La Escultura, El Medio, Su Entorno y Su Fin

UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
FACULTAD DE BELLAS ARTES
TESIS DOCTORAL
La escultura, el medio, su entorno y su fin
MEMORIA PARA OPTAR AL GRADO DE DOCTOR
PRESENTADA POR
Tomás Bañuelos Ramón
Directores
Francisco López Hernández
Elena Blanch González
Madrid, 2016
© Tomás Bañuelos Ramón, 2015

Universidad Complutense de Madrid
Facultad de Bellas Artes
Tesis Doctoral
LA ESCULTURA, EL MEDIO, SU ENTORNO Y SU FIN
Memoria para optar al grado de Doctor presentada por

Bajo la dirección del Doctor Francisco López Hernández
y la Doctora Elena Blanch González
Departamento de Escultura
Madrid, 2015
Universidad Complutense de Madrid
Facultad de Bellas Artes
Tesis Doctoral
LA ESCULTURA, EL MEDIO, SU ENTORNO Y SU FIN
Memoria para optar al grado de Doctor presentada por
Bajo la dirección del Doctor Francisco López Hernández
y la Doctora Elena Blanch González
Departamento de Escultura
Madrid, 2015
AGRADECIMIENTOS
Quiero manifestar mi agradecimiento a todos aquellos maestros que me en
señaron su saber hacer, a los que trabajaban cuando nos habíamos ido todos
o venían el festivo para no compartir sus técnicas, y nos sorprendían al día
siguiente con aquella patina, o encarnadura, o pasta para modelar, o encaje
de figura. Aquel prodigio nos dejaba atónitos, y cubrían aquel anhelo imposi
ble de alcanzar, y aunque no enseñaban, animaban a inventar a ciegas, por
una ruta donde unas veces la magia, y otras el talento de algún compañero
alumbraba un buen resultado, y aun sin él, eran el motor de nuestra voluntad.
Hoy comprendo que mantener el secreto les daban poder, y era la manera de
hacerse respetar, les hacía únicos, pero pese a no querer desvelar sus técnica,
ponian tanto amor en su trabajo, tanta liturgía en su buen hacer, que hacían de
nuestra curiosidad una virtud.
También a esos otros que a lo largo de los años, me dieron lo mejor de sí
mismos, todo su conocimiento, a cambio de nada, por el mero hecho de saber
escuchar.
A los profesores que intentaron a toda costa liberarme de ataduras y
dogmas que te atrapaba en un quehacer rutinario y estéril. Fueron un necesario
revulsivo para abrirme los ojos y estar atento a lo que sucedía a mi alrededor
y enriquecer este oficio, para que llevara la proporción justa de lo personal y
objetivo.
No podría pasar por alto también mi agradecimiento a mis alumnos con los
que aprendí la mayor parte de lo que sé, con ellos nació mi vocación docente
porque puse en práctica sus pensamientos, los trabajos que realizan siempre
los sentí como míos, también sus fracasos y sus éxitos.
A mis directores D. Francisco López Hernández, y Dª Elena Blanch
González, sin su incalculable ayuda tanto en el estímulo personal como en el

ámbito de lo profesional ya fuera en el plano artístico o en lo docente siempre
han estado cerca. A Higinio Vázquez, el primer escultor con el que trabajé.
A los artistas realistas que incluyo en este estudio: Antonio López García,
Julio López Hernández, y Francisco López Hernández, a todos ellos y a sus
respectivas Mujeres: María Moreno, Esperanza Parada (fallecida), e Isabel
Quintanilla; gracias por dejarme compartir una buena etapa de su vida y casi
podría decir de su obra.
A mis amigos que siempre insistieron para que yo terminara esta tesis, en especial
a Ángel Llorente, por sus consejos en este laborioso proceso. A mis colaboradores/
as, siempre ayudando en lo que fuera necesario, en especial a Soraya Triana con la
que he terminado de pulir todo el aspecto estético de este proyecto.
A mis hijas, con la que de una manera o de otra compartí gran parte de la
obra que aparece en este estudio, a mi familia tan importante en mi vida, y a
Emma García-Castellano García, con la que empecé a desarrollar los primeros
pasos del proyecto.
A mis abuelos: nací en la casa de unos, y en la de los otros se forjo mi alma
de escultor. A mi madre que me dedicó su vida y en especial a mi padre que
aún me sigue apoyando.

ÍNDICE
RESUMEN...........................................................................................XIII
ABSTRACT ........................................................................................ XVI

INTRODUCCIÓN................................................................................ XXI
CAPITULO I. La escultura.................................................................... 35
I.1. Escultura, un término cambiante.........................................................37
I.2. Realismo y figuración en la obra de tres artistas: Francisco López
Hernández, Julio López Hernández y Antonio López García....................42
I.2.1. Francisco López Hernández. ................................................................ 43
I.2.2. Julio López Hernández ......................................................................... 53
I.2.3. Antonio López García. .......................................................................... 64
CAPITULO II. El medio (el taller) .................................................. 79
II.1. El proyecto .........................................................................................82
II.2. El modelado .......................................................................................93
II.3. La ampliación del monumento ...........................................................99
II.3.1. Antecedentes históricos de las técnicas de ampliación. ...................... 99
III.1.1. Modelado de la ampliación en arcilla ............................................... 103
II.4. El paso a materia definitiva ..............................................................105
II.4.1. Introducción al vaciado en escala ...................................................... 105
II.4.2. El molde ............................................................................................. 106
II.4.3. La fundición........................................................................................ 107
II.4.3.1. Antecedentes históricos de la fundición............................... 107
II.4.3.2. El Bronce ..............................................................................111
INDICE IX
CAPITULO III. El entorno ..............................................................113
III.1. El aprendizaje del artista y su lugar ................................................ 116
III.1.1. Introducción al aprendizaje. .............................................................. 116
III.1.2. Del taller del artesano, a la Academia y a las enseñanzas artísticas.117
III.1.3. Breve recorrido histórico sobre el papel del artista. .......................... 123
III.2. EI entorno personal de Tomás Bañuelos Ramón............................128
CAPITULO IV. Proceso de reflexión sobre la escultura ..................... 137
IV.1. Proceso de creación........................................................................142
IV.2. El monumento a Cristóbal Colón.....................................................144
CAPITULO V. Fin. La realización del monumento ............................. 145
V.1. Preliminares .....................................................................................147
V.2. Planteamiento urbanístico................................................................150
V.4. Emplazamiento ................................................................................174
V.5. Análisis de la ubicación del monumento a Cristóbal Colón..............176
V.6. El concurso ......................................................................................177
V.7. Desarrollo del proyecto ....................................................................182
V.8. Realización de la obra escultórica....................................................188
V.9.Descripción de la obra definitiva. ......................................................195
CONCLUSIONES .............................................................................. 197
BIBLIOGRAFÍA. ................................................................................. 209
APÉNDICES....................................................................................... 247
ENTREVISTAS........................................................................................249
X La escultura, el medio, su entorno y su fin

Entrevista con Higinio Vázquez ................................................................... 249
Entrevista a Francisco López Hernández .................................................... 259
Entrevista a Julio López Hernández ............................................................ 268
Entrevista a Antonio López .......................................................................... 294
TÉCNICOS..............................................................................................309
Modelado ..................................................................................................... 309
Ampliación en arcilla .................................................................................... 314
Sacado de puntos con máquina (escala 1/1)............................................... 319
Vaciado......................................................................................................... 321
Reproducción a partir de molde ................................................................... 322
Fundición...................................................................................................... 333
INDICE XI
XII La escultura, el medio, su entorno y su fin
RESUMEN
Título: La escultura, el medio, el entorno y su fin
Introducción
Hemos centrado este estudio en el análisis de nuestra práctica de la es
cultura, en el taller y sobre todo en las especialidades referidas al oficio del
mismo, que han sido en ocasiones la consecuencia de la colaboración con
diversos artistas, y que a su vez han constituido la base de nuestra formación,
convirtiéndose en el referente constante en la evolución de nuestro lenguaje,
tanto técnico como estético.
Resumen
La primera parte de esta tesis se dedicó sobre todo a los aspectos rela
cionados con el concepto de la escultura. En la introducción y en los cuatro
primeros capítulos se plantean los fundamentos que tratan los aspectos más
personales tanto en la poética en que se encuadra el quehacer escultórico,
como las aspiraciones éticas, estéticas y técnicas del trabajo. Para ello se ha
realizado un análisis y reflexión sobre los tres artistas que mayor relevancia y
peso han tenido y tienen sobre el realismo y la figuración española: Francisco
López, Julio López y Antonio López.
El Medio ( el Taller), es un recorrido por los espacios y las técnicas, los pro
cesos y los materiales en los que se mueven los artistas en general a través de
la historia, y en particular de los creadores que son materia de nuestro estudio.
En el capítulo, El Entorno hacemos un breve recorrido por la historia del
taller del artesano al taller del escultor en base al aprendizaje, y su evolución
hasta la formación en las escuelas y sus procesos. Desde el plano personal
hacemos una breve indagación sobre la influencia de las vivencias en la sen
sibilidad y las emociones en relación con la creación artística.
Resumen/Abstract XIII
A continuación, hemos realizado, dentro del capítulo Proceso de reflexión,
un breve prolegómeno a los procesos de realización de la Obra Colón en el
que se plantea un primer esquema sobre algunas de las cuestiones más vincu
ladas a la experiencia directa del doctorando con la escultura y de los porme
nores de como una obra propia ha tratado de abrirse camino en el panorama
internacional del arte.
En último lugar el Fin es donde, después de reflexionar ampliamente so
bre el monumento como un ámbito más de la creación dentro de una obra
personal, desarrollamos el proceso de realización de la obra escultórica que
elegimos como guía para nuestro trabajo, junto a, los recursos conceptuales y
técnicos que entendemos necesarios para poder llevarla a cabo. A su vez todo
ello ha sido el fruto de nuestro recorrido por diferentes apartados que hemos
desarrollado en esta investigación.
Se incluyen, en el texto y en los apéndices los aspectos técnicos: las labo
res que se deben asumir desde el modelado inicial a la fundición, el ampliador
o el técnico vaciador. No se ha pretendido, desde luego, descubrir temas nue
vos en las descripciones de todos estos procesos profesionales, y si se han
incluido ha sido, insistimos, por dar un carácter cerrado y acabado a lo que
nosotros entendemos como parte ineludible de la escultura y su medio.
Objetivos
La tesis doctoral con el título La Escultura, el Medio, el Entorno y su Fin, tiene
como objetivo la exposición de los principios formales y su interrelación con los proce
dimientos de trabajo y de aprendizaje en la escultura figurativa y monumental.
Un segundo objetivo, muy unido al anterior, ha sido demostrar la necesi
dad de que el artista-escultor maneje una base teórica como punto de partida
para la creación de una obra de arte. Ahora bien, dada la íntima conexión que
debe existir entre teoría y práctica, nos hemos propuesto, también, exponer a
lo largo de este trabajo, las soluciones técnicas adoptadas para resolver los
XIV La escultura, el medio, su entorno y su fin

problemas que surgen en el transcurso de una obra escultórica, tanto desde un
punto de vista general, como en particular y, en concreto, desde el ámbito de
tres creadores conocidos, siempre desde el medio en que se encuentra cada
uno y en relación a su entorno.
Metodología
Para conseguir todos los objetivos hemos adoptado una metodología basada
sobre todo en la reflexión de nuestra práctica artística, unida a la observación
directa del trabajo de los artistas españoles Higinio Vázquez, Francisco López
Hernández, Julio López Hernández y Antonio López García. Las razones para
la elección de estos artistas han sido de carácter profesional y a la vez personal.
Con el primero de ellos comenzó nuestra andadura en el camino de las Bellas
Artes, y con los otros hemos compartido durante años trabajo, y en ocasiones
intervenido en el entorno del otro, participado de sus vivencias.
Conclusiones
En primer lugar, hemos querido demostrar la vigencia de los procedimientos
tradicionales del oficio de la escultura en nuestro tiempo. De lo que se derivó
-como otro de los fines de nuestra investigación-, el de explicar la necesidad

que el creador actual tiene de hacer convivir en el taller los procedimientos tra
dicionales con los nuevos conceptos ligados al arte y sus tecnologías.
Por otra parte, hemos intentado explicar la importancia que en la labor crea
dora del artista tienen las influencias adquiridas en el terreno de la represen
tación formal, junto a los estímulos emocionales, los cuales, consideramos,
son el punto de partida para el desarrollo de un lenguaje plástico propio. Ahora
bien, dado que el arte no es una ciencia ni una técnica aséptica o neutral,
hemos pretendido, también, demostrar que el azar es un incentivo, un motor
para la creación, estimulante y motivador de la transgresión de lo establecido,
e impulsor de la innovación en el arte y la investigación.
Resumen/Abstract XV
ABSTRACT
Title:Sculpture, Environment, Surroundings and Purpose
Introduction
We have focused this study on the analysis of our sculpting practice in the
workshop and, specifically, on the specialties related to the sculpting profes
sion, which have occasionally arisen as a consequence of collaboration with
different artists, constituting the foundation of our learning; they have become
the constant point of reference in the evolution of our language, both technical
as well as esthetic.
Abstract
The first part of this thesis is almost entirely dedicated to aspects related
with the concept of sculpting. The grounds are laid out in the Introduction and
the first four chapters that cover the most personal aspects, both in the poetical
sense in which the act of sculpting is framed, as well as the ethical, esthetic
and technical aspirations of sculpting itself. To do so, an analysis and reflec
tion have been carried out on the three artists that have and had in the past
the most relevance and importance regarding Spanish realism and figuration:
Francisco López, Julio López and Antonio López.
El Medio (el Taller) [the environment (the workshop)], is a journey through
the spaces and techniques, the processes and the material in which the artists
move, in general, throughout history, and specifically, of the creators- the sub
jects of our study.
In the chapter entitled El Entorno [the surroundings], we make a short jour
ney through the history of the artisan’s workshop to the sculptor’s workshop
based on learning, and their evolution up to the moment of training in formal
schools and the processes involved. From the personal arena, we make a brief
investigation on the influence of the life experiences regarding the sensitivity of
the emotions related with artistic creation.
XVI La escultura, el medio, su entorno y su fin

Next, in the chapter entitled Proceso de reflexion [the process of reflection],
we have made a brief introduction to the processes followed to create a piece
called Colón in which a first outline is presented on some of the issues most
closely related to the direct experience of the doctoral candidate with sculpting
and the details of his attempts to break into the international art panorama with
his own work.
Last but not least, El Fin [the end] is where, after reflecting extensively about
the monument as yet another area of creation within a person’s own artwork,
we develop the execution process of sculptural artwork that we select to guide
our own work, together with conceptual and technical resources that we believe
are necessary to do so. Simultaneously, all of the aforementioned has been the
result of our journey through different sections that we have developed in this
research.
Objectives
The objective of the doctoral thesis entitled Sculpture: Environment, Surroun
dings, and Purpose is to present the formal principals and their interrelation with
the working and learning procedures in figurative and monumental sculpting.
Tightly linked to the aforementioned, the second objective is to demonstrate
the need for the artist-sculptor to use a theoretical base as a starting point to
create any work of art. That said, given the intimate connection that should exist
between theory and practice, we have also proposed to present the technical
solutions adopted to resolve the problems that arise in the course of the creation
of a piece of sculptural artwork, both from the general point of view as well as
specifically, from the area of three well known creators: always from the environ
ment in which each one is found related with their surroundings.
Resumen/Abstract XVII
Methods
To achieve all of our objectives, we have adopted a methodology based
mostly on the reflection of our artistic practice together with the direct obser
vation of the work of the Spanish artists Higinio Vásquez, Francisco López
Hernández, Julio López Hernández and Antonio López García. We selected
these artists due to professional and personal reasons. Our journey along the
path of Fine Arts started with the first artist, and with the rest we have shared
many years of work, and occasionally, we have intervened in the surroundings
of each other, participants of their life experiences.
Conclusions
First, we wanted to demonstrate the validity of the traditional procedures of
the sculpting trade in our time. From what stemmed – as another purpose of our
investigation -, to explain the need of modern day creators to make the traditional
procedures coexist with the new concepts related with art and its technologies.
Also, we have attempted to explain the importance that the influences ac
quired in the area of formal representation have on the creative work of an
artist, together with emotional stimuli which, we believe, are the starting point to
develop a singular sculptural language. That said, given that art is not a science
nor an aseptic or neutral technique, we have also attempted to demonstrate
that chance is an incentive, a motor for creation, stimulating and motivating
the transgression of the status quo, and a driving force for innovation in art and
research.
XVIII La escultura, el medio, su entorno y su fin

Resumen/Abstract XIX
XX La escultura, el medio, su entorno y su fin

INTRODUCCIÓN
INTRODUCCIÓN XXI
XXII La escultura, el medio, su entorno y su fin

INTRODUCCIÓN
El siguiente estudio, presentado como tesis doctoral con el título La Escul
tura, el Medio, el Entorno y su Fin, tiene como objetivo fundamental la exposi
ción de los principios formales y de su interrelación con los procedimientos de
trabajo y de aprendizaje en la escultura figurativa y monumental. Un segundo
objetivo, muy unido al anterior, ha sido demostrar la necesidad de contar con
unas bases teóricas de partida del artista escultor creador de una obra realista.
Fig. 1
Ahora bien, dada la íntima conexión que debe existir entre teoría y práctica,
nos hemos propuesto, también, exponer a lo largo de este trabajo, las solucio
nes técnicas adoptadas para resolver los problemas que surgen en el transcur
so y la conclusión de una obra escultórica personal.
Otro de nuestros objetivos, vinculado al indicado en primer lugar, ha sido de
mostrar la vigencia de los procedimientos tradicionales del oficio escultórico en
el mundo actual. De lo que se derivó -como otro de los fines de nuestra investi
gación-, el de explicar las ventajas que para el creador actual tiene la conviven
cia en el taller de los procedimientos tradicionales con las nuevas tecnologías.

Fig. 2
INTRODUCCIÓN XXIII
Por otra parte, hemos intentado explicar la importancia que en la labor crea
dora del artista tienen las influencias adquiridas en el terreno de la representa
ción formal, unidas a los estímulos emocionales, que, unidos, son el punto de
partida para el desarrollo de un lenguaje plástico propio.
Ahora bien, dado que el arte no es una ciencia ni una técnica aséptica o
neutral, hemos pretendido, también, demostrar que el azar es un incentivo, un
motor para la creación, con lo que puede tener de estimulante para la transgre
sión de lo establecido e impulsor de la innovación.
Fig. 3 Fig. 4 Fig. 5 Fig. 6
Para conseguir todos los objetivos que nos propusimos hemos adoptado
una metodología basada sobre todo en la reflexión de nuestra práctica artísti

ca, unida a la observación directa del trabajo de los artistas españoles Higinio
Vázquez, Francisco López Hernández, Julio López Hernández y Antonio López
García. Las razones para la elección de estos artistas han sido de carácter
puramente profesional y a la vez personal. Con el primero de ellos comencé
mi andadura en el camino de las Bellas Artes, y con los otros he compartido
durante años trabajo y vivencias.
Hemos centrado este estudio en el análisis de nuestra práctica de escultor,
en el taller, sobre todo en las especialidades de ese trabajo, que han sido la
consecuencia de la colaboración con los artistas, y que a su vez han constitui
do la base de nuestra formación, convirtiéndose en el referente constante en
la evolución de nuestro lenguaje, tanto técnico como estético.
XXIV La escultura, el medio, su entorno y su fin

El papel personal desempeñado desde la propia actividad profesional de
beremos analizarlo desde una perspectiva histórica, ya que «una manera de
hacer» es consecuencia casi siempre ineludible de la historia de la escultura,
de «el entorno» que condiciona y establece las pautas a seguir. Francisco
López Hernández, en cuya obra artística ahondaremos más adelante, afirma
lo siguiente: Muchos artistas seguimos creyendo que el realismo puede dejar
fe de la vida actual, que por otro lado, los cambios han sido mínimos en el
complejo campo emocional, y es por esto, que podemos continuar sintiendo
emoción ante una obra artística muy alejada en el tiempo de nosotros si toda
vía nos puede seguir aportando sugerencias comprensibles y afines a nuestra
sensibilidad actual.
Hemos analizado el territorio que enmarca la palabra «Escultura» bajo dos
supuestos: el técnico y el conceptual, términos que engloban la sensibilidad, la
creatividad y la técnica. Puesto que hablamos de arte, es necesario que se con
juguen tales parámetros. La obra es el medio a través del cual el artista transmite
sus conocimientos y su sensibilidad. Por lo tanto, la creación de la obra escultóri
ca se realizará tanto en su fundamento técnico como en el sensible.
Creemos conveniente exponer, ahora, unas precisiones sobre nuestro
tema de estudio, antes de indicar el contenido del mismo.
Consideramos como válida e incuestionable la afirmación de que toda obra
artística, o bien toda actividad en el terreno de las artes plásticas, constituye
por sí misma, o al menos conlleva implícita una labor de investigación a lo largo
de todo el proceso de realización; del mismo modo, el conjunto de nuestra obra
escultórica, -partiendo desde el aprendizaje-, está inmerso en ese proceso de
investigación constante, donde lo practicado es fruto de lo aprendido y vicever
sa. Este juego recíproco está influido indiscutiblemente por la experiencia de
todos aquellos artistas con los que hemos trabajado.
INTRODUCCIÓN XXV
Fig. 7 Fig. 8
La investigación, entendida como función básica de todo centro universitario,
y las dificultades en la delimitación de campos de acción propios, son, sin lugar a
dudas, los temas que mayor controversia han despertado en nuestros Escuelas,
ahora Facultades desde la incorporación a la Universidad. Araño Gisbert llegó a
afirmar que la Investigación constituye el proceso más formal, sistemático e inten
sivo de llevar a cabo un método de análisis científico; podremos comprobar como
la diferencia que se establece entre ésta y el arte es algo insuperable.1
Opinión que –lógicamente- no compartimos, ya que la escultura y el arte en
general, entendidos como actividades del intelecto que se materializan, no es
tán reñidas con la sistematización y el rigor del proceso analítico-científico. Los
aspectos especulativos en los que en ocasiones se insiste en la investigación
escultórica quedan así demostrados al ser puestos a prueba en la realización
de la obra, constituyendo además el fin último de nuestra propuesta personal
basada en un determinado quehacer artístico.
La tarea del escultor se distancia de la del alfarero, diseñador o artesano en la
medida en que éstos culminan su objetivo sometiendo la materia a un determinado
proceso para obtener una forma previamente diseñada. El escultor, en cambio,
plantea un problema de comunicación, acompañado de una reflexión intelectual, la
cual arranca de su interior, de sus emociones más íntimas, para materializarse en
una propuesta que se proyecta y que compromete al espectador.
1 ARAÑO GISBERT, J. C. (1984) «La investigación en Bellas Artes: realidad y utópica»,

Icónica, nº12, 1984, pág. 23.
XXVI La escultura, el medio, su entorno y su fin

Fig. 9 Fig. 10
Es en los talleres donde surge la idea del artista; primero nace el artesano y
luego el creador2. Tradicionalmente, uno de los pilares fundamentales en la for
mación íntegra del individuo lo constituía su etapa de aprendiz. Hasta mediados
del siglo XX España era un país eminentemente rural, y la proyección social de
la persona nacía al calor de las profesiones que se desarrollaban en los pueblos.
Esta manera de acceder al mundo del arte que se prolongó durante siglos está
actualmente en recesión, al haber desaparecido prácticamente los talleres de los
artesanos de los pueblos y de los barrios de nuestras ciudades, trasladándose a
las zonas industriales, circunstancia que impide a los niños asistir a ese engrana
je vital donde los artesanos tenían un peso específico. Esta condición de testigos
directos ha sido sustituida por la de meros receptores de información teórica en
el mejor de los casos, penetrando en el mundo del arte por lo general a través de
los colegios, museos, medios de comunicación y escuelas de formación especí
fica. Surge también el concepto de artista autodidacta, cuyo recorrido formativo
responde a las inquietudes personales del individuo.
Como se sabe, en el pasado, se entraba a formar parte de ese engranaje
en el momento en que en las familias surgía la necesidad de que el niño busca
se una remuneración propia, de manera que entraría a trabajar en algún taller
próximo, donde prácticamente a cambio de la comida aprendería un oficio,
además de solucionar un problema doméstico por desgracia muy habitual a lo
largo de la historia de la humanidad.
2 GALLEGO, J. (1976) El pintor de artesano a artista, Granada: Diputación provincial, 1996.
INTRODUCCIÓN XXVII
Los artistas de los que hablaremos en esta tesis comparten una educación
artesana con otra artística, que se amplía a través de una etapa académica
para acabar proyectándose como creadores.
Es en ese ámbito, a caballo entre ambos mundos, donde se abre ese otro
que es el de formador o docente; a través de las necesidades de unos y otros
por incorporar nuevos procesos y materiales al terreno propio surge la investi
gación, disciplina que se hace inherente a cada uno de los campos. Esos logros
eran secretos de talleres y artesanos en otros tiempos; hoy son los centros de
formación los que descubren o abren la puerta del conocimiento genérico, dan
do lugar a equipos de investigación en las distintas especialidades.
Investigación y Escultura son términos afines pero no equivalentes; no toda
investigación es Escultura, y sin embargo, toda escultura que se precie debe
llevar implícito un proceso de investigación. Si por un lado podemos afirmar
que siempre hubo planteamientos que recibieron impropiamente el nombre de
Escultura, de la misma manera existen en éste u otros campos desarrollos que
no merecen el nombre de Investigación.
Para el escultor que tiene repartido su campo de acción entre el mundo
universitario y el mundo de la creación personal es indispensable conocer to
dos los medios técnicos que se van incorporando a nuestra sociedad, tratando
de utilizarlos en ambos sentidos. Se puede entender, por ejemplo, como algu
nos creadores y docentes nos hemos servido desde nuestra incorporación al
mundo de la escultura, de la fotografía, y del vídeo como herramienta indiscu
tible en el paso previo a la producción escultórica, al tiempo que sirve como
documentación para archivar catalogar y difundir. Una vez finalizada, la obra
es plasmada de nuevo sobre un soporte audiovisual con el fin de utilizarla no
solamente como un medio de promoción personal, sino con un fin pedagógico
e instructivo para ser aplicado en la práctica de la docencia. La evolución de los
XXVIII La escultura, el medio, su entorno y su fin

medios audiovisuales es constante, por lo que nos hemos visto obligados a ir
adaptándonos a todos los soportes de aquellos que se han ido imponiendo. Por
esto, introduciremos además del lenguaje escrito, el gráfico y audiovisual, sin el
cual sería imposible ilustrar las explicaciones y el análisis de esta investigación.
Estos son los principios sobre los que se apoya nuestra investigación, par
tiendo de las consideraciones y experiencia personal del desarrollo de un de
terminado tipo de obra escultórica y de la reflexión y estudio de la realidad.
La transformación del mundo real en nuestro mundo creativo produce cam
bios en nosotros mismos, así como en nuestras esculturas y estas, a su vez,
podrán influir en el contexto social en el que se inscriben. Obviamente, también
influyen en la obra la relación personal y profesional con artistas que comparten
el lenguaje de la escultura como medio de expresión. El historiador y crítico de
arte francés Pierre Francastel lo expresaba de la siguiente manera: Son los
hombres quienes crean el espacio donde se mueven, o donde se expresan. Los
espacios nacen y mueren como las sociedades, viven y tienen una historia.3
Volviendo a Francastel, podemos decir que La obra de arte es un punto
de relevo y que, al fijarse, el pensamiento figurativo establece a través de las
obras un verdadero diálogo entre participantes alejados los unos y los otros
por el tiempo, el espacio y el saber.4
Es importante no solamente el estudio de la obra en sí, sino la indagación
en los planteamientos, los medios que se ponen al servicio de la escultura.
Según Albercht, una comprensión básica de las formas de expresión artística
no puede limitarse al análisis de su organización formal, va íntimamente unido
a materiales y técnicas.5
3 FRANCASTEL, P. (1965) Sociología del arte. Madrid: Alianza, 1975, pág. 110.

4 Ibíd.

5 ALBRECHT, H. J. (1981) Escultura en el Siglo XX: Conciencia del espacio y configuración
artística. Barcelona: Blume, pág. 14.
INTRODUCCIÓN XXIX
Podemos confirmar pues que técnica, arte y aprendizaje se unen siempre du
rante el proceso escultórico. Toda obra lleva implícito un aspecto técnico, estético y
cultural. Siempre se parte de unos conocimientos técnicos y personales en los que el
método (el oficio) hace posible la realización de una obra. La historia nos ha enseña
do la evolución de los diferentes estilos en el lenguaje y, a través de ellos, hemos co
nocido los medios de ejecución, las numerosas maneras de representar el natural, y
cómo son materializadas las formas por los escultores, término con el que se puede
aludir a todos ellos (con distintos matices) en el amplio espectro de las épocas (y no
artistas, que sería un concepto incorporado en el siglo XX, que empieza a considerar
la figura del artista-autor a partir del Renacimiento); estos escultores construyen,
aprenden y se apropian, o más bien hacen suyos, unos códigos que se convierten
en el signo de identidad que les acota en una época y en un lugar concretos. Estos
códigos, sumados a la sensibilidad que incorpora cada autor y al talento con el que
se utilizan, convierten el oficio en un lenguaje personal. Un ejemplo de ello sería el
llamado modelado italiano, que encierra una manera de representar, un estilo con
creto de principios del siglo XX, y no por ello deja de existir una notable diferencia
entre los distintos autores, entre la plenitud en el tratamiento de la forma de Marini,
y el efecto resbaladizo en el modelado de Manzú. O el expresionismo rodiniano,
que alude a una manera de modelar, y sin embargo difiere mucho del modelado de
contemporáneos suyos, como el de Medardo Rosso, más intimista y austero. En
este sentido, el análisis de las constantes históricas en la utilización de los distintos
estilos, nos mostrará que la tradición, en cuanto a técnicas, procedimientos y plan
teamientos estéticos, condiciona inevitablemente la labor artística.
Fig. 11 Fig. 11 Fig. 12 Fig. 13 Fig. 14
XXX La escultura, el medio, su entorno y su fin

Toda técnica lleva consigo una parte de habilidad, de búsqueda, así pues,
la realización de una obra depende de la formación del artista, pero también de
las tradiciones que han rodeado y rodean su actividad profesional, influyendo
en todos los ámbitos de su lenguaje artístico.
La eterna batalla entre el concepto y la técnica resultaría por tanto una
discusión estéril, pues entendemos que en arte estos términos están intrínse
camente unidos. Aunque a este respecto el artista moderno siempre ha me
nospreciado la técnica (quizá porque pensó que ésta ya había sido dominada),
esa misma rebeldía se convierte en el germen de nuevas técnicas. Por eso
nos adherimos, aunque con matizaciones, al pensamiento de Marcel Duchamp

Fig. 15
cuando decía que las obras de arte nacen de las intenciones del artista, no de
la destreza o de la técnica; éstas, al fin y al cabo, son actos repetitivos que
cualquiera puede aprender.6
A nuestro entender, el escultor plasma a través de su obra sus ideas, pro
posiciones y pensamiento, estructurándose como lenguaje que requiere de los
medios técnicos adecuados, de un conocimiento previo del idioma empleado.
Francastel alega a este respecto que la oposición entre arte y técnica se re
suelve cuando se advierte que en cierta medida, el mismo arte es una técnica
en los dos niveles de las actividades operatorias y figurativas.7
Entendemos que la escultura no puede ser una mera intuición, sino que la
acción debe ir unida a la creación, con un planteamiento conceptual, además
del conocimiento de la técnica con que se realiza. El fin de la obra plástica
es que se materialice el planteamiento, y este hecho es consecuencia de la
búsqueda personal del creador, que ira avanzando en su madurez artística.
6 Citado en GABLIK, S. (1987). ¿Ha Muerto el Arte Moderno? Madrid: Herman Blume. pág. 36.
7 FRANCASTEL, P. (1956) Arte y técnica en los siglos XIX y XX. Madrid: Debate, 1990. pág. 13.
INTRODUCCIÓN XXXI
Una de las facetas en la que estos planteamientos toman forma más abier
tamente en nuestra actividad profesional es el monumento -tema que trataremos
con mayor amplitud más adelante aportando documentación gráfica- pues es pre
cisamente la escultura monumental sobre lo que tratará el último capítulo de esta
tesis doctoral, para lo que tomaremos como punto de partida nuestra obra públi
ca personal, concretamente el Monumento a Cristóbal Colón ubicado frente a la
Embajada de España en Londres. La exposición pormenorizada del proceso de
realización servirá como complemento ilustrativo a lo planteado en este trabajo. Es

Fig. 16
Fig. 16 nuestro propósito, por tanto, en este apartado, describir el procedimiento seguido
en la ejecución de una obra escultórica a partir de sus planteamientos técnicos y
estéticos iniciales, la metodología de trabajo elegida y las soluciones plásticas. Del
mismo modo, al tratarse de una obra destinada al espacio urbano, analizaremos
los pormenores de la colocación y de la elección del lugar de emplazamiento de
la obra, así como las características particulares de este tipo de obra monumental.
Así mismo se analizarán los factores que rodean a la concepción del monumento
figurativo en general, considerando y especificando la influencia de los artistas que
han determinado nuestra práctica escultórica personal, y aportando a este estudio
su particular entendimiento de la representación figurativa.
Aceptadas estas precisiones, indicamos a continuación, brevemente, el conte
nido de nuestra investigación. Hemos dedicado el primer capítulo a La Escultura,
y en el que después de explicar el concepto, nos hemos centrado en la escultura
figurativa y realista de los artistas Francisco López Hernández, Julio López Her
nández y Antonio López García, así como en nuestra propia obra escultórica.
En el segundo capítulo: El Medio (El Taller) tras reflexionar qué entendemos por
Medio, nos hemos ocupado del trabajo de esos tres creadores que comparten pimer
apellido y medios semejantes también del nuestro, un conjunto de explicaciones

sobre la metodología de trabajo y las técnicas aplicadas en la escultura y métodos
de creación propios.
XXXII La escultura, el medio, su entorno y su fin

En el cuarto capítulo, El Entorno, explicamos todo lo que condiciona el
ámbito del escultor, sus influencias y relación con otros artistas, así como el
aprendizaje personal en todas las etapas de su formación. Es en este capítulo
en el que exponemos nuestra trayectoria artística, deteniéndonos sobre todo,
en nuestra formación inicial.
Hemos reservado el quinto y último capítulo, Su Fin. La realización del mo

numento, para explicar una de nuestras obras públicas: El monumento a Cris
tóbal Colón erigido en la ciudad de Londres. Propuesta escultórica, exponemos
toda una serie de reflexiones y argumentos personales y de otros investigado
res sobre el arte y la escultura de monumentos. Con este capítulo, a nuestro
entender, queremos concluir con los aspectos que hemos pretendido exponer a
lo largo de esta tesis doctoral.
Se completa el trabajo con varios apéndices dedicados a la explicación de

técnicas y procedimientos escultóricos y a la transcripción de las entrevistas
que hicimos a los artistas de los que nos hemos ocupado en esta tesis.
Con esta tesis queremos rendir homenaje al sistema de introducción al arte

que se ha venido repitiendo a lo largo de toda la historia y que hoy ha cambiado
radicalmente, salvo en pequeños reductos específicos formativos que se desa
rrollan alrededor de las escuelas y facultades de arte.
Fig. 17
INTRODUCCIÓN XXXIII
XXXIV La escultura, el medio, su entorno y su fin
CAPITULO I. La escultura

CAPITULO I. La escultura 35
36 La escultura, el medio, su entorno y su fin

CAPITULO I. LA ESCULTURA

I.1. Escultura, un término cambiante
La escultura actualmente abarca terrenos muchísimo más amplios y especula
tivos que en el pasado en los que nosotros no vamos a entrar. La denominación de
escultura en nuestro trabajo atiende a ese sistema de representación bidimensional
y tridimensional, tanto abstracta como figurativa, que alberga todas las característi
cas estéticas, matéricas y conceptuales que conforman su esencia artística. Nuestra
obra artística se encaja dentro de la figuración, y comparte por un lado los elementos
Fig. 18
formales de la tradición y por el otro la rebeldía y la evolución que provoca sentirnos Fig. 18
artífices de nuestro tiempo, compartiendo con nuestros contemporáneos códigos
que nos delatan y que se acaban definiendo como «corrientes».
Estamos cerca de un realismo que parte de la interpretación respetuosa del mo
delo, y que intenta dar calor a la representación, aprovechando las cualidades ex
presivas y sensitivas que proporciona el material. Sin embargo, en ocasiones éste
obedece más a ciertos caprichos de la personalidad, queriendo mezclarse con el
lenguaje de los sueños, representando imágenes retenidas arbitrariamente en la
memoria o en el inconsciente que se acaban fundiendo con la realidad a través del
uso de materiales modernos.
La escultura, por lo tanto, será el hilo conductor de todo el estudio, el princi
pio y fin de una vida profesional. Explicaremos lo que supone ésta para noso
tros y de qué manera la entendemos, sin pretender desarrollar un exhaustivo
estudio teórico, sino más bien una extensa reflexión sobre la práctica de la
escultura, acotada en un espacio y un tiempo concretos, de los cuales he sido
testigo directo, apoyándonos en los estudiosos y artistas que me han influido
más, con sus obras y sus reflexiones.
Como decíamos, desde el punto de vista tradicional se puede definir la

escultura como una forma de expresión artística que tiene por objeto la repre
sentación tridimensional de las imágenes, tridimensionalidad que a su vez es
la condición física en que éstas se contemplan en la naturaleza. Esta defini
ción ya apuntada por Leon Bautista Alberti en su tratado De Scultura8 con una
breve consideración acerca de las motivaciones de los primeros intentos de
imitación tridimensional de la naturaleza9, es, pese a su simplicidad, un claro
exponente de la concepción del arte como representación de la realidad por
medio de sus diferentes lenguajes.
Ya en la Antigüedad, la concepción artística más generalizada era aque

lla que definía el arte como copia de la naturaleza. Aristóteles define el arte
como mímesis de la realidad, o sea, como representación de acciones y
Fig. 19
Fig. 19
8 ALBERTI, L. B. De la pintura y otros escritos sobre arte. Madrid: Tecnos, 1999. pág. 127-144.
9 Ibíd. pág.129-133.

objetos dados, existentes en la naturaleza, y con esta afirmación inicia su
Poética reduciendo finalmente la obra de arte a la premisa “esto es aquello10.
Esta concepción artística ha sido transmitida, aunque no como visión única, a
través de toda la historia del arte occidental hasta nuestros días.
La teoría imitativa aristotélica fue recogida por el historiador húngaro Arnold
Hauser mediante las siguientes palabras: Realismo es la copia fiel de objetos de la
realidad del tipo que sean, según las leyes de la perspectiva y de la proporción.11
Por otro lado, el historiador Valeriano Bozal proyecta una visión más amplia
de la teoría imitativa, al aludir a la naturaleza y verdad propias de cada objeto:
Podemos decir con Aristóteles: las palabras tienen un sentido porque las cosas
poseen una esencia. (...) Ese traslado impone unos límites a los que es imposi
ble escapar: el poeta y el pintor, el escultor, el músico, crean con sus métodos
específicos el mundo, no lo reproducen.12
Peter Sager, en su obra Nuevas formas de realismo se extiende sobre el
tema y expone: La imitación de la realidad implica una organización pictórica
Fig. 20
Fig. 20 Fig. 21 Fig. 21
10 ARISTÓTELES (1895) “Poética” en: VVAA (1985) Sobre lo Sublime/ Poética,

Barcelona: Editorial Bosch, pág. 221-227.
11 HAUSER, A, (1988) Historia social de la Literatura y el Arte. Madrid: Técnos, Tomo 2.
Pág. 407.
12 BOZAL, V, (1987) Mímesis: las Imágenes y las Cosas. Madrid: Visor. pág. 94.
(artística), disposición, simplicidad, integración de las partes en un todo, y un
cuadro (obra) copiado del mundo externo era -por parecida que fuera- una
interpretación de sus condiciones materiales e históricas.13
La mímesis, como precedente analógico desde sus orígenes
rituales hasta el dominio de la praxis, fue siempre un proceso de
aproximación a la realidad, un intento que transformaba lo repre
sentado a través de los filtros de la percepción conceptual y de
la elaboración técnica. Lo ya existente y visible ganó significación
Fig. 22 propia y legitimidad en cada nueva manifestación.
Por esta causa el hombre y su entorno son consecuencia de sus constan
tes cambios. El historiador de la arquitectura checo Sigfried Giedion hace la si
guiente reflexión: No podemos demostrar de manera directa cómo operan aquí
la acción y la reacción. No podemos aprehender tangiblemente esos procesos,
como no podemos asir el núcleo de un átomo, simplemente lo experimenta
mos, mediante los diversos modos en que cristalizan.14
Existe un cambio evidente en el hombre y su espacio, su “aprehensión”, conti
nuidad y cambio son constantes. Son dos conceptos complementarios que siem
pre definen las épocas. El hombre propone una respuesta frente al espacio, reve
lando su actitud hacia su entorno. La actividad artística comienza en el momento
en que el hombre se encuentra con el mundo visible como algo terriblemente
enigmático. Como dijo Fiedler, autor citado por Read en su libro Imagen e Idea, en
la creación de la obra de arte el hombre se entrega a una lucha con la naturaleza
no sólo por su presencia física, sino por su existencia espiritual.15
Nuestra capacidad de comprender, conocer y modificar el espacio previamente

hallado, espacio experimental al que alude Albrech en su obra Escultura del Siglo
13 SAGER, P. (1981) Nuevas Formas de Realismo, Madrid: Alianza, 1986. pág. 21.
14 GIEDION, S. (1964) El presente eterno: una aportación al tema de la constancia y
el cambio. Los comienzos del arte, Madrid: Alianza, 1981, Tomo 1. pág. 22.
15 Konrad Fiedler, citado por READ, H. (1955) Imagen e idea, La función del arte en el
desarrollo de la conciencia humana. México: Fondo de Cultura Económica, 1957, pág. 11.

XX, debido a la percepción, representación y configuración, obliga al surgimiento de
nuevos conjuntos formales correspondientes a vivencias diferentes de la realidad.16
El hombre ocupa un espacio en el entorno en el que se desenvuelve, del
que extrae unas vivencias. En ese marco es donde el escultor crea a través de
sensaciones vitales un espacio vivo. Es por esto por lo que, a nuestro modo de
ver, el hombre opta por copiar la naturaleza con sus propios medios, reflejando
sus sensaciones. Surge así la necesidad de plasmarse e investigarse a través
del análisis de sí mismo y de la materia con la que se representa.
El polifacético pensador inglés Sir Herbert Read lo expresó de la siguiente

manera: Las artes han sido los medios por los cuales el hombre ha podido
comprender paso a paso la naturaleza de las cosas. El arte nunca ha sido un
intento de aprehender la realidad como un todo (...); no ha sido siquiera un
esfuerzo por representar la totalidad de las apariencias, sino que más bien ha
sido el reconocimiento fragmentario y la fijación paciente de lo significativo en la
experiencia humana. La actividad artística podría por lo tanto describirse como
una cristalización a partir del reino amorfo del sentimiento.17
Para Peter Sager, cada tipo de realismo es distinto a la realidad. Según él,
antes de hacernos preguntas sobre el realismo contemporáneo, debemos plan
tearnos la naturaleza y lo que se entiende hoy en día por realidad. Ninguna repre
sentación de la realidad se entiende sin su concepto, sin la percepción cotidiana,
sin la experiencia y la idea de todo aquello que es lo real para una época18.
Fig. 23 Fig. 24 Fig. 25 Fig. 26
Fig. 24
16 ALBRECHT, Op. cit., pág. 17.
17 READ, Op. cit., pág. 11.
18 SAGER, Op. cit., pág. 13.
I.2. Realismo y figuración en la obra de tres artistas:
Francisco López Hernández, Julio López Hernández
y Antonio López García
Fig. 27 Fig. 28 Fig. 29
Rafael Moneo19 recuerda que cuando en los años sesenta los artistas que
hoy se conocen como realistas madrileños, Francisco López, Julio López, Isa-
bel Quintanilla, Amalia Avia, Esperanza Parada, Carmen Lafón, María Moreno
y Antonio López, se embarcaron en aquella aventura que entonces suponía la
defensa de la realidad, lo hacían convencidos de que esta había sido la fuente de
inspiración de todos aquellos artistas a quienes amaban: desde Fidias a Veláz
quez, desde Lehmbruck a Bacon. El arte, aquel arte que les apasionaba, vivía a
espaldas de lo “artístico”, al margen de los intereses y las modas. La realidad era
lo que les hacía ser frescos, alcanzar esa a temporalidad que en opinión de ellos
estaba ligada a la obra de arte. Una realidad que en estos artistas se manifiesta
en lo más cotidiano, llegando a que el ojo y la mano del escultor se funden para
enfatizar su presencia con la ayuda instrumental de la disciplina.
Este preámbulo nos impone la tarea de establecer una aproximación a los estudios
y las personas cuya obra ha constituido la base de nuestra formación plástica, y que hoy
se consolida como una corriente fundamental del arte contemporáneo español.
19 MONEO, R. (1996) «La devoción a la realidad» en VVAA (1996) Francisco López. Expo
sición Antológica. Madrid: Centro Cultural del Conde Duque pág.33-35.

I.2.1. Francisco López Hernández.
Aunque se da la circunstancia de que Francisco López Hernández es el
director de esta tesis, debido a su relevancia dentro del grupo de realistas
españoles y de su influencia sobre nuestra obra, consideramos indispensable
dedicar un apartado a este autor.
A pesar de sus reticencias no he podido prescindir ni de su direc
ción ni de su inclusión dentro de esta tesis al pretender una investi
gación con tal temática. Al mismo tiempo reconozco la dificultad que
entraña para ambos el hablar de su persona y de su obra. Fig. 30
En la obra de todo artista, sea figurativo o abstracto, se advierten elemen
tos que hablan de su personalidad, ya sea por el concepto, por el tema, o por la
manera de realizarla. Esta característica general, a nuestro entender, se hace
muy patente en este grupo, pero todavía más en Francisco López.
Personalmente, lo definiría como artista y hombre austero, en cuanto a la
forma y los materiales; elemental en cuanto a la temática y profundo en lo que
se refiere a la reflexión y matización dentro de su proceso creativo.
Fig. 31
Fig. 32
Isabel Quintanilla, desde su doble óptica de artista y compañera del escultor,

nos habla así de la obra de Francisco: Las esculturas de Francisco López son
reposadas y de forma contenida; ellas no te contarán las cosas con gestos
violentos ni grandilocuentes; muy al contrario, son, con su actitud, inductoras
de referencias en nuestro ánimo personal y saben llevarnos sin violencias por
el camino de las intimidades. Ellas son así, sencillamente expectantes, nos irán
llamando lentamente con sus mágicos gestos, porque ésta, por ejemplo, la que
se inclina a beber agua, es quizá, la persona que pudo ser o que fue fugaz ima
gen en nuestro recuerdo; su actitud es tan familiar y cotidiana que nos puede
pasar como un destello deslumbrador en la memoria.20
Francisco López no se distancia del modelo. Para él existe la cercanía, la

familiaridad, sus temas siempre se refieren a sus seres queridos y próximos,
su hijo, su mujer..., de ahí el cariño, el calor que emanan sus obras. Debido a
esto, resulta sencillo para el espectador percibir el alma, el carácter y lo coti
diano del personaje representado. El hace las siguientes reflexiones sobre si
mismo: Las cosas son como son, y yo, que estoy ahí, entre las cosas, me sien
Fig. 33
to parte de ellas, y de lo que en realidad ejerzo, es de transcriptor al barro, a la
20 QUINTANILLA, I. (1996) “Esculturas para la arquitectura” en: Ibíd, pág.41.

Fig. 34
piedra, a la madera, al bronce, de la porción vital, del objeto, del ser humano
que ahora, en este instante, me provoca; pero no en sus lejanas alegorías o en
sus desconcertantes sugestiones mágicas, sino en su justa dimensión, en la
segura y cotidiana realidad de su ser como cosas, como elementos participati
vos de mi propia entidad humana.21
Su obra intimista, comunica más por lo que proyecta hacia el exterior, con el
gesto, con la mirada de sus personajes, que por la forma en sí. A diferencia de su
hermano Julio, teniendo raíces comunes, presenta a sus personajes desprovis
tos de sus atributos, casi desnudos, se queda sólo con la esencia. Los paisajes
reflejan sus ambientes más cotidianos, también sus recuerdos y sus viajes, la
nostalgia de un pasado recordado con cariño, en los que están presentes unas
veces de forma física y otras evocadoras, sus seres más próximos.
He hablado de su austeridad, cualidad que ha de destacarse en todos los Fig. 35
ámbitos de su quehacer cotidiano; por ejemplo, respecto al tratamiento de sus
obras, podemos afirmar que las superficies que él trabaja son limpias, tersas,
puras, se ciñen a la forma interna dejando ver su estructura, sin acentos, sin pro
21 GAMONEDA, A, “La escena humana de Francisco López Hernandez”, Ibíd, p. 37.
vocaciones, queriendo que la forma sea tal cual es, pero sin recrearse en los de
talles sin significado, envolviendo muchas de aquellas cosas que para algunos
escultores son el centro de atención para desarrollar su lenguaje y para otros,
en cambio, el recurso fácil mediante el que aparentar todo aquello que no son.
Prácticamente la totalidad de su obra está modelada en arcilla, aunque tam
bién trabaja con plastilina, e incluso las realizadas en madera han sido también
modeladas previamente. Modela apretando la forma, resbalan
do sobre ella perimetralmente; tendiendo a quitar para llevar allí
donde falta. Su mirada está puesta en el resultado del fragmen
to en el que está trabajando para después alejarse y comprobar
como funciona en el todo. Constantemente revisa el modelo,
midiendo y comprobando. Cuando trabaja en pequeño formato
(reduciendo) no le abruma el hecho de medir con el compás
insistentemente, y, a sabiendas de la escala con la que está
trabajando, multiplicar o dividir una y otra vez con la paciencia
del maestro de oficio antiguo y la seguridad del que sabe lo que

Fig. 36 está haciendo sin perder la concentración.
Como he dicho, sus maneras responden a las del artesano, pues su forma
ción tiene sus raíces en el taller de su padre donde junto a su hermano Julio,
ayudaban en lo que hubiera menester. Sin embargo, no es un purista de la técni
ca, su mirada se centra en lo que está haciendo, y no en cómo lo está haciendo.
Yo diría que no es un “exigente académico” en las maneras y sí y mucho en
los resultados. Hasta el punto de que muchas veces, absorto en el trabajo que
realiza, modela durante mucho rato sin darse cuenta de que la herramienta que
está utilizando no es la más adecuada. Esta peculiaridad da a sus superficies
unos matices y calidades sumamente personales, en las que se advierte que su
mirada no está en la piel sino en la vida que palpita debajo.

Fig. 37
Fig. 38
En cuanto a sus herramientas, en líneas generales y al igual que para todo

escultor, están relacionadas con aquellos trabajos que realizan en el taller,
además de algunas otras que utiliza cuando irrumpe en tareas paralelas o
aquellas que llamamos de bricolaje.
Todos sus medios se dirigen hacia el modelado y a los oficios ligados a

éste; desde el montaje de una escultura en barro, pasando por su reproduc
ción en una materia de tránsito (escayola, poliéster), hasta llegar al proceso
de fundición, el repasado de ceras, el apurado final y el patinado del bronce.
En su estudio encontramos el utillaje propio de un escultor que se entronca

con la tradición de este arte. Tiene un reducido número de palillos con diferen
tes formas y tamaños de acuerdo con las características de las obras en las
que habitualmente trabaja:
·Medallas con dimensiones que varían entre seis a veinticinco centímetros.
-Plaquetas y relieves de pequeño y gran formato.

·Bocetos o esculturas de pequeño formato, hasta setenta o cien centímetros.
·Figuras intimistas de tamaño natural.
·Escultura monumental: sus figuras oscilan entre el tamaño natural y los dos
Fig. 39
metros cincuenta.

Fig. 40
Junto con los palillos guarda también para modelar objetos de dispar
procedencia y material: un trozo de listón, otro en forma de cuña, una parte
de una pinza de madera de colgar la ropa, limas y escofinas desgastadas, un
cuchillo, el mango de un pincel, una regla y varios compases.
También emplea material de uso diverso: espátulas, plomada, martillos, formo
nes, mazo de madera, gubias, gatos, serrucho, sierra de hierro, un tornillo de banco,
reglas, escuadras, metros, herramientas de bricolaje (taladro, sierra circular), etc.
Las herramientas de reproducción y repaso que emplea son espatulitas de
varios tamaños, espuertas, palanganas de plástico, útiles de albañilería, lijas,
escofinas y limas de diversos tamaños etc.
Fig. 41
Para el repaso de bronce y madera utiliza un motor con manguera flexible,
y así poder cambiar todo tipo de brocas y fresas, además de un juego de
cinceles para repasar el metal y escofinas, etc.
Francisco López Hernández tiene varios estudios pero habitualmente trabaja
en el que está situado en una casa antigua adosada con un jardín perimetral en
una zona de chalés similares, no muy lejos de la casa donde vive; lo comparte
con su mujer, la también artista Isabel Quintanilla, ocupando él la planta inferior
y ella la superior. La zona dedicada a escultura está dividida en dos locales, uno
de veinte metros con luz lateral y otro de treinta con luz cenital. Este último es lo
que llamaremos el taller, el cual se comunica con una puerta con el patio-jardín
donde lava los moldes y guarda el barro en una gran arqueta.
Todo está muy limpio, y en la medida de lo posible, ordenado, pues el es
pacio no es muy grande para albergar tanta escultura, casi todas, modelos de
Fig. 42
escayola de monumentos ya colocados. Una pila, una estantería con alguna
reproducción de manos y caras que en ocasiones utiliza como modelo. En el
centro, buscando la luz, sitúa la obra en la que esté trabajando y a un lado un
maniquí que utiliza como modelo y que con frecuencia cambia de ropa: unas
veces le viste de cura, otras de mujer, o de agente de bolsa.
En el espacio contiguo, donde se desarrollan todas las tareas de la vida co
tidiana del taller hay una gran ventana al exterior, a la que da sombra una hi
guera. Dentro, una mesita no muy grande que se utiliza indistintamente ya sea
para modelar una medalla, leer la prensa o tomar café. En un rincón, a modo de
cocina, un mostrador, una pila, un armarito y una nevera donde llegada la hora
se prepara un tentempié; hacia el centro, un caballete de pintor con algún
dibujo, en el que trabaja siguiendo una rutina a veces marcada por las horas
Fig. 43

Fig. 44 Fig. 45
de posado y otras por la luz natural. En ocasiones, una escultura envuelta en

plástico irrumpe en el centro, esperando ser transladadas a alguna exposición
temporalmente y algunas otras, las vendidas, se irán para no volver. Por las
paredes, cuadros, relieves y alguna cosa apoyada.
Por una puerta se sale al hall donde está la escalera y al lado encontramos
una gran estantería repleta de libros y una puerta que da al trastero. Al subir la
escalera, aparece de pronto una gran escultura parecida a un tótem, realizada
por su hijo, también escultor. Un ojo de buey ilumina los cuadros que durante el
ascenso te van narrando su relación con otros artistas o con su pasado. Una vez
arriba, entramos en el estudio de Maribel, iluminado por una gran ventana desde
la que se ven algunos paisajes, motivos de sus pinturas. Recogiendo la luz, el
caballete donde recrea alguna escena que dispone sobre una mesa; unas veces
una simple flor en un vaso es la protagonista. En otra mesa la paleta, donde
Fig. 46
una pizca de cada color rodea un espacio limpio, pero con transparencias que
hablan de los miles de tonos que allí se han fabricado. Siempre a un lado algún
cuadro tapado espera paciente la época del año en la que se empezó, para ser
acabado. Un diván, unas sillas, una planera, son contempladas desde las pare
des por los cuadros en los que han sido inmortalizados paisajes, bodegones o
gentes muy próximas que hablan con nostalgia y ternura de un pasado que aún
estando lejos, parece muy cercano.
A la hora de hablar sobre el entorno de Francisco, habremos de partir del
aprendizaje que vivió en el taller de grabado en hueco de su padre (descen
diente de orfebres), también profesor de la antigua Escuela de Bellas Artes de
San Fernándo, hoy sede de la Real Academia de Bellas Artes. En aquel taller
ayudaba, junto a su hermano Julio, en la realización de los encargos, y fue allí
donde ambos adquirieron la capacidad de trabajo, los conocimientos y la sen
sibilidad que les motivaría posteriormente a llevar a cabo los estudios de Artes.
Habiendo sido becado en Roma condición que sería determinante en su pos
terior incorporación como profesor en aquella Escuela, sustituyendo a su padre.
Fig. 47

I.2.2. Julio López Hernández
La obra de Julio López Hernández, sin duda, es un querer retener lo más
fugaz de los seres vivientes, instantes reales y fugaces al mismo tiempo, tal y
como los cuerpos y los seres se nos aparecen y hacen visibles cuando se nos
presentan ante los ojos, y al desaparecer dejan en el aire la huella de su ausencia
y no sabemos ya si estamos despiertos o soñamos; Maria Teresa Ortega Coca22
ha llamado a este juego presencia de la ausencia, haciendo referencia al hecho
de que quitar una parte del cuerpo es como taparlo, dando mayor importancia
a la acción, lo que provoca en el espectador desasosiego y misterio. Cuando Fig. 48
confundimos la realidad con lo onírico a través de la percepción sensible se nos Fig. 48
hace evidente lo cotidiano con lo mágico en la obra de Julio López.
Fig. 49
22 ORTEGA COCA, Mª T. (1989) Julio López Hernández: un resumen biográfico. Valladolid:

Diputación de Valladolid.
El catedrático vallisoletano Juan José Martín González hace la observa
ción siguiente: Se ha destacado el papel que las manos desempeñan en su
escultura. Las manos, he ahí el gran tema de escultores y pintores. Julio ha
hecho algo ejemplar: aislar las manos. En ellas se concentra lo gestual, todo
el discurso del alma. Es esa mano que levanta el vaso (El Reflejo Fig. 50); son
Fig. 50
las manos que se mantienen tensas sobre la mesa, esperando la inspiración;
o las manos que arrojan el chispazo del fósforo (El Fumador, Fig. 52). Es la
vida diaria, que pertenece a la categoría humana; son los mil instantes consu
midos, borrados por el tráfago diario, pero fijos en la aguda mente del escultor.
Detener la vida, señalar el papel de lo fugaz; transcender la realidad efímera del
pasar, delatan en Julio un escultor que procura elevar la mísera realidad del hombre
a la categoría de las grandes verdades.23
El catedrático madrileño Antonio Bonet Correa habla así sobre la obra de
Julio López: (...) la obra de Julio López Hernández no es más que una nostál
gica rebusca del tiempo vivido, día a día, amorosa y fielmente por el artista.
Fig. 51 Su apego por el realismo familiar y cotidiano es ante todo un incesante querer
detener el tiempo, parar el reloj inexorable de las horas que huyen, y, fuera de
todo cómputo, impedir que todo lo que es transitorio y perecedero se consuma
y muera. Su meditación incluye, además de lo sereno, lo bello y lo armonioso,
lo terrible y lo trágico, con el ansia de que la memoria perpetúe todo lo que
acontece y es maravilloso de forma tangible. (...) Por medio de la escultura el
artista conjura la vida y la muerte y, abolida la primera y triunfante la segunda,
hace que sólo quede ante los ojos de los mortales la memoria aparentemente
Fig. 52 imperecedera del arte.24
Fig. 52
23 MARTÍN GONZÁLEZ, J.J, “Discurso de Contestación del Exmo. Sr. D. Juan José Martín
González” en: LÓPEZ HERNÁNDEZ, J. (1988) La medalla territorio de lectura. Discurso del
académico electo Excmo. Sr. D. Julio López Hernández y contestación del Excmo. Sr D. Juan
José Martín González. Madrid: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. pág.27-28.
24 BONET CORREA, A. (1986) “Lo real imaginario en la escultura de Julio López Her
nández”. en VVAA (1996) Julio López Hernández. Catálogo Sala Luzan. Zaragoza: Caja de
Ahorro de la Inmaculada, pág. 15-16.

Fig. 53
Una de las particularidades que no debiéramos pasar por alto al analizar la
obra de Julio es su llamativa visión cinematográfica, pues no en vano es un gran
amante del cine. Sus esculturas recogen ese plano corto donde se desarrolla la
acción que culmina una secuencia larga, la música invade la atmósfera en la que
se está desarrollando y justo en ese instante se funde con la luz que envuelve la
escena. Podríamos comparar su actividad artística y vital con una gran novela,
en la que sus obras se presentan como personajes y a él como el narrador que
conoce el principio y el fin de todas las cosas; sin embargo, a veces le gusta
traicionar su papel aprovechando las vivencias que el procedimiento y la materia
ofrece; de ahí, por ejemplo, esas esculturas extraídas de fundiciones imper
fectas donde el metal no ha querido obedecer a las modulaciones y recorridos
que la forma obliga. Retoma el capricho del azar, y reforzando algunos surcos y
borrando otros, gestando así un nuevo proyecto.

Fig. 54
Fig. 54 CAPITULO I. La escultura 55

Sus medallas desprenden el olor de la nostalgia, parecen extraídas de un
gran libro de poemas e historias románticas. En ellas los personajes y los ele
mentos que la componen se funden para cantar un sueño donde el autor se
queda generosamente fuera; pensamos que su intención es permanecer en el
anonimato. Plantea un lenguaje de signos, un jeroglífico que el espectador ha

Fig. 55
de descifrar desde su sensibilidad, haciendo suyo el mensaje y convirtiéndolo
en un símbolo. Logra así que la medalla se convierta en un objeto preciado,
íntimo y fetichista. Ante una medalla de Julio uno tiene la sensación de haberse
encontrado un valioso resto arqueológico que dada su forma caprichosa y enig
mática podría servir para desvelar el paradero de un magnífico tesoro.
Fig. 56
El mismo Julio López concluyó su discurso de investidura como académico
de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando citando al poeta José
Angel Valente que con un gran poder evocador escribió:
Escarbad en las cenizas del crepúsculo,
si en ellas encontráis
el sol, será como una vieja
moneda verdecida por la herrumbre .25
Fig. 57 Fig. 57 Fig. 58 Fig. 58
25 José Ángel Valente, citado en LÓPEZ HERNÁNDEZ, J. Op. cit, pág. 22.

Se trata pues de un escultor lleno de profundidad. Su gran amigo y artista
Lucio Muñoz opinaba de él que era el más serio y reflexivo del grupo. Sus obras,
cargadas de literatura en el sentido más profundo y poético de la palabra, es
tán llenas de emociones sensibles e íntimas, y muy cerca de la religiosidad. Nos
muestra y cuenta momentos casi privados; tiene la necesidad de rodear a sus
personajes de sus atributos más imprescindibles, sus fetiches cotidianos.
Fig. 59
El estudio de Julio López se encuentra situado a dos manzanas del de su
hermano Paco y a otras dos del chalet en donde vive. Es también una casita
adosada con jardín a la sombra de una higuera y una parra.
Abriendo la cancela un tanto desvencijada, que da cuenta de los años que
han pasado desde que se construyó, se accede a un espacio soleado en cuyo
fondo está la entrada al estudio, una gran puerta de garaje que parece la prin
Fig. 37 Fig. 60
cipal, pues no en vano este taller fue de mecánico antes que de artista.
Unos grandes embalajes de madera sirven de almacén improvisado de ca
chivaches y sacos, madrigueras también de algún gato callejero. La entrada del
taller es sorprendente, pues a pesar de que todo lo ves, todo está por descubrir;
el olor es especial, como el de todos los estudios; hemos de reconocer que los
artistas descubrimos una misteriosa sensación al oler de entrada un estudio.

Fig. 61
Todo está ordenadamente desordenado, pues casi todo lo que hay se está
utilizando o se acaba de utilizar; las herramientas están clasificadas pero no to
das están en su sitio y lo mismo ocurre con lo demás, da la sensación de ser un
taller vivo pero al mismo tiempo parece un museo antropológico de provincia.
Todo tiene una pátina, un sabor a antiguo y a usado como hace poco, la radio
de lámparas que ambientaba las horas de trabajo con su música se le había

Fig. 62 roto el dial y siempre sonaba Radio Clásica
A la derecha vemos un banco de trabajo y un armario donde guarda mode
los y moldes de medallas antiguas; a la izquierda, una percha, un armarito con
los líquidos de pátinas, un lavabo y otro banco de trabajo con unas herramien
tas donde Santiago, el ayudante habitual, repasa los bronces. Un caballete
donde hace las pátinas y un arcón para guardar la escayola, que a veces
Fig. 63
sostiene provisionalmente medallas que se han de empaquetar.

En el centro, una gran escultura de plastilina roja recibe la luz de una cla
raboya; es un torso femenino por lo menos cuatro veces mayor que el natural,
que a pesar de su escala ha cobrado un aspecto real; su superficie es carnosa
y en su color se intercalan el rojizo y rosáceo oscuro, otorgándole un aspecto
de piel. Un gran relieve de Pablo Neruda, una escultura que representa a Ju Fig. 64
lián Besteiro, y el modelo de poliéster del monumento al pintor novel colocado
en el Museo del Prado destacan entre algunas otras obras.
Al fondo, a la izquierda, observamos un gran ventanal y una puerta que
da al patio donde se lavan los moldes. Debajo de la ventana, una mesita baja
seminclinada, con silla y cojín, en la que modela esas medallas tan elabo
radas, dibuja, piensa o escribe (cerebro y corazón a la vez). A la izquierda,
una escalerita sube a la casa y otra baja al sótano, y entre las dos, otras dos
mesas, una más alta que otra donde lo mismo se hace una cera que un molde.
Allí todo se somete a la ley del trabajo, las cosas se mueven de un lado al otro
dependiendo de los trabajos que se resuelvan, y de las personas que están Fig. 65
colaborando con el maestro.
Fig. 66
El sótano, alumbrado por dos bombillas bastante tenues, se parece más
a una cámara encontrada tras un muro en una catedral del siglo XVI que al
almacén de un taller del siglo XXI, pues todo parece ordenado como si el brujo
de una tribu budú lo hubiera dispuesto para hacer un ritual: una mascarilla del
natural, un par de brazos en cera, dos manos sueltas, una cabeza, un molde
de un busto que, por efecto de la luz, convierte lo negativo en positivo, lo hace
parecer un rostro recién salido de “ultratumba”; improntas de cera, de relieves

Fig. 67
en curso, piernas y moldes antiguos; da la impresión que hasta el mismo Do
natello también guarda allí sus cosas.
En el piso inmediatamente superior nos encontramos la cocina en la que

Fig. 68 prepara la cera y un banco lleno de libros que gusta de mirar mientras trabaja.
Todo lo demás, tanto en esa planta como en las posteriores, se erige como un
gran museo donde las obras se hacen sitio unas a las otras: a pesar de la falta
de espacio, cada escultura tiene su sitio y su luz, y nos invade la sensación de
estar mirando algo prohibido; de hecho, de no ser por el pudor que nos cau
sa, nos podríamos pasar horas observando cada pieza, que en cada instante
cobra un nuevo sentido. Fuera se oye algún gorrión y un destello de luz vibra
sobre el rostro de Lorca. Nos movemos y cambia la perspectiva; un bello ros
tro nos observa, y agradece que la mirada inquieta se vaya a otro lado, donde
unas finas manos, al tiempo que pasan la partitura ponen música a otras que
bordan una tela, símbolo de toda una vida.
Fig. 69 Fig. 70 Fig. 71

Podemos afirmar que el modelado es el medio habitual de expresión para
Julio López, tanto en relieve como en bulto redondo, y cuenta para ello con
tres materias imprescindibles: el barro, la plastilina y la cera. Dependiendo de
la disciplina que trata, utiliza una, otra o las tres combinadas. También tenemos
que incluir en los últimos años su afición por el poliespan, utilizando la talla de
la obra durante casi todo el proceso, y cuando esta muy aproximada, la termi
na emplasteciendo con escayola y agua-plas, o con cera y plastilina; trasgre Fig. 72
diendo el proceso, pero sirviéndose de la materia hasta sacarle lo necesario
para después hacerle un molde.
La mayor parte del barro lo conserva en la cueva de manera un tanto Fig. 73
desordenada, una parte en sacos de plástico, otra en cubos y espuertas viejas;
esto se explica porque constantemente está desmontando trabajos, y dado
que cada obra lleva bastante tiempo, cuando quita el barro éste se ha endure
cido demasiado, por lo que ha de depositarlo en un barreño aparte sumido en
agua para que se vaya ablandando. Pasado un tiempo se convierte en un lodo
oreado que, surgida la necesidad, lo sube al estudio para completar el que allí Fig. 74
tiene preparado y dejarlo a punto siempre para modelar. Fig. 74
Las estructuras son realizadas a la manera tradicional, mezclando hierro y
madera que cubre con tela metálica, disponiendo también alguna cruceta allí de
donde ha de llevar más cantidad de barro con el fin de que no se desprenda.
Lo más sorprendente de las armaduras de Julio López es que en ellas sigue
siempre un proceso artesanal, atando y clavando, pues no dispone de equipo de
soldadura. Cuando tiene que hacer una escultura grande, como su hermano Fran
cisco López, recurre a la figura del ampliador, quien le construye un soporte estable
a través de la técnica del sacado de puntos y le coloca a grosso modo el barro.

Fig. 75
Hemos de decir que él es un escultor amable y permite en ocasiones que el
ampliador apure un poco más la forma, apuntando las tensiones que ésta tiene,
indagando en colaboración con él sobre las posibilidades, opinando y debatiendo.
Tenemos que aclarar que esta ayuda la admite de mejor grado cuando el que co
Fig. 76 labora es un alumno o aprendiz de Bellas Artes, pues más le satisface la torpeza
cargada de emoción y sensibilidad que la erudita destreza de un buen técnico.
La elección de la materia no siempre tiene que ver con el tamaño de la pieza.
Normalmente, las obras grandes las resuelve en barro, pero en ocasiones, cuan
do la pieza no responde a la premura del encargo y parece que se va a demorar

Fig. 77
mucho con ella, elige la plastilina, pues la conservación es menos trabajosa.
Otras veces la escoge por influencia o afinidad con la técnica utilizada con
anterioridad. Elige cera cuando existen elementos que vuelan en una escultura
grande y se hace muy difícil su terminación, o por facilitar el sacado del molde.
También porque previamente ha hecho algún vaciado del natural que incorpo
ra al conjunto escultórico.
Fig. 78 Fig. 79 Fig. 80

Prepara la cera según su destino con diferentes pigmentos para que se pa
rezca al barro o a la materia de la que está hecha el resto de la pieza escultórica.
También le añade talco y aceite para ponerla más blanda y menos quebradiza.
En las medallas, utiliza indistintamente plastilina o cera, y a veces funde las dos
Fig. 81
mezclándolas y después de añadir talco y pigmentos, removiendo con paciencia du
rante largo rato hasta que queda una especie de caramelo, que una vez frío, modela.
Julio López posee una gran cantidad de palillos de madera de varios tama
ños, que él utiliza convenientemente dependiendo de las necesidades y de la

Fig. 82
escala en la que está trabajando. Algunos son de boj, otros de ébano, también
de palo-hierro y de haya. Uno de los tipos que más utiliza los confecciona con los
mangos de las gratas (cepillos de alambre) desgastados, ya que conservan unos
agujeros y restos de alambre que al modelar dejan unas huellas que habilidosa-
mente él reconvierte en piel. También utiliza telas y tarlatanas que presionados
sobre la superficie generan texturas que enriquecen y aportan significado.
Fig. 83
I.2.3. Antonio López García.
Miguel Fernández Braso comenta que en una ocasión Antonio López dijo:
Sí, es cierto que hubo un momento -me dice Antonio- en que llegó a ser una
tentación la idea de hacer abstracto y que la posibilidad no la descarté. Pero
luego nunca lo intenté, nunca hice un ensayo, absolutamente nada, aunque
llegué a pensar en la posibilidad.26
A pesar de estas tentaciones, la valoración del mundo y la realidad quedan
enfocados y valorados en sus obras cargadas de deseos de narrar, de expre
sar ideas y sugerencias, de comunicar lo difícilmente transmisible.
Antonio López busca la explicación más simple y directa, la argumentación

menos literaria y menos enfática. En sus obras hay tanto amor por los objetos,
como por los espacios y las personas. Trabaja con la misma hondura en los
hombres y mujeres que usan esas cosas y ocupan esos espacios. Lo que le
importa es la realidad, con sus ambientes vividos.
Antonio López está en contra de toda fórmula. No tiene más sometimiento que
el voluntario ajustamiento a la visión propia de la realidad, pero esta realidad es
cambiante, precisa en cada situación, a pesar de que trabaje con una realidad cer
cana y cotidiana que conoce a la perfección; él se enfrenta a ella como si de algo
a descubrir se tratase. De todo esto deriva la autenticidad que emanan sus obras.
Fig. 84
26 FERNÁNDEZ BRASO, M. (1978) La realidad en Antonio López García. Madrid: Rayuela, pág. 46.

Fig. 85 Fig. 86 Fig. 87
El estudio
El aspecto de aquel gran estudio era muy curioso. Lo habían instalado en el
antiguo despacho de mi abuelo siguiendo la tradición de las demás habitacio
nes de la casa, se acumulaban allí, sin orden ni concierto, libros, papeles, y las
figuras de yeso que servían de modelo a los discípulos de Juan. Las paredes
estaban cubiertas de duros bodegones pintados por mi tío en tonos estridentes.
En un rincón aparecía inexplicable un esqueleto de estudiante de Anatomía so
bre su armazón de alambre y por la gran alfombra manchada (…) Vi todo este
conjunto enderedor de Gloria que estaba sentada sobre un taburete recubierto
con tela de cortina, desnuda y en una postura incómoda.27
Fig. 88
Así describe Carmen Laforet en su obra Nada sensaciones al entrar en un

taller que reflejan lo que nosotros sentimos al entrar en el taller de Antonio.
En el estudio de Antonio López, como el de los otros dos artistas, hay mucho
de su proceder, de su obra, en toda su diversidad: pintura, escultura y el dibujo.
Podemos decir, de entrada, que el cincuenta por ciento del estudio de Antonio
López está en los escenarios en los que trabaja. Su pintura, que es la mayor
parte de su producción, se hace al aire libre siempre, con el natural frente a él.
Algunas de las obras que hubiera podido pintar en el estudio, las ha hecho en
otros espacios, como la Facultad de Bellas Artes, o el Palacio Real, y no siempre
es por una necesidad física, sino más bien para encontrarse emocionalmente
en las mismas circunstancias; con la misma sensación de libertad que le da el
campo, solo ante su obra, sin que haya otras reclamando su atención.
27 Fragmento de la obra Nada de Carmen Laforet citado en VVAA (1990) El Espacio Priva
do. Veinte Siglos en Veinte Palabras. Madrid: Centro Nacional de Exposiciones, Ministerio de
Cultura, pág.312.
Fig. 89
Fig. 90

Utiliza varios estudios, que sumados a los espacios abiertos en los que trabaja
a lo largo del año, como algunas terrazas de edificios de Madrid y Parques de
Bomberos, o escenarios en otras ciudades españolas, o cuando por exigencias
del procedimiento escultórico se traslada a una fundición donde continúa trabajan
do sin abandonar el proceso creativo, esta versatilidad hace de él un artista que
no se ancla a un lugar concreto. Ahora bien, trabaja sobre todo en dos talleres,
que aunque distintos y con características diferentes, guardan similitudes.
En ambos hay cuadros inacabados en los que vemos cosas cercanas, junto
Fig. 91
a bolsas en las que guarda elementos que emplea cuando sale a pintar. Los dos
estudios, uno muy pegado a su casa y el otro, a pesar de cercano, algo distante,
son lugares que ambicionan conseguir una intimidad personal, no obstante ad
mitiendo, más en el primero, la irrupción de familiares, que él permite en la justa
medida sin que esto interfiera con su trabajo y su vida. Se aprecia la coexistencia
de vivencias y arte en la que la presencia y convivencia con su mujer, la pintora
María Moreno, esta latente en cada uno de los rincones del mismo.
Fig. 92
No descubrimos nada si decimos que la obra de estos tres artistas no sería la
misma sin la estrecha relación de sus compañeras. Dato, este, que está directamen
te relacionado con el espacio de trabajo, porque Antonio López se ve condicionado
siempre, dándose como consecuencia un formato de convivencia, enriquecedor de
la labor creativa, distinta a la de sus compañeros del Realismo Madrileño.
Fig. 93
Elementos destacables del estudio de Antonio López, contiguo a su vivien
da son los numerosos fragmentos de rostros, de manos, de brazos…, que
cuelgan de estructuras y que sirven como modelos para las distintas obras.
Fotografías, carteles y recortes, que hablan de su vida y de sus seres queridos,
de sus obras admiradas; cuadros, libros,…; restos de procesos de todo el arte
que practica, de toda su alquimia artística.
Su segundo estudio, que el artista pretendió que fuese el definitivo y en el

Fig. 94
que quiso recrear lo rural, nació como una gran casa que contuviese todo lo
necesario para su vida –huerto, estudio, dormitorio, cocina, cuarto para las hi
jas- y el estudio de su compañera; unos espacios de dos artistas que compar
ten vida y arte. La parte de trabajo tiene unos cinco metros de altura, iluminada
por una claraboya que permite trabajar el máximo de horas con luz natural,
además de una gran ventana, rodeado todo ello por un terreno que le hace
compartir naturaleza, trabajo y familia.
Muchas de las escenas, de los rincones, estancias, tiene la misma atmósfera

Fig. 95
que sus cuadros. Como sus óleos, tienen el mismo sonido y la misma luz que su
vida. No hay nada ostentoso ni superfluo. Todo respira verdad, la verdad de lo
necesario y lo útil. Los artistas parecen vivir y trabajar en el espacio y el tiempo
que la sociedad margina, en ese espacio invisible para la gran mayoría. Cuando
lo visitamos, siempre hay un hueco, un tiempo, para contemplar una rosa, para
aceptar su invitación de oler una mata de menta que nace en un rincón, para
comer unas deliciosas ciruelas que han nacido con un sabor que nos transporta
a aquellas que probamos alguna vez siendo niños. En esa generosidad, pegada
a su procedencia rural, se advierte que su manera de trabajar no es lineal. Son
incontables los trabajos empezados, en camino, en espera del tiempo y la luz
propicios para continuarlos; del destello que arroja por su ventana hacia el inte
rior. El estudio penetra en la casa, tanto como la casa en el estudio; así: todo es
taller y alcoba a la vez.. El salón, anexo a la cocina, es el laboratorio, el centro

Fig. 96
Fig. 97
de reuniones, el comedor, el espacio de encuentro. Allí podemos compartir el
silencio. Allí, podemos decir sin ánimo de exagerar, que el tiempo cobra otra
dimensión. La armonía es vida en el caos absoluto, y el caos se muestra como
imprescindible; las obras más sublimes se despojan de su solemnidad y se tor
nan cercanas y familiares.
Como pintor, Antonio López trabaja lentamente, pero no por pereza o esca
sa destreza, al contrario, el tiempo lento es requisito imprescindible; podríamos
decir que está en toda su obra. Cuando trabaja Antonio López lo hace tranquilo
y pausado, “aveces canturrea algo” busca cada pincelada, e insiste alrededor
no porque le cueste encontrar el color o la forma, la pincelada o el tono; en ab
soluto, al contrario, es muy certero en su técnica, muy preciso. Esta manera de
proceder se manifiesta en su escultura al apoyarse en procedimientos rudimen
tarios y mecánicos, que no esconde, midiendo cada punto, cada línea; cada cota
es la que tiene que ser y no la que pudiera ser; cada elemento que aporta es
absoluto, exactamente igual que en su pintura cada pincelada es la necesaria y
completa a la anterior. En el momento en el que tiene armada una estructura en

un cuadro en el que parece que no ha hecho nada durante días, de pronto, en un
tiempo relativamente corto, avanza como si un programa informático calculase
los colores y los tonos. Sus arrepentimientos son brutales.
Cuando a los demás nos parece que un cuadro está terminado, él encuen
tra razones para cambiar una parte y moverla, agrandar, empequeñecer, retra
sar, adelantar. En su mundo, en su trabajo no existe la pereza, su inquietud es
infinita, al igual que su paciencia. La constancia, la tenacidad hacen que sus
resultados sean indiscutibles; su proceder es analítico; se maneja ante la obra
como un científico en el laboratorio, nada es azar en su manera, pero no lo
desprecia aunque lo pudiera parecer.
En el proceder pausado de Antonio López se advierte un conocimiento per
fecto de la técnica pictórica en la mejor tradición de la pintura al óleo.

Fig. 98
Fig. 99
A modo de conclusión del presente capitulo me gustaría analizar las simili
tudes y divergencias que existen entre los tres artistas considerados a la hora
de modelar y las maneras de concebir sus procesos creativos ya sea la ley
motriz de su obra el lenguaje de la pintura, la escultura o el dibujo.
Fig. 100
La formación de Francisco López es analítica y rigurosa como la de los otros

dos artistas, pero en su caso, como en el de Julio, hay una «genética artesanal»
que viene de su padre y abuelo, ambos orfebres. Paco se despojó de toda la
retórica y la rutina que arrastra el oficio de orfebre, muy saturado de recursos
artesanales. Sus obras parecen desnudas de recursos plásticos y superficiales,
sólo atiende a lo esencial; la materia no le interesa, no utiliza el rastro del golpe
de palillo; la superficie está insistida hasta desnudarla, quitándole toda huella
del trabajo del modelado. Casi todas sus obras han sido vaciadas en escayola
y trabajadas y revisadas. Pero la superficie quiere desaparecer como tal; solo
le interesa la vida en su desnudez. Los ropajes que modela están retocados
en escayola con toda su realidad, pero simplificando su materia. No hay, así,
tejido, aunque lo parezca. Sin costuras, sin accidentes anecdóticos, piel y tejidos
se transforman en una dimensión casi divina, sus obras parecen dioses. No en
vano, la temprana influencia del modelado del italiano Arturo Martini quedó atrás,
sustituida por la del mundo griego. Como escultor, Francisco López es en el aca
bado final de sus obras el más «limpio» de los tres.

Sus dibujos parecen hechos por un pintor en blanco y negro. Valora y ento
na como si lo hiciera con un fotómetro. La mayor parte del trabajo está hecha
con difumino de grados distintos, que mancha con grafito; su precisión es casi
fotográfica, pero con una sensibilidad humana. No hay transgresión, ni en el
fondo ni en la forma. Todo es medida, equilibrio y belleza, que no busca de
manera preciosista. Los temas –sus familiares, sus amistades, lo cercano y
cotidiano- parecen atrapados por un pasado nostálgico.
En sus relieves entra en un tiempo indeterminado, donde composiciones
sencillas narran historias profundas, pero cercanas, como si alguien nos hu
biera hablado de ellas en alguna ocasión. Al contemplar un bajorrelieve de

Francisco López nos podemos ver inmersos en una novela concentrada en
pocos centímetros. Nos evoca a personajes de una película de Truffaut.
Francisco López hace vaciados del natural que le sirven de modelo, pero
nunca utiliza ninguno como calco para reproducir partes e incorporarlas direc
tamente a la obra. A él eso le parece una trampa, él siente la necesidad de
hacerlo, pero para interpretar a partir del natural.
Fig. 101 Fig. 102 Fig. 103
Fig. 104
Julio López Hernández es quizá el más literario de los tres artistas, el más
barroco, el más plástico y matérico. También es el más prolífico, con una am
plia producción de medallas, esculturas y obra pública.
Los tres escultores son ortodoxos en sus principios y en el sistema de tra

bajo. Comienzan la obra haciendo apuntes después de unos primeros estudios
en dibujo. En Julio los dibujos preparatorios son casi infinitos. Con ellos se
familiariza con la tridimensionalidad. Gracias a los dibujos de los distintos per
files y vistas decide cual será la composición definitiva.
Como su hermano Francisco, Julio también hace moldes del natural de par
tes del cuerpo, pero no tiene reparos en incorporarlos a la obra e intervenirlos;
muchas de las manos que tienen sus esculturas son vaciados del natural, pero
nunca totales, sino solo lo estrictamente necesario para obtener lo buscado,
todo lo demás lo modela, se lo inventa recurriendo al natural.
Sus temas figurativos y naturalistas son también abstractos, subrealistas

y metafísicos. Como su hermano, en sus comienzos rozó el estilo de Henry
Moore, que pronto superó por una formula clásica, pero heterodoxa, y aunque
bebe en las fuentes de lo griego es más renacentista –le interesan sobre todo
Donatello y Miguel Ángel- sin olvidar la influencia del Maestro de Naumburg, y,
por supuesto, del arte de Rodin, Rosso y Giacometti.

Fig. 105 Fig. 106
Volviendo al dibujo es obligado explicar, sin necesidad de narrar ni describir
que Julio López es el más dinámico de los tres en el manejo de las técnicas,
capaz de cambiar de una a otra con suma facilidad, incluyendo -incluso- la
escritura. Describe sus propias esculturas, antes y después de hacerlas, inte
rrumpe su modelado para dibujar, y el dibujo para escribir.
Su técnica más habitual para dibujar es al carboncillo, utilizando todos los recursos
para conseguir lo que le inspira el modelo. Este puede ser del natural o de fotografías
que completa con elementos de su imaginación, pero basados en su profundo cono
cimiento del cuerpo humano, su morfología y fisiología, para así completar las figuras
extraídas de fuentes diversas, incluso de una fotografía de un periódico.
Julio López indaga sobre la anatomía de la forma articulando cada parte y
dotándola de vida. Con trazos de carbón va construyendo una estructura o malla
que modela, llena de vida, llena matices, sobre el papel traza insistiendo hasta
dejar una superficie jugosa y plástica; las líneas del dibujo se entrecruzan una y
otra vez, provocando las distintas tonalidades y favoreciendo la creación de una
atmósfera personalísima. Los contornos se modulan ciñéndose a la forma, corri
giendo casi sin borrar, creando un tramado que matiza y entona.
Diríamos que su dibujo es de escultor porque dibuja como modela, creando
capas, estratificando, hasta llegar a la superficie. Las capas – no son de un grue
so homogéneo- describen las superficies, a veces de manera permeable, casi
invisible, eligiendo las partes donde debe haber vacíos que provoquen inquietud
en la forma general; es un recurso expresivo que aporta sentimiento y emoción,
que a veces es dolor físico, enfermedad, otras ausencia.
Julio López es un gran conocedor del natural. Cuando trabaja en el boceto
o la obra definitiva suele colocar un maniquí que viste con la misma ropa o
semejante, dependiendo de lo que se trate.
En los relieves parte del dibujo, que cuadricula y traspasa a las tres dimen
siones. Son muchas las aportaciones que ha hecho, y hace, en este campo del
relieve, incontables los detalles técnicos y plásticos en las distintas soluciones
estéticas; las transparencias, la luz, los reflejos, soluciones imposibles de ima
ginar, él los resuelve con una maestría y facilidad increíbles.
Julio López es el más técnico de los tres, tal vez por sus comienzos en el
campo de la ingeniería. Como hemos escrito, su obra es la más literaria, la
más heterodoxa y la que contiene más elementos de ficción.
Fig. 107 Fig. 108 Fig. 109

Fig. 110
Antonio López no tiene una formación de escultor. Ha sido asistido en nu
merosas ocasiones por Julio y por Paco en algunos de los primeros trabajos
escultóricos que abordó. Su visión es como la de un pintor que atiende a la
escultura. Desde la superficie, como si fuera un escalador en la montaña, tre
pa, asciende, desciende y penetra, creando una carcasa que se acopla como
un guante, a la forma del tamaño real. Le cuesta mucho trabajar en otra escala
que no sea la del natural. Actúa como un escáner tridimensional, construyendo
una red, utilizando plomada, reglas, escuadras con las que establece un siste
ma de coordenadas como si estuviera sacando de puntos todo aquello que ve.
Como resultado de esa manera de trabajar, construye una piel donde se ponen
de manifiesto todos los accidentes del natural con una sensibilidad propia de
un pintor donde se reflejan los valores de la escultura. Es la magia y el talento
para penetrar en la forma, que le hace cobrar vida.
Sus dibujos son analíticos hasta rozar lo enfermizo; es un dibujo básica
mente científico, construido. Con mentalidad de escultor estudia la tridimensio
nalidad del natural para transformarla sobre el plano, adaptándola al soporte.
El rigor, la medida llevada a la línea desnuda, sin adjetivos, sin acentos, solo
alguna vibración que palpita sin estridencias.
Fig. 111

CAPITULO II. El medio (el taller)
CAPITULO II. El medio (el taller) 79

CAPÍTULO II. EL MEDIO (EL TALLER)
Fig. 114
Fig. 112
Fig. 115
Fig. 116
Fig. 113
El
Medio, como concepto general en el ámbito de la escultura es el espacio
de desarrollo central de escultor. Dentro de la sociedad en la que se desen
vuelve el artista, el medio llegaría hasta la puerta de la galería de arte, sala de
exposiciones o museo donde se exhibe la obra. Quiere decirse que cuando la
obra deja de ser del autor y comienza a ser del contemplador, la escultura deja
de ser un proceso para convertirse en un producto cultural. Fig. 117
El propio autor cuando crea su obra, en el estudio, en el aula –si se trata
de un docente o discente-, cuando trabaja en la fundición, si es el caso, y sea
cual sea el procedimiento creativo empleado, incluso en el plano más teórico,
está interviniendo en el medio. Cuando esa obra, una vez acabada, se some
te a discusión, incluso permaneciendo en el ámbito del aula, se convierte en
Entorno. Se comprende, entonces, que el medio reúne tanto el proyecto como
la realización, es decir la ejecución de la obra, hasta su acabado final y su
entrega para ubicarla en el lugar de destino. Fig. 118
Obviamente, el medio no puede separarse del entorno en el que el artista
se ha formado y crea.

Fig. 114 Fig. 120
Fig. 119
II.1. El proyecto
Entendemos como proyecto, el modo de poner en marcha y dar forma a las
ideas. La práctica usada más antigua ha sido la del dibujo, pues no en vano
se ha entendido éste como la base más sólida para la formación del artista;
se considera una herramienta indispensable para construir la etapa intermedia
entre la idea y la obra. Analizada la historia del arte desde nuestros orígenes
hasta nuestros días, desde que los primeros hombres plasmaban en las rocas
sus ideas hasta los estudios modernos de arquitectura, donde se dibuja a tra
vés la pantalla de un ordenador, nos daremos cuenta de que una constante
que permanece casi inalterable en su esencia es el dibujo. Y así, además,
somos conscientes del legado tan extenso de la obra gráfica de pintores y
escultores que poseemos, otorgando al dibujo el valor de un lenguaje o medio
de expresión totalmente autónomo con respecto de la escultura, la pintura o
cualquiera de las demás artes.
El dibujo, en sus planteamientos más elementales, se sirve de la línea para
transcribir las ideas o la visión leal de la naturaleza.

Sentada la premisa de que el dibujo es un arte con mayúsculas como todas
las demás, también debemos observar en él, como lenguaje primogénito que
fue, que hoy sigue siendo una constante en la mayoría de las disciplinas, recu
rriendo a él desde los físicos a los diseñadores, artesanos, biólogos, modistos,
escenógrafos, etc. Incluso se ha incorporado a la informática abriéndose defi
nitivamente una fuente inagotable de posibilidades.
Todos los artistas que estudiamos en esta tesis utilizan el dibujo, en ocasio
nes como un medio para reflexionar sobre las posibilidades de la obra a reali
zar, y otras veces, sin dejar de plantearlo como herramienta para esbozar sus
ideas, también recurren a él como fin en sí mismo, a través del cual pueden
transmitir sentimientos y colmar sus expectativas artísticas.
Todos ellos parten de una imagen como idea primera, que ha podido salir
tanto del natural como de una fotografía o del fotograma de una película. A partir
de ahí eligen el modelo que les ha de servir para trabajar, (que no siempre será
el protagonista de su obra), sino que en ocasiones es una herramienta para
acceder a una anatomía, (un cuerpo, unas manos, un rostro, etc.). Sin embargo,
cuando la elección del modelo ha constituido la búsqueda de la persona que ha
de protagonizar la escena, o el hecho que ha de representar, entonces y sola
mente entonces el modelo es determinante, pues es ese hombre o esa mujer la
que desea plasmar. Muchas de las esculturas se elaboran utilizando varios mo
delos, las manos pueden ser de una persona, la cara de otra, y el cuerpo estar
extraído de una fotografía, por ejemplo. También suelen colocar un maniquí al
que visten con la misma ropa que el de la imagen.
Fig. 121

Fig. 122
A continuación, hacen estudios de la acción a representar valorando no
sólo el conjunto, sino extrayendo fragmentos en los que representan de forma
esbozada todos los pormenores. Estos estudios los realizan a carboncillo, en
cualquier papel, preocupándose por el movimiento del gesto de la composi
ción, y los van perfeccionando a base de realizar un gran número de ellos, de
tal manera que el anterior siempre es boceto del siguiente. Julio, por ejemplo,
los primeros estudios los ejecutan a mano alzada, sin medidas, o, como diría
él mismo, mediante “a sentimiento” cuando tiene que apliar o reducir, es tan
técnico como los demás,utilizando la cuadricula para el dibujo y el relieve, y el
angulo de proporciones para todo lo demás. Antonio y Francisco, sin embargo,
los someten a un riguroso método incluyendo medidas directas sobre el mode
lo. Cuando se enfrentan a un retrato, tanto en relieve como en bulto redondo,
hacen un estudio fotográfico, si éste es viable, y sino parten de las fotos que
tengan, cuadriculándolas y ampliando la retícula matemáticamente, sobre todo
Fig. 113 cuando se trata de una representación bidimensional.

Fig. 123

Sentadas las bases del dibujo y su concepto analizaremos el sistema de
representación, su trazado; éste parte siempre de la síntesis del conjunto, una
línea, diez, veinte primeros trazos siempre enfocados a captar la totalidad, el
movimiento, el gesto. A veces se dan pasadas sobre el papel sin dar un solo
trazo, son como vuelos de reconocimiento para retener el espacio, para organi
zar las ideas, sentiras, y soltarlas casi de un golpe. Después se pasa a la termi
nación, pero siempre en cada paso hay una vuelta atrás para valorar si lo que
nace, en su conjunto, se corresponde con la idea. Todo este juego caprichoso,
a veces anárquico, aunque parezca un contrasentido, se rige por un orden me
todológico y una actitud crítica que sopesa los errores, entendiendo como tales
Fig. 124
todo aquello que no se ajusta al conjunto, y valorando positivamente lo que sin
ajustarse del todo a la idea, producto del azar, entronca perfectamente con la
globalidad de la obra; en este ejercicio se aplican leyes morfológicas, fruto de
la experiencia del autor, a veces compartidas, otras aprendidas, pero siempre
filtradas por la razón y el sentimiento individual.
No todo lo que se dibuja se puede hacer basándose en juicios compa
rativos, pues no siempre tenemos el natural delante. A veces incluso no lo
necesitamos, pues lo que queremos hacer es fruto de nuestras imágenes men
tales, vagas e imprecisas, que sólo cobran sentido cuando se colocan sobre el Fig. 125
papel. En ese momento es cuando se pueden ir conociendo los aciertos y los
errores de la forma que va tomando la realidad, para poco a poco, a través de
juicios deductivos y a pesar de la dificultad que entraña no poder emplear un
razonamiento lógico por la ausencia del modelo, ir remendando la obra que en
ocasiones se habrá de llevar a las tres dimensiones.
Dados estos planteamientos nos percatamos de que el contenido temático
de estos estudios es el natural, unas veces por obligatoriedad del tema que lle
va consigo la naturaleza del encargo y otras por la necesidad de transmitir los
sentimientos, tanto los propios como los que se reflejan en los seres y objetos
que comparten nuestra naturaleza. Fig. 126

Otra constante es la utilización de la técnica del grafito, no siempre sobre el
mismo soporte, ya que es en líneas generales la que permite mayor movilidad, y
gran precisión en el detalle, pudiendo rectificar con limpieza.
Antonio López hace las siguientes reflexiones sobre el boceto: El pintor, en
general, suele enfrentarse a la obra de una forma muy directa. Una vez que
tienes ya el tema, la idea, una vez que tienes el tamaño, preparas el lienzo o la
tabla y te pones a trabajar, en mi caso directamente casi sin dibujar: Extendiendo
las masas de color, viendo los volúmenes, si los tamaños son adecuados, sé si
aquello va a funcionar, y según va avanzando voy empezando a dibujar. En
la escultura a veces tengo dificultades porque tengo ese hábito de empezar
directamente con el tamaño final, en la pintura tu puedes cambiar una figura,
ponerla al revés y no pasa nada, pero en la escultura sí, pues si en una figura
quieres cambiar el tamaño para ajustarlo porque sobre la marcha crees que va
a funcionar mejor, un movimiento distinto, te supone un conflicto tremendo. Y yo
no sé trabajar con bocetos, yo necesito tener el tamaño inmediato, trabajar sobre el
tamaño, y así es como afronto el trabajo de la pintura. Y ahora, después de Los
Reyes e influenciado un poco por Paco, pienso que tengo que hacer bocetos en
los casos en que he de trabajar sobre una escultura a cierto tamaño. Estas cabe
zas las he empezado directamente a su tamaño, porque no se ven las cosas en
el boceto, no me imagino a Velázquez haciendo un boceto de las Meninas. En la
pintura moderna en general no existen bocetos, el boceto es el propio cuadro en
el comienzo de su propia elaboración. En el caso del Guernica no hay bocetos,
después hizo pequeños estudios.28
Como hemos dicho anteriormente, todos los escultores a los que ha
cemos alusión en esta tesis utilizan el dibujo como requisito previo antes de
abordar la obra, tanto para estudiar las distintas posibilidades estéticas de la
idea a plasmar, como para concretar las versiones que pudieran darse. Tam
28 Entrevista personal a Antonio López, Madrid, marzo de 2001. La entrevista se reproduce

completa en apéndices.
Fig. 127

Fig. 128
bién se plantea como una necesidad a la hora de materializar las ideas, a fin
de explicar a los que las encargan cual sería la forma de la obra cuando esta
se realice. Sin embargo, en cuanto a la manera de realizar los dibujos, obser
vamos diferencias notables entre los tres.
Volviendo al trabajo de Julio López, podemos decir que en cuanto a los
bocetos en barro no tiene establecido un tamaño determinado y los convierte
en un estudio de la sensibilidad de la expresión del conjunto, sin agotar las
posibilidades de la obra final. No se le escapa el hecho de que también será el
boceto una escultura en sí misma, con el fin de poder venderla, y aborda sus
bocetos teniendo en cuenta su propio mercado.
Desde el punto de vista técnico, y dada la profesionalidad de los artistas
que estamos tratando, éste aspecto no constituye un handicap, ni tampoco es
siempre la premisa fundamental a la hora de abordar un boceto. Si hemos de
tener en cuenta el caso de Julio López, un escultor que vive exclusivamente
de su obra, salvo algunas intervenciones en conferencias, mesas redondas,
coloquios, jurados de concursos, etc. deduciremos que ha de estar muy atento
también a los aspectos económicos y fiscales de sus actividades. Fig. 129

Después de esta breve aclaración, que aunque parezca que nos distrae
mos del tema central de la investigación, no deja de formar parte de los con
dicionantes ineludibles a los que se enfrenta siempre el artista en su relación
con el entorno inmediato, seguiremos profundizando en ese contacto primero
de la idea con el mundo tangible.
Como decimos, sus bocetos son el estudio a través de los cuales da vida a
sus ideas, reflexionando sobre todo en el concepto, sin agotar las posibilidades
de la obra definitiva; esto quiere decir que de alguna manera le gusta que en
el resultado final se perciba la sensación de primer estudio, y que este sea
susceptible de cambios formales en su tamaño definitivo y casi nunca de su
entendimiento conceptual.
Existen diferencias fundamentales entre las piezas que realiza para un en
cargo de las que realiza para su obra personal.
Bocetos de encargo
Son estudiados desde dos vertientes, por un lado desde el punto de vista
de la ubicación, de acuerdo con el entorno arquitectónico en torno al que va a
ser instalada la pieza, por lo que en ocasiones los presenta acompañados de
una maqueta a escala. Por otro lado hace un análisis formal del monumento,
estudiando el comportamiento de la figura y su expresividad.
Bocetos en su obra personal

Estos a veces solo los contempla desde el dibujo realizando diversos es
tudios, para después convertir la obra definitiva en boceto, sometiéndola a un
incesante proceso de investigación. En ocasiones utiliza modelo vivo y aquello
que hoy funciona, mañana será puesto en tela de juicio, reestructurando y
viéndolo siempre como un “todo cambiante”.
Los tres artistas utilizan el dibujo como herramienta y como técnica, para
crear de manera similar, aunque con resultados plásticos muy diferentes. En el
boceto se darían dos particularidades, ya se trate de una obra personal, sin un
destino público, o de un encargo.

Fig. 125
Fig. 130
El encargo
Nos detendremos a propósito para explicar uno, y escogeremos en
particular, el encargo del Retrato de los Reyes de España, Don Juan Car-
los y Doña Sofía, situado en el Patio Herreriano Museo de Arte Contem
poráneo Español, de Valladolid. Este encargo que en principio se lo hicie
ron a Julio, este quiso contar con Antonio que en aquel tiempo le habían
encargado el cuadro de la Familia Real y de esa primera conversación
acordaron realizarlo implicando a Francisco también, al tiempo que se
pondrían en contacto con nosotros para estudiar las posibilidades a la
hora de ampliarlo.
Se concibió desde el principio como un monumento tradicional al uso,
para lo que se hizo un trabajo previo de recogida de información, fotogra
fías con medidas tomadas de los mismos Reyes, dibujos y croquis, para
luego, a partir de ahí haríamos una armadura para que los bocetos una
vez modelados, en su altura máxima no excediera de noventa centímetros,
para luego ser pasados a escayola, de los que se sacarían de puntos para
hacer la obra definitiva. Después de hacer dos jaulas una para cada mode
lo, se construiría también otras dos a escala, de unos tres metros de altura,
que se pondrían en sendas plataformas con ruedas, para poder juntaras o
separarlas a capricho, y poder seguir los procesos por separado. Se saca
ría una armadura de hierro, punteada para cada figura, modelada con ma
lla metálica cuatro centímetros por debajo de la superficie para cubrir con
barro, y luego modelar las dos figuras hasta sus últimas consecuencias, de
las que se extrajo molde para ser pasado a bronce.
Primero se hizo la Reina, y luego el Rey este proceso duro dos años y
tuvo lugar en lo que hoy es el Museo del Traje

Fig. 131
Fig. 132 Fig. 133

En el caso de Antonio López apenas ha hecho obra de encargo con un
destino público. La más conocida son las dos cabezas que simbolizan el Día
y la Noche, colocadas en la estación ferroviaria de Atocha, que fueron am
pliadas de unas cabezas de tamaño natural, que en sí mismas eran ya obras
definitivas. La mujer de Coslada –otro encargo del artista- nació como una
obra acabada, de la que se hicieron fotografías, que ampliadas sucesivamen
te, sirvieron, tras observar directamente el emplazamiento para el que estaba
destinada y fotografiarlo hacer un fotomontaje, y así decidir qué era lo más
adecuado para el espacio real. El artista nos ha dicho que trabaja a partir de
obras que son definitivas, a partir de las que hace estudios, que serían dibujos
de frente y de perfiles, a tamaño natural.
Cuando Francisco López y Julio López han tenido que abordar un encargo
directo para un lugar concreto, lo han hecho utilizando abundante documen
tación y haciendo numerosos estudios, tanto a escala, como a tamaño real de
fragmentos –como manos y otras partes del cuerpo- y de las figuras comple
tas. Cuando trabajan en obras cuyo destino final es incierto o abierto, lo hacen
con ánimo de abordar el asunto que les dicta su conciencia y en esos casos los
bocetos no son herramientas indispensables para las ampliaciones. Entonces
abordan la idea con libertad, no les ata nada, excepto su propio ánimo o el
natural que tienen como modelo.
Fig. 134 Fig. 135 Fig. 136

Fig. 137
II.2. El modelado
Cuando contemplamos una escultura en bronce siempre debemos suponer
que previamente se ha construido un modelo, generalmente con un material
maleable. Esta técnica lleva implícita, cuando aludimos a ella, términos como
«plástica» y «plasmar», procedentes del griego plasso, que aluden a la acción
de manipular una materia blanda (arcilla, cera, plastilina, escayola, etc.). Por
otro lado, la palabra «escultura» viene del latín sculpere, referida a la acción de
desbastar en un material duro (madera, piedra, marfil, etc.).
Hoy en día estos términos se utilizan indistintamente para designar cualquier tipo de
representación artística, independientemente de la técnica o materia que se utilice, aun
respetando en el caso de la escultura, su carácter eminentemente corpóreo.
Queda claro que en nuestro siglo, el término escultor puede definir tanto al
que modela en barro como al que esculpe en piedra o trabaja con otros mate
riales, sin querer profundizar en el avance e interrelación de las artes plásticas.
Aunque hoy podemos definir casi cualquier objeto o instalación con este
término, nosotros nos centraremos sin embargo en el sentido tradicional de la
escultura como elemento corpóreo, matérico, bidimensional o tridimensional.

Es conocido el menosprecio de algunos artistas, como ocurría por ejemplo
en el Renacimiento, por la técnica de modelar (poner materia), a favor de la
técnica de la talla (quitar materia). Miguel Ángel por ejemplo entendía la escul
tura desde esta última vertiente, donde el acto creativo se manifiesta como la
lucha con la materia para hacer emerger la forma.
En el modelado permanece ese sentido idealista, pero sin la lucha contra la
materia que se opone a la forma, sino todo lo contrario, es la materia quien la
sugiere. Esto tampoco quiere decir que este respeto a la materia sea genuino
Fig. 133
Fig. 138
del modelado, sino de la estética contemporánea, pues Moore, Angel Ferrant,
entre otros, aprovechaban las sugerencias formales de piedras y ramas para
construir esculturas con la mínima intervención. Lo que sí está claro es que en
mayor o menor medida ha estado siempre vinculado a la figuración.
El modelado en barro es la técnica más primitiva y más directa para cons
truir formas. Ya fue empleado para realizar figuras en el Neolítico, mantenién
dose a lo largo de los siglos. Se utiliza como materia de tránsito en la mayoría
de los casos, para, posteriormente, a través de un molde, pasarlo a materia
definitiva, salvo en el caso de la cerámica.

Fig. 134
Fig. 139 A partir del Renacimiento es cuando el modelado adquiere mayor auge,
pues empieza a convertirse en el trabajo esencial del escultor que realiza su
obra primero en un tamaño menor para que después sea pasada a materia
definitiva por distintos y variados procedimientos. El barro se convierte en la
materia de tránsito por excelencia, y al mismo tiempo es utilizado también
como materia definitiva. Ya en el Barroco el barro se usa de manera siste
mática como procedimiento a través del cual el artista crea su obra a tamaño
real, extrayendo de él calcos de yeso que luego serán utilizados como mode
los para trasladarlos sobre todo a mármol mediante un exhaustivo método de

Fig. 140
sacado de puntos29. La pieza en cuestión es sometida a un estudio riguroso
29 Los apectos técnicos se explicaran en el apendice

consistente en marcar los puntos más representativos que definen el volumen
tridimensional de la forma y, a través de variados sistemas, entre los cuales es
taría el sistema por compás, el de compás de dos puntas, el de cuatro puntas,
el sistema por reglas, el de plomada, o, por último y más avanzado, el llamado
de máquina (brazo articulado con una cala), se extraen dichos puntos para ser
colocados sobre el bloque de piedra e ir desbastando la materia sobrante para
fijar las referencias que darán forma a la obra final.
Cuando modelamos, creamos volúmenes reales y tangibles que comparten
con nosotros la atmósfera y el espacio físico que habitamos, y que comienzan
a pertenecer a nuestro universo de formas corpóreas, que pueden percibirse Fig. 141
también a través del tacto y el olfato, otras cualidades que tiene la escultura
aparte de la meramente contemplativa.
La obra y el modelo se dividen el mismo espacio. La escultura se impone
a nosotros con el simple hecho de su presencia, y lo que está presente en
ella no es solamente el material con el que se ha creado, sino también lo que
representa. Unas manos de arcilla no son sólo una mera referencia a la idea
de las manos, es en primer lugar una escultura, y como tal se convierte en un

símbolo. Esto es, que su forma, su volumen y su materia, son un compromiso
entre el mundo real y la ficción.
Fig. 142

Fig. 143
El proceso del modelado30
Como hemos explicado anteriormente, el proceso del modelado parte de un

proyecto previo cuyo origen radica en la idea, la cual se irá materializando a través
de dibujos, diferentes estudios, o bocetos. Muchos de estos esbozos tienen la fina
lidad de recrear a escala reducida la forma definitiva, con el fin de que el artista se
reafirme en su idea y pueda valorar el efecto que produce para estudiar las distintas
posibilidades que se pueden abordar con más facilidad (maqueta), además de pre
sentar al gran público o cliente particular la propuesta a llevar a cabo.
Debemos decir que no siempre es imprescindible realizar un boceto. En la

técnica del modelado, según cada caso, se puede realizar el modelado directo,
modificando aspectos sobre la marcha, estudiando su tamaño, y valorando todas
las posibilidades y sugerencias que el modelo te ofrece (si éste existe, claro está).
Tenemos que reconocer que, sin ser lo habitual, hay escultores que mode
lan restando, es decir, construyen un gran volumen y a partir de ahí comienzan
a desbastar el barro; a base de arañar se van aproximando a la forma.
En cualquier caso, a nuestro modo de ver, la construcción aditiva es la más

ortodoxa y afín con los principios conceptuales de la escultura. Incluso el segun
do método puede ser un recurso necesario que se engloba dentro del primero.
30 Los aspectos técnicos se explican en Apéndices.

En la delicada y difícil tarea de colocar el barro reside posiblemente uno de los
méritos más importantes del escultor, pues habiendo trabajado insistentemente
sobre la obra, ésta debe aparecer fresca, espontánea y reflexiva a la vez.
El historiador francés Henri Focillon, dando muestras de su consolidada for

mación clásica y humanísica, nos sugiere así la sutil sincronía que ha de surgir
entre el artista y su herramienta: Entre la mano y el utensilio existe una familia
ridad humana. Su armonía está constituida por intercambios extremadamente
sutiles y que el hábito no define. Estos intercambios dejan percibir que, si la
mano se presta al utensilio, si ella necesita esta prolongación de sí misma en la
materia, el utensilio es producto de la mano. El utensilio no es mecánico. Si su
forma esboza ya su actividad, si preludia cierto futuro, este futuro no consiste
en una predestinación absoluta, y si la hay, se insubordina.31
En la escultura, una vez que se superan las barreras técnicas y los procesos
que sólo tienen que ver con la «cocina» de la profesión, se entra en una etapa
donde actúa el sentimiento; son momentos en que la intuición es protagonista,
haciendo que la razón se utilice con el equilibrio suficiente como para que per
mita armonizar las emociones sin traicionar los ingredientes básicos de la obra
de arte y del autor en particular, que transgredirá en la medida de su moti
vación personal. La Historia del Arte da muestras de que aquellos artistas más
modernos en su época, se perpetuaron en el tiempo, y fueron tan transgresores
respecto a los procedimientos establecidos como respetuosos con la tradición.
Herbert Read, hace la siguiente reflexión en su obra Imagen e Idea, La Fun

ción del Arte en el Desarrollo de la Conciencia Humana: No puede haber duda,
(...), de que la cualidad plástica de la arcilla y la reacción íntima que produce al ser
manipulada por los dedos fueron por sí mismas fundamentalmente responsables
de los descubrimientos formales del periodo neolítico. El sentimiento de la forma
apareció en la conciencia humana a través de los dedos, y los que los dedos ha
bían conformado sensorialmente fue percibido y aceptado por el ojo.32
31 FOCILLON, H. (1983) La vida de las Formas y Elogio de la Mano. Barcelona: Xarait. pág. 43.
32 READ, Op cit., pág. 55-56.

Cuando el escultor se libera e interpreta el modelo con sentido y sensi
bilidad, el lenguaje estético cobra significado, germinando la creatividad y
quedando patente la huella del artista. Por lo tanto, esta inclusión de valores
subjetivos en la obra de arte obliga a que ésta se personalice también desde
un punto de vista estético.
Fig. 144

II.3. La ampliación del monumento
II.3.1. Antecedentes históricos de las técnicas de ampliación.
Desde el año 500 antes de Cristo, al mismo tiempo que se consolida el
estilo «serevo» y dada la influencia de la técnica de la fundición de bronce,
existen argumentos documentados que aseguran que se construía un modelo
preparatorio para luego trasladarlo a la piedra con un sistema rudimentario de
plomadas a partir de las partes más salientes.
Es evidente que la escultura arcaica está vinculada a su procedimiento, con
relación a los cuatro puntos de vista y a la subordinación al bloque, partiendo
seguramente de un planteamiento gráfico sobre sus caras, dando una sensa
ción, tanto en relieve como en bulto redondo, de bidimensionalidad; precisa
mente esa es la diferencia que hace notar la utilización de modelos de barro en
la escultura clásica, pues toda ella adquiere un carácter tridimensional al poder
ser contemplada desde cualquier punto de vista. Repercute en gran medida la
demanda de los distintos talleres y las variaciones en el grado de participación
del artista, que sin embargo, obliga a la exigencia de la utilización del modelo
y el sacado de puntos, el procedimiento de las plomadas y algunas medidas
más rudimentarias.
En el Renacimiento, y sobre todo más tarde en el Barroco, esta técnica se
perfecciona de tal manera que para una obra no solamente se hacían dibujos
y bocetos a escala reducida sino que también se modelaba en barro a igual
tamaño que la obra definitiva para tener una referencia constante mientras du
raba toda su ejecución. El acabado de estos modelos dependía de la exigencia
del escultor, o también, de la categoría de los talleres y artesanos.
Según fueron evolucionando los talleres se exigía no solamente la amplia
ción en barro, sino un molde y una reproducción en yeso. Esto repercutió en un
apurado de las piezas en mármol mucho más minucioso y erudito.

Fig. 145
Prácticamente hasta el siglo XV, sólo se utilizan métodos rudimentarios,
con plomadas, cuerdas y reglas que se perfeccionaron con el tiempo y en la
medida de la demanda de los talleres que repercutieron en técnicas más depu
radas a la par de la exigencia y la genialidad de algunos artistas.
Alberti, en su tratado De Statua, nos da una detallada descripción de las
formas y los métodos que posibilitaban el sacado de puntos del modelo también
a distinta escala, utilizando un instrumento que él llamaba Finitorium33. Este apa
rato consistía en un aro graduado (Horizonte) que se colocaba paralelamente
al suelo en la parte más alta del modelo de cuyo centro salía un brazo (finitio)
también graduado del que se colgaba una plomada deslizándose esta a lo largo
del brazo. La obtención del punto se hacía descolgando la plomada hasta que
ésta rozaba con el modelo y a partir de ahí, se tomaba nota de las medidas: por
un lado, la medida desde la cuerda al eje del brazo; por otro lado, el ángulo que
señalaba el brazo giratorio sobre el círculo, al mismo tiempo que la distancia
que existía entre el punto que quería obtener al suelo, de acuerdo con la vertical
marcada por la plomada. Cuando el punto a sacar se encontraba en un hueco
donde la plomada no podía llegar, se utilizaba una regla que se colocaba para
Fig. 141
Fig. 146 lela al brazo giratorio.
33 ALBERTI Op. cit., pág. 132-140

Sin embargo, el método más utilizado en los talleres incluso hasta nuestros
días es mucho más simple pero quizás más práctico y más rápido. Vasari34,
decía que la profundidad en el relieve se consigue midiendo la distancia de los
distintos puntos a un plano frontal.
Este procedimiento se centra básicamente en la utilización de una escuadra,

y apoyando uno de los brazos sobre el suelo, se toman medidas desde la vertical
tanto en altura como en profundidad. Este método, junto al formato cuadrangular
de los bloques, es el que desembocó en la invención de las jaulas.
Fig. 142
Pero hemos de destacar que, en general, y desde el punto de vista de la prác

Fig. 147
tica, no existen procedimientos puros, salvo los estrictamente mecanizados en

los pantógrafos actuales, pues han coexistido casi desde el Renacimiento has
ta la actualidad numerosas mezclas y posibilidades: un estilo de Finitorium con
base y techo cuadrados con regla vertical acotada; los sistemas de ampliación
por compás utilizando tres a la vez, el sistema de ampliacion por compás de
cuatro puntas, donde cualquier medida obtenida por un lado se duplicaba o se
multiplicaba por tres o por cuatro. En nuestra práctica de taller desde nuestra
etapa de formación hasta hoy podemos afirmar que los hemos utilizado todos
y casi nunca en su estado puro. Fig. 143
Fig. 148
A partir del siglo XIX se extiende un método de sacado de puntos de medidas

equivalentes que permiten al artesano encargado de desbastar acercarse más al
original del artista, mediante el traslado de un elevadísimo número de puntos. Éste
se realizaba a partir de una cruz de madera invertida. Esta cruz se sujetaba al
modelo sobre tres puntos de anclaje, el primero y superior se colocaba de manera
vertical de la cual pendía toda la cruz; los dos inferiores eran simplemente de apoyo
y referenciales. Estos puntos se fabricaban de acero y se sujetaban con yeso al
modelo, el cual tenía en su cabeza un agujero cónico, en el que se alojará el punto
afilado de acero situado en el extremo de los brazos de la cruz.
Fig. 149
34 VASARI, G. (1568) Las vidas. De los más excelentes arquitéctos, pintores y

escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Madrid: Cátedra, 2002. pág.
62-63.

Fig. 150
La situación de los puntos es elegida teniendo en cuenta que estén lo más
separados unos de los otros para al mismo tiempo que se abarque el máximo
de la escultura, el apoyo de la cruz será más estable, y se recomienda que los

brazos inferiores de la cruz sean equidistantes para tener mayor estabilidad.
La distancia también está relacionada con el tamaño de la piedra en la que se
va a copiar la escultura, de igual a igual.
Salvo casos excepcionales, sólo una mínima parte de las esculturas en pie
dra es obra del autor que las ha creado. Este prepara un modelo bien acabado,
casi siempre en escayola, y luego se limita a retocar dándole los toques sen
sibles que caracterizan su personalidad. Con todo, no debemos olvidar la talla
directa hecha por escultores como Mateo Hernández o Juan Haro.

III.1.1. Modelado de la ampliación en arcilla
Para la obtención de un monumento a partir de un modelado en barro se
deberán tener en cuenta una serie de pasos.
Normalmente este modelado habrá sido hecho en pequeño formato y de
berá ser reproducido en una materia lo suficientemente rígida como para que
permita un manejo de cierta comodidad (escayola, resina, bronce, etc.). Este

modelo tendrá una medida aproximada que oscila entre los cuarenta centí
metros cúbicos y los cien centímetros cúbicos, dependiendo de la escala a
la que se haya de ampliar. En ocasiones, para obtener un gran formato se ha
necesitado una doble o triple ampliación, de tal manera que el primer modelo
se amplía consiguiendo un segundo modelo. Esto se hace así porque si la es
cala a la que se amplía es muy grande y el modelo muy pequeño, se pueden
producir errores considerables.
Nuestra experiencia nos aconseja que siempre que el modelo se amplíe
más de tres veces su tamaño, deberíamos recurrir a un sistema de sacado de
puntos (véase apéndice…), ya sea para un pieza figurativa o abstracta. Sobre
todo en las figuras realistas se hace casi imprescindible, pues en el acto de la
creación es mucho más fácil mover las masas en un modelo de formato redu
cido, que tratar de ampliarlas directamente del natural.
A lo largo de nuestra experiencia como técnicos ampliadores, hemos utiliza
do muchos tipos de sujeciones; la más sencilla, cuando las reglas verticales son
de madera, consiste en colocar en cada punto de contacto de la regla horizontal
con la vertical un pinchito que con una leve presión se clavará en ambos lados.
También en otras ocasiones, cuando la jaula tiene un tamaño mayor y debido
a esto, la regla también consecuentemente tiene un peso mucho mayor, nos
obliga a colocar unos anclajes de mayor resistencia; unas veces se procederá
a hacerlo con tornillos de aprieto, aunque este sistema conlleva el problema
de que mientras se sujeta la parte izquierda de la regla, la derecha se nos cae Fig. 151

y viceversa; por tanto, nos vimos obligados a inventarnos un sistema de pinza
para la parte izquierda para que con una simple presión ésta quede sujeta y ya
con un tornillo de aprieto, sujetamos la derecha.
Han sido muchos los sistemas de sujeción de la misma utilizados a lo largo de

nuestra dilatada trayectoria como técnicos de taller en las diferentes colaboraciones
con distintos artistas: imanes, pinzas, útiles de aprieto de diferentes formas y maneras.
La regla podrá estar numerada de izquierda a derecha, o de derecha a

izquierda, siempre y cuando en la jaula del tamaño definitivo lo hagamos de la
misma manera. Esta norma se contradice cuando queremos invertir el movi
miento de la figura, pues se habrá de numerar en el boceto de una manera y
a la inversa en su escala definitiva, sistema que conocemos de primera mano,
pues lo hemos utilizado en numerosas ocasiones, especialmente en la colabo
ración con Francisco López para dos esculturas que se ampliaron, y realizaron
en resina de poliester (imitación de piedra) para el edificio de la Junta de Extre
madura, Mérida. Dado que las esculturas sujetaban un escudo con un brazo,
y cada una de ellas se colocaría a un lado del edificio, la composición sugería
que mientras la de la derecha sujetaba el escudo con el brazo izquierdo, la de
la izquierda debiera sujetarlo con el derecho; Esta razón nos obligó a sacar de
un mismo boceto dos esculturas invertidas.
Fig. 152 Fig. 153 Fig. 154

II.4. El paso a materia definitiva
II.4.1. Introducción al vaciado en escala
El empleo de este material para escultura se remonta a la Antigüedad. Se han
encontrado referencias del uso del yeso en el mundo griego, datos en los escritos
de Teograsto y de Plinio el Viejo, el cual adjudica en su Historia Natural, a Lisístra
to de Sición la invención del modelado y vaciado de esculturas en yeso.
Vasari nos comenta que el escultor Leone Leoni había erigido, en el patio
de su casa de Milán, un vaciado de Marco Aurelio Ecuestre, y que tenía va
ciados de escayola de tantas obras afamadas, labradas y vaciados, antiguas
y modernas, como fue capaz de conseguir35. Giovanni Battista Armenini, en
De los verdaderos preceptos de la pintura, recomienda a los estudiantes dibu
jar vaciados de estatuas, como el Laocoonte, o el Torso de Belvedere, entre
otros36. Esas reproducciones en yeso eran totalmente fieles a los reales y fácil
mente transportables, y también más baratas comparadas con las de bronce
o mármol; de esta forma, se conviertieron en elementos fundamentales de
estudio en todas la Academias que fueron creándose en Europa.37
La Real Academia de San Fernando contaba con un número elevado de
reproducciones en yeso, que llegó a adquirir gracias al interés mostrado por
A.R. Mengs, quien consideraba que el estudio de las estatuas de la Antigüedad
debía ser la base de cualquier enseñanza artística. Al célebre artista se le en
cargó una lista de moldes de yeso que debían comprarse en Roma.38
35 MEZZATESTA, M. P. (1985). «The Façade of Leone Leoni’s House in Milan, the

Casa degli Omenoni: The Artist and the Public». The Journal of the Society of Architectural
Historians vol. 44 nº3 pág. 233–249.
36 ARMENINI, G. B. (2000) De los verdaderos preceptos de la pintura. Madrid: Visor. pág.101-
112.
37 Vasari, citado por HERNÁNDEZ GÓMEZ, R. (1993) «Procesos de Moldeo y Vaciado.
Materiales» en: SÁNCHEZ BONILLA, M. I. [et al.] (1993) Escultura: Hechos Santa Cruz de
Tenerife: Universidad de La Laguna. pág. 196.
38 Ibíd., pág. 196-197.

En el siglo XIX, Auguste Rodin se rodeaba de vaciados de yeso de sus propias
esculturas o fragmentos de ellas, a partir de los cuales realizaba sus composiciones.39
Vemos que desde la Antigüedad se ha utilizado el yeso como material de transi
ción entre un modelo y otros materiales considerados más apropiados para el exterior,
Fig. 150 como el bronce y que esto no ha cambiado prácticamente hasta nuestros días.
Fig. 155
II.4.2. El molde
Una vez concluida la labor de ejecución plástica de la obra, tienen lugar los
procesos técnicos que finalizan con la obtención de la escultura en un material
de una perdurabilidad razonable, y que en la mayoría de los casos es una
materia de tránsito entre el barro y la materia definitiva.
El objetivo primordial del vaciado de una pieza escultórica es la obtención
de un molde que posteriormente permita la reproducción de la misma.
Fig. 156
39 Ibíd., p. 198.

II.4.3. La fundición
II.4.3.1. Antecedentes históricos de la fundición.
Desde la Edad del Bronce, pasando por el mundo helenístico y romano, la
esencia del procedimiento de fundición en bronce apenas cambia; es a partir
de finales del sigo XVI cuando se adopta el sistema del molde por piezas que
permitía repetir el proceso las veces que fuera necesario. Aún así, siempre ha
sido un material excesivamente caro debido a los costes originados por su tra
tamiento en la fundición. A raíz de la incorporación a este proceso de métodos
industriales de producción, tiene lugar un gran salto cuantitativo, pues permite Fig. 152 Fig. 157
la reproducción en serie como si de la técnica del grabado se tratara.
Sin embargo, ésta ha sido y sigue siendo una técnica artística minoritaria,
pues no siempre se dispone de la solvencia necesaria para positivar las es
culturas en bronce. Hoy sabemos que a Rodin le rechazaban sus obras en
concursos nacionales porque las presentaba en escayola. Fig. 158
La técnica de fundición del bronce a través de moldes había alcanzado un
alto grado de perfeccionamiento en Asia anterior y en Egipto ya a mediados del
III milenio a. C. Uno de los oficios más antiguos consistía en colar el metal fundi
do dentro de moldes abiertos de piedra o de barro cocido. Esta técnica del metal
permitía la producción de objetos con una superficie modelada y otra lisa, que
se terminaba tallando, especialmente para hacer armas y utensilios domésticos.

Fig. 154 Fig. 159
En un segundo momento, la creación de formas huecas con dos valvas (a veces
conseguían por medio del calco de barro o de yeso a partir de un modelo en
positivo generalmente de yeso o piedra) permitió la producción de objetos más
complejos, modelados en tres dimensiones. Pero ya a partir del III milenio el co
nocimiento de la técnica de la fundición a la cera perdida hizo posible el colado
en bronce de objetos muy complejos a partir de un molde de barro de una sola
pieza realizado sobre una modelo de cera: la cera se eliminaba con la fundición
y la oquedad resultante se rellenaba de metal fundido. Fig. 160

Fig. 161
Puesto que en un primer momento el modelado de cera era macizo, la fun
dición también resultaba maciza, por eso esta técnica sólo se prestaba a la
producción de estatuas pequeñas dimensiones. La estatua griega maciza de
mayor tamaño que nos ha llegado es el Flautista, del Museo de Samos, de siglo
VI, que mide 42 cm. Esculturas de mayor tamaño no hubieran salido bien; tanto
es el calor que se concentra en tanta cantidad de metal que las contracciones y
los rechupados que se ocasionan al enfriarse malogran la pieza.
Sólo cuando se adoptó un modelo de cera provisto de un alma de tierra

Fig. 156
prensada, la técnica del colado del bronce pudo alcanzar un auténtico desa
rrollo en la producción artística; particularmente, en la estatuaria monumental,
gracias al nuevo método, el metal fundido llenaba sólo el vano intermedio que
dejaba la cera al fundirse entre el alma interior de tierra y el molde exterior
también de tierra, lo que permitió por un lado un gran ahorro de material y por
otro la producción de objetos relativamente ligeros de una gran calidad técnica,
huecos por dentro, de gran tamaño, y de espesor fino e uniforme.
Fig. 162 Por otro lado, ya existía otro procedimiento, la fundición a la arena, en el que no
se precisaba la cera. Se construía un molde del objeto a fundir y a este molde se le
sacaba otro molde o macho interno o portea. Este macho se rebajaba a ojo dejándolo
más pequeño de tal manera que entre el núcleo y el molde quedaba un espacio no
del todo uniforme y un poco grueso. En este espacio se vertía el bronce.
Los bronces obtenidos con este sistema tenían un gran espesor pero no
era muy superior al de otras fundiciones anteriores hechas a la cera perdida.
Muchas de las fundiciones de Grecia entre los siglos V y VI tienen un gran
espesor, motivo por el cual pensamos que se hicieron con este procedimiento
que más tarde, gracias a Fidias, alcanzarían mayor grado de especialización.
En Asia y Egipto se llega a la fundición a la cera perdida con un alma hueca a
partir de los intentos de fundición sobre el hueco en las que el macho estaba
sujeto con clavos al molde de piezas.

Una de las piezas griegas más antiguas de fundición en hueco a la cera
perdida es una cabeza femenina con un tocado procedente de Chipre (el Lou
vre) de finales del siglo VII a.C.
La preparación de los modelos se realizaba sobre una estructura de hierro
muy elemental. Las formas eran generales, escuetas y muy mermadas. Esta
se bañaba con cera líquida y a partir de ahí se comenzaba a modelar con muy
poca uniformidad puesto que las exigencias de dibujo obligaban a poner de
masiado grueso en algunos sitios. Fig. 163
A partir del siglo III antes de Cristo se perfecciona el sistema porque hasta
entonces el modelo desaparecía con la fundición de la cera, y si el intento era
fallido suponía el tener que modelar de nuevo la pieza.
Se comenzaba pues a crear el modelo íntegramente de barro y a éste se le
sacaba un molde de piezas; este molde se picaba con cera dándole un grueso
uniforme y se cerraba llenando el hueco interior con tierra.
Esta técnica elaborada en la época helenística, fue muy utilizada posterior
mente en Roma, sobre todo para retratos y grandes piezas. Sin embargo, aca Fig. 159
bó cayendo en desuso, hasta que en el siglo XVI y XVII se volvió a recuperar.

Fig. 164
Cellini, en el capítulo III de su Tratado della scultura (1588)40, describe con todo lujo
de detalles el proceso argumentando su gran utilidad puesto que permite a los ayudan
tes repasar las obras teniendo como muestra el modelo original hecho por el maestro.
En la segunda edición de Le Vide (1568), Vasari comenta: Ha alcanzado en
nuestros tiempos este método (del negativo por pieza) de colar las figuras… tanto
prestigio, que nuestros maestros las consiguen… de manera limpia y así no hay
que volverlos a pulir con hierros, y tan delgadas como el filo de un cuchillo.41
40 CELLINI, B. Tratados de orfebrería, escultura, dibujo y arquitectura. Madrid: Akal, 1989.

pág.152-170.
41 Giorgio Vasari, citado en MALTESE, C. [Coord.] (1980) Las Técnicas Artísticas. Madrid:
Cátedra, 1995. pág. 59.
CAPITULO II. El medio (el Taller) 109

Los cambios signficativos aparecieron con la Revolución Industrial, época en
la que se sistematizaron todos los procesos de fundición y se inventaron útiles
y materiales, y se hicieron aleaciones que mejoraron la fundición, pero hasta
finales del siglo XIX la única soldadura existente era la de fragua, que en el caso
del bronce se hacía solapando una pestaña con otra y haciendo por dentro de la
escultura unas estructuras de hierro que se acoplaban con remaches de bronce;
los huecos y defectos menos graves se rellenaban con plomo. Antes de las dos
grandes guerras del siglo pasado, ya se comenzó a soldar con gas y después
Fig. 165
de la segunda guerra mundial empiezan a utilizarse las soldaduras eléctricas,
técnicas que se han ido mejorando mucho a partir de entonces.
Desde nuestros años de aprendizaje y a lo largo de nuestro trabajo como
escultor y docente hemos empleado todos los sistemas y los cambios que han
ido surgiendo. Exactamente igual que en las soldaduras nos ha ocurrido con los
sistemas de moldeado y reproducción. Así, hemos convivido con el molde a pie
zas, con la gelatina o cola animal, plastofex, látex, siliconas y polímeros, los recu
Fig. 166
brimientos refractareos, los aislantes térmicos, los sistemas de energía y fusión,
Fig. 167
de la cera a la malla y el autoclave. Lo mismo podemos decir de los metales de

fundición, plata, cobre, bronce, acero, hierro y aleaciones diversas; además de la
fundición en frío con resinas de alta resistencia con partículas de metal.
Hoy día y ya desde el siglo XIX, el escultor sólo interviene en el repaso y
corrección de las ceras, convirtiéndose en un procedimiento mecánico; de no ser
por la incorporación de materiales flexibles como la cola y el plastoflex primero,
la silicona y las resinas sintéticas después, el proceso seguiría siendo el mismo.

II.4.3.2. El Bronce
El proceso de fundición no se realiza normalmente en el taller de escultor,
como es el caso de la obra de los escultores que nos ocupa, generalmente se
envía la obra en yeso o poliester al taller de fundición.
Como hemos dicho, en el mundo griego y más tarde en el Renacimiento, la escasa
fluidez de las aleaciones utilizadas producía fundiciones bastante defectuosas, que
necesitaban de un gran trabajo de corrección y de cincelado. Pero aún hoy en día
algunas imperfecciones como pequeños huecos e irregularidades en la superficie son

Fig. 168
muy difíciles de evitar incluso disponiendo de una técnica muy avanzada.
En la Antigüedad, tanto en la escultura griega como a principios del rena
cimiento existía un cierto gusto por mantener los valores del metal reluciente,
incluso se doraban las esculturas con procedimientos que hoy en día estarían
terminantemente prohibidos, pues las esculturas se sumergían en grandes ba
ñeras de mercurio con un tremendo perjuicio para los trabajadores. Existen
escritos al respecto que aconsejaban sobre la no conveniencia de que estos Fig. 169
trabajos fueran realizados por oficiales muy cualificados o que se tuvieran en
mucha estima pues el que no moría terminaba con secuelas irreversibles.
Normalmente, las esculturas se acaban y presentan patinadas. Henry Moore
decía sobre la pátina: Me gusta trabajar con todos mis bronces cuando llegan de
la fundición. Para empezar, una pieza recién fundida es como un penique recién
acuñado, que da la impresión de que está ligeramente deslustrado. A veces
eso está bien y es apropiado para una escultura, pero no siempre. El bronce es
muy sensible a las sustancias químicas y, naturalmente, el bronce al aire libre Fig. 170
(sobre todo cerca del mar) con el tiempo y la acción de la atmósfera adquiera
una hermosa tonalidad verde. Pero a veces uno no puede esperar a que la
naturaleza trabaje sobre el bronce, y se puede acelerar el proceso tratando el
bronce con distintos ácidos y sales que producirán distintos efectos. Algunos lo
volverán negro, otros verdes, otros rojo, otros azules... Cuando hago un yeso,
CAPITULO II. El medio (el Taller) 111

generalmente tengo una idea sobre si quiero que sea un bronce oscuro o claro
y de qué color va a ser. Cuando lo traen de la fundición le doy la pátina y esto a
veces sale bien pero a veces no se puede repetir lo que se ha hecho en otras
ocasiones. La mezcla de bronce puede ser diferente, la temperatura a que se
caliente el bronce antes de poner el ácido puede ser diferente. Dar la pátina al
bronce es algo muy apasionante pero incierto y difícil.42
La pátina tiene una vital importancia para que una escultura se concluya
con éxito, “una buena pátina mejora una mala escultura y viceversa” dicen los
que patinan en las fundiciones; algo de cierto hay en ello, aunque los esculto
res, cuando nos hacen una mala pátina, solemos decir: “ya se arreglará con
el tiempo”, y efectivamente el tiempo dirá si es o no es una buena escultura.
Fig. 171
42 VVAA. (1981) Henry Moore. Exposición Retrospectiva. Madrid: Polígrafa. pág.166.


CAPITULO III. El entorno
CAPITULO III. El entorno 113

Fig. 180
Fig. 178
Fig. 179
Fig. 176
CAPÍTULO III. EL ENTORNO
Fig. 173
Fig. 175
Fig. 172 Fig. 174
Fig. 177
Este capítulo tratará aquellos elementos que condicionan tanto la persona
lidad como la obra del artista. En primer lugar, analizaremos las razones que
pueden llevar a éste al campo de las bellas artes, la relación con sus compa
ñeros y con el mundo circundante tanto en su etapa de aprendiz y formativa
como a lo largo de su trayectoria profesional.
Fig. 181
Estas consideraciones dibujarán un recorrido sobre la historia del aprendi
zaje del escultor y de cómo evoluciona su figura dentro de la sociedad.
Posteriormente, haremos una introducción al entorno personal reflexionan
do sobre las distintas etapas de mi formación y trayectoria profesional, así
como en la relación con los artistas estudiados.
Por último, y como consecuencia de todas estas consideraciones que ha
tratado este estudio, recogeremos el proceso de realización de un monumento
concreto que sintetice todos los conceptos que hemos abordado. Fig. 168
Fig. 182

III.1. El aprendizaje del artista y su lugar
III.1.1. Introducción al aprendizaje.

Consideramos que toda la cultura y el arte de los maestros que han for
mado parte de nuestra formación, han sido de suma importancia para nuestra
evolución personal. Pensamos que sus enseñanzas y la convivencia en el ta
ller, han posibilitado nuestra actual concepción del trabajo y del concepto que
tenemos de la escultura.
Como es lógico, existen diferencias formales, temáticas y conceptuales en
relación con los distintos escultores que han contribuido a nuestra formación a
través de la academia y el taller. Porque la intuición y la emotividad personales

sirven de filtro a los conocimientos e influencias exteriores. Aunque el trabajo
realizado con sus maestros deje una profunda huella, el escultor debe indivi
dualizar lo aprendido, y trasladarlo a su mundo personal.
Fig. 183

III.1.2. Del taller del artesano, a la Academia y a las enseñanzas artísticas.
A fin de situar mínimamente la problemática actual en un panorama de ma
yor amplitud temporal, revisaremos brevemente la evolución de la enseñanza
de la escultura, una profesión que no sin dificultades pasó de la consideración
de arte mecánica a la de saber humanístico, del aprendizaje en talleres a las
escuelas universitarias.
Hay muchos temas susceptibles de análisis en el artista de la Edad Media;
ante todo, el sistema de aprendizaje aún no normalizado en cuanto que no exis
tían cofradías profesionales o gremios relacionados con las artes en general, sal
vo en la construcción. Es complicado llegar a conclusiones sobre los aprendices,
ayudantes u oficiales que trabajaban en el taller de un artista bien establecido.
Resulta importante comentar el sistema de trabajo, las técnicas utilizadas,
los materiales según las necesidades del mercado y las exigencias del ta
ller. No trabajaban con el mismo bagaje de conocimiento un arquitecto que un
mero escultor. Por ejemplo, en el siglo XV, los conocimientos de geometría o la
capacidad de diseñar máquinas eran más propias del arquitecto.43
Muchos estudiosos olvidan que el sistema de trabajo de la Edad Media con
sistía en un gran número de trabajadores a pie de obra, que no poseían taller
propio y deambulaban de obra en obra. En determinados casos, se realizaron
contratos que especificaban qué se pedía exactamente al maestro y qué se
dejaba en manos del taller. Pero algunos pintores o escultores obtuvieron un
éxito tal que se convirtieron en algo parecido a empresarios en busca de en
cargos que, en parte realizaban con sus propias manos, y en parte con ayuda
de los aprendices del taller. Incluso se llegó a subcontratar a otros profesio
43 YARZA LUACES, J. [Coord.] FITÉ i LEVOT, F. [Coord.] (1999) LÁrtis

ta-Artesà Medieval a la Corona DÁragó., actes: Lleida 14, 15 i 16 de gener
de 1998. Lleida Universitat de Lleida. pág. 11.

nales que, o bien no disponían de taller propio, o bien se encontraban en una
situación insegura. Este tipo de situaciones perdurarán en el tiempo, como es
el caso del aprendiz Manuel Rincón con Gregorio Fernández, el escultor más
importante de Castilla en el siglo XVII. En uno de los contratos que ha llegado
hasta nuestros días se exponen las siguientes condiciones:
Por tiempo y espacio de cinco años (...) para que durante ellos se le en
señare el dho offo de escultor de manera que sea oficial a bista de oficiales y
para el Trauaxo que a de thener en se lo enseñar obligo al dho a menor a que
luego le dará y pagará doce ducados y a que durante el dho tpo no se hirá ni
ausentará del dho serbicio y si se le fuere y ausentare doquiera que estubiere
puedale sacar y saque llevele a casa y serbicio para que le acabe de serbir
al tpo que faltare y no le allando pa dho hefeto pueda inseguida rrecivir un
oficial del dho en lo que faltare de serbir y por ello da el salario que se suele
y acostumbra a dar a un oficial del dho oficio y pa lo que en razón se les pa
garae pueda executar y executarle al dho menor por solo esta escritura, e yo
Gregorio Hernandez escultor... rrecibo en mi casa y serbicio a dho Manuel de
Rincon menor por los dhos cinco años durante los quales me obligo de la en
señar el dho mi oficio asta que lo sea y le pague el salario que se acostumbra
pagar a un oficial del dho oficio quando sale de aprendiz... y me obligo de que
durante lo dhos cinco años le dara de comer y beber cama y rropa limpias... y
las enfermedades que tubiere cuando cadaa una de ellas no pase de quince
días todo a mi costa y misión y al fin dello le daré y pagaré doce ducados para
que con ellos compre un bestido.44
Fig. 184
44 GARCÍA CHICO, E. (1941) Documentos para el Estudio del Arte en Castilla.

Escultores, Valladolid: Universidad, Seminario de Arte y Arqueología Tomo II.
Págs.150-152.

Tradicionalmente, el artista realizaba su aprendizaje sometido desde
niño a la tutela de un maestro. Como explica Matilla, cuatro eran los fac
tores que determinaban la enseñanza del escultor en el Taller: ejercicios
de dibujo y modelado, consejos y enseñanzas del maestro, aprendizaje
mediante la paulatina participación en los Trabajos del Taller y adquisi
ción de un estilo con claves referenciales al del maestro.45
Por lo tanto se deberá tener un criterio objetivo a la hora de analizar las

obras. A lo largo de los siglos XVI y XVII, cuando un aprendiz de escultor en
traba a trabajar en el estudio de algún escultor afamado, lo hacía con intención
de aprender las técnicas del oficio, y al mismo tiempo pretendía conseguir las
mismas formas de hacer o de entender la escultura que su maestro, quien a su
vez le acogía en una relación casi paternal.
Del mismo modo, el aprendizaje que se centra en la ampliación de la obra

de un determinado maestro, es de suma importancia para su aprendizaje
como escultor, como lo ha sido en la propia. El historiador José Manuel Matilla
hace alusión a esto en su ensayo El escultor: el modelo, la técnica y la idea:
La importancia del taller como lugar de aprendizaje y adquisición de estilo nos
lo pone de manifiesto el caso de Alonso Cano y Pedro de Mena. Este último
había adquirido el oficio en el taller de su padre Alonso de Mena, convirtién
dose tempranamente en un escultor reconocido. Pero es a raíz de trabajar al
servicio de Alonso Cano, cuando alcanza una destreza y un estilo que harán
de él uno de los escultores más prestigiosos del momento. No como aprendiz,
sino como oficial, Mena aprende de su maestro realizando a gran tamaño las
figuras que Cano “diseñaba” en pequeño formato de forma definitiva (...). De
este modo se aprendía no sólo la técnica, que en este caso era ya conocido
por Mena, sino el estilo, la manera de hacer del maestro.46
45 MATILLA, J. M. (1989) “El Escultor: el modelo, la técnica y la idea” en:

CARRETE PARRONDO, J. [ed.] (1989) La formación del artista de Leo-
nardo a Picasso: aproximación al estudio de la enseñanza y el aprendiza
je de las Bellas Artes Madrid: Real Academia de Bellas Artes de San Fer
nando. Pág. 66.
46 Ibíd, pág. 68.

Jusepe Martínez, en su tratado Del dibujo y maneras de obrarlo con buena
delimitación, explica que el aprendiz se pondrá principalmente a: Dibujar ojos,
narices, bocas, orejas, manos y pies, y al estar algo diestro, tomará cabezas
de por sí, para comprender lo que tiene obrado viéndolo todo junto: luego
tomará piernas, brazos y cuerpos; esto hecho, tomará figuras enteras, y las
pondrá en ejecución.47
El análisis de la copia ya era aconsejado por los grandes maestros de la
Antigüedad como Leonardo o Vasari, quien en palabras de Pacheco opinaba:
Después de haber adestrado la mano e debuxar y exprimir los conceptos de
ánimo, (para venir a ser más inteligente en cada arte) que se exercite el pintor
en imitar figuras de relievo, de piedra o de mármol, o de yeso vaciadas del
vivo, o de alguna estatua antigua, o que haga modelos de barro, o desnudos
o vestido, porque estas cosas, siendo inmóviles, son acomodadas, por estar
firmes, al que debuxa, lo que no sucede con las cosas vivas, que se mueven.48
Fig. 185
47 MARTÍNEZ, J, (1853) Discursos Practicables del Nobilisimo arte de la pintura, sus rudi
mentos, medios y fines que enseña la experiencia, con los ejemplares de obras insignes de
artífices ilustres. Madrid: Valentín Carderera, 1866, pág. 2.
48 Leonardo da Vinci citado en PACHECO, F. «A los Profesores del Arte de la Pintura» en:
CALVO SERRALLER, F. (1981) Teoría de la Pintura del Siglo de Oro. Madrid: Cátedra, pág.
411.

Fig. 186
Con el surgimiento de las Academias, y aunque los talleres seguían conser
vando toda la importancia en el aprendizaje del oficio escultórico, son éstas las
que asumen el papel de impartir las enseñanzas teóricas, recogiendo el fruto de
los tratados que se originaron en siglos anteriores, puesto que ya en el Renaci
miento tratadistas como Alberti o Leonardo reconocieron en sus escritos que las
Fig. 172
artes son una ciencia, puesto que radican en el estudio de la naturaleza donde se Fig. 187
alcanzan principios científicos reducidos de la observación.49
La Academia de San Fernando de Madrid se fundó en 1752, abriendo un camino
que seguirán más tarde Valencia, Barcelona, Sevilla y otras ciudades españolas.
De este modo, las clases de dibujo y modelado se ven completadas con el
estudio obligatorio de asignaturas como anatomía, perspectiva y geometría.
En los programas académicos se insiste en la importancia que para el joven Fig. 188
escultor tiene el conocimiento de estas discipllinas, así como el perfecto co
nocimiento de las proporciones del cuerpo humano, ejercitándose mediante el
estudio de las estatuas del antiguo. Tras estos pasos comenzaban modelando
pies, manos y cabezas hasta adquirir el manejo e inteligencia competentes
para modelar figuras enteras.50
Leonardo da Vinci daba sobre este tema los siguientes consejos: Así te digo
Fig. 189
a ti, que por naturaleza tiendes a este arte, que si pretendes conocer con verdad
las formas de las cosas, habrás de comenzar por sus partes más simples y no
correr a una segunda sin tener antes la primera bien aprendida en la menoria y
en la práctica, si obraras de esta suerte perderías el tiempo o harto dilataría el
estudio. Y recuerda que has de adquirir antes diligencia que presteza.51
49 Ibíd.
50 MATILLA, Op. cit., pág. 71.

51 Leonardo da Vinci citado en VEGA, J. (1989) “Los Inicios del Artista. El
Dibujo Base de las Artes” en: CARRETE PARRONDO, Op. cit., pág. 1.


Los programas académicos, desde los tiempos de Escuela de Bellas Artes
de entonces, hasta llegar a la actual Facultad, han sufrido numerosas modifi
caciones, pues el panorama de las asignaturas y la oferta de posibilidades pre
tenden hacerse cada vez más amplios, para poder competir con las exigencias
sociales y así estar acorde con nuestra realidad artística.
Las dificultades para atender al creciente número de alumnos, así
como la consideración de que debían reunir aptitudes o preparación en el te
rreno de la expresión plástica, llevó a la mayoría de las facultades de Bellas
Artes a establecer pruebas de ingreso específicas; a pesar de ello, el número
de alumnos se ha multiplicado asombrosamente en todos los centros.
En la especialidad de escultura se ha pasado, a lo largo de los últimos
quince años, de la enseñanza impartida en grupos pequeños a condiciones de
masificación más o menos acentuada, lo que ha hecho cambiar substancial
mente la relación profesor-alumno. Desde el punto de vista de la preparación
y actitud del profesor, la atención a grupos mayores exige una mayor estructu
ración y generalización de objetivos y contenidos, establecimiento de sistemas
de evaluación más eficaces, etc., pero reduce las posibilidades de interacción

personal, hecho éste que durante milenios ha sustentado la enseñanza de la
escultura y que consideramos facilita en gran medida la necesaria educación
de los aspectos subjetivos de la sensibilidad estética.
Fig. 190

III.1.3. Breve recorrido histórico sobre el papel del artista.
El hecho de exponer el papel del artista a lo largo de la historia nos ayudará a
entender el del artista actual. Observaremos las diferencias y similitudes así como
los factores que han unido y unen al artista del pasado con el del presente.
Fontán del Junco, en su conferencia El lugar del Artista en la Sociedad
Contemporánea explica cómo la sensibilidad teórica y artística actual es la que
ha vuelto a poner en cuestión este tema del «lugar» del artista y del arte. Pero
la palabra lugar no sólo tiene el sentido espacial, sino también el de identidad,
y eso nos obliga a dar entrada no sólo al espacio52, sino también al tiempo, a
las relaciones del artista y la sociedad.
Mucho se ha debatido sobre el papel del artista en la actualidad; la idea del
«artista» y por extensión del «escultor» al que le falta un puesto en la sociedad
y una función social reconocible, es decir, aquella identidad que explícitamente
se constituye como “en contra de todo», marcarán la leyenda del artista «bohemio». El
tipo de artista que nosotros trataremos (y con el que nos sentimos identificados) es
aquel que parte de unas premisas conceptuales y las materializa a través de la
técnica y el oficio con un fin personal y social.
Entre los mitos creados sobre el Renacimiento estuvo el de la idea del artista total,
sustentado por personajes singulares como Miguel Ángel o Leonardo da Vinci. La
mayor parte de los restantes, o bien conocen sólo un oficio, o bien se desenvuelven en
dos próximos, como el de escultor y arquitecto. Pero esto, lejos de ser una novedad de
los nuevos tiempos no es más que la continuación de una práctica medieval.
Debemos preguntarnos si se debe considerar artista o artesano a los profe
sionales medievales que fabricaban productos llamados artísticos. Tenemos el
52 FONTÁN DEL JUNCO, M. (1996) “El Lugar del artista en la Sociedad Contemporánea”,
ANDRÉS RUIZ, E. [coord.] (1996) El oficio del artista. Sobre el concepto, situación y pers
pectivas de los artistas plásticos en las sociedades contemporáneas. Valladolid: Consejería
de Educación y Ciencia de la Junta de Castilla y León. pág. 40.

ejemplo del autor del sepulcro de Alvaro de Luna, Sebastian de Toledo llamado
imaginario de las imágenes llevó a cabo 16 figuras de ángeles, unos mayores
y otros más pequeños. Se le pagó de acuerdo con esas dimensiones de una
forma singular: cobrará a razón de cuatro reales (124 maravedíes) el palmo de
escultura. Se establece, con la misma mentalidad artesanal, que la medida de
la altura entre ángeles mayores y menores es de dos palmos. En consecuencia,
el conjunto de los 16 pedidos medirá 32 palmos de escultura. A cuatro reales
cada uno, suman un total de 128 reales (3968 maravedíes).53
Esto no significa que no se valore positivamente su trabajo, pero este no
dista mucho del de un orfebre, un ebanista o un cantero de la época, una obra
artesanal surgida como fruto del conocimiento profundo del oficio y sus rudi
mientos, pero sin ningún tipo de planteamiento, consciente o no, de carácter
creativo o escultórico, latente en la obra de artistas cohetanios como Alonso
Berruguete o Juan de Juni. A pesar de ello desde el punto de vista actual estas
obras son entendidas en el sentido completo de la palabra «arte».
Fig. 177
Fig. 191
53 YARZA LUACES, Op. cit., pág. 8.

Hay que tener en cuenta que la propia condición de artesanos mencionada
nos informa sobre el carácter, la forma de ser, la actitud ante el oficio y otros
datos personales, no hay muchos autores que se interesen por escribir sobre
la vida de estos personajes y tampoco ellos mismos lo hicieron.
Es verdad que como hemos dicho ya en este estudio en la Alta Edad Media,
gracias a estos personajes y sus talleres, se empieza a forjar el germen del
artista y es en la Renacimiento donde este concepto comienza ha cristalizarse
junto con la idea que tenemos actualmente del creador con mayúsculas.
Nada diferencia más a un artesano medieval de un artista renacentista que
la propia meditación sobre el oficio y la distinta respuesta sobre el mismo. El
artesano acepta de buen grado su ubicación en las artes manuales, por lo
menos, según Yarza, se pronuncia como tal, de modo que emite juicios de
carácter técnico, nunca estético.54
Sin embargo, el mito del artista renacentista como «artista total» está loca
lizado en la figura de unos pocos; en general nos encontramos con un tipo de
artista y un tipo de arte heredado de la Edad Media, cuando los que llamamos
artistas o artistas artesanos dominaban diversas profesiones.
Según Fontán de Junco, la sociedad contemporánea occidental desde el
final del Renacimiento hasta nuestros días ha experimentado una larga serie
de cambios ideológicos y, más específicamente, estéticos y artísticos, osea,
variaciones en la consideración de la creación artística y del artista, y todos
ellos están estrechamente relacionados entre sí. Básicamente, los cambios
producidos en esos siglos, y muy especialmente entre el XVII y el XX, han con
sistido en un proceso progresivo de autonomía y diferenciación de las diversas
esferas de la vida, y en concreto de la vida social.55
54 YARZA LUACES, Op. cit., pág. 14.

55 FONTÁN DEL JUNCO, M, Op. cit., pág. 49.

Según él, la organización política, el culto religioso o actividades como la
cosecha o la caza y el trabajo de los artesanos tenían límites confusos; en
las sociedades contemporáneas, en cambio, la vida está dividida; vida polí
tica y pública, vida profesional, familiar, etc., con las matizaciones evidentes,
por supuesto, lo que supone que las diversas actividades humanas gocen de
autonomía. Esto explica que tanto el estatuto que ha alcanzado en nuestras
sociedades la belleza como la identidad que han adquirido los artistas que se
dedican a producirla, ha favorecido que éstos sean autónomos.56
Hemos visto como en la Edad Media no tenía sentido la expresión “artista”
tal y como la entendemos hoy en día, y sin embargo en la actualidad si lo tiene,
porque el arte y su resultado no están constitutivamente al servicio de otras
esferas de la vida.
Los cambios estéticos y artísticos producidos en los últimos siglos son pa
ralelos a cambios ideológicos. Lo que subyace a los dos tipos de fenómenos
es el giro hacia la subjetividad individual característica de la modernidad, y la
continua puesta en cuestión del principio de autoridad.
Fontán de Junco continúa diciendo que las variaciones en la creación ar
tística se resumen en lo que suele denominarse la «autonomía de arte y de la

estética». Es decir, en la aparición de objetos que se definen por ser exclusiva
mente bellos, de personas exclusivamente dedicadas a producirlos, (artistas),

y de juicios que son sólo juicios estéticos.57
En el caso del artista actual (con un papel, como decíamos, casi de sacer
dote), parece que basta con que los demás piensen que tiene un hilo directo
con el otro mundo, el de lo sagrado, y que piensen que él también cree que
lo tiene y que lo representa. Eso al menos para que cumpla con la función
de testigo del otro mundo. El mismo historiador dice lo siguiente sobre este
56 Ibíd, pág.50.
57 Ibíd.

aspecto: Quien confiere el status del artista a un sujeto o de obra de arte a un
objeto es, sobre todo, la crítica, la presencia, y el intercambio de ese sujeto, y
de su obra y su intercambio en las instituciones artísticas y culturales, que son
las que tiene la potestad de «consagrarle», porque le otorga «visibilidad» y la
hacen susceptible de «significar», que es lo propio de lo que tiene valor, y no
sólo «ser», que es lo propio de lo que se usa, de lo profano58
En cambio, el artista debe convencer y convencerse de los valores de su
trabajo, por lo que vive en un permanente proceso de perfeccionamiento y
búsqueda, hasta obtener el reconocimiento exterior.
Fontán de Junco engloba en la siguiente cita la concepción que nosotros
tenemos del artista de oficio, que él ve reflejado en el artista postmoderno de

la siguiente manera: El artista postmoderno, (...), es como un artesano que
puede trabajar como quiere: sin la noción de estilo, sin el concepto de perfec
ción ni el de armonía, o con todos ellos, pero lo que es seguro es que se trata
de alguien que, en vez de indisponerse inmediatamente con su sociedad o su
tradición como modo de definirse como artista, y de separarse de su lugar en
ella, echa mano continuamente de la tradición (para citarla).59
Fig. 192 Fig. 193 Fig. 194
58 Ibíd, pág. 56-57.

59 Ibíd, pág. 56.

Fig. 195
III.2. EI entorno personal de Tomás Bañuelos Ramón
Consideramos que toda la cultura, el arte y el oficio de nuestros maestros
es consecuencia de su entorno, de la interrelación de los diversos saberes y
sensibilidades que confluyen por distintas vías para adquirir forma a través del
carácter de la persona, de la particularidad del individuo. Es una espiral cons
tante capaz de vincular Altamira con Picasso, Fidias con Baselitz… desafiando
el espacio y el tiempo, formando una intrincada estructura tridimensional en la
que cada uno que se incorpora es un eslabón más que traba sus raíces capri
chosamente: unas mueren y nacen otras
Nosotros también creemos estar en esa estructura desde el día en que
nacemos, todos formamos parte: desde el Papa Inocencio X, al Borracho o
al mismo Velázquez; Isabel Quintanilla, pintora realista de una amplísima tra
yectoria profesional lo está y desconocemos cual de los vínculos que la unen
tendrá más repercusión: como artista, como madre de artista, como pareja de
artista, como formadora de artistas en los cursos de verano en Salzburg (Aus

Fig. 196
tria), o como modelo de algunas de las esculturas de Francisco López.

Pudiera darse que un músico al contemplar la escultura que representa en
madera estucada a Maribel en el Teatro de Toledo diera vida a una gran cons
trucción musical y ésta sirviera de estímulo de poetas, escultores y artistas
en general, todos ellos constructores de sueños, e infinitas obras de arte que
también evocarán a otros muchos.
Esta reflexión pretende explicar el punto de partida, la propia trayectoria perso
nal. En nuestro caso particular, donde se pone de manifiesto la formación de este
doctorando, la infancia está vinculada a una pequeña industria cerámica próxima a

Fig. 197
nuestra vivienda, en la que se cocieron las tejas y ladrillos de la casa de los abuelos,
construcción destacable en una zona de pizarra, ya que estos provenían de Castilla.
La curiosidad surgió en torno a las necesidades familiares y los oficios que exigía la
vida cotidiana, además de la cercanía diaria con todos aquellos oficios: enfrente de
la casa estaba el molino, unas calles más abajo, el herrero, al lado, el carpintero, y
de fondo, la industria minera con todos sus talleres.
Nuestra sensibilidad por el arte empezó a suscitarse desde la infancia. Uno
de los pasatiempos favoritos era enredar al lado del abuelo con las herramien
tas que dejaba sobre la mesa; la más atractiva era siempre la que él tenía
entre las manos, pues la facilidad y la destreza con la que se movía y trabajaba Fig. 198
invitaban a quitársela. Él cedía ante nuestro empeño guiando pacientemente
a la mano de un niño inexperto sobre la forma de coger e intervenir sobre la
madera con aquel útil.
El abuelo era un hombre mayor, idealista, jubilado y cansado por los años
que pasó en la cárcel y en la mina; mientras, silenciosamente, la silicosis lo iba
devorando poco a poco, aún así seguía siendo una persona activa, comprome
tida que gustaba de conversar y discutir sobre ciencia y política con los amigos
que se pasaban por casa a verle; hombre austero por convicción y por nece
sidad. Tenía carácter y unos férreos principios que defendió hasta su último
aliento, a cambio la vida le compensó con varios nietos en los que proyectar
toda caudal de conocimientos con gran ternura y comprensión. Fig. 199

Fig. 200
Tardes de invierno al calor de la cocina de carbón, sentado al lado de la

ventana, apurando el último rayo de sol, dando brillo a un asta de vaca que há
bilmente transformaba a veces en pez, otras en una hermosa ave que después
colocaba sobre una raíz de hurz, creando un caprichoso entorno.
Estas tallas, junto a las historias y los cuentos que el contaba, iban forjando
una personalidad que se dividía entre dos mundos: el mundo real que recogia
el sentir de las gentes que comparten una España preparandose con cierto
miedo y recelo ante lo desconocido, un tiempo nuevo de libertad, la democra
cia, pero sin dejar de lado la gran conciencia de clase y de lucha por la mejora
Fig. 201
de los salarios y las condiciones de trabajo, propias de esta localidad minera.
Por otro lado iba creciendo un universo más personal y reflexivo, evocador de
sueños imposibles y abiertos a inventar y crear nuevas realidades
La escuela sólo era aprovechada por unos pocos, pues los demás no com
prendíamos la relación que existía entre el estudio y la vida que se nos ponía
delante. Numerosas fueron las noches en las que los amigos de la pandilla nos
reuniamos alrededor del fuego, que solíamos hacer en un solar, los más mayo
Fig. 202 res soñában con irse fuera, a Alemania, Barcelona o a América, ya que algunos

ya se habían ido y otros querían bajar a la mina porque tenían compañeros que
ya habían cogido el testigo familiar por pura necesidad. Al lado de todos aquellos
sueños y aspiraciones, más cercanas al mundo de los adultos, nos hacia sentir
aun más niños e inmaduros de lo que realmente podríamos ser y que en la
época actual sería completamente impensable para chicos de aquellas edades.
Nuestra sensación del transcurso del tiempo era muy lenta, pero transcu
rrieron los días uno a uno, tan largos unos y tan fugaces otros: días de trabajo,
de ayudar, suspender y jugar; tardes en el río, de merienda con la familia, de
alegría o de sufrimiento y muerte. Hoy comprobamos con nostalgia, después
de este ejercicio de memoria, que todos sirvieron, todos, todos forjaron un ca
rácter, desde los que nuestro padre nos leía las novelas de Emilio Salgari o el Fig. 203
Libro de la Selva de Rudyard Kipling, a las noches de vuelta del cine en las que
buscábamos como cambiar el final de la película para hacer menos dramática
y más complaciente en la que Kubrick no dejara morir a Espartaco en la cruz.
No eramos conscientes de que aquello que nos enojaba e incomodaba, estaba
preparando nuestra sensibilidad para las tragedias más duras y reales que nos
esperaban en la vida la muerte de un ser tan querido y cercano como es una
madre o que mientras modelabamos en el estudio en Madrid el Monumento de
Colón de Londres la radio daba una dura noticia en la que aquel amigo con el
que compartíamos aquella hoguera moría aplastado por un costero en la mina. Fig. 204
Fig. 205

No quisiéramos con esto distraer la atención, dando una imagen sensiblera o
transformando el contenido de este estudio en una novela de Mark Twain; todo
lo contrario, pretendemos colocar sobre el papel todos aquellos acontecimientos
y circunstancias del entorno que modelaron nuestra personalidad, construyendo
una personalidad más propensa y sensible a la Bellas Artes.
Partiendo desde la experiencia que da haber andado más de la mitad del
recorrido de la media que el ser humano tiene, y después de conocer y practicar
gran parte de las disciplinas y lenguajes del arte, me permite ver y analizar con
cierta distancia aquellas pretensiones propias de la edad, en las que creíamos
que todo, por el hecho de ser fabricado con nuestras manos y en materia noble,
ya era arte. Ahora, a pesar de que somos conscientes de que todos aquellos
juegos y ocurrencias se encontraban muy lejos de acercarse al arte con Mayús
culas aun percibimos las mismas sensaciones cuando nos ponemos frente a la
obra de esos grandes maestros que fueron y siguen siendo referentes dentro
de nuestra obra. Equiparable a ellas es la emoción inenarrable que sentíamos
cuando nos leían la descripción de aquellos paisajes de Salgari, es comparable
a la emoción que provoca la banda sonora de Springsteen de la película Filadel
fia, o la Sinfonía nº 9 Del Nuevo Mundo de Antonín Dvorák.
Fig. 206

Esto viene a demostrar que mientras que la emoción es una sensación innata al
individuo, la sensibilidad crece y se educa con el entorno, haciendo más amplio el
campo de las emociones. Vemos con admiración que la sensibilidad de las nuevas
generaciones es mucho mayor a la que nosotros teníamos, pero la emoción no;
podría decirse que es parecida. Debemos decir también que la sensibilidad no te
convierte en artista, aunque te acerca, crea conciencia y nos predispone para el arte
y el conocimiento del mismo, una mirada diferente de los valores y las cosas; es la
emoción la que nos proyecta como escultores, pintores o poetas.
Existe gente de una gran sensibilidad incapaz de expresar, o transmitir
nada, simplemente son receptivos; sin embargo, otras personas dirigen su
sensibilidad en una sola dirección. Educándola y cultivándola extendienden
su mirada hacia otros campos de las artes y de la vida sin perder la intensidad
de sus emociones, convirtiéndose en seres excepcionales.
Fue transcurriendo la etapa de estudios elementales y cada vez nos atraía más
todo aquello que exigía más creatividad y responsabilidad que todo lo demás, cuan
do aquello que se nos ofrecía y planteaba como un reto por crear o descubrir, el
profesor nos mostraba otra nueva puerta, aun cerrada, al conocimiento y al saber
Un acontecimiento que cambió sustancialmente nuestra vida: a un escultor
de Madrid le encargaron un Monumento al minero para la plaza principal del pue
blo. Después de la presentación de los bocetos en el Ayuntamiento se alzarían
voces en contra por unas razones o por otras; a una parte de los vecinos no les
gustaba aquel minero semidesnudo, descalzo, y aparentemente tan tosco. Esta
razón exigió del escultor una defensa de su propuesta que tuvo lugar en el cine
del pueblo. Aquel hombre supo conectar con el pueblo y gracias al apoyo por parte
de una mayoría, algo más ilustrada, finalmente decantaron la balanza para que el
monumento finalmente se colocase. De alguna manera consiguió ganarse su sitio
convirtiéndose en un elemento transformador dentro de la vida social del pueblo y
en particular de nuestras expectativas o sueños de futuro.

Fig. 207 Fig. 208
Atrás quedo el taller de carpintería, el herrero, la zapatería, que nos fasci

naba, llena de cueros, gomas y herramientas peculiares: el martillo y la cuchilla
¡qué bien cortaba! Sobre todo el olor, ¡qué olor! a betún, a cuero. Atrás también
quedaba la estufa de carbón que todos los talleres tenían. Y el recuerdo del
abuelo hablando con el “escultor de Madrid” sobre sus tallas. Aquellas prime
ras esculturas que emulaban al minero: una cabeza de minero en piedra, un
segador… Aquel profesor de Filosofía y director del Instituto, que nos animo
para hacer Bellas Artes en Madrid. Todo aquello quedo atrás tras tomar la de
cisión de ir a continuar con mi formación en la gran ciudad.
Nos sentimos perfectamente integrados dentro de la vorágine de la capital
de un país que comenzaba su andadura hacia la democracia.
Muy pronto vinieron los primeros fracasos, tan interesantes como los acier
tos, y empezamos a trabajar con aquel escultor de Madrid cuya primera lec
ción, fue apuntando con el dedo hacia la escoba, Para empezar a construir un
Fig. 209
buen oficio desde la base lo mejor es empezar por el suelo.

Fig. 210 Fig. 211 Fig. 212
La entrada en aquel taller fue impresionante, era el primer estudio de escul

tor que visitábamos; me sorprendió el olor, nos traía sensaciones de la niñez
de cuando el abuelo barnizaba a muñequilla las culatas de escopeta que le en
cargaban. Olía a goma laca, a cera, a madera, a barro y a un sinfín de cosas.
Todos los olores de aquellos talleres que visitábamos de niños recogidos en
uno, transportándonos a los mejores momentos de nuestra vida.
La formación de Higinio Vázquez era de la Escuela de Bellas Artes, pero las

necesidades de la época le llevaron a proyectarse como un escultor más deco
rativo; allí se trabajaban vidrieras, murales, imaginería, obra en general de índole
pública, con una gran vinculación al servicio de la arquitectura y la sociedad.
Juan Ramón Jiménez en su obra Diario de un Poeta Recién Casado hace

las siguientes reflexiones: De pronto, el tren comienza a seccionar casas. Si,
no es una calle, es que el tren corta una manzana…A derecha e izquierda,
en las viviendas sin fachada –como en aquellas secciones de un barco o una
fábrica que tanto me intrigaban de niño-, el peluquero, la modista, el florista,
el impresor, el sombrerero, el sastre, el carpintero, trabajan, cada uno en su
piso, tras su cristal sin puerta, bajo sus lucecitas de colores.60 Fig. 213
60 JIMÉNEZ, J. R. (1917) Diario de un poeta recién casado. Madrid: Casa editorial Calleja. pág. 250-251.

Comenzamos a ir una vez a la semana, pues también debíamos preparar
las asignaturas pendientes.
Fueron muchas las experiencias y los oficios recorridos, pero más pronto que
tarde ingresamos en la escuela de Bellas Artes. Este aprobado es otra de las
buenas e indescriptibles sensaciones que tenemos anotadas en la memoria.
Fig. 214
El primer año, llamado Preparatorio, lo simultaneé con el C.O.U., y aunque
requirió un gran esfuerzo, lo hicimos con mucho agrado y satisfacción, todo era
nuevo y cada día suponía un descubrimiento.
Era fácil encontrar a gente que dice que no haber aprendió nada, que no
sirvió para nada; pero la gran mayoría aprendimos todo en aquella “casa”, que
es nuestra facultad. Hoy podemos reconocer que llevábamos mucho aprendido
tanto como lo que ignorábamos. La experiencia durante cinco años compartien
do espacio e ilusiones con aquellos compañeros, fue muy enriquecedora.

Fig. 215
En primero de especialidad de Escultura (2º curso), éramos catorce, un
año, incluso algún año llegamos a ser menos. Todas las asignaturas eran im
partidas por dos profesores (profesor y ayudante), exceptuando las teóricas,
podíamos trabajar todos los días, incluso los sábados, nos podíamos conside
rar unos privilegiados; muchos lo sentíamos así. Algunos de los que hoy son
Fig. 216
compañeros de Departamento, entonces también lo fueron,
Otros profesores jubilados que me dieron clase en la especialidad fueron
José Luis Medina, Eduardo Capa, Francisco Toledo, Mario Nosti y Fernando
Cruz Solís; de todos guardamos un buen recuerdo tanto de sus enseñanzas
como de sus consejos en el terreno personal.
Fig. 217

CAPITULO IV. Proceso de reflexión sobre la escultura

CAPITULO I. Proceso de reflexión sobre la escultura 137

CAPÍTULO IV. PROCESO DE REFLEXIÓN SOBRE LA ESCULTURA
Para llevar a cabo la descripción analítica y el proceso de realización de Fig. 218 Fig. 228
Fig. 219 Fig. 229
nuestra obra escultórica, que haremos en la parte final de esta tesis doctoral, Fig. 220 Fig. 230
creemos necesario hacer previamente una exposición de nuestras propuestas

Fig. 221
Fig. 231
Fig. 222
y temáticas acompañadas de planteamientos de juicio estético que son los que Fig. 223
Fig. 224
impulsan nuestra obra personal. Fig. 225

Fig. 23
Fig. 226 Fig. 235
Desde nuestra perspectiva profesional orientada conceptualmente al estu

Fig. 227 Fig. 233
Fig. 237
232
Fig. 234
dio y representación del natural como fuente de investigación en la creación

artística, partimos siempre de modelos reales y de referencias culturales y
artísticas, cuya interpretación plástica será nuestro objetivo primordial.
Estos planteamientos conceptuales los aplicamos a todas las disciplinas artís
ticas y escultóricas, traduciéndose en una manera de entender la obra personal
y la obra pública, cuya organización compositiva se configura con arreglo a las Fig. 205 Fig. 238
características arquitectónicas del lugar donde ha de ser instalada, y en las que,
el motivo a representar será tomado de la realidad, de forma reconocible.
Frente a las innumerables tendencias artísticas que han fundamentado su acción
en la ruptura con la tradición, en este trabajo defendemos una postura respetuosa
hacia el tremendo legado de la tradición. El escultor «moderno» ha despreciado el
oficio, la tradición, creyendo que con ello se diferencia del «artesano». Fig. 239
CAPITULO IV. Proceso de reflesión sobre la escultura 139

Fig. 240 Ya Walter Benjamín denunciaba en 1933 ese alegre arrojar por la borda el
saber acumulado durante siglos: Nos hemos hecho pobres. Hemos ido entregan
do una porción tras otra de la herencia de la humanidad, con frecuencia teniendo
que rebajarla en cada empeño por cien veces menos de su valor para que adelan
taran la pequeña moneda de lo actual.61
Coincidimos con el profesor y crítico italiano Achile Bonito Oliva cuando rei
vindica la necesidad de superación a la sumisión de lo nuevo a toda costa, de la
histérica necesidad de matar al padre, de la superación del lenguaje anterior.62
Tanto nuestros argumentos estéticos, como nuestro método u oficio pueden
ser definidos, en su conjunto, como tradicionales, asociando con ello los con
ceptos tradición-oficio. No obstante, al referirnos al caudal que el primero puede
transmitirnos, nos interesa precisar su carácter renovado, selectivo y fluido, en
contraposición a un pasivo depósito formado por simple acumulación mecánica.
De igual modo entendemos que el oficio no es una simple acumulación operativa
de conocimientos y experiencias: comporta también una específica formación
de la que se origina una cierta disposición mental y espiritual; significa habitar y
Fig. 241
Fig. 207
61 BENJAMIN, W. (1933) «Experiencia y pobreza» en BENJAMIN, W.

Discursos Ininterrumpidos. Madrid: Taurus, 1990, pág.173.
62 BONITO OLIVA, A. (1989) «Así. El Estado del Arte (y también de la
crítica)». Lápiz, nº 61, pág. 27.

compartir un mundo de ideas y sentimientos, de reflejos y aptitu
des, que debe dar sentido a nuestra actividad en todos los niveles.
La libertad que da tanto el dominio del oficio como del lenguaje,
constituye una de las formas en que se concreta la tradición, tanto
en su versión teórica como en la práctica.
Desde nuestro punto de vista entendemos el arte como un

acto creativo que se asienta en la tradición. A nuestro juicio la co
municación con el pasado que toda continuidad profesional impli
ca, ensancha y enriquece el horizonte personal, transcendiendo
nuestra limitada temporalidad. Parafraseando al filósofo francés
del siglo XII Bernardo de Chartres, con una de sus citas más co Fig. 242
nocidas, podríamos decir que Un enano subido a los hombros de

un gigante verá más lejos que el mismo gigante.
En nuestra manera de entender la labor escultórica, prevalece un

sentido de respeto por los lenguajes y las formas del pasado. Siendo
por otra parte testigos de nuestro tiempo, adaptando el oficio a los
materiales, herramientas y técnicas actuales, también sabemos que,
ni la tradición, ni la posesión de un oficio, suponen lo suficiente por
sí mismas como para que se produzca el fenómeno de la creación.
El acto creador es individual, misterioso, su origen muchas veces
está más allá de la razón, en ese espacio donde la intuición y el
sentimiento, son el motor que dirige nuestras manos.
Estos principios generales, no imponen sin embargo al artista unos

determinados cánones o fórmulas de carácter estético o formal, sino
que le dejan seguir su propia visión, y le permiten optar por una gran Fig. 243
variedad de aptitudes. Admiten diferentes posturas ante las constantes que toda obra
figurativa comporta: los medios técnicos, la intención estética y particularmente una
gran flexibilidad respecto a la tradición, en cuyo sentido unos serán considerados
como innovadores y otros como revisionistas.

Todo ello explica que tal y como entendemos el realismo, este no podrá
ser considerado como un movimiento artístico definido o como un estilo pro
piamente dicho, ya que no existen unos imperativos categóricos fuera de la
propia voluntad de cada artista. Las nuevas formas de realismo son, pues, un
fenómeno pluralista y heterogéneo compuesto por posturas individuales antes
que por una uniformidad estilística, de lo que se desprende la dificultad e im
posibilidad de realizar una clasificación o agrupación estricta.
IV.1. Proceso de creación.
Fig. 244 Fig. 245
Tras lo escrito podemos afirmar, sin duda alguna, que el proceso de creación
no surge necesariamente de una percepción visual, sino que puede iniciarse por
ejemplo a partir del recuerdo de una imagen, conservada en la memoria y que,
en un momento dado, deseamos expresar por medio de la obra. Este proceso de
creación necesita de la técnica manual para poder lograr una forma coherente
y fiel a las ideas del escultor. Además del dominio de la técnica, será necesario
utilizar cuidadosamente los componentes intuitivo y expresivo.
El acto creativo no depende de fórmulas aprendidas, es sutil y complejo, de
manera que en el crecimiento de una obra intervienen factores apenas verbaliza
bles. Cuando el ritmo surge, el artista se deja llevar manejando las herramientas
intuitivas pero también las consolidadas a través de su interminable aprendizaje:
he aquí el misterio de la creatividad y de la expresividad escultórica.

Otros aspectos a tener en cuenta con respecto a la capacidad ex
presiva de la obra son los materiales y la técnica con que vaya a
ser realizada. En escultura, la composición no se puede entender sin
los materiales, que repercutirán directamente en el sentido, tema y
percepción de la obra. Los materiales que más se han usado en la
historia de la escultura monumental son la piedra y el bronce, aunque
cada vez se imponen otros materiales modernos como el acero, alu
minio y el hormigón.
En palabras de George Heilmeyer podemos decir que: Material y
técnica desempeñan un papel determinado en la realización de toda
obra artística (...) cuya fuerza de inventiva e imaginación se armoniza
equilibradamente con el material que ha de trabajar63 Fig. 246
Las técnicas y materiales determinan las posibilidades expresivas y formales
deseadas en una obra. Estos factores repercutirán en el resultado final ya que in
fluyen en la sensibilidad del escultor y son determinantes para la percepción del
espectador. De este tema hablaremos más detenidamente en el capítulo siguiente.
Fig. 247 Fig. 248
63 HEILMEYER, A. (1928) La Escultura Moderna y Contemporánea. Madrid: Labor. pág. 41.

IV.2. El monumento a Cristóbal Colón
Este epígrafe debe leerse como un adelanto de las explicaciones que ha
cemos en el capítulo V y de las imágenes mostradas en el dossier gráfico que
acompaña a esta tesis, lo que justifica su brevedad.
Hace años, cuando emprendimos el proyecto del monumento a Cristóbal
Colón, que se inauguró en Londres en noviembre de 1993, lo hicimos con mu
cha ilusión, dada la importancia del encargo para un escultor novel.
Para crear la figura del descubridor tuvimos en cuenta las principales repre
Fig. 249
sentaciones precedentes del personaje, lo que por entonces podríamos saber
sobre el mismo y, por supuesto, nuestra concepción de lo que debía ser un
monumento dedicado a un personaje de tanta trascendencia histórica. Visto
desde la perspectiva actual, pensamos que fue una de las obras principales de
nuestra labor profesional, razón por la que le dedicamos una parte importante
en esta tesis, para analizarla y explicarla después del tiempo trascurrido,
durante el cual hemos ampliado nuestros conocimientos y afianzado los prin
cipios culturales y plásticos de nuestro trabajo de escultor en el campo de la
obra pública.

CAPITULO V. Fin. La realización del monumento
CAPITULO V. Fin. realización del monumento 145

CAPÍTULO V.

EL FIN. LA REALIZACIÓN DEL MONUMENTO

Fig. 280
Fig. 279 Fig. 277 Fig. 281

V.1. Preliminares
El siglo XX es determinante en el cambio de la concepción y planteamiento
del monumento. Comienza a bajar la altura de los pedestales, desaparecien
do en algunas ocasiones; surgen temáticas menos clásicas, sin la épica que
exaltaba personajes míticos y legendarios. Pero las revoluciones recuperaron
esa épica, con el Realismo socialista, y más tarde con la expansión de los
Fig. 217
nacionalismos fascistas, que traen un ensalzamiento de la obra y su asunto Fig. 282
mediante el crecimiento de los pedestales y la grandilocuencia, lo que resulta
una retórica desmedida del arte al servicio del poder. Fig. 278
La pintura en gran medida se utilizó en el siglo XIX y parte del XX para de
nunciar y criticar; sin embargo, la escultura parece haber estado al servicio de
los estados y los poderosos. Muchas veces las corrientes más reaccionarias
han utilizado la escultura como arma propagandística, como a veces hicieron
con la pintura de historia, para la exaltación de los héroes y episodios nacio
nales. Ahora bien, algunos escultores se mantuvieron al margen de ese fin y
supieron hacer un arte de cierto compromiso con la modernidad, como Lem
bruck, Meunier, Rosso o Rodin, y con la irrupción de las vanguardias, como

Giacometti. Un compromiso más artístico que social o político.
Fig. 283
CAPITULO V. El fin. la realización del monumento 147

Estos pensamientos están en nuestra concepción del monumento y en la
de los artistas en los que hemos centrado nuestro estudio. En el caso de An
tonio López, elimina el pedestal en su escasa obra pública. Los otros dos ar
tistas aunque han hecho algunos monumentos más tradicionales, representan
dentro de la figuración contemporánea, una renovación, con obras nada tradi
cionales, como por ejemplo, entre otros, la Mujer de Logroño, el Pintor novel”
junto al Museo de El Prado, el Monumento a Jorge Manrique, de Julio López
Hernández; o El estudiante para Patrimonio Nacional, La mujer y la fuente, La
niña de la Constitución, de Francisco López Hernández.
En nuestro caso, y a lo largo de nuestra dilatada experiencia como es

cultores, también hemos hecho monumentos que han ensalzado a héroes y
descubridores, como el dedicado a Cristobal Colón para la ciudad de Londres;
científicos, como Celestino Mutis para el Jardín Botánico de Bogota, Eloy Te
rrón para su localidad natal, el pueblo berciano de Fabero, y a personajes nor
males, como el Monumento a la madre para la localidad madrileña de Perales
de Tajuña. Ahora bien, en todos ellos hay, de alguna manera, un intento –más
o menos acertado- de salir del monumento tradicional.
Fig. 284 Fig. 285 Fig. 286 Fig. 287

Fig. 288
Fig. 289 Fig. 290

V.2. Planteamiento urbanístico
Cuando acudimos a un museo o sala de exposiciones, podemos observar que
cada escultura va acompañada de una cartela/reseña que hace alusión al autor,
al título, la técnica etc. Las piezas suelen estar además bien colocadas y con una
luz apropiada y estudiada: es evidente que en la actualidad se tiene una concep
ción casi sagrada del lugar que acoge el arte, como si fuera un templo y el artista
un sacerdote. Por el contrario, en la escultura urbana es frecuente el anonimato,
puede existir en parques, plazas o en la misma acera, y la iluminación cambia
con la luz del día o la estación, lo que confiere a la obra una presencia especial y
una serie de connotaciones distintas a la obra del museo.
Mientras el espacio museístico se concibe para destacar y potenciar las obras

que acoge, facilitando la actividad de concentración del espectador, el espacio
urbano no tiende a facilitar la comunicación obra-espectador, llenándose de inter
ferencias. El monumento debe entonces asumir esta dificultad, y lo hace tenien
do en cuenta el entorno físico y social mediante estudios urbanísticos.
El crítico Javier Maderuelo ha expuesto estas impresiones: El urbanismo

de la modernidad, que se comienza a fraguar a finales del siglo XIX, va a dar
decisivos pasos para rechazar los monumentos en su modelo de la ciudad.
Los postulados teóricos del urbanismo del siglo XX van a contener una serie
de propuestas que conducen inevitablemente a ese fin.64
Una de estas propuestas es la abolición del tejido urbano de la ciudad tra

dicional, constituido por manzanas de edificios alineados que forman calles,
encrucijadas y plazas, de tal manera que estas plazas y calles configuran un
escenario cerrado en el que se desarrolla la vida cívica. En su lugar, por moti
vos supuestamente higiénicos y funcionales, se proponen las construcciones
de viviendas en bloques abiertos, salpicados sobre el territorio, flotando entre
hipotéticas zonas ajardinadas, mientras que las calzadas serpentean entre los
edificios sin formar calles que acoten visualmente el espacio.65

Fig. 291
64 MADERUELO, J. (1994) La Pérdida del Pedestal. Madrid: Círculo de Bellas Artes. pág.
44.
65 Ibíd.

El escultor Eduardo Subirats describe el paisaje creado por la convergencia
de la pobreza y el racionalismo arquitectónico y urbanístico; después de hablar
de los habitáculos modernos describe el aspecto externo: Tras los muros de
estas cédulas industriales de habitación se extiende el paisaje monótono e
infinitamente repetitivo de las farolas metropolitanas, las que están construidas
por el rigor arquitectónico del hormigón y los obsesivos trazados ortogonales
del urbanismo funcional, espacios programados para la liquidación de cual
quier identidad histórica, social y paisajistica.66 Fig. 292
Desde nuestro punto de vista, estos espacios pueden ser agradables e

invitar a la vida social de los ciudadanos si existe un monumento que sea afín
a los intereses de las personas que viven en el lugar.
Las zonas urbanas que carecen de monumentos u otros focos de esparci

miento favorecen irremediablemente la despersonalización de la ciudad, que
no tendrá señas de identidad y por lo tanto no será agradable para vivir.
En este punto se podría entrar en polémica sobre si la obra pública y la

naturaleza constituyen la única opción afín a las exigencias del público. Y po
demos llegar más lejos preguntándonos si la obra figurativa responde a los
intereses del ciudadano mejor que la abstracta. Oteiza plantea estas dos ten Fig. 293
dencias como etapas evolutivas distintas, de manera que la figuración sería

por tanto precedente e inferior a la etapa abstracta. En contrapartida, Juan
Bordes ataca los planteamientos abstractos para defender los figurativos, pues
según él el arte abstracto utiliza un soporte físico muy literal y evidente para
transmitir mensajes muy complejos.
Con el fracaso del «Proyecto para el Monumento a la III Internacional» de

Vladimir Tatlin se evidenció la tremenda dificultad del arte abstracto para hacer
se porteador de un significado, de un mensaje que hiciese pertinente la confi
guración escultórica abstracta. Cuando las autoridades sociales rechazaron la
Fig. 294
66 SUBIRATS, E. (1988) La Cultura como Espectáculo. Madrid: Fondo de Cultura Económi

ca. pág. 99.

Fig. 295
obra del escultor constructivista, lo hicieron por entender que un monumento es
una obra esencialmente pública y, como tal, ha de ser asimilado y comprendido
por la mayor parte de la ciudadanía. De algún modo, estaban diciendo que la
abstracción constructivista podría tener justificación en el ámbito privado del co
leccionista pero no en el espacio público que debería ser del pueblo.
Lo que parece evidente es que los nuevos monumentos llamados moder
nos en ocasiones han perdido las cualidades que en muchos casos los relacio
naban con las realidades del ciudadano, con una capacidad de significar. Y se
crean esculturas sin tema, constituidas por combinaciones de figuras geomé
tricas o que se recrean en el material, en alardes técnicos y sofisticados. Se
trata de obras que, por lo general, carecen de capacidad para conmover al
espectador, que termina siendo indiferente a ellas.
La crítica de arte, artista y profesora Suzi Gablik comenta sobre esto: Para el
público en general, el arte moderno siempre ha supuesto una pérdida, de destreza
un fraude o una burla. La mística del arte moderno ha consistido siempre en que no
es un arte popular, ni siquiera compresible, salvo para una pequeña elite.67
67 GABLIK, Op. cit., pág. 12-13.

Wilhelm Worringer señala en su libro Problemática del Arte Contemporá
neo: En todas estas palabras resuena un penoso reconocimiento: el hecho
incontrovertible de que todo arte ajeno a la naturaleza estará condenado siem
pre a ser un arte ajeno al público.68
En contrapartida Aloïs Riegl opina: A las masas les ha complacido desde
siempre lo que se mostraba de modo evidente como algo nuevo.69
Fig. 296
68 WORRINGER, W. (1958) Problemática del Arte Contemporáneo. Buenos Aires: Nueva

Visión. pág. 14.

69 RIEGL, A. (1987), El Culto Moderno a los Monumentos. Caracteres y origen, Madrid:
Visor. pág. 81.


Nosotros en cambio nos mostramos a favor de cualquier tipo de monumen
to, ya sea en un lenguaje figurativo o abstracto, con referentes escultóricos o
arquitectónicos (podremos compartir o no el lenguaje de la intervención artísti
ca) siempre que éste sea respetuoso con el lugar y con su gente.
Tampoco compartimos la opinión referida a los monumentos conmemora
tivos de Javier Maderuelo cuando dice: Es significativo que, desde los frustra
dos intentos de Auguste Rodin hasta el ocaso de la modernidad a finales de
los años sesenta, no se han producido más que unos pocos y tímidos intentos
de construir monumentos conmemorativos.70

Fig. 297
Fig. 298
Según él, el monumento, escultórico o arquitectónico, con su carga conme

morativa, surge en la ciudad como una imposición del poder, el cual necesita
demostrar con monumentos sus supuestas victorias políticas, militares o cultu
rales, para que los súbditos no las olviden, o para que la historia, a través del
arte, recuerde la figura y el nombre de quien ejerció el poder. Con la evolución
de los medios de dominación, el carácter propagandístico de los conjuntos
monumentales se va debilitando y el monumento pierde el sentido del empla
zamiento. Los monumentos a líderes políticos con referencias patriarcales o

autoritarias causan asombro y burla.71
Fig. 299
No sólo no compartimos esta opinión, sino que reivindicamos la realiza
ción de un tipo de monumento histórico o conmemorativo. Recordemos el mo
numento a Churchill, a Balzac o a los Burgueses de Calais, algunos de los
monumentos de Benlliure, Clará, Querol... en este tipo de monumentos con
memorativos de épocas anteriores, no dejaremos de reconocer una herencia,
además de una calidad artística escultórica indiscutible, independientemente
de que no compartamos las ideas políticas de aquellos a quien conmemoran. A
veces el monumento y lo que representa son inseparables para la memoria co
70 MADERUELO, J. (1994) Op. cit., págs. 45-46.

71 MADERUELO, J. (1990) El espacio raptado. Interferencias entre arquitectura y
escultura, Madrid: Mondadori. págs. 129-130

lectiva, pues los emblemas y símbolos evocan sentimientos que se remontan a
acontecimientos históricos muy dolorosos. De cualquier modo, consideramos
válida la realización de cualquier tipo de monumento con referentes históricos
(conmemorativos o divulgativos). Al respecto Aloïs Riegl dice en su libro El Cul
to Moderno a los Monumentos: Toda actividad humana y todo destino humano
del que se nos haya conservado testimonio o noticia tiene derecho, sin excep
ción alguna, a reclamar para sí un valor histórico: en el fondo consideramos
imprescindibles a todos y cada uno de los acontecimientos históricos.72
Asimismo, el monumento conmemorativo en muchas ocasiones no está
hecho para ensalzar la imagen del poder, sino para recordar al ciudadano mo
mentos importantes de su historia, como determinantes cambios políticos: La
Constitución, la Democracia…; otros poseen un carácter más intimista y coti
diano, de carácter sociocultural, representando temas como la maternidad, el
caminar, la amistad...
A nuestro modo de ver, en estos casos se han adoptado planteamientos
para el monumento que resultan afines a las vivencias y entorno del especta
dor; se trata de un tipo de escultura con importancia artística en sí misma y en Fig. 300
cualquier caso obras que resultan significativas y enriquecedoras.
Julio López Hernández opina sobre la situación del Monumento actual: El
monumento, como obra pública, requiere de unos condicionantes que pueden
no darse en toda la escultura, es decir, se establecen dos campos de acción
perfectamente definidos: la escultura personal, de puertas adentro, que tiene
que aludir a la intimidad de las personas (es una conexión afectuosa con ellas),
y el monumento; éste último constituye una representación esplendorosa, una
representación que no puede ser ñoña sino que tiene que tener gran poder
de presencia de algo, de una idea, de una persona..., esa idea que establece Fig. 236
aquel que se ha merecido el monumento. Entonces, a partir de la creación de Fig. 301
72 RIEGL, Op. cit., pág. 24.

Fig. 302
un personaje, lo idealizas, lo engrandeces, le das una dimensión sobrenatural,
para que el monumento se sostenga: ésta es la diferencia. Hay que aludir a lo
formal, a la presencia poderosa en contra o en decrimento de la presencia de
la intimidad, de lo sutil, de lo meticuloso. El monumento debe ser grandioso,

debe estar presente en la vida de la gente, en la vida de la ciudad. Por otro lado,
pienso que hoy en día vivimos una situación muy deficitaria con ese encuentro
con el monumento público: resulta muy difícil hacer un monumento público en
una ciudad de vida escandalosa, de una vida que no tiene alicientes, llamadas
de atención y perturban tu mente de manera constante, y se hace tan ruidosa y
luminosa que te abruma y no te deja la tranquilidad suficiente para ver, observar,
pasear; Y en estas circunstancias se empeñan en hacer el monumento cuando
la ciudad no lo admite. Efectivamente, el monumento para mí es la creación, la
encarnación de una idea basada en una persona o un hecho. –El monumento
tiene que tener razón de ser, un destino.73
73 Entrevista personal a Julio López Hernández. Madrid, marzo de 2001.

El texto completo está en apéndices.

La escultura para la ciudad es un arte dedicado a la mayoría, por lo que parece
necesario que los símbolos, temas y estética sean comprendidos por gran parte
de los observadores. Pero este es un tema controvertido, sobre todo en ciudades
multiculturales, con personas de distintas generaciones, gustos y educaciones.
Por otra parte, el deber de las instituciones es educar; también el artista está
llamado a cambiar el gusto y a modificar estructuras, a comprometerse. El artista
también puede escandalizar, pero no nos parece bien que para ello se utilice la
obra pública, ya que dispone de otros foros para ello y no tiene por qué ser ese el
medio idóneo para que algunos creadores cubran esa necesidad.
Planteadas estas cuestiones, surgen otro tipo de problemas en el plantea
miento del monumento: en muchos casos se pierden las cualidades físicas
de la obra, como la escala y la presencia relacionada con el espacio y el es
pectador. Es frecuente contemplar piezas demasiado pequeñas, o demasiado
grandes, o en una disposición inadecuada. Richard Serra dice sobre esto: La
escala, dimensiones, y emplazamiento de una obra sujeta a un lugar, están
determinados por la topografía de su lugar se destino.74
Fig. 303
74 Richard Serra. citado en MADERUELO, J (1994) Op. cit., pág. 55.

Por su parte, para Maderuelo: La escultura moderna niega «cualquier» tipo
de reglas, clásicas o no, y prescinde de la armonía de proporciones, de la
simetría, de la eurítmica, de los cánones métricos, de las leyes de la buena
forma, de la idea de contorno definido, etc., y todas ellas tienen un común
denominador que metafóricamente las une: la pérdida del pedestal.75
Julio López Hernández dice, haciendo referencia a este tema: Efectivamen
te vivimos un momento muy peculiar, muy extraño, que yo no acabo de com
prender, porque se piensa que la escultura pública debe hacer ocupación de
un espacio, debe de adueñarse de ese espacio, emerger en él y no ser menor
que él, y sin embargo le abruma el espacio; y vivimos una angustia espantosa
porque la pieza resulte más pequeña que el espacio y que no sea la presencia
Fig. 239
auténtica. La escultura puede ocupar un espacio simbólicamente por un sentido

Fig. 304
de invasión espiritual pero no de invasión material.76
Asimismo, se ha perdido la facultad de convertir el enclave en importante por la
presencia del monumento y de convertir un lugar en «emblemático» para el ciudadano.
Como diría Robert Smithson: (...) el arte público debe ser un acto social útil.77
Fig. 240
Fig. 305
75 Ibíd. pág. 19.

Texto completo en apéndices.

77 Robert Smithson citado en MADERUELO, J. (1994), Op. cit., pág. 76.


Julio López Hernández dice: Indudablemente, aparte de representar un
personaje, ese personaje tiene que haber nacido con una razón de ser, haber
existido, haber tomado cuerpo en la existencia de la sociedad y al mismo tiem
po, el autor de la obra, haber creado, además de sobreponerte a ese personaje
y darle un énfasis mayor.78
Lo que consideramos evidente es que los escultores no pueden conformarse

con colaboraciones anecdóticas y sin importancia artística, y que en cualquier
caso se le debe dar la labor de realización del monumento a un artista que baraje
los distintos factores que inciden en el proyecto y elaboración de la obra.
Con relación a esto queremos mencionar lo que dice Hans Sedlmayr en las Fig. 306
reflexiones que hace en su libro La Revolución del Arte Moderno: El arte mo
derno, el arte digno de dicha denominación (...) surge en medio de la mencio
nada revolución y en la polémica habida con ese arte que ya no pretendía ser
arte. Pero surge a partir de la sustancia y del espíritu del arte antiguo y eterno,
a través de una artística transformación y sublimación de pensamientos, con
cepciones y formas que, a su vez, tienen su origen en la revolución. Es fácil
mente reconocible porque su rigurosidad estriba en una razonable adaptación
entre imagen aparente y significado, entre forma y objetivo, porque rechaza su
propia subordinación a poderes no artísticos, porque no renuncia al contenido
humano, porque no reconoce un orden de valores y se acomoda al mismo.79
Fig. 307

79 SEDLMAYR, H. (1955) La Revolución del Arte Moderno, Madrid: Mondadori,
1990. págs. 249-250.

Fig. 308 Somos conscientes de que en un monumento debe tenerse en cuenta la
relación armónica con el entorno que le rodea, es decir, el espacio escultórico
relacionado con el lugar. Pero por desgracia, normalmente el espacio para la
ubicación de la obra está mediatizado por las exigencias del cliente (arquitecto,
ayuntamiento y economía) que inevitablemente repercutirán en el resultado.
Pero si nos remitimos a los factores ideales de realización de un monumen
to debemos mencionar.
Composición de la imagen
Tamaño de la obra
En un monumento conmemorativo las proporciones siempre deberán estar
por encima de la realidad, pues el espacio abierto empequeñece la presencia.
Por esto siempre deberemos optar por dar a la figura unas dimensiones que
engrandezcan la obra, seguramente con alguna salvedad de casos que se
necesite por circunstancias muy particulares y características temáticas, que
requieran un tamaño más íntimo.
Hace años hubiésemos escrito que de acuerdo con estas proporciones de
beremos dar a la fisonomía (si nos referimos a monumentos de figura humana
realista) una acentuación de los rasgos físicos, vestimentas, gestos y acentos
que queramos ensalzar. En definitiva creando sombras duras que no se diluyan
en el espacio, ante el ojo del espectador. Hoy pensamos que eso va determina
do tanto por la idea como por el entorno que determine la escala.
Color
la importancia que tiene el color en la apariencia de la obra, puede reper
cutir de una manera determinante en el resultado final y en la presencia que
adquiera en el entorno. En la actualidad, es un factor que parece despreocu
par al escultor, dejándolo muchas veces en manos del fundidor o patinandor
dando lugar a un acabado «estándar» de la obra. Sin embargo, resulta obvio
que puede convertirse en un factor definitivo en la estética final, incluso puede

desmerecer la obra: una pátina demasiado colorista o excesivamente negra,
inapropiada para el contenido formal y el propósito temático, desvirtúa el tra
bajo de una forma evidente. Por el contrario, acertar con el tono y las matiza
ciones correctas o apropiadas para la intención de la obra, puede elevarla a su
máxima expresión. En ningún caso el color debe dominar a la forma, siempre
deberá estar a su servicio.
Altura
Según la ubicación escultórica, lo que denominamos el soporte físico para su
colocación (pedestal, muro…) también modificará el criterio de la obra, pues va
riará la perspectiva del ángulo de incidencia respecto al punto de vista del espec
tador, factor que se tendrá que tener en cuenta en la realización de la obra. La
apariencia de la escultura resultará muy distinta si tenemos que verla desde abajo
que si la tenemos a la altura de los ojos. Ya desde la Antigüedad los escultores han
utilizado numerosos recursos técnicos para subsanar las deformaciones visuales,
como fueron las licencias arquitectónicas del clasicismo griego.
Respecto al espacio circundante, habremos de tener en cuenta los si
guientes factores:
Espacio
Siempre debe tenerse en cuenta, obviamente, las características del espa
cio, atendiendo en primer lugar a si se trata de un espacio cerrado o, abierto
(parque, plaza, cruce de calles, etc.). Entendemos como espacio cerrado, un
lugar al aire libre de dimensiones reducidas en el que se podrá correr el riesgo
de que una obra sufra la sensación de aprisionamiento, por lo que habremos de
tener cuidado para no excedemos en las proporciones, y sin embargo sí podre
mos permitirnos un tratamiento más intimista. Por otro lado, el espacio abierto,
se constituye como un exterior con dominio suficientemente amplio alrededor
de la obra como para poder captar numerosas perspectivas de ella.

Puntos de vista
Relacionado directamente con los espacios, ya sean abiertos o cerrados,

está el punto de vista, que al mismo tiempo, se ve condicionado al tamaño para
que el diálogo con la pieza, y esta a su vez con el entorno, sea empático. Si
el espacio es pequeño o más bien grande, la misma escultura no funcionará
igual. Lo mismo ocurre dependiendo del lugar donde se coloque o al que de la
espalda. Todo ello influye en la relación que se establece con el espectador, con
el ciudadano, que por supuesto, es libre de no mirar la obra.
Debemos tener en cuenta si la obra se ubicará en una zona verde, implican

do normalmente más participación y una contemplación más pausada por parte
del paseante, además de una posible carga evocadora debido a las connotacio
nes que aporta el «jardín». Si se incorpora a una zona urbana, se deberá tener
en cuenta si se trata de una obra que será vista rápidamente (incluso en coche,
a gran velocidad) por lo que sus formas deben ser más claras y contundentes,
o sí por el contrario podrá ser observada sólo por peatones, ya que si no fuera
así, ésta, probablemente, acabaría pasando desapercibida.
La estética y función social del entorno

La observación y naturaleza del lugar para la ubicación de la obra nos dictará
normalmente el tema y el tratamiento estético que deberá tener. Para adaptarse
armoniosamente a las características formales y funcionales del entorno, para
romper con él, o introducir un elemento (escultórico) que haga adquirir otras ca
racterísticas de interés (innovadoras, simbólicas, tecnológicas, etc.)
La Peana
Juega un papel crucial en el resultado final de la obra en sí, y de la aprecia

ción exterior que se tiene de ella. Una peana demasiado grande o adornada
empequeñecerá visual y compositivamente la obra; por otro lado, una peana
equilibrada con las proporciones de la obra, la ensalzará y potenciará. Asimis
mo, no sólo el tamaño es importante en la elección del pedestal, también los
materiales de los que está compuesto deben ser acordes con los de la obra.

Fig. 309 Fig. 310
Fig. 311 Fig. 312
Fig. 313
Fig. 314
V.3. El personaje
Pocas personas existen en la historia con una actividad que haya tenido
mayor trascendencia, y pocas personas con una biografía tan cargada de mis
terios. Por esto, la figura de Cristóbal Colón sigue apasionando a historiadores,
novelistas, cineastas y artistas.
Quienes lo conocieron en los veintiún años que anduvo por España y América
(su hijo Hernando, los Casas, Andrés Bernáldez y Fernández de Oviedo) nos legaron
unas semblanzas del personaje que permiten trazar su retrato físico y espiritual.
Era de buena estatura; de miembros recios, rostro alargado con grave y au
torizada expresión; piel blanca, encendida y pecosa; pelo bermejo o rubio, que
pronto se le tornó blanco; nariz aguileña, ojos vivos y de color garzo (azulado).
Se mostraba cauto, discreto y afable; bien hablado, gentil latino y elocuente;
gracioso cuando quería e iracundo cuando se enfadaba; ingenioso «sin saber
muchas letras, muy astuto en el arte de la cosmografía del repartir el mundo».
Modesto y contenido en el comer, beber y vestir. Muy piadoso, observando
fielmente todos los ayunos y rezando el oficio divino, que más parecía un reli
gioso que un seglar. Odiaba las blasfemias y era muy devoto de la Virgen y de
Fig. 315
San Francisco.80
80 MORALES PADRÓN, F. (1988) Cristobal Colón. Almirante de la Mar Océania. Madrid:

Anaya. pág. 22.

Sin embargo, su imagen no está libre de polémica; en la Exposición Interna
cional de Chicago de 1892 se expusieron cerca de noventa posibles retratos; el
más cercano a su tiempo era el que se atribuye a Paolo Giovio
Otro testigo ocular fue Gonzalo Fernández de Oviedo, que en el capítulo
dos de la Historia General de Indias dice lo siguiente: Que era de buena esta
tura y aspecto, más alto que mediano y de recios miembros, los ojos vivos y
las otras partes del rostro de buena proporción, los cabellos muy bermejos y la
cara algo encendida pecosa.81 Fig. 316
En la historia de D. Fernando Colón, se dice: Fue el Almirante hombre de
bien formada y más que mediana estatura, la cara larga, las mexillas un poco
altas, sin declinar de gordo ó macilento, la nariz aguileña, los ojos blancos y el
color encendido: en su mocedad tuvo el cabello blondo, pero de treinta años ya
le tenia blanco: en el comer y el beber y en el adorno de su persona, era muy
modesto y continente.82
Antonio de Herrera, en la Historia general de las Indias Occidentales. Dé
cada 1ª, lib. 6, cap.15, escribió: Fue D. Cristóbal Colón alto de cuerpo, el rostro Fig. 317
luengo y autorizado, la nariz aguileña, los ojos garzos, la color blanca que tiraba
á rojo encendido, la barba y cabellos, cuando era mozo, rubios, puesto que
muy presto con los trabajos se le tornaron canos, y era gracioso y alegre, bien
hablado y elocuente.83
Estos datos tan descriptivos han dado lugar a toda una galería de retratos
a los que muchos pretender dar autenticidad. En los siglos XVII y XVIII no se
tuvieron en cuenta estas descripciones, tanto las de la fisionomía como las que
se refieren a su vestimenta, realizándose numerosas obras para los salones de Fig. 318
81 CARDERERA, V. (1847) Informe sobre los retratos de Cristobal Colon, su traje escudo
de armas leído a la Real Academia de la Historia. Madrid: Imprenta de la Real Academia
de la Historia. pág. 7.
82 Ibíd.
83 Ibíd. pág. 8

linajes y asambleas de corporaciones eclesiásticas civiles. Según Valentín Carde
rera, la escasa crítica con que los historiadores escribían y los brillantes delirios
de los poetas, arrastrados por una fantasía desordenada, debieron comunicarse
como un contagio a pintores y escultores, que se dejaron llevar por la idea de su
ingenio y la extravagancia de los trajes coetáneos.84 A lo que añade: Batábales á
aquella sociedad un imperfecto simulacro de sus héroes, designados mas bien
por epígrafes ostentosos, que por la exactitud y veracidad de su semblante y
atavíos; y los vastos salones de sus castillos y palacios tapizándose con largas
Fig. 319
filas de retratos de esforzados guerreros, cuyo marcial continente aguijoneaba
á la juventud á imitar sus hazañas, que deletraba en dorados caractéres desde
la tierna infancia.85
En cuanto a los ropajes atribuidos tradicionalmente a Colón, Valentin Car

derera hace las siguientes observaciones:
Mucho más notable es todavía la oposición que hay entre el traje y aspecto
austero de nuestro héroe y las exquisitas y afeminadas galas de aquel per
sonaje, cuya fisonomía, notablemente prolongada, macilenta, dista muchísimo
de la armazón de la cabeza ovalada y vigorosa del Almirante, en cuya noble y
Fig. 320 despejada frente se ve brillar el genio. Ni la cabellera que orna las sienes de
aquel personaje con simétricas elegantes guedejas, ni los bigotes y prolongada
barba, ni sus rizados mechones acicaladamente ordenados se usaron, sino
con rarísmas excepciones, en los tiempos de Fernando é Isabel, ni en España,
ni en Italia, ni en otras regiones civilizadas de Europa. Mucho menos se llevó,
hasta los primeros años del reinado de Carlos V, aquel gorro rojo acuchillado
á la tudesca, con pluma y botones dorados. Lo mismo puede decirse de otras
prendas del vestido, como son aquellas mangas del sayo escalonadas con ji
rones, aquella punta de encaje junto a las manos, los guantes, la sortija que
adorna el dedo anular y otros refinamientos que caracterizan completamente a
Fig. 321
un apuesto galán del siglo XVI.86
84 Ibíd.
85 Ibíd.
86 Ibíd., pág. 20.

Fig. 322
Pedro Girón, Consejero Real, y padre del Arzobispo Sr. García de Loaisa,
en un tomo de apuntamientos que escribió en el año de 1537, dice así:
Las calzas eran abiertas por los lados cuanto un jeme de la mano; las bra
guetas altas, que se atacaban juntamente con las calzas, é al principio un poco
anchas, é arriba tan angostas como dos dedos ó poco más.87
Los sayos, lo más antiguo de que hay memoria en España agora, es que se usa
ban enteros de cuatro cuartos, sin tronzadira, é porque eran angostos de la cintura
abajos, los abrian é les mitian unos pedazos de paño que llamaban girones.88
87 Ibíd pág. 25.

88 Ibíd.

Resulta de este documento y de otros que se han examinado, que el traje
común de las personas decentes y casi notables, consistía en una gorra de
terciopelo con vuestra ó aletas, la cabellera prolongada hasta cubrir las ore
jas, cortada horizontalmente; camisa de pliegues muy menudos y de collarín
que no excedía del grueso de un dedo; sayo agironado, que llegaba hasta las
rodillas, con el collar cortado en escuadra ó cuadrado por delante: (...)tabardo
hueco y largo hasta por bajo de las corvas, con vueltas anchas, maneras y
aberturas laterales y mangas perdidas.89
Consignadas aquí estas descripciones recopiladas por Carderera que des
criben tan minuciosamente los nombres y formas del traje usado en tiempos de
los Reyes Católicos, creemos sería útil presentar un documento plástico que
manifestara materialmente la forma exacta del traje y sus accesorios, difíciles
de apreciar clara y distintamente por una relación escrita.
Fig. 323
89 Ibíd, pág. 26.

Los proyectos de Colón aparecen vinculados al pensamiento científico pro
pio del Renacimiento europeo, aunque el espíritu empírico de la época se fun
dió en él con la ambición y la audacia propias del hombre de acción90.
Esto nos lleva a pensar qué grado de conocimientos científicos y marine

ros poseía Cristóbal Colón. Según Armando Álvarez Pedroso, Colón menciona
poco el astrolabio, aunque es probable que haya hecho uso del mismo, ya que
así se desprende del asiento del Diario correspondiente al 3 de febrero.91 Fig. 324
Por supuesto, sus conocimientos astronómicos, y el cuadrante, le servían a Co

lón para otros usos: averiguar la hora, de noche, por medio de la Polar, y verificar la
variación del compás. Sin embargo, ciertas correcciones eran necesarias, para lo
cual se usaban unas simples tablas o diagramas, conocidos y empleados por todos
los marinos de la época, y que, indiscutiblemente, usó también Colón.92
Álvarez Pedroso comenta un error que cometió Colón en las tablas que usó
en su primer viaje. Sus anotaciones del día trece de enero de 1493 revelan que
las llevaba a bordo. Posteriormente, usó las tablas náuticas del judío Abraham
Zacuto, impresas en Sevilla años después del descubrimiento. En el momento Fig. 325 Fig. 260
de un eclipse era fácil, para quien poseyera dichas efemérides, averiguar la

longitud del lugar, pero Colón, que intentó hacerlo, falló y con él los que casi
durante un siglo después, trataron de ensayarlo.
Fig. 326
90 MORALES PADRÓN, Op cit., pág 28.

91 ÁLVAREZ PEDROSO, A. (1944) Cristóbal Colón. Biografía del Descubridor. La Habana:
Cultural. pág. 110.

92 Ibíd., pág. 112


Por ello, dice Álvarez Pedroso, no ha de culparse a Colón por no ser un
marino científico, pues no podía existir tal tipo de navegante en la época, con
cuadrantes, astrolabios, relojes de arena y otros instrumentos tan imperfectos
como eran los de entonces.93
Sucesos que contribuyeron a crear una imagen heroica de Colón. Esos
testigos, declaran que los marineros, a bordo de la «Santa María», navegaban
muy desconfiados, pues, dados los vientos corrientes que prevalecían, hacia
el Oeste, «no creían si más adelante iban, de poder volver en España.»94 Por
ello, el 22 de septiembre, al cambiar la dirección del aire y soplar por la proa,
se anima la esperanza de la tripulación, viendo que eran brisas que podían ser
empleadas para regresar a Europa. Ese cambio de aire hace exclamar a Co
lón: Mucho me fue necesario este viento contrario, porque mi gente andaban
muy estimulados, que pensaban que no ventaban estos mares vientos para
Fig. 327
volver a España (...)Así que muy necesario fue la mar alta, que no pareció
salvo al tiempo de los judíos, cuando salieron de Egipto (las tropas del Faraón)
contra Moisés que los sacaba del cautiverio.95
El tono epopéyico utilizado por Colón comienza a introducir su obra en la Historia,
casi antes de realizarla, y para contar un acontecimiento de distinta naturaleza utiliza
una comparación grandilocuente: el milagro bíblico de las aguas del Mar Rojo.96
Fig. 263
Fig. 329
Fig. 328
93 Ibíd., pág. 113.

94 Ibíd, pág.116.
95 Ibíd, pág. 117.
96 Ibíd.

Fig. 265
Fig. 330
En consecuencia, con estos principios abordaremos la realización (con una
exposición descriptiva) de una obra escultórica concreta enfocada desde la óp
tica de la representación concebida en esa totalidad que hemos querido abar
car. Para ello nos centraremos en la realización de un monumento a Cristóbal
Colón, y lo analizaremos desde el punto de vista conceptual, plástico, histórico,
formal y técnico. Partiendo de estas premisas, y dado que la elección del tema
surge del encuentro con la realidad, la historia y la tradición, la realización de
una obra como la que nos ocupa, al tratarse de un personaje histórico, deberá
recoger no sólo datos fisionómicos y fisiológicos, sino todos los pormenores
distintivos que configuren la identidad del personaje, incluidos los de orden
cultural y simbólico. Debemos investigar minuciosamente por tanto todos los
aspectos que rodean a Cristóbal Colón, tanto histórico como estético, docu
Fig. 331
mentándonos sobre aquellas representaciones anteriores que se hicieron en
el mundo del arte, en ésta u otras épocas.
Como consecuencia de esto, descubrimos que en realidad no existe ningún
retrato que se pueda considerar históricamente cierto puesto que de alguna
manera influyó la fantasía de sus creadores, que mezclaron algunos datos
reales con los gustos de la época. A pesar de esto, en la memoria colectiva,
esa fisonomía se adoptó como fidedigna y deberemos tenerlo en cuenta para
no defraudar al espectador.
Fig. 333 Fig. 335
Fig. 268
Fig. 332 Fig. 269 Fig. 270
Fig. 334

Toda esta documentación será el material imprescindible para las posibles
variaciones que se realicen desde el inicio hasta el acabado total de la obra;
es un todo que trataremos de representar con la mayor fidelidad, pero selec
cionando los rasgos y características que sean necesarios para obtener la
«presencia» deseada para la obra.
Por otra parte entendemos juzgaremos una escultura como lograda cuando
nos dé una respuesta completa a todos su problemas, desde los pequeños
pormenores, pasando por las actitudes, atributos, etc. por lo que sólo podre
mos abordarla desde la óptica de su control total. Las posibilidades de elección
son ilimitadas ya que el personaje es en sí mismo una absoluta sugestión, pero
la composición será el resultado de la filtración de conceptos estéticos propios,
y los aspectos supeditados a los procedimientos técnicos que hemos elegido
para desarrollar la obra, -en este caso modelado en barro para su traslado al
bronce-. La suma de todo esto será la última expresión de nuestra investiga
ción, aunque podrán surgir aspectos susceptibles de improvisación, sin perder
el propósito del monumento.
Fig. 336
Fig. 271

Fig. 272
Fig. 337
V.4. Emplazamiento
La escultura será ubicada en la Plaza de Belgravia, en un barrio del centro
de Londres, entre los distritos de Westminster, Kensington y Chelsea, conocido
por sus lujosos edificios señoriales de estilo neoclásico. Se trata de una zona
de las más ricas del mundo, sobria y elegante. La plaza tiene forma cuadrada,
muy simétrica, con un espacio ajardinado en el medio, en cuyas esquinas se
ubican monumentos. La obra estará localizada en este parque pero con vistas
a la vía pública, de manera que quedará arropada posterior y lateralmente por
el follaje y en su parte anterior por la acera de la calzada.
Está situada en un espacio circular en una de las esquinas del parque,
aquel se abre a la vía pública; circundado por un muro bajo, coronado por una
verja de barrotes de hierro, remedando el cerramiento del parque. El espacio
tiene un pavimento adoquinado de piedra de granito y de caliza, en el que
mediante el contraste de colores se dibuja una estrella de cuatro puntas que
indican los puntos cardinales; en su centro se alza un plinto de base cuadran
gular con los lados menores curvos. Sobre el plinto, de una altura aproximada
Fig. 338
de un metro y medio.

Fig. 339
El espacio de la ubicación es un lugar abierto, por lo que los puntos del espectador
serán amplios y distantes, lo que permitirá una contemplación del conjunto amplia.
Esto conlleva que el tratamiento de la obra deberá tener unas proporciones
superiores al natural, la altura del conjunto deberá ser elevada, los volúmenes
contundentes, y el tratamiento superficial deberá crear sombras duras para
que no se diluyan en el espacio.
La envergadura de la obra escultórica deman
daba un pedestal elevado pero que nos permitie
se, al mismo tiempo, contemplarla tanto desde
puntos de vista lejanos como rodearla cercana
mente. Todo esto nos hizo decidirnos por un tipo
de pedestal intermedio, lo suficientemente alto
como para destacarla del entorno, y lo justo para
que el espectador pudiera observarla en detalle.
Dicha peana combinará los colores neutros
(gris y blanco) que predominan en las edificacio
nes del entorno, lo que ayudará a integrar la obra
en el espacio y por otro lado no distraerá la con
templación del monumento. Fig. 340

En la escultura por el contrario predominará una pátina de colores pardos
y verdosos que ayudarán a potenciar los volúmenes y textura del monumento,
reconciliando a su vez el frío metal con los verdes y rojos de la vegetación que
la protege. Estos tonos dotarán a la obra de un aspecto evocador e intemporal
potenciado por la naturaleza del jardín.
Fig. 341
Fig. 276
V.5. Análisis de la ubicación del monumento a Cristóbal Colón.

Dado que estamos hablando de escultura pública y monumental, hay que
valorar la ubicuidad de la obra sopesando los condicionantes sociales y, parti
cularmente, los urbanísticos en los que se va a integrar la escultura, tal y como
analizamos en el apartado V.1. En la realización de un monumento no sólo hay
que tener en cuenta el tema, la iconografía, el especta

Fig. 342
dor y la opción estética que se elija, puesto que todos
estos puntos estarán supeditados al espacio donde se
colocará dicha obra.
Estudiando el espacio de intervención, se debe definir
la composición de la imagen y cómo se han de ordenar las
distintas partes del monumento para conseguir un equili
brio entre la obra y el espacio que la circunda. Para ello
hay que tener en cuenta los siguientes factores: el tamaño
(proporciones), composición, color y altura.

Partiendo de todas estas premisas
y sumadas nuestras conclusiones, se
seleccionaron los elementos físicos y
psíquicos que se quisieron representar y
comenzamos a realizar bocetos, dibujos,
esculturas en pequeño formato y maque
tas en arcilla y poliester, hasta concretar
la idea final.
Fig. 343
V.6. El concurso
Con motivo del Quinto Centenario del Descubrimiento de América se creo
el organismo Sociedad Estatal Quinto Centenario para tratar y gestionar todos
los actos y actividades de diversa índole que se organizarían con el motivo de
la celebración de ese aniversario.
Se convocó un concurso de méritos para erigir un monumento a Cristobal
Colón en Londres, al que se invitó a todos los artistas que habían trabajado
para el Ministerio de Asuntos Exteriores de España. En nuestro caso había
mos colaborado previamente para sus dos organismos principales: la Agencia
Fig. 279 Fig. 280
Fig. 345
Fig. 344

de Cooperación Exterior y el Instituto de Cooperación
Iberoamericana. Participamos en el concurso con el

envío de un dossier de obra personal, en la que desta
camos los monumentos ya hechos en Hispanoamérica
y una propuesta similar a la del Monumento a Colón
realizado para la ciudad de Córdoba (Argentina). En el
concurso fuimos seleccionados junto a Basterrechea,
Berrocal y Sanguino. La elección de la comisión (Comi
té Monumento a Colón en Londres) organizada a través
del Canning House, recayó en nuestra propuesta, por lo
que se nos invitó a Londres para presentar el proyecto y
conocernos personalmente. Allí asistimos a una recep
Fig. 346
ción en la embajada española y visitamos los lugares
propuestos para la posible ubicación del monumento. Tras ello, decidimos hacer
otra propuesta de monumento, para la que fue decisivo la elección de un lugar
en el distrito de Lambeth, frente al Parlamento, al otro lado del Támesis. Por su
ubicación nuestra escultura dialogaría con los políticos actuales y simbolizaría el
viaje que Cristóbal Colón hizo para “vender” su empresa. Estética y emocional
mente nos pareció un lugar idóneo por que dialogaría también con el grupo de
Los burgueses de Calais, situado al otro lado del río. Con esa propuesta volvimos
a Madrid para hacer unos bocetos nuevos y los trabajos preparativos y, en un cor
to espacio de tiempo, hacer la presentación del boceto definitivo en la Embajada
de España en Londres. Volvimos, pues, a presentar ante los representantes de
España y del gobierno inglés, el nuevo proyecto de un Cristóbal Colón sedente.
Cuando ya teníamos la figura casi modelada, los proyectos hechos y varios de
los permisos necesarios para su colocación concedidos, cambió el gobierno del
distrito de Lambeth, que se negó a que en su demarcación hubiese un monu
mento a Colón. Una vez más, debimos volver a Londres para decidir el emplaza
miento definitivo entre otras cuatro propuestas. En la elección era fundamental
que la nueva ubicación exigiese los menores cambios posibles en la figura, para

que la escultura pudiese dialogar con el nuevo entorno. Después de visitar con
el arquitecto encargado de colocar la obra varios enclaves, y tras analizar los
pros y los contras, decidimos escoger Belgrave Square. Allí la escultura estaría
frente a la Embajada de España y con su brazo derecho tendido al pueblo inglés
mostrando un pergamino.
Al tratarse de un personaje histórico tan popular y con una leyenda «ne
gra» o por lo menos discutiblemente positiva para muchos, además de poseer
una tradición en cuanto representación escultórica (Plaza de Colón de Madrid,
Barcelona etc.), nos obligó a realizar una interpretación más personal, si cabe,
sobre la realidad y personalidad de Colón.
Fig. 347
Elegidos los aspectos generales del tema, comenzaremos a clarificar el

mensaje expresivo que perseguimos. Imaginamos la realización de una figu
ra robusta; sentado, en actitud de reposo pero activo debido a la acción que
representa (el intento de convencer de su descubrimiento a la Corte inglesa),

les entrega las cartas de navegación en actitud firme. La postura debe ser con
vincente, debe sugerir seguridad. El carácter que quisimos destacar de este
personaje fue un aspecto más intelectual que aventurero, más humano que
heroico, mostrando antes al estudioso que al navegante
Análisis compositivo
Fig. 283
Fig. 348
-Ritmos, postura, colocación de las partes, volúmenes, tensiones, defor

maciones, equilibrio.
La composición busca la naturalidad y la armonía viéndose esta agitada

levemente por un ligero giro hacia un lado; con el brazo derecho levantado y
sus piernas colocadas en forma de aspa la verticalidad queda dividida debido
a la condición sedente de la figura, dotándola de un aire más dinámico
La tensión es generada por su brazo erguido, viene reforzada por la dirección

de la cabeza y el gesto de la mirada. El brazo izquierdo, que adopta un movi
miento hacia el interior de la figura, crea un ritmo que potencia el dinamismo
de la acción. La dirección del pergamino genera una tensión muy fuerte y la
diagonal se une visualmente con el gesto de la pierna, rompiendo bruscamente
con el resto de las líneas compositivas. La verticalidad esta potenciada también
por la estructura de la silla y reforzada por la dirección de los ropajes. La suma
de todos estos gestos busca el equilibrio compositivo dando solidez a la obra.

Arnheim, hace años, dijo sobre esto algo que sigie siendo es
tando vigente: De todos es sabido que una composición desequili
brada parece transitoria, accidental: sus elementos muestran una
tendencia a cambiar de lugar o de forma para alcanzar un estado
que concuerde mejor con la estructura total.97
Dondis, por su parte, escribió lo siguiente, años después:

Su importancia primordial se casa en el funcionamiento de la
mente humana y en la intensa necesidad de equilibrio.98
La posición de la cabeza potencia la tensión en el mismo

sentido, creando un desequilibrio intencionado. Uno de los pun
Fig. 349
tos de más interés visual de la obra es el lateral derecho, puesto
que desde él el espectador puede recoger la expresión del per
sonaje, su gesto dialogante y apreciar el dinamismo reflejado en
el «escorzo» del brazo. Se convierte en un punto fundamental
donde la obra parece establecer una dialogo con el espectador
que le invita a participar de su descubrimiento.
La parte posterior del respaldo del sillón butaca tiene un sutil relie
ve, a modo de símbolo, en el que aparecen los atributos de la Corona
de Castilla, dado que esta representa a la reina Isabel Católica, quien
decidió patrocinar finalmente aquel viaje. Fig. 350
Deriva de estas consideraciones, determinamos realizar a Colón sentado
y con el brazo extendido, enseñando unos documentos y con actitud dialo
gante, en el momento que pretende convencer a sus posibles financiadores
de la importancia de su descubrimiento, erigiéndose como un Cristóbal Colón
cotidiano y cercano.
97 ARNHEIM, R. (1954) Arte y Percepción Visual. Madrid: Alianza forma, 1988. pág. 35.
98 DONDIS, D.A. (1976) La Sintaxis de la imagen. Introducción al alfabeto Visual, Madrid:
Gustavo Gili. pág. 36.

V.7. Desarrollo del proyecto
La técnica a seguir será la del modelado en barro, a partir de un modelo
a escala. Abordaremos esta etapa mediante una descripción pormenorizada
del proceso de realización de la obra escultórica, de manera que esta sea un
compendio o consecución empírica derivada del contenido teórico y recopila-
torio de dados vistos en la primera fase.
Fig. 351

Fig. 352
Es nuestro propósito mostrar o describir el procedimiento seguido en la eje
cución de la obra escultórica a partir de sus planteamientos técnicos y estéticos
iniciales, metodologías y soluciones prácticas a los problemas de la ejecución de
la obra para alcanzar el objetivo en la materia definitiva correspondiente
Tratamiento del modelado.

Al igual que el lenguaje escrito necesita del conocimiento de reglas y es
tructuras gramaticales, el lenguaje plástico necesita también de una serie de
conocimientos estructurales y datos objetivables para poder comunicarse. Co
nocerlo y poseerlo, junto con la aportación de la experiencia, son los ingredien

tes que permiten un código personal que identificará al escultor.
Fig. 353

Para la realización de esta obra se eligió el barro como vía de expresión,
ya que permitiría explotar las posibilidades plásticas y sensitivas de la obra.
Del mismo modo, consideramos que a través de este material conseguiremos
plasmar la huella del artista. Posteriormente se trasladaría al bronce como ma
terial definitivo. Las implicaciones de perdurabilidad que posee éste, potencian
el carácter histórico del personaje. A su vez, el bronce evoca intemporalidad
y calidez, y la representación intenta poseer aunar estas connotaciones para
lograr un personaje histórico pero actual en una actitud humana y viva.
Fig. 354 La técnica del barro nos facilitaba la labor de corregir cuantos errores o
posibles nuevas sugerencias nos aportase el proceso de trabajo, pudiendo
acometer la obra por igual desde todos los lados, no dejando ninguna parte de
ella más adelantada que las demás, ya que concebimos el proceso de realiza
ción como una construcción de la forma en su totalidad.
El lenguaje plástico utiliza una gramática, acentos, interjecciones, etc., y

de su elección y colocación en el espacio también depende la personaliza
ción, como ya hemos dicho anteriormente, de un cierto lenguaje. Trataremos
el espacio y la composición como elementos fundamentales de nuestro idioma
plástico, como una pieza más dentro de la distribución de volúmenes y huecos,
volúmenes que trataremos con cierto sentido de peso en algunas partes y en
Fig. 355
otras con un carácter suelto y ligero, gracias a las masas compositivas y al

tratamiento superficial (texturas, calidades). Por otro lado la escultura estará
surcada por grafismos o acentos más duros para resaltar un rasgo determina
do o elemento importante, recursos expresivos cuyo fin es destacar lo que de
esencial y formalmente escultórico nos ofrece el tema tratado.
La textura superficial ayuda a la unificación de la composición, relacionando las

partes con la huella personal del artista. En el caso de esta obra, el tratamiento del
barro deja una huella gestual que le resta peso a los grandes volúmenes, poten
ciando las texturas particulares de cada elemento (ropajes, cara, etc.), sin perder la
unidad, y dotando al monumento de la personalidad propia del escultor.
Fig. 356

Esto nos lleva a modificaciones y apropiaciones formales totalmente perso
nales en muchos casos a favor de la expresividad. Partiendo de un desarrollo
analítico y del estudio de las formas, éstas se van adaptando y encontrando
una transcendencia afín a nuestro carácter.
Fig. 357
Fig. 358 Fig. 359 Fig. 360

La figura humana será el elemento protagonista de la escena, con una
marcada significación simbólica e histórica. El interés por el personaje es
evidente, pero como elemento filtrado por la imaginación dejando una puerta
abierta a nuestra propia interpretación.
La frescura de la huella aporta una impronta significativa en cada par
te, de manera que a lo lejos el espectador distinguirá texturas tan distintas
como el pelaje del cuello del abrigo, el fieltro del sombrero, la suavidad de la
piel, la dureza de la madera... Mientras que, si se aproxima, podrá apreciar
la huella, la impronta con la que el barro esta colocado, el toque del palillo,
sus distintas versiones, con útiles diversos desde los que se atisba el rastro
del oficio y por el que se percibe la personalidad del autor.
Todo ese ruidoo o pixelado, obedece a una determinada visión general y
está al servicio de la escultura; no está tratada de manera superficial, está
modelada en su sentido global y como consecuencia de ese tratamiento se
observa como las texturas sumergen a la obra en otra dimensión, la dimen
sión de la escultura, la atmósfera del Arte. No creemos en los escultores
que fabrican texturas intencionadamente con el fin de decorar e ilustrar la
superficie. Los acabados de la superficie no deben ser un añadido gratuito,
deben de surgir o formar parte del proceso de construcción de la obra. No
sotros no hablamos de ellos a priori, por que nos atraen; nos agradan, pero
realmente lo mejor de la superficie de un a escultura es que no nos llame la
atención porque la propia pieza nos evoca tanto que estamos absortos por
lo que habla de sí misma.

Fig. 361
V.8. Realización de la obra escultórica

Para nuestra obra buscamos todas las posibles representaciones de Cris
tóbal Colón y leímos cuantas descripciones encontramos sobre el personaje.
En algunas encontramos contradicciones importantes, desde su origen (por
tugués, español, genovés, catalán), a aspectos de su físico, como su talla,
ancho de la frente, barba, etc. Por ello, las posibilidades para representar fi
sonómicamente eran muchas, por lo que en ese sentido no nos preocupaba
excesivamente incurrir en un error; pero debíamos evitar poner un útil o unos
Fig. 362
ropajes anacrónicos, que no le correspondieran, como se ha hecho a veces;
incluso se ha llegado a situar junto a su figura un globo terráqueo.
Nuestras referencias más cercanas pasaban por los monumentos a Colón

de Barcelona y Madrid.
Fig. 363
Buena parte del trabajo de documentación iconográfica e histórica ya lo ha

bíamos realizado en primer lugar para unos bustos para Panama y Colombia,
y un monumento, con una figura completa a un tamaño mayor del natural, para
la ciudad argentina de Córdoba.
Quizás, lo que más nos preocupaba en la iconografía era el comportamien

to de una figura que representara un personaje histórico de importancia mun
dial. Una de las figuras que más nos interesó por su sentido monumental fue el
retrato de Velázquez de Aniceto Marinas, situado delante de la puerta principal
del Museo de El Prado. Su armonía, sus proporciones, el dinamismo dentro de
la composición serena.
Uno de los inconvenientes más importante que nos encontramos, una vez
que habíamos concursado, fue que el presupuesto debía de competir con los
presentados por los otros concursantes, -y que nunca debía superar los cinco
millones de pesetas- cuando el nuestro aumentaba debido al crecimiento del
tamaño de la estatua. Aún así, una vez ganado el concurso, aumentamos el
tamaño, disminuyendo mucho nuestra remuneración, pues la relevancia del
emplazamiento (una plaza en Londres) lo exigía. Además de ser un motivo de
Fig. 364 orgullo para un escultor novel.

Nuestra experiencia en los aspectos técnicos nos daba seguridad –no en vano
habíamos hecho un Monumento a Isabel La Católica para Quito, otro para Bahía
Blanca (Argentina) y el Colón de Córdoba (Argentina) y colaborado en la realiza
ción de muchos otros de diferentes escultores- y nos permitía especular con más
posibilidades que los demás concursantes. Aumentamos 10 centímetros la figura,
lo que suponía un incremento considerable del bronce necesario. Valía la pena
ganar menos dinero, ya que un escultor debe pensar en el legado de su carrera
profesional. Si la figura se pusiese de pie, en vez de 220 cm tendría 230, por lo

Fig. 365
que la envergadura también debía ser mayor, de modo que la imagen podría ad
mitir más recursos, y sería –en su conjunto- más potente.
Una vez que se admitió nuestra propuesta con todos los parabienes de las
autoridades españolas e inglesas, nos pusimos a trabajar en la imagen a su
tamaño definitivo, con una gran ilusión por alcanzar la posibilidad de hacer un
monumento tan importante con la libertad de hacerlo con criterios propios.
Nuestra apuesta fue muy valiente y –quizás- también insensata. Aborda
mos la escultura a partir de un boceto, sin ampliarla con un sistema de am
pliación, tantas veces utilizado para otros artistas. Creíamos en la necesidad
vital del artista por expresar sus sentimientos, o la necesidad de experimentar, Fig. 366
el vértigo que le acerca al precipicio para dominarlo, la aventura del escalador
por coronar una nueva cumbre, con una dificultad añadida, sentir la libertad de
crear en ese tamaño sin la red protectora que significa el apoyo técnico de un
sistema de reglas de ampliación.
Fueron mucho los amigos que se pusieron el traje de Colón para encontrar
el porte y la naturalidad necesaria para una figura que debía tener la capa
cidad de moverse, de levantarse y caminar. También conversamos sobre la
obra con otros artistas, especialmente con los que estudiamos en esta tesis.
Pero sobre todo nuestros mayores, nuestros referentes, Rodin, Benlliure, Ros-
so, Miguel Ángel, eran nuestros guías. Recuerdo que en aquellos momentos Fig. 367

nuestra sensibilidad estaba muy agudizada, y todas las soluciones plásticas de
otros nos parecían pocas. Algunas mañanas, al amanecer, nos acercábamos
al Prado a ver a Velázquez, y a Goya; también de paso, un paseo por el par
que madrileño del Retiro para contemplar el monumento ecuestre a Martínez
Campos, obra de Mariano Benlliure, para retener en nuestra mente esa épica
y esa naturalidad que dio su autor al personaje.
Como nuestro taller era relativamente pequeño y la escultura muy grande tu
Fig. 368 vimos que tirar una pared, con lo que aumentamos la distancia para observar la
figura la situamos sobre una plataforma con ruedas, de modo que acercándola a
una de las paredes del estudio que nos servía de fondo, nos permitía tener más
distancia respecto de la pieza. El estudio era una casita adosada a la nuestra, de
unos treinta y cinco metros cuadrados, en la que tiramos todos los tabiques para
dejarla diáfana y, al tiempo, abrimos un hueco para comunicarla con la casa, con
lo cual conseguimos ocho metros más para trabajar con amplitud.
Cuanta frustración por la impotencia de no encontrar el camino que nos llevara
hasta nuestro personaje; por superar la estatua para dialogar con el mismo Colón y,
Fig. 369
a través de esa conversación traspasar la frontera entre la rigidez de lo estrictamente
correcto y proporcionado, para trascender a otro plano más espiritual.
La batalla fue grande en el plano técnico, pues para realizar una figura al ta
maño decidido y recrearla en directo necesitábamos un soporte que tuviera la
flexibilidad justa. No podíamos hacer una armadura muy aproximada, porque
tropezaríamos con ella en cada movimiento de masas; la cantidad de barro
necesaria para modelar la figura era mucha, por lo que se podría descolgar.
Una armadura muy fuerte, pero muy elemental, con un gran numero de cru
cetas de distintos tamaños para colgar de ellas el barro. Aun así, más de una
mañana nos encontramos con parte de la figura en el suelo; el peso de algunos
volúmenes era demasiado para tan poca armadura y aquello, que facilitaba
Fig. 370
el manejo de las masas se convertía en nuestro peor enemigo. Había que

controlar la humedad al tiempo que tapar cualquier grieta por donde pudiera
entrar el agua y provocar un nuevo desprendimiento, arruinando nuestro
trabajo de días.
Más pronto que tarde fuimos acoplando nuestra ansiedad creadora con
el resultado, y el conjunto escultórico –a nuestro criterio- iba dando sus fru
tos y Cristóbal Colón, metafóricamente hablando, comenzaba a cobrar vida,
de lo cual participaban amigos y familiares. Todos querían dejar su huella en Fig. 371
aquel Colón, mientras yo sentía la necesidad de compartir mi esfuerzo con
ellos. Toda la familia firmó aquel monumento; sin buscarlo, estaba haciendo mi
primera obra “colaborativa”. Todas las vivencias enriquecían el significado de
la estatua y el azar jugaba a nuestro favor. Cristóbal Colón respiraba. Ahora
tocaba emprender otra nueva aventura, que pondría a prueba todo lo hecho:
el paso a materia definitiva.
La escultura tenía algunos elementos de madera, desmontables; al
igual que algunas partes del sillón y el suelo, que tuve que modelar una
vez concluida la figura. Fig. 372
Fig. 374 Fig. 373

Hicimos un molde perdido de escayola. Momento en el que para el escultor
desaparece la obra temporalmente, y se adentra en un túnel del tiempo de
consecuencias imprevisibles. La incertidumbre es grande, si no fuera porque
la experiencia avala el proceso y conocemos con seguridad que aquello con
lo que trabajamos (la escayola) servirá de cama para reproducir de nuevo la
escultura. Reproducción que hicimos en resina de poliéster con fibra de vidrio,

Fig. 375
y de este nuevo modelo se extrajo un molde de silicona con el que se reprodujo
en cera por partes, preparadas para quemar y fundir. Es en la cera donde el
escultor interviene retomando el proceso creativo. Con este paso se reavivan y
agitan las partes que se dejaron a propósito para rematar posteriormente con
mayor precisión; aunque no somos partidarios de recargar con demasiada retó
rica los detalles, ya que podrían influir de manera negativa en su imagen final.
Fig. 376
Fig. 377
Fig. 379
Fig. 378 Fig. 380 Fig. 381 Fig. 382

Fig. 383 Fig. 384 Fig. 385
Fig. 386 Fig. 387
Fig. 388 Fig. 389

Otro de los procesos donde el artista interviene –y gustamos de hacerlo- es
en la pátina, que tiene una importancia crucial en el acabado definitivo de la obra.
No queríamos un bronce excesivamente opaco, ni tampoco que resultase
una estatua embetunada con mucho brillo. Debíamos destacar los volúmenes
de la obra, y no podíamos traicionar la superficie, insistiendo sobre ella invir
tiendo el sentido, resaltando aquello que debiera quedar velado y viceversa.
Por ello, empleamos sulfuro de potasa, que desengrasa la superficie y la os
curece hasta que encontramos la medida justa. Las veladuras, que matizan
la pátina, se hicieron con cloruro y óxido de hierro y cloruro de cobre, sal de
amoniaco, que matizan, a su vez, el tono hacia el verde y blanco.
Fig. 391
Fig. 390 Fig. 392

Fig. 393 Fig. 394 Fig. 395
V.9.Descripción de la obra definitiva.

Cristoforo Colombus, este que nosotros presentamos pretende ser un hombre
joven a pesar de su edad, bien aliñado en cuanto a atuendo y presencia, no del
todo apurado en su afeitado, su pelo asoma por debajo de su gorra aterciopelada
abundantemente y no cuidado en exceso. Sentado sobre un sillón de brazos con
su cuerpo girado hacia su parte derecha y su brazo izquierdo reposa sobre la
madera dejando caer su mano ligeramente cerrada sobre el muslo izquierdo, con
su brazo derecho enfatiza su dialogo levantadolo apretando un pergamino entre
los dedos, que supuestamente contiene el proyecto de su viaje.

Fig. 396
Este colón es anterior al que va a ser, y debemos contener en el
conjunto todo esto de grandilocuencia, sin restarle la carga épica que
conlleva su historia.
Abrigado con una capa con cuello de piel, que desciende por
delante de su cuerpo hasta fundirse por debajo de la cintura donde
las arrugas que provoca el tonelete amarrado por un cinturón, que se
integra en la dinámica de los pliegues que responden al movimiento
de su cuerpo. El tonelete es una especie de vestido o camiseta grue
sa que llega hasta la rodilla y que suele ir decorado, como es en este
caso con un plisado sobre el pecho. Las mangas asoman por debajo Fig. 331

de la capa con cierto tableado ligeramente abuchonadas, rematadas por unos
manguitos lisos no muy apretados por donde asoma una camisola con una espe
cie de fruncido que venía atándose con una cinta, repitiéndose esta formula en el
cuello. Las piernas descansan avanzando la izquierda por delante de la derecha,
esta se recoge plegando su tobillo dejando ver las suela de su botín, anudados los
dos con un sobrante que pudiera subirse, cubiertas por una maya pantalón que
sin ajustarse del todo permiten ver una piernas robustas. Sobre un suelo aparen
temente de losetas de barro cocido, esperan ser utilizados unos libros, y un mapa
sobre el que descansa un astrolabio.
El traje fue alquilado en Peris hermanos, restos de alguna de las películas
que se hizo con motivo del quinto centenario.
Para la silla del modelo utilizamos una de la Facultad de Bellas Artes per
tenecientes al mobiliario de la antigua escuela de San Fernando de la calle
Alcalá 13. Hoy sede de la Academia de Bellas Artes
Fig. 397

CONCLUSIONES
CONCLUSIONES 197

Fig. 410
406
409
401
404
407
399
402
405
408
400
403 Fig. 473
Fig. 450
Fig. 398 Fig. 513
Fig. 448
431
428
445
436
435
415
421
440
424
412
443
439
441
425
446
438
430
422
414
429
427
420
437
432
423
417
434
418
449
444
447
416
433
426
413
419
442
411 Fig. 462
468
458
457
460
461
466
454
456
467
459
451
472
452
469
470
471
455
465
453
463
464 Fig.Fig.
510
509
508
507
506
505
504
503
502
501
500
499
498
497
496
495
494
493
492
490
489
488
487
486
485
484
483
482
481
480
479
478
477
476
475
474
514
512
515
511491
CONCLUSIONES
La propia estructura de esta tesis doctoral se ajusta a las intenciones que
la motivan y justifican. Antes de iniciar las conclusiones sobre lo que supone y
aporta este estudio, quisiéramos hacer un breve recorrido por las partes que lo
componen, con el fin de que sirva de recapitulación. Fig. 516 Fig. 520 Fig. 519 Fig. 518 Fig. 517
La primera parte de esta tesis se dedicó sobre todo a los aspectos
relacionados con el concepto de la escultura. En la introducción y
en los cuatro primeros capítulos se plantean los fundamentos que
tratan los aspectos más personales tanto en la poética en que se
encuadra el quehacer escultórico, como las aspiraciones éticas, es
téticas y técnicas del trabajo. Para ello se ha realizado un análisis
y reflexión sobre los tres artistas que mayor relevancia y peso han
tenido y tienen sobre el realismo y la figuración española: Francisco
López, Julio López y Antonio López.
El Medio ( el Taller), todo un recorrido por los espacios y las técni
cas, los procesos y los materiales en los que se mueven los artistas en
general a través de la historia, y en particular de los creadores que son
materia de nuestro estudio. Fig. 521
CONCLUSIONES 199
En el capítulo, El Entorno hacemos un breve recorrido por la historia del
taller del artesano al taller del escultor en base al aprendizaje, y su evolución
hasta la formación en las escuelas y sus procesos. Una indagación desde el
plano personal: la influencia de las vivencias en la sensibilidad y las emociones
en relación con la creación artística.
A continuación, hemos realizado, dentro del capítulo Proceso de reflexión,
un breve prolegómeno a los procesos de creación de la Obra Colón en el
que plantear un primer esquema sobre algunas cuestiones más vinculadas
la experiencia directa del doctorando con la escultura. En primer lugar la obra
escultórica que elegimos como guía para nuestro trabajo (el monumento a
Cristóbal Colón erigido en Londres); en segundo lugar, los recursos técnicos
que entendemos necesarios para poder plasmar nuestra propuesta escultóri
ca, y en tercer lugar, la valoración que nuestro entorno y maestros han tenido
en dicha elección escultórica y en nuestra formación técnica.
Se incluyen, en el texto y en los apéndices los aspectos técnicos:
las labores que se deben asumir desde el modelado inicial a la fundi
ción, el ampliador o el técnico vaciador. No se ha pretendido, desde
luego, descubrir temas nuevos en las descripciones de todos estos
procesos profesionales, y si se han incluido ha sido, insistimos, por
dar un carácter cerrado y acabado a lo que nosotros entendemos
como parte ineludible de la escultura y su medio.
Hay, no obstante, en esas descripciones, un amor por el oficio y
una reivindicación del trabajo manual que se quiere poner de mani
fiesto, por ver en ello una cierta disposición mental y espiritual que
la actitud distante propuesta por algunas corrientes artísticas no lle
ga a entender. El aspecto ético del material y del trabajo humaniza
la obra y la define desde el primer momento en que se prevén para
ella determinados procesos técnicos y materiales.

Fig. 522

En los preámbulos a la realización de la obra dentro del capítulo reservado
a la descripción y análisis de la realización de la obra, se hacen consideracio
nes acerca de lo que supone la actividad proyectual en el trabajo del escultor
a través de los pasos dados en los primeros momentos, desde el encargo del
monumento y las decisiones acerca de la iconografía, tratamiento plástico,
etc. También se ha dado cabida en este apartado a la realización escultórica
del modelado y la pieza a tamaño definitivo, es decir, todo el trabajo artístico
en el que el escultor no puede delegar en nadie pues la toma de decisiones
artísticas es constante.
En el capítulo La realización del monumento, se hace un recorrido por las par
tes del proceso escultórico, trabajo que corresponde a distintos técnicos, aun cuando
la supervisión e intervención del escultor no deja de estar presente en ellos.
Fig. 523 Fig. 524 Fig. 525
Fig. 526
CONCLUSIONES 201
Fig. 527 Desde el propio entorno universitario
surge a menudo la polémica acerca de
cómo se debe investigar en la creación
artística e, incluso, de si se puede consi
derar científica una investigación de este
género. Esta duda tiene que ver con el
hábito de asociar el carácter científico de
una investigación a características propias
de las ciencias positivas. Linneo y sus categorizaciones sistemáticas de lo real
nada tienen que ver con el arte, pero el artista sí puede establecer proposicio
nes sobre su arte o el arte en general que aspiren a la necesidad y universa
lidad debidas al saber científico. En unos tiempos en los que ni las matemá
ticas o las ciencias físicas -y mucho menos la filosofía- no logran encontrar
un modelo en el que la realidad se vea contagiada en algún punto, por lo que
sería absurdo pedírselo al arte; y sin embargo, el arte, justamente, siempre ha
sabido comprender la realidad; desde su profunda subjetividad ha sido exacto,
a su manera, como forma de conocimiento.
Admitiendo cuantas matizaciones se quiera, parece decididamente artificial
establecer contradicciones entre investigación sobre arte y práctica del mismo,
pues el sentido común propone más bien una relación de complementariedad
entre ambos. Una investigación estrictamente teórica sobre arte, será una inda
gación relacionada con la teoría, crítica o historia del arte, o bien una búsqueda
sobre aspectos tangenciales del arte, generalmente técnicos. Una investigación
estrictamente práctica, siendo la principal y aquella que han llevado a cabo los
artistas desde siempre, constituyendo, sin más, el mundo del arte; pero cuando
este se sitúa fuera del ámbito universitario y docente exige cauces de transmi
sión de conocimientos no exclusivamente estéticos. La solución es intermedia y
en cada uno de nosotros está la responsabilidad de establecer el equilibrio que
conviene a su personal carácter artístico e intelectual.

Personalmente, como escultor, concedo a la obra, con relación a la actividad
investigadora universitaria, el valor de demostración plausible de cuantas hipó
tesis se planteen. Hipótesis que, por otra parte, en el arte no pueden tratarse de
especulaciones caprichosas, puramente técnicas o meramente formalistas o cul
turalistas a riesgo de resultar estériles. El escultor, como artista, conoce la pala
bra necesidad en relación al impulso creativo; la investigación del escultor surge
de ese impulso interior que hace que lo simplemente imaginativo se convierta en
emoción compartible, en conocimiento cierto, aunque no verbalizable, en una de
las formas más elevadas de la inteligencia humana.
Como dijimos, el artista nace en el taller del artesano. La obra de arte surge
como consecuencia de una sublimación del procedimiento artesanal. No quiere
decir esto que hoy una pintura o una escultura tengan que pasar necesariamente
por ser una obra de artesanía para llegar a ser Arte. Aunque pueda darse. Nunca
sería al contrario. Cualquier obra de arte quedaría desmerecida si se viera exce
dida en laboriosidad o en conceptos artesanales. Desde este punto de vista acla
remos que el trabajo creativo de los artistas que incluimos en este estudio, en su
ejecución material, trascurre, en mayor o menor medida, por un camino artesanal.
Fig. 528
CONCLUSIONES 203
No se da de la misma manera en la pintura que en la escultura, ya que esta
última está más cargada de procesos y oficios, incluso algunos tan rutinarios
como necesarios. Hemos de decir, por otra parte, que en el caso de la pintura
de algunos artistas podría tener más carga técnica que la escultura de otros, y
es sencillamente porque cuando se convierte en herramienta o recurso del autor
para tener más seguridad, es arbitrario y lo dosifica incluso para enriquecer el
resultado, dando un mayor significado a la obra.
Fig. 529
El lenguaje artístico de nuestra escultura y personales concepciones vi
tales y sociales acerca del arte y su función, están en la base de la presente
investigación. Naturalmente, si puede hablarse de investigación en relación a
la escultura y la universidad, es porque a partir de lo personal se dan una serie
de procesos conceptuales y materiales, y en el caso presente, consecuencias
sociales, perfectamente objetivables, que admiten una crítica y un análisis en
riquecedores, así como una proyección y generalización de experiencias que
dotan a nuestra actividad de ese carácter universal y necesario al que ya se ha
hecho referencia, característico del conocimiento científico.

A lo largo de esta tesis doctoral se han
tocado los aspectos que, entendemos, dis
tinguen de forma general nuestro trabajo
escultórico, concretándolos en un monu
mento por considerar que la dimensión mo
numental y pública de la escultura, al tiempo
que entronca con lo mejor de su tradición,
supone una proyección de futuro en cuanto
a la dimensión social que hoy puede y debe
tener la escultura. La búsqueda de nuevas

Fig. 530
redefiniciones sociales para el arte en gene
ral y la escultura en particular, es un debate permanentemente abierto. El escultor
no tiene porqué renunciar a su papel secular como creador de lugares, no tiene
porqué ceder a las voces que hablan de la imposibilidad del monumento en esta
ya larga postmodernidad, porque la vacuidad despersonalizada de la ciudad con
cebida por la modernidad pide urgentemente un concepto actual del monumento,
para el común de las gentes, cotidiano, y no a la conmemoración interesada. Aquí
se ha propuesto un concepto de escultura monumental humilde y humanista que
se integra en la infrahistoria de la que habla Unamuno, y que sirva de contrapunto
a la frialdad de la razón y el hormigón que se ha impuesto en nuestras ciudades.
Ante una escultura que a menudo parece querer emular, sin actitud crítica
alguna, el deplorable entorno en que se presenta
utilizando sus mismos argumentos de deshumani
zación y racionalismo ortogonal, se propone en co
herencia con una poética personal, un monumento
basado en lo humano, ya sea de manera implicita
o explicita como en la obra de Chillida o los autores
citados en la presente tesis; un monumento como

hito significativo, pero comprensible para el ciu Fig. 531
CONCLUSIONES 205
dadano, y finalmente, un monumento como
lugar intenso y habitado frente a lo indiferen
ciado del espacio urbano moderno.
Para finalizar enumeramos las conclusio

nes principales de esta tesis, recordando que
son resultado de la combinación de la investi
gación teórica, del trabajo de campo realizado
en los estudios de varios artistas y en talleres,
con la labor profesional, en su doble faceta de
escultor y profesor, del doctorando.
El mundo del taller es una necesidad para
la formación del artista y, a la vez, un aliciente

Fig. 532
para la creación artística.
Los procedimientos tradicionales del trabajo escultórico siguen vigentes, si
bien unidos con los más recientes, fruto de los avances tecnológicos.
Todos los escultores, y en general todos los artistas, que no sean meros
técnicos, deben contar en su formación con una base teórica, que deben saber
combinar con su oficio.
En la labor creativa del artista juegan un papel fundamental las influencias de
los aspectos formales y de lenguaje de la obra de otros creadores o “maestros”,
tanto del pasado como coetáneos, que unidas a los estímulos emocionales, cons
tituyen el punto de partida para el desarrollo de un lenguaje plástico propio.
Los hallazgos formales debidos al azar que aparecen durante el proceso de
creación de una escultura, desde el primer momento de su concepción hasta el
paso a materia definitiva, lejos de ser un inconveniente, son un aliciente para la
creación, además de un estímulo impulsor de la innovación.

Fig. 533
CONCLUSIONES 207

BIBLIOGRAFÍA
BIBLIOGRAFÍA 209

BIBLIOGRAFÍA
- ALBERTI, L. B. (1436) De la pintura y otros escritos sobre arte. Madrid:
Tecnos, 1999
- ALBRECHT, H. J. (1981) Escultura en el Siglo XX: Conciencia del espacio y
configuración artística. Barcelona: Blume
- ALVAREZ PEDROSO, A. (1944) Cristóbal Colón. Biografía del Descubridor.
La Habana: Cultural
- ANDRÉS RUIZ, E. [coord.] (1996) El oficio del artista. Sobre el concepto, situación
y perspectivas de los artistas plásticos en las sociedades contemporáneas. Valla
dolid: Consejería de Educación y Ciencia de la Junta de Castilla y León
- ARAÑO GISBERT, J. C. (1984) «La investigación en Bellas Artes: realidad y
utópica”, Icónica, nº12, 1984, pág.23-24
- ARISTÓTELES, Poética. Madrid: Alianza, 2006
- ARMENINI, G. B. (1587) De los verdaderos preceptos de la pintura. Madrid:
Visor, 2000
- ARNHEIM, R. (1954) Arte y Percepción Visual. Madrid: Alianza forma, 1988
BIBLIOGRAFÍA 211
- BENJAMIN, W. (1933) Discursos Ininterrumpidos. Madrid: Taurus, 1990
- BONET CORREA, A. (1996), «Lo real imaginario en la escultura de Julio
López Hernández», en VV. AA. (1996), Julio López Hernández. Catálogo Sala
Luzan. Zaragoza: Caja de Ahorros de la Inmaculada
- BONITO OLIVA, A. (1989) «Así. El Estado del Arte (y también de la crítica)».
Lápiz, nº 61, pág. 22-27
- BOZAL, V. (1987) Mímesis: las Imágenes y las Cosas. Madrid: Visor
- CALVO SERRALLER, F. (1981) Teoría de la Pintura del Siglo de Oro. Madrid: Cátedra
- CARDERERA, V. (1847) Informe sobre los retratos de Cristóbal Colon,
su traje escudo de armas leído a la Real Academia de la Historia. Madrid:
Imprenta de la Real Academia de la Historia
- CARRETE PARRONDO, J. [ed.] (1989) La formación del artista de Leonardo
a Picasso: aproximación al estudio de la enseñanza y el aprendizaje de las
Bellas Artes. Madrid: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
- CELLINI, B. (1567) Tratados de orfebrería, escultura, dibujo y arquitectura.
Madrid: Akal, 1989
- DONDIS, D.A. (1976) La Sintaxis de la imagen. Introducción al alfabeto
Visual. Madrid: Gustavo Gili
- FERNÁNDEZ BRASO, M. (1978) La realidad en Antonio López García.
Madrid: Rayuela
- FOCILLON, H. (1983) La vida de las Formas y Elogio de la Mano. Barce

lona: Xarait
- FONTAN DEL JUNCO, M. (1996), «El lugar del artista en la Sociedad
Contemporánea», en ANDRÉS RUIZ, E. [coord.] (1996), El oficio del artista.

Sobre el concepto, situación y perspectivas de los artistas plásticos en las
sociedades contemporáneas. Valladolid: Consejería de Educación y Ciencia
de la Junta de Castilla y León
- FRANCASTEL, P. (1956) Arte y técnica en los siglos XIX y XX. Madrid: Debate, 1990
- FRANCASTEL, P. (1965) Sociología del arte. Madrid: Alianza, 1975
- GABLIK, S. (1987) ¿Ha Muerto el Arte Moderno? Madrid: Herman Blume
- GALLEGO, J. (1976) El pintor de artesano a artista. Granada: Diputación
provincial, 1996
- GAMONEDA, A. (1996), «La escena humana de Francisco López
Hernández», en VV. AA. (1996), Francisco López. Exposición Antológica.
Madrid: Centro Cultural del Conde Duque
- GARCÍA CHICO, E. (1941) Documentos para el Estudio del Arte en Castilla.
Escultores. Valladolid: Universidad, Seminario de Arte y Arqueología
- GIEDION, S. (1964) El presente eterno: una aportación al tema de la
constancia y el cambio. Los comienzos del arte, Madrid: Alianza, 1981,Tomo 1.
- HAUSER, A, (1988) Historia social de la Literatura y el Arte. Madrid: Tecnos,
Tomo 2
- HEILMEYER, A. (1928) La Escultura Moderna y Contemporánea. Madrid: Labor
- JIMÉNEZ, J. R. (1917) Diario de un poeta recién casado. Madrid: Casa
editorial Calleja
- LAFORET, C. (1987) Nada. Madrid: Aguilar
- LÓPEZ HERNÁNDEZ, F. (1988) Proceso y Creación de una obra
Escultórica, Madrid: Universidad Complutense.
BIBLIOGRAFÍA 213
- LÓPEZ HERNÁNDEZ, J. (1988) La medalla territorio de lectura. Discurso
del académico electo Excmo. Sr. D. Julio López Hernández y contestación del
Excmo. Sr D. Juan José Martín González. Madrid: Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando
- MADERUELO, J. (1990) El espacio raptado. Interferencias entre arquitectura
y escultura, Madrid: Mondadori
- MADERUELO, J. (1994) La Pérdida del Pedestal. Madrid: Círculo de Bellas Artes.
- MALTESE, C. [Coord.] (1980) Las técnicas artísticas. Madrid: Cátedra, 1995.
- MARTÍNEZ, J, (1853) Discursos Practicables del Nobilísimo arte de la pintura,
sus rudimentos, medios y fines que enseña la experiencia, con los ejemplares
de obras insignes de artífices ilustres. Madrid: Valentín Carderera, 1866
- MATILLA, J. M. (1989), «El Escultor: el modelo, la técnica y la idea», en
CARRETE PARRONDO, J. [ed] (1989), La formación del artista de Leonardo
- MEZZATESTA, M. P. (1985). «The Façade of Leone Leoni›s House in Milan,
the Casa degli Omenoni: The Artist and the Public». The Journal of the Socie
ty of Architectural Historians vol. 44 nº3 pág. 233–249
- MONEO, R. (1996), «La devoción a la realidad», en VV. AA. (1996), Francisco
López. Exposición Antológica. Madrid: Centro Cultural del Conde Duque
- MORALES PADRÓN, F. (1988) Cristóbal Colón. Almirante de la Mar Océana.
Madrid: Anaya
- ORTEGA COCA, Mª T. (1989) Julio López Hernández: un resumen biográfico.
Valladolid: Diputación de Valladolid
- QUINTANILLA, I. (1996), «Esculturas para la arquitectura», en VV.AA. (1996),

Francisco López Hernández. Exposición Antológica. Madrid: Centro Cultural
del Conde Duque
- READ, H. (1955) Imagen e idea, La función del arte en el desarrollo de la
conciencia humana. México: Fondo de Cultura Económica, 1957.
- RIEGL, A. (1903), El Culto Moderno a los Monumentos. Caracteres y origen,
Madrid: Visor, 1987
- SAGER, P. (1981) Nuevas Formas de Realismo. Madrid: Alianza, 1986
- SÁNCHEZ BONILLA, M. I. [et al.] (1993) Escultura. Santa Cruz de Tenerife:
Universidad de La Laguna.
- SÁNCHEZ BONILLA, M. I. (1997) Concepto y Técnica de la escultura mural. Tenerife:
Dirección General de Universidades e Investigación, Col. Textos Universitario.
- SEDLMAYR, H. (1955) La Revolución del Arte Moderno. Madrid: Mondadori, 1990
- SOBRINO MANZANARES, Mª L. (1996) Escultura contemporánea en el
espacio urbano. Barcelona: Electa.
- SUBIRATS, E. (1988) La Cultura como Espectáculo. Madrid: Fondo de
Cultura Económica.
- VV.AA. (1981) Henry Moore. Exposición Retrospectiva. Madrid: Polígrafa.
- VV.AA. (1985) Sobre lo Sublime/ Poética, Barcelona: Editorial Bosch.
- VVAA (1990) El Espacio Privado. Veinte Siglos en Veinte Palabras. Madrid:
Centro Nacional de Exposiciones, Ministerio de Cultura.
- VVAA (1996) Francisco López. Exposición Antológica. Madrid: Centro Cultural
del Conde Duque.
- VVAA (1996) Julio López Hernández. Catálogo Sala Luzan. Zaragoza: Caja
de Ahorro de la Inmaculada
BIBLIOGRAFÍA 215
- VASARI, G. (1568) Las vidas. De los más excelentes arquitéctos, pintores y
escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Madrid: Cátedra, 2002
- VEGA, J. (1989), «Los inicios del Artista. El Dibujo Base de las Artes», en
CARRETE PARRONDO, J. (ed) (1989), La formación del artista de Leonardo
- WORRINGER, W. (1958) Problemática del Arte Contemporáneo. Buenos
Aires: Nueva Visión
- YARZA LUACES, J. [Coord.] FITÉ i LEVOT, F. [Coord.] (1999) LÁrtista-Artesà
Medieval a la Corona DÁragó., actes: Lleida 14, 15 i 16 de gener de 1998.
Lleida Universitat de Lleida

ÍNDICE DE IMÁGENES
Introducción
Fig. 1. Eudouard Vuillard. Aristide Maillol. Óleo sobre tela. 116 x 115,
5 cm. 1931-1937. Musée dÁrt Moderne de la Ville de Paris.

Fig. 2. Gautier de Blonde. Taller de Ron Mueck. Fotografía.
Fig. 3. Tomás Bañuelos Ramón. Higinio Trabajando.

Fig. 4. Ernesto Wuthenow. Francisco López trabajando. Fotografía. 1973.

Fig. 5. Tomás Bañuelos Ramón. Julio López Hernández.
Fig. 6. Tomás Bañuelos Ramón. Antonio López García.
Fig. 7. Autor anónimo. Clase en la Escuela de Bellas Artes. Dibujo. 1870
Fig. 8. Tomás Bañuelos Ramón. Aula de modelado del natural de la
Facultad de Bellas Artes de Madrid. 2010
Fig. 9. Tomás Bañuelos Ramón. En el taller de Julio López Hernández.
Fig. 10. Autor anónimo. Rodin observando el monumento a Víctor
Hugo en el taller de Lebossé. Fotografía 1896
Fig. 11 Marino Marini. Caballo y jinete. Bronce. 96,5 x45,7 x 67,3cm. 1947.
The art institute of chicago
INDICE DE IMÁGENES 217

Fig. 12. Giacomo Manzù. Retrato de Barnard. Bronce. 1969.
Fig. 13. Medardo Rosso. Fotomontaje Rosso, Rodin y Miguel Ángel.
Fotomontaje. 1901. Museo Medardo Rosso.
Fig. 14. Auguste Rodin. Ensamblaje: mano izquierda de Piere de Wis
sant (Burgueses de Calais) y mascarilla de Camille Claude. Esca
yola 32 x 26,5 x2 7,7 cm. 1895. Museo Rodin Paris.
Fig. 15. Victor Obsatza. Retrato de Marcel Duchamp. Fotografía. 1953.
Colección particular.
Fig. 16. Tomás Bañuelos ramón. Detalle Colon de Londres. 1991.
Fig. 17. Felix Moulin LÁlgerie. Afrodita de Cherchell y otros fragmen
tos. Fotografía. 1856-57. Biblioteca del Castillo de Fointainebleau.
Capítulo I. La escultura.
Fig. 18. Autor anónimo. “Pygmalion tallando la figura de afrodita para darle
vida” Légende de Pygmalion, Román de la Rose. Xilografía. Incuna
ble siglo XV Biblioteca Mazarine nº1292
Fig. 19. Alberto Durero. “Hombre dibujando una urna” en el libro Underweysung
der Messung. Xilografía. 1538. The Metropolitan Museum of Art nº 18.58.3
Fig. 20. Girard Audran. “Laocoon a de Hauteur 7 testes 2 parties 3 minutes” en
el libro Les proportions du corps humain. Mesurées sur les plus
belles Figures de lÁntiquité. 1683. Digitalizado por The getty Research
Institute. Original en la Theodore Besterman›s library
Fig. 21. Girard Audran. “le grand enfant de Laocoonà de hauteur 7 têtes 2
partiers” en el libro Les proportions du corps humain. Mesurées sur
les plus belles Figures de lÁntiquité. 1683. Digitalizado por The getty
Research Institute. Original en la Theodore Besterman›s library

Fig. 22. James Whale. Fotograma de la película El doctor Frankenstein. 1931
Fig. 23. Scopas. Menade. Copia romana en marmol. Siglo IV a.C. Museo
Albertinum de Dresde
Fig. 24. Miguel Angel Buonarroti. Modelo para torso de hombre. Terraco
ta. 29,2 cm. 1519-1534. The British Museum.
Fig. 25. Auguste Rodin. El caminante. Bronce. 213,5 x 71,7 x 156,5cm. 1907
Museo Rodin, París
Fig. 26. Alberto Giacometti. El hombre caminando I. Bronce. 182,25 x 96,52 x
26,67cm 1960. Carnegie Museum of Art, Pittsburgh
Fig. 27. Autor anónimo. Francisco López Hernández e Isabel Quinta
nilla con su nieta. Fotografía.
Fig. 28. Autor anónimo. Antonio López García y María Moreno. Fotografía.
Fig. 29. Tomás Bañuelos Ramón. Julio López y Esperanza Parada. 2008
Fig. 30. Autor anónimo. Francisco López Hernández en Roma. Foto
grafía. 7 x 10cm. Colección de artista.
Fig. 31. Autor anónimo. Auriga de Delfos. Bronce. 182cm. 466 a.C. Mu
seo Arqueológico de Delfos.
Fig. 32. Francisco López Hernández. La Fuente. Bronce. 180 x 30 x 40 cm.
1984. Logroño.
Fig. 33. Francisco López Hernández. Isabel. Madera policromada.
165x56x46cm. 1978. Colección particular.
Fig. 34. Tomás Bañuelos Ramón. El estudio de Francisco López Her
nández. En primer término obra de Isabel Quintanilla el estudio y escultu
ras de Francisco López. 2015
Fig. 35 Francisco López Hernández. Thalia. Madera de abedul. 200x70x75cm.
1989. Teatro Rojas Toledo.

Fig. 36. Ernesto Wuthenow. Francisco López Hernández en el taller.
Fotografía. 1973
Fig. 37. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Francisco López Hernán
dez. Obras en proceso. 2015
Fig. 38. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Francisco López Hernández. 2015
Fig. 39. Tomás Bañuelos Ramón. Francisco López Hernández dibujando. 2015
Fig. 40. Tomás Bañuelos Ramón. Taller Francisco López Hernández. 2015
Fig. 41. Francisco López Hernández. Relieve La higuera. Bronce 34x18cm
1984. Colección particular.
dez. Paleta y útiles de pintura de Isabel Quintanilla. 2015
Fig. 43. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Francisco López Hernández.
Francisco López Hernández con el boceto para “el estudiante”. 2015.
dez. Francisco López Hernández mirando su obra. 2015
Fig. 45. Tomás Bañuelos Ramón. Francisco López Hernández bajando
por la escalera y escultura de su hijo. 2015
Fig. 46. Francisco López Hernández. Antonio López García. Grafito sobre
papel. 102 x 73 cm. 1974. Colección del artista.

Fig. 47. Ernesto Wuthenow. Francisco López dibujando a Pilar. Foto
grafía 20 x 30,5 cm 1973. Colección del artista.

Fig. 48. Julio López Hernández. Jacobo. Bronce. 80 x 55 x 55 cm. 1974-75.
Colección particular del artista.

Fig. 49. Medardo Rosso. Impression dómnibus. Fotografía 24,5 x 35 cm.
1883-84. Museo Medardo Rosso.


Fig. 50. Julio López Hernández. Esperanza y yo en el cristal. Bronce. 43 x 54
cm. 1979. Colección particular del artista.

Fig. 51.Luis Pérez Mínguez. Posando para “Esperanza y yo en el cris
tal”. Fotografía. 1979.

Fig 52. Julio López Hernández. El Fumador. 50 x 45 x 35cm Bronce. 1975-
1976. Colección particular del artista

Fig. 53. Julio López Hernández. Escaladores de la Pared Norte. Mármol
aglomerado con poliéster. 82 x 142 x 82 cm. Colección particular del artista.

Fig. 54. Julio López Hernández. Abuela y nieta. Bronce. 34 x 13 x 16 cm.
1979. Colección particular del artista.

Fig. 55 y 56. Julio López Hernández. Anverso y reverso Premio Miguel de
Cervantes 2010. Ana María Matute. Bronce. 20x20x7cm. 2010.

Fig.57 y 58. Julio López Hernández. Anverso y reverso El taller y la calle.
Bronce. 26 x 26 x 3 cm. 1965. Colección particular del artista.

Fig. 59. Julio López Hernández. El alcalde. Pizarra aglomerada con poliés
ter. 186x70x60. 1973. Colección particular del artista.

Fig. 60. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. He
rramientas y barro seco de “Esperanza agrietada” 2014
Fig. 61. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández.
Mesa de trabajo. 2014
Cera de “Parte de su Familia”. 2014
Mesa de trabajo con manos de cera para “Cariátides” 2014
Fig. 64. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Julio
repasando cera. 2014

Mano de cera y relieve de poliexpan y escayola de “La habita
ción de Marx”. 2010
Vista del taller desde el patio. Ventanal y Julio López Hernández
trabajando. 2014
Fig. 67. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernán
dez. Sótano con ceras de diversas piezas. 2008
Fig. 68. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Ce
ras diversas piezas del sótano. 2008
Piso superior. Colección de obras del artista. 2011
Proceso de realización de la obra “Madre”. Utilización de ele
mentos en barro junto a otros en cera. 2011
Dibujos preparatorios, boceto a escala y pieza definitiva en po
liexpan de la obra “Mareo”. 2011
Fig. 74. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Armadura
para la figura femenina del “monumento a José Entrecanales”. 2008.
Fig. 75. Tomás Bañuelos Ramón. Tomás Bañuelos Ramón realizando
la armadura para la ampliación del “monumento a José Entreca
nales” mediante un sistema de jaulas. 2008

Fig. 76. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. To
más Bañuelos Ramón Junto a Julio López Hernández durante el
proceso de realización del “Monumento a Jorge Manrique”. 2002
Fig. 77. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Ju
lio López Hernández sosteniendo las manos realizadas en cera
de la obra “Cariátide” junto al modelado en proceso. 2014
Fig. 78. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Proce
so de realización del “Monumento Parte de su familia”. Boceto. 1998
Proceso de realización del “Monumento Parte de su familia”.
Armadura. 1998
Proceso de realización del “Monumento Parte de su familia”.
Obra acabada. 2000
Fig. 81. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Julio López
modelando la plaqueta Premio Miguel de Cervantes para la Universidad de
Alcalá de Henares de “Juan Helman” en plastilina .2008
“Monumento a Pablo Neruda” en proceso. En la imagen se pue
de apreciar la utilización de varios materiales tanto propios (ba
rro, cera, escayola como “ajenos” (malla de hilo) a la escultura

durante el proceso de creación de la obra. 2007.
Fig. 83. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Ju
lio López Hernández mirando la obra en proceso “Monumento
Parte de su familia”. Moldes. 2000
Fig. 84. Fidias. Escultura del Dios Rio Cefiso del Frontón oeste del
Partenón. Mármol. 156cm. 438-432 BC. The british Museum.

Fig. 85. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Es
cultura “La mujer” tapada en el estudio. 2010.
Fig. 86. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Do
cumentación diversa. 2004.
Fig. 87. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Va
rios bocetos y esculturas. 2004.
Fig. 88. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. De
talle de la escultura “El hombre” en proceso. 2004.
Fig. 89. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Va
rios modelos de brazos obtenidos mediante moldes del natural
para la realización de las esculturas. 2004.
Fig. 90. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. En
primer término la obra “Mujer Durmiendo” junto a otros relieves
en proceso. 2004.
Fig. 91. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Do
cumentación diversa y bocetos. 2004
Fig. 92. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García.
Obras en proceso. 2004
Fig. 93. Antonio López García. Antonio y María. Madera policromada. 55 x
47 x 28 cm (Antonio) y 51x45x28cm (María). 1967-68. Staathlichen kunstsam
mlungen, Dresde.
Fig. 94. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Mol
des del natural. 2012
Fig. 95. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Bo
cetos en cera y escayola. 2012

Fig. 96. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. Bo
ceto “hombre caminando”. 2004
Fig. 97. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. An
tonio López trabajando. 2004
Fig. 98. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. An
tonio López mirando la obra Familia Real en proceso. 2012
Fig. 99. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. De
talle de la obra en proceso “Familia Real”. 2011.
dez. Francisco López Hernández con el boceto de la obra “La
estudiante”. 2015
Fig. 101. Francisco López Hernández. Bodegón. Bronce. 20 x 60 x 40 cm. 1964
Fig. 102. Francisco López Hernández. Ventana en la noche. Grafito sobre
papel. 102 x 73 cm. 1972. Colección Banco España.
Fig. 103. Francisco López Hernández. Mujer pensando. Escayola.1995.
Colección del artista.
Fig. 104. Tomás Bañuelos Ramón. Julio López Hernández trabajando. 2008.
Fig. 105. Julio López Hernández. Dibujo preparatorio para la obra
“Manorretrato”. Grafito sobre papel. 1973.
Fig. 106. Julio López Hernández. Manorretrato. Bronce. 1973.
Fig. 107. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Julio López Hernández. Julio
López encajando la plaqueta Premio Miguel de Cervantes para la Uni
versidad de Alcalá de Henares de “Juan Helman” en plastilina .2008.
Fig. 108. Julio López Hernández. Juzgado de Guardia. Madera y bronce.
74 x 58 x 23 cm 1972. Colección particular del artista.

Fig. 109. Julio López Hernández. Dibujo preparatorio para la obra
“Marcela y su luz”. Carbón sobre papel. 184 x 128 cm. 1980. Colección
particular del artista.
Fig. 110. Tomás Bañuelos Ramón. Antonio López García modelando
una de las piezas pertenecientes a la serie “Cabezas griegas”. 2011
Fig. 111. Antonio López García. Croquis con medidas I. grafito sobre
papel. 184 x 140 cm. 1986. Colección particular del artista.
Capítulo II. El medio (El taller)

Fig.112. Edouart Joseph Dantan. Taller del escultor. Óleo sobre tela.1880.
Fig. 113. Herbert Matter. Taller de Alexander Calder. Fotografía. 1941.
Fig. 114. Damien Hirst. Dibujos para Madre e hijo (divididos). Grafito
sobre papel. 8,15 x 9,35 cm. 1993
Fig. 115. Damien Hirst. Madre e hijo (divididos). Vidrio, acero pintado,
silicona, acrílico, monofilamento, acero inoxidable, vaca, ternera y solución de
formaldehído. 190 x 322,5 x 109 cm (Vaca) y 102,9 x 168,9 x 62,5 cm. 1993.
Astrup Fearnley Museet, Oslo, Noruega
Fig. 116. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Antonio López García. 2004
Dibujo, documentación gráfica y modelado en cera de la obra
retrato. 2007 Colección particular
Fig. 118. Antonio López García. Estudio de María para la pintura María y An
tonio. Grafito sobre papel. 27,4 x 23 cm. 1961. Colección Particular del artista.
Fig. 119. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Francisco López
Hernández. 2015
Fig. 120. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Julio López Hernández. 2008

Fig. 121. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Antonio López García. 2011
Fig. 122. Antonio López García. Croquis con medidas II. grafito sobre
papel. 184 x 140 cm. 1986. Colección particular del artista.
Fig. 123. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Julio López Hernández.
Cera de la obra “estudio para Luis caído” 2008
Fig. 124. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Julio López Hernández.
Bocetos de “un pintor para el prado” y “Jorge Manrique”. 2011
Fig. 125. Antonio López García. Dibujos con medidas para la escultura
“Mujer de Coslada”. Grafito y bolígrafo sobre papel. 143 x 97 cm. 2009.
Colección particular del artista.
Fig. 126. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de realización de la escul
tura “Los Reyes”. Modelado del rey. De izquierda a derecha: Antonio
López García, Francisco López Hernández, Julio López Hernández y Tomás
Bañuelos Ramón. 2001
tura “Los Reyes”. Documentación gráfica. 2001
tura “Los Reyes”. Tomás Bañuelos Ramón realizando la arma
dura de la “Reina” mediante un sistema de jaulas. 2001
Fig. 129. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Francisco López Her
nández. Boceto de para “Monumento a Canarias”. 2015
Fig. 130. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Julio. Boceto para el
“Monumento de José Entrecanales”. 2008.
Fig. 131. Antonio López García. Varios bocetos para la noche y el día. Varios
materiales y medidas.

Fig. 132. Diderot y Jean Le Rond dÁlembert. Procesos del modelado en
el libro Léncyclopédie ou dictionnaire raisonné des sciences, des
arts et des métiers, par une société de gens lettres. 1753
Fig. 133. Ángel Ferrant. Mujer Sentada. Piedra. 1952
Fig. 134. Julio González. Torso femenino. Chapa batida. 1936. MOMA.
Fig. 135. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de construcción del Atrezzo
para la película “El artista y la Modelo” de Fernando Trueba.
María Iglesias modelando una de las figuras. 2011.

Fig. 136. Francisco Toledo. Valle Inclán. Bronce. 1972.

Fig. 137. Ernst Scheidegger. Estudio de Alberto Giacometti en Paris.
Fotografía. 1960

Fig. 138. Auguste Rodin. Estudio de la figura de Pierre de Wissant
desnudo. Fotografía. 1885-1886. Museo Rodin, París.

Fig. 139. John Hedgecoe. Henry Moore trabajando en un boceto en su
estudio en Perry Green. Fotografía. 1960
Fig. 140. Diderot y Jean Le Rond dÁlembert. Procesos ampliación de una
escultura en piedra mediante plomadas en el libro Léncyclopédie
ou dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers,
par une société de gens lettres. 1753
Fig. 141. Alberti. Finitorium en el libro Tratado De Statua. 1464.
Fig. 142. Autor anónimo. Máquina de sacado de puntos sobre el modelo.
Fig. 143. Autor anónimo. Máquina de sacado de puntos sobre la copia.
Fig. 144. Tomás Bañuelos Ramón. Jaula para sacado de puntos de la obra
Franciscano portando la Virgen de Jorge Oteiza, Aranzazu. 2004
Fig. 145. Autor desconocido. Marcas para el sacado de puntos sobre la escul
tura de Aristide Millol Verve. 1937.

Fig. 146. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de ampliación del “monu
mento José Entrecanales” de Julio López Hernández. Reglas y
calas para las jaulas de ampliación. 2008
Fig. 147. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de ampliación mediante
jaulas de las “Alegorias” para la Junta de Extremadura, Merida.
Armadura. 1983-84
Modelado y boceto. 1983-84.
Tomás Bañuelos Ramón Modelando la Alegoria. 1983-84.
Fig. 150. Auguste Rodin. Ensamblaje: Cabeza de San Juan Bau
tista con tres manos dentro de un medallón. 17,4 x 14 x 64 cm.
Escayola. 1910. Museo Rodin, París.
Fig. 151. Edouart Joseph Dantan. Taller de moldes. Óleo sobre tela.1897.
Fig. 152. Autor anónimo. Osiris. Bronce Hueco. 664 -525 a.C. 27 x 6,75 x 4,5
cm. The Art institute de Chicago.
Fig. 153. Autor anónimo. Procesos de fundición en Grecia. Cuenco con pinturas
realizadas con la técnica de las figuras rojas. 530 a.C. Museo estatal de Berlín.
Fig. 154. Autor anónimo. Retrato de Demetrius Poliorketes. Bronce fundido y
cincelado. 310-290 a.C. 45 x 35 x 39 cm. Museo del Prado
Fig. 155. Autor anónimo. Cabeza con alas, Hypnos. Bronce. 21 cm. copia ro
mana de original griego del siglo 4 a.C. British Museum, Londres.
Fig. 156. Antonio Formoso Permuy. Fundición y vaciado de piezas pe
queñas y objetos artísticos en el libro 2000 procedimientos indus
triales al alcance de todos. 1944

Fig. 157. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición a la arena. Mol
de a piezas de arena con macho de arena. Fundición Codina.1983.
Fig. 158. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición a la cera per
dida. Cera con árbol de fundición rellena de material refractario y
clavos para unir el macho de dentro con el recubrimiento exterior
al derretir la cera. Fundición Codina.1989.
Fig. 159. Autor anónimo. Proceso de fundición de Figura ecuestre
Luis XV. Molde para fundir. 1758.
Fig. 160. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición Isabel la católica
de Quito. Cera con macho y árbol de fundición. Fundición Capa. 1990
Fig. 161. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición Cervantes.
Recubrimiento refractario. Fundición Codina 1989.
Fig. 162. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición Isabel la cató
lica de Quito. Recubrimiento cerámico. Fundición Capa 1990.
Fig. 163. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición Isabel la cató
lica de Quito. Crisol con bronce. Fundición Capa 1990.
Fig. 164. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición Día de An
tonio López García. Soldadura de hilo de las diferentes piezas.
Fundición Arte 6. 2008.
Fig. 165. Tomás Bañuelos Ramón. Líquidos para patina. Fundición Arte 6. 2008.
Fig. 166. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición Día de Anto
nio López García. Piezas ya fundidas. Fundición Arte 6. 2008.

Capitulo III. El entorno
Fig. 167. Antonio Vallardi. Gipsoteca Vallardi. Catálogo de Escultura
clásica. Fotografía. 1927
Fig. 168. Antonio López García. Dibujo anatómico. Grafito y lápiz de color. 1951-52
Fig. 169. Paul Richer Escuela de Bellas Artes, Modelo de pintura.
Fotografía. 1905.
Fig. 170. Nanni di Banco. Taller de escultor. Base del nicho de los cuatro San
tos de la iglesia de Orsanmichele. Piedra. 1416.
Fig. 171. Maynard Owen William, Escuela de Bellas artes de París. 1920.
Fig. 172. Gérard Audran. Proporciones de Apolo en el libro Les propor
tions du corps humain. Mesurées sur les plus belles Figures de
lÁntiquité. 1683. Digitalizado por The getty Research Institute. Original en
la Theodore Besterman›s library
Fig. 173. Philippe Comar. Libro Figures du corps: Une leçon d›anato
mie à l›école des Beaux-Arts. 2009.
Fig. 174. Autor anónimo. Espejo de la clase de escultura. Fotografía.
Fig. 175. Autor anónimo. Clase de Sicard, escuela de Bellas Artes.
Fotografía. 1917.
Fig. 176. Autor anónimo. Clase de escultura en la escuela de Matis
se. Fotografía. 1909. Archivo Matisse.
Fig. 177. Autor anónimo. Talla directa en piedra de una figura tumba
da con modelo vivo para tumba. Miniatura del manuscrito 2502. Primera
mitad del siglo XV. Museo de Bavarois.
Fig. 178. Andrés Nagel. La combinación ganadora. Resina de poliéster.
1975. Artium. Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Fig. 179. George Segal. Instalación El holocausto. 1998. Hirshhorn Museum

Fig. 180. Jaume Plensa. Sho acero inoxidable, 2007. Yorkshire
Sculpture Park, Londres.

Fig. 181. Tomas Bañuelos Ramón. Hoja de contactos.

Fig. 182. André Malraux. Museo imaginario. 1947

Fig. 183. Autor anónimo. Casa de los abuelos de Tomás Bañuelos Ramón.

Fig. 184. Tomás Bañuelos Ramón. Pozo Julia. 2015

Fig. 185. Autor anónimo. Padre y abuelo.

Fig. 186. Autor anónimo. Abuelo y familia.

Fig. 187. Emilio Salgari. Portada de los exploradores del Melonia. 1961.

Fig. 188. Lorenzo Bañuelos. Mujer con león. Madera.

Fig. 189. Autor anónimo. Mineros en las minas de Fabero.

Fig. 190. Rudyard Kipling. Portada del Libro de la Selva. 1960

Fig. 191. Stanley Kubrick. Fotograma de la película Espartaco. 1960.

Fig. 192. François Truffaut y Jean Gruault. Fotograma del Pequeño salvaje. 1970

Fig. 193. Autor anónimo. Taller del pozo viejo de Fabero.

Fig. 194. Autor anonimo. Festividad de Santa Bárbara frente a la
escultura del “Minero” de Higinio Vázquez.
Fig. 195. Tomás Bañuelos Ramón. Minero. Madera de enebro. 1978

Fig. 196. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Higinio Vázquez. 2002

Fig. 197. Autor anónimo. Tomás Bañuelos Ramón en el Instituto
Nacional de Restauración, Museo de América. 1982.

Fig. 198. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Higinio Vázquez. 2002


Fig. 199. Tomás Bañuelos Ramón. Desorden clásico. 1987.
Fig. 200. Autor anónimo. Tomás Bañuelos Ramón en clase preparato
rio de modelado. Escuela de Bellas Artes de San Fernando. 1978
Fig. 201. Autor anónimo. Tomás Bañuelos Ramón tallando Mujer,
piedra de Calatorao. 1980
Fig. 202. Tomás Bañuelos Ramón. Cristoforo. Bronce y hormigón. 1988.
Fig. 203. Tomás Bañuelos Ramón. Aureliano. Bronce. Beca Ayllón. 1981.
Capitulo IV. Proceso de reflexión sobre la escultura

Fig.204. Amadeo Gabino. Yelmo del Sol III. Acero corten y acero
inoxidable. 70 x 55 x 55 cm

Fig. 205. Tomás Bañuelos Ramón. Templo. Hormigón y bronce. 1983
Fig. 206. Susana Solano. Acotación. Hierro. 1990

Fig. 207. Tomás Bañuelos Ramón. La titiritera. Resina de poliéster, madera
y hierro. Premio del ayuntamiento de Arganda. 1982.

Fig. 208. Tomás Bañuelos Ramón. Equilibrio clásico. Resina de poliéster,
madera y porcelana. 110x95x95cm. 1985.

Fig. 209 y 210. Tomás Bañuelos Ramón. Desorden clásico. Resina de
poliéster, piedra artificial y bronce. 175 x 95 x 95 cm. 1987.

Fig. 211. Julio López Hernández. .Grafito sobre papel. 2015

Fig. 212.
Fig. 213. Tomás Bañuelos Ramón. El escultor. Resina de poliéster.
200 x 100 x 60cm. 1994

Fig. 214. Tomás Bañuelos Ramón. Taller. 1995

Fig. 215. Tomás Bañuelos Ramón. Dama de Luz y Sombra. Resina de
poliéster, madera y tubo fluorescente. 200 x 100 x 90cm. 1986.
Fig. 216. Tomás Bañuelos Ramón. Cristóforo. Bronce y piedra artificial.
135 x 50 x 50cm. 1988.
Capitulo V. El Fin. La realización del monumento.

Fig. 217. Constantin Meunier. Monumento al trabajo. 1930. Barrio de
Laeken. Bruselas.
Fig. 218. Arthur Grimm. Exposición de arte degenerado. Wilhelm Le
hmbruck mujer de rodillas. 1937. Archivo de imágenes patrimonio cultural
prusiano, Bildarchiv Preußischer Kulturbesitz, Berlín.
Fig. 219. Tomás Bañuelos. Proceso de fundición de la “Mujer de
Coslada”. Chorro de arena. De izquierda a derecha: técnico de Arte 6,
Antonio López García y Tomás Bañuelos Ramón. 2010.
Fig. 220. Julio López Hernández. Monumento a Jorge Manrique. 2002.
Paredes de Nava, Palencia.
Fig. 221. Tomás Bañuelos Ramón. Taller de Francisco López Hernández.

Boceto en bronce y modelo en escayola de la escultura “El estu
diante” situada en el Instituto de Patrimonio Cultural de España. 2015
Fig. 222. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de fundición del “Mo
numento a la Madre” de Tomás Bañuelos Ramón. Patina. 1999.
Perales de Tajuña, Madrid.
Fig. 223. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de realización del “Monu
mento a Washington Irving” de Julio López Hernández. Bocetos
en escayola y ampliación en barro. De izquierda a derecha: Julio
López Hernández y Tomás Bañuelos Ramón. 2009
Fig. 224. Julio López Hernández. Estudio previo para el “Monumento a
Washington Irving”. Grafito sobre papel. 2009.

Fig. 225. Julio López Hernández. Monumento a Washington Irving.
Bronce. 2009. Alhambra de Granada.
Fig. 226. Andrés Nagel. 03036. Mixta. 2002. Amorebieta, Vizcaya.
Fig. 227. Josep María Subirachs. Monuemento a Francesc Macià. 1991.
Plaza de Cataluña.
Fig. 228. Juan Bordes. Monumento al Doctor Juan Negrín. 1993. Pal
mas de Gran Canaria.
Fig. 229. Juan López. Jorge Oteiza con la maqueta de la versión III
del proyecto de cementerio Izarrak Alde en Colina de Ametzaga
ña, San Sebastián. 1985.
Fig. 230. Vladimir Tatlin. Fotomontaje del Monumento a la III internacio
nal sobre una imagen de la ciudad de San Petersburgo, Rusia. 1920.
Fig. 231. Jaume Plensa. The crown Fountain. Millennium Park. 2004
Fig. 232. Eduard Steichen. Balzac de Rodin. Fotografía. 1908. Museo Rodin, Paris
Fig. 233. Josep Clará. La diosa. Originariamente se encontraba en la Plaza
de Cataluña pero para evitar su deterioro se sustituyó en 1982 por una copia
realizada por Ricard y el original se trasladó al vestíbulo de la Casa de la ciu
dad de Barcelona. 1910.
Fig. 234. Autor anónimo. Monumento a los Mártires de Zaragoza de
Agustín Querol. Fotografía. 1904.
Fig. 235. Francisco López Hernández. La niña de la constitución. Bronce.
100 x 66 x 44 cm.
Fig. 236. Francisco López Hernández. Niño de la lagartija. Bronce.
112 x 64 x 48cm. Plaza del ayuntamiento de Prat de Llobregat, Barcelona.
Fig. 237. Tomás Bañuelos Ramón. Detalle de la obra Formaste de tu amor
simetría de Julio López Hernández en el Real Jardín Botánico. 2011.

Fig. 238. Richard Serra. Arco inclinado. Acero.1981. Originariamente se
colocó en la plaza Federal de Nueva York pero debido a la controversia que
suscito dicha obra en 1985 fue traslada a un parque público de la ciudad.
Fig. 239. Julio López Hernández. Monumento a Antonio Machado.
Bronce. 118 x 80,5 x 80 cm. 1990.

Fig. 240. Robert Smithson. Estudio para isla flotante navegando al
rededor de la isla de Manhattan. Grafito sobre papel. 19x24 cm. 1970.
Fig. 241. Julio López Hernández. Relieve perteneciente al Monumento a
Antonio Machado. Bronce. 117 x 120 cm. 1990.

Fig. 242. Eugène Druet. Monumento de los Burgueses de Calais de
Auguste Rodin. 1896. Museo Rodin, Paris.

Fig. 243. Carlos Ferreira. Monumento a Calvo Sotelo. Hormigón armado.
1960. Santiago Calatrava. Obelisco de la caja. 2009. Plaza Castilla, Madrid.

Fig. 244. Louise Bourgeois. Mamá. Bronce, mármol y acero inoxidable. 895 x
980 x 1160cm. 1999. Museo Guggenheim, Bilbao

Fig. 245. Anish Kapoor. El gran árbol y el ojo. Acero inoxidable y acero de
carbono. 13 x 4,4 x 4,4 m. 2009. Museo Guggenheim, Bilbao

Fig. 246. Francisco Leiro. El sireno. Bronce y acero. 1991. Vigo

Fig. 247. Jeff Koons. Puppy. Acero inoxidable, sustrato y plantas en floración.
1240 x 830 x 910cm. Museo Guggenheim, Bilbao. 1992

Fig. 248. Agustín Ibarrola. Los cubos de la memoria. Hormigón y pintura.
2006. Puerto pesquero de Llanes, Asturias.

Fig. 249. Ridley Scott. Fotograma de la película 1492. La conquista del
paraíso. 1992.

Fig. 250. Vittorio Cottafavi. Fotograma de la serie Cristóbal Colón. 1968.


Fig. 251. Paolo Giovio. Cristóbal Colón. Óleo sobre tela. 1516
Fig. 252. Leopoldo Flameng. Cristobal Colón en el libro The Life of Co
lombus del Marques de Beyos. Aguafuerte. 1893. pág. 51.
Fig. 253. Salvador Dalí. Sueño de Cristóbal Colón. Óleo sobre tela. 410 x
210cm. 1959. Salvador Dalí museo, San Petersburgo, florida
Fig. 254,255 y 256. Tomás Bañuelos Ramón. Documentación gráfica
para el “Monumento a Cristóbal Colón” de Londres. 1991
Fig. 257. Sebastiano del Piombo. Cristóbal Colón. Óleo sobre tela. 1519.
Museo Metropolitan, Nueva York
Fig. 258. Ridolfo Ghirlandaio. Retrato de Cristóbal colón. Óleo sobre tela.
1520. Museo del mar y la navegación , Genova
Fig. 259. Theodoor Galle. Descubrimiento de América. Américo des
embarcando en America, grabado, en el libro Nuevos inventos y
descubrimientos de la era Moderna o Nova Reperta. 1599-1603.
Fig. 260. Dibujos a mano alzada de América de Cristóbal Colón (1493), Juan
de la Cosa (1500) y carta moderna de Navegación.
Fig. 261. Enrique Martelo germano (Henricus Martellus Germanus). Mapa
mundi. 190 x 108cm. 1491. Universidad de Yale.
Fig. 262. Tomás Bañuelos Ramón. Cristóbal Colón. Argentina. 1991.
Fig. 263. Astrolabio.
Fig. 264. Cristóbal Colón. Mapamundi. 1477.
Fig. 265. Cristóbal Colón. Manuscrito de la carta de Colón al “escribano
de ración” de la corona de Aragón (Luis de Sántangel) relatando su
primer viaje a las indias. 1493. Archivo general de Simancas dentro del
libro Los Archivos Españoles: Simancas. Ministerio de cultura, 1993.

Fig. 266. Tomás Bañuelos Ramón. Cristóforo. Bronce y piedra artificial.
135 x 50 x 50cm. 1988.
Fig. 267. Portada disco Orquesta Mondragón. El huevo de colón 1992.
Fig. 268. Sello Quinto Centenario del Descubrimiento de América.
Cristóbal colón. 1992
Fig. 269. Billete de 5000 pesetas. Cristóbal Colón.
Fig. 270. Anverso y reverso de moneda de 200 escudos de la República
Portuguesa. 1992
Fig. 271. Tomás Bañuelos Ramón. Documentación gráfica para el “Mo
numento a Cristóbal Colón” de Londres. 1991
Fig. 272. Tomás Bañuelos Ramón. Primeros esquemas para el “Monu
mento a Cristóbal Colón”. Grafito sobre papel. 15 x 25 cm. 1991.
Fig. 273. Tomás Bañuelos Ramón. Embajada de España en Londres. 1991
Fig. 274. Tomás Bañuelos Ramón. Entorno y emplazamiento del Mo
numento a Cristóbal Colón en Plaza de Belgravia. 1991.
Fig. 275. Tomás Bañuelos Ramón. Pedestal “Monumento a Cristóbal
Colón”. 1991.
Fig. 276. Tomás Bañuelos Ramón. Detalle del “Monumento a Cristóbal
Colón”. Pátina. 1991.
Fig. 277. Tomás Bañuelos Ramón. Monumento a Cristóbal Colón fren
te a la Embajada de España en Londres. 1991.
Fig. 278. Tomás Bañuelos Ramón. Primer boceto para el “Monumento
a Cristóbal Colón”. 1991.
Fig. 279. Tomás Bañuelos Ramón. Isabel la Católica. Bronce. 270 x 70 x
60 cm 1989. Quito, Ecuador

Fig. 280. Tomás Bañuelos Ramón. Cristóbal Colón. Bronce. 1986. Bogotá,
Colombia; Penonomé, Panamá, y Ciudad de Colón, Panamá.
Fig. 281. Tomás Bañuelos Ramón. Cristóbal Colón. Bronce. 1991. Argentina
Fig. 282. Tomás Bañuelos Ramón. Boceto definitivo para el “Monu
mento a Cristóbal Colón”. Bronce. 26 x 24 x 24cm. 1991.
Fig. 283. Tomás Bañuelos Ramón. Detalle Monumento a Cristóbal
Colón. Bronce 1991.

Fig. 284. Tomás Bañuelos Ramón. Monumento a Cristóbal Colón. Em
plazamiento actual. Bronce 1991.

Fig. 285. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de realización del Monu
mento a Cristóbal Colón. Modelado. Detalle parte posterior, re
lieve silla. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Molde. 1991.

mento a Cristóbal Colón. Modelado. Detalle manos. 1991.
Fig. 288. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de realización del Monumen
to a Cristóbal Colón. Modelado y Tomás Bañuelos Ramón. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado, primer encaje tapado. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. Detalle mano y silla. 1991.

to a Cristóbal Colón. Modelado. Detalle mano y pergamino. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. Detalle pies. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. Detalle ropajes. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. Escultura en proceso junto
con la documentación gráfica y autor modelando. 1991.
Fig. 297. Rafael Atché. Cristóbal Colón. Bronce. 1888. Barcelona
Fig. 298. Jerónimo Suñol. Cristóbal Colón. Piedra. 1881-1885. Madrid
Fig. 299. Aniceto Marinas. Velázquez. Bronce. 1899. Museo del Prado. Madrid
Fig. 300. Tomás Bañuelos Ramón. Tomás Bañuelos Ramón Modelando el
Monumento a Isabel la católica para Bahía Blanca, Argentina. 1990.
mento a Cristóbal Colón. Armadura. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. Padre del escultor como
modelo y escultura en barro. 1991.
Fig. 303. Mariano Benlliure. Monumento a Arsenio Martínez Campos.
1907. Parque del Retiro.
Fig. 304. Mariano Benlliure. Monumento a Goya. Preparación de pista
para sacar molde de silicona. Fundición Codina. 1984.
mento a Cristóbal Colón. Rastros de la ampliación del taller y
boceto del monumento. 1991

mento a Cristóbal Colón. Modelado. Apliques de madera a las
patas de la silla de la escultura. 1991.
mento a Cristóbal Colón para Argentina. Modelado en proceso
y modelo. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado y “ayudantes”. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Modelado. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. Chapas parte inferior. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. Autor colocando las chapas
para dividir el molde. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. Autor armando el molde. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. Autor y ayudante colocando
puntos de estopa. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. Chapas. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde. Abriendo el molde. 1991

mento a Cristóbal Colón. Molde. Abriendo el molde. 1991
mento a Cristóbal Colón. Vista del taller tras finalizar el molde y
escultura de Colón al fondo. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde cabeza. 1991
to a Cristóbal Colón. Molde cerrado con resina de poliéster. 1991
to a Cristóbal Colón. Estructura interna resina de poliéster. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde de silicona a la mano con perga
mino de poliéster. 1991
mento a Cristóbal Colón. Molde de silicona del que se extrajeron
las ceras. 1991
mento a Cristóbal Colón. Proceso de fundición. 1991
mento a Cristóbal Colón. Patina. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Pátina. Detalle parte posterior. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Pátina. Detalle cabeza. 1991.

Fig. 328, 329 y 330. Tomás Bañuelos Ramón. Monumento a Cristóbal
Colón. 210 x 170 x 160cm. Bronce. 1991. Plaza de Belgravia, Londres.
Fig. 331. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de realización del Mo
numento a Cristóbal Colón. Trasporte a Londres de la pieza ya
terminada. 1991.
mento a Cristóbal Colón. Emplazamiento. 1991.
Conclusiones
Fig. 333. Tomás Bañuelos Ramón. Retirando el molde de silicona del
positivo de resina de poliéster de la obra “Madre” de Julio López
Hernández. De izquierda a derecha; Tomás Bañuelos Ramón y Julio López
Hernández. 2011
Fig. 334. Tomás Bañuelos Ramón. Tomás Bañuelos Ramón patinando
la obra el escultor.1994
Fig. 335. Tomás Bañuelos Ramón. Antonio López trabajando en la co
pias de las cabezas griegas. 2011
Fig. 336. Ernesto Wuthenow. Francisco López Hernández e Isabel
quintanilla con la escultura “Pilar”. 1973
Fig. 337. Tomás Bañuelos Ramón. Julio López trabajando en su estudio. 2011
Fig. 338. Stefan Moses. Antonio López Torres, Antonio López Her
nández, María Moreno, Francisco López Hernández e Isabel
Quintanilla en Tomelloso. 1973
Fig. 339. Tomás Bañuelos Ramón. Proceso de construcción del Attrez
zo para la película “El artista y la Modelo” de Fernando Trueba.
Modelo posando, María Iglesias y Tomás Bañuelos Ramón mo
delando varias figuras. 2011.

Fig. 340. Tomás Bañuelos Ramón. Estudio de Julio López. 2011
Fig. 341. Tomás Bañuelos Ramón. Antonio López García y María López
Moreno en la fundición con la obra “el hombre tumbado”. 2011
Fig. 342. Higinio Vázquez. Monumento al estudiante. Hormigón. 1974-
75. Universidad Autónoma de Madrid
Fig. 343. Chillida. Elogio del horizonte. Hormigón. 1990. Gijón
Fig. 344. Aristide Maillol. La noche. Bronce. 1902. Stuttgart.
Fig. 345. José María López Mezquita. Visita al monumento a “Cristóbal
colón” en Londres. De izquierda a derecha: María López Moreno, Julio López
Hernández, Isabel Quintanilla, María Moreno, Antonio López García y Amalia Avia.

APÉNDICES
APÉNDICES 247

ENTREVISTAS
Entrevista con Higinio Vázquez
Tomás Bañuelos (T.B.) - Hacía tiempo que yo no veía a Higinio
Don Higinio, como le llamaba entonces cuando era su aprendiz. Le conté mi
proyecto de hacer la Tesis, le hablé del tema y mi pretensión de incluirle en ella
como el punto de partida y estímulo que desencadenó en mí el interés por la
escultura siendo más tarde en la etapa de formación el maestro de taller que
iba a catalizar definitivamente mi vocación. Se sintió muy alagado, no sola
mente por figurar, sino también por el hecho de compartir protagonismo con
Francisco López, Julio López Hernández y Antonio López. Hablamos de Julio
y de su determinación a salirse de las Escuelas de Oficios
Higinio Vázquez (H.V.)
Fue una buena decisión, pues a partir de ahí es cuando su obra se hace
más sólida e íntima. Yo le debo mi entrada en la Escuela de Artes y Oficios, me
enseñó mucho al respecto en cuanto a los modos, sobre todo en la relación
con los alumnos pues hasta entonces yo había sido un escultor de taller y des
conocía casi todo lo referido a las enseñanzas de las Bellas Artes.
Hablamos de la trayectoria de estos artistas, de su capacidad de trabajo y
de su imagen dentro del mundo del arte, Higinio comenta:
Existen sectores que no están de acuerdo con el lenguaje del realismo, hoy día
las tendencias son infinitas, tan diversas que yo no sé si hay mucha verdad o
todo es mentira (la Feria de Arco). Todo está mediatizado por el mundo de la
información, por el crítico y el erudito, Arco más que una feria de arte parece
una feria de otro mundo, tiene más que ver con la publicidad, la información y
los medios que con el hecho en sí de crear. Ante todo ese mundo yo me siento
un obrero de la escultura, soy un hombre que ha aprendido un oficio, y poco a
poco, voy penetrando cada vez más en esta fase exclusiva de la imaginería.
APÉNDICES. Entrevistas 249

Yo fui becario durante dos años en la Escuela de Sevilla, recién terminada mi
etapa de Escuela en San Fernando y llevo metido en esta especialidad casi
exclusivamente desde hace ocho años.
Dentro de este mundo hay dos parcelas muy diferentes, una cosa es hacer
imaginería y otra muy distinta hacer pasos de Semana Santa ¡Una imagen no
se puede poner por las buenas encima de un tablero y pasearla por la ciudad!
Luego está el tema de la escultura, las ilusiones, el sentimiento como escultor,
siento que no las he cumplido todavía, he tenido una familia numerosa y me he
visto obligado a subsistir.
Como ves, ahora estoy haciendo un paso, el tema es el “Lavatorio del Señor”,
son cinco figuras, y se centra en el diálogo entre Cristo y Pedro cuando le lava
los pies. Cuando se piensa en un paso hay que tener en cuenta, primero una
conciencia exacta del espacio, de la ciudad, del gusto de la Cofradía, del estilo
de la Semana Santa en la zona en la que se va a pasear, pues no es lo mismo
Zamora que Andalucía, y dentro de Andalucía no es lo mismo Sevilla que Cádiz.
T.B. - ¿Cuándo empieza tu interés por el arte?
H.V. - Recuerdo de niño que delante de la puerta de la iglesia había un gran
barrizal y allí construíamos cosas con barro. Cuando me fui a estudiar a
Zamora se despertó en mí un gran interés por el dibujo, me gustaba mucho.
Mis padres tenían una pensión en Zamora y recaló por allí un pintor valenciano
que se llamaba Alberto Gradolí Polet. Éste incentivó mis inquietudes artísticas
y entré en una Escuela de Oficios. Seguidamente ingresé en la Escuela de
San Fernando y compartí espacios y experiencias en aquella época con José
María Porta, José Veulas, Francisco Baños, Antonio López Orea, que tiene
interesantes monumentos por Andalucía, Francisco Toledo, compañero y
amigo, Antonio Campillo, Máximo de Pablo, y también conocí a Julio López
que iba dos años por detrás.
Los maestros más importantes en aquel entonces, que también coincidían con

ser en la calle los escultores más importantes, profesionalmente hablando,
eran José Pérez Comendador, José Capuz, Asuara (dibujo del movimiento),
Moisés de Huertas (talla), Julio Moisés (modelado de estatua).
Al mismo tiempo trabajaba en los talleres de D. José Lapallese; gran parte del
trabajo lo coordinaba Ramón Lapallese. Yo estuve trabajando cuando ellos
recibieron muchas de las obras para el «Valle de los Caídos».
Era un gran taller, sobre todo de madera, y al mismo tiempo que se hacía la sillería,
se realizó también una gran virgen de seis metros, doce apóstoles y un gran ya
cente en mármol. Este hombre tenía mucha relación con la familia Franco, tanto es
así que a las órdenes de Ramón Lapallese yo le restauré una virgen de dos metros
que ellos tenían en la finca de Galapagar. También restauré una mesa veneciana
del siglo XVI que supuso para mí un gran reto y ejercicio de disciplina y precisión.
A través de una beca que me proporcionó el maestro Pérez Comendador me fui
a Sevilla a hacer dos cursos de imaginería. Esta era una disciplina nueva que se
creaba para la que hacía falta alumnos; allí trabajé con los profesores José Her
nández Díaz, D. José Luis Basalo (hizo la Minerva del Circulo de Bellas Artes),
Sancho Corvacho, Juan Miguel (pintor policromador) y Joaquín García Donaire.
Terminada mi etapa en Sevilla, me presento a la beca de Roma coincidiendo
con Francisco Toledo y Francisco López; mi propuesta no tenía demasiada
calidad y reconozco que el trabajo de mis dos compañeros mereció la beca.
Hecha la mili me fui a Zamora (mi tierra) a trabajar en una fábrica de galvanoplastia;
fue un gran ejercicio de disciplina. En la escuela siempre huíamos de la terminación
de manos y pies en las figuras, y allí aprendí a hacerlo. Fueron dos intensos años
de trabajo a las órdenes de D. Marciano, el propietario, que me tenía en alta estima
y consideración; sin embargo, yo no había gastado seis años de mi vida estudiando
para quedarme en Zamora a realizar modelos; un día ese ángel de la guarda que
tenemos todos me tocó en la espalda y me dijo: “Higinio, vete a Madrid”.

Me instalé en este estudio y empecé a realizar encargos, una Virgen y un San
José para Logroño, esta fue una etapa tremenda de mi vida pues llegué a estar
hasta cuatro días sin comer. Recuerdo una Virgen de seis metros que perdí
para la fachada de un colegio. Naturalmente, aprendes más de los fracasos
que de los éxitos, los fracasos te azuzan, reavivan y remueven el espíritu, te
hacen pensar mucho, para mí es un revulsivo muy grande.
T.B. -¿Cuáles son los maestros que sirven de referencia en tu obra?
H.V.- El escultor clave, figura mítica y referencial no sólo de mi sino de la gran
mayor parte de mi generación fue Henry Moore. Reconozco que en cierto mo
mento de mi formación me atrapó tanto que llegué a identificarme con él, pero
no podía seguir atado, y si realmente tienes algo dentro, tendrá que salir y ese
no es el camino. Yo para mi desgracia puedo decir y digo que todavía no he he
cho la escultura que uno cree que siente. Cuento por centenares los encargos
realizados y en cada encargo dejas un poquito de tu alma, pero nunca eso que
llamamos “escultura” como referencia y como medio de expresión.
Hace veintidós años hice el paso de Semana Santa para León (La Coronación
de Espinas). Cuando tú posaste para el Cristo, entonces fue un lapsus, yo no
sabía lo que sé hoy, y aún guardándola en mi mente con gran cariño y respeto,
pienso que estaba llena de defectos. La imaginería es un punto y aparte dentro
del campo de la escultura.
T.B.- ¿Se acerca más al campo del hombre escultor o del hombre artesano?
H.V.- A la imaginería se puede llegar a través del escultor o del imaginero; el ima
ginero que ha nacido en la profesión y que se siente como tal, nunca podrá hacer
escultura a través de ella, pero el escultor sí puede llegar a la imaginería siempre y
cuando sepa penetrar en ella, pues es un campo muy difícil. Yo llevo metido a fondo
desde hace ocho años, primero hay que vivirla para poder transmitir, y eso conlleva
unos conocimientos muy claros, tanto del oficio como de los temas y las vivencias,
porque si no estaremos haciendo meras figuritas para colocar encima de una mesa.

T.B. - Háblame de tu etapa como enseñante y profesor.
H.V. - En la Escuela me dieron un papel que treinta o treinta y cinco años después yo
retomo para entrar en Artes Aplicadas; a través de Julio López tuve la posibilidad de
entrar, casi por la puerta de atrás pues no hice oposiciones. Yo jamás me había sen
tido un enseñante y sin embargo después he estado dieciséis años en tres escuelas:
en la número 2 colaborando con mi buen amigo y mejor persona, Julio, al que le
debo todo en lo referente a este tema, desde entrar a cómo enseñar; estuvimos tres
años juntos. Otros tres en la calle Los Estudios y diez en la calle de La Palma.
La enseñanza es muy creativa, tanto es así, que a veces se daba el caso de encon
trar una persona que rechazaba, tanto a la clase como al barro y lograbas darle la
vuelta consiguiendo que amara la asignatura, sirviendo de ejemplo hacia los demás.
El peor recuerdo fueron los papeles (la burocracia), hubo un momento incluso
que se pudo cambiar el destino de las escuelas de oficios; yo luché porque
formaran parte de las Facultades de Bellas Artes, encontrándome de frente a
dos señores (no voy a decir su nombre) que no permitieron este cambio.
Durante estos años pasé los mejores años de mi vida, quitando el Minero de
Fabero que hice antes, del que estoy muy satisfecho aún con los cambios que
me hicieron efectuar, sobre todo en la cara. En esta época, también hice los
relieves de Zamora en mármol de Carrara.
T.B. - ¿Si volvieras a empezar volverías a recorrer los mismos caminos
dentro de la escultura?
H.V. - Si volviera a empezar, no haría lo mismo, retomaría el concepto que uno
siente y que ha relegado, la ilusión de joven, el anhelo de ser escultor ¡Higinio
tiene ganas de ponerse delante de un espejo para demostrar a Higinio lo que
Higinio puede hacer y todavía no ha hecho! Es un reto que aún no sé si me
dará tiempo a hacerlo ¡si me da unos añitos más el Santo Hacedor quizá lo
haga! Pues me está pasando algo inaudito a mis setenta años, ayer estaba

exhausto, el jueves me vine al estudio a las cuatro de la mañana, el viernes a
las cinco, y a la pregunta que me haces lo que tengo claro, es que retomaría la
escultura, pero la vida nos marca.
T.B. - ¿En qué línea: figuración, abstracción?
H.V. - Yo iría por la figuración, hay quien copia pero para mí la escultura no es
copiar, hay que dar algo más, por ejemplo, «Un Churchill» que vi en Londres
o una escultura del padre del Rey en Estoril también muy interesante…, que
tienen «duende», que es la quinta esencia de todo; el ejemplo contrario sería
Santiago de Santiago «con la peor figuración»
En Zamora, dentro de la figuración que me enamora, está el Cristo de Quintín
de Torre, tiene «duende» por eso en la escultura tienes que tener algo que
decir, tienes que vivir para poder contar, el oficio no es nada, es como la gra
mática para un poeta.
T.B. - Tienes colgada una lámina de Fidias, emocionalmente ¿cuál sería la
forma y que referentes tienes en la Antigüedad?
H.V. - Para qué te voy a mencionar a todos los clásicos que admiro y que por
supuesto están ahí, pero guardo un recuerdo emocional cuando vi el Museo
Rodin (Juan Bautista); este señor era brutal con la forma.
T.B. - ¿En el terreno emocional cuáles serían tus fuentes de inspiración?-
H.V. - Hoy, dentro del campo que yo trabajo, hay un referente muy claro, que
está dentro del mundo que estoy tocando de la imaginería, referentes extraor
dinarios que espero tratar y reflejarlos, por ejemplo las Luchas Intestinas que
hay en Oriente Medio, Cristo Judío, que nació allí, es una situación muy actual,
y eso bajo mi prisma está dentro de la vida cotidiana y se puede elevar al te
rreno de la escultura.

T.B. - ¿Qué te gustaría que la gente viera en tu obra?
H.V.- Tú antes mencionabas una palabra que debes desechar de tu diccionario
(la línea a seguir), te diría que un artista que reconozcas por esa línea que
tú has mencionado, me parece que ya está muerto como artista; yo podría
mencionar ahora mismo muchos nombres que dejaron de tener razón de ser
hace treinta o cuarenta años como escultores o pintores, porque no hay un
pensamiento. El artista debe proyectarse a través de algo: del mundo, de la
miseria, de lo que quieras, ¡pero de algo! Nunca a través de eso que se llama
línea. Bueno, a eso que tu llamas línea yo lo llamo «amaneramiento».
T.B.- ¿Cuál es el soporte que prefieres al trabajar: relieve, bulto redondo, etc.?
H.V. - Prefiero las tres dimensiones, estas a mi modo de ver son la quinta
esencia de la escultura.
T.B. - Tú has trabajado mucho la vidriera, ¿has llevado a la vidriera una
visión de escultor…?
H.V.- No, no, si te he de ser sincero, la vidriera ha sido alimenticia, no me im
porta decirlo, creo que me puedo considerar un maestro vidriero porque son
muchos los años que he trabajado con el vidrio. Fue sin quererlo un medio de
vida, tampoco me he preocupado de investigar, ha sido mi sustento, aunque
hay que reconocer que en este estudio se han ganado verdaderas batallas en
el campo de la vidriera durante muchos años, pero ahora estoy en esta etapa
de la imaginería queriendo a mis setenta años terminar haciendo escultura.
Este pie del San Juan, que estoy terminando, te lo voy a dedicar a ti, Tomás.
Pedro María Laperal, amigo personal de Higinio, que está presente en esta
conversación, comenta que no se debe dejar pasar sin comentar el hecho de
que se introducirá un pergamino dentro de la figura.

Este comentario nos trae a la memoria que el hecho de colocar anécdotas tanto
grabadas en la madera como en papel dentro de las figuras ha sido algo usual en
la historia de la imaginería. A veces con el consentimiento del maestro y también
con el conocimiento de las personas o instituciones que han hecho el encargo. Pero
también se ha hecho en ocasiones de una manera encubierta por los aprendices y
artesanos que colaboraban en la obra. En nuestra experiencia, hemos participado
de numerosas anécdotas de este tipo, a veces abiertamente y otras a escondidas.
Se nos viene a la memoria, en las reproducciones de mármol artificial que
hicimos en el Museo Romano de Mérida, para ser colocadas en el Teatro, la
cantidad de anécdotas de las que dejamos constancia en una serie de viñetas
que realizaba Francesco (hijo de Francisco López), y que se introdujeron den
tro de cada una de las esculturas.
Estas experiencias habituales a lo largo de la historia, se han venido realizan
do del mismo modo en todo tipo de obras escultóricas.
T.B. - ¿En qué materias has trabajado con más asiduidad?-

H.V.- Tengo que decir sin ánimo de ser pretencioso que he trabado con todas,
en este momento estoy dedicado de lleno a la madera y a la escayola como

material de tránsito. Tú sabes que siempre he ido al mismo pantógrafo (Dorre
go, Arganda), pero ahora he conocido un taller en Orche (Guadalajara) que ha
sido para mí todo un descubrimiento. Antes yo llevaba las piezas al pantógrafo
y ellos las cortaban como les daba la gana, ahora yo las llevo ya cortadas y pre
paradas y se supeditan con fidelidad a mi trabajo. Tengo que destacar también
que el trato humano ha sido excelente y que técnicamente he aprendido mucho.
T.B.- ¿Has trabajado siempre de encargo?
H.V. - Casi siempre, aunque a veces he sabido modificar y adaptar la idea del
cliente. Por ejemplo, en otra obra referencial mía donde tuve que convencer al
arquitecto y a la entidad habiendo por medio un gran competidor, como José
Luis Coomonte, y aun duplicando el presupuesto, me lo dieron a mí. Competía

contra los hierros de Coomonte y contra sus catorce millones de presupuesto
mientras mantuve el mio de treinta y cuatro millones con una materia como era
el bronce y el mármol de Carrara.
T.B.- Por último, ¿Qué obra destacarías dentro de tu trayectoria?
H.V.- Tú participaste modelando en una figura que se hizo para León, también re
cuerdo que fue tu primer vaciado en grande; aquella figura a caballo entre el moder
nismo y la abstracción podría ser esa obra referencial en mi trabajo como escultor.
Para terminar, Tomás, te diré que uno elige una profesión para toda la vida
contra…, el otro día mi hija (la periodista) me dice: «Papa, cuando termines
este encargo ¿qué vas a hacer?». Queriendo decir, sin mala intención, es más
quiero pensar que con muy buena intención, «¿cuándo te jubilas?». Yo contes
té: «para bien o para mal, no os dais cuenta que vuestro padre tiene una profe
sión que ama desde niño, y que sigue y seguirá con ella mientras tenga salud.»

Entrevista a Francisco López Hernández
Tomás Bañuelos (T.B.) -¿De dónde nace tú interés por el arte, y concreta
mente por la escultura?
Francisco López Hernández (F.L.H.) -Tanto mi hermano como yo crecimos en un
entorno familiar donde había una cierta actividad artística. Nuestro padre era pro
fesor de “grabado en hueco” en la antigua Escuela Superior de Bellas Artes. Esta
asignatura se ocupaba de la enseñanza del grabado de medallas y fue instituida
por Carlos III en la Academia de Bellas Artes de San Fernando hacia 1774.
Simultáneamente con esta actividad docente, nuestro padre instaló, recién
terminada la guerra civil, un pequeño taller en la propia casa, en el que se
dedicaba a realizar encargos de medallas, obras de orfebrería (mayormente
religiosa), restauración de piezas antiguas de marfil, lacas japonesa, en fin:
todo aquello que sus conocimientos profesionales le permitían abordar para
poder sobrevivir en aquellos difíciles años.
Por entonces, en muchas ocasiones, siendo adolescente, le acompañamos de
visita a los estudios de algunos escultores, profesores y compañeros suyos en

la Escuela. Recuerdo los talleres de Laviada, de Pérez Comendador, de Angel
Ferrant, Marco Pérez, etc. Pudimos contemplar con admiración, en estos lu
gares, las obras de estos artistas despertando en nosotros el deseo de seguir
esta profesión. Creo que fue en estos ambientes donde comenzó a germinar
mi vocación artística por la escultura.
T.B. - Háblanos de tú periodo de formación, tanto académica como de taller.
F.L.H.- Como digo, mis primeros pasos en mis conocimientos profesionales
y formación artística parten del taller de mi padre y las relaciones con otros
escultores contemporáneos suyos.
A los 16 años me matriculé en la Escuela de Artes y Oficios, que estaba situada
en la Calle de La Palma. Asistía a las clases de Dibujo, Historia del arte, Mode-

lado y Vaciado. En esta última, tenía como profesor a José Capuz, por el que
siempre he sentido respecto hacia su persona y a su obra una gran admiración.
Era un representante instalado en España de este estilo que sucedió al Moder
nismo y que se calificó con el término de Art Decó; simultáneamente acudía
al Antiguo Museo de Reproducciones Artísticas donde me ocupaba, al igual
que otros muchos futuros artistas y arquitectos, de dibujar las reproducciones
de las esculturas antiguas que allí se conservaban. En este gran museo pude
conocer de cerca las grandes esculturas de la historia, particularmente las
obras de los artistas griegos, Fidias, Mirón, Lisipo, Praxíteles, etc. Frecuenté
también por la noche las aulas de Dibujo del Natural, instaladas en el torreón
del Círculo de Bellas Artes.
En 1960 logré obtener, por oposición, la pensión de Escultura en la Academia
de Bellas Artes de España en Roma. Esta pensión comprendía la estancia en
esta Academia por un período de cuatro años, y es allí donde creo que pude
completar, o al menos perfeccionar profesionalmente, mi formación. Allí me
interesé especialmente, quizá influido por las obras etruscas, por la escultura
en barro, después materializada en “terracotta”, y por este procedimiento hice
diversas obras que posteriormente fueron, a su vez, reproducidas en bronce.
T.B.- ¿Cuáles fueron los maestros que más influyeron en su formación
académica, y cuáles en el mundo del taller?
F.L.H.- A partir de los años en que frecuenté el Museo de Reproducciones tuve
un imborrable sentimiento de la sublime belleza que puede alcanzar la escultura,
y la escultura griega en particular. Tuve oportunidad en aquel museo de estudiar
atentamente, a la vez que admirar, la obra de Fidias: los Frontones del Partenón,
las metopas, el friso, la copia de la Atenea Partenos, llamada del Varvakeion,
pues toda la obra de Fidias que se conserva estaba allí reproducida. Sentí y
siento aún hoy día un gran entusiasmo por otras obras, muchas obras griegas:
Los Frontones de Égina, El Auriga de Delfos, el gran relieve del Telesterion de

Eleusis, las obras de Praxiteles, y muchas otras que sería largo de enumerar. Y
todas estas obras siguen siendo para mí una gran fuente de aprendizaje.
Durante mi estancia en Roma, pude conocer la escultura etrusca y romana; los
retratos, la gran estatua ecuestre de Marco Aurelio, los fragmentos de la figura
colosal de Constantino, etc.
Tuve también ocasión, en Italia, de conocer las esculturas del Renacimiento
y el Barroco, al igual que la obra de los escultores modernos de aquel país y
entre los que más admiré puedo citar a Martini, Marini y Manzú. En España he
sentido mayor interés hacia la obra de Miguel Blay y Mariano Benlliure.
T.B.- ¿Podrías hablarnos de escultores en el panorama artístico general
que hayan podido servir de referencia en las distintas etapas de su
trayectoria artística?
F.L.H.- Considero que a lo largo de mi trayectoria profesional ha habido diversos
artistas que han ejercido sobre mi propia, obra aquellos que yo defino como
una legítima influencia y han influido de una manera diversa en los sucesivos
periodos de mi formación. Podría decir a este respecto que en mi primera
época los artistas que tuvieron alguna influencia en mi obra, o por mejor decir:
que algo me enseñaron, fueron tal vez los escultores italianos modernos que
ya he mencionado, particularmente Martini y Manzú.
Recuerdo que estando con Antonio López en Milán en el año 55 ó 56, inten
tamos localizar un gran relieve de Martini, que conocíamos por una fotografía
y que parece ser que realizó para un hospital, pero no logramos verlo, ya que
nadie nos dio referencia alguna de su ubicación, y llegamos a la sospecha de
que tal vez fuese destruido durante la II Guerra Mundial. Hoy, sin embargo,
toda mi admiración, y creo que fuentes de toda enseñanza, son las antiguas
civilizaciones del próximo oriente y occidente, es decir: Mesopotamia, Egipto y
Grecia. Son unas culturas en las que “lo que de verdad” el arte debe contener,
está presente en la más pequeña obra que podamos contemplar. No existe ni

la más modesta pieza a la que podamos menospreciar por falsa o equivocada.
Considero, sin embargo, que la influencia de estas culturas en mi labor artísti
ca es más subjetiva que material, más espiritual que objetiva.
T.B. -¿En qué momento de su formación surge el germen que desemboca
en el realismo o figuración?
F.L.H.- Brevemente podría decir que mi inclinación hacia una manera de enten
der la escultura como una forma de representación de la realidad fue tomando
cuerpo a partir de los años cincuenta y afianzándose a lo largo de mi actividad
y ya no he dudado de esta posición, ni he pensado en buscar otros caminos
artísticos. Pienso que el arte ha sido figurativo o realista desde las culturas más
antiguas y no veo una razón para que cambie justo en este siglo, pues la es
pecie humana no veo que haya cambiado gran cosa en estos pocos años. Lo
digo pensando en los movimientos artísticos que se han desarrollado en este
tiempo; Pienso especialmente en lo que se ha llamado arte abstracto, una forma
de considerar el arte en contraposición de un arte figurativo o realista, es decir
opuesto a un arte “concreto”. No me agrada el término figurativo o realista, aun
que entiendo que se ha tenido que acuñar a partir de la aparición de aquello que
llamamos arte abstracto. Sin la aparición de esta tendencia el término figurativo
o realista no se hubiera aplicado por innecesario, pues todo arte era figurativo.
El concepto del arte como manera de representar la realidad quedó en mí como
mi propósito y un ideal durante mi permanencia en la Academia de Roma.
Dice Pessoa en una nota al caso: “En el más pequeño poema de un poeta
debe haber algo por lo que se note que ha existido Homero”.
Creo que este pensamiento puede aplicarse al arte de la escultura: en la más pe
queña obra de un escultor debe haber algo por lo que se note que ha existido Fidias.

T.B.- ¿Qué hay de aprendido y que de innato en el escultor, o en el artista
en general?
F.L.H. -Respecto a que hay de aprendido y que de innato en el artista en ge
neral quisiera responder recurriendo de nuevo a una cita literaria. Esta vez de
Antonio Machado, en su libro “Juan de Mairena”, este profesor imaginario dice
en una ocasión a sus alumnos: “Nunca os jactéis de ser autodidactos, pues es
poco lo que se puede aprender sin auxilio ajeno. No olvidéis, sin embargo, que
es muy importante y que nadie os lo puede enseñar.”
Quiero ver, en esta acertada sentencia de Machado, que lo que da a entender
como auxilio ajeno es lo aprendido y es innato lo que nadie nos puede enseñar.
T.B.- En tu etapa como enseñante, ¿qué has aprendido?
F.L.H.- Como enseñante no sé si he aprendido algo, tal vez sí, pero se trata de
algo subjetivo que no se puede concretar específicamente, sí puedo decir que
me he preguntado en muchas ocasiones: ¿qué es lo que he enseñado? O mejor
dicho me pregunto en muchas ocasiones si he enseñado con acierto, si he sido
un profesor eficiente. Éstas han sido, durante mi prolongada labor docente, unas
cuestiones que me han rondado en la cabeza constantemente. Enseñar arte es
muy distinto de enseñar, por ejemplo, matemáticas “donde lo definido y la defini
ción son una misma cosa” (A. Machado) Pero la enseñanza del arte es más in-
concreta; ¿de qué forma se debe enseñar para ser eficiente? ¿Cuál es el método?
No encuentro una respuesta satisfactoria y pienso a veces en una frase que le
oí a Antonio López hablando de este tema; dijo que el arte se puede aprender
pero no se puede enseñar. Creo que esta frase contiene algo de verdad.
Camino ya de cesar en esta actividad docente sólo puedo decir que quizá algo
aprendí de mis alumnos y algo a su vez creo que pude enseñarles.

T.B.- Si volvieras a empezar de nuevo, sin el lastre que conlleva ser un
artista en plena madurez, ¿volverías a expresarte con el mismo lenguaje?
F.L.H.- Para mí, cada obra, cada trabajo es como empezar de nuevo, cada pro
yecto es una novedad y me siento como el escritor no muy dotado ante la hoja
en blanco. Cada obra que emprendo es para mí como la primera que realizo,
una aventura de que no sé ni la ruta ni el final, pero con la ilusión de que esta
vez sí voy a conseguir realizar una obra notable.
En cuanto a si me volvería a expresar con el mismo lenguaje si estuviera en
los principios no sabría qué decir, tendría que verme en esa situación lo que es
improbable. No obstante creo responder con lo anteriormente dicho, es decir:
para mí cada obra, como cada día, es empezar de cero, como cada mañana es
una novedad pues no ha habido otra igual antes. Tampoco sabría hacer algo
distinto de esto que llamamos arte figurativo.
T.B. - ¿Qué pretendes que la gente sienta al contemplar tu obra?
F.L.H.- Hoy por hoy no pretendo llegar al sentimiento del amante del arte ni
intento hacer sentir nada a nadie, no me veo en esa necesidad, ni siquiera me
pregunto si mis obras, tienen algún valor o no tienen ninguno. Si a veces las
expongo es porque así lo dicta el guión, son las reglas del juego actual, pero
cada vez siento menos el deseo de mostrarla. Hacerla y emplear todo el tiem
po que la pueda dedicar para terminarla lo más perfecta que mis facultades me
permitan es suficiente para mí; el resto es accesorio.
Sólo en la juventud tuve ese interés por darme a conocer, lo que es compren
sible en esos años, máxime cuando lo que se pretende en ese periodo es
situarse y vivir del propio trabajo.
T.B.- ¿Qué disciplina de trabajo sigues?
F.L.H. -En cuanto a mi programa de trabajo puedo decir que no sigo una disciplina
diferente, ni pretendo diferenciarme del operario de una fábrica o el empleado de una
oficina, los cuales han de cumplir con su horario y su jornada de trabajo establecidos.

Suelo acudir a mi taller hacia las nueve de la mañana después de asearme y
desayunar en casa, como cualquier trabajador, y allí permanezco en mi tarea
hasta la noche sobre la nueve o las diez. Este horario se alterna con estancias
en la fundición repasando ceras o bronces, en los talleres de madera o con las
clases en la Facultad de Bellas Artes. En todo caso se trata de una vida algo
rutinaria pero de la que me siento satisfecho pues considero, como ya digo,
que cada día y el propio trabajo constituyen por sí mismos una novedad.
T.B.- ¿Cómo te enfrentas a la realización de un monumento, que particu
laridades tiene la diferencia de la obra personal?
F.L.H.- Las pocas obras públicas o monumentos que he realizado he tratado casi
siempre de afrontarlas como una obra personal, siempre que me ha sido posible.
Como siempre he trabajado con modelos pues no sabría hacer nada sin ellos; en
todas las obras públicas que he podido he recurrido a modelos de mi entorno. Así
en la escultura para los Agentes Comerciales en la Estación de Atocha hice un
retrato de mi hijo Francisco que me posó durante un largo tiempo. Igualmente en
el monumento a Luis Companys en Barcelona me sirvió de modelo una hija del
arquitecto Dionisio Hernández Gil. Mi esposa está representada en la imagen de
Talia instalada en el teatro de Rojas de Toledo. Así podría enumerar algunas más,
pero creo que éstas son suficientes como ejemplos de mi actividad.
Para mí la escultura en cualquier circunstancia es siempre retrato de algo o de
alguien. No siempre se cumple este enunciado en todos los monumentos pero
trato en lo posible de que sea así.
T.B.- Respecto a la técnica, ¿qué medio es con el que te sientes más cómodo?
F.L.H.- En la técnica profesional une algo, un principio para la realización de
mis obras de la técnica del modelado en arcilla, una manera en todo semejante
a la utilizada por nuestros escultores de fin del XIX y principios del XX (Blay,
Benllure, Querol, etc.). Este medio permite cambiar y corregir la obra en cual-

quier dirección hasta darla por terminada. Después, según las circunstancias
lo requieran, pasará a una materia estable, como puede ser la escayola, la
Terracotta o bien madera o bronce.
T.B.- ¿Qué soporte escultórico prefieres: relieve, bulto redondo, medalla…?
F.L.H.- No tengo preferencias particulares por cualquiera de los soportes en
que se expresa la escultura. El bulto redondo es la manera de representar cual
quier imagen real de su propia entidad, es decir: en tres dimensiones. Así se
ha manifestado la escultura desde sus orígenes. Y como no trato de ser una
excepción, me valgo de las mismas reglas. En cuanto al relieve, es una parte de
la escultura, ha tenido una función ornamental desde antiguo, como decoración
aplicada a la arquitectura. Para mí personalmente, tiene un interés particular
pues se presta a una especulación temática y en muchos aspectos se puede
acercar a la pintura. Como no soy pintor, por este medio puedo acercarme a
este arte, y aunque no se sirve del color para su manifestación, se pueden lo
grar una gran escala de valores y matices que se pueden aproximar a éste. Se
puede representar el espacio aplicando las leyes de la perspectiva en términos
muy semejantes al dibujo; quizá en estos matices estribe su fascinación.
En cuanto a la medalla para mí es otra manera de práctica semejante al relieve; sólo
varía por sus dimensiones y formato pero estas exigencias la rinden, en mi opinión,
igualmente atractiva e interesante. Puedo decir que practico los tres medios con el
mismo interés y entrega; todos ellos son para un mismo vehículo de expresión.
El referente temático de mi obra es, invariablemente, la realidad. En principio por
que no sé hacer otra cosa; no sé hacer nada sin un modelo. El más pequeño detalle
tengo que tenerlo delante para poderlo representar. Necesito una mano real pre
sente si quiero modelar una mano y así sucesivamente. Pienso, por otra parte, que
la realidad es más original y novedosa de cuanto yo pudiera inventar. La cuestión
es saber verla y comprenderla con ojos nuevos, (como ha sucedido a lo largo de
la historia) lo cual ya no está en mi mano decir o creer que estoy en esa situación.

Tomo generalmente como modelos a las personas de mi entorno, mi esposa,
mi hijo, los amigos y los hijos de mis amigos, tanto por un sentimiento afectivo
como que los encuentro maravillosos como modelos vivos.
Practico también el dibujo, pero no como escultor sino como pintor en blanco
y negro, o sea, sin color. Trato de representar con el dibujo el espacio y la luz,
características de la pintura. Como me atrae la pintura y no soy pintor, sustituyo
con el dibujo esta parte del arte que no domino.
T.B.- Por último, ¿Cuál sería para ti el fin de la escultura: la obra en sí
misma, es un fin social, simplemente una satisfacción personal, una ne

cesidad de expresión… todo al mismo tiempo?
F.L.H.- Para mí el fin de la escultura como de toda obra de arte es dejar aquí algo
que tenga algún valor cultural y merezca ser conservado durante algún tiempo
más o menos largo, tiempo que dependerá del azar.
Desde mi punto de vista menos transcendente considero que la de escultor es una
profesión elegida libre y vocacionalmente, y que uno trata de ejercer poniendo el
mayor empeño por alcanzar la perfección que nos permiten nuestras facultades.

Entrevista a Julio López Hernández
Tomás Bañuelos (T.B.) - El cuestionario propone la primera pregunta: ¿de
dónde nace tu interés por el arte y concretamente por la escultura?
Julio López Hernández (J.L.H.) - A esto tengo que contestar que considero que
mi arte, que mi afición nació en el taller de mi abuelo. Allí había un taller de
orfebrería religiosa cuya decoración ornamental eran temas que ilustraban to
dos los trabajos que se hacían como custodias, cálices, centros de altar. Todas
estas cosas, claro, iban teniendo una decoración ornamental exclusivamente.
Cuando aparecía un tema escultórico me interesaba aprovecharme de ello, yo

me enamoré en ese momento de la escultura.
La formación en un periodo intermedio tomó un rumbo diferente, la duda que
creaba un futuro de artesano con sus dificultades económicas, hizo que me
adentrase en otros caminos de mejor acogida social. Empecé a estudiar perita
je industrial, con la esperanza de al final desembocar en la ingeniería. En casa
por las mañanas hacía un dibujo lineal para útiles de fabricación para piezas
mecanizadas. Según seguía en contacto con el taller de mi abuelo y después
el de mi padre, la necesidad de llevar a realizar algún pequeño relieve, cince
lado y también modelado de elementos para custodias, cálices o sagrarios,
se impuso este trabajo. Por buscar perfeccionamiento acudí a Artes y Oficios.
Allí daba clases un famoso escultor que yo admiraba, sabía que como medio
de vivencia él tuvo que hacer una labor un poco parecida a la mía, trabajar en
casa del cura o talleres Granda. Este escultor ya asmático y un poco amarga
do era José Capuz; con su aspecto silencioso y un poco adusto se acercaba
al trabajo que yo realizaba, y con movimientos simétricos y enérgicos, sus
dedos pulgares ahondaban en las cuencas de los ojos, las depresiones bajo el
pómulo dejando nítida y precisa la definición de los maxilares. Sin decir nada,
se alejaba hacia otro alumno, dejándote en principio confuso e invadido por su
áurea de tedio. El trabajo parecía que te lo había dificultado, quedaban menos

cosas definidas que las que tenía antes de su intervención, los detalles parece
que se hubiesen evaporado, la masa de barro se movía cimbreante en busca
de su acomodo, y el espacio esperaba a tener juego en esa combinación de
masa y vacío que es la escultura.
T.B.- ¿Cuáles fueron los maestros que influyeron en su formación
académica y cuáles en el mundo del taller?
J.L.H.- En mi formación académica cuando ya me encontraba estudiando en
la escuela superior de Bellas Artes con sede en c/Alcalá 13, el primer escultor
que orientaba nuestros primeros pasos era Manuel Laviada. Enseñaba a
modelar cabezas clásicas o modelos ya más modernos pero todos copiados
de escayolas. Insistía mucho en que ejercitáramos una mirada analítica que
debía basarse en referentes geométricos. Todo debía estar coordinado bajo
los imperativos de un orden ortogonal. Los cuatro planos que describían los
bordes del tablero del caballete tenían que definir el tamaño y la inclinación
de los diversos planos que definirían la cabeza. Como el modelo y el trabajo
en arcilla estaban sobre tableros iguales y con idéntica colocación, el orientar
modelo y trabajo para que nuestra mirada las abarcaba sin equívocos. Sin
ofrecer mucha dificultad. Este método de ver todo desde cuatro planos
perpendiculares entre sí, circulando por todo el espacio escultórico, es algo que
recuerdo y practico. Después he comprendido que incluso para una escultura
no tan tradicional, una escultura que puede valorar no ya en igualdad sino con
más énfasis el espacio que la masa, este modelo de mirada ortogonal, puede
resultar útil y eficaz.
En cursos más avanzados recibí lecciones de D. José Ortells y Comendador. El
primero añadió a los conocimientos que traíamos de Laviada, una introducción
a la interpretación de la escultura exenta y el relieve. Esto, debo confesarlo,
fue escaso porque seguíamos yesos en volumen redondo, igual que hacíamos
en cursos después copiando del natural con Comendador. También recuerdo

de este profesor la exigencia en la claridad de exposición de la figura humana.
Las partes fundamentales de la figura así como sus miembros más pequeños
debían de mostrarse hacia la mirada del espectador con la mayor claridad.
Recuerdo que nos hacía comprender esto hablándonos del relieve: en éste
no se debía de representar ninguna parte de la figura que no mostrara su
dimensión máxima. Debíamos huir de los escorzos; mucho después he podido
discernir este concepto; la técnica del relieve es compleja y variada según se
trate de alto, medio o bajo relieve.
Cuando pasamos del relieve con fondo inactivo, es decir, como simple soporte
en el que apoyar la narración figurativa con afán espacial, el que quiere colocar
la narración figurativa en un espacio habitable, cuando las masa de las figuras
actúan como estatuillas, estamos imponiendo nuevas leyes de armonía.
Es el genio de Donatello quien nos da la solución creando un espacio imaginario
mayor al tiempo que es inferior al retroceso físico del plano (fondo o plano soporte).
Las posibilidades espaciales de un relieve eran tanto más limitadas cuanto más
directa era la relación entre la profundidad imaginaria y la profundidad real. En
vez de situar las figuras sobre un fondo plano que se correspondía con los límites
visuales de la escena, Donatello efectuaba una proyección del espacio a través
del fondo y situó la acción detrás del plano del relieve, la perspectiva lineal era
la que hacía posible el efecto. Parece que nos hemos desviado de la pregunta e
invadimos el terreno de otras que quizás vengan después.
Curiosamente hemos hablado de Laviada y Comendador como elementos
formales en mi trayectoria, sólo referidos a una influencia técnica o de taller.
Pero tengo que decir que Laviada, a quien lo visitaba en su estudio alguna vez,
acompañando a un compañero de escuela que le cuidaba los barros, me hablaba
de su estancia en Roma, donde había tratado entre otros a Arturo Martini, escultor
muy sugerente, que junto a los futuristas italianos, distanciándose de ellos y

buscando unas raíces etruscas influido también por los descubrimientos de los
cadáveres calcinados de Pompeya, ejerció sobre mi una impresión cautivadora.
Comprendo ahora y puedo incluso ponerlos en relación el conocimiento de todo
esto con el trato a otro de los profesores de entonces. Este era Chicharro hijo,
profesor de Pedagogía del dibujo, asignatura entonces no muy definida, que
con mucha libertad de interpretación, gracias a su condición de pintor, no muy
reconocido, sepultado su talento por el peso de la fama de su padre y de poeta
formado intelectualmente en Italia. Formó parte como cofundador junto con
Carlos Edmundo de Ori del movimiento poético que llamó Postismo.
Su clase incomprendida incluso por una mayoría de estudiantes, constituía un
revulsivo dentro de una atonía generalizada de la enseñanza de la práctica del
arte; su mentalidad irónica junto con su amargura y desconsolada rebeldía,
abría un campo de comprensión para lecturas arriesgadas dentro del arte.
Lucio Muñoz, Joaquín Ra, Antonio López, mi hermano y yo dentro de la Escuela,
y junto a nosotros, de fuera, como podría ser Francisco Nieva, constituían su
cohorte de seguidores, no totalmente fieles, pero sin duda, reconocidos a su
informal magisterio.
La literatura ejercía su influencia en la formación de cada uno de nosotros.
Recuerdo que fieles a una tradición realista y comprometida, escuchábamos
las críticas e ironías de Chicharro contra Machado y, sabiendo que no podían
hacer mella en nosotros, tratábamos de asimilar sin encono sus negativas
interpretaciones de Machado y de otros parecidos. El punto de inquietud, pasó
a escritores como Kafka, Herman Hesse, Tomas Mann y el surrealismo de
Alberti con su libro sobre “los ángeles” se hermanaba con el generoso impulso
humanista de Miguel Hernández y Cesar Vallejo, así como el salto desde
Pirandello y Papini a Arthur Miller.

T.B.- ¿Qué escultores en el panorama artístico general han podido servir
de referencia en las distintas etapas de su trayectoria artística?
J.L.H.- Considerando ese panorama de forma muy amplia, abarcando
grandes espacios históricos, tendría que decir que curiosamente mis primeras
emociones estéticas, las que pudieran influir de alguna manera en mi gusto,
arrancan no de la Antigüedad o el clasicismo sino de lo medieval avanzado; las
esculturas de Juan Guas o Gil de Siloé, “la mujer adúltera Compostelada” con
“el Doncel de Sigüenza” junto a la corte palaciega de Nam, con sus personales
de tan variada psicología, formaban todo un credo estético para mí. El realismo
emergía en estas obras sobreponiéndose a los recursos técnicos y formales

del románico y del gótico.
Recuerdo que empecé un torso de chica y que aquel torso no llevó buen
camino, no pudo a acabarse y se fue transformando. Al final lo convertí en la
loca del camino. “La loca del camino”, que está influida por Arturo Martini, esa
es la escultura que Arturo Martini me dejó en la mente.
T.B.- ¿Que escultores consagrados estaban en ese momento en
pleno rendimiento?
J.L.H.- Hombre, aquí indudablemente tenía un aúrea de respatibilísimo escul
tor, muy bien formado, muy clásico, muy sólido, Comendador. Era el escultor
nuestro, para nosotros y para Franco, y luego, pues bueno ese especie de
revisión que hacía soñar con nuevas imágenes y con nuevos artistas y nuevas
cosas. Para mí me llegaba una nueva influencia muy ibérica, romántica a más
no poder de Alberto. Como sabía yo que había sido un escultor, que había
tenido que emigrar a Rusia y que había trabajado con los más modernos de
antes de la guerra, pues este hombre Alberto era un mito; era mítico, era soñar
con aquellas producciones surrealistas y tal y todo esto llegaba como una gran
ilustración y la cogías con una gran emoción y además te servía muy de poso;
inventaban muchas cosas a partir de mirar una imagen que era esquemática

y escueta; tu inventabas infinidad de posibilidades. Esto también me pasaba
con Arturo Martini por ejemplo, y con un escultor extraño de muy poco nombre
que ha tenido una evolución que no he visto yo más y que se llamaba Ernesto
Vifiori. Ernesto Vifiori era un escultor que trabajaba en Italia un poco antes,
bueno yo creo incluso, no sé si estuvo con Musollini, pero indudablemente
era un escultor de una expresividad muy curiosa. Vi una par de cosas en un
pequeño libro y curiosamente se relacionaba mucho este Ernesto Vifiori con
un escultor alemán que también fue de los disidentes y que se suicidó y era
un escultor de un gran romanticismo, pero con ese romanticismo trágico de los
alemanes que es Lembruch. Lembruch para mí también era una de las influen
cias más sobrecogedoras, me entusiasmó Lembruch con esas imágenes, con
esas Venus alemanas tan delgadas, esquelético, con esas piernas tan largas.
Así como Vifiori me llevó a Lengrup, Lembruch me llevó después a Giacometti.
Y son escultores que se escalonan muy bien y se relacionan.
T.B.- ¿En qué momento de tu formación surge el germen que desemboca
ya en el realismo y la figuración?
J.L.H.- Es un momento incompartido, es una situación en que confluía el pen
samiento de Antonio López, de mi hermano y el mío, en algo que no quedá
bamos conforme con ello. Veíamos que estaba emergiendo el arte abstracto.
Vino una exposición muy importante en Madrid que se llamaba “Arte otro”,
americana. Esto dio un empujón brutal a nuestras creencias. Creíamos que lo
que teníamos que hacer era la modernidad pero a mí me creaba unas dudas
tremendas, a mí, a Paco y a Antonio; Entonces, no sé, había un desequilibrio
entre lo que nosotros soñábamos y lo que veíamos plasmarse en el arte mo
derno. Por otro lado, la revisión del arte antiguo siempre nos daba pautas para
comprender mejor la realidad, es decir, nosotros veíamos más realidad en una
representación de una teliana que en lo que estabamos viendo que se hacía
en ese momento. Además, la confluencia con que vivíamos en unos barrios un

poco marginales, como era Tetuán de las Victorias y Estrecho, donde todavía
quedaban restos del padecimiento de la guerra y de una postguerra dura y di
fícil. Allí había unos personajes dolientes, tristes, que no encajaban en el juego
un poco diletante del arte moderno; y sí lo encontrábamos en las representa
ciones antiguas en las que en la vida del hombre estaba potenciada al máximo
y había pues una conciencia, una toma de conciencia y de responsabilidad
grande. Entonces, esto coincidió con el periodo en que empezábamos a viajar.
Yo conseguí también una beca para ir a Italia, la beca March. Entonces me
fui a Italia, visité e intenté visitar y empaparme de los artistas de los que me
llegaba su fama como era Marino Marini, Arturo Martini, Fachini...
T.B.- ¿En qué año fuiste a Italia?
J.L.H.- Yo fui a Italia sobre el 58, llegué con el afán de ver todo aquello y de aspi
rarlo, pero me había programado de una manera curiosa porque, no perdiendo
el hilo de la tradición, propuse el plan a la Fundación March ya que exigía una
memoria de lo que querías hacer en aquel viaje para disfrutar de aquella beca.
Había puesto unas visitas al arte antiguo a los museos y demás creaciones de
los escultores del renacimiento y luego asistir a clases en Milán con Marino Ma
rini y con Fachini, y con el Greco si podía ir. En esta situación yo viajé con ese
afán; visité lo antiguo y luego llegué hacia arriba y ya de vuelta hacia Milán y ya
allí me matriculé en la Academia Brea para ver a Marino Marini. Marino Marini
me recibió en su estudio personal pero me anunció que se tenía que marchar
de viaje al norte y que iba a estar muy poco tiempo dando clases, que no coinci
diríamos apenas. Estuve en las clases de Marino Marini. Allí todos los alumnos
hacían pequeños “Marino Marinis” y eso me desilusionó bastante. No encontré
pues, una chispa de algo original, de algo creativo, de algo que buscaba otras
cosas, resultaba un poco aburrido, por otro lado, sí me llegaron influencias.
El resultado de ese viaje y de esa conexión con lo que yo consideraba moder
no o en fin, de una visión internacional, pues me acuerdo a este respecto que

estuve viendo en Milán una exposición en una galería en la que se anunciaba
un conjunto de pinturas de pintores ingleses muy revolucionados muy evolu
cionados, dando una visión moderna, y que me sorprendió y creo recordar.
No lo puedo tener con seguridad pero me sorprendió mucho porque lo vi con
mucho interés siendo la primera vez que vi una obra de Bacon en aquella ex
posición colectiva de Milán. Bueno, hecho este viaje y regresando a España,
se perfiló la necesidad de buscar la línea personal del realismo. Mi hermano,
Antonio y yo estábamos en un acuerdo, en un mutuo y tácito acuerdo, hablá
bamos, pero sí parece que gravitaba sobre nosotros esa idea; entonces pues
empezábamos a trabajar buscando eso.
Ese esfuerzo por describir lo que habíamos pensado, lo que habías visto, lo
que habías asimilado del viaje, me concienció también con mayor seguridad
de que había que buscar algo personal. Y bueno, el viaje nos confirmó en la
búsqueda de algo, y yo me acuerdo que en el primer intento que yo hice que
era demencia, yo quería hacer un hombre, un hombre que caminaba hacía
el futuro, y llevaba un niño, y la chaqueta le caía sobre los hombros, bueno
¡aquello era de un anecdótico!
T.B.- ¿Qué me puedes decir de las esculturas en las que juegas con vo
lúmenes y huecos a la vez?
J.L.H.- Eso es anterior.
T.B.- ¿Eso es después de la Escuela?
J.L.H.- Justo después de la escuela, la influencia “henrymooriana”, los pensa
mientos de la modernidad, los concursos nacionales...
T.B.- Tiene algunas similares Oteiza también de su primera época.
J.L.H.- Sí claro, es una escultura tectónica; justamente en el momento de aca
bar en la escuela intente por ese lado, llegué incluso influido también por le
janías estrañas. Henry Moore gravitaba ahí bastante, pero llegué a hacer un

grupo de dos mujeres en diálogo que las llamaba “las mujeres vegetales”. Eran
como unas laminillas que se movían en espacio en hueco, buscando el hueco,
que eran como vegetales, como hojas, pero que dialogaban mucho.
T.B.- Háblame del proyecto que hiciste con Higueras o ¿con quién lo hiciste?
J.L.H.- Si, con Higueras, bueno, uno de los primeros concursos a los que nos
presentamos. Los concursos nacionales entonces se presentaban proponien
do un tema al conjunto de los artistas. Entonces en escultura aquel año habían
propuesto hacer el tema de una fuente. Fernando Higueras era un arquitecto
que emergía y que pintaba unas acuarelas muy interesantes; teníamos una
cierta amistad y decidimos presentarnos; y lo hicimos con un proyecto que
era una realización también simbólica, con una fuente con un chorro de agua
inexistente que se elevara hacia arriba. Higueras ideó una especie de torre
metálica muy alta que se autosustentaba y era fortísima en cuanto a resisten
cias porque era una estructura de punta de diamante, o sea, eterna. Hicimos
la maqueta con infinitos palillos de dientes y todos pegados en las puntas
creando unas tribulaciones. La torre tenía como 20 cm de lado, era triangular,
de base triangular y casi 2 m de alto y podías mantenerla en una horizontal
sin que se cayera. Fue una torre que queríamos instalar en la Plaza de Cas
tilla. Entonces estaba a las afueras de Madrid, quedaba directamente sobre
la meseta castellana, era lo más despejado, el horizonte más árido y más
inquietante que te pudieras imaginar; la queríamos poner ahí. Yo tenía la aspi
ración de conquista y esa imagen del caballo resuelta con huecos, con formas
geométricas y concavidad era una solución a lo medieval a partir de la plástica
que me estaba dando Henry Moore, y de ahí surgieron una serie de cosas:
“el Pastor”, “el Hombre del perro”, en fin, hice una serie de cosas que fueron
desembocando en otras...

T.B.- ¿El guerrero que has fundido en aluminio corresponde a ese momento?
J.L.H.- Ese guerrero, efectivamente, es también medieval, pero constituye un
monumento a Garcilaso de la Vega, un poeta que yo comprendí más a través
de Miguel Hernández que del propio Garcilaso. Miguel Hernández lo define
como claro caballero de rocío, por lo que yo imaginé esa figura como pensativa
e hierática, como en un estado de trance a la orilla de un pequeño estanque
donde se moría Elisa. Elisa se ahogaba y este pastor nevoroso que es otra de
las esculturas que tengo también muy esquemáticas, un poco “henrymooria
nas”, era el que se quejaba de la muerte de Elisa.
T.B.- A partir de allí empiezas a hacer obra figurativa y realista ¿cuándo
se crea esa conciencia de lo que ahora se llama la “Escuela de Madrid”?
J.L.H.- No, eso tardó, tardó un poco, no surgió tan espontáneamente, ni tan
directamente. Ya te he dicho que incluso en el primer intento de aquel hombre
con la chaqueta al hombro, me resultaba tan duro pasar a resolverlo de aquella
manera que lo tiré abajo, no lo hice; después, buscando el apoyo, buscando

algo tradicional con lo que yo me encontraba a pecho descubierto con la escul
tura, porque yo pensaba que la escultura debía tener unos soportes técnicos,
unos soportes de soluciones prácticamente avaladas. Yo había visto que lo gó
tico, que lo románico, que lo clásico, resolvía la vestimenta por ejemplo de las
figuras con unos métodos del doblaje, del plegado, la solución plástica. Había
pues un método, un sistema, ese sistema que yo consideré que en Ambur y en
la escultura que más me gustaba en el medievo había sido sobrepasado por
la realidad. Ya no se quedaba en el sistema sino que era un soporte para que
la realidad fuera más poderosa. Considerando que ese método y ese sistema
son el apoyo, el sustento, donde se edifica la escultura, yo veía que el realismo
actual carecía de ellos. Era muy difícil estructurar el ropaje de las personas
actuales con esas chaquetas, las faldas cortas de las mujeres…, para que
aquello tuviera densidad escultórica.

Me daba miedo y yo no sé si por un recurso de estrategia, lo primero que hice
fue a mi novia agachada, “Acocorata en el bidé”, porque tenía presente todavía
aquella figura de Miguel Angel de muchacho acocorato, que es una figura que
he visto muy poco después, que está por ejemplo en Leningrado y que no se
ha hecho expansiva. Hice una figura de un niño, un chico vecino mío que iba al
colegio en invierno y que jugaba con el barro, y vi que el abrigo, un abrigo de
esos de corte muy tradicional que se ponían los niños entonces que parecía
que era el abrigo de su papá, y vi la posibilidad de hacer una figura copiada
de la realidad en la que el movimiento, las formas plásticas de los plegados,
estuvieran sujetas bajo una dinámica que no presentaba tan claramente la ca
rencia de unas faldas largas ni nada, sino que agrupara la figura y al encerrarla
originara un plegado tradicional y fácil de recoger. Entonces hice aquella figura
del niño jugando con el barro. Después hice un retrato de Esperanza, mi novia
entonces, que como llevaba faldas estrechas y rebecas, la agaché, la puse
como fregando en el suelo y recogiendo. Pero muy elegantemente, no es una
fregona, es una mujer que pasa el paño elegantemente por alguna cosa que
se ha ensuciado o recoge o un pañuelo. Entonces esta figura también estaba
acocorata, estaba sujeta a que los plegados pudieran tener una energía de por
sí, por el movimiento al que los obligaba la propia circular. Eso me sirvió de
apoyo, pero después dije: no, hay que coger el toro por los cuernos, hay que
ir a la realidad que se nos presenta diariamente; fue entonces cuando por dar
clases en la escuela de Artes y Oficios, tenía contacto con alumnos que en
traban y salían de allí, y encontré a una chica afín, un poco asustadiza, como
desplazada de ambiente. Me causó una sensación grata, me pareció que era
una persona de otra época, la cabeza se caracterizaba por una cara un poco
recomida, en estructura muy sólida pero atenazada. La vi con su abrigo, ca
minaba como un poco sobrecogida o pegando impulsos extraños y aquello
me sugería el caballero de Manler, un caballero medieval de Manler. Hice la
primera figura mostrándose enteriza, plenamente abierta para que el abrigo

fuera reconocido, así como el corte hasta donde le llegaba para que las pier
nas quedaran al aire, que no hubiera equívocos. Aquello fue el desafío que yo
acepté con aquella escultura que se llamó “Úrsula” y que ha tenido un gran
éxito, en fin, está en la colección de la Fundación March y en la Linderhain, la
Úrsula es una mujer que tiene presencia.
Estos fueron los caminos por los que se fue imponiendo y abriéndose una
entrega, un compromiso con la realidad que era difícil de asumir si no tenías
defensas, en fin, la figura presentada en una exposición colectiva en la Galería
Juana Mordó causó mucha impresión a artistas que venían de fuera y que
habían estado en Italia y estaban en conexión con lo más moderno. Aquella
figura les gustó muchísimo y dije: “por aquí no vamos mal”.
Yo creo que esa formación del artista, “si nace o se hace”, que se viene dicien
do tantas veces, con seguridad no te puedo decir que sea así de excluyente:
que se haga solamente o nazca solamente; no sé si al cincuenta por ciento
tiene una influencia o no. En lo que sí creo más es en el ambiente que propicia
la formación, eso sí. Es un clima, un caldo de cultivo donde pueda formarse el
artista; probablemente el caldo de cultivo no se aprovecha si no tienes una in
clinación nata; o sea, efectivamente te vas a él porque te emociona eso, estas
inclinado, estas prácticamente “tocado” para que eso sea tu vida.
T.B.- Pero sí lleva un germen que puede desembocar en un artista plásti
co o puede desembocar en un poeta...
J.L.H.- Bueno, yo creo que es ahí donde está una cosa que podemos consi
derar con dos vías de solución: por un lado el ambiente que te influye y que te
orienta psicológicamente, emocionalmente, intelectualmente. Y, por otro lado
también está el ambiente que te forma, te ayuda y te crea materialmente, o
técnicamente. Entonces, indudablemente, yo no puedo dejar de pensar que el
taller de mi abuelo, con su orfebrería, con su metal, influyó para que yo fuera

escultor y no otra cosa. Lo mismo que puedo pensar que un ambiente propicio
para que eso suceda, también puede ser causa de que suceda lo contrario.
Que un espíritu sensible, en un ambiente que le pueda desembocar a ser un
artista plástico, de obra manual, pues puede que exista en él una rebeldía,
una manera de no querer ser igual; y entonces se incline a una profesión to
talmente opuesta, y puede ser un poeta. Precisamente porque hay un deseo
de personalizarse y de ser independiente de algo; es indudable que el artista
también tiene un ego muy marcado; quiere ser el mejor y el primero, y el único;
hoy también marca eso. Eso también está ofreciendo un punto, un punto de
confluencia con lo que es la formación.
No sé, ¿tú que ves?: ¿todos los genios, todos los artistas conocidos tienen
personalidad de artista? Picasso.., bueno Picasso igual sí. Picasso si tiene per
sonalidad de artista. Pero, a mí, lo que me queda un poco en duda, es que en
los grandes artistas del pasado he visto un ingrediente muy poderoso y muy
marcando en su producción: el amor, y en Picasso no veo amor ninguno. Puede
que esto sea motivo de que el arte Moderno no tiene que tener amor, pero antes
hay que amar. Antes, hay amor, en lo de antes se traduce un amor, una dedica
ción, una entrega hacia algo, es como un débito que tienes con el mundo, con
la vida: tú eres un realista, o eres un artista y devuelves al mundo aquello que
te da, devuelves la imagen de la vida, y ese débito, es amor. Yo en Picasso veo
que es soberbio, es terrible, tiene un poder extraordinario, y no devuelve nada.
T.B.- Esa imagen estereotipada del artista se ha mantenido durante mu
cho tiempo. Por ejemplo, ¿qué te parece Dalí?
J.L.H.- Yo creo que Dalí es artista, tocado por un afán de notoriedad grande,
pero es que el artista moderno, ha vivido, ha nacido, tiene que desarrollarse en
una sociedad estructurada bajo las leyes del comercio y del marketing; hacen
todos sus sistemas para subsistir y para vivir. El arte se ha transformado, se
sustenta bajo la idea de que te tienen que comprar el arte. El arte lo tienes que

vender, y es un bien transaccional: tú das una cosa que vale, por otra cosa que
te dan que vale también, que es el dinero. Yo creo que cuando antiguamente el
arte se vendía hacia el espectador, no al comprador, tenía la misión de orientar
la vida de los hombres y de acompañarles en la existencia, ése era su destino.
En el templo, o en el ágora o en sitios públicos, y eso ha cambiado muchísimo;
ahora es lo otro. Entonces, en el momento en que se ha implantado ese otro
sistema, que se subvenciona el otro, que parece que sin ellos no podría existir
arte moderno, pues el arte pasa a responder a esas exigencias que establece
la sociedad actual. Comercializarlo, lo comercializa, pero es un ejemplo de que
no tenía por qué comercializar nada. Y luego están los otros artistas de cada
época, que sí estaban deficitarios de esa oportunidad que tenía Velázquez, por
ejemplo, de trabajar con plena libertad, como pudieran ser Zurbarán o Alonso
Cano, que obedecían a los encargos. Los encargos los originaba la Iglesia,
los originaba la religión, y esa religión no encargaba ni acumulaba bienes y
tesoros artísticos, no los acumulaban: los encargaba para que fueran un mues
trario ante los fieles de ideas y de cosas; pero no existe un afán de colección,
de coleccionismo y de enriquecimiento.
T.B.- Eso me sugiere otra pregunta interesante, acerca del artista que
hace su obra, y el artista por encargo. El encargo, ¿qué influencia positi
va o negativa tiene sobre el artista?
J.L.H.- Yo he pensado muchas veces sobre esto, e indudablemente he pasado
por etapas en que estaba a favor de una cosa y por etapas en que estaba a
favor de otra. De joven tienes la idea de que tu arte es personal e intransferible
pues va a descubrir un nuevo valor para la historia, es un arte que no se puede
encargar porque no se sabe cuál va a ser. Todavía no has hecho nada, entonces
es difícil que la clientela sepa. Y en ese artista joven que necesita vivir, induda
blemente entendía que el encargo le obligaba a una servidumbre, y que respon
día a ella como mejor podía, y hacía un encargo. La primera creencia que esto

te crea, es que ese encargo desvirtúa tus inquietudes, te lleva por otro terreno
y entonces es un intermedio, es un lapsus, es un parón. Tienes que aceptarlo
porque te da algo de dinero, pero tu idea es seguir con tu obra. Yo he vivido en
esa coyuntura pero enseguida me di cuenta de que no tenía por que ser así,
no tenía por qué ser tan conflictivo; podía hacer un encargo que fuera afín a
las inquietudes y que respondiera como respondía Leonardo o como respondía
Donatello o como todos. El pasado no les inquietaba, el encargo les mejoraba
la fe en su propia obra. No les desvirtuaba sus creencias ni sus apetencias. Me
decía a mí mismo “y ¿por qué tiene que ser ahora distinto?” No concebía a ese
artista que decía “yo hago esto pero para mí hago otra cosa completamente
diferente”, a mí eso me desequilibraba un poco. Entiendo que se pueda hacer,
pero me desequilibraba un poco. Un pensamiento posterior a eso, entonces, te
viene cuando analizas el peso, la gran densidad del arte antiguo, lo que tiene de
trascendencia su producción cuando obedece a encargo. Es decir, que el arte
es algo que se produce porque una sociedad necesita eso, no lo necesita un
autor sólo, lo necesita toda una sociedad, eso me parece que es de una gran
fuerza, y de un gran aliciente para la buena, la gran creación del arte. Pero tiene
que coincidir que los intereses del que encarga y los intereses del artista sean
los mismos, coincidir en esa línea. Indudablemente, si se coincide, el encargo
no debilita para nada la posibilidad de hacer un gran arte. Otra cosa son los
genios, hechos aislados, ejemplos especiales como pueda ser Velázquez que,
sin romper ninguna norma, -aunque tampoco tiene muchos encargos- camina
hacia una pintura originalísima, sin destrozar nada, sin desequilibrar nada de lo
que se espera de la pintura, es casi igual, aunque sea muy original, y no tiene
controversia ninguna, eso a mi me parece maravilloso. ¿Por qué? Porque lo
que tiene es una libertad maravillosa, es tanta la libertad que tiene Velázquez
que le permite someterse, sin caer bajo las redes de nada.

T.B.- Hablando de la necesidad del arte… ¿Qué reflexión te suscita la pintura
primitiva? Hoy lo vemos bajo la óptica del artista, pero no siempre fue así.
J.L.H.- Efectivamente, todo el arte primitivo, todo arte salvaje si quieres, arte
tectónico, es arte que nace de la incógnita que te produce la vida y eso, ya sea
por razones mágicas, o de creencias, es fe en la producción, son mitos que se
transfieren de una generación en otra. Dicen que se ese arte se reencarnaba
en algo un respetuoso y muy importante para la vida del hombre, por lo que
yo creo que esos objetos hechos bajo esa tutela, da igual que sean arte o no,
son tan importantes como el arte, con lo cual, para mí, se convierten en arte.
Maravilloso es ver al ser como cree en algo toda la vida, como ve a ese animal,
con qué cariño lo ve, con qué necesidad de apropiarse de él. Esa actitud de
aprehensión de ese ser es tan fundamental para su vida..., me parece mágico,
es algo que no se puede hacer mejor desde los postulados del arte. Porque los
postulados del arte especularían con la estética y con el gusto por eso. Contra
todo esto, yo me pongo muy nervioso y, entonces vas a ver a Rubens o toda la
pintura palacial de la época del Barroco y el Rococó, y entonces digo que eso
sí que no me parece arte.
T.B.- Entonces, el artista moderno, el artista actual ¿donde debe poner su
punto de mira?
J.L.H.- Yo creo, no sé, yo entiendo poco, pero indudablemente se está jugando
ahora en unos terrenos muy resbaladizos ¿no? En cuanto a arte actual. Yo
creo que efectivamente hay sugerencias, hay un factor filosófico, un factor que
transmite las experiencias de una cosa en otra; juega con las palabras, juega
con el espacio, juega con muchas cosas. Pero sí hay también otra cuestión
y es que creo que, efectivamente, el arte de hoy en día, tan extenso como
se ha hecho, con esa libertad tan absoluta, ha abierto la puerta para que ese
espíritu creador primigenio del que hablábamos con respecto a las pinturas de

Altamira pueda darse. Es decir, que yo creo que se puede hacer arte sin tener
una formación regida por tutelas académicas; ahora, también puede llevarte
al caos, no sé.
T.B.- Y desde tu postura de escultor ya consagrado, si volvieras a empe
zar, si se te diera la posibilidad, pero sin lo que supone romper con toda
tu obra, ¿seguirías haciendo lo mismo? Si tú fueras a la Escuela de nuevo,
¿qué sugerencias existen ahora en el arte ante las que pudieras sentirte
débil y dijeras: “yo iría por este lado”? ¿O seguirías haciendo realismo?
J.L.H.- Eso sí que no lo puedo decir, lo que seguiría haciendo no lo puedo
decir. Pero te puedo decir que, por ejemplo, soñaría. Yo soñaría, porque si
empezara de nuevo mi formación atendería más a algo insustancial; atendería
a que hubiera una dirección en mi obra hacia una inclinación, no sé si fatalista,
o lo que sea, pero que diera expresión a algo muy interno.
T.B.- La materia ¿seguiría siendo por ejemplo el bronce?
J.L.H.- Eso no lo sé, porque hasta podría llevarme a lo abstracto eso que te
estoy diciendo: que se expresara mi interior más profundo y que rompiera a lo
mejor ese compromiso que yo he establecido con la realidad de representar
a mis hermanos, a mis coetáneos, y de volver esa imagen hacia la vida que
yo tengo que es la que me ha proporcionado ese compromiso, que yo lo he
llamado compromiso y que me gusta, que es bonito. Yo no sé si ese compro
miso ha sido el lastre para que la obra tuviera en algunos momentos algo des
criptivo entonces, y anular precisamente la descripción de la profundidad de
sensaciones, sentimientos de dentro, no lo sé. Por otro lado, también pienso
que, indudablemente, los grandes artistas que se han perfilado así como yo
pienso que podría haber sido mi carrera, son estos que han dejado la huella
de una interpretación de la vida en conjunto, sin anécdotas, sin descripción de
pasajes diferenciados; sino que todo es un bloque y todo es una sensación,

perfectamente definida. Esos artistas que pueden ser hasta Miguel Angel, si
quieres, con un dramatismo interno ahí, que lo da la vida; Es un fatalismo que
puede llegar hasta Giacometti, que puede ser Bacon, y puede ser gente que
ha perfilado toda su obra bajo una directriz única y que expresa siempre lo
mismo. A lo mejor, eso me hubiera gustado a mí, pero no sé por qué camino lo
hubiera podido llevar. Y por otro lado, ese compromiso generoso con la vida y
renunciando a ese poder, a ese yo tan marcado de estos hombres, a lo mejor
está también bien, no lo sé.
T.B.- Una cosa que se ve en tu lenguaje y a lo que siempre haces referen
cia es la muerte. A lo mejor lo haces a veces incluso hasta en contrapo

sición a la vida ¿no? Hablas mucho de la vida, pero yo creo que también
hablas mucho de la muerte inconscientemente en tu obra. Y constan
temente está presente. Tienes alguna escultura, como la del burdel del
cloroformo, esa que está bebiendo el último sorbo, que no se sabe si es
el último, en las que se representa un instante en el que pudieran dejar de
ser, como un abandono de esta vida, de un más allá.
J.L.H.- Hombre, indudablemente para mí hay en la obra un punto de traslación. Es
como una frontera entre un estado y otro; o sea, la obra se perfila como fronteriza
entre algo que ha existido y algo que tiene que existir. Eso es el gesto también.
T.B.- Hemos hablado de muchas cosas; otro asunto en el que sería intere
sante indagar es la relación con el espectador. Es decir, ¿qué te gustaría
que pensaran de tu obra? Porque hay algunos artistas que hacen las
obras al margen de quien las vaya a ver. ¿Existe en la obra de Julio López
una complicidad con el que las va a ver?
J.L.H.- Hombre, yo no establezco de antemano esa complicidad, pero utilizo un
lenguaje directo, no propongo interpretaciones complicadas, aunque haya un
trasfondo difícil, que incluso podemos encontrarlo en el arte: no todo el mundo

puede alcanzar los postulados del arte, y lo que propone el arte. Pero dando por
hecho esto, que la figuración es un lenguaje que se supone se ha comprendido
de inmediato, yo quiero que se comprenda así y me gusta que establezca en
seguida un contagio de comprensión, un contagio de comprensión animado por
un efecto amistoso hacia la figura. Que no cree ninguna situación de rechazo
ni de aprensión porque las imágenes sean revulsivas ni repulsivas, sino que
atraigan al espectador de una manera amistosa y cariñosa. Yo quiero que se
acerquen a ello y que traten de comprender el mensaje que entrañan, sin asus
tar. Por otro lado, sé que esto no es suficiente, aparte de no asustar tiene que
haber un punto duro, un punto hiriente, un punto de atracción sorpresa, y eso
yo creo que se origina en el momento en que la escultura por ejemplo fragmen
tada, en la que el ser humano en su acción expresiva hacia el espectador se va
reduciendo y todo ese bagaje está inmerso en la actitud de las manos. Esto es
uno de los motivos por los que yo he hecho escultura fragmentada de manos;
creo que es donde la sensibilidad de las personas está fluyendo, están siendo
como unas antenas que emiten esas situaciones. Las manos son expresivas de
muchas cosas, son las características de muchas cosas, puede haber manos
limpias, manos líquidas, manos secas, manos abruptas; todo ese bagaje de las
manos… Y pueden ser manos que acaricien, manos que repelen. Esa doble
controversia me aclara que al espectador le tengo que impresionar con esa
fragmentación, y que cuantos más alicientes un poco inquietantes lleve, más
va a atraer. Entonces no puedo renunciar al tamaño real, porque eso es uno de
los motivos por los que la gente se puede sentir atraída y sugestionada. Porque
unas manos fragmentadas puestas en un espacio ínsólito les están diciendo
algo. Este es el sistema que utilizo para mí, pero se puede decir que en general
yo pretendo captar la buena inclinación de las personas. Que se acerque el
espectador a mi obra de una manera atenta, de una manera amistosa, y que la
obra no rechace al espectador, no esté diciendo: “tu eres un bestia, tu eres una
inutilidad, no entiendes nada de arte profundo”.

T.B.- ¿Que reflexionen sobre tu pensamiento o sobre el de ellos mismos?
J.L.H.- Bueno, yo creo que indudablemente esa es una buena pregunta; si
tú les haces reflexionar sobre su pensamiento, les haces reflexionar sobre
el mío, porque en algún momento debe de haber alguna coincidencia. Si tú
propones una interpretación de algo, es indudablemente una interpretación
esquemática, simbólica, que está sugerida más que explícitada. Eso es aludir
a su entendimiento, aludir a que te den ellos una respuesta. La escultura tiene
que hacer preguntas paralelas al espectador, preguntar al espectador: “¿me
entiendes o no?”, “¿soy esto o no soy esto?”; eso para mí es lo fundamental.
T.B.- Cambiando de tema y trasladándonos al lenguaje de la medalla, ¿Por
qué esa diferencia entre ese pequeño mundo, donde tu obra enlaza con
un cierto surrealismo, y las tres dimensiones? En las medallas existe una
visión más moderna de la escultura, sin duda distinta, que no abordas en
el bulto redondo; es como si en ellas te permitieras transgredir.
J.L.H.- Yo creo que la medalla, al referirse a que todo lo tienes que circunscribir
en un círculo, estás creando un espacio de nueva realidad; es tangencial a la
realidad nuestra, la física que nos rodea, pero en realmente no es así, asimila
muchos de los valores de la nueva realidad, pero en cierto modo se mueve en
un lenguaje y en unas capacidades de invención mayores. Porque es como ver
el espacio que circunscribe el círculo de la medalla, es como un gran agujero
en el que ves muchas cosas, tiene un punto de fantasía: eso no lo posee la
escultura. La escultura corpórea indudablemente está proponiendo un espacio
físico muy semejante al tuyo, paralelo al tuyo, consustancial con tu propia exis
tencia, tú la tocas, y además, ves una escultura que desde un punto de vista
inicial te está sugiriendo cuáles son los otros puntos de vista, nunca te vas a
encontrar sorpresas, no hay nada oculto, todo se mueve de una manera cir
cular y todos los elementos son reconocibles desde todos los puntos de vista
y se corresponden. La medalla es un espacio que se abre, infinito (yo lo llamo

infinito por aquella idea mágica de infinito), una expansión inmensa en que la
realidad se puede representar con otros órdenes y con otras leyes porque ya
es. Y además una cara de la medalla te impide ver la otra, nunca puedes sos
pechar qué va a haber en el otro lado de la medalla. Es decir, eso que ocurre
en la escultura, que te imaginas la otra visión, en la medalla no pasa. En la
medalla una parte es oculta a la otra, es un juego de sorpresas, ves una para
sorprenderte con lo que vas a ver en la otra, que tiene una correspondencia,
pero que siempre son de distintas características.
T.B.- ¿Una engloba a la otra o se mueven en mundos separados?
J.L.H.- Una engloba a la otra y se mueven a partir de que se ha creado una
realidad ficticia, mágica y poderosa, pero nada más; se corresponden, se com
plementan diría yo: el anverso complementa al reverso, pero aún así tienen
que ser diferentes; de hecho, en la propia composición ya plástica de la meda
lla, el anverso, normalmente para mí tiene una composición de tipo centrípeto,
es decir, todo va hacia el centro, se conjuga en una unidad central. Y el reverso
es centrífugo, es decir, se expande hacia fuera, es una composición diversa.
T.B.- ¿En cuál de los dos: anverso o reverso, haces una reflexión más que
responda a tus estados emocionales?
J.L.H.- Quizás, por aquello de que el anverso tiene que referirse más directa y
objetivamente al motivo de la medalla, se constituye como el retrato físico. En
el reverso, indudablemente está la interpretación que haces tú de ese perso
naje, es la lectura que tienes de su manera de ser, de su entidad como ser hu
mano, de lo que representa para ti. Y por supuesto da origen, precisamente por
esa composición expansiva, a que imagines muchas más cosas; ahí es donde
estás expresándote de una manera más completa, porque escoges aquello
que por una afinidad sensible a tu manera de entender el problema, y lo incor
poras al retrato; es ser fiel a una imposición externa, que es el personaje que
quieres retratar, para luego cárgalo de tensión y de psicología.

T.B.- Háblame de la escultura «Esperanza agrietada»?
J.L.H.- «Esperanza agrietada» es un barro que tuve que abandonar; la inicié
cuando mi hija Esperanza acababa de hacer la primera comunión, el reportaje
se hizo aquella mañana, celebrando ese día en los jardines de casa, y algunas
fotos que se hicieron como recuerdo me sirvieron de base para iniciar aque
lla escultura. Entonces empecé a modelar con ella, posándome, estaba muy
fresco todo lo que estaba haciendo, era muy directo, ella tenía una expresión
maravillosa, y yo la quise poner como iniciando la vida, floreciendo la vida
para ella, debía de tener algo en las manos, no sabía muy bien todavía lo
que era; pero la situación de que el estudio estaba lejos de casa y ella tenía
más cosas que hacer fueron provocando una serie de inconvenientes que me
impidieron dar término a aquella figura. Y la dejé colocada muy espontánea
mente, trabajando directamente con el natural, sin ningún otro intermediario;
tuve que abandonar aquel estudio porque me trasladé, tuve la suerte de com
prarme otro y me cambié de sitio. Se originó un desfase con el modelo y con
mi trabajo en el estudio antiguo. Sería en el año setenta más o menos, o en el
setenta y dos, no me acuerdo. Aquello quedó atrancado allí, pero después de
veintitantos años tuve que volver porque había que hacer obras en el estudio
nuevo. Y recuerdo que recorrí el espacio –que entonces hacía las veces de
almacén- y me encontré aquel barro agrietado y roto, se había secado, no lo
había cuidado, no tenía todavía los brazos hechos, las manos: estaba todo
agrietado. Bueno, encontré que aquella figura, aquel barro seco, agrietado, su
gería precisamente la idea contraria del florecimiento a una vida, el nacimiento
de una flor, era precisamente la muerte de una flor, y yo quise recuperar ese
concepto; entonces consolidé aquel barro que se estaba desmoronando con
ceras introducidas en sus grietas, lo hice sólido, lo pude acabar un pelín más
pero sin alterar la presencia de ese acto que había provocado veinte años de
espera y dejé que se pudiera hacer un molde; la completé con unas manos
que sostenían una flor muy ajada, muy abierta, una flor que se expandía en

el espacio, como si fuera a perder su entidad y a romperse, a destruirse ella
misma. La flor es propicia al agotamiento, por lo que se la puse entera y sin
grietas; esa es la historia de la esperanza agrietada.
T.B.- ¿Las manos las tenías hechas?
J.L.H.- No, las tuve que hacer después. Había pedido un molde, pero muy
fragmentado, que tuve que hacer después, porque no tenía suficiente material
guardado, pero yo creo que encajaron muy bien; por otro lado, lo bonito es que
en el transcurso de esos años, encontré un poema de Octavio Paz que casi
parece que está refiriéndose a la escultura: «Entre los pétalos de arcilla nace,
sonriente, la flor humana».
T.B.- Háblanos de la obra «Marcela y su luz»
J.L.H.- Siguiendo un poco la misma ruta que yo he seguido de siempre, es
decir, cuando mis temas nacen de la realidad, nacen de algo con lo que yo he
convivido; entonces vi que Marcela, cuando tuvo necesidad de usar lentillas,
hacía un acto muy concentrado y con mucho esmero. En su actitud de guardar
las lentillas por la noche con unos líquidos especiales y en un estuche para po
der usarlas al día siguiente, vi ese punto mágico como de atención delicadísi
ma, que es como cuidar tu propia luz, al meter las lentillas en la cajita. El hecho
me sorprendió tanto, lo vi con tal aliciente, que rodeando esa imagen me hice
un dibujo de todo el ambiente, el clima de la habitación, los visillos de la venta
na y el cabecero de la cama, lo que me sugirió un espacio muy recogido, muy
íntimo, muy delicado y transparente; ese dibujo que hice con Marcela, y en él
se ve una superposición de imágenes necesaria para recoger los aspectos y
vistas de la escultura, que me sirviera de base y de acompañamiento durante
el trabajo de realizarla. El dibujo es de tamaño natural, grande, muy detallado,
y fue el principio de la escultura, que es como yo he concebido que funcionan
mis dibujos: acompañándome para retener en la memoria y que esté presente

siempre aquel instante que a mí me emocionó. Claramente no son estudios de
luz sino de actitudes, la actitud viene dada por la realidad, es la permanencia
de aquel instante que fue el origen de la escultura. La traje al estudio y empecé
a trabajar en ella con el modelo vivo; se fue complicando, la actitud de guardar
la lentilla la hacía sobre una mesa, delante de la que se había arrodillado.
Aquel conjunto arrodillado en la mesa empezó a sugerirme las antiguas esce
nas de oratorios y de las tumbas renacentistas. Me acordaba de esas figuras
orantes de las tumbas de las iglesias y me pareció bonito aludir a eso, quitando
el aspecto necrológico. Apoyado en la mesa y frente a la figura de Marcela,
quise instalar un espejo para remitirme a un tiempo pasado. Es decir, es una
escultura formada por dos objetos, la figura arrodillada, la mesa donde va a
hacer la operación de guardar la lentilla y un espejo, como un retrato temporal;
la parte alta del espejo es el relieve bajísimo de la cara de ella con el dedo que
extrae la lentilla del ojo, es el momento en que extrae la lentilla con el dedo
índice y va a llevarlo a la cajita. En el espejo está el primer momento que ya ha
pasado, en el que ha extraído la lentilla del ojo, y el momento futuro cuando ya
la va a cerrar. Es un devenir en el espacio y en el tiempo. Se traslada el punto
de atención que me ha ocupado de un objeto a otro.
T.B.- En cuanto al tratamiento, aquí apuntas una manera de hacer con
respecto a las anteriores mucho más libre, y marcas unas heridas en la
forma de las que me gustaría que me hablaras.
J.L.H.- Una cosa que gravita en mí es el hecho de que en el transcurso de mi
trabajo la superficie sea expresiva al máximo y refleje incluso el devenir de cómo
ha sucedido y cómo me emociona eso. Efectivamente, en esta escultura es
donde se hace más patente la lucha por mantener esa vibración. Yo creo que el
cuerpo humano vibra, palpita, respira, todo ese organismo físico y vivo es el que
quiero reflejar al erosionarse la superficie, sin que se defina por nada determi
nado sino que pueda moverse y pueda sugerir otras sensaciones. Entonces, en

esa lucha porque la cosa no se me acabe congelando, yo dejo esas erosiones
que son las que provoca un trabajo directo con el natural. Cuando quieres captar
determinado gesto, pormenores de la ropa y de la anatomía, hay momentos que
se expresan más no acabándola, sino siendo obedientes a un impulso emotivo
que son las que han sugerido esas roturas. No las puedo hacer inventadas sin
el modelo, las roturas vienen dadas porque estoy conviviendo con el modelo
debido a la urgencia de poder acabarlo lo antes posible sin agotarlo.
Marcela y su luz es posterior, es del nuevo estudio, el de cuatro caminos, donde
sirvieron de modelo D. Andrés el carbonero, donde hice Esperanza agrietada,
las escenas del Metro, esas esculturas de la mujer viuda del colchonero, esas
esculturas ligadas a la vida social de un pueblo menesteroso que ha sufrido...
Cuando me cambié después de casarme a Ciudad jardín, encontré otro clima,
otro ambiente. Supongo que es algo que le debe ocurrir a todo el mundo, la
manera de vivir modifica tu visión de la realidad; para mí el primer cambio que
sospecho que sufrí, después de pasar con mis padres en Tetuán de las Victo
rias, en Estrecho, una vida muy rozada con los obreros, con los talleres, fue al
casarme. Mi suegro era médico, y eso significaba que ya era un estadio superior.
Enseguida comprendí que aquel médico, aquel hombre que veía a los seres
por dentro y que los intentaba sanar, tenía otra visión; intenté penetrar en el
ser humano, ver por dentro de él, no el exterior, sino el origen de su padeci
miento, estar dentro de ellos. Yo no sé si la escultura para mí, o mi visión de la
escultura y del tema artístico tuvo la necesidad de penetrar, de hacerse más
psicológica, meterse dentro del ser humano.

Entrevista a Antonio López
Tomás Bañuelos (T.B.)- Antonio López se considera un hombre de su
tiempo, que admira a Gordillo por cómo se expresa y como escribe.
Antonio López (A.L.) -Yo no he hecho otra cosa que pintar, me gusta la gente
que escribe, yo escribiría si supiera. Me doy cuenta de que cuando pienso,
estoy manejando el lenguaje de la pintura más desde la forma que desde el
color, estoy considerando cosas que pertenecen a la forma. Sorolla maneja la
pintura desde la luz y del color.
Hay gente que trabaja en ese espacio entre los dos mundos, las cuevas de Altami
ra son un relieve pintado como las cosas de Lucio Muñoz o las cosas de Barceló.
Aprovecharon las formas de la roca para que los cuerpos de los animales tuvieran
más presencia. Durante siglos la escultura iba unida a la pintura.
T.B.- ¿A tu juicio, qué arte esta antes?
A.L.- Para mí lo primero es el dibujo, es la forma de representar más esencial
que está equidistante de los dos lenguajes. En la escultura tú ves el busto de
Nefertiti y no creo que hubiera algo equivalente en el mundo de la pintura, ni

nada equivalente en la dama de Elche ni nada equivalente al escriba.
Yo creo que la escultura es muy fácil, en el fondo el escultor tiene al personaje
dentro y enseguida lo saca fuera, lo que es difícil es tener delante esa posibilidad.
T.B.- ¿Cuándo se tiene conciencia de hacer Arte? Porque yo creo que los
que pintaron Altamira no sabían que estaban haciendo una obra de arte…
A.L.- Yo creo que a lo mejor si la tenían y que había alguien que era tratado de
una manera especial por los demás, los artistas enseguida empezaron a firmar
sus cosas, el artista dentro de la comunidad tenía mucho significado, estaba
cerca de los sacerdotes; es el poder del espíritu sobre sus compañeros, sobre
la gente de alrededor: yo creo que la religión y el arte surgen a la vez.

Creo que hay gente con unas dotes excepcionales, creo que hay gente que
nace para pintar, aunque luego a lo mejor no pinte, creo que en el ser humano
hay mucha variedad, lo mismo que hay seres hermosos... otros son artistas…
lo que es una maravilla es ver los pocos casos en que realmente la naturaleza
ha creado eso como crea una montaña, y eso sí existe. Mi tío, cuando vino a la
escuela a estudiar, hacía ya maravillas, yo creo en eso, si no crees en eso no
crees en nada, yo eso si lo he visto: la naturaleza sí crea esa concentración en una
persona de eso que está en una menor dosis repartido en otros seres humanos, es
como la maldad y la bondad, todos participamos pero en algunos casos en unas
dosis verdaderamente monumentales. En Fidias, por ejemplo, resulta grandioso
como está ahí acumulado todo lo que es talento para hacer una escultura.
T.B.- ¿Tiene algo que ver la sociedad donde uno vive? ¿Esta sociedad es
más proclive a hacer artistas?
A.L.- En cantidad sí, no hay duda. La cantidad de gente que ingresa en Bellas
Artes y la cantidad de facultades que han abierto… en mis tiempos había
cuatro, y no ha crecido tanto la población. Ahora hay muchos más pintores
dentro de la sociedad que en mi generación, casi diez veces.
Pienso que el hombre hace mucho tiempo dio la medida de su capacidad de
transmitir emociones, hace siglos, y parecía que se tenía que agrandar su
dimensión de “sentidor”, de ser sensible para que eso mejorase, pero no se
puede mejorar. Se pensaba que la pintura del XIX era mejor que la pintura del
XIV, y ahora vemos que no, que cuando el hombre acierta, acierta por algo tan
sumamente misterioso que está por encima de todas las normas, de todos los
conocimientos técnicos, de todo lo que no sea la emoción que se transmite. Y
se puede transmitir con unos elementos elementales, lo veíamos Paco, Julio
y yo: estábamos viendo el “chais de Belén”, y pensábamos “cualquier alumno
de la escuela hace una pierna mejor que éstas”, ¿por qué es tan grande esto?
Es más grande que Fidias, y es tan grande como Benlliure, en el límite de

altura que ha podido darse en la escultura: porque ese hombre ha sentido con
una fuerza extraordinaria y lo ha sentido de una manera clara y sin ninguna
interferencia, ha ido muy derecho, nada le ha distraído. A la hora de la verdad
te das cuenta de que no es para tanto hacer algo maravilloso, es como el que
canta bien, no es para tanto. Y eso se da desde hace miles de años, tu vas al
Louvre y ves las salas de la escultura de Mesopotamia y te da miedo estar ahí
de la energía espiritual que tiene. Sales de allí y ves lo demás y esta todo naif,
todo aguado, “recetoso”, se ha perdido muchísimo en algo muy importante y
esto es una conquista de la mirada del hombre del siglo XX, que ha sabido
ver lo que es importante y lo que no es importante. Por muchos pelitos que se
le pongan a la escultura o la pintura, por mucha precisión técnica, por mucho
parecido... se sabe ya lo que es importante. Por esto nos hemos quedado a
merced de algo que es el sentimiento, que no sabemos lo que es y por eso
se cuela tanta gente que te está originando ese caos que invade el mundo del
arte. El punto de partida es fenomenal, lo básico no tiene receta y no sabemos
lo que es, y esto es algo que ocurre por primera vez en nuestra época, porque
siempre ha habido normas. Al hombre le costó muchos siglos hacerse con esas
normas, y se vinieron abajo y costo mil quinientos años hacerse con el lenguaje
que le permitía expresar a través de la pintura y la escultura sus experiencias,
el mundo en que vivía..., le costó mucho tiempo, muchos sudores y después
llega el siglo XX y entonces esto no vale para nada, cualquier persona puede
hacer algo fantástico, y en principio no lo puedes negar. Pero eso sí vale, a
mí me vale para ver el arte antiguo, para ver lo que es grande en Velazquez,
en Praxíteles, que lo alisa, pero bueno otros no lo alisan y es igualmente
emocionante. Para entender lo que es el arte en estos momentos estamos
en la confusión, como siempre se ha estado. El hombre sigue teniendo esa
capacidad de sentir que ya vemos en aquellos que vivieron hace muchísimo
tiempo, y ese hombre y esa mujer son como nosotros, se quedarían mirando
al sol o al cielo o a otro ser humano y sentirían cosas que sentimos nosotros.

T.B.- De alguna manera se justifica hoy este arte moderno efímero, de los
que no “hacen” nada, de los que no les interesa la forma, ni el color ni el
dibujo, quizá ante la propia impotencia de no saber hacerlo.
A.L.- Yo no lo llamaría impotencia, es que hay muchas cosas que contar,
pienso que lo que cuenta Velázquez lo cuenta desde el lenguaje de un gran
pintor, lo que cuenta una persona divertida puede ser muy divertido y no tiene
nada que ver con lo de Velázquez pero añade algo a la historia, yo pienso que
nada sobra, pienso que en último caso sobran los impostores, pero toda la
gente, sobre todo los que inician un lenguaje nuevo, a mi me inspira respeto.
A lo mejor habría que pensar que no es lo mismo la catedral de León que una
casa de Tomelloso que tiene mucho encanto pero no se puede comparar el
mérito arquitectónico, la riqueza… al final te preguntas porqué una canción
de la niña de los peines puede tener tanta emoción como Bach. Parece que
en la pintura y la escultura no es posible esa equivalencia, parece que no hay
un arte popular de esa altura, pero cualquiera sabe... en la arquitectura sí.
Parece que en la música y en la arquitectura existe esto y en la pintura y la
escultura hay una relación de más profesionalidad, pero habría que mirar. Yo
he visto dibujos de locos, dibujos de niños que me parecen muy prodigiosos y
el arte de las tribus primitivas, cuando el hombre sabía muy poco pero sabía
expresar cosa muy básicas, muy profundas muy misteriosas, a lo mejor más
importantes que el arte muy sofisticado.
T.B.- Ahora quizá estemos dando más importancia a lo popular del arte, como
ocurre por ejemplo en el arte egipcio, es como si invirtiéramos los términos.
A.L.- Es que claro se puede llegar a cosas de mucha humanidad, ¿hay un arte
mayor, un arte menor? ¿Qué pasó? Yo amo mucho en la pintura y la escultura
la manualidad, yo amo mucho la pintura y la escultura: el lenguaje de la pin
tura y la escultura. Pero yo entiendo que hay un espacio de esa gente que no
es pintor ni escultor, no es que lo desdeñe es que no es pintor ni escultor ni

tampoco es poeta ni músico, pero tiene cosas que contar. Creo que los nuevos
mensajes se crean precisamente por eso. El espacio de la fotografía, que tiene
tanto sentido y que ha sido tan importante para nosotros, en el siglo XIX era
impensable, yo no creo que sobre. Son nuevos espacios del hombre en su
caminar... como surgió el óleo y antes no existía.
El arte al individualizarse ha perdido dimensión pero ha aumentado en indi
vidualidades, cuando se suman todas se obtiene algo, cuando se quite toda
la paja del siglo XX va a ser muy sorprendente, desde una escultura de Paco
hasta cualquier otra escultura muy sorprendente o muy emocionante.
T.B.- ¿De dónde nace tu interés por el arte?
A.L.- Eso no lo podemos saber, a los diez años yo empecé a desmarcar, y antes
no era como ahora que el padre o el profesor estaban atentos; yo tenía unos
primos y unos amigos con los que jugaba y ellos venían a buscarme y yo estaba
copiando una lámina, con un enorme interés que yo no veía en ellos. Indudable
mente ahí pasaba algo. Mi tío empezó a dirigirme cuando vió que ya había un
material, una voluntad de aprender. Yo pienso que sí, que hay gente que nace
con una condición especial, con una predisposición específica para hacer algo.
Lo que pasa es que le tiene que ayudar el destino, pienso, se pierde mucha
gente fenomenal, porque no es posible que haya tan poca gente extraordinaria,
tiene que haber más semillas que no germinan por estar fuera de su sitio.
Iba para una oficina y notaba que no me gustaba nada, a mí me gustaba di
bujar y cuando mi tío convenció a mi padre para traerme a Madrid y estudiar
pintura se me abrió el cielo y lo aproveché… con trece años, no perdía ni una
clase…, me entusiasmaba. No hacía falta el bachillerato, e ingresé con catorce
años con un dibujo, si lo hacías bien.
Con trece o catorce años el niño ya puede aprender algo que pertenece al
mundo de los mayores.

T.B.- ¿Antes de entrar fuiste a aprender a algún lado?
A.L.- Sí, claro, había que prepararse, estuve dibujando en Tomelloso a los
doce años, todavía los conservo, copias de láminas, de revistas antiguas con
grabados… e imitaba el lenguaje del grabado, y llegué a tener una habilidad
extraordinaria y ya mi tío me atendió. Mi tío me dijo entonces que copiar de
láminas era una cosa muy tonta y que había que trabajar del natural y me puso
un bodegón. Esa obra la puse en la exposición del Reina Sofía, es maravilloso
el verte sin las andaduras, sin el apoyo de la copia de una lámina. El natural
es como un mar inmenso, presentía que aquello podía hacerse de muchas
maneras, lo otro no lo expuse nunca; en el natural hay algo vivo, podrás ser
más torpe o más hábil pero indudablemente hay un sentimiento.
En Madrid me preparé yo sólo en el Casón, que entonces era el Museo de Re
producciones, y en Artes y Oficios por la tarde con un profesor; como siempre,
los profesores no te dicen gran cosa.
Fue una época fantástica, ahí conocí a un escultor que ahora está jubilado, era
de mi curso y hacia unos dibujos extraordinarios de Oviedo, Felix Alonso Arenas.
T.B.- ¿Qué compañeros tenías?
A.L.- Allí conocí a gente que venía preparada de sus provincias y llegaba a Ma
drid a examinarse, los conocí ya ingresados pero no queda ya casi nadie. Te
das cuenta de lo dura que ha sido mi época, había tres o cuatro chicos y tres o
cuatro chicas, estábamos cuarenta y cinco, era muy difícil, se querían casar…
y esperar a un puesto dentro de la pintura era esperar mucho, y lo inmediato
era dar clase y ahí se quedó la mayoría. Yo tengo un recuerdo extraordinario
de los trabajos de ese curso, de Joaquín Rabo, que está en la marlborough de
París; hace unas cosas abstractas que parecen muy ornamentales, muy sim
ples; un año delante de mí estaban Lucio Muñoz, Julio, Francisco Barón, Feito,
ese curso fue extraordinario y salieron cuatro o cinco personas.

Pero se ha perdido mucha gente. Y ves que en la gente que ha podido continuar
le ha ido todo por los pelos… hacías una exposición y como hubieras vendido
un poco menos no hubieras podido hacer la siguiente, todo iba un poco así.
T.B.- ¿Cuáles eran tus maestros de entonces? ¿Cómo actuaban?
A.L.- Eran viejas glorias pero no cortaban el bacalao. Un poco tristes, eran muy
mayores. Ahora sois más jóvenes, yo era muy joven cuando di clase. Entonces
era gente muy mayor, claro, la guerra había echado fuera a gente muy inte
resante, muchos profesores en la época de la República. En España estaban
cuatro, gente mayor interesante pero del régimen, Laviada, Valverde, Asuar,
eran gente con primeras medallas, muy importantes, pero en aquel momento
en la decadencia. A pesar del retraso ya empezaba a presentirse un cambio
cuando yo empecé, oías cosas, ya estaba la escuela de Madrid que entonces
parecía la escuela de la modernidad: Lara, Benjamín Valencia, Redondela,
Macarrón, Martínez Murillo. A mi tío el pobre lo consideraban un viejo, un pintor
sin demasiado interés, porque había una forma de modernidad, que no era la
abstracción, pero era una figuración hecha de una manera muy suelta, recor
tadas las formas con un trazo negro, muy matéricas, esa era la modernidad.
En ese ambiente nos formamos nosotros, con profesores muy famosos pero
sin ninguna credibilidad; alguno te podía decir algo interesante pero como no
les creías pues no les hacías mucho caso.
T.B.- ¿Y qué influencias recibiáis de gente de fuera? ¿Qué os llegaba?
A.L.- Había muy pocas exposiciones; recuerdo una exposición en la que vi el
primer cuadro de Carrá en el año 55, en Italia, recuerdo una Bienal en el 51,
sí que había cosas; ahí tiene razón Maribel, ahora te las meten por los ojos y
antes tenías que estar muy atento, la gente no se enteraba. Y nosotros, pues
un día llegaba Julio con un libro de Martini, Lucio te hablaba de Picasso, en

la biblioteca de la escuela había libros de toda esa gente, no había llegado
la abstracción pero sí un arte moderno, Mattise, los impresionistas, todo eso
ya estaba. No sólo sabíamos que existía sino que nos seducía extraordinaria
mente, sin conocerlo directamente nos sedujo. A Paco y Julio también, tuvimos
las mismas influencias, ciertas figuras del arte moderno, que ahora no influyen
tanto, como Picasso, Henry Moore, nos influyeron mucho a todos los escultores
en esa época; pero escultores como Julio y Paco se sacudían esa influencia y
les ayudaba a seguir adelante: era un aprendizaje, no un lugar donde situarse.
Yo recuerdo, en el estudio de Julio y Paco, ver en blanco y negro en una
revista que se llamaba Goya la primera reproducción de Bacon. ¡Y cómo nos
impresionó! En la Bienal de San Paulo te hablaban de Bacon, de las obras a
Inocencio IV, y de Baltus, de la obra de una muchacha con la cabeza rapada,
y nos pareció muy personal, muy nuevo, y nos impresionó.
T.B.- ¿Y del arte en general, cuál eran los referentes?
A.L.- Para mí el Museo de Reproducciones fue importantísimo, siento que ese
museo no exista con el esplendor que tenía porque me enseñó la escultura
que se había hecho: veías la Victoria de Samotracia, impresionante igual que
en el Louvre, veías toda la obra de Fidias del Partenón. La absorbí igual que
Paco y Julio y Lucio también. Para mí fue una fuente de satisfacción.
Volví al terminar los estudios a Tomelloso, la idea era pintar para hacer una exposi
ción, para continuar en Madrid, pedí el servicio Militar voluntario y pude conseguirlo.
Una vez Paco me propuso ir a una librería a ver a un pintor fantástico, el pin
tor De Chirico. Yo sabía acercarme a la gente que podía aportarme cosas, y
esa gente es la que me ha hecho. Realmente, si no tienes unos guías... por
ejemplo lo que te decía Lucio de la materia, «la materia puede ser un valor con
emoción en sí mismo», mi tío nunca me decía esas cosas.

T.B.- ¿Entonces, el apoyo entre vosotros era más importante que la rela
ción con el profesor?
A.L.- Muchísimo más, infinitamente más. Se daban cuenta de que habían per
dido el tren, que el alumnado se les escapaba; pero si hubiéramos creído más
en ellos nos hubieran sido más útiles. Profesores en la época de mi tío de los
que se habían quedado en Madrid eran Julio Romero de Torres, Sorolla, Be
nedicto… estaban los más extraordinarios, en mis años nombraban a la gente
más extraordinaria pero no era gente que interesara. Lo único que hacían era
dejarnos trabajar, ahora oyes a alumnos que se quejan de que quieren trabajar
más despacio y no pueden..., entonces no. El gran apoyo que tenía entonces
el alumno era el trabajo, te hinchabas a trabajar y pintar. Si te las arreglabas,
mirabas libros, hablabas con gente, pues podías formarte, salías con un len
guaje que te podía valer para empezar a trabajar.
Las influencias me hicieron salir mucho de la órbita de mi tío: Picasso, Chagall,
el surrealismo, la pintura metafísica, los escultores italianos, Martini, Marini,

Henry Moore, fueron comunes en todos nosotros.
T.B.- ¿Cuando empieza a germinar esa idea de hacer realismo?
A.L.- Nunca me he salido de él, yo me doy cuenta ahora de que nunca me salí.
Veo ahora las cosas de esa época, de la época en que mi padre me considera
ba muy moderno y estaba muy preocupado porque decía que me había salido,
me había estropeado en Madrid, que mi tío me miraba con recelo y ¡era una
pintura basada en el natural!
Pero en aquella época tenía uno esas ilusiones: unas metas y unos referen
tes, tenía la conciencia de decir: “esto es lo que me gusta hacer, y esto es lo
que quiero”. Yo creo que lo he hecho siempre, no tengo la impresión de haber
hecho nada fuera de esa búsqueda, pero quizás cuando te estás formando no
sabes muy bien dónde vas, ahora tampoco mucho pero sabes un poco más.

Tienes ya un recorrido muy amplio y tienes unas constantes. Tengo que tra
bajar dentro de lo que es la observación de la naturaleza lo más directamente
posible, y ya hay apuestas lo suficientemente claras para que no te puedas
equivocar. En aquel momento yo empecé pintando una pintura muy cerca de la
de mi tío, muy objetiva, la pintura de mi tío era maravillosa, la mía es muy me
cánica, pero yo no me daba cuenta. Y cuando vi esos pintores modernos pues
me influyeron mucho y parecía que me separaba del lenguaje del mundo de lo
real y yo pienso que empezaba a entrar en él precisamente. Que empezaba a
entender aquello; lo que pasa es que me permitía licencias, hacia alguna línea
negra, simplificaba las formas, notaba que era muy importante introducir algo
muy personal, notaba que no se podían mecanizar las cosas, que había que
poner algo de tí mismo, no sabía por qué, pero sentía que tenía que ser así,
y puede que en algún momento lo forzara. El hecho de tener la influencia de
todos estos pintores tan individualizados, me hacía separarme más del mundo
objetivo: pero ya estaba tratando de indagar, de echar raíces en ese mundo
objetivo, no tenía mas remedio que hacerlo a partir de lo me enseñaban todas
estas personas, Chagall…, porque hasta que yo entendí a mi tío pasó mucho
tiempo: para mí era ininteligible, era un hombre que copiaba la realidad: me
pareció un hombre bastante aburrido, para que yo llegara a comprender lo
grande de su pintura tuve que pasar por muchas cosas.
T.B.- ¿Tuviste una época en que eras más intuitivo o siempre has tenido
que apoyarte en la medida, en ese estudio minucioso de la naturaleza?
A.L.- Yo lo que sí notaba era que tenía que apoyarme en un motivo, el punto de par
tida tenía que pertenecer a mi espacio de observación, es decir, mi hermana que
leía, un niño que tira a un pájaro en la terraza de mi casa, unas mujeres en el patio
de las parras… era una pintura muy biográfica, yo ahora lo veo, antes no lo veía.
La figura de mis padres, mis abuelos… todo muy personal, me pertenecía mucho;
era una parte de mi vida lo que estaba pintando, eso siempre, desde el principio.

T.B.- A la hora de hacerlo, ¿te apoyabas igual que ahora en la medida?
Recuerdo cuando hiciste el maremagnum de calabazas.
A.L.- Es igual, yo recuerdo uno de lo primeros relieves, una chica que anda, un ba
jorrelieve. Empecé a hacer escultura cuando acabé los estudios de pintura, porque
el horario era tan apretado que no teníamos tiempo. Cuando empecé con el relieve,
vi una chica, que me parecía maravillosa, por Cuatro Caminos, y fue el punto de
partida de un relieve; le incorporé mas cosas, pero siempre había un punto de par
tida de algo que aparecía en la realidad, no podía hacerlo de otra manera.
Pero ese modelo desaparecía enseguida, luego tenias que hacer apuntes o
fotos para ver como hacías el árbol, una pareja de novios, etc.
T.B.- Hablemos de tu etapa de enseñante. ¿Cuándo entras a dar clase?
A.L.- Eso fue en el año 1964, me llamó Villaseñor, que era profesor en la Es
cuela, un pintor con mucho prestigio. Fui a visitarle, le había tratado muy poco,
y me dijo que si quería dar clase en la Escuela, que quedaba una clase libre, la
clase de bodegones, y pensaban que yo podría darla. Entonces tenía 28 años,
y dije que sí, con una ilusión loca. Yo entonces estaba preparando una exposi
ción en Nueva York y noté que me metía en un lío. Yo ya vivía de la pintura, ex
ponía en la galería Juana Mordó, con Lucio, con Saura… yo he estado siempre
con esta gente moderna, por eso yo no me he considerado distinto, teníamos
los mismos coleccionistas, la misma galería, yo no notaba mucha diferencia.
Yo tenía un recuerdo de la Escuela maravilloso, me cambió la vida, me convir

tió en otra persona, de vez en cuando iba a ver como marchaban las cosas, a
ver a la gente, y lo sigo haciendo.
No me costó trabajo, no soy una persona desahogada, soy más bien tímido,
pero notaba que tenía cosas que decir. Eran recién entrados en el curso prepa
ratorio, estaban allí los mismos pintores y escultores, lo hice porque me hacía
ilusión (porque se ganaba poquísimo), un año o dos después hubo una gran
subida, pero en aquel momento no ganaban nada.

T.B.- ¿Y qué aprendiste en tu etapa de profesor?
A.L.- Aprendí que a fuerza de decir lo que piensas acabas afirmándote en lo que
piensas. Que aquello que tenían delante merecía un respeto. Aquellos cinco
años, a lo mejor hubieran sido iguales sin dar clase, pero es como si dices que
hay que ser bueno, si lo dices de buena fe acabas intentándolo, yo por lo menos.
T.B.- ¿Y por qué no volviste? ¿Cuál fue la decisión para irte?
A.L.- A los dos años sacaron oposición y la dejaron desierta y entonces estuve
a punto de irme; realmente vivía bien, había hecho una exposición en Nueva
York con bastante éxito; yo notaba que las clases no me valían, y me dió pena
dejarlo…, cada año me nombraban, estuve tres años más y al quinto año vol
vieron a salir, y no me gustaba nada sobre todo una de las personas, y me fui,
“no van a tener el gusto de darme otro revolcón”.
Y el quinto año noté además que me faltaba tiempo, y no quería desatender las
clases porque me merecían respeto y noté que tenía que dejarlo. Hay algo de
aventura en la enseñanza que se había cumplido, pero me repetía, en el fondo
los casos se repiten y en general es lo mismo, o te cambian de asignatura o te
dejan descansar; cuando quieres darte cuenta te estás apoyando en una serie
de fórmulas que pueden tener consistencia pero que son fórmulas; esa inda
gación y ese esfuerzo que es necesario se pierde. La enseñanza es algo que
a mí me resulta sumamente interesante, me parece más interesante enseñar
que pintar algo que no debes pintar.
T.B.- ¿Pero cuál es el punto de partida? ¿De dónde sale la idea? ¿Surge
con una técnica o de repente la sugiere un paisaje o una persona?
A.L.- El punto de partida te lo encuentras, en tu caminar en el mundo, dentro de
tu propia vida está todo eso, y el milagro es que por algún motivo entresacas
cosas que puedes convertir, las ves como posibilidad de arranque de motivo

para una pintura, es una cosa muy misteriosa. Imagínate las miles de imáge
nes que puedes ver en un día… y hay unas pocas en un año que son las que
se te quedan fijadas, algunas se esfuman y no llegan ni a empezarse, otra las
empiezas, y al empezarlas se frustran, no eran lo que tu querías, y otras tienen
una cosistencia que no te cansa, es como un amor.
T.B.- ¿Y siempre partes de las imágenes o de las emociones, de algo interior?
A.L.- Hay imágenes que te emocionan y no puedes llegar a ellas, cosas que
ves de una forma rápida; hay muchas cosas que no puedes hacer, pero hay
otras que sí, y éstas son sobre las que trabajas. En mi caso, desde luego, nace
de algo que está cerca de mí, lo tengo que ver, noto que forma parte de mi
espíritu de trabajo; bueno quizás en el caso de estos desnudos he partido de
una idea, pero eso es muy infrecuente, por eso me ha costado tanto.
Notas que hay una simpatía o una forma de afrontar cualquier tema, sea una
naturaleza muerta, un paisaje, o sea la figura humana. En el caso de estas
figuras, veo como en el año 54 hago un hombre y una mujer que eran mis
abuelos, en el 55 hago otra, en el 56 hago a mis padres; entonces noto que en

mí la pareja es un tema muy importante. Esto no es más que eso, en principio
están desnudos, los desnudé, y quería hacer una pintura, un retrato de una
mujer desnuda en el año 65, y no encontré modelo. Quizá para una escultura
puedes partir de una idea pero la pintura necesita tener el modelo en casa para
copiar la luz, el color..., hice unos bocetos a tamaño natural que los conservo
hoy en día, muy inventados, copiándome un poco a mí, a Mari... El caso es que
no encontré ese punto de partida básico que era un modelo que me interesara
para hacer esa escultura y aparqué el tema, pero me seguía seduciendo esa
pareja, ese hombre y esa mujer desnudos. Entonces usé una modelo de la
escuela, -la chica se parecía un poco a Mari-, hice unas espaldas a tamaño
natural y ese fue el comienzo de estas esculturas. Ya en el año 65 dije “no pue
do pintar esto, no tengo capacidad, no encuentro modelos, voy a hacerlo en

escultura que quizás voy a encontrar una forma de resolverlo más fácil”. Antes
te decía que me parecía más fácil una escultura que una pintura, como entien
do menos de escultura, lo veo de una manera más inconsciente..., y fíjate lo
que ha coleado esto, sencillamente por una razón: porque lo empecé guiado
por una idea y no arrastrado por una presencia y yo ya no puedo trabajar de
otra manera. Yo quería que esa máquina humana tuviera armonía, todo lo que
tiene que tener un desnudo, no encontré nunca un modelo que respondiera a
mi idea, siempre he tenido sensación de fracaso con esas figuras.
Yo pienso que esto son ya unos autorretratos, unas criaturas que son un re
flejo de mi interior, y ahí está la parte positiva de estas esculturas; no pueden
estar bien porque una escultura no se puede hacer con fragmentos de varias
personas, eso es una solución de emergencia. Pero poco hay de cada uno y
mucho de todos.
T.B.- Esa parte misteriosa que hay en tus obras, sobre todo en tu pintura,
¿es algo religioso o sobrenatural, obedece a caprichos del momento?
A.L.- El arte es un misterio, yo no puedo decir que Leonardo sea más miste
rioso que Velázquez; pero nunca es totalmente realista, la síntesis de la vida
en Sevilla, el aguador…, tiene tanta poética, tan distinta a lo que puede reflejar
una mirada objetiva...
En primer lugar, mi obra comparte con los anteriores artistas mencionados,
con los que he trabajado y de los que he aprendido, un indiscutible amor por el
oficio. También el referente de la realidad, con la salvedad de las indagaciones
y experimentación en las capacidades expresivas y formales del cuerpo huma
no, así como la defensa de la realidad como fuente de inspiración. Del mismo
modo que el Realismo de Madrid tomó como norte a Fidias y el clasicismo
griego, yo tomo como referente su propio bagaje sumado a las conclusiones

que ellos mismos habían aportado. De esta manera, aprendí de ellos un deseo
de ser consecuente con lo cotidiano, con lo que conocemos, con lo íntimo y
familiar; incluso a la hora de realizar un monumento, procuro humanizar al
personaje, hacerle cercano al espectador destacando de él las debilidades y
virtudes más humanas, evitando la grandilocuencia, aunque a veces me venga
impuesta en la naturaleza del encargo, del mismo modo que le ocurría a escul
tores del Renacimiento y del Barroco.

TÉCNICOS

Modelado
Es inherente al proceso de modelado partir de una armadura, y que éste se
construya acumulando materia, trabajando en positivo, de menos a más. Se
habrán de amasar pellas de barro de las que se irán extrayendo porciones de
un tamaño conveniente a la forma, sobre la que se irán ajustando.
En cuanto a la manera de modelar, el barro ha de colocarse superponiendo
las capas de forma compacta porque si no se puede desprender; tampoco se
debe abusar de una técnica pues se puede convertir en el recurso fácil que
vacía de contenido la expresión de la forma; cualquier exceso en el tratamiento
es susceptible de hacernos caer en el amaneramiento.
En este apartado nos gustaría destacar también algunas de las premisas fun
damentales a tener en cuenta en el proceso de modelado:
-Una elección del caballete o plataforma giratoria, de acuerdo con el
tamaño de la forma a realizar, procurando que el centro de la composi
ción quede a la altura de los ojos. En las esculturas de gran formato se
persigue que el escultor tenga una mirada similar a la del espectador
que contemplará la obra, de tal manera que aquella pieza que tenga un
punto de vista desde abajo, deberá ser realizada en alto con el fin de
que el escultor analice de cuando en cuando su visión final.
-Una estructura que sintetice la forma general o volumen capaz que
tenga la resistencia, estabilidad y adherencia necesarias para que sirva
de soporte de la materia en la que va a ser modelada, con el margen
adecuado en la superficie de acuerdo con el material elegido.
-En la composición, las posibilidades son ilimitadas pero han de ser el resulta
do de la unión entre las sugerencias que proporcionan los modelos junto con
APÉNDICES. Técnicos 309

las capacidades expresivas de los materiales y las herramientas, filtrándolas
a través de la sensibilidad y los conceptos estéticos de que disponemos.
-Se deberá atender a las proporciones, organizando la obra con una
correcta correspondencia entre sus partes.
-Se tendrá en cuenta el movimiento en la pieza pues todo ha de llevarse
con armonía y equilibrio, valorando el conjunto.
-Ha de tomarse en consideración la luz; a veces una intensa iluminación
demasiado directa puede estar jugando un papel negativo en el proceso
de ejecución, distorsionando la forma. Por eso, es conveniente mover
de vez en cuando la escultura para encontrar una iluminación diferente.
Es muy aconsejable la luz natural y dentro de ésta, la que viene por el nor
te. En cuanto a la luz artificial, es mejor intercalar tubos de luz fría entre
tubos de luz caliente. No son muy apropiados para trabajar los halógenos
pues dan una luz excesivamente contrastada; sin embargo, son intere
santes para contemplar la obra, pues dan aspecto de luz solar, detalle im
portante cuando se realizan esculturas que se han de colocar al aire libre.
-En cuanto al acabado superficial o tratamiento no nos decantamos
por ninguno, pues en este sentido habría que tener en cuenta muchos
factores. En principio diremos que la textura siempre debe ser el resul
tado de modelar, nunca el acabado intensivo que se produce cuando
has terminado la pieza. Las formas han de quedar resultas, contenidas,
apretadas, ceñidas, vaporosas…, siempre acordes con lo que uno quie
re expresar y lo que el conjunto disponga. No se puede explicar mucho
un detalle en la superficie porque se desequilibra el conjunto, todo tiene
que ir evolucionando al unísono.

El proceso de colocación del barro
Deberemos tener el barro dispuesto para modelar, es decir, con la densidad
y humedad adecuadas; nosotros nos decantamos por una textura intermedia
que le permita desprenderse fácilmente de la mano, sin mancharnos excesi
vamente, de manera que resulte dúctil para que corra bien al adherirlo sobre
la superficie; sin embargo, dependiendo de las épocas, se ha modelado con el
barro más blando o más duro, favoreciendo una determinada factura, marcada
por una corriente u otra corriente (por ejemplo, el modelado cerámico).
Preparación del barro.
Antiguamente, el artesano tenía localizado un sitio en el campo donde la capa
de barro asomaba a la superficie, y de allí extraía la roca blanda que transpor
taba en carreta a las proximidades del taller. En una zona soleada, escavaba
una zanja de dos por dos metros y cincuenta cm de profundidad, la llenaba de
barro aproximadamente hasta la mitad, después echaba cubos agua hasta lle
narla y se metía a veces con su familia o sus aprendices a pisarlo y removerlo.
Pasados unos días, la absorción de la tierra junto con el sol, habían acabado
de realizar la labor; era entonces cuando procedían a sacar paladas en forma
de pella a las que quitaban la parte inferior, que era donde se habían decan
tando las piedras y la arena.
En la actualidad hay máquinas muy completas en las que sólo es suficiente
vertir el agua y el barro tal cual sale de la cantera, para que lo expulsen por el
otro lado ya preparado y con la forma que uno desee. Existen en el mercado
una gran variedad de arcillas con diferentes granos y colores, refractarios o no
refractarios, ya amasados y empaquetados en plástico.
Una vez en el taller del artesano o escultor, se almacena en bidones o arque
tas de plástico o uralita, que en ocasiones constan de ruedas para poder ser
trasladadas de un sitio a otro.

En el pasado se tenía en una zona oscura y fresca, por eso en algunas zonas,
al lugar en el que se hallaba el barro se le llamaba “la cueva”; más tarde se
hicieron pilas de hormigón que se tapaban con sacos de yute mojados. Con el
barro excedente de esculturas muy grandes, se hacía pellas que una vez secas
se apilaban. Todas estas tareas eran realizadas por el aprendiz, quien también
debía amasar diariamente la cantidad que el maestro iba a necesitar, dejando
preparadas las pellas convenientes al pie de la obra, del tamaño y forma que el
oficial determinase; esto se hacia entre otras cosas porque en invierno el barro
estaba muy frío y al pasar previamente por otras manos ganaba calor.
Colocación del barro.

Este proceso casi siempre se realiza con las manos, independientemente del
tamaño de la figura. Cuando ésta es muy grande, se suele utilizar también un
mazo, paleta o cuña, y en este momento la labor del aprendiz en el pasado era
crucial pues era aquí donde se iniciaba en las tareas del modelado, ya que apar
te de tener el barro apunto a los pies del maestro, podía empezarlo a colocar
él también, ensayando las habilidades aprendidas y dando a conocer su valía.
Una vez encajada la figura, atendiendo sólo a lo general, se podrán empezar a
construir los volúmenes con más detalle y precisión, circunstancia para la cual
se hacen indispensables los palillos de modelar.
Los palillos
Los palillos los podríamos clasificar por su forma y su función:
- Palillos de formas planas: estarían todos aquellos palillos con caras
rectas, o en forma de cuña, desde los más grandes a los más pequeños,
incluyendo los mazos, lisos o con textura.
- Vaciadores o ahuecadores: aquellos que por un lado o por los dos
están rematados con alambre de acero, creando una especie de arco
cerrado que tendrá diferente forma, dependiendo de la función que cum
pla, aunque en general se utilizan para arañar el barro.

Cuando en vez de alambre de acero, contienen una pletina con corte
por los dos lados, adquiere la función específica de sacar bocados; exis
ten también muchos tamaños.
-Palillos de formas curvas, cóncavas y convexas. Son los más usados,
y a pesar de la multitud de formas y tamaños, todos comparten un estilo
ergonómico y obedecen a la función que desempeñan. En general todos
los palillos se van haciendo a la medida de las necesidades, de manera
que el escultor suele fabricar sobre la marcha aquella herramienta que
le ha de servir para resolver un problema concreto.

Ampliación en arcilla
En primer lugar ha de construirse una estructura cuadrangular llamada jaula.
Esta estructura se hace con unas reglas verticales con base cuadrangular y
con un ángulo de 90 grados con respecto de la misma. La jaula es un elemento
de la ampliación que podrá reutilizarse siempre y cuando el modelo a ampliar
encaje con la medida de ésta, por lo que no es de extrañar que en los talleres
de los técnicos ampliadores existan varios modelos de jaulas.
Las reglas verticales de la jaula deben de estar acotadas con medidas;
aconsejamos que siempre se haga en centímetros de manera estandarizada
pues así podrán servir para futuras ampliaciones.
Planteada esta estructura con forma de prisma calado y con las reglas verticales
acotadas, haremos una regla horizontal móvil que se anclará con algún tipo de
sujeción a las reglas verticales. Esta sujeción tendrá que ser lo más sencilla
posible para que permita el manejo de la regla con mucha facilidad.
Una vez que tenemos la regla hecha, y hemos convenido desde que lado la
enumeraremos, deberemos de tener en cuenta en qué punto comenzamos a
enumerar. Habrá de descontarse, o no, el grueso de la regla vertical para que tanto
en el boceto como en la futura ampliación se comience desde el mismo punto.
Construida la regla con sus anclajes, habrá que proceder a la realización
de la cala. Esta cala tendrá la suficiente resistencia para que al proyectarse
perpendicularmente desde la regla horizontal hacia el modelo, se mantenga
de forma horizontal o paralela a la base; en ocasiones se incrusta en ella un
nivel, siempre y cuando la plataforma en la que se sitúe la jaula también esté
nivelada. La enumeración de esta regla, habrá de empezar a contar desde el
punto de contacto con el modelo hacía atrás y también se hará en centímetros.
La sujeción de esta cala sobre la regla horizontal se hará a través de un útil

que correrá a lo largo de la horizontal y este útil a su vez tendrá un carril por
donde corra la cala de forma perpendicular a ésta. El útil será lo más estable
pero al mismo tiempo lo más pequeño posible para que no tape las meditadas
acotadas tanto en una como en otra.
Realizada la jaula del modelo pequeño con su regla y su cala, pasaremos a
hacer la jaula a escala para el tamaño definitivo. La sección de las reglas no
tiene por qué responder a la escala de la pequeña, sin embargo la medida
total de la jaula sí.
Habrá excepciones al respecto por diversas razones en las que no entraremos a
particularizar, pues nos extenderíamos excesivamente; como decimos, esta medida
podrá variar pero deberá tenerse siempre en cuenta y repercutirá en el comienzo
de la medida de la regla horizontal, pues tanto la jaula grande como la pequeña
pueden utilizarse simplemente a modo de soporte físico de la regla horizontal y de
la cala; de esa manera la jaula concreta estaría imaginariamente acotada por las
medidas de la regla horizontal y de la cala, creando un sistema de coordenadas
inexistente pero implícito que es lo imprescindible para el sacado de puntos.
Sacado de puntos (con Jaula)
Procedimiento Sacado de puntos
Existen varias maneras para proceder a la hora del sacado de puntos; se puede
en primer lugar puntear el modelo tomando nota de los puntos desde las cuatro
caras del prisma, y una vez terminado se procede sobre el tamaño definitivo a
través de las anotaciones y comprobándolas sobre el modelo. Estas anotaciones
se hacen sobre una tablilla estándar especificada de la siguiente manera: se
ordenan tres columnas verticales, primera vertical, segunda horizontal y tercera
cala. Por ejemplo, buscamos el punto que nos interesa, comprobamos la cota
de altura en la que está, colocamos la regla horizontal, corremos el útil de la
cala para penetrar la barrilla hasta hacer contacto con el punto; podría darse
una medida concreta de 4 vertical, 13 horizontal y 11´25 de cala.

Tomados todos los puntos, comenzaremos a pasarlos a su escala definitiva;
para ello construiremos una estructura muy elemental con perfiles de hierro lo
más resistentes y estables posible. Los puntos que determinan esta estructura
se sacan tomándolos sobre el boceto e imaginando su situación dentro del
volumen; por ejemplo, en una figura de pie buscaríamos la vertical más larga
que pudiera entrar desde el centro del pie que apoya hasta el centro del
hombro, tomaríamos los puntos clave de ese alma interior que podría ser las
rodillas, los hombros, la cintura y el eje de la cabeza.
Una vez conformada esa estructura elemental, comenzaremos a traspasar los
puntos de superficie tomados en las tablillas. Existen dos maneras de proceder
a la hora de traspasar los puntos a la escultura definitiva:
Construyendo la estructura elemental y colocando los puntos con un margen hasta
llegar a la superficie donde se sitúa el punto entre cuatro y seis centímetros. Esta
manera nos daría una estructura sintética mermada donde no aparecen los puntos
de superficie, obligándonos a tomarlos con el barro, de tal manera que una vez que
cubrimos la figura de barro de manera esbozada habría de proceder otra vez punto
a punto a tomarlos y colocar sobre el barro unos chivatos; éstos pueden consistir
en taquitos de madera, de plástico o de hierro.
Esta manera también obliga a elaborar una estructura elemental y resistente,
y a partir de ella, colocaremos los puntos con varilla de acero de cinco a seis
milímetros soldados perpendicularmente desde el eje de las formas hacia la
superficie en la que se sitúa el punto exacto. Una vez que se colocan todos,
se habrán de unir entre ellos con un margen entre cuatro y seis centímetros
creando una estructura modelada en hierro pero perimetralmente más peque
ña para que una vez colocada la tela metálica, permita la colocación del barro
dejando asomar las varillas de referencia en la superficie.

La primera de las formas ha sido la más utilizada por los maestros hasta la
invención de la soldadura eléctrica. Nosotros hemos utilizado a lo largo de
nuestra trayectoria profesional las dos, aunque desde hace un tiempo nos he
mos decantado por la rapidez de la segunda.
Una vez construida la armadura, se han de tener en cuenta que en aquellos sitios
donde el barro se coloque horizontalmente en una gran superficie, pudiera darse
el caso de que al mojarlo éste se descuelgue. Para que esto no ocurra se harán
unas crucetas que se cuelgan de la estructura, actuando como soporte del barro
y aguantando el tiro de este por la fuerza de la gravedad. Se van formando pellas
de barro con las manos, que se planifican sobre el tablero colocándolas de pie;
se va cortando con un alambre lascas de tres a cuatro centímetros, dependiendo
del tamaño de la figura, y se aplicarán sobre la estructura apretándolas de tal
manera que éstas penetren lo justo para que se sujeten, dejando que los puntos
afloren en la superficie; si éstos se han tomado previamente; si no, se clavará
sobre el barro el testigo que determina el punto.
Este encajado de barro se efectúa de una manera sistemática colocando las
formas más elementales; es evidente que cuantos más puntos se busquen,
más se ajustará al modelo del escultor.
Después de la configuración de los volúmenes generales, se comenzará un
estudio pormenorizado de los detalles que forman el carácter expresivo de la
obra (rasgos o texturas, pliegues…), y que serán realizados partiendo de la ex
periencia obtenida en la construcción del modelo, pero teniendo en cuenta que
el tamaño al que se amplía obliga a una nueva interpretación. El material, el
tamaño y el carácter de la obra definitiva, dará rienda a propuestas personales
distintas a las del modelo inicial.

La jaula se quita cuando es necesario modelar libremente, y la técnica de
ampliación ya te ha sido útil; al haber obtenido lo más elemental de la obra,
se debe dejar de copiar, pues mientras sigamos supeditados al dictado del
boceto, estaremos haciendo mera artesanía. Si queremos encontrarnos con
el sentimiento de la obra deseada, estamos obligados a olvidarnos del modelo
para llegar a la superficie con sensibilidad.

Sacado de puntos con máquina (escala 1/1)

Sobre la cruz que podría ser tanto de madera como de metal, se colocará una
especie de brazo articulado, al que se le da el nombre de “máquina”, este brazo
se compone por una parte de un listón de madera, el cual se fija con un gato
al brazo vertical de la cruz y cuyo largo dependerá del tamaño de la escultura.
En el extremo del listón, que deberá ser lo suficientemente ancho como para
que sea estable, estará colocado el siguiente tramo de la máquina, consistente
en una varilla redonda que va sujeta con un pasador roscado al cual atraviesa,
fijándose por detrás por una palomilla; este pasador permite que el brazo gire
360º en ambos sentidos y al apretarse la palomilla se concreta la largura de
la barra y el ángulo; esta varilla remata con una cazoleta en la que se aloja
una esfera a modo de rótula también con un sistema de fijación; dicha esferita
conforma el juego de un pequeño brazo redondo que en su extremo opuesto
alberga una cabeza por la cual ha de poder correr una regleta (varilla calibrada
normalmente de sección triangular o cuadrangular); esta regleta está coronada
en uno de sus extremos por una cabecita decorativa que facilita su manejo, y
tiene también un anillo con tornillo fijador que corre a lo largo de la varilla (cala),
que sirve para marcar la profundidad a la que está el punto; la cala culmina en
una punta afilada siendo la encargada de determinar el punto. La máquina, en
su conjunto, se puede considerar una obra de ingeniería artesanal, pues todas
sus piezas están torneadas y se articulan las unas con las otras a la perfección.
Utilización de la máquina de sacar puntos
Sobre la piedra, de la que se sacará la escultura, se colocan primeramente los
tres puntos de fijación de la cruz; éstos no se pueden colocar arbitrariamente,
sino que su posición ha de estudiarse bien para que entre ellos haya mármol
suficiente de forma que entre con el margen justo la obra a reproducir. Primero
se coloca el de arriba, que es el más sencillo, y después, comprobando con la
cruz, se va quitando materia hasta que el punto más saliente del modelo, visto
de perfil, quepa dentro de la piedra.

Construidos unos buenos puntos de apoyo de la cruz, se procede al traspaso
de puntos. Para ello, se coloca el soporte con la máquina sobre el modelo y se
toma un punto, nunca al azar, sino el determinado por la experiencia y astucia
del maestro; una vez fijado el punto se extrae la cala para que no estorbe y se
descuelga la cruz, colocándose sobre la piedra. En sus puntos de anclaje se
introduce la cala y se irá quitando piedra hasta llegar a su tope, con cuidado de
no pasarse, y sin llegar del todo al punto, dejando un espacio margen que puede
establecerse también al tomar el punto. Esto se hace porque el desbaste con
puntero de dos o tres dientes, repercute sobre la piedra pudiendo machacarla,
reservando la medida justa para el apurado con la gradina fina o el cincel. Este
proceso se repetirá tantas veces como puntos se quieran sacar y dependerá
de la habilidad concienzuda del maestro sacador.

Vaciado
El yeso se obtiene por cocción de la piedra de yeso, selenita, alabastro, etc., en la
que se libera gran parte del agua de cristalización de tal manera que, si se resti
tuye, al amasarlo la toma con rapidez, cristalizando nuevamente y endureciendo.
La escayola, o cualquier tipo de yeso, reproducen muy bien debido a la expan
sión que presenta durante el fraguado que en el caso de las escayolas suele
estar alrededor del 1%. Esta expansión hace que presione contra la forma al
reproducir, registrando todos los detalles superficiales.99
El amasado y proporción del agua con la escayola se obtendrá espolvoreando
con uniformidad sobre el agua hasta que esta asome por encima. A continua
ción se bate con la mano o una batidora, hasta que desaparezcan los grumos
y la mezcla resulte homogénea; El resultado debe ser suelto y uniforme, que
en condiciones normales fraguará en unos 15 a 20 minutos aproximadamente.
No se deberá añadir ni agua ni escayola a la mezcla una vez revuelta, pues el
resultado podría salir defectuoso.
Las herramientas que habitualmente se utilizan son: cuchillos, espátulas de
varios tipos y medidas, paleta plana, espuertas y palanganas, etc. Todas estas
herramientas son complementarias pues lo fundamental se hace con las ma
nos; salpicando la mezcla sobre el modelo se obtiene la imagen en «negativo».
99 SÁNCHEZ BONILLA, M. I. (1997) Concepto y Técnica de la escultura mural.

Tenerife: Dirección General de Universidades e Investigación, Col. Textos Universita
rio. pág.243

Reproducción a partir de molde
La reproducción a partir de molde perdido
Un molde perdido se puede reproducir en materiales muy diversos, los más
utilizados son:
- La escayola, en sus múltiples variedades: Alamo 69, Alamo 70, Exadu
ro, Ebodur, Arquero, (son diversas clases muy utilizadas dentro de una
misma marca, pero existen otras).
- Resinas: Acrílica, de poliester
- Hormigón (también en sus variedades y morteros).
Cada material necesita una forma de trabajar distinta y también un desmol
deante concreto.
Desmoldeantes:
- Escayolas: lejía o jabón industrial.
- Resina de Poliester: cera.
- Hormigón o Mortero: grasa o parafina.
Reproducción en escayola
Para la reproducción en escayola es necesario que el molde este saturado de
agua y bien impregnado en jabón o lejía, generalmente la primera capa de re
gistro se aplica muy fluida, abriéndolo para cerrarlo con unas grapas mientras
se le colocan unas puntas de esparto bien localizadas. Una vez haya fraguado
se prepara una masa fluida que se realiza por «volteo». El sistema de volteo
en los moldes pequeños se hace de la siguiente manera:
Preparada la masa se vierte íntegra dentro del molde y se va moviendo ligera
mente para que llegue a los bordes; esperados unos instantes se vuelve a vol

car la masa a la espuerta y mientras se espera se mueve ligeramente el molde
en el que de inmediato se repite la misma operación y ya un poco más espesa
la escayola se voltea de nuevo (si pesa mucho se hace sobre una mesa) hacia
un lado y luego al otro, sin parar hasta que fragüe.
Si el molde es grande y tiene muchas piezas, es difícil que se pueda voltear,
se suele llenar por separado y después de la primera capa se refuerza con
esparto y hierro (si es galvanizado mejor) Antiguamente se utilizaban cañas de
bambú o huesos de vaca o caballo.
Picado del molde
El picado se debe hacer siempre con el molde húmedo y si no lo está, se debe
regar para que esté más blando que el interior
Con un mazo de madera y un formón romo, sin corte, precisamente para que
el golpe de mazo no corte finalmente sino que penetre reventando la capa de
escayola hasta llegar a la de aviso.
Primeramente, con un formón más ancho y afilado, se cortan los puntos que
sujetan la estructura y una vez limpio se comienza con el otro formón por las
partes más altas y más delicadas. Formando un ángulo de 95º respecto al
molde, se golpea echando el material hacia delante y caminando hacia atrás y
cuando está prácticamente picado, se terminará de sacar el resto de los sitios
más recónditos con un punzón para después lavarlo a presión.
Reproducción en Hormigón
Existen dos maneras de reproducir una pieza en hormigón:
-Por fundición o colado.
-Llenado por piezas dando grueso.

El hormigón es un mortero que se fabrica a base de cemento, (tres partes de
áridos y una parte de agua). Existen varias marcas, todas ellas similares, Cos
mos, Aslam, etc. Aslam S.A, por ejemplo, tiene tres tipos:
- 32´5.
- 42´5, con dos variedades a su vez:
1) Para la fabricación de tubos y pretensandos con
asbestos.
2) Par el hormigón en general.
-52´5. Para la fabricación de pretensados y todo tipo de
prefabricados (vigas, etc.)
-El cemento blanco. Que solo existe en la primera y segunda variedad.
-Asbesto. Mineral fibroso, flexible e inalterable al fuego, como el amianto.
-Áridos. Existen molinos donde se fabrican diferentes tipos de áridos;
allí se muelen infinidad de mármoles, calizas, vidrios, metales y material
cerámico. Estas gravas tienen unos gruesos determinados que oscilan
entre el grano de polvo (impalpable) y la piedra del tamaño de un puño.
Estas se numeran por milímetros y se denominan según su tamaño:
grava del uno, del dos, etc.
También podemos encontrar en ellos arena de río y canto rodado.
Existen en el mercado, en cualquiera de los casos, cribada o sin cribar,
escogida con un grueso determinado o a granel, donde el grano tiene
su composición un grano de diferentes gruesos (garbancillo). También se
utiliza el vidrio y el carborundo sobre todo para la fabricación de suelos
para zonas públicas, pues son materiales muy resistentes al rozamiento.
Con el agua se pueden mezclar diferentes aditivos: látex, acelerantes,
antioxidantes, retardadores, impermeabilizantes, etc. Estos se utilizarán
dependiendo del tipo de trabajo a realizar.

Proceso.
Partimos de la premisa que no todas las esculturas se pueden reproducir en
hormigón. Mientras modela la figura, el escultor habrá de decidir a que material
la va a pasar. Para hacerlas en hormigón se pensará en esculturas bastante
simplificadas, con volúmenes muy abiertos, y se habrá de tener en cuenta si se
reproducirá método de molde abierto o con el de molde cerrado.
Si pensamos en una escultura para reproducirla con el molde cerrado,
tenemos que tener en cuenta por dónde la vamos a llenar, para que el aire no
se concentre en bolsas, y para ello la forma habrá de transcurrir suavemente
hacia la boca con ángulos superiores a cien grados, pues el fracaso de muchas
obras en hormigón se produce por no entender el proceso adecuadamente.
Es imprescindible armar el hormigón con una estructura metálica de barillas
de tretracero sujetas con alambre de atar. El grueso de estas dependerá del
tamaño de los volúmenes y de la resistencia que estos han de soportar con
respecto de los demás.
Es importante destacar que existen diversas teorías sobre la necesidad de la
impermeabilización del molde. Nosotros somos partidarios de dos maneras:
- Mantener el molde muy húmedo, casi mojado, dándole en la superficie a
reproducir un desmoldeante que pudiera ser grasa consistente rebajada con
petróleo o, parafina en pasta.
- Conseguir la impermeabilización del poro con un barniz (gomalaca). En este
caso el molde debe estar muy seco, para que la gomalaca penetre bien en el
poro; podría darse el caso de que la gomalaca no se agarre bien al molde y
el hormigón al fraguar produce una reacción de calor fundiendo la gomalaca
quedando adherida en la superficie de la obra deteriorando su calidad.

Tipos de Moldes
Los moldes se clasifican atendiendo al material y al número de copias que
nos permiten realizar. Dependiendo del material, los moldes pueden ser duros,
blandos o mixtos, según se realicen en un material rígido (escayola, resinas
plásticas, etc.), o de cualquier tipo de elastómero, ya sean recuperables para
usos posteriores (cola, gelatina, plastoflex, etc.) o por el contrario no recupera
bles -o no recomendable- (silicona, látex,...).
Atendiendo a la cantidad de reproducciones que se puedan obtener de un mol
de, encontramos el vaciado a molde perdido, (que nos permite una sola repro
ducción) , y los moldes que permiten la reproducción de varias copias, que a su
vez clasificaríamos en «moldes de piezas» , denominación que tradicionalmente
reciben aquellos compuestos por fragmentos rígidos que encajan entre sí, y son
sustentados por una o varias piezas más grandes designadas como madre o
matriz. Cada uno de los fragmentos que componen el molde de piezas ha de
tener perfecta «salida» con respecto a la parte positiva que reproduce.
Tradicionalmente, los moldes para varias reproducciones se hacían con escayo
las más o menos duras. Sin embargo con el avance de la industria química y la
incorporación de nuevos materiales a la escultura, aparecen los moldes de ma
terias elásticas que simplifican notablemente las tareas de construcción de mol
des y posterior reproducción de positivos. A la vez que permiten mayor calidad
en lo que a acabados se refiere (especialmente en piezas con mucho agarre).
La elasticidad de los materiales en cuestión depende en ocasiones de reaccio
nes químicas imprevisibles, como en el caso de la silicona, que si no se mezcla
de forma homogénea el catalizador en la pasta, puede producir alteraciones en
la polimerización, provocando finalmente deformaciones que repercutirán en el
positivo, al mismo tiempo que acortan la vida del molde.
A su vez, este tipo de moldes o negativos han de contar con el apoyo de una
matriz rígida que impida la deformación a la hora de positivar.

Puede confeccionarse también un tercer tipo de moldes que faciliten también la
reproducción de más de una pieza, y que se les conoce como moldes mixtos, por
su conjunción de piezas rígidas y elásticas (fig). Estos se utilizan sobre todo para
figuras grandes donde hay amplias superficies planas que no tienen agarre, y su
objetivo es la economización de tiempo y dinero, pues la escayola es más barata.
Existen dos tipos de moldes de silicona: Aquellos que se hacen por colada y
los que se coloca la silicona directamente, con la ayuda de un tisotrópico.
Moldes por colada.
Estos sólo se hacen de esculturas que ya se han reproducido en un material rígido y
casi siempre de pequeño formato. Se tumba la pieza, calzándola para que no se mue
va y se hace una cama alrededor con el fin de delimitar la pieza a resolver primero.
Primero se cubre la superficie de la escultura en la zona delimitada con una
capa homogénea de barro en las partes más altas, construyendo en estas una
especie de chimeneas de barro de forma cónica; por el otro lado, en las partes
más bajas señalando muy bien cuales son unas y cuales son las otras. Se
construye un borde alrededor, y encima de ese borde se coloca una delgada

tira de barro de forma cilíndrica en todo su perímetro.
En una segunda fase, se prepara escayola y se cubre homogéneamente, de
jando asomar en la superficie las chimeneas, y se refuerza con esparto, una
vez que fragua se desmonta con cuidado la pieza hecha con escayola y se
quita el barro, para después volver a colocar la pieza. Una vez preparada la
silicona envuelta con su catalizador de forma homogénea, se vierte por un
embudo mediante la chimenea que comunica con la zona más baja. A medida
que va asomando la silicona por la siguiente chimenea en altura, se coloca el
embudo con rapidez «clausurando» ese orificio con barro hasta llegar a la más
alta dejándolo definitivamente con silicona de más para que tenga de donde
chupar. Se esperan unas seis horas a que fragüe procediendo a descalzar la

figura desmontando la cama para dar la vuelta a la escultura sin despegar esa
primera pieza echa, se estudia cual será la siguiente delimitando si es nece
sario con un dique de barro, y allí, donde va a estar en contacto con la pieza
anterior se limpia ese borde construyendo unas llaves y dando desmoldeante
a todo el borde se procede a repetir el procedimiento.
Llaves
Las llaves son de dos tipos, de superficie y de borde.
Las de «superficie» son aquellas que se hacen perforando superficialmente
la escayola con forma generalmente romboide y se construye con un formón

plano, dando dos cortes convergentes en la arista del borde del molde.
Las de borde se hacen construyendo un agujerito de un tamaño relacionado
directamente con el de la pieza, es una concavidad semiesférica y tienen la
única función de que posteriormente, el molde ajuste correctamente. Estas se
puedan hacer donde el molde contacta con su escayola y donde contacta con
la silicona, el churrito cilíndrico que poníamos antes (cuando cubríamos la es
cultura), tiene también la función de llave, al igual que las chimeneas una vez
que fragua la silicona, incluso se le pueden clavar unos pasadores (clavos).
La silicona directa.
Esta manera de colocar la silicona se utiliza indistintamente para esculturas
pasadas a un material rígido o no, dependiendo de lo que interese en cada
caso. Al principio las siliconas se espesaban con gel de sílice (un polvo muy
volátil), pero hoy en día las siliconas existen tisotropantes que mezclados con
la silicona ya catalizada hacen que se vuelva espesa.
Utilización sobre material rígido:
Se coloca la pieza, preparándola como para moldearla por colada, se le
aplica un desmoldeante ligero, y una vez lista la silicona con el cataliza
dor, se pincela una mano muy fina de ésta.

Una vez que se ha cubierto toda la pieza con el resto de la silicona cata
lizada, se le añade un agente tisotrópico, que tiene la función de poner
la pasta más viscosa.
Comenzaremos por orden y con la ayuda de un pincel primero, y una
espátula de hoja de laurel después a cubrir con un grueso la super
ficie. Previamente, en una “pivotera”, habremos hecho varios pivotes
que cortaremos limpiamente y que colocaremos repartiéndolos por la
superficie. Pasadas entre cuatro y seis horas, se recorta el borde con un
cúter, se hacen las llaves si corresponde y le daremos desmoldeante,
tanto a la silicona como al borde (taladrina con barbotina), se cubre la
silicona con escayola y una vez fraguada se ponen los pasadores para
pasar a la siguiente pieza.
Utilización sobre barro o plastilina:
Primeramente, si lo hacemos sobre plastilina, debemos cerciorarnos de
que esta admite molde de silicona, pues si no fuese así la silicona po
dría ablandarla y esta a su vez impediría la polimerización con lo cual
perderíamos el modelado.
Ya sea en barro o plastilina, colocaremos chapas delimitando las partes
como si de un molde perdido se tratara y procederemos a poner la sili
cona de la misma manera que si el soporte fuera rígido pero intentando
no rozar la superficie, pues podríamos herir el modelado, sin embargo,
hay que procurar que el registro sea bueno y para ello hay que insistir
mucho empujando la materia una y otra vez para que no queden poros
ni burbujas de aire.
Existe otro tipo de moldes elásticos, los que llevan madre fija. Estos moldes se
utilizan para reproducciones de mucha tirada donde las piezas son grandes,
sobre todo elementos arquitectónicos.

Cuando está cubierta toda la pieza se adhiere una gasa de algodón del estilo
de una bayeta con una trama de hilo muy grande, procurando que se pegue
bien a la silicona, sin mancharla por arriba para cuando seque construirle por
encima una madre de resina de poliester con fibra de vidrio y una estructura de
hierro dejando al borde una pestaña que, junto con la pestaña que se constru
ya en el lado opuesto y que se taladrará colocando unos tornillos con tuerca,
permitirá montar y desmontar los moldes con más facilidad, al mismo tiempo
que aguantará una mayor presión.
La elaboración de estos tipos de moldes suele hacerse sobre positivos rígidos
habitualmente vaciados de un molde perdido.
Pasamos ahora a analizar de manera más minuciosa el proceso de vaciado a
molde perdido:
La obtención del molde se realiza a partir de un positivo en materia blan
da (barro, plastilina, etc.), tanto en forma de relieve como de bulto redon
do, pudiendo estar provista de un armazón interno más o menos rígido.
El primer paso a seguir, es la elección del número y forma de las piezas
que compondrán el molde teniendo en cuenta que sean el menor núme
ro de ellas y que tengan la máxima salida, contando con la posibilidad
de que al sacar el molde arrastre pequeñas partes de barro, pues todas
las partes no tiene perfecta salida.
Tras decidir cuáles serán estas piezas y dibujarlas brevemente en la su
perficie del barro, procederemos colocando a lo largo de las líneas un
material que impida el que unas piezas se adhieran a otras a la vez que
se diferencien con claridad. El material empleado suele ser chapa, nor
malmente zinc, latón o aluminio de poco espesor y cortado en tiras de una
altura y longitud variable dependiendo del tamaño de la figura a vaciar.
Estas chapas se hendirán brevemente en el barro siguiendo las líneas

diferenciadoras de las distintas piezas, manteniendo una altura continúa y
regular entre una chapa y la siguiente, procurando que no exista separa
ción entre ella (esto puede lograrse fácilmente al superponer mínimamen
te una chapa con otra, dándole así la continuidad que precisa).
Colocadas las chapas procedemos con la labor de cubrir de escayola
las diferentes piezas. Habitualmente se realiza de una forma metódica,
pieza a pieza, extendiendo primeramente una fina capa que, dependien
do del material en el que se vaya a reproducir tendrá color (capa «de
aviso»), suele salpicarse a veces a mano y otras a pincel; sobre esta
capa se coloca otra buscando el grueso definitivo que dependerá del
tamaño de la escultura siempre que adquiera la consistencia necesaria
para ser abierto, sin daño para ninguna de sus partes.
No obstante, antes de la fase de apertura del molde, es imprescindible
armar cada pieza con cañas o tubos metálicos rígidos, sujetos a la su
perficie del molde con esparto impregnado también con escayola.
Al finalizar la confección del molde, proceso que en términos profesiona
les recibe el nombre de «moldeo», debe esperarse un tiempo prudencial
que asegure el fraguado antes de proceder a abrir el molde.
La apertura del molde se debe realizar mediante agua, como factor esen
cial que dilatará el barro del interior, facilitando la retirada de todas las
piezas. Así se extraerán con la ayuda de tenazas o alicates algunas cha
pas que por hallarse situadas en partes altas permitirán la entrada de
agua en mayor cantidad, y con la ayuda de una palanca se va ejerciendo
presión sobre la armadura de la pieza opuesta (apretar, soltar, apretar,
soltar...) en un lado, y luego en el otro, poco a poco, al mismo tiempo que
se insiste con el agua hasta que las piezas se sueltan y se hacen móviles
pudiendo proceder a retirar alguna, comenzando siempre por las que tie-

nen mejor salida. En cuanto a las piezas que sufren agarres con el barro,
es preferible quitar las masas que impidan su salida, así como parte del
armazón, antes de abrir la totalidad de las piezas del molde.
Después de abierto todo el molde, ha de limpiarse cuidadosamente con
agua a presión y con una brocha suave hasta que quede totalmente
libre de los restos del modelado.
Si no se va a positivar de inmediato, es recomendable unir todas las piezas
encajándolas perfectamente para evitar deformaciones, y unirlas entre sí con

alambres o puntos de escayola que se aplicarán en la junta exterior previa
mente preparada con un material desmoldeante.
A partir de este molde ya podemos empezar a positivar la pieza para obtener
una primera reproducción de la figura. La preparación del molde depende del
material en que se vaya a reproducir; hay materiales como la escayola, que
suele ser más usado en vaciados, que requieren un molde húmedo para que
el positivo o negativo desmolden perfectamente.

Fundición
Por lo que respecta a la técnica de la preparación de los modelos, los instrumen
tos y los materiales son los mismos que se emplean para las esculturas de ba
rro, estuco, yeso o cera, que no están destinados a la reproducción en bronce.
Naturalmente algunos de ellos necesitan de un etilo especial de acuerdo con su
destino. En la preparación del modelo en cera para fundir, este se rodea de una
serie de tubos de material fungible con forma de árbol que culminan en un embu
do central cuyo fin es formar una serie de canales a través de los cuales el bronce
reproduce la pieza mientras por otros los gases de la fundición salen al exterior.
Si se hace molde de silicona, se puede realizar por el método que antiguamen
te se utilizaba para los moldes de cola o gelatina, cubriendo el modelo con una
fina capa de barro y esta a su vez por una capa de escayola que actúa como
caja, una vez eliminado el barro y sellada la caja se vierte la silicona por los
bebederos; la caja actuará como madreforma. Sobre el molde de silicona ya
vulcanizada se hace una madreforma o caja para evitar deformaciones debi
das a la elasticidad de la silicona.
Seguidamente, ya preparada la cera (elástica) que se va a utilizar para la pri
mera capa (registro) y una vez caliente, se recubre el molde con una capa
delgada (a pincel o por colada pero sin arrastrar la cera caliente, poniéndola
con cuidado cubriendo la superficie), aplicando a continuación la cera (rígida)
también a pincel o a mano.
Esta manera de colocar la cera a mano se hace vertiendo la cera caliente en
un cubo de agua fría y de inmediato se recoge con las manos y se amasa.
Las manos han de estar humedecidas con petróleo para que no se adhiera a
ellas; este procedimiento es muy rápido pues dura mientras la cera se enfría
y hay que colocarla antes de que esto ocurra; cuando la cera está como una
plastilina caliente se empieza a colocar procurando dar el grueso adecuado,

entre cuatro y ocho milímetros dependiendo de la resistencia que ha de tener
la pared de bronce, pues no es lo mismo el peso que aguanta en la parte más
alta de la figura que en la parte más baja: se coloca con el pulgar y se va pro
cediendo a ello hasta cubrir toda la superficie.
Una vez que la cera se ha enfriado se rellena con un material refractario crean
do una base sólida y estable teniendo en cuenta cual es la postura en la que
se va a fundir; pasados entre veinte y treinta minutos, cuando ha fraguado, se
le da la vuelta colocándola en la posición de apoyo adecuado, procediento a
quitar la madreforma, las piezas si las hubiere y el molde elástico.
Material refractario.
El material refractario se compone de una parte de agua, otra de escayola, tres
de ladrillo molido, que como este se suele reciclar, se le añade los usados y
uno nuevo.
Una vez repasadas las ceras se le ponen los clavos que han de unir el macho
interior al exterior; estos clavos tendrán un grosor diferente en función del ta
maño de la pieza, oscilando entre los alfileres de costurera y la varilla de ocho
milímetros. Los alfileres son de latón o de cobre, pues así los asume el bronce
y no hace falta repasarlos. Hecho esto, se colocan los bebederos constru
yendo una especie de árbol que culmina en un embudo central y dos salidas
de aire paralelas. Se edifica todo con barillas de cera de diferentes grosores,
dependiendo del caudal de bronce que sea necesario, de tal manera que las
verticales (principales) serán más gruesos (dieciséis milímetros), y los inclina
dos que acceden a la superficie, más pequeños (diez milímetros).
La inclinación de los secundarios no se pondrá a favor de la caída sino en
contra, para que el bronce baje primeramente de golpe hasta abajo y vaya
llenando en la subida.

Terminada esta labor, se coloca un encofrado a toda la pieza, y se llena con
material refractario hasta el borde del embudo dejando asomar tanto la boca
de éste como las salidas de aire. En las fundiciones modernas, para que repro
duzca mejor, se le suele aplicar a la superficie modelada lo que se denomina
baño cerámico (sílice coloidal y circonio), producto que al quedar adherido al
molde refractario aumenta su resistencia superficial y, si bien en frío es im
permeable, a elevadas temperaturas se vuelve poroso y deja pasar los gases
permitiendo un mejor registro.
Como decíamos, posteriormente se cubren con picadizo (material refractario
con escayola amasado con agua) tanto la obra como el árbol de alimentación,
dejando abiertas al exterior el embudo, respiraderos y tubos de drenaje. Pre
viamente se han instalado «clavos de hierro», que atraviesan la cera y unen el
molde externo con el macho.
Tubos de drenaje.
Estos permiten que en el quemado salgan los gases o la cera, dependiendo de
cómo se coloquen los moldes en la mufla.
En la parte inferior de la pieza a fundir, después de construir el árbol, se colo
can dos tubos de cera que afloran a la superficie lateralmente y con inclinación
hacia abajo, en la parte baja del molde. Estos quedarán pegados a las paredes
del encofrado, para que cuando éste se quite queden asomando.
Cuando los moldes se introducen en la mufla, se podrán colocar todos apila
dos, boca arriba o boca abajo; si se ponen boca abajo habrá que suspenderlos
sobre dos ladrillos refractarios, para que al fundirse la cera pueda salir con faci
lidad; entonces los tubos de drenaje quedan hacia arriba permitiendo la salida
de gases y la entrada de aire; si se ponen boca arriba será al revés.

Encofrados
Existen dos tipos de encofrados:
- Con paneles planos de madera o de hierro, que se montan con tornillos
de aprieto.
- Con chapa de hierro formando un cilindro y encajados con cierres de
camión regulables.
En cualquiera de los dos casos existen muchas variedades para los diferentes
tamaños de piezas.
Los encofrados se quitan para quemar la cera y se vuelven a poner para fundir
el bronce porque si no el molde no aguantaría la presión de éste.
A continuación se procede al quemado de la cera, y para ello es importante que des
aparezca toda la humedad del molde y toda la cera que contiene. La temperatura del
horno debe ser de aproximadamente 600 ó 655º, y durante el tiempo suficiente, que
dependerá del tamaño y grueso de los moldes así como del tipo de horno.
El vertido del bronce
Una vez que se ha ido el calor del horno, se sacan los moldes y se colocan en
hilera, boca arriba, y con los encofrados puestos sobre arena de fundición que
se arrima contra los moldes intentando que abrace su parte baja; ésta, al fraguar,
ampara la presión que aflora por la junta inferior entre molde y encofrado.
Los moldes deben estar más fríos o más calientes dependiendo de la pieza
que vaya dentro; si tienen paredes gruesas el molde ha de estar frio, pues
el bronce tiene que llegar a la pieza, estamparse y enfriarse, no puede
permanecer líquido ni un instante. Si son paredes finas es mejor que esté
caliente, pues estará mas dilatado corriendo mejor el bronce, y como es muy
poco, se enfría enseguida.

El llenado ha de ser total, incluidos el embudo y los respiraderos y se ha de
realizar de una sola vez para que mantenga la misma presión en toda la pieza,
dejando las impurezas flotando en la parte inservible. La solidificación es
instantánea, pero se suele esperar un tiempo antes de desmoldear, sobre todo
por el calor que desprenden.
El picadizo se desmorona con facilidad. Una vez eliminado se cortan los
bebederos y se meten al chorro de arena, procediendo seguidamente al
repaso de la pieza.
Repaso de Bronce y pátina
Como decíamos, la coladura, una vez libre del molde de tierra, aparece envuelta
por la red de canales y respiraderos que han permitido la circulación del aire y
del bronce. Tanto estos salientes como las varillas metálicas que han fijado el
molde al núcleo habrán de eliminarse con sierra, cincel y radial. Asimismo, se
repasa el bronce con punzones, cinceles, radial y fresadoras neumáticas para
la eliminación de juntas y rebabas.
Dejando a un lado estas imperfecciones inevitables, cuya eliminación tiene un

carácter puramente mecánico y puede ser ejecutada por el artesano fundidor, la
escultura puede ser sometida, en mayor o menor medida, a un acabado posterior
en frío por parte del artista o de sus ayudantes. Las razones de este acabado
residen en recobrar la sensibilidad del dibujo devolviendo la frescura y su
intensidad a la obra de arte de la mano del autor o de su personal de confianza.
Los defectos de fundición pueden responder a diferentes motivos. Una colada
demasiado caliente originará fundiciones porosas, con rechupados. En cambio
otra que se queda fría puede coagularse y bloquear la coladura en el hueco del
molde sobre la forma ocasionando lagunas y bordes redondeados. De la misma
manera puede ocurrir esto mismo si no se han dispuesto adecuadamente los

bebederos impidiendo la circulación del metal fundido. Otros desperfectos
pueden deberse a la presencia de humedad en el macho o en el molde; o a la
deformación que éstos pueden sufrir a causa de las contracciones por el calor
de la coladura fundida. Normalmente siempre se constata en mayor o menor
medida la presencia de pequeños defectos (ocasionados por pequeñas grietas
en el picadizo que se llenan de metal, por escorias que se introducen o por
bolsas de aire, etc.) que dan a la superficie un aspecto irregular.
Finalmente, como muchas de las esculturas se componen de un determinado
número de piezas fundidas por separado, el acabado es muy laborioso, pues
hay que soldar y repasar las juntas.
Una vez terminadas las operaciones de fundición y repaso comienza un
trabajo más creativo, que se realiza con cincel, buril y mateador así como
limas, raspadores y punzones de distintas formas.
El cincel se utiliza para dar mayor definición a las formas, los pliegues, etc.
Con el buril en cambio se hacen líneas suaves sensibilizando el dibujo y con el
mate se envuelve, aplastando granulitos e impurezas de la superficie.
El bronce ofrece un aspecto bastante heterogéneo, pues las partes recubiertas
por la película tostada que cubre la fundición, se alternan con los trazos
relucientes del metal descubierto; se hace necesario meterla en el chorro de
arena para unificarla.
Una vez que pasa por el chorro, la escultura queda con un color tostado claro
pero muy monótono, sin valores; Es conveniente descubrir la obra de arte.
Se le da una mano superficial de lija muy desgastada para no castigar más la
superficie y se procede a la pátina.
El dorado, plateado y todo tipo de baños electrolíticos no pueden considerarse
como pátinas, pues son recubrimientos que esconden los auténticos valores
de la obra escultórica.

La pátina no pretende ocultar la naturaleza del material utilizado: ésta no hace
más que anticipar un proceso de alteración que de cualquier forma se realizaría
naturalmente. Es más, existen casos en que la pátina se busca a propósito
por su belleza material, respetando por lo tanto una auténtica definición de la
superficie, pues valora los accidentes naturales de la aleación y sus posibilidades
formales. De cualquier forma, la función de la pátina suele ser la de atenuar
la calidad de la materia, sus reflejos metálicos, su color característico y de
exponer a la luz superficies cromáticamente neutras, moderadamente brillantes
para resaltar al máximo los valores de la forma escultórica.
Anexo sobre fundición

Aleación del bronce: La que se utiliza generalmente se llama cuprosiliceo, es
de las más puras con un 5% aproximado de sicilio. La proporción del cobre
que puede variar entre un 80%, un 83% y un 85%. El resto se compone en
mayor o menor medida de zinc, estaño y plomo.
Cera: Roja: funde a 85º
Marrón: funde a 65º
Desmoldeante húmedo.
Se mojan las manos en petróleo.
Pátinas: Según el componente químico que se utilice, encontramos los
siguientes elementos o acelerantes que intervienen en la oxidación del
bronce: sulfuro de potasa, nitrato de hierro, sulfato de cobre, sal de amoniaco,
sal de acederas, y boras.
La arena: antiguamente se utilizaba arena negra mezclada con agua y
bentonita. La arena moderna puede ser de caja fría o de caja caliente.
-Para caja caliente se necesita un modelo de metal que puede ser de
aluminio o de bronce o de hierro. Se prepara la parte a fundir dentro de
la caja y se calienta la superficie de la pieza; se llena de arena, se aprieta

y la capa que está en contacto con la pieza endurecerá por el calor en
medio centímetro. Como desmoldeante se utilizan grafito y talco.
-Para caja fría (sin calentar el modelo). El fraguado se produce o bien sólo
con resina o bien con CO2, resina y catalizador. Cuando sólo necesita
resina, la arena es de sílice, y la resina puranica con un catalizador que
la convulsiona y hace que se peguen las partículas de arena entre sí.
La arena con CO2 se obtiene mediante la inyección de CO2 con una
campana o bien dejándola reposar un tiempo.
Recubrimientos cerámicos: pueden ser de Molochita calcinada o chamotas. La
primera capa suele ser de Harina de circanio diluida en Silicato de Tilo líquido.
Posteriormente se mete la pieza con el recubrimiento en una cámara o cabina
de evaporación de amoniaco y la diferencia de PH (un ácido con un alcalino)
reacciona y hace que seque antes.
Mufla: se pone caliente a 700º y se mantiene durante 48 h o 72 h, dependiendo
de la humedad y el tamaño de las piezas.
El horno de bronce: el bronce dentro del crisol empieza a licuarse entre 700º
y 750º y se saca del horno a unos 1250º a 1300º para fundir, dependiendo del
número de piezas, para verterlo a 1150º sobre el molde, Dependiendo del tipo
de aleación se echa fósforo en el crisol líquido. Al cuprosiliceo no se le hecha
nada, pero cuando el bronce no es muy bueno se le añade arena de sílice, que
ayuda a la limpieza de la superficie, creando una nata arriba que se debe quitar.
La mirilla de la mufla: al evaporar la cera se ve si tiene llama, humo o vapor.
Las boquillas tienen que estar blancas incandescentes. Los moldes deben
estar fríos o calientes dependiendo de la pieza: si es gruesa, molde frio; si es
fina, molde caliente. El bronce ha de llegar a la pieza, estamparse y enfriarse,
no ha de estar líquido dentro de la pieza.

Soldadura. Puede ser con aportación o sin aportación de material.
-Con aportación: Hilo o Mig (gases argón), eléctrica (electrodo) y
autógena-oxígeno (acetileno).
-Sin aportación. Tig
Chorro de arena: existen dos maneras de chorrear la arena, en estado líquido
o en seco. Su composición puede consistir en partículas de vidrio, corindón,
sílice...
Bebederos: son mangueras, tubos o barras de cera, y se pueden fabricar de
varias maneras:
-Con moldes acanalados en dos partes que se llenan por arriba; éstos
se abren y salen barritas macizas de distintos grosores. Normalmente
son moldes de catro o cinco barritas que se cierran atándolas con una
goma, se mojan y se llenan.
-Huecos: estos se fabrican con un palito redondo y papel de periódico.
Se envuelve el periódico en diagonal sobre el palo, se le cierra la punta
con un doblez y se mete en el barreño de cera caliente, sacándolo
enseguida, y al haber dilatado se le quita el palo, de forma que queda
un tubito frabricado con el papel dentro.
-Con bomba a presión; se le coloca un cilindro de cera macizo y un
émbolo lo apretará al cilindro expulsando la cera por una boca que
tendrá diversos tamaños y formas.

La Escultura, El Medio, Su Entorno y Su Fin

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

La Escultura, El Medio, Su Entorno y Su Fin

Cargado por

Información del documento

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

La Escultura, El Medio, Su Entorno y Su Fin

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID

FACULTAD DE BELLAS ARTES

La escultura, el medio, su entorno y su fin

MEMORIA PARA OPTAR AL GRADO DE DOCTOR

Tomás Bañuelos Ramón

Francisco López Hernández

Elena Blanch González

© Tomás Bañuelos Ramón, 2015

LA ESCULTURA, EL MEDIO, SU ENTORNO Y SU FIN

Memoria para optar al grado de Doctor presentada por

Bajo la dirección del Doctor Francisco López Hernández

y la Doctora Elena Blanch González

LA ESCULTURA, EL MEDIO, SU ENTORNO Y SU FIN

Memoria para optar al grado de Doctor presentada por

Tomás Bañuelos Ramón

Bajo la dirección del Doctor Francisco López Hernández

y la Doctora Elena Blanch González

Quiero manifestar mi agradecimiento a todos aquellos maestros que me en­

o venían el festivo para no compartir sus técnicas, y nos sorprendían al día

siguiente con aquella patina, o encarnadura, o pasta para modelar, o encaje

ble de alcanzar, y aunque no enseñaban, animaban a inventar a ciegas, por

nuestra curiosidad una virtud.

También a esos otros que a lo largo de los años, me dieron lo mejor de sí

mismos, todo su conocimiento, a cambio de nada, por el mero hecho de saber

A los profesores que intentaron a toda costa liberarme de ataduras y

dogmas que te atrapaba en un quehacer rutinario y estéril. Fueron un necesario

y enriquecer este oficio, para que llevara la proporción justa de lo personal y

los sentí como míos, también sus fracasos y sus éxitos.

A mis directores D. Francisco López Hernández, y Dª Elena Blanch

González, sin su incalculable ayuda tanto en el estímulo personal como en el

Julio López Hernández, y Francisco López Hernández, a todos ellos y a sus

respectivas Mujeres: María Moreno, Esperanza Parada (fallecida), e Isabel

podría decir de su obra.

que he terminado de pulir todo el aspecto estético de este proyecto.

obra que aparece en este estudio, a mi familia tan importante en mi vida, y a

Emma García-Castellano García, con la que empecé a desarrollar los primeros

pasos del proyecto.

A mis abuelos: nací en la casa de unos, y en la de los otros se forjo mi alma

de escultor. A mi madre que me dedicó su vida y en especial a mi padre que

aún me sigue apoyando.

ABSTRACT ........................................................................................ XVI

I.1. Escultura, un término cambiante.........................................................37

I.2. Realismo y figuración en la obra de tres artistas: Francisco López

Hernández, Julio López Hernández y Antonio López García....................42

I.2.1. Francisco López Hernández. ................................................................ 43

I.2.2. Julio López Hernández ......................................................................... 53

I.2.3. Antonio López García. .......................................................................... 64

CAPITULO II. El medio (el taller) .................................................. 79

II.1. El proyecto .........................................................................................82

II.2. El modelado .......................................................................................93

II.3. La ampliación del monumento ...........................................................99

II.3.1. Antecedentes históricos de las técnicas de ampliación. ...................... 99

III.1.1. Modelado de la ampliación en arcilla ............................................... 103

II.4. El paso a materia definitiva ..............................................................105

II.4.1. Introducción al vaciado en escala ...................................................... 105

II.4.2. El molde ............................................................................................. 106

II.4.3. La fundición........................................................................................ 107

II.4.3.1. Antecedentes históricos de la fundición............................... 107

II.4.3.2. El Bronce ..............................................................................111

Quiero manifestar mi agradecimiento a todos aquellos maestros que me en

hacemos una breve indagación sobre la influencia de las vivencias en la sen

ladas a la experiencia directa del doctorando con la escultura y de los porme

En último lugar el Fin es donde, después de reflexionar ampliamente so

Se incluyen, en el texto y en los apéndices los aspectos técnicos: las labo

o el técnico vaciador. No se ha pretendido, desde luego, descubrir temas nue

Un segundo objetivo, muy unido al anterior, ha sido demostrar la necesi

dora del artista tienen las influencias adquiridas en el terreno de la represen