Comedia Del Arte

SER A TRAVÉS DE LA CARETA
“Un hombre es menos él mismo cuando habla en su propia persona, dale

una máscara y te dirá la verdad” Oscar Wilde
En el período al que se reconoce como Renacimiento, el teatro resultaba ser una
actividad condicionada para un grupo social selecto, era un espectáculo creado para
el entretenimiento de los aristócratas.
El clima social de la época empezó a cambiar gracias a los grandes descubrimientos

e inventos que lograron realizarse desde el siglo XV, como el descubrimiento de
América, la imprenta, los diferentes avances científicos, la reforma de la iglesia; esto
permitió que un nuevo grupo social surgiera, una nueva organización llamada
sociedad burguesa, conformada por comerciantes, pensadores, artesanos y
científicos. Esta nueva población se agrupaba en los burgos o “ciudades en
desarrollo” y se estableció un orden, diferenciado al de la vida rural, por el poder
adquisitivo de actividades específicas; esta sociedad se desprende del modelo
feudal.
Gracias a esta etapa y a la creación del nuevo grupo social, el pensamiento

renacentista se transforma dando paso a una nueva ideología llamada humanismo,
en la cual los principios de belleza cambian en relación al pensamiento medieval,
poniendo al hombre como el centro de la escena.
Los nuevos comerciantes, científicos, doctores, viajeros, artesanos, criados y

sirvientes, empezaron a verse reflejados en una expresión teatral ajena al sistema
religioso y noble: la Commedia dell’arte. Desde sus inicios, este movimiento teatral
revolucionó todo el género, influyendo en las producciones teatrales de Europa y
aún pueden apreciarse algunos rasos en el teatro moderno.
“La Commedia dell’arte, es sin duda un choque de intenciones expresivas

artesanales, que mantienen vivo el origen del arte, la búsqueda de la perfección, la
libertad y la armonía de lenguajes artísticos, y la valoración del don de la palabra”
(Moreira, 2015, p20).
Cuando se habla de la influencia de la commedia dell’arte, generalmente se hace

referencia a su estilo, si se observa la expresión de la commedia dell’arte se
reconoce un ejercicio artístico fundado en una práctica artesanal. La teatralidad de
los comediantes era profesional, llevando sus personajes al máximo nivel de
expresión corporal. En este tipo de teatro se reunían diferentes recursos escénicos,
como el vestuario, las máscaras, la mímica y la acrobacia. Los actores de la comedia
del arte usaban la improvisación; para entonces existían unos arquetipos que
consolidaron la estructura psicológica de los personajes que después se definieron
con nombres y vestuario y en ocasiones con una máscara que permitía que los
actores pudieran hacer dos personajes. Es aquí en donde cabe resaltar la
importancia de las máscaras en la comedia del arte y cómo influyeron en el
desarrollo de este movimiento teatral.
Cuando se escucha hablar de la comedia del arte, vienen a la mente las máscaras
de los personajes típicos y más representativos de este movimiento teatral:
Pantaleone, Arlecchino, Brighella o Pulcinella, cabe resaltar que en el teatro no
todos los personajes utilizan máscaras; entonces se crea una división de quiénes
las portan y quiénes no.
Para hablar de las máscaras de la comedia del arte, hay que ver un poco más atrás
hacia la historia del teatro en la antigua Grecia. Las máscaras se originan en el
antiguo drama griego con las musas de la tragedia y la comedia: Melpomene y Talía.
Anterior a esto, las máscaras eran usadas para simbolizar la presencia de los dioses
en los rituales. Las primeras representaciones teatrales con máscaras se hicieron
en honor a Dionisio, el dios del vino. Las máscaras estaban hechas de lino, barro y
madera, para la tragedia debían cubrir toda la cabeza incluyendo el cabello, eran
grandes, con rasgos físicos muy marcados que definían claramente la edad, el
estatus social y el estado de ánimo del personaje. Además de esto, el tamaño de
las máscaras y la forma de la boca de las mismas permitía crean un efecto acústico,
dando un mayor volumen a la voz como si esta proviniera de un ser superior.
Para la comedia, un teatro más jovial y ligero, la máscara de gran tamaño se

convierte en media máscara, solo la parte superior y esta es la que se conserva en
la comedia del arte. “Las máscaras de la comedia del arte tenían la forma y medida
justas para poder caracterizar al personaje y al mismo tiempo permitían a los
actores poder gesticular con los ojos y con la boca” (Echavarría, 2014)
Las máscaras en la comedia del arte se utilizaron para ridiculizar los personajes,
por eso los rasgos de estas eran más marcados y grotescos, con grandes pómulos
y narices exageradamente grandes y en general con colores vivos que resaltaban
en escena.
Los únicos personajes que usaban máscara eran los magnifici (magníficos) y los
zanni (sirvientes) quienes además usaban el vestuario más llamativo con colores
brillantes. Uno de los personajes más destacados de los magnifici es el Capitano,
sin embargo, a pesar de ser uno de los magníficos este personaje no utiliza máscara
pero si un vestuario definido; El personaje del capitán es una parodia de los
conquistadores provenientes de España a quienes se les consideraba soberbios y
fanfarrones. El resto de las figuras de comedia del arte que no utilizan máscara son
las zagni (sirvientas) y los inamorati (enamorados). El reparto de la comedia del
arte, consistía inicialmente de cuatro personajes que utilizaban máscara dos
magnifici y dos zanni, posteriormente se agregaron las zagni y los inamorati.
La máscara tiene desventajas, al cubrir el rostro no se permite la sutileza del gesto
facial, generando un gesto fijo, y como se trata de un gesto fijo acentúa solo cierto
carácter del personaje, sin embargo es un recurso que motiva la utilización y el
desarrollo del lenguaje corporal.
La máscara teatral es una representación cargada de intenciones y simbolismos, es

una ilusión que transforma al actor en personajes infinitos. En escena se
experimenta la sensación liberadora que viven los artistas de poder ser alguien más
de quien realmente son y tener otra realidad. La máscara es un elemento que da
mucha claridad al lenguaje teatral, es un recurso de transformación, es la primera
condición de toda verdadera representación dramática, es una obra de arte, una
escultura diseñada para dar vida a los seres concebidos en la mente del escritor o
del actor. Estas obras artísticas heredadas de la antigüedad han sido el punto clave
en el desarrollo del teatro, fomentando la corporalidad, la creación del carácter
psicológico de los personajes de la comedia del arte y la significación de lo real y lo
divino.
BIBLIOGRAFIA
1. La comedia del arte, un trabajo de artesanos – Andrea Moreira

2. La divina comedia del arte – Rocío Echavarría

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El clima social de la época empezó a cambiar gracias a los grandes descubrimientos

Gracias a esta etapa y a la creación del nuevo grupo social, el pensamiento

Los nuevos comerciantes, científicos, doctores, viajeros, artesanos, criados y

“La Commedia dell’arte, es sin duda un choque de intenciones expresivas

Cuando se habla de la influencia de la commedia dell’arte, generalmente se hace

Para la comedia, un teatro más jovial y ligero, la máscara de gran tamaño se

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1. La comedia del arte, un trabajo de artesanos – Andrea Moreira

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