a ella.
También puede ser real o imaginaria. Es real cuando se utiliza para
líneas de formas como sucede en el dibujo lineal o en figuras o letras
del alfabeto. Es imaginaria en las palabras y en las oraciones que en
si mismas forman líneas. Para el diseño, es muy importante la línea
imaginaria. La línea, es una forma de energía que divide, encierra y
define los espacios. No solo comunica las formas sino que también
da estabilidad, movimiento, acción y dirección. Por definición, sirve
para conectar dos puntos en el espacio aunque también puede en-
tenderse como el resultado de la animación de un punto. La línea
constituye un elemento indispensable para poder visualizar materialmente todo aquello que tenemos en nuestra ima-
ginación y en cualquier tipo de dibujo. Es rígida y definida en el dibujo técnico o expresivo y espontánea en el
dibujo artístico. Tipos de líneas:
1.-Líneas dominantes: son las que dirigen el movimiento, la
fuerza, la posición o la forma. Ejemplo los titulares.
2.-Pautas, que apoyan la medida de la composición o las for-
mas más dominantes de la letra. Ejemplo: filetes, marcos, re-
mate.
3.-Plantillas o retículas: mediante las que las que se colocan
los distintos elementos de la página.
El primer elemento del diseño es pues la línea. Las líneas se pueden
utilizar de muchas maneras y según su disposición:
.Ayudan a organizar la información.
.Pueden dirigir el ojo de sus lectores en cuanto a la organiza-
ción de la disposición.
.Pueden crear sensación y el ritmo de un movimiento.
Por ejemplo, las líneas pueden organizar la información y los límites
en una página. Las lineas verticales u horizontales se pueden también
utilizar para dirigir a los lectores.

Cebras por Victor Vasarely

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La forma y el trazo
Las formas se articulan con las líneas, pero también pueden definirse
en relación al tono, la textura, los contornos y el tamaño. El ser hu-
mano, impone a lo que ve tres formas básicas: cuadrados, círculos y
triángulos. Existen infinitas variaciones y combinaciones de las formas.
Psicológicamente cada forma sugiere su propio significado. En diseño
las formas se definen mediante sólidos y masas. Un sólido, es un ele-
mento de tamaño y contorno definidos, por ejemplo: una fotografía; y
una masa es un conjunto de piezas individuales que colectivamente
forman una unidad, por ejemplo una columna de texto. Los sólidos y
las masas establecen y mantienen el orden de prioridad de la compo-
sición. Hay que considerar detenidamente la colocación del espacio de
los sólidos y las masas para que exista una
armonía entre ellos.
Por su trazo las líneas pueden:
- Transportar un humor o una emoción.
- Organizar un diseño.
- Establecer las columnas del texto.
- Crear una textura.
- Crear el movimiento.
- Definir una forma.
- Llamar la atención sobre una palabra.
- Conectar trozos de información en su dis-
posición.
- Capitular una imagen o una palabra.

Las formas: definición

La forma de los objetos y cosas, comunican
ideas por ellos mismos, llaman la atención del receptor dependiendo de la forma ele-
gida. Es un elemento esencial para un buen diseño.
Forma es cualquier elemento que utilicemos para dar o determinar la forma.
Se consideran formas básicas del diseño el círculo, el triángulo y el cuadrado, por su
capacidad estructural para realizar creaciones de diseño. La superficie de estas formas
se puede someter a diferentes particiones, con distintos niveles de regularidad o esta-
bleciendo perfectas simetrías. Se pueden desplazar o superponer las partes derivadas
de los cortes y se pueden combinar las tres formas para crear nuevos diseños.

El círculo
De la estructura del círculo destaca la fuerza que ejerce el centro respecto a los puntos
más alejados, atrayendo de esta manera la mirada. Por ello, el empleo del círculo
como base estructural es de gran importancia en la creación de diseños de logotipos.
Entre otros efectos visuales y psicológicos el círculo produce sensación de protección,
inestabilidad, movimiento continuo, infinitud y totalidad.
Los principales recursos geométricos que se utilizan para variar la apariencia del cír-
culo son la intersección, la disposición concéntrica y la subdivisión regular o irregular.
Observa en los ejemplos de arriba las posibilidades creativas de la forma circular.

El triángulo
La estructura del triángulo puede ser regular o irregular, aunque en diseño se suele
utilizar más la regular, es decir, el triángulo equilátero.
Los diseños realizados a partir del triángulo tienen un efecto de estabilidad, si están
apoyados sobre la base, y de equilibrio inestable, si se apoyan sobre un vértice.

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El cuadrado
El cuadrado nos permite crear infinitas formas de-
rivadas. Sus proporciones son modificables dando
lugar a nuevas formas también estables, como el
rectángulo.
Se caracteriza por su efecto de estabilidad, y sugiere
sensaciones de peso y seguridad.

Figuras compuestas
El círculo, el triángulo y el cuadrado pueden com-
binarse para crear estructuras más complejas.
Estas combinaciones pueden incluir la repeti-
ción de alguna de las figuras fundamentales,
como puedes observar en los ejemplos que se
ofrecen arriba a la derecha.
Las formas inusuales atraen la atención porque in-
ducen a la gente a intentar ver formas regulares de las imágenes.

Disposición de las formas

Hay tres maneras de que la forma realce su disposición. Primero, la forma ayuda a sostener interés del lector. Las
formas se pueden utilizar para romper hacia arriba una página que contenga mucho texto. En segundo lugar, la
forma se utiliza para organizar y para separar. Una parte del texto se puede poner en una forma con un fondo colorido
y agregará variedad a una página. Podemos utilizar la forma para conducir el ojo del lector con el diseño.
Según las disposiciones, el ojo busca un lugar para comenzar y seguir con el diseño al extremo. La forma puede
ayudarle a guardar la atención de éste

El tono
La palabra tono, se refiere a la claridad u oscuridad relativa. Solo por este contraste percibimos visualmente puntos,
líneas, formas y texturas. También se le llama valor tonal. Nuestros sistemas visuales están equipados para percibir
el color y eso es lo que vemos en la naturaleza, sin embargo una simbolización o representación en blanco y negro
es perfectamente aceptable e interpretable por que el tono tiene una importancia básica para la percepción y la ad-
quisición de información a la hora de comprender un impreso o imagen. En general, las masas de gris pueden ana-
lizarse para determinar su valor tonal. Una escala de valores tonales iría desde 0% que correspondería al blanco,
hasta el 100% que correspondería al negro. El valor tonal es una referencia que ayuda a determinar los niveles de
contraste y permite dirigir el interés del diseño.

La textura como elemento básico

Toda estructura de una superficie puede ser percibida visualmente como algo que tiene textura. En diseño gráfico,
la textura es el motivo de luces y sombras creado por la repetición de letras y formas en relación con el espacio que
les rodea. Aparece siempre que las letras o los símbolos se imprimen formando bloques o cajas de texto. La trama
de la textura puede ser abierta, aleatoria o prieta. Pueden crearse texturas repitiendo formas iguales o similares; o
modificando la estructura bidimensional de la estructura de la superficie de la página. La fuerza de la textura guarda
una relación directa con el espaciado entre tipos, cuando se trata de un texto y con la repetición cuando es un fondo
o un adorno. El diseñador debe controlar la textura para que no interfiera con otros elementos del diseño. Las texturas
no tipográficas son elementos energéticos que contienen distintas intensidades de tonos claros y oscuros y suelen
producir mejores resultados cuando el texto no las pisa

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El tercer elemento básico, es pues la textura, aporta

al diseño sensaciones visuales referidas a la super-
ficie de los objetos. Además de la línea y el plano
la textura es un elemento que aporta riqueza plástica
a los objetos y a las creaciones de diseño. Diaria-
mente encontramos gran variedad de texturas, por
todo el entorno que nos rodea. La textura ayuda a
crear una sensación particular para una disposición
o para otra en formas individuales.
La textura, permite crear una adaptación personali-
zada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza
al diseño.
Existen dos tipos de texturas: táctil y visual.

Textura táctil y visual

Textura táctil: Son todas aquellas que además de
ofrecer una sensación visual son perceptibles al
tacto. Por ejemplo la de una superficie rugosa, con
relieve o la de otra más fina como la de un papel, o
la suavidad del terciopelo.
Textura visual o gráfica: Aquellas texturas que apa-
recen impresas o en la pantalla del ordenador. Estas
texturas pueden recrear la apariencia de las táctiles, de forma que se parecen a las de la realidad, como la represen-
tación de arena, piedras, rocas... Además pueden ser creaciones personales de los diseñadores, pudiéndose obtener
por procedimientos manuales o informáticos.

Textura mosaico o patrón

Un patrón o mosaico sería un tipo de textura visual. Cuando una imagen o una línea, del tipo que sea, se repite
muchas veces, acaba creando una textura visual. Un ejemplo de ello serían los patrones de luces, que en de la oscu-
ridad agregan dimensión a una superficie.
El papel que se utiliza para envolver, en el que se repita la marca o logotipo de un comercio, es un buen ejemplo del
patrón. Los patrones pueden hacer fondos.

Espacio y formato
El espacio es el ámbito en el que actúan los demás elementos y la base sobre la que va a realizarse todo el diseño.
El resultado de la composición viene determinado por la selección y la yuxtaposición de los demás elementos dentro
del espacio que se les ha reservado. En diseño, el espacio es un elemento ambiguo que puede estar definido tan rí-
gidamente como en el papel de dibujo de un delineante, como ser ilimitado e infinito como el cielo. El diseñador
debe comprender que los elementos en del espacio interior del diseño tienen que sostener el motivo central y debe
de ser consciente también de la influencia que el espacio exterior ejercerá sobre el diseño. Tipos de espacio en el di-
seño tipográfico:
1.-Hay que considerar el espacio definido en su interior por algunas letras (blanco interno) y el que
queda entre las propias letras (separación de letras)
2.-Espacio entre palabras, que es necesario para diferenciar y que confiere a las palabras. Esa identidad
que las hace inmediatamente reconocibles.
3.-El espacio entre las líneas o interlineado, que es el espacio horizontal que separa unas líneas de otras
y contribuye a la legibilidad.
El espacio se puede considerar pues como el cuarto elemento fundamental del diseño.
Es la distancia o el área entre o alrededor de las cosas. Cuando se está diseñando, debemos pensar donde vamos a
colocar todos los elementos y a que distancia unos de los otros. El tipo de imágenes que colocaremos, la dimensión
de éstas, el texto y lo que habrá alrededor de ellas, etc.
Las diferentes tonalidades que emplearan los elementos y las formas, sirven para crear relaciones espaciales y
focales, de gran interés para el receptor. Se pueden llegar a conseguir efectos muy variados y especiales dependiendo

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de como se combinen, estos. Por ejemplo si usamos bastante espacio en blanco, se produce un descanso para el ojo.
Si dejamos mucho espacio en blanco alrededor de algún objeto, palabra o imagen, estamos haciendo que destaque
del resto de la composición.

Efectos que produce el espacio

Efectos que nos produce el espacio, dentro de nuestro campo visual:
- Al utilizar espacio en blanco en una composición, el ojo descansa.
- Utilizando una pequeña cantidad de espacio creamos lazos entre los elementos.
- Lograremos una mayor profundidad en nuestro diseño si superponemos un elemento con otro.
- Si utilizamos mucho espacio en blanco, alrededor de un objeto, imagen o texto, conseguiremos que sobresalga y
destaque del resto de la composición.
- Los grandes márgenes ayudan a seguir un diseño una de forma más fácil.
- Si utilizamos un espaciamiento desigual entre los elementos, crearemos una página dinámica.

El formato
El quinto elemento básico del diseño, es el tamaño. Cómo de grande o pequeño es algo. En diseño, el tamaño es un
factor importante, puede hacer que algo funcione, el tamaño puede hacer que algo consiga atraernos porque tiene pre-
cisamente ese formato, o que no atraiga por tener un formato inadecuado. Un tamaño adecuado ayuda a organizar.
Dentro del espacio, es importantísimo el formato. El formato es la forma y el tamaño del trabajo realizado. Cuando
hablamos de formato de un archivo, hacemos referencia al tamaño en el que será presentado e impreso.

Factores importantes en el formato

Otro factor importante, a tener en cuenta, es utilizar el tamaño adecuado, para atraer a la clase de público o personas
receptoras de nuestro diseño. Se pueden colocar elementos grandes y pequeños, contrastando entre ellos, o hacer
una imagen más grande y trabajarla de una manera más interesante.
Otro punto, que no se debe olvidar referente al tamaño dentro de la organización de un diseño, si queremos atraer
la atención de los espectadores, destacaremos el elemento más importante diseñándolo, más grande y el menos im-
portante, lo colocaremos más pequeño.
Los títulos son generalmente el elemento más grande en una página, mientras que los subtítulos y el texto del cuerpo,
son más pequeños. Objetos más grandes parecen estar más cerca en la página que los más pequeños, y eso se puede
utilizar para reforzar la importancia del elemento que queremos destacar y para crear relaciones espaciales artificiales.

Distintos formatos ISO de papel.

Dentro de los formatos de papel, en-
contramos los famosos tamaños ISO,
que son una serie de formatos esta-
blecidos por la ISO (International
Organization for Standardization).
Estas normas asimilan las normas
DIN sobre formatos de papel.
En los formatos DIN, existen las se-
ries con los correspondientes forma-
tos que se muestran a la izquierda.
El diseñador debe estar familiarizado
con estas medidas, te recomendamos
que memorices las más habituales el
DIN A4 (de 297 x 210 mm. es elfor-
mato de papel de uso más corriente)
y el doble de este el DIN A3 (de 420
x 297 mm), mediante la regla del do-
blado podrás deducir los demás.

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Elementos formales del diseño

Existen normas de estilo en el diseño, igual que en la escritura. Estas normas y principios son: El contraste, el equi-
librio, la proporción, el ritmo, la armonía, el movimiento y la unidad.
1.El contraste: En todas las formas de comunicación, algunas ideas deben enfatizarse más que otras. En diseño
gráfico hay que tener en cuenta este principio, para realizar una selección de estas determinadas ideas. El contraste
será una herramienta poderosa del diseñador para agudizar el significado del impreso puesto que muchos conceptos
solo se pueden comprender en función del concepto de lo que significa lo contrario. Puede aplicarse el contraste
aplicando polaridades de tamaño, forma, tono, textura y de dirección.
Tipos de contraste:
•Contraste en el tamaño: ej.: Ilustraciones pequeñas enfrentadas a ilustraciones grandes, para evitar la mono-
tonía y hacer que sea mas atractivo.
•Contraste en la forma: ej.: Un impreso con varias ilustraciones mejora si una de ellas es irregular.
•Contraste en el tono: ej.: un impreso con un dibujo en grises o una fotografía en blanco y negro mejora si se
coloca una parte de la iluminación con un color muy vivo.
•Contraste en la textura: ej.: En una fotografía donde hay dos personas resulta mas interesante si la capa de
uno es áspera y la del otro suave.
•Contraste en la dirección: ej.: un impreso que tenga un encabezamiento horizontal y el resto sea ilustración
vertical para que el lector dirija la vista hacia abajo inmediatamente.
2.El equilibrio: existe cuando los elementos están colocados con un sentido de contrapeso, es decir, situados de
forma que los pesos de los elementos se contrarresten para que aparezcan arraigados al sitio donde están.
Hay dos tipos de equilibrio:
•Equilibrio simétrico: Todo a la misma distancia (los elementos)
•Equilibrio asimétrico: Es el resultado de conjugar otras condiciones distintas y conseguir dar la sensación
de equilibrio.
La diferencia mas importante entre los dos tipos de equilibrio está en el uso del espacio en blanco. Este espacio
tiene un papel pasivo en el diseño simétricamente equilibrado pero en el asimétrico este espacio se convierte en
parte activa de la representación visual ofreciendo diferentes puntos de atracción.
3.Proporción: El ojo humano se mueve a saltos en un diseño mientras que el cerebro compara constantemente la
información que recibe con la que ha recibido un momento antes midiendo las fuerzas composicionales. La propor-
ción representa los resultados de la toma de decisiones del lector refiriéndose a la relación de un elemento con otro
o al diseño entendido como un todo con dimensiones que reflejan determinado tamaño. Ciertas promociones son
más atractivas a la vista que otras, la primera tarea en diseño es elegir el tamaño del impreso y sus dimensiones. Las
dimensiones mas atractivas son aquellas en las que la relación entre el ancho y la altura no es obvia para el ojo.
4.Ritmo: Se logra a través de la repetición ordenada de cualquier elemento ya sea línea, forma, tono, textura, etc.…
Hay dos tipos de ritmo:
•Ritmo simple o constante: Es la sencilla o monótona repetición del mismo motivo: un signo, una palabra,
una viñeta, unas líneas de caracteres.
•Ritmo compuesto o libre: Es el que consigue variedad al combinar dos o mas ritmos simples, es decir, dis-
tintos elementos y estructura de la pagina, proporciones y su disposición, tonos, etc.
5.Armonía: La inteligencia humana busca también en el diseño la similitud entre elementos análogos o acordes
entre sí. La armonía es la agradable combinación o consonancia entre las formas y estilos de las cosas. Se refiere a
la correspondencia entre los distintos elementos del mismo o semejante estilo, por ejemplo: caracteres con ilustración.
También es armonía de forma la semejanza de los componentes con el espacio en que van colocados.
6.Movimiento: el acto mismo de leer o mirar produce un sentido de movimiento por que el ojo se mueve de izquierda
a derecha y de arriba abajo sobretodo en diseño tipográfico (diseño de elementos con texto). En otros tipos de diseño
el control del movimiento ocular se vuelve mas problemático ya que el ojo se encuentra libre para mirar a cualquier
punto en cualquier momento. El diseñador deberá manejar los elementos para que la interpretación del impreso sea
la adecuada.
7.Unidad. Es el fundamento estético del orden compositivo y la finalidad que debe perseguirse con la distribución
y organización de los elementos que se combinan en diseño. Sin la unidad resultarían imposibles la estabilidad y la
claridad y existiría la confusión y dispersión de los elementos. Los elementos individuales del mensaje deberán re-
lacionarse entre sí y también con el diseño total para que el impreso pueda registrar una sola impresión general.