Art Notes Nº16

ART NOTES 16. litonorMELA.
qxp
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WWW.ARTCOLOGNE-PALMA.COM
INTERNATIONAL FAIR
FOR MODERN AND CONTEMPORARY ART
19 23 SEPTEMBER 2007
Airport Palma de Mallorca, Terminal A

13:00 21:00 h
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ARTE Y CULTURA
[AN]EDITORIAL
Edita ANOTARTE SL
Ciudad del Transporte 1, 1 - local 2
Pol. del Tambre
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La agenda de verano la marcan principalmente tres grandes citas: la Documenta 12 (Kassel)

y el Skultur Project (Mnster) en Alemania, y la decana de las Bienales internacionales en
Venecia.
Sin embargo, antes de referirnos a estos eventos, comentaremos la otra, gran y obligada cita,
en Basilea, la feria mundial por excelencia de todas las ferias del concierto contemporneo.
Feria de contemplacin sin reparos y evidencia, prxima y futura, de todo lo que es algo en
el mundo de la plstica: galeras, marchantes, compradores, obras, es decir, lo ms de lo ms.
En resumen, las ltimas propuestas, las ms novedosas y anteriores a la Documenta y
Venecia; ah su importancia, como hemos podido comprobar recientemente. Y haba ms,
como la colectiva Art-Unlimited, dedicada a los emergentes y de enorme inters. Tambin, la
retrospectiva de Munich en Beyeler, o la dedicada a Robert Gober en Schaulager, o la visita,
siempre de valor al Kunstmuseum, con las muestras de Jasper Johns y Brice Mardem.Venecia,
tomaba como ttulo y pretexto Pensa con i sensi-senti con la mente. Larte al presente bajo la
batuta de Robert Storr, crtico estadounidense y comisario de esta edicin de la Bienal, donde
se pretenda plantear la dicotoma entre el sentido y la razn, y cmo sta ltima determina
nuestra percepcin del arte. La bienal fue recibida bajo diversas crticas comisariales, algo
comn a cualquier evento que se precie, y bajo el manto de un panorama repleto de nombres
indiscutibles de la iconosfera artstica como Giovanni Anselmo, Giuseppe Penone, Flix
Gonzlez-Torres, Sophie Calle o Louise Bourgeois.
La Documenta 12, con la controvertida participacin espaola de Ferrn Adri, que no estar
presente en Kassel y su propuesta es invitar a dos comensales por sorteo a su restaurante El
Bulli, en Girona ; el curioso concurso-sorteo esta en marcha y pueden estar seguros de que
no tendrn suerte de ser afortunados, segn palabras del propio director de la gran muestra.
La publicidad meditica, y a todo tren, eclipsando, casi por completo, otra presencia espaola como la de Ibon Arramberrien que parece diluirse entre tanta insistencia. Ante lo cul el
propio artista, opina que se han sacado las cosas de su real sitio... pero es la Documenta.
Aqu, desde Madrid, una vez ms Photoespaa; algo nos queda, esperando el prximo futuro
de ARCO, ese anunciado cambio de rumbo por la nueva direccin.
The summer agenda is mainly marked by three big events: Documenta 12 and Skulptur
Project in Germany, and the oldest of the International Biennials in Venice. However, before
referring to these events, we will comment on the other big must, in Basilea, the ultimate
world fair in the contemporary scene. It is a fair one must visit with no reservations, and it
shows everything that means something in the world of plastic arts, now and in the future:
Galleries, dealers, buyers, works, that is, the best we can see, and also, in a word, it shows
the latest new proposals before Documenta and Venice. That is why it is important, as we
have been able to check recently. And there were very interesting things, such as the collective exhibition Art-Unlimited, dedicated to emerging artists. We can also mention the retrospective Munich exhibition at Beyeler, or the one dedicated to Robert Gober at Schaulager, or
the always-valuable visit to the Kunstmuseum, with Jasper Johns and Brice Mardem shows.
The Venice Biennial, under the direction of Robert Storr, an American critic and curator of this
edition, tried to bring up the dichotomy between sense and reason, and how the latter determines our perception of art, with the title and pretext: Pensa con i sensi-senti con la mente.
Larte al presente. The Biennial was received with strong criticism at the curator, not an unusual thing in this kind of events, relying on the participation of well-known names of the artistic iconosphere such as Giovanni Anselmo, Giuseppe Penone, Flix Gonzlez-Torres, Sophie
Calle, or Louise Bourgeois.
Documenta 12, with the controversial Spanish participation of Ferrn Adri, who will not be
present in Kassel, and whose proposal consists in inviting two people, by drawing lots, to his
restaurant El Bulli in Girona; the odd contest draw is under way, and you can be sure that you
will not be the lucky winner, according to the words of the director of this big show. Publicity
in the media is running at top speed, eclipsing almost entirely another national presence, Ibon
Aranberrien, who seemed to dissolve into the media insistence. The artist himself thinks that
things have been taken out of place but it is the Documenta.
Here, from Madrid, a new edition of Photoespaa; we have something left while we are waiting for the future of Arco, with the new direction.
Empresa Colaboradora
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ART NOTES es miembro de la
Asociacin de Revistas Culturales de
Espaa (ARCE)
Esta revista ha recibido una ayuda
de la Direccin del libro, archivos y
Bibliotecas para su difusin en
bibliotecas, centros culturales y
Universidades de Espaa
SUMARIO
ENTREVISTA_BRBARACOUTINHO [8-11]
PROYECTO_RAMONA RODRGUEZ [12-13]
MIRADAS [14-15] [24-25] [44-45] [62-63]
EXPOSICIONES NACIONALES [19-60]
INTERNACIONAL [64-70]
NYC [71-77]
CULTURA [78-81]
EN PORTADA_dEmo [83-86]
CONVOCATORIAS [87-91]
AGENDA [92-95]
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[AN] RECOMIENDA...
SKULPTUR PROJEKTE MUNSTER 07
SKULPTUR PROJEKTE MNSTER 07

Hasta el 30 de septiembre tiene lugar este evento de
arte pblico bajo el comisario conjunto de Brigitte
Franzen (curator del LWL-Landesmuseum fr Kunst
und Kulturgeschichte), Kasper Knig (comisario) y
Carina Plath (directora del Westflischer Kunstverein)
Despus de tres aos de preparacin tiene lugar la
cuarta edicin de este evento.
Treinta seis artistas han sido invitados a realizar proyectos urbanos para esta ciudad situada en el norte
de Alemania: Pawel Althamer, Jeremy Deller,
Elmgreen & Dragset, Michael Asher, Dominique
Gonzalez-Foerster, Deimantas Narkevicius, Guillaume
Bijl o Dora Garca entre otros.
Dora Garca presenta The Beggars Opera una propuesta performativa para la ciudad y a travs de diferentes soportes, entre ellos la puesta en marcha de
www.thebeggarsopera.org
Con esta obra la ciudad de Mnster tiene un nuevo
ciudadano. Un hombre joven vaga a travs de la ciudad como un el mendigo. Pero no busca la simpata,
ni pide dinero, sino que cuenta historias.
Todos los das, l serpentea a travs de las calles,
habla con la gente. Se trata de una obra de arte que
el espectador no necesita buscar, sino que sta lo

encuentra. Dora Garca, describe su acercamiento
como una performance continua en la esfera pblica. Esta intrusin se introduce en la vida cotidiana en
la ciudad durante el Skulptur Projekte Mnster 07.
Lo que suceda en las calles se registrar en un blog
diario en www.skulptur-projekte.de y www.thebeggarsopera.org.
En esta ocasin, la muestra potencia la presencia de
la videocreacin y a las artes de accin. Desde 1977,
Skulptur Projekte ha examinado la interesante relacin entre arte y espacio pblico promocionando la
puesta en escena de site-specific que responden al
contexto de la ciudad y a la interactuacin con el
pblico.
Pawel Althamer. Pfad / Sciezka. Foto: Roman Ostojic/sp07
Guy Ben-Ner. I'd give it to you if I could, but I borrowed it

Foto: Roman Mensing/sp07
Isa Genzken. s/t. Foto: Roman Mensing/sp07
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_entrevista
Brbara Coutinho
Entrevista con Brbara Coutinho
Directora do Museu do Design e da Moda (MUDE)
en Lisboa
Realizada por Nuno Cunha
El Museu do Design e da Moda (MUDE) abandona las

instalaciones del Centro Cultural de Belm, en
Lisboa, para facilitar la entrada de la Coleccin
Berardo de Arte Contemporneo. La Coleccin
Francisco Capelo, una de las ms significativas
colecciones contemporneas de objetos de diseo y
moda, fue adquirida por la Cmara Municipal de
Lisboa por un valor de 10 millones de euros, y se
encuentra provisionalmente instalada en la Sala do
Risco; se trasladar en 2009 a las nuevas instalaciones de cerca de 4.000 metros cuadrados en el
Palcio de Santa Catarina debidamente remodeladas
y adaptadas.
En Santa Catarina pretender dar a conocer el
espritu de un tiempo, como explica Brbara
Coutinho, directora del MUDE, contextualizando
el mundo del design la industria, creadores,
profesores, alumnos y todos los interesados
reuniendo todo tipo de obras: diseo de moda,
industrial, autor, adorno... ejemplos sucedidos
de un proyecto de experimentacin y de
creacin.
El MUDE existe y tiene ya una actividad. Qu est
ocurriendo en este momento y qu se tiene
programado hasta su apertura en Santa Catarina?
En este momento estamos desarrollando un trabajo a
tres niveles. Primero, desde el punto de vista legal,
estamos estudiando y definiendo el modelo institucional
del museo.
La tutela ser siempre da Cmara Municipal de Lisboa,
responsable de la Coleccin Francisco Capelo y el
patrimonio inmobiliario donde el MUDE ser instalado,
sin embargo la naturaleza del Museu y las nuevas
perspectivas museolgicas que se estn desenvolviendo
y siendo debatidas a nivel internacional, no lleva a
considerar su integracin por una institucin con un
modelo de gestin ms flexible, generando recetas y
administrndolas autnomamente, de modo que se
convierte en una instituicin autogestionada.
Este trabajo est siendo desarrollado por el Consejo de

Gestin de la Coleccin, un rgano nombrado por el
presidente de la Cmara, que integra al coleccionista, al
director del Museu y tres personalidades ms.
En segundo lugar, estamos haciendo un estudio de la
coleccin un estudio real, ni el ncleo de diseo, ni el
ncleo de la moda estaban siendo verdaderamente
estudiados. El ncleo de diseo se expuso en el Centro
Cultural de Belm (CCB), pero nunca fue comprendido en
las verdaderas posibilidades de los materiales, de los
autores, de las relaciones con las galeras y los diferentes
creadores con las compaas que los producan, y saber
cules son las otras instituciones que tienen piezas
similares.
Este trabajo se desarrolla en colaboracin con instituciones
universitarias, creando laboratorios de investigacin en el
rea del diseo y de la moda. En este mbito tenemos que
realizar una licenciatura de arquitectura en moda, en la
Universidad Tcnica, y pretendemos que se haga en
portugus un glosario de trminos sobre moda, que has
el momento no existe, adems de otros trabajos.
El tercer aspecto tiene que ver con la programacin. En
este momento, y desde hace un ao, estamos
desenvolviendo un trabajo de pequeas muestras
temporales, y vamos a iniciar charlas y encuentros que
tendrn lugar en la Sala do Risco, como forma de crear un
dilogo y dinamizar un debate alrededor del diseo.
Finalmente, vamos a lanzar el site en el que estamos
trabajando desde hace un ao. Ser un work in progress,
de modo que funcione como un espacio disponible para los
utilizadores, con firmas que permitan la produccin de
trabajo con inters, til para quien quiera saber ms sobre
la coleccin o el proyecto, tambin con algunas
informaciones sobre el espacio de la lusofona desde el
punto de vista del diseo y de la moda.
En relacin a las exposiciones, qu tiene
programado para el futuro prximo, por lo menos
hasta el traslado del MUDE a Santa Catarina?
Tenemos pensado una exposicin sobre moda, que es un
expolio totalmente desconocido y que rene cerca de 1.000
piezas de alta costura, desde los aos 30 hasta la
actualidad, de la mayor parte de los ms conocidos
creadores del siglo XX.
Creadores nacionales y extranjeros?
No, la colecin es sobre todo internacional. Nacional, hasta
el momento tiene slo de Loja Branca, sin embargo
comenzamos ahora con una poltica de adquisiciones, que
visa completar algunos de los puntos flacos. Compramos
Ana Salazar y vamos a comprar otros estilistas.
Y ms all de esa exposicin?
Existe otra propuesta que tiene una buena recepcin.
Estamos pensando en una exposicin de media dimensin,
sobre todo compuesta por obras de diseo, que pueda
itinerar a nivel nacional.
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[AN] ENTREVISTA CON BRBARA COUTINHO
Y qu tipo de obras?
Esencialmente de equipamientos.
De casa?
S, equipamientos de casa. Mayoritariamente es lo que
tenemos en otra coleccin: mobiliario, iluminacin y
utensilios domsticos. Esta exposicin itinerante ser una
especie de MUDE fuera de casa que tendr lugar durante
el ao 2008, en cuanto el Museu abra en Santa Catarina.
Ser una exposicin con una inclinacin consciente y
claramente educativa, de modo que responda a una
necesidad de clarificacin: esta no va ser una reapertura,
el nacimiento de un nuevo museo, obviamente sin olvidar
la historia que tuvimos, con parte del expolio de diseo
que estuvo expuesto entre 1999 y 2006.
Dnde van a tener lugar esas muestras?
Van a realizarse en algunas capitales de distrito, de tal
modo que promuevan una relacin y un trabajo, incluso
con las instituciones que reciben la exposicin, pero
tambin con la poblacin local. Estamos estudiando
diversos locales posibles y tenemos ya, en este momento, un
espacio definido: el CAE Centro de Artes y Espectculos de
Figueira da Foz que tiene una buena galera y se trata de
un espacio muy dinmico tanto desde el punto de vista de
las artes como de los espectculos. Adems de este,
queremos abrir otros sitios, aunque no tenemos ninguna
situacin totalmente definida. Hay una serie de ideas que
pretendemos implementar, tanto en la programacin
expositiva como en el apoyo o la coproduccin con
diseadores, y otras iniciativas que estn siendo lanzadas
a nivel nacional, para la dinamizacin de este sector. Este
es uno de los objetivos del MUDE.
Volviendo a Santa Catarina, qu est pensado para
este espacio?
Hay un programa museolgico y un estudio de viabilidad,
ambos aprobados. La localizacin de Santa Catarina fue
aprobada tambin por varias razones. Su localizacin
privilegiada, dentro de una zona asumidamente cultural
que es, adems, el centro cultural histrico de la ciudad,
junto al Chiado y al Bairro Alto, con una vida creativa y
cultural muy potente, prximo a varias galeras, con
diferentes ateliers de diseadores, escuelas o el Museu do
Chiado, la Escola de Belas Artes, el IADE (Instituto de Artes
Decorativas), el Bairro de Santos, que est dinamizando
con esa nocin de barrio de diseo, y toda una serie de
sinergias y situaciones de las que queremos sacar partido.
La relacin de Francisco Capelo con la coleccin va
a mantenerse? La estrategia de desarrollo de la
coleccin, va pasar por l?
Como se sabe, la coleccin primero fue depositada en en
CCB por un perodo de diez aos, siguiendo un protocolo
firmado en 1998 entre el coleccionista, el entonces
Ministro de Cultura, Manuel Maria Carrilho, y el Centro
Cultural. En diciembre de 2002, fruto de una relacin
menos formal entre el coleccionista y el CCB, la coleccin

fue vendida a la Cmara Municipal de Lisboa. De acuerdo
con el protocolo de venta, el pago se hizo en prestaciones
anuales, durante 15 aos. Este expolio, de ms de 2600
piezas del siglo XX, tiene un Consejo de Gestin que
administra la coleccin del Museu, del que Francisco
Capelo es? el presidente hasta los 65 aos. Su
participacin es importante en varios aspectos como las
polticas de aquisiciones y expositiva. Por ello, l va a
intervenir en la definicin programtica del museo.
Cules son los ncleos fuertes y los puntos flacos
del Museu?
No voy a hablar de los ncleos en trminos de dcadas o
cronolgicos, sino de aquello que la coleccin muestra y que
no consigue mostrar. Muestra y consigue dar un retrato rico
y concreto de lo que fue la evolucin del diseo, digamos,
artstico no industrial , y de la alta costura
Del diseo de autor?
S, del diseo de autor. La coleccin ofrece claramente
una perspectiva de lo que fue la evolucin desde 1930
hasta la actualidad del diseo de autor y de alta costura,
mayoritariamente internacional.
La representatividad nacional es uno de los puntos menos
fuertes. Otro punto flaco, es el que se inicia en 1930 y,
por lo tanto, quedan fuera las primeras dcadas del siglo
XX. Estas son situaciones que estamos a intentar
traspasar con la poltica de aquisiciones que fue definida
es que tiene parmetros muy claros.
Cules son esos parmetros?
Primero, la mirada temporal hasta inicios del siglo XX. En
segundo lugar, crear un ncleo representativo de diseo y
de moda nacional. Tercero, reforzar el ncleo del diseo
industrial. En cuarto lugar, mantenernos actuales en relacin
a las tendencias contemporneas, de modo que se defina
como un museo de los siglos XX y XXI. No tenemos
pretensiones de volver al siglo XIX y, por otro lado, la
natureza del expolio y sobre todo muy fuerte en los ncleos
de los aos 50, 60, 70 y 80, los ncleos ms consistentes y
decisivos, con todas las piezas emblemticas representadas
en la coleccin. Cuando me refera a puntos flacos, conviene
prestar atencin a que se trata de puntos menos potentes
en la perspectiva del Museu. La coleccin tiene una
naturaleza concreta, con una consistencia lgica y una
unidad muy fuerte. En toda ella se percibe la filosofa que la
presidi. En este sentido refleja claramente el entendimento
del coleccionista y eso es una de sus riquezas.
Esa perspectiva va a manterse?
En la coleccin, como es obvio se mantiene. Adems ya
est ah. En el MUDE se mantiene un cierto sentido, ms
en relacin a otras perspectivas tradas por otros expolios,
por otras piezas que, mientras tanto estn siendo
incluidas, por otras exposiciones, y por el debate que se
espera crear alrededor de la coleccin y fuera de ella.
Cristina Felipe
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MUDE
Interview with
Brbara Coutinho
Director of the Museu do
Design e da Moda (MUDE) in
Lisbon
Palcio de Santa Catarina
Interview by Nuno Cunha
The Museo do Design e da Moda (MUDE) left its

location at the Centro Cultural de Belm, in Lisbon,
to make the exhibition of the Coleccin Berardo de
Arte Contempornea possible.
The Francisco Capelo collection, one of the most
important contemporary collections of design and
fashion objects, was bought by the Cmara
Municipal de Lisboa for 10 million Euro. It was
temporarily installed at the Sala do Risco and in
2009 it will be moved to a new location, about
4000 square metres at the Palcio de Santa
Catarina, which will be duly remodeled and adapted.
At Santa Catarina it will try to "make known the
spirit of an age", explains Brbara Coutinho, the
MUDE Director, contextualizing the "world of
design" - industry, creators, teachers, students,
and anyone interested - and gathering all kinds of
works: Fashion design, industrial design, author's
design, decorative design are examples resulting from an experimentation and creation project.
The MUDE exists and it already has an activity.
What is happening right now and what is scheduled until your opening at Santa Catarina?
At present we are working at three levels. First, from
the legal point of view, we are studying and defining the
museum's institutional model.
We will always be under the patronage of the Cmara
Municipal de Lisboa, which is responsible for the
Francisco Capelo Collection and the real state property
at the place where the MUDE will be installed. However,
the nature of the Museu and the new museological perspectives being developed and discussed internationally
will not lead to consider its integration in an institution
with a more flexible management model, generating
recipes and administering them autonomously, so it
becomes a self-managed institution.
This work is being done by the Conselho de Gesto of
the collection, which is a body appointed by the
President of the Cmara, integrating the collector, the
director of the Museu and three other public figures.
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Secondly, we are doing a study of the collection - a real

study, because neither the folio nor the design core nor
the fashion core was being really studied. The design
core was exhibited at the Centro Cultural de Belm
(CCB), but its real possibilities were never understood,
we had not studied the materials, authors, relationships
of the different creators with galleries and with the companies producing them, and we did not know what other
institutions have similar pieces.
This work is developed in collaboration with university
institutions, creating research laboratories in the design
and fashion area. In this aspect we have to create an
Architecture in Fashion degree at the Universidad
Tcnica, and we intend to create a glossary of terms
about fashion in Portuguese, which does not exist, apart
from other works.
The third aspect has to do with program planning. We
have held small temporary exhibitions for a year, and we
are starting to do talks and meetings, which will take
place at the Sala do Risco, as a way to create a dialogue
and dynamize a discussion around design.
Finally, we are going to launch the site we have been
working on for a year. It will be a work in progress, functioning as a space available for users, with companies
that allow the production of interesting works, useful for
people who want to know more about the collection or
the project, and with some information about the
Lusophony space from the point of view of fashion and
design.
As regards the temporary exhibitions, what is
scheduled for the near future, at least until the
MUDE moves to Santa Catarina?
We have planned an exhibition about fashion, which is
something totally unknown and gathers around 1000
haute couture pieces from the 30's to the present, by
most of the best-known creators of the 20th century.
Both national and international creators?
No, the collection is mostly international. Up to now, we
only have national pieces from the Loja Branca, but we
are starting a new acquisition policy with the aim to
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cover some of the weak points. We bought Ana Salazar

and we are going to buy from other designers.
And beyond this exhibition?
There is another idea with a good acceptance. We are
thinking about a medium sized exhibition, consisting
mainly of design works, which can travel to different places nationwide.
What kind of works?
Essentially equipment.
Home equipment?
Yes, home equipment. That is what we mostly have in
the collection: Furniture, lighting and domestic utensils.
This traveling exhibition will be a kind of MUDE out of
home which will take place during the year 2008, as
soon as the Museu opens at Santa Catarina.
This will be an exhibition with a clear and conscious educational interest, in a way that it responds to a clarification need: this is not going to be a reopening, but the
birth of a new Museu, obviously without forgetting our
past history, with part of the design works which were
exhibited between 1999 and 2006.
The shows will take place in some district capitals to promote a relationship and a work not only with the institutions that host the exhibition, but also with the local
population.
We are considering different possible places, and right
now we already have a defined space: the CAE - Centro
de Artes e Espectculos da Figueira da Foz -, which has
a good gallery and is a very dynamic space both from
the point of view of arts and entertainment.
Besides, we want to open other places, although we do
not have a totally defined situation.
We are trying to implement a series of ideas, both in the
exhibition program and in the support to or co-production with designers. And other initiatives are being launched at a national level for the dynamization of this
industry. This is one of the objectives of the MUDE.
Going back to Santa Catarina, what is planned for
this space?
There is a museological program and a feasibility study,
both approved. The location at Santa Catarina was also
approved for a variety of reasons.
Its privileged location, in an assumedly cultural area
that is also the city's historic cultural centre, next to the
Chiado and the Bairro Alto, with a very powerful creative and cultural life, close to several galleries, with different designers' ateliers, schools, or the Museu do
Chiado, the Escola de Belas Artes, the IADE (Decorative
Arts Institute), the Bairro de Santos, which is dynamizing with that concept of design neighborhood, and a
series of synergies and situations we want to take
advantage of.
tant in several aspects such as acquisition and exhibition

policies. Therefore, he is going to take part in the definition of the museum's program.
What are the strong cores and the weak points of
the Museu?
I am not going to talk about the cores in terms of decades or chronology, but about what the collection shows
and what it cannot show.
It shows and portrays in a rich and concrete way what
the evolution of design - artistic and not industrial - and
haute couture was like
Yes, author's design. The collection clearly offers an
overview of this evolution of author's design and haute
couture, mostly international, from 1930 to the present.
The national representation is one of the weak points.
Another weak point is that it starts in 1930, so the first
decades of the 20th century are not included.
These are the kind of situations we are trying to avoid
with the acquisition policy defined, which has very clear
parameters.
What are those parameters?
First, a time span from the beginning of the 20th century. Second, the creation of a representative core of
national design and fashion. Third, strengthening of the
industrial design core. Fourth, keeping up to date as
regards contemporary trends so as to become a
museum of the 20th and 21st centuries.
We are not aiming to go back to the 19th century and,
on the other hand, the collection's nature is very strong
in the 50's, 60's, 70's and 80's cores, very consistent
and decisive, with all the emblematic pieces represented
in the collection.
As regards weak points, we should pay attention to the
fact that they are really less strong points from the
Museu's point of view. The collection has a very specific nature, with a logical consistence and a very strong
unity. The philosophy presiding it can be appreciated
everywhere. In this sense it reflects clearly the collector's mind, and this is one of its riches.
Is this approach going to be maintained?
In the collection, it will obviously be maintained. It is
already there. In the Museu, it is maintained in a certain
sense, more in relation to other approaches provided by
other pieces that have been included, by other exhibitions, and by the debate that we expect to create around
the collection and out of it.
Is the Francisco Capelo's relationship with the

collection going to be maintained? Is he going to
be involved in the collection's development strategy?
It is known that the collection was first deposited at the
CCB for a period of ten years, following a protocol signed by the collector, the Minister of Culture at that time,
Manuel Maria Carrilho, and the Centro Cultural, in 1998.
In December 2002, as a result of a less normal relationship between the collector and the CCB, the collection was sold to the Cmara Municipal de Lisboa.
According to the sale protocol, the payment was done in
yearly installments, for 15 years. This collection, more
than 2600 20th century pieces, has a Conselho de
Gesto that administers it, and Francisco Capelo will be
the President until he is 65. His participation is imporSanta Catarina
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_proyecto
PROYECTO
PARA [ARTNOTES]
Proyecto especfico para ART NOTES de Ramona Rodrguez. 1 Premio X Certame Comarca do Sar
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_miradas
MARCO MOJICA
Visualidad pervertida
La cultura contempornea es un gran archivo de imgenes al servicio de muchos. Unos intervienen este legado
desde la simple apropiacin fra y en cierto modo calculada; otros, en cambio, saben explorar sus insondables
reservas desde la operatoria de un canibalismo que
acude al prstamo para construir relatos alegricos transidos por sofisticadas ironas. Este es el caso del joven
artista colombiano Marco Mojica, quien s sabe, y de
total convencimiento, que los prstamos visuales pueden resultar la coartada pertinente y oportuna- para la
articulacin de rotundas metforas. Su ms reciente
exposicin en la Galera Fernando Pradilla result ser un
inteligente palimpsesto en el que copularon, con placer
y goce, infinitas referencias y estilemas del archivo
visual en uso que ofrece el sistema iconogrfico contemporneo. Siendo as, y en su afn por revisar todo este
trazado de referencias, los mundos de la publicidad, de
las revistas de artes y otras, as como el espacio azaroso de internet, el cine, el vdeo, y los propios abrevaderos de la esttica, se mezclan en una frmula en la que
a la aparente simplicidad de las composiciones y al tono
presuntamente cndido de lo representado, le resultan
caro una profundidad conceptual e ideolgica de sobrado rendimiento.
En estas ltimas obras suyas, el mecanismo de la apropiacin se inviste de sutilezas infinitas que suponen una
aguda reflexin sobre los propios sistemas de representacin, su valor hegemnico y la centralidad avasalladora de cierta iconografa. Conforme sucede con muchos
de sus contemporneos latinoamericanos que producen
obras desde la periferia del campo artstico y en dilogo
desfavorable con los paradigmas estticos promovidos
por los circuitos hegemnicos, Mojica no se permite
entonces el coqueteo gratuito con las fuentes intervenidas. La suya es una propuesta de carcter conceptual y
trasfondo ideolgico. De ah que en estas obras resulta
en extremo evidente el hecho de que las apropiaciones
pictricas, desarrolladas por el artista a partir de fotografas y reproducciones de libros y catlogos de instalaciones de diversos artistas reconocidos, no se reduce
tan slo al recurrente procedimiento de la cita y la recontextualizacin re-semantizada como consecuencia de
su nuevo emplazamiento, sino que interviene las fuentes desde una perspectiva revisionista de acento crtico,
lo que garantiza un desmontaje ideolgico sujeto en
mucho a la manipulacin que ste establece de las imgenes puestas en juego. De este modo cada pieza introduce un comentario a ratos sarcstico, irnico o simplemente revisionista. En todas se advierte un sofisticado
sentido del humor que no hace sino poner de manifiesto un pensamiento agudo y relacional. Marco disfruta
activar la voluntad crtica del hacer esttico frente a la
amnesia y los comodines muchos que brindan las nuevas tecnologas.
Las piezas Autorretrato, El Cubo, Paisaje, Perfect Lovers,
por ejemplo, muestran cmo el juego apropiacionista de
reinterpretacin de iconos y lenguajes del arte contemporneo, particularmente de la instalacin en el contexto de la pintura, le permiten a Mojica el establecimiento
de un dilogo que trasciende la simple y burda yuxtaposicin de imgenes en un mismo plano narrativo. Mojica
construye relatos de emancipacin, desacralizacin y
revancha de la periferia. No perder de vista que en el

proceso de creacin de estas nuevas imgenes se revela la conflictiva relacin entre centro/periferia, eje discursivo activado por pensamientos posmodernos. La
mayora de las imgenes que interviene Mojica, proceden de otras obras de arte, a las que ste slo accede a
travs de su documentacin grfica. El viaje y el acceso
al capital cultural es, en muchos casos para el artista
latinoamericano, una gran utopa. De ah en parte que
este recurso de la apropiacin del original y su vaciamiento en un nuevo escenario de sentidos, resulte un
procedimiento bien extendido entre creadores que elaboran sus discursos estticos en los mrgenes, aunque
tambin es cierto que los discursos centristas se hayan
atravesado y sometido a re-lecturas que desean rebajar
el aura y desentumecer los campos axiolgicos donde
reside su valor del culto.
En el caso de esta muestra vemos que la mayora de las
imgenes de las utilizadas por el artista pertenecen a un
espacio cultural distante. Todas han llegado a l a travs
de referencias impresas. Ese es, si se quiere, uno de los
grandes conflictos que asumen los programas de
Historia del Arte en las zonas perifricas, donde la sensibilidad se cultiva y aguza a fuerza de las reproducciones. Esta realidad insoslayable, confiere un inters especial al trabajo de Mojica dado que las imgenes originales estn enmarcadas en un contexto diferente al de la
fotografa de la que se apropia el artista, lo que supone
la aparicin de un tringulo entre lo representado en s,
la fotografa de lo representado, y la pintura producida
por el artista. Este tringulo genera una conversacin
multidireccional entre los diferentes elementos que lo
componen, generando preguntas del tipo: cules son
las relaciones entre las tres imgenes?, cmo son
entendidas cada una de ellas por separado en sus diferentes contextos?, qu matices adquiere cada imagen
al ser filtrada por el tamiz de una cultura que le es
ajena? Y, ms an, que estatus adquiere una obra de
arte creada a partir de la imagen de otra obra de arte?
Frente a estos interrogantes Mojica esboza la irona, y
cual canbal de la periferia, se sienta a la mesa. Hace
suyo un legado que cree que le pertenece y advierte de
un juego que de parecer ingenuo, termina siendo abiertamente perverso.
Andrs Isaac Santana
Marco Mojica. Cortesa del artista
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Perverted visuality
Contemporary culture is a huge image archive at the
service of many people. Some of them operate on this
legacy with a simple cold, and in a certain way calculated, appropriation; others, on the other hand, know how
to explore its bottomless reserves with cannibalism,
resorting to borrowing so as to construct allegorical stories racked with sophisticated ironies. This is the case of
the young Colombian artist Marco Mojica, who knows,
and is totally convinced, that visual borrowings can be
the -relevant and appropriate- alibi for the articulation of
categorical metaphors. His last exhibition at the
Fernando Pradilla gallery turned out to be a clever
palimpsest where infinite references and stylistic elements of the visual archive in use, offered by the contemporary iconographic system, copulate with pleasure
and enjoyment. In his effort to review all these references, the worlds of publicity, art magazines and others,
the hazardous space of the Internet, cinema, video, and
the drinking troughs of aesthetics get mixed up in a formula where the apparent simplicity of compositions and
the allegedly candid tone of the represented thing fit
with a conceptual and ideological depth that is very productive.
In these last works, the mechanism of appropriation is
full of subtleties that involve a sharp reflection on the
representation systems themselves, their hegemonic
value, and the overwhelming centrality of a certain kind
of iconography. Like many of his Latin American contemporaries, who produce works from the fringes of the
artistic field and in an unfavorable dialogue with the aesthetic paradigms promoted by hegemonic circles, Mojica
cannot afford to flirt gratuitously with the intervened
sources. His proposal has a conceptual character and an
ideological background. In these works it is obvious that
the pictorial appropriations, developed by the artist from
photographs and reproductions of books and catalogues
of installations by different well-known artists, are not
limited to the recurrent procedure of quoting and recontextualizing re-semantically as a result of their new
location, but he intervenes on the sources from a revisionist approach with a critical emphasis which ensures
an ideological dismantling subject to manipulation of the
images brought into action. In this way each piece
introduces a comment which is sometimes sarcastic, ironical or simply revisionist. In all of them we can see a
sophisticated sense of humor that reveals an acute relational thinking. Marco enjoys activating the critical will of
aesthetic doing against the amnesia and the many wildcards offered by new technologies.
The pieces Autorretrato, El Cubo, Paisaje, Perfect
Lovers, for instance, show how the appropriation game
of icon and language reinterpretation in contemporary
art, particularly the installation in the context of painting, allows Mojica to establish a dialogue that goes
beyond the gross and simple juxtaposition of images in
the same narrative level. Mojica constructs stories of
emancipation, desacralization and revenge of the periphery. We should not forget that, in the creation process
of these new images, the conflicting relationship centreperiphery is revealed as the discursive axis activated by
postmodern thinking. Most images intervened by Mojica
come from other works of art to which he can only have
access through their graphical documentation. The journey and access to the cultural capital is, in most cases
for the Latin American artist, utopian. Therefore, this
resort to appropriation of the original and its emptying
in a new sensual context is a very widely used procedure among creators that elaborate their aesthetic discourses at the margins, although it is true that the centrist
discourses are subject to re-readings that aim at diluting
Marco Mojica. Cortesa del artista
the aura and loosening up the axiological fields where its

cult value resides.
In the case of this show, we can see that most of the
images used by the artist belong to a distant cultural
space. All of them have come to him through printed
references. This is one of the big conflicts assumed by
History of Art programs in peripheral areas, where sensitivity is cultivated and stimulated through reproductions. This unavoidable reality gives a special interest to
Mojica's work, since "original" images are framed in a
context that is different from the photograph appropriated by the artist, involving the appearance of a triangle
formed by the represented object itself, the photograph
of the represented object, and the painting produced by
the artist. This triangle generates a multidirectional conversation among its different elements with questions
like: What are the relationships among the three images? How is each of them understood separately in their
different contexts? What nuances does each image
acquire when it is filtered through the sieve of a culture
that is alien to it? And, furthermore, what status does a
work of art created from the image of another work of
art acquire? In front of these questions, Mojica outlines
the irony, and, like a peripheral cannibal, he sits at the
table. He appropriates a legacy that in his opinion
belongs to him, and he warns of a game that seems
naive, but ends up being perverse.
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_exposiciones nacionales
100 POSTERS PARA UN SIGLO

Fundacin Pedro Barri de la Maza. A Corua. Desde el 12 de julio hasta el 30 de septiembre
100 posters para un

siglo est organizada
en colaboracin con el
Museo de Diseo de
Zurich. Para esta muestra se han seleccionado
100
anuncios
que
ejemplifican el devenir
de la historia occidental
del siglo XX.
De este modo se han
reunido trabajos de
Jules Chret, Alphonse
Mucha,
Henri
de
To u l o u s e - L a u t r e c ,
Pierre Bonnard, Max
Pechstein,
Kthe
Kollwitz, Gustav Klucis,
Lazar
El
Lissitzky,
Cassandre, Jean Carlu,
Andy Warhol, Peter
Gee, Oliviero Toscani o
David Tartakover entre
otros muchos artistas.
El cartel ilustrado nace
a finales del siglo XIX.
La litografa, con un
siglo de vida inventada
por Aloys Senefelder
pudo ser aplicada en
grandes
superficies.
Determinados acontecimientos
como
la
Revolucin Industrial
ayudaron al establecimiento y la integracin
en la sociedad del cartelismo: la gran concentracin urbana derivada
del xodo rural y de la
industrializacin, hace
surgir estrategias publicitarias sistemticas.
El Modernismo, Modern
Style en Inglaterra y Art
Nouveau en Francia,
presenta unas caractersticas ideales para la
creacin grfica y se
interesa por las artes
aplicadas por la amplia
difusin que ellas permiten.
Durante la 1 Guerra
Mundial se descubre el
gran potencial propagandstico del cartel,
convirtindose el cartel
poltico en una disciplina
propia que intensifica la
movilizacin para la
guerra, bsqueda de
emprstitos de apoyo,
etc.
Julius Klinger. Tab (1921)
Tras este duro perodo

la publicidad acta de
forma ms sutil y desarrolla otras que se
convierten en fetiches;
el cine y la fotografa
suministran
nuevos
medios configurativos;
el
Cubismo,
el
Futurismo y el Nuevo
Objetivismo influyen en
el lenguaje formal del
cartel.
Movimientos como el de
De Stijl y la Bauhaus
combinan el arte y la
cultura cotidiana.
El Constructivismo ruso
provoca el nacimiento
de
nuevas
utopas
sociales, uniendo para
ello elementos fotogrficos, tipogrficos e
ilustrativos.
La situacin poltica del
periodo de entreguerras permite la llegada
de los regmenes totalitarios, nacionalsocialismo, fascismo y comu-
nismo. Una enorme

maquinaria propagandstica y contrapropagandstica se pone en
marcha: los mensajes
se reducen y densifican.
Con la paz, la configuracin de los carteles
conecta tanto con la
pintura como con el
gesto del dibujo ilustrativo, el montaje constructivo o la composicin fotogrfica.
La ciudad cambia de
aspecto debido a los
carteles y rtulos publicitarios luminosos; la
omnipresencia del cartel y de otros medios
(cmics,
revistas,
peridicos, cine, televisin) genera una nueva
batera de imgenes
cotidianas.
Los fotgrafos publicitarios revisten el cartel
de aspecto de instantnea, casi documental,
que refleja cambios

sociales como el movimiento de 1968 as
como la progresiva
emancipacin de la
mujer.
La artesana del diseo
grfico tradicional pierde importancia cada
vez ms, por causa del
ritmo rpido que marca
la nueva sociedad de
consumo. Y cuando la
indiferencia de la sociedad alcanza un punto
crtico, los estrategas
de la publicidad reaccionan con una antipublicidad provocadora.
Los carteles publicitarios estn destinados
esencialmente al consumo, usndose la eficacia del medio, adems, para temas sociales y polticos. El artista
asume un papel de
observador
de
las
situaciones sociales. A
finales del siglo XX, son
innumerables los conflictos militares que
dominan el mundo. Los
medios se centran slo
en determinados focos,
y la industria televisiva
usa su gran potencial
de mercado y comercializa las guerras. Con
esta competencia, la
eficacia del cartel como
medio de comunicacin
ha disminuido. El cartel
cuenta con la competencia adicional de nuevos medios tales como
los e-boards dirigidos
por LED que satisfacen
las cambiadas costumbres visuales de los
consumidores.
Pero
incluso hoy algunos
creadores de carteles
consiguen una y otra
vez destacar.
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[AN] EXPOSICIONES NACIONALES
ALBERTO GARCA-ALIX. 214X1=317
LILIANA PORTER. TO SEE RED
Galera Juana de Aizpuru. Madrid. Hasta el 30/07
Espacio Mnimo. Madrid. Hasta el 20/07
Bajo este paradjico ttulo Alberto Garca Alix presenta

sus
ltimas
obras
dentro
del
marco
de
PHotoEspaa2007 en esta galera madrilea. La serie
214x1=317 recoge fotografas realizadas durante el ltimo ao y medio.
As nos habla este fotgrafo leons de este trabajo: "Las
fotos son intencionadas siempre. La intencin nunca es
honesta, no debe serlo. Es maliciosa. Yo, por mirar con
malicia, recojo ecos vivos de lo que vieron mis ojos.
Poseer presencias me excita. Me alimenta. No puedo
tener una mirada inocente. En esos momentos ni yo me
conozco, fotografo lo vivo como ya muerto. Con la
intencionalidad de un forense y... ah te quiero ver! No
es fcil. Todo es visible por defecto, solo entendindolo
as puedo admitir ser fotgrafo. Jugar con el exceso de
ver y de verme. Un juego masoquista: atrapar mi suspiro en la foto. La fotografa se asienta en la fe de lo que
es visible, por tanto, el suspiro no puede verse; pero
fotografiar me obliga a encontrarlo, a multiplicar lo que
miro. Es como hacer una cuenta, 214x1=317"
Alberto Garca-Alix. Blanca Li (2004). Cortesa del artista
Alberto Garca-Alix. Lisa (2005)
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Liliana Porter. Cortesa de la artista
En esta exposicin la artista argentina afincada en New York

Liliana Porter ha realizado una serie de obras en las que los
objetos no se reproducen, sino que se insertan en el lienzo,
sobre un magma rojo y uniforme, haciendo referencia al
ttulo de la exposicin, o azul intenso. Para Gerardo
Mosquera la artista se dedica a retratar a sus personajes
reforzando un sentido de su presencia real, legitimando
documentalmente la humanidad que siempre tuvieron.
Son fotos muy cuidadas, verdaderos retratos de estudio de
los juguetes, souvenirs, adornos kitsch y dems figuras usadas por ella. Es tan as que a veces los personajes parecen
posar, y hasta haberse vestido para la ocasin.
En estas piezas nuevas la artista juega con la percepcin del
espectador, al igual que en sus nuevos trabajos fotogrficos
en los que sobre sus caractersticos fondos monocromos, se
muestran juguetes, fetiches o figuritas inanimadas. Junto a
sus pinturas y fotografas se pueden ver sus ms recientes
esculturas en los que el tema, en palabras de la autora sigue
siendo el dilogo. El dilogo entre seres dismiles, o mejor
dicho, entre seres de la ficcin (juguetes o figurines varios).
Un dilogo entre representaciones. Pero entonces, qu se
dicen? qu piensan? Qu interrogan? La exposicin se
completa con la proyeccin de Fox in the Mirror / El zorro en
el espejo la ltima obra en formato cinematogrfico de Liliana
Porter, en cuya produccin ha colaborado la galera y que est
concebida como un concierto; los protagonistas: pequeas
figuritas de cermica, terracota, vidrio o plstico que representan a msicos, bailarines, cantantes, soldados de plomo y
de plstico, relojes de pulsera, un pato de juguete, tijeras,
una cinta de medir en forma de canguro, una jarra que es un
oso, un salero, una regla o una postal de Magritte .
Liliana Porter estudi en la Escuela Nacional de BB AA de
Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de
Ciudad de Mxico, obtuvo en 1980 la Beca Guggenheim
y la Beca New York Fundation for the Arts en 1985, entre
otras. Ha expuesto individualmente en el Museum of
Modern Art (MoMA) de Nueva York, en el Museo de Arte
Moderno de Bogot, en el Museo de Arte Contemporneo de
Panam, en el Museo Nacional de Artes Plsticas de
Montevideo, en el Bronx Museum for the Arts de Nueva York
o en el Phoenix Art Museum de Arizona entre otros centros.
Su obra est representada, entre otras importantes colecciones, en el Metropolitan Museum y el MoMA de Nueva
York, en el Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro, en
el Boras Kunstmuseum de Boras, en el Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofa de Madrid o en el Muse dArt
Contemporain de Montral, entre otros.
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PERCEPCIONES. ITINERARIO SELECTIVO
NADIN OSPINA. COLOMBIALAND
MNCARS. Hasta el 22/07
Galera Fernando Pradilla. Madrid. Hasta el 30/09
Coincidiendo con la edicin de PHotoEspaa 2007,

MNCARS propone una revisin de sus fondos fotogrficos realizada por Catherine Coleman
titulada
Percepciones. Itinerario selectivo. Fondos de Fotografa
de la Coleccin Permanente.
El recorrido se articula a travs de cinco salas, bajo cinco
temticas: Guerra civil. Imgenes donde podemos ver la
fotografa Arenga al ms joven ejrcito posible de Juan
Pando, tomada en un solar anexo al cine madrileo
Coliseum, al final de la Gran Va, en febrero de 1939,
cuando la conclusin de la guerra era inminente; Dora
Maar y la metamorfosis del Guernica en la que se expone una seleccin de ocho fotografas sobre el proceso del
Guernica realizadas por Dora Maar; Surrealismo. Luces
y sombras un espacio dedicado al cine y la fotografa
surrealistas: proyeccin de las pelculas de Luis Buuel
y Salvador Dal, Un perro andaluz y La edad de oro, fotografas de Man Ray, Andr Kertsz, Jean Moral, Brassa,
Nicols de Lekuona, Henri Cartier-Bresson y Dora Maar.;
Re/tratos donde se han reunido desde los autorretratos
de Mapplethorpe, Loretta Lux, Christopher Makos o
Amparo Garrido; y por ltimo Arquitecturas (reflejadas)
con fotografas de gran formato realizadas por Andreas
Gursky, Alejandro Garmendia, Jan Fabre y Per Barclay.
El artista colombiano Nadn Ospina (Bogot, 1960) presenta en la galera Fernando Pradilla Colombialand. Una
muestra que itinera a Madrid en colaboracin con el
Ministerio de Relaciones Exteriores de la Repblica de
Colombia y la Embajada colombiana en Espaa tras su
paso por el Instituto Cervantes de Pars bajo el comisariado de Jos Jimnez. Pinturas, objetos escultricos y
un vdeo conforman esta muestra realizada a partir de
piezas de construccin de Lego. Nadn Ospina ofrece en
estas obras "la visin estereotipada que Europa tiene de
Amrica Latina".
Nadn Ospina lleva cuatro aos trabajando en esta serie,
desde el momento en que el artista contempl cmo su
hija tena un juego de la empresa danesa Lego en la que
aparecan personajes armados y de rostros marcados por
cicatrices, y lo compar con la imagen que los medios
ofrecen de su pas. Colombialand es una denuncia del
proceder de la empresa Lego y una apropiacin de su clich latinoamericano, con el fin de profundizar visual e irnicamente en todas las variantes icnicas de esta utilizacin perniciosa de los estereotipos colombianos.
El artista se apropi de estas figuras de Lego, modific
su escala e introdujo nuevos personajes, como el sicario, el capo del narcotrfico o el secuestrado. "La visin
de mi pas en Europa es la de un mundo de juguete.
Nuestra realidad se ve tan distante y tan filtrada por la
televisin que nosotros y las circunstancias que vivimos
parecemos pequeas piezas de un juego virtual", explica el artista.
Amparo Garrido. Coleccin MNCARS
Henri Cartier-Bresson. Coleccin MNCARS
Nadn Ospina. Cortesa del artista
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BIOS 4. ARTE BIOTECNOLGICO Y AMBIENTAL

Centro Andaluz de Arte Contemporneo. Sevilla. Hasta el 2 de septiembre
El Centro Andaluz de Arte Contemporneo acoge en

sus salas la exposicin BIOS 4, una muestra arriesgada que viene a confirmar la posicin del centro en
el panorama ms internacional en lo que (no slo a
exposiciones) a prcticas se refiere, a prcticas que
hibridan el arte con la vida, con la experiencia y la
tecnologa.
En las obras seleccionadas por Antonio Cerveira
Pinto, comisario de la misma, se mezcla la investigacin con la biotecnologa, la robtica, la informtica
de ltima generacin y una muy sutil experiencia de
la esttica donde el trabajo de los artistas se mezcla
y se magnifica con la accin de la Naturaleza, en
algunos casos. Esto junto a una lenta labor de
observacin de la evolucin de las obras, que los
acerca a muchos de ellos tanto a la labor del cientfico como a la del alquimista y el sabio renacentista,
que acaso no sea lo mismo. Al ver algunas obras,
especialmente aquellas que juegan con las variaciones de las plantas, no podemos dejar de recordar
los studiolos de los coleccionistas de rarezas de la
Naturaleza. En general es una exposicin que resita al artista en su papel de creador, quiz el que
nunca debiera haber abandonado.
Como apunta el comisario la colaboracin estrecha
y sistemtica entre artistas, tecnlogos y cientficos
en nuevos proyectos creativos es la marca distintiva
de la ms reciente tendencia al acercamiento entre
arte y conocimiento o arte cognitivo.
BIOS 4 es, a mi entender, un complemento perfecto a la exposicin Fluxus, tambin en el CAAC,
donde podemos encontrar algunos antecedentes a
estas experimentaciones, como a su concepto de
un arte en continuo movimiento, un arte que fluye,
en este caso segn el ritmo de la Naturaleza.
Tambin es, de alguna manera, heredero del Body
Art y del Land Art.
La exposicin caracteriza la transicin del paradigma esttico contemporneo hacia un paradigma
posterior a lo contemporneo, como explica
Cerveira Pinto, post-contemporneo, lo que se
correspondera con la emergencia de una nueva
objetividad esttica.
Andy Lomas. Cortesa del artista
Juan-Ramn Barbancho
Mateusz Herczka. Cortesa del artista
Philip Ross. Cortesa del artista
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CARLOS RIAL
MARCO. Vigo. Hasta el 26 de agosto
Los poros del gigante

El escultor Carlos Rial (Lage, Alemania, 1969), una de
las figuras ms representativas del arte gallego de la
ltima generacin, present sus ltimos trabajos en
Vigo. Una elemental descripcin fsica de las piezas nos
ofrece la clave de la dificultad del proyecto: introducir
enormes desatascadores de ms de dos metros de alto
realizados en yeso y zinc mientras conquistan el vaco
del dibujado Espacio Anexo del MARCO.
La intencin no es otra que la de continuar con una lnea
de investigacin construida en una trayectoria de ms
de diez aos, en la que el autor prescinde de la palabra
para apoyarse en la escultura como medio de expresin,
una herramienta dialctica de narraciones eternas y
ambiguas, teida de relatos biogrficos de presencias y
dudas que expande en el espacio en forma de objetos
activadores de tensin, entre los espacios que experimentamos, las imgenes que nos presenta y las formas
que (re)conocemos, y que por lo tanto, an siendo formalmente orientadas por el arte mnimal, denotan una
diferencia substancial en las bsquedas.
El proyecto especfico para el Anexo sita tres piezas en
una ubicacin lineal, en cada uno de los extremos, dos
desatascadores ensamblados, intuimos que en aparente
forcejeo por (des)pegarse, compenetrados en succionarse o soltarse, y en el centro, una nica pieza que descansa su largo cuerpo metlico en la pared, solitario,
aparentemente ajeno. La intranquilidad se apodera una
vez ms del lugar conquistado por la escultura de Carlos
Rial. Lo intuido se convierte en la interrogante que desvela el dilogo entre el espacio invadido y el objeto invasor donde el autor nos proporciona los objetos mientras
los visitantes debemos observar e interrogar. La rigidez
mrbida del blanco cuerpo principal se complementa
con las formas modeladas del extremo, varas de metal
que actan a modo de cuerpos que se curvan serena-
mente, huellas de esa accin que se antoja congelada,

distante a nuestro ojo. El volumen situado en el centro
marca el anclaje, acta de frontera imaginada en una
composicin aleatoria, un acento, una pincelada, un
gesto. En cada giro, una nueva perspectiva y a cada
direccin, nuevas respuestas con las que cercar su trabajo.
En las piezas se observa una labor que muestra formalmente un tratamiento ms accidental e inesperado, que
se aprecia en los acabados, en los restos de material,
en las huellas, pero que en este caso permanecen en la
obra liberndola de la finitud, dejndole la posibilidad de
ser completada, de ser prolongada.
Nos encontramos con un trabajo que nos manifiesta la
oportunidad de revisitar constantes de este autor como
la dualidad y la irona inherente a la percepcin, a la
mirada. El autor sobredimensiona lo innegable para evidenciar un complejo mundo de significantes y paradojas, de indagaciones y encuentros. Subvierte significados, acciona en el espectador la mecnica de la suposicin, el imaginario entorno a piezas que nos vinculan
con lo emprico, que desde la primera mirada ya son
cuerpos prximos que extraer de nuestra cotidianeidad.
Estos cuerpos adquieren una sacralizacin devenida no
slo por su ubicacin, sino por la forma en que Carlos
Rial congela el movimiento y detiene su tiempo, a veces
mediante el pulido de las superficies, tildando sus poros
hasta dejar sin respiracin a la pieza, otras como ahora,
mediante la reproduccin de la quietud, de la escala.
El reto del proyecto es el espacio, un gigante al que
modelar pausadamente, definindolo con el equilibrio
de la reiteracin, dinamizndolo desde la ocupacin
obsesiva y silenciosa de las formas, experimentndolo
mediante la pulcritud dialogante del objeto con lo que
permanece despus de l.
Chus Martnez
Vista exposicin Anexo (MARCO)
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_miradas
FOUNTAIN
La fuente de Duchamp cumpli 90 aos. En abril de

1917, Marcel Duchamp consolidaba la idea del ready
made: seleccion un producto industrial de uso corriente, tom posesin del objeto sin considerar la funcin
para que haba sido creado, lo entendi en otra posicin
de forma que anulaba su significado inicial y utilitario y
lo renombr, confirindole un nuevo sentido. Fountaine,
tal vez su obra ms conocida, es un simple urinario instalado en posicin invertida.
Excluido del Saln de Pars, Duchamp acept, en Nueva
York, participar en la organizacin de un saln promovido por la Society of Independant Artists, en el Grand
Central Palace, en abril de 1917, con una nica condicin: No jury, no prizes (ni jurado, ni premios). Para
comprobar la aplicacin de este principio, se dirigi al
establecimiento de J.L. Mott Iron Works y adquiri un
urinario, que firm en posicin inversa con el pseudnimo de R. Mutt, y lo envi a la exposicin con el ttulo de
Fountaine. La obra fue considerada obscena e indecente
y, por no ser una obra original, no era arte.
Walter Arensberg, conocedor de la autora, se propuso
comprar Fountaine para ayudar al artista, pero no consigui encontrar el objeto, que apareci depus, detrs
de un tabique. Tres das despus de la clausura del saln
de Nueva York, la fuente apareci expuesta en la galera 291, donde Alfred Stieglitz, por encargo de
Duchamp, la fotografi.
Con este gesto, Duchamp alter el curso de la Historia
del Arte.
90 anos ms tarde, ni la fuente ni su autor son cuestiones pacficas o ultrapasadas. Dos libros biogrficos
sobre Marcel Duchamp han sido recientemente editados
en Francia (Marcel Duchamp, la Vie Crdit, de Bernard
Marcad, y Marcel Duchamp, de Judith Housez, editados
respectivamente por Flammarion y ditions Grasset);
una larga entrevista a Bernard Marcad sobre Duchamp
fue publicada en uno de los ltimos nmeros de
Artpress; en Portugal, hace un ao y medio, Antnio
Olaio lanz un libro Ser um indivduo chez Marcel
Duchamp, publicado por Dafne Editora; y hace un ao el
performer Pierre Pinoncelli, durante la exposicin del
Dadasmo del Centro Pompidou, orin en la Fuente de
Duchamp y la atac con un martillo.
Duchamp tal como su Fountaine an hoy es actual,
ora considerado como pintor fantstico (Historia del
Arte de Horst Woldemar Janson, editada por
Gulbenkian), ora como un artista anarquistoide () con
sus ready mades absurdos (Historia Universal del Arte,
de Gina Pischel, publicada por Arnoldo Mondadori
Editori).
El arte contina dentro del mismo paradigma al que se
vincul (o desenvolvi) desde el inicio del siglo XX y
Duchamp se mantiene vivo en las obras que hoy se producen: ninguno de los artistas vivos y activos pensara
su obra de la forma como lo hace, sin aquella ruptura
con el pasado realizada por Duchamp y por muchos de
los artistas del inicio del siglo XX. Entender a este artista es entender el arte contempornea.
Su gesto artstico ms conocido y, probablemente, de
mayor peso para la contemporaneidad, consisti en el
recurso a objetos oriundos de la industria, que integr
en sus obras, gesto que ya haba iniciado antes de la
ejecucin de Fountaine. Como es de conocimiento
general, el ready made presupone varias operaciones:
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seleccin (de un objeto comn), descontextualizacin

(trnsito de ese objeto del mundo utilitario al mundo del
arte), desfuncionalizacin (por ejemplo, en la clebre
Fountaine, el urinario es presentado girado al revs),
denominacin (por el ttulo) y autorizacin como obra de
arte (por la firma) texto de Miguel Wandschneider, en
el catlogo de ngela de la Cruz, editado por Culturgest,
en Lisboa (2006).
El pensamiento de Duchamp todava hoy es estudiado y
muchos textos inditos carecen de un anlisis profundo,
como las famosas cartas intercambiadas con su amante
Maria Martins, artista brasilea, mujer de un diplomtico, con quien mantuvo una relacin secreta durante
aos.
Nuno Cunha
Duchamps fountain is celebrating its 90th anniversary.

In April 1917, Marcel Duchamp consolidated the idea of
ready made: He selected a commonly used industrial
product, appropriated the object regardless the function
it had been created for, understood it in another position
in such a way that its original, utilitarian meaning was
neutralized, and renamed it, giving it a new sense.
Fountaine, perhaps his best-known work, is a simple urinal in inverted position.
Excluded from the Salon de Paris, Duchamp accepted, in
New York, to take part in the organization of a show promoted by the Society of Independent Artists, at the
Grand Central Palace, in April 1917, with only one condition: No jury, no prizes. In order to check the application of this principle, he went to J.L. Mott Iron Works
store and bought an urinal, which he signed in inverted
position, and sent it to the show with the title Fountain.
The work was considered obscene and indecent and,
since it was not an original work, it was not art.
Knowing who the author was, Walter Arensberg intended to buy Fountain so as to help the artist, but he could
not find the object, which appeared later behind a partition wall. Three days after the closing of the New York
exhibition, Fountaine was shown at the 921 gallery,
where Alfred Stieglitz, commissioned by Duchamp, photographed it.
With this gesture, Duchamp altered the course of Art
History.
90 years later, neither the fountain nor its author is a
peaceful or outdated issue. Two biographical books
about Marcel Duchamp have been recently published in
France (Marcel Duchamp, la Vie Crdit, by Bernard
Marcad, and Marcel Duchamp, by Judith Housez, publisehed by Flammarion and ditions Grasset respectively); a long interview to Bernard Marcad on Duchamp
was published in one of the last issues of Artpress; in
Portugal, a year and a half ago, Antonio Olaio presented
the book Ser um indivduo chez Marcel Duchamp,
Publisher by Dafne Editora; and a year ago the performer Pierre Pinoncelli, in the Dadaism exhibition at the
Centre Pompidou, urinated in Duchamps fountain and
attacked it with a hammer.
Even today, Duchamp just like his fountain is
modern, he is sometimes considered as a fantastic
painter (Historia del Arte by Horst Woldemar Janson,
published by Gulbenkian), and sometimes as an anar-
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Marcel Ducamp. Fountain (1917)
choid artist () with his absurd ready mades (Universal

History of Arte, by Gina Pischel, published by Arnoldo
Mondadori Editori).Art continues in the same paradigm it was linked to at the beginning of the 20th century, and Duchamp is alive in works produced nowadays: None of the living and active artists would think
their work in the way they do now without that break
with the past carried out by Duchamp and many other
artists in the beginning of the 20th century.
Understanding this artist means understanding contemporary art.
His best-known artistic gesture, and probably the most
important one for present-day artists, was his use of
objects taken from industry, which he integrated in his
works. It was a gesture that he had initiated before the
execution of Fountaine. As everybody knows, the

ready made presupposes several operations: selection
(of a common object), decontextualization (transference of that object from the utilitarian world to the world
of art), defunctionalization (for instance, in the famous
Fountaine, the urinal is presented upside down), denomination (by the title) and authorization as a work of
art (by the signature) text by Miguel Wandschneider,
ngela de la Cruz catalogue, published by Culturgest in
Lisbon (2006). Duchamps thinking is still being studied
today and many of his unpublished texts lack a deep
analysis, such as the famous letters exchanged with
his lover Maria Martins, a Brazilian artist and a diplomats wife, with whom he had a secret relationship for
years.
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DANIELA EDBURG. BITTERSWEET
KARINA BELTRN. EL MUNDO SECRETO DE LAS MQUINAS
Adhoc. Vigo. Hasta el 15 de septiembre
Raquel Ponce. Madrid. Hasta el 15 de julio
La galera gallega organiza la primera exposicin individual de Daniela Edburg (Houston, Texas, 1975) en territorio espaol. En ella se recogen fotografas de sus dos
ltimas series: Drop Dead Gorgeous y The remains of
the day.
Ichiro Irie, director del espacio RIMJAUS en la Ciudad de
Mxico DF y Editor de la Revista RIM escribe sobre la
serie Drop Dead Gorgeous: Daniela Edburg hace esteticistas fotografas de mujeres (sus amigas y conocidas)
asesinadas o que van a ser asesinadas por mercancas
de consumo. Ella afirma que la obra de ninguna manera
es crtica s, claro (...) Si estas chicas no estn muertas de veras, estn virtualmente muertas por su dependencia total en dichos artculos. Sin embargo, algo raro
traiciona tal lectura bidimensional de las fotos. Ellas
estn demasiado felices y entusiastas para que el discurso sea meramente crtico. Edburg definitivamente no
est haciendo una crtica abiertamente feminista/marxista a lo Barbara Kreuger, ni una crtica-burla de las clases altas como su tocaya Daniela Rossell. Hay algo excesivamente simptico y carioso hacia sus objetos/amigas, como si estuvieran diciendo, S, somos materialistas y americanizadas entonces qu? Nos gusta. Cabe
mencionar que Edburg es medio norteamericana, de
padre gringo y madre mexicana.
En The remains of the day elabora el tema de la identidad y su reconstruccin, manipulando y recontextualizando la imagen. En paisajes de cierta carga buclica
presenta cuerpos inertes, con la ayuda de un empleo
saturado del color y de la composicin utilizada consigue
rescatar la belleza de una escena trgica.
Daniela Edburg. The death of Dorothy (2006)
Daniela Edburg. 14 of febrero (2007)
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Karina Beltrn. Cortesa de la artista
Apariciones. Launderette es el ttulo de la serie con la

que Karina Beltrn reflexiona sobre la existencia humana, y los lmites entre el mundo interior y el exterior. Los
personajes de esta serie son mujeres vestidas de negro
que se sitan en un espacio de luto o reflexin.
El espacio escogido es una lavandera: mquinas de
lavar colocadas en batera. Para Clara Muoz la mquina no es ms que una pieza de la gran mquina de la
ciudad. Cuerpo y mquina aparecen desde tiempo inmemorial, investidos de extraordinaria significacin csmica. No es una situacin coyuntural de un entorno la que
condiciona el comportamiento y ocasiona la melancola
de los seres humanos, sino su propio cuerpo, el tiempo
meticuloso y constante, su misma existencia y su implacable destino. Como todo poeta, Karina Beltrn ha elegido su objeto, lo ha cambiado de ser y lo ha promovido a lo potico y en este proceso nos ofrece poner el
mundo bajo el signo de ese objeto. No es el tambor de
la mquina el que gira como gira el mundo, Karina
Beltrn nos hace reconocer que es el movimiento repetitivo y montono del mundo el que se asemeja al del
vientre de la lavadora. En ese orden csmico activado
por masas y gravedades nos revolvemos los seres
humanos. Es nuestra incapacidad de escapar a ese
mecanismo lo que nos condiciona y conduce a la melancola, al anonimato y a la soledad.
Karina Beltrn (Tenerife, 1968) se licenci en Bellas
Artes por la Universidad de La Laguna y posteriormente
hizo un posgrado en BB AA en el Chelsea College of Art
and Design (Londres), as como un mster en la disciplina, en esta misma institucin.
Ha expuesto en diversas salas de las islas Canarias, y ha
participado en muestras colectivas en Portugal, Londres,
Madrid y otros lugares de la geografa espaola. Su obra
forma parte de la coleccin de distintos museos: el
CAAM de Las Palmas de Gran Canaria o la Coleccin Caja
Madrid.
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SEBASTIO SALGADO. FRICA
VER BAILAR
Sala BBVA. Madrid. Hasta el 22 de julio
CAAC. Sevilla. Hasta el 17 de septiembre
Sebastio Salgado. Returning Mozambican refugees (2006)
Ver Bailar. La provocacin en el dilogo entre la

danza y las artes visuales es una muestra comisariada por Eva Schmidt que examina las relaciones entre
la danza y las artes visuales, aquellas interacciones
entre estas dos manifestaciones artsticas. Como
punto de partida: la fascinacin que a lo largo de la
historia la danza ha despertado en el arte. De este
modo se propone la reflexin en torno a posiciones
coreogrficas significativas y conceptos relativos a
estudios derivados del anlisis del movimiento del
cuerpo en un espacio determinado y sobre cmo han
provocado un nuevo imaginario y una nueva forma
de trabajo. La exposicin abarca desde la segunda
mitad del siglo XX hasta la actualidad, y en ella se
indaga sobre diversos aspectos de la danza relativos
a diversos campos temticos, como las coreogrficas
del movimiento desde el aprendizaje y el desaprendizaje hasta su dominio, la danza como constante
antropolgica y la concentracin de identidades culturales; espacios para la danza como el escenario y
la pista de baile; la relacin con el espectador; la
cooperacin e improvisacin como requisitos previos
al trabajo; el vestuario del bailarn/a en su descubrimiento/en-cubrimiento del cuerpo; la notacin
coreogrfica. En la muestra se incluyen distintos
soportes documentales, como fotografas, vdeo,
dibujos coreogrficos, instalaciones, proyecciones y
obras.
Programada dentro de PHotoEspaa2007, esta seleccin
de fotografas ofrece un testimonio de la realidad del continente africano. Un total de 55 obras de gran formato
seleccionadas del trabajo de Sebastio Salgado (Aimors,
Brasil, 1945), premio Prncipe de Asturias de las Artes
(1998), realizado en los ltimos 30 aos. Se trata de una
obra que reflexiona sobre el trabajo, la naturaleza y las
migraciones. La muestra, enmarcada dentro de las celebraciones del 150 aniversario de BBVA, se divide en tres
partes: frica Austral, Grandes Lagos y Norte de frica.
La recoleccin del t en Ruanda, los nmadas del desierto del Sahara, las consecuencias de las guerras sobre la
poblacin y migraciones hacia Europa, la sequa en
Etiopa, Sudn y Chad, la guerrilla en Ruanda y los millares de refugiados hacinados en los campos, en las carreteras, muriendo de hambre, de sed o pasto de epidemias,
son algunos de los asuntos que se reflejan en estas imgenes ofreciendo una visin global de la realidad africana.
Lila Wanick, comisaria de la exposicin comenta que
este continente est hecho de tradiciones, de guerras
entre tribus, de violencia, de pobreza, de cataclismos.
Pero tambin es el marco de grandes paisajes que no
parecen tener fin, montaas, llanuras y desiertos habitados por una biodiversidad insospechadamente variada,
animales salvajes, plantas ancestrales y comunidades
humanas que an viven en otra poca. () frica, la
encantada y misteriosa, aviva la curiosidad e incita a la
codicia. Europa la ha dividido y saqueado y, al marcharse, ha dejado tras de s una poblacin sin medios instruida para seguir su ejemplo. Las guerras se suceden y las
personas y el entorno natural se resienten.
Salgado regres recientemente a frica y realiz nuevas
fotografas que forman parte de un proyecto en el que
est trabajando titulado Gnesis, en l aparecen entre
otros asuntos las dunas y la poblacin de Himba
(Namibia), los dincas (Sudn), y los gorilas de montaa
y la regin de los Virungas con sus volcanes (Ruanda,
Repblica Democrtica del Congo y Uganda).
Trisha Brown. Roof Piece (1971). Foto Babette Mangolte
Yvonne Rainer. Performance (1972). Foto Babette Mangolte
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TAMARA DE LEMPICKA
Fundacin Caixa Galicia. Casa das Artes. Vigo. Hasta el 15 de julio
El underground de los salones

En el ao 1988 el editor Franco Mara Ricci dedic una de
sus esplndidas monografas a la clebre aristcrata
Baronesa Kuffner. El libro reproduca muchos de los cuadros que pintara al leo la bella dama y que en la poca
de su realizacin firmaba como Lempicka, el apellido que
adopt tras su matrimonio en San Petersburgo con un
joven abogado ruso que le ayudara a alejarse de su casa
familiar en Varsovia donde haba venido al mundo en
1898 y donde recibi el nombre de Tamara Gorska. El
celebrado volumen se editaba 8 aos despus del fallecimiento de la artista-socialista-elegante-aristcrata-outsider Tamara y fue el detonante de la revisitacin de su
obra y su vida. Un catlogo de cuadros y una biografa
construidas sobre el contrapunto del deseo y el deber.
El deseo de Tamara una vez que visit Pars de pequea
era pertenecer al Beau monde de la ciudad de la luz, el
deber le impona quedarse en Polonia. Para poder acercarse a la ciudad del Sena cont con el apoyo de sus
parientes en San Petersburgo quienes gracias a su estatus saciaron adems sus incipientes deseos de acercamiento a la nobleza, aunque el deber siendo una snob
(sine nobilitas) no le dej ms opcin que casarse con
un burgus, Lempicki.
En la revolucin del 1918 el matrimonio huy a Pars,
curiosamente el deseo de Tamara se colm con la obligacin de escapar a las hordas revolucionarias. En Pars
la realidad fue quizs ms tozuda que los deseos de
grandeur de la bella polaca-rusa y para avanzar en la
reinvencin de su persona desarroll su capacidad como
pintora cubista de saln asistiendo a clases con Andr
Lothe. En la poca entre dos guerras, en los prolegmenos de su carrera pintaba de da y viva de noche, ejerciendo de inagotable madre con su hija Kizette y de
inagotable luchadora por conseguir su sitio en el panorama del arte de la poca.
Su combinado de aristocracia y viajes sofistic su aspecto
fsico convirtindola en una bella dama de la sociedad acomodada de la poca. Esa efigie la mode se repite en sus
retratados, en sus cuadros, en los personajes que por
deber y deseo conforman su galera de clientes y partners

de salones y casinos. De un modo quiz no premeditado
Tamara se convierte en una artista performer que se parece a su obra y que traduce su vida en su pintura y donde
sus cuadros no son ms que una sublime plasmacin muda
e inmvil de su universo de champagne y perlas.
Un segundo matrimonio cumplimenta su deseo de tener un
ttulo aristocrtico y el deber de escapar de una nueva guerra le obliga a los Barones Kuffner a trasladarse a Nueva
York, donde en un trplex en la Calle 57, ella se convierte
en una eficaz pintora en estilo precamp estadounidense y
deviene en clebre anfitriona de la poca.
Los retratos de sensualidad lsbica de su primera poca
parisina se complementan con retratos de claroscuro
yanqui inspirados en el arte del estupor. Sus retratos de
apolneos hombres art dco se convierten en manieristas clochards de belleza de calendario. Sus bodegones
de flores sincopadas y fusiformes se transforman en abigarradas composiciones de redondeces barrocas. Y
siempre los trnsitos de su estilo, de su apellido, de su
aspecto, de sus casas se van haciendo bajo el sortilegio
de las miserias de lo inevitable que ella con su genio
absoluto transforma en esplendores del deseo, el deseo
que vemos saciado observando sus impecables cuadros,
sutiles como lacas chinas.
Tamara en el Ritz, en el Lido, en Cuernava al final de su
vida, en St Moritz en alguno de sus autorretatos, al
volante de su auto deportivo en otras ocasiones. Tamara
consigue ser con el reconocimiento devuelto por la historia, una outsider, un personaje underground del
mundo de la alta sociedad inmiscuido en la pomada del
arte de primera lnea del siglo XX. Es una precursora en
el womans liberation, es una reaccionaria a contracorriente porque crea en su forma de pintar. El xito con
el que Tamara de Lempicka luch contra los deberes en
pro de alcanzar los deseos en su vida, ha garantizado
que ella halla tenido una biografa de fabula y nosotros
podamos disfrutar hoy de su irrepetible universo pictogrfico.
Tamara de Lempicka. Portrait du Prince Eristoff
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Romn Padn Otero
Lempicka en traje de noche. D'Ora (c. 1929)

Alain and Michlle Blondel Collection
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Tamara de Lempicka. Danseuse Russe
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SANJA IVEKOVIC. ALERTA GENERAL
AMPARO SARD. LA MUJER MOSCA
Fundaci Antoni Tpies. Barcelona. Hasta el 22/07
Galera Mara Prego. Vigo. Hasta el 27/07
Sanja Ivekovic. Cortesa de la artista
Organizada por la Fundaci Antoni Tpies, el Gteborgs

Konsthall (Gotemburgo), el
Klnischer Kunstverein
(Colonia) y la Galerie im Taxispalais (Innsbruck) se puede
ver esta primera retrospectiva en territorio espaol sobre
Sanja Ivekovic (Zagreb, 1949), una muestra comisariada
por Nataa Ilic y Kathrin Rhomberg.
Sanja Ivekovic utiliza desde los aos setenta la fotografa,
el vdeo, la instalacin, la performance para desarrollar
una propuesta artstica crtica e innovadora. Artista poltica y pionera en la ex Yugoslavia tanto del feminismo como
del videoarte.
Sanja Ivekovic estudi en la Academia de BB AA de Zagreb.
Durante los aos setenta y ochenta utiliza frecuentemente
su propia imagen, y trabaja desde sus vivencias como mujer
y ciudadana de un rgimen comunista para evidenciar como
la esfera pblica, poltica y social incide en la construccin
de la propia identidad. En esta poca los smbolos nacionales y la representacin del estado desempean un papel
relevante, pero el asunto central son las vinculaciones entre
gnero y poder.
Trokut (Tringulo, 1979) es una de sus performances sobre
la libertad de expresin desarrollada durante la visita al
Zagreb de Tito, dirigente entonces de Yugoslavia. Durante
esta visita, se prohiban la presencia de personas en los balcones de los edificios. Ivekovic sali al balcn y simul un
acto masturbatorio, la vigilancia situada en los tejados
detectara su presencia. Momentos despus un polica llam
a su puerta y orden que el balcn quedara libre de objetos
y personas.
Durante las dos siguientes dcadas, ochenta y noventa, la
artista ha marcado en sus obras un claro inters poltico
como reaccin a los acontecimientos polticos y econmicos
acaecidos en los Balcanes, sin olvidar su compromiso con la
poltica de gneros y sobre la crtica de la violencia ejercida
sobre las mujeres. La artista utiliza los medios de comunicacin (programas de televisin, revistas, anuncios, prensa,
etc.) para releer la micro-poltica de la historia e incidir en la
recuperacin de la memoria colectiva.
Sanja Ivekovic tiene obra en el MoMA de Nueva York, en el
Centro Pompidou de Pars, en la National Gallery de Canad,
en el Contemporary Art Museum de Kumamoto, en la
Generali Foundation de Viena, en el Ludwig Museum de
Colonia y en el Stedlik Museum de Amsterdam entre otros.
Ha expuesto en centros de arte como la Knstlerhaus
Bethanien de Berln, el Western Front de Vancouver y el
Museum of Contemporary Art de Zagreb. Ha participado en
numerosos festivales como en Manifesta 2, en la Bienal de
So Paulo, y en la Documenta 11. Y este ao participa en la
Documenta 12.
30
Recientemente Amparo Sard (Mallorca 1973) ha sido

seleccionada por Achille Bonito Oliva para una muestra
en Padula (Italia). Ha participado junto a artistas como
Marina Abramovic y Rebeca Horn en la muestra Oltre
Lilith, Il Femminino Sacro celebrada en Roma en el
2006, o con Ishiuchi Miyako para el Museo Scuderie
Aldobrandinicon de Roma, tambin comisariada por
Antonio
DAvossa
participa
en
la
exposicin
Medidetrraneo Contemporneo celebrada en el Museo
Castelo Aragonese de Taranto.
En esta galera viguesa presenta la serie La Mujer Mosca
en que la indaga sobre la duda y la angustia que la toma
de decisiones cotidianas provoca en el ser humano. Para
ello utiliza vdeo y obra sobre papel con la indecisin, el
agua y la mosca como nexo. Este insecto recorre objetos y espacios cotidianos as como lugares onricos.
Consigue el dibujo a travs de suaves perforaciones, a
modo de poros sobre el papel, generando un interesante juego de comunicacin entre las partes anterior y
posterior del soporte.
Amparo Sard. Serie La mujer mosca (2007)
Amparo Sard. Serie La mujer mosca (2007)
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espacio libre para su publicidad

[email protected]
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KEITH HARING. OBRA GRFICA COMPLETA SOBRE PAPEL. 1982-1990

Fundacin Caixa Galicia. Pontevedra. Hasta el 2 de septiembre
Keith Karing
Keith Haring
Keith Haring
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Keith Haring. Obra grfica

completa
sobre
papel. 1982 1990
ofrece ms de doscientas obras que ejemplifican la trayectoria artstica de Keith Haring,
desde principios de la
dcada de los ochenta,
cuando comienza a trabajar sobre papel hasta
su muerte en 1990.
Durante esta dcada,
utiliz numerosas tcnicas de impresin como
la litografa, la serigrafa, las impresiones en
relieve y los grabados al
agua fuerte.
La semntica de sus
obras est marcada por
el uso de una singular y
caracterstica iconografa, una iconografa reiterada a lo largo de toda
su obra, sus Icons:
bebs, perros, ngeles,
falos
o
figuras
de
Batman, con una intensa policroma. Estos
smbolos representan la
fuerza, el dinero, el sexo
y el sida, la religin y el
racismo.
En sus figuras formadas
por trazos y laberintos
de lneas Haring utiliza
sin prejuicios determinados smbolos, colores
e iconos forjados en la
cotidianeidad mediante
la publicidad, los medios
de masas y la vida urbana.
Su carcter contestatario es visible en una
serie
de
imgenes
enfrentadas a extractos
de textos del escritor
William S. Burroughs, en
las series Apocalypse
(Apocalipsis)
y
The
Valley (El valle).
Colaborar junto a Andy
Warhol, en un trabajo
titulado Andy Mouse,
una serie de dibujos pop
shop que ocupan un
lugar importante en la
obra grfica de Haring y
fueron los motivos que
Haring cre para los productos que venda en las
tiendas de Nueva York y
de Tokio.
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ROSNGELA RENN
La Fbrica. Madrid. Hasta el 14 de julio
La exposicin incluye dos obras de la serie Apagamentos

(2005) realizadas con imgenes reales de archivo de
investigaciones criminales. Son imgenes seccionadas y
entrecruzadas, que se colocan enmarcadas como diapositivas. La artista brasilea Rosngela Renn desarrolla
de este modo un trabajo de exploracin y rescate, en el
que se apropia de imgenes fotogrficas encontradas,
que al ser mostradas con otra intencin, y dentro del
contexto artstico adquiere otra intensidad. Utilizar imgenes preexistentes le permite concentrarse en la reflexin sobre el uso cultural de la imagen.
En esta muestra, se han incluido siete obras de la serie
A ltima Foto (2006), donde la artista invit a varios
fotgrafos a retratar el Cristo Redentor en Ro de Janeiro
usando cmaras mecnicas que la artista ha seleccionado durante los ltimos quince aos. Son cmaras de
diversos formatos que datan desde inicios del siglo XX
hasta cmaras de 35 mm. rflex. De este modo, reflexiona sobre aspectos relativos al concepto de autora o
sobre los lmites entre la proximidad y las fricciones
entre fotografa vernacular y la fotografa profesional.
Tambin sobre la anunciada muerte de la fotografa analgica en la era digital.
Otra de las series, Frutos estranhos (2006-2007) est
constituida por vdeos realizados a partir de la edicin y
animacin de imgenes digitales fotogrficas en las que

incluye algn tipo de movimiento, estableciendo una
serie de pensamientos alrededor de la imagen-movimiento, y de la fotografa como sistema representacional. Rosngela Renn (Belo Horizonte, 1962) formada
en arquitectura en la Escola de Arquitetura da
Universidade Federal de Minas Gerais, en Belo
Horizonte, e en artes plsticas en la Escola Guignard de
esa misma ciudad. Es doctora en artes por la Escola de
Comunicaes e Artes da Universidade de So Paulo, y
actualmente vive y trabaja en Rio de Janeiro
En ARCO05 pudimos ver dentro de la seccin Project
Room, Experincia de Cinema. Ha expuesto individualmente en la galera neoyorquina Lombard Freid Fine Arts
en 2003; ese mismo ao en Casa Amrica (Madrid) dentro del Festival PHotoEspaa2007, en la galera paulista
Fortes Vilaa, en el Museu de Arte Moderna de So Paulo
(MAM), en la galera Juana de Aizpuru (Madrid), en el
Museu do Chiado (Lisboa), en el Australian Centre for
Photography en Sydney y en el Museum of
Contemporary Art (Los Angeles), entre otros espacios.
Rosangela Renn. Serie A ltima foto. Rosngela Renn
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ZHANG HUAN
Fundacin Telefnica. Madrid. Hasta el 26 de agosto
Dentro del marco de PHotoEspaa2007 la Fundacin

Telefnica organiza la primera retrospectiva en territorio espaol de Zhang Huan. La exposicin revisa, a
travs de 70 obras, el trabajo de los ltimos siete aos
de este artista chino. Asimismo se exponen algunos de
sus trabajos ms recientes, como una serie de serigrafas sobre madera tallada. Entre las obras seleccionadas se incluyen algunas pertenecientes a la Coleccin
de Fotografa Contempornea de Telefnica. Un documental indito sobre el proceso de creacin de Zhang
Huan completa la muestra.
Partiendo de la accin, de su propia accin corporal, e
influido por la tradicin ritual oriental, Zhang Huan
insiste en sus obras en la experimentacin de sensaciones extremas sobre su propio cuerpo, sobre la
esencia del ser humano en su lmite entre la individualidad y la colectividad. Para Zhang Huan el cuerpo es
la va a travs de la cual se percibe y se es percibido:
el cuerpo es la prueba de la identidad. El cuerpo es
lenguaje.
La desolacin o el aislamiento que supone la vida en
la ciudad, la degradacin y abandono de los espacios
pblicos y el enfrentamiento del hombre con la naturaleza son algunos de sus motivos recurrentes.
Zhang Huan (An Yang City, 1965) actualmente reside
en Shanghai siendo uno de los pioneros en China en
utilizar como medio expresivo la performance. En
1998, se traslada a Nueva York y un ao ms tarde
participa en la exposicin sobre arte chino contemporneo organizada por el P.S.1 de Nueva York.
Zang Huan. My Rome (MouthtoMouth). Cortesa del artista
Zang Huan. My Rome (MouthtoMouth). Cortesa del artista
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UN TEATRO SIN TEATRO
Juan Muoz. The Prompter (1988) Coleccin Privada, Madrid.
Foto: Kristien Daem The Estate of Juan Muoz, 2007
MACBA. Barcelona. Hasta el 11 de septiembre
Un Teatro sin Teatro es el ttulo de esta muestra que

analiza, desde los inicios de la modernidad hasta finales de los aos ochenta, aquellas metforas procedentes de las influencias del modelo teatral en las
artes visuales.
Ms de 600 obras, entre pinturas, esculturas, instalaciones, dibujos, fotografas, vdeos, manuscritos y
documentacin diversa se han reunido en esta coproduccin del Museu dArt Contemporani de Barcelona
(MACBA) y Museo Berardo de Lisboa y comisariada
por Bernard Blistne y Yann Chateign, en colaboracin con Pedro G. Romero.
El recorrido por la muestra se despliega en torno a
diversos ncleos de anlisis en los que se proyectan
genealogas e influencias desarrolladas desde principios del siglo XX, diversos mbitos de investigacin
de los que emergen artistas y temas que tienen en
comn el teatro y el arte.
Con la presencia de Oskar Schlemmer, Antonin
Artaud, Samuel Beckett, Judith Malina o Tadeusz
Kantor, la exposicin se aproxima a las races de la
modernidad, un teatro que ha producido ideas y relatos absorbidos por el arte.
A principios del siglo XX, vanguardias como el
Dadasmo, el Futurismo y el Constructivismo expresa-
ban claramente un vnculo profundo entre renovacin

esttica y modelo teatral.
Desde mediados de los aos sesenta, la nocin de
teatralidad ha ocupado un lugar preeminente en la
crtica de arte contemporneo, potencindose la
simultaneidad de accin y percepcin en el espacio de
las artes, y el intercambio constante de papeles entre
el actor y el espectador.
Un Teatro sin Teatro se inicia en la confrontacin
entre la invencin del arte minimal (con obras de Carl
Andr, Robert Morris o Donald Jud) y su rechazo por
parte de la generacin siguiente que otorgan gran
importancia del texto, a la puesta en escena y una
nueva actitud del espectador/pblico (Dan Graham,
Bruce Naumann, Marcel Broodthaers, James Coleman
o Michelangelo Pistoletto).
Las claves escnicas del Futurismo y del Dadasmo
tienen continuismo en movimientos como Fluxus o el
happening, o el arte de la accin.
Una seccin de la exposicin se ha dedicado al espacio pblico urbano: la calle como el lugar para la
representacin y la accin: usos procesales de
Miralda, las acciones festivo-reivindicativas de Provos
o los experimentos urbanos de los situacionistas.
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IDILIO. SUEO Y FALACIA

Patio de escuelas. Universidad de Salamanca. Hasta el 22/07_DA2. Domus Artium 2002. Hasta el 08/09
Este proyecto de Oliver Zibok, que ha comisariado junto

a Javier Panera y Martje Schulz se enmarca dentro del
Festival Internacional de las Artes de Castilla y Len.
Idilio. Sueo y falacia rene a ms de cincuenta artistas,
nacionales e internacionales, que se han interesado
sobre la pervivencia, tanto formal y como metafrica,
del idilio, asunto ya presente en los orgenes del arte
occidental, partiendo de la mitologa y la poesa clsicas.
En el idilio clsico se muestra como la gran utopa, el
anhelo de armona y plenitud que se traslada a un lugar
ficticio, protagonizado por el erotismo. Sus personajes
no tienen conciencia del espacio ni del tiempo, estn
protegidos aparentemente de influencias y peligros
exteriores, pueden abandonarse a s mismos y a su
entorno.
El paisaje del idilio puede corresponderse con la imagen
del locus amoenus, de ese paraso perdido. El idilio y lo
idlico se presentan como una huida de la realidad, consecuencia principal de determinadas crisis.
Esta muestra, que ocupa el DA2 y las Salas del Patio de
Escuelas de la Universidad de Salamanca, rene una
importante seleccin de artistas, entre ellos Franz
Ackermann, Francis Als, Mike Kelley/Paul Mc Carthy,
Catarina Campino, David Claerbout, Felix Curto, Mark
Dion, Amparo Garrido, Christian Jankowski, Jorge Pardo,
Qiu Shi-Hua, Wolfgan Tillmans, Daniel Verbis y
Francesco Vezzoli.
Diana Thater. Orange Room (2001). Coleccin Falckenberg,

Hamburgo
Jorge Pineda. Entropa (2006) Coleccin DA2 Salamanca

Cortesa del artista y Galera Raquel Ponce Madrid
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BOTTO & BRUNO. VINCENZINA E LA SCUOLA

Galera Oliva Arauna. Madrid. Hasta el 18 de julio
Botto&Bruno. Cortesa de los artistas
Botto&Bruno. Cortesa de los artistas
Nuestra idea para esta segunda exposicin en la

galera Oliva Arauna surgi de una fotografa que
tomamos de la escuela primaria
pblica Martin
Luther King, situada en las afueras de Turn. A su
vez, Vincenzina and the Factory es el ttulo de una
cancin de 1974 de Enzo Jannacci , un famoso cantante y compositor italiano.
Juntando ambas ideas, hemos pensado en una
moderna Vincenzina, quien no est ms enfrente de
la fbrica, su fbrica, como dice la cancin, sino
enfrente del colegio, la escuela de su niez.
La historia contada en este proyecto crea una relacin entre la infancia, la msica y el proceso de
demolicin de los edificios pblicos que est teniendo lugar en Italia en los ltimos aos, intentando
dar una identidad a todos los espacios pblicos de
los suburbios.
Hemos intentado imaginarnos un futuro pesimista
pero previsible en el cual la escuela Martin Luther
King ser vendida por agentes estatales y, consecuentemente, ser demolida para construir edificios
ms rentables.
La Vincenzina de los 70, en la cancin de Enzo
Jannacci, haba perdido probablemente su empleo,
mientras nuestra Vincenzina, vestida de oscuro,
acaba de perder su infancia y, de pie, delante de su
viejo colegio, cuya fachada ha sido cambiada tantas
veces a lo largo de los aos, no puede hacer nada
sino cantar una cancin de despedida al lugar que le
ha permitido mantener sus recuerdos vivos.
En las grandes impresiones en PVC de la primera
sala, los elementos recurrentes son un muro en ruinas de una fbrica en demolicin, la fachada de la
escuela Martin Luther King, postes elctricos diseminados en el espacio y un paso a nivel de una estacin abandonada; en primer plano, una figura femenina, Vincenzina, tocando la guitarra apoyada en un
poste enfrente de su escuela.
En la segunda sala, dos postes elctricos tridimensionales estn cubiertos con mensajes annimos y
anuncios de gente que busca trabajo, una guitarra
elctrica real se apoya en la base de un poste. Al
lado hay una pila de collages recortados tomados de

revistas musicales.
Al final de la tercera sala una pared divide el espacio. Sobre sta un papel pintado muestra una
reconstruccin casi real de la fachada del colegio
Martin Luther King, por una apertura lateral se accede al espacio donde se proyecta el vdeo: Vincenzina
est cantando en castellano acompaada de un
grupo de nios discutiendo en el patio de una escuela.
Partiendo de fragmentos de una realidad muy diversa, desde lejanas sugestiones que crean un cuento
de atmsferas, reflejos y anlisis de la vida en las
zonas situadas en los lmites de las grandes ciudades, una vez que se ponen en contacto, hemos
hecho un intento de subrayar los elementos fundamentales que constituyen el esqueleto de estos
lugares, tales como las escuelas pblicas, las fbricas en ruinas o los pasos a nivel abandonados. Al
mismo tiempo hemos intentado incrementar la temperatura emocional y envolver al visitante; intentamos analizar el presente mientras reactivamos,
mediante la msica, los collages arquitectnicos y
las canciones, la memoria de nuestra infancia perdida.
Es un viaje al pasado en el cual, Vincenzina al principio se revela a s misma y muestra cmo las cosas
han cambiado desde su niez, mientras en una
segunda parte sus canciones llegan a ser la voz que
narra las imgenes en movimiento de un grupo de
nios que juegan sin darse cuenta de las transformaciones que sucedern en ese lugar, que nunca
ser el mismo.
Botto & Bruno
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TAKASHI MURAKAMI. SUPERFLAT
CONCHA PREZ. DAYDREAM
GACMA. Mlaga. Hasta el 15 de agosto
My names Lolita Art. Madrid. Hasta el 24/07
Este activo espacio malagueo presenta por primera vez

en Espaa la obra de este artista japons. La exposicin
de Takashi Murakami abarca desde sus obras realizadas
en los noventa hasta sus piezas ms recientes: una
numerosa serie de litografas en papel.
Superflat es el ttulo de esta muestra donde funde las
tcnicas de la pintura tradicional japonesa con los estilos grficos contemporneos que se encuentran en las
historietas manga y en las producciones de animacin
japonesa. El Superflat hace referencia a que el espacio
pictrico en sus trabajos es, literalmente plano (flat), y
a su posible lectura desde diferentes puntos de vista. El
resultado acta tanto como una celebracin como una
crtica de la cultura popular y underground de Japn.
Su obra est habitada por personajes que aparecen
constantemente como Mr. DOB, un personaje similar a
Mickey Mouse; Hyakume, un personaje como salido del
manga y similar a un Buda, o unas flores sonrientes de
una paleta de colores brillantes. En su obra tambin
estn presentes influencias occidentales, como Andy
Warhol o el director de cine Steven Spielberg.
Murakami produce su obra en su empresa Kaikai Kiki,
una organizacin que cuenta con ms de 100 empleados, que participan en la creacin, distribucin y promocin de las pinturas, esculturas, serigrafas, productos y
pelculas animadas realizadas por Murakami y otros
artistas a los que patrocina. Murakami elabora los bocetos iniciales de sus obras y supervisa la produccin, pero
gran parte del trabajo de detalle lo realizan sus empleados. Entre su obra para primeras marcas est la creacin
de diseos para productos de Louis Vuitton e Issey
Miyake.
Takashi Murakami (Tokio, 1962) doctorado en pintura tradicional japonesa, desde mediados de 1990 ha realizado
exposiciones individuales en espacios como el Museo de
Arte Contemporneo de Tokio (2001), la Fundacin Cartier
de Pars y la Serpentine Gallery de Londres (2002). A finales de 2007 inaugura una enorme retrospectiva en el
Museo de Arte Contemporneo de Los ngeles.
En la Cuarto Oscuro de la galera My names Lolita Art se

muestra la vdeo-instalacin DayDream de Concha
Prez, dentro del Festival Off de PHotoEspaa2007.
Una pieza en la que esta artista vallisoletana reflexiona
sobre los cambios en la interpretacin, en el uso, la actitud y la valoracin del espacio vital, elemento principal
de nuestra cotidianidad.
Concha Prez analiza cmo la sociedad actual genera
nuevas necesidades y dependencias para transformarlas
en ncleos de especulacin. De hecho, la instalacin que
ocupa este espacio madrileo de la galera My names
Lolita Art pretende orientar la percepcin hacia realidades cotidianas que producen en el espectador cierto desasosiego. Las imgenes presentadas son documentos
directos de nuestro entorno: tanto obras en la ciudad
que modifican el paisaje, que condicionan y guan los itinerarios de los ciudadanos; como los espacios habitados
por personas situadas en el margen.
Concha Prez (Valladolid, 1969) cuenta con obra en
importantes colecciones, entre las que destacan el
Museo de Arte Contemporneo de Castilla y Len
(MUSAC), el Instituto Valenciano de Arte Moderno
(IVAM) y la coleccin LOreal.
Concha Prez. Cortesa de la artista
Takashi Murakami. Cortesa del artista
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Concha Prez. Cortesa de la artista
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ROGER BALLEN. SHADOW CHAMBER
HANS-CHRISTIAN SCHINK. VIETNAM
Galera Max Estrella. Madrid. Hasta el 31/07
Galera Arns y Rpke. Madrid. Hasta el 27/07
La seleccin de fotografas que Roger Ballen presenta en la galera Max Estrella pertenece a su serie
Shadow Chamber. Junto a esta conocida serie se han
incluido algunas nuevas incorporaciones.
En ellas el fotgrafo se interesa por remarcar la posible interaccin entre personas, animales y objetos.
Las habitaciones que registra son espacios reales,
con una apariencia extraa y perturbadora: paredes
garabateadas y cubiertas de manchas, multitud de
objetos esparcidos por el suelo, perros, gatos y conejos se sitan en este espacio deambulando o metidos en contenedores imposibles, estn aislados, perdidos e indefensos al igual que los seres humanos
que aparecen.
Todos estos personajes ocupan el espacio gris ofreciendo una imagen que difumina las fronteras entre
fotografa, pintura y escultura. Roger Ballen desafa
las formas en las que percibimos la realidad que l
fotografa.
Este creador sudafricano nos propone con sus imgenes declaraciones de claro contenido social e imgenes perturbadoras de estudios psicolgicos.
Roger Ballen (1950) de formacin autodidacta, ha
vivido y trabajado en Johannesburgo durante casi 30
aos. Trabaj como gelogo y asesor de minas antes
de empezar a fotografiar pequeos pueblos y habitantes de la Sudfrica rural.
En 2002 fue nombrado Fotgrafo del Ao por
Rencontres dArles.
Su obra forma parte de importantes colecciones
pblicas y privadas como las del Brooklyn Museum de
Nueva York; el Centro Georges Pompidou de Pars, el
Johannesburg Art Museum, Los Angeles County
Museum of Art, el Museum of Fine Arts de Houston,
y el Museum of Modern Art de Nueva York.
El fotgrafo alemn Hans-Christian Schink presenta

unos trabajos de la serie titulada Vietnam, trabajos de
gran formato, inditos y realizados en 2005, en los que
muestra una cuidada tcnica y predileccin al detalle.
Esta muestra se engloba dentro de la seccin Festival
Off de PHotoEspaa2007.
En sus obras no aparece la presencia humana, pero s
huellas de su existencia. Estas imgenes muestran
paisajes vietnamitas con sus testimonios culturales de
piedra. Al acercarnos son visibles cables telefnicos,
transformadores de corriente elctrica, altavoces o
postes de luz que invaden tanto la naturaleza como los
indicios patrimoniales del pasado.
Hans-Christian Schink trabaja en su obra el dilogo
entre la naturaleza y la cultura. Sus obras poseen cierta impronta atemporal.
Hans-Christian Schink (Erfurt, 1961) estudi fotografa
en la Academia de Artes Grficas de Leipzig, entre
1986 y 1991, dnde adems trabaj como docente.
Hans-Christian Schink. Serie Vietnam (2005)
Roger Ballen. Cortesa del artista
Hans-Christian Schink. Serie Vietnam (2005)
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CARLES CONGOST. DID YOU REALLY WANT TO HURT ME?

Proyecto Vitrinas. MUSAC. Hasta el 2 de septiembre
Carles Congost. Cortesa del artista
Carles Congost es uno de esos nuevos hroes del

siglo XXI, un chico malo, que no tiene vergenza en
pedirnos a todos desde el ttulo de su ltima obra
que le digamos que es nuestro nmero uno. Say
Im your number one, es algo as como el verso del
estribillo del himno del nuevo mundo.
Una sinfona distinta a la de Dvorak y que en sustitucin de la cuerda de una agrupacin filarmnica
emplea un sampler elctrico.
Gran parte del lenguaje visual, cultural, musical contemporneo est desarrollado bajo el signo del cinismo y el mal gusto a partir de la poca de las expectativas ilimitadas y el culto al lenguaje del vdeo
inventado por MTV en los principios de los aos
ochenta.
En la actualidad ya pasados una veintena de aos
desde el Thriller de Michael Jackson, son no pocos los
artistas que se dedican a emplear la serie B, el trash
culture de masas, la esttica teenager y la cultura de
suburbio como el lugar de encuentro de su talento
con la creacin plstica museable.
Si la cultura pop es una planta carnvora como la del
Rocky Horror Picture Show que todo lo devora, cun
no difcil resultar intelectualizarla hasta convertirla
en materia de coleccin?
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Entre esos nmeros unos, esos superhroes que consiguen trascender la moda efmera de la hombrera y
mantenerse hasta la obsolescencia del heroin chic
look y la vuelta del disco Style, encontramos a Carles
Congost.
Es un autntico Dj de la cultura contempornea alta
y baja que remezcla y scratchea para conseguir
hacernos bailar toda la noche. En su imaginario un
cowboy desayuna cereales, mientras se mira en el
espejo un artista onanista y Alaska retuerce palabras
de amor.
En su ltima accin en Len ha llenado la vitrina del
museo con una fotonovela que narra los picos orgenes de su grupo Congost Sound y junto a ella se ha
editado un catlogo con 10 aos de su trabajo.
Todo es de cortar y pegar, todo es un hlito de cndida adolescencia que en su xtasis llega a producir
una mquina interespacial de formas ambeoidales
que finge ser un centro de emisiones musicales. A
m, me vuelve loco, I love Carles... Pero, realmente
quiere hacernos dao?.
Romn Padn Otero
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GEOPOTICAS
Centro Jos Guerrero. Granada. Hasta el 22 de julio
Geopoticas aborda la relacin entre videoarte y cine en

una seleccin de diez proyectos de videoarte de los ltimos
aos, procedentes del contexto cultural y poltico de diferentes pases del sur.
Los artistas seleccionados realizan una obra crtica y reflexiva, una expresin potica, sobre las condiciones de vida
en la periferia, pero sin convertirse en un doble de los
gneros y narraciones del centro.
Sudfrica, India, Pakistn, Taiwn, China, Tailandia, Egipto,
Lbano, Turqua, Libano e Irn son los lugares desde los que
trabajan estos artistas: William Kentridge (Johannesburgo,
1955), Amar Kanwar (Delhi, 1964), Bani Abidi (Karachi,
1971), Chen Chieh-Jen (1960, Taoyuan), Yang Fudong
(Beijin, 1971) Apitchatpong Weerasethakul (Bangkok,
1970) /Christelle Lheureux (Pars, 1972), Hala ElKoussy (El
Cairo, 1974), Fikret Atay (Batman, 1976) Akram Zaatari
(Saida, 1966) y Seifollah Samadian (Tehern, Irn, 1954).
William Kentridge es un ejemplo de artista ligado a la
expresin de las diferencias raciales y sociales producidas
por el colonialismo en frica, que realiza dibujos realizados
habitualmente a carboncillo y con numerosas modificaciones posteriores en el trazado. Una tcnica que emplea tambin en sus animaciones, en las que tambin trata cuestiones sociopolticas.
El trabajo de este artista se une al de los nueve artistas
cuyas obras suponen un retorno a lo narrativo a travs de
dos vas. Por una parte, la produccin de la realidad con la

adopcin de la ficcin cinematogrfica y sus herramientas.
Por otra, el anlisis de la realidad tal y como se nos presenta a travs de las diversas reelaboraciones del gnero documental. Estas obras se vinculan con las cinematografas
nacionales, pero tambin replantean la circulacin surnorte de las imgenes.
Para su comisario Chema Gonzlez la muestra desarrolla
la capacidad de producir una enunciacin poltica desde el
sur en el videoarte de los diez ltimos aos. Desprendido
de la esttica narcisista del medio, de las enunciaciones
performativas en primera persona, de la obsesin formalista con la temporalidad, y posibilitado por el rpido acceso
a los recursos de produccin digital, el videoarte ms
reciente adopta estrategias de narracin y enunciacin que
le vinculan, en relaciones de ida y vuelta, con las cinematografas nacionales. A travs de la ficcin y de la reelaboracin del documental, las obras mostradas en la exposicin se presentan como documentos subjetivos que tratan
las condiciones de la vida del lugar, el rastro del colonialismo en la cotidianidad, el desplazamiento y los flujos migratorios, la represin de las minoras, la transformacin del
trabajo material, el impacto del capitalismo en la tradicin,
la historia reciente como trauma, la opresin del nacionalismo, el fracaso de proyectos colectivos y la crisis de identidad de clase y sistemas polticos.
William Kentrige. Stereoscope. Cortesa del artista
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JESS OTERO YGLESIAS. JOURMUTT

Fundacin Granell. Santiago de Compostela. Hasta el 15 de julio
Jess Otero Yglesias recupera, en esta muestra organizada por la Fundacin Granell, las prcticas de revalorizacin de objetos de otras culturas, que se realizaron
durante las primeras exposiciones surrelistas.
La primera vez que los objetos surrealistas se mostraron
pblicamente fue en la exposicin Surrealiste dobjet en
la Galera Charles Raton, en mayo 1936, en ella convivan objetos encontrados, con objetos pertenecientes a
culturas no occidentales, entre los cuales se encontraban mscaras africanas o muecas cachina de los indios
Hopi.
Jourmutt reinterpreta desde una ptica contempornea
la potica del objeto surrealista: el rescate del objeto
comn, carente de valor como instrumento til o como
adorno, al que se le asigna un nuevo valor mediante el
procedimiento plstico del object trouve/ objeto encontrado, redescubierto por el artista.
La exposicin propone un recorrido dividido en cuatro
espacios interdependientes. En el primero nos encontramos con una instalacin denominada Panormica formada por vinilos transparentes con la imagen de todos y
cada uno de los diferentes objetos de la exposicin, adems de una seleccin de mscaras de los fondos de la
Fundacin Granell.
En el segundo espacio se encuentran dos tipos de objetos que representan la ficcin de los estados diferentes
de la aplicacin al objeto, del proceso creativo surrealista denominado object trouve, el bloque designado
como Cosas A y el nombrado como Cosas B. En tercer
lugar, est Desplazamientos y condensaciones instalacin en la que las piezas estn iluminadas y ubicadas
como piezas musealizables al uso, pero nos encontramos a oscuras, y la sombra del objeto adquiere la importancia objetual.
Por ltimo, encontramos la proyeccin Las levedades
que consiste en la superposicin de la imagen de un
objeto y la representacin en transparencia de otro
objeto utilizando las transparencias utilizadas en la primera parte de la muestra.
La construccin de la mirada en la civilizacin occidental
es una preocupacin fundamental de la obra de Jess
Otero, que analiza desde hace aos la gnesis de los
objetos artsticos, y las dinmicas asociadas a su conservacin, ubicacin y transmisin de sus contenidos
conceptuales, en exposiciones como: Museum, en el
Museo Provincial de Lugo (2001) o Los campos inciertos
en la Fundacin Joan Mir (2004).
Jess Otero Yglesias. Vista exposicin Fundacin Granell
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WOLFGANG LAIB. SIN PRINCIPIO/SIN FIN

MNCARS. Madrid. Hasta el 16 julio
Wolgang Laib. Vista exposicin
LITURGIA Y MAGIA EN EL MNCARS

El arte ha tenido siempre un carcter ritual, y hasta podramos decir mgico, cuya razn ltima ha sido dotar al
mundo de un orden, de un sentido- simblico- en este aparente caos. Ritualizar el mundo, las cosas, es desafiarle,
obligarle a existir. Idea sta sobre la que se han apoyado
todas las religiones, en todas las civilizaciones. La obra de
Wolfgang Laib se apropia de este carcter ritual del arte,
impregnando su obra de una filosofa trada de Oriente.
Son cuatro las obras que se presentan en esta exposicin,
donde la fragilidad y lo efmero de los materiales utilizados:
leche, polen, arroz y cera virgen, otorgan al conjunto una
gran sencillez, pero de una gran belleza y de un intenso
misticismo. Materiales naturales, bsicos, pero a la vez
poticos por su misma fragilidad y reversibilidad. Las formas geomtricas, la sucesin rtmica de elementos y la
escalera son los elementos gramaticales sobre los que se
apoya su obra. Una de sus obras ms aplaudidas ha sido
Milkstone (Piedra de Leche), de 1975, una losa de mrmol,
casi cuadrada, con una ligera depresin en su cara superior,
donde se deposita leche cada maana, como si de un ritual
se tratase, hasta que sta corre el riesgo casi de desbordarse. Una obra de gran belleza, donde la materia, de una
gran inestabilidad, parece confundirse por el contrario con
un material slido, el mrmol. Sin embargo, un leve temblor hara que la leche se desbordara. Rice Meals (Platos de
arroz), de 1983, es una obra creada por una sucesin de
platos indios - thals - con un montoncito de arroz en cada
uno. La vida cotidiana se mezcla con el arte y la naturaleza, una caracterstica sta de la filosofa oriental, pero tambin una antigua aspiracin del arte. Nowhere-Everywhere
(En ninguna parte En todas partes) es una estructura, a
modo de zigurat, elevacin escalonada, inspirado en las
antiguas construcciones de Mesopotamia, de seis metros de
altura, realizado con bloques de cera de abeja que se fabrican para la propia exposicin. Por ltimo, Pollen from
Hazelnut (Polen de avellano) es una instalacin en el suelo
donde se vierte directamente sobre l el polen que el artista-gur recoge cada primavera y verano en su residencia en
Alemania. El color intenso del polen dibuja la forma en el
suelo, y el espectador siente que un simple suspiro lo hara
volar por los aires. El silencio, la rotundidad de las formas,
el intenso olor de la cera, los colores, todo ello otorga a esta
exposicin una fuerte sensualidad, donde el espectador ms
que razonar, siente, y disfruta la obra. El sentimiento de
encontrarse ante un orden, ante un secreto, a saber, que
quiz sea el ms sencillo de todos, hace que se apodere de
la sala un gran silencio.
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_miradas
LA ACCIN COOPERATIVA DEL ARTE
El mal llamado primer mundo parece arrastrar el peso

colectivo de culpa y/o responsabilidad generado por la
situacin trgica del tambin mal llamado tercer mundo.
Las desigualdades socio-econmicas desnivelan cada
vez ms la balanza en contra de los pases ms empobrecidos.
La Declaracin del Milenio firmada en la ONU por 189
pases recoge el compromiso adquirido en cumbres y
conferencias pasadas y forman los Objetivos de
Desarrollo del Milenio para el 2015. Son metas mundiales cuantificadas para luchar contra la pobreza extrema
en sus mltiples dimensiones al mismo tiempo que promueven la igualdad de gnero, la educacin y la sostenibilidad medioambiental, con objetivos tan ambiciosos
como reducir la extrema pobreza a la mitad. En esta
carrera desesperada con probabilidades de utopa, las
ONGs y las organizaciones internacionales se disputan
el dinero pblico y privado para hacer frente a proyectos
de cooperacin. Asistimos atnitos a un fenmeno tctico de aumento en la actividad de apoyo, defensa y proteccin social sin precedentes que surge ante los ciudadanos como respuesta a una necesidad real y concreta.
Se plantea aqu un dilogo bidireccional de necesidades,
los pases empobrecidos demandan ayuda econmica,
sanitaria, educativa y social, mientras en los pases desarrollados aumenta la demanda de cooperacin y la
necesidad urgente de ayudar. Ante esta exigencia de
contribucin y asistencia en el mejoramiento de las condiciones econmicas de los pases en vas de desarrollo,
el ciudadano comprometido entra en un despliegue
denso de propuestas y promesas. La ms inmediata de
ellas es la donacin econmica pero la oferta es cada vez
ms amplia y rica gracias a que los departamentos de
comunicacin y proyectos de las ONGs se exprimen en
la maratn del fund rising que pretende activar estrategias y acciones con la finalidad de desarrollar en el tiempo un continuo flujo con contribuciones econmicas para
sostener las actividades institucionales de la entidad.
Aparecen en juego los apadrinamientos, las lneas 905,
sms, descargas de tono, tarjetas visa, ventas de comercio justo, exposiciones itinerantes, empresas solidarias,
lecturas solidarias, todo resulta vlido para estas organizaciones robinhoodianas modernas. Pero el social
colectivo reclama tambin la posibilidad de la ayuda
directa de campo, el voluntario representa un potente
instrumento de accin en el trabajo de cooperacin y
reflejo de ello es la medieval unin en gremios en la
colaboracin internacional: ingenieros, arquitectos,
payasos, mdicos, o artistas sin fronteras.
El nuestro es un mundo diseado y especialmente creado a partir de parmetros estticos y funcionales, e
indiscutiblemente, el arte es uno de los grandes personajes de esta realidad; Arte, diseo y esttica envuelven
todo aquello que nos rodea. Esta es una de las potentes
armas que han sido usadas desde hace siglos por polticos y religiosos para manipular a la masa, y hoy es
usada por los medios para vender el consumo masivo de
objetos, ideas, necesidades y formas de pensamiento y
conducta. Es aqu donde se encuentra con un nuevo
caldo de cultivo, apasionante, inexplorado y vido de ser
usado: la Cooperacin Internacional. Hasta hace muy
poco, la riqueza del lenguaje artstico haba sido usada
tan slo en campaas de sensibilizacin, hoy se observa
una maniobra global de accin y reaccin en apoyo del
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movimiento solidario.
Viviendo en una realidad nutrida fundamentalmente de
informacin y esttica, podramos preguntarnos por la
utilidad del arte en el contexto actual de lo social. Es
suficiente la propuesta de cuestiones formales o conceptuales, el planteamiento de preguntas extraordinarias, la
investigacin esttica, la formulacin de simbologas, los
ejercicios de posicionamiento, el lanzamiento de puntos
de reflexin?
El artista sensibiliz con su obra, es ya un experto en la
provocacin, analiz, interrog y cuestion. El arte contemporneo debe proponer modelos que puedan ser
aplicados en un actual contexto pblico y social, dando
al autor la posibilidad de convertirse en activista al
establecer nexos de concordancia entre el autor, el
espectador y los beneficiarios. El requisito del nuevo
planteamiento artstico necesita pues de una respuesta
concreta, directa, urgente e inmediata.
En el dilogo dinmico entre el pensamiento del artista,
la obra generada, el observador, el contexto y la finalidad, se crea un espacio delicado que precisa de coherencia.
Muchas organizaciones no gubernamentales obtienen
fondos de la venta de obras que artistas, galeristas y
coleccionistas donan con intencin solidaria. En una
implicacin ms activa del creador, este puede generar
en el pblico, a travs de su obra, una sacudida emocional pretendida que origina su movilizacin. Sin embargo, la ms activista de las acciones es aquella que permite al autor un planteamiento de informacin mltiple
donde el componente de cooperacin es en s mismo la
clave de la propuesta artstica, y es aqu cuando pueden
producirse alteraciones en los objetivos. El programa
artstico debe ajustarse a las delicadas reglas de la cooperacin internacional si no quiere incurrir en nuevas
colonizaciones o malgastar energas y recursos. Es necesario que la proposicin filantrpica del artista corresponda a una autntica demanda, real y concreta. El
papel activo del artista en la sociedad actual puede ir
ms all de la sucesin de nuevas propuestas renovadoras siguiendo el ritmo frentico y compuesto de la actualidad. Arte como intermediario entre la oferta y la
demanda; Arte como punto de inflexin en medio de la
informacin y su reaccin; Arte como mtodo discursivo
que genera resultados especficos con objetivos altruistas.
Esta bsqueda necesita de una trama de experiencias
que definan las inquietudes del artista en su globalidad
descifrando la obra, no como una sucesin de acciones
que generan piezas, sino con una visin objetiva de conjunto.
El Arte puede y debe colaborar en la construccin comn
de una alternativa colectiva que incida directamente en
los procesos de transformacin de la sociedad. Los
muchos artistas que proyectan su obra en el terreno de
lo colectivo, en la intervencin pblica, en las actividades participativas, hacen cuestionar la posible bsqueda
de una redefinicin del proceso creativo y su vinculacin
a la trama social. Precisamente es esta complicada
trama social la beneficiaria absoluta del nuevo proyecto
artstico que hace inmersin en los planteamientos
internacionales de cooperacin.
Chen Gmez
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The badly called First World seems to bear with the

collective feeling of blame and responsibility generated
by the tragic situation of the also badly called Third
World. The socioeconomic inequalities tip the balance
more and more against the poorest countries.
The Millenium Declaration signed at the ONU by 189
countries includes the commitments undertaken in past
summits and conferences and make up the Millenium
Development Goals for 2015. They are worldwide goals
quantified to fight against extreme poorness in all its
dimensions and at the same time to promote genre
equality, education and environmental sustainability
with some ambitious objectives such as cutting extreme
poorness by half. In this desperate rush with utopian
probabilities, the NGOs and the International
Organizations contend for private and public money so
as to face up to cooperation projects. We are witnessing
a tactical phenomenon of a rise in the unprecedented
supporting, defence and social protection activity emerging as a response to a real and concrete need in amazement.
This raises the bidirectional dialogue of necessities, the
impoverished countries demand economic, medical,
educative and social aid, while in the developed countries the demand for cooperation and the urgent need
for helping increases. In view of this "demand" for contribution and aid regarding the improvement of the economic conditions of the developing countries, the politically committed citizen comes right into a dense display
of proposals and promises. The most immediate one is
the economical donation but the supply is wider and
richer thanks to the fact that the Communication and
Project Departments of the NGO struggle in the marathon of the fund rising that tries to activate the strategies and actions with the aim of developing a continuous
flow in time with economic contributions so as to support the institutional activities of the entity.
Godfatherings, 905 lines, SMS, tone downloads, visa
cards, fair trade sales, mobile exhibitions, caring companies and caring readings come into play. Everything is
valid for these modern organizations. But the social
collective also demands the possibility of direct help, the
voluntary workers represent a powerful instrument of
action in the work of cooperation, and a piece of evidence is the medieval union of professions in the international collaboration: engineers, architects, clowns, doctors
or artists without borders.
Ours is a world designed and specially created from
functional and aesthetic parameters, and unquestionably art is one of the great characters of this reality.
Art, design and aesthetic shrouds all the things surrounding us. This is one of the powerful weapons politicians
and members of religious orders to manipulate the masses, and nowadays it is used to sell the massive consumption of objects, ideas, needs and ways of thought
and behaviour by mass media. Here it is a new passionate and unexplored breeding ground greedy for being
used: the International Cooperation. Until not much
time ago the richness of the artistic language had only
been used in sensitizing campaigns, but nowadays we
can see a global action and reaction manoeuvre as a
support of the caring movement.
Living through a reality mainly filled with information
and aesthetic, we could wonder about the usefulness of
art in the current context of the social. Is the proposal
of formal or conceptual questions, the suggestion of
extraordinary questions, the aesthetic investigation, the
formulation of symbols, the exercises of attitudes, the
launching of meditation points enough?
The artist, already an expert in provocation, sensitized
with his work, analyzed, interrogated and questioned.
Contemporary art should suggest some models that can
Abbas Kiarostami+Victor Erice. Correspondencias (2006)
be used in a current public and social context, giving the

author the possibility to become an "activist" when connecting the author, the spectator and the beneficiaries.
The requirements for the new artistic plan needs a concrete, direct, urgent and immediate answer.
A delicate space requiring coherence is created in the
dynamic dialogue among the artist's thought, the created piece, the observer, the context and the purpose.
A lot of non-governmental organizations get funds from
the sales of pieces some artists, gallery owners and
collectors donate with caring intention. The creator, with
a more active implication, can make the public feel an
emotional change causing their mobilization. However,
the most active of the actions is the one allowing the
author a multiple exposition of information in which the
component of cooperation is the key of the artistic proposal, and there can be some alterations in the objectives at this point. The artistic programme should adapt
to the delicate rules of international cooperation unless
it falls victim to new colonizations or wastes energy and
resources. The artist's philanthropic proposition needs to
match up with an authentic, real and concrete demand.
The artist's active role in current society can go beyond
the sequences of new reformist proposals following the
frenetic and composed rhythm of present time. Art as a
mediator between supply and demand; Art as an inflection point between information and reaction; Art as a
discursive method generating specific results with
altruistic objectives.
This "search" needs a link of experiences defining the
artist's interests decoding the piece, not as a sequence
of actions that create the pieces, but as an objective
overall view.
Art can and must collaborate in the creation of a common collective alternative directly affecting the transformation processes of society. The artists projecting their
work in the field of the collective, in the public intervention, in the participative activities, make the possible
search for a redefinition of the creative process and its
link with the social situation be questioned. This complicated social situation is the absolute beneficiary of the
new artistic project that gets immersed into the international plans of cooperation.
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NO HAY ARTE SIN OBSESIN

Fundacin Caixa Galicia. Ferrol. Hasta el 9 de septiembre
Carmen Calvo. Coleccin Circa XX. Pilar Citoler
Bajo este epgrafe No hay arte sin obsesin, sentencia del escritor Cesare Pavese, se presenta la continuidad en la relacin entre esta fundacin Caixa
Galicia y la coleccionista Pilar Citoler (premio
ARCO05 al coleccionismo privado en Espaa) que
ha dedicado varias dcadas a la seleccin y recopiladora de obras de arte. Desde 2002 su Coleccin
Circa XX ha sido expuesta en otras ocasiones con
diversas miradas o aproximaciones a sus contenidos, en diversos museos en Espaa. Una parte de la
coleccin, la fotogrfica, pudo verse hace unos
meses en el Caf Moderno espacio que posee esta
fundacin en Pontevedra. En esta ocasin, es la primera vez, en esta exposicin en la sede de Ferrol de
la Fundacin Caixa Galicia, que se aborda una visin
distinta de la coleccin. Las obras se agrupan en
cuatro apartados en los que conviven creadores de
distintas pocas y variadas tcnicas: naturaleza, el
hombre: rostros y paisaje, materia y pensamiento,
y espritu y orden. El comisario de la muestra
Alfonso de la Torre, comenta de este modo la
estructura de la muestra: hemos situado el captulo referido a la naturaleza en la primera planta y los
tres restantes en la segunda; en la tercera se recoge una muestra de vdeo contemporneo. En cierta
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medida se evoca as una tendencia muy actual, en

la que se hace observar cmo el arte de todos los
tiempos recoge plpitos comunes. Las cinagas
imperturbables de Axel Htte pueden convivir con
los rumores de aires que destila una escultura evocadora de vientos de Chirino. Bodegones pintados
por Barcel con rboles de paisajes estelares de
Baselitz. Vistas de Versalles de Schnabel con el
mundo noctvago de Schlosser. Refirindonos, es lo
anterior, a la naturaleza, pero algo parecido podra
decirse respecto a la preocupacin tica por el
humano devenir que anuncian artistas tan dispares
como Warhol o Bacon. Pasin por la pintura, mirada
de nuevo de soslayo sobre el hombre y la naturaleza la que hace a algunos pintores enfrascarse en las
preocupaciones ms puras de la pintura. O, al cabo
ms de lo mismo, la pulsin ordenada de Asis o
Navascus, desde tiempos y concepciones distintas.
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ARQUITECTURA CONTEMPORNEA
SABELA BAA / HELENA ZAPKE
CGAC. Santiago de Compostela. Hasta el 02/09
Galeria Chroma. Vigo. Hasta el 4 de agosto
Bajo un comisariado mltiple (David Chao, Rafael Lens y

Vernica Santos) Avance dunha continxencia rene parte
de la arquitectura reciente realizada en Galicia, desde inicios de los aos ochenta hasta la actualidad. Durante estas
dcadas han confluido en Galicia arquitectos como
Kleihues, lvaro Siza, David Chipperfield, Peter Eisenman,
Norman Foster, Arata Isozaki, Aldo Rossi o Jean Nouvel;
tambin Mansilla y Tun, Miralles y Tagliabue, Viaplana y
Pin o Carlos Ferrater, o los gallegos Manuel Gallego
Jorreto, Csar Portela, Alfonso Penela, VIER Arquitectos,
Jess Irisarri y Guadalupe Pieira o Carlos Quintns.
En esta muestra se revisan las diferentes tendencias arquitectnicas de los ltimos aos en las que asuntos tales
como la identidad territorial estn presentes. La muestra
parte de la tesis de que la cuestin de la no centralidad (o
periferia) puede estar vinculada a aspectos cualitativos de
la creacin actual, ya que se incluyen proyectos y arquitectos referentes en el mbito internacional. Maquetas, planos y otros materiales audiovisuales conforman esta exposicin de arquitectos, proyectos, funciones e interrelaciones.
La distribucin espacial de estos materiales se reparte en
tres ncleos espaciales expositivos de la ciudad de
Santiago de Compostela: la planta baja del CGAC, la sala
Zona C en las dependencias del antiguo convento de San
Domingos de Bonaval, y las salas expositivas de la sede
del COAG ubicado en la plaza de la Quintana. Es el Centro
Galego de Arte Contempornea (CGAC) el lugar que funciona como verdadero catalizador de la muestra, albergando la mayor parte de materiales expositivos, al tiempo que
centraliza el discurso y establece las lneas maestras del
montaje, en aras de la conclusin temtica.
Prototipo de vivenda colector. Santiago de Compostela (2006)

Arquitectos Asociados (Rafa Novio, Carlos Taboada)
Foto: Adolfo Enrrquez
Sabela Baa. Cortesa de la artista
Bajo el epgrafe de Fragmentos, Sabela Baa y Helena

Zapke vinculan sus miradas en este espacio vigus. La ilacin del discurso expositivo se nos aparece en los quiebros,
roturas, porciones, recortes, de las composiciones.
Sabela Baa reafirma en esta muestra el mtodo geomtrico de su trabajo, figuras encontradas en el mismo
plano que se cobijan en la razn del color, vivaz, vehemente. Las formas imbricadas desembocan en un orden
interno, interior, y argumenta la propuesta en torno a la
dialctica de relacin de opuestos (Delirio/Reflexin,
Acuerdo/Desacuerdo). Esta confrontacin se manifiesta
tambin en el uso dispar de trazos rectos y curvilneos
(tringulos, esferas, cuadrados, lienzos redondos) y
afianzan la proposicin de complementariedad. Esta
artista coruesa estudi en la Facultad de Bellas Artes
de Pontevedra y en la Escuela Picasso de A Corua. Est
en continuo contacto formativo, numerosos cursos y
talleres de grabado y de especializacin. En su larga trayectoria recibe varias menciones, tanto a nivel nacional
como internacional, su obra se encuentra en colecciones pblicas y privadas.
Helena Zapke participa en la exposicin con una serie de
metacrilatos, material sobre el que est experimentando e indagando como soporte que da flexibilidad tanto a
la variedad de materiales utilizados como a las construcciones obtenidas. Rene y combina estas planchas para
conseguir estructuras tridimensionales sostenidas sobre
un armazn con patas. Ya en la pared despliega aisladamente las piezas como un efecto de vidrieras, recovecos
coloreados en hlices, espirales, races, ramas. El conjunto de Ciclo de rboles, radiografa de lo invisible, protagoniza el origen, la entraa, saca a la luz y con luz la
maraa de hebras enredadas. Una maleza que convierte en unidad plstica, modelada. Helena Zapke realiz
sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de
Salamanca, complet su formacin con un Mster en
Restauracin, Mdulo de Escultura y varios cursos y
talleres sobre arte. Actualmente trabaja de ilustradora y
expone regularmente.
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LYNN DAVIS
Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid. Hasta el 29/07
En busca de mundos perdidos, o la reconstruccin de mundos imaginados.

Recorrer el mundo en busca de un paisaje, un acantilado, un templo antiguo o un iceberg. La artista norteamericana Lynn Davis, conocida sobre todo por sus
instantneas de paisajes, inaugura una muestra fotogrfica, por primera vez en Espaa, en el Museo
Thyssen-Bornemisza,
dentro
del
programa
PHotoEspaa2007.
Considerada como una las mayores representantes
del paisajismo norteamericano, Davis ha viajado por
frica, Asia, Oriente Medio y Amrica retratando un
paisaje monumental y a la vez escultrico, que acerca su obra a la tradicin paisajstica del siglo XIX.
Despus de realizar un viaje a Groenlandia en 1984
con la intencin de fotografiar los icebergs, la artista abandona para siempre la figuracin, para hacer
de su obra una recreacin constante del paisaje. Si
el paisaje es un invento de la pintura, como afirma
Miguel Cereceda, la fotografa, y en este caso, la
obra de Davis, evoca el paisaje, se complace en l,
y lo rescata, sino de un pasado, de nuestra imaginacin, pues sus paisajes- naturaleza parecen salidos
de un sueo, ms que constituirse como algo real.
La muestra est compuesta de una treintena de
fotografas en formato pequeo, y dividida en dos
bloques: por una parte, una serie dedicada a los
Icebergs, donde predominan el blanco y el negro; y
por otra parte, la serie titulada Persia Antigua,
retratos de la civilizacin persa en Irn, con una
tonalidad sepia.
Esculturas de hielo, o ruinas rescatadas de un pasado, la artista refleja en su obra una soledad ensimismada, donde la naturaleza se contempla a s misma.
Es aqu donde reside el romanticismo en su obra,
pues al contemplar sus paisajes, no podemos dejar
de contemplarnos a nosotros mismos, pues como la
artista ha declarado, "a pesar de ser viajes externos,
en realidad se trata de una travesa interna".
La belleza y lo sublime de sus obras nos recuerda a
las obras del romntico alemn Caspar David
Friedrich, pero a diferencia de ste, donde era habitual encontrar al hombre en sus paisajes, de espaldas, y empequeecido, en los paisajes de Davis no
hay huellas, ni personas, ni elementos que distorsionen la mirada, tan slo la Naturaleza o la
Arquitectura recortada en el paisaje, acercando su
obra al Minimalismo.
A pesar del distanciamiento y frialdad de las composiciones, el sentimiento que nos produce contemplar
sus obras no deja de ser sublime, ese mismo concepto sublime del que nos hablan los poetas romnticos y que hoy resulta tan difcil de experimentar en
el arte contemporneo.
Davis vuelve a rescatar el concepto de belleza y el
de lo sublime en su obra, en esta su obsesin suya
por documentar el mundo, y mostrarnos paisajes
olvidados, o quiz imaginados alguna vez.
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Lynn Davis. Serie Icebergs. Cortesa del artista
Lynn Davis. Serie Persia Antigua. Cortesa del artista
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MATEO MAT
Galera Trinta. Santiago de Compostela. Hasta el 15 de septiembre
Tras la exposicin celebrada en el CAB Burgos hace unos

meses, Mateo Mat presenta sus ltimas obras, tambin
presentes en esa muestra, en esta galera compostelana. Entre ellas, Paisajes uniformados, que conforman
una serie de revisiones de aquella pintura de paisaje que
buscaba el elemento sublime en la naturaleza (Carlos de
Haes o Corot), y para ello utiliza las tintas de camuflaje
empleadas por los militares en distintos espacios naturales para registrar esos mismos cuadros. Para el diseo
de esos uniformes mimticos el arte se domestic.
Ahora se trata, en palabras del artista, de devolver al
arte, lo que la guerra le ha robado. La militarizacin de
lo domstico y de la realidad cotidiana que vivimos
forma parte del ncleo central de estas obras.
Sus obras tienen una fuerte presencia y cargan las tintas con una alta dosis de irona, sobre aspectos relativos
a la sumisin y a la anestesia social.
Mateo Mat (Madrid 1964), estudi en la Facultad de BB
AA de la Universidad Complutense de Madrid, ciudad en
la que reside actualmente.
Su obra forma parte de la coleccin del MUSAC, Museo
de Arte Contemporneo de Castilla y Len (Len),
Museo Patio Herreriano (Valladolid), ARTIUM (Vitoria) o
el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa (Madrid).
Mateo Mat. Paisaje uniformado 3 (Corot) (2007)
Mateo Mat. Delirios de grandeza (2007)
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VCTOR MANUEL GRACIA
IGNACIO LLAMAS
Galera Carmen Carmona. Sevilla
Galera Marisa Marimn. Ourense. Hasta 31/07
La noticia de la apertura de un nuevo espacio para el

arte actual siempre es buena y ms si se trata de una
ciudad como Sevilla, en la que pasamos unos aos de
cierres continuos y pareca que no levantbamos cabeza. Adems, a la inauguracin de este espacio de
Carmen Carmona se han sumado otros, por lo que la
alegra es an mayor. Carmen sabe muy bien donde se
mete porque ya viene de vuelta de este mundo, desde
su magnfico espacio en la calle Goles y otros avatares.
El nuevo espacio no es demasiado grande, no hay
deseos de grandilocuencia en ella, pero es perfecto para
su proyecto y sobre todo es un buen lugar para la gestin del arte, que es lo que verdaderamente hace falta,
las grandes exposiciones que las hagan los centros y los
museos, que para eso han de cumplir una funcin pblica y que a duras penas atisban.
Carmen ha querido hacer una apuesta fuerte en su
puesta de largo y ha inaugurado el espacio con obra de
Vctor Manuel Gracia, fotgrafo singular y especial que
sabe conjugar los lenguajes de la fotografa actual con
un planteamiento investigador y multidisciplinar sobre el
Barroco y una puesta en escena espectacular, especialmente en la gran obra que revisa la iconografa de la
Piedad y en la caja de luz con el corazn de Los Siete
Dolores, verdadero capo laboro de Vctor M. Gracia e inicio de una prometedora serie de fotografas. A esto se
une la perfecta ejecucin de su obra, cosa que es muy
importante porque en demasiadas ocasiones vemos
obras conceptualmente buenas, pero materialmente
chapuzas, por que no decirlo.
La exposicin se completa con otras obras como el
Longinos, con un extraordinario escorzo de espaldas del
lancero, y algunas piezas ms de menor formato.
Siempre es una alegra ver cmo a un autor se le reconoce en su tierra.
Esperamos que esta nueva empresa de Carmen
Carmona sea la definitiva y anuncie un proyecto firme y
de muchos aos, lo que ser sin duda bueno para todos.
Cuando el visitante observa las cajas arquitectnicas y

los minsculos ajardinamientos metafsicos de Ignacio
Llamas automticamente siente que su proporcin cambia. Ante una de sus esculturas con permetro de homenaje a la arquitectura internacional e interior dedicado al
quietismo de Miguel de Molinos, uno se siente como un
hombre de trapo o de madera o de latn y deseara
tener tamao para estar fsicamente a la sombra azul
del pequeo rbol intramuros. Ante otra de sus esculturas sin caja, una de las que tiene el horizonte del saln
donde la pequea pieza se ubique por todo lmite, uno
desea ser un pequeo figurn de porcelana o de cera y
resistir al viento que parece que azota la escena sentado en uno de los bancos que conforman la pieza.
Las esculturas de Ignacio Llamas son pequeos homenajes al tiempo y al espacio, lugares donde el primero se
representa a travs de los cambios producidos por los
movimientos de la luz que natural o artificialmente ilumina la pieza tridimensional. El segundo se hace notar
por la volumetra de secreto escultrico que tienen sus
pequeas arquitecturas y que dan en ser esculturas
libres, sin pedestal que las gobierne o dintel que las limite.
Unas escaleras blancas se descuelgan dentro de una
cajita con ventana a travs de la que se ve la copa de
un rbol. La escalera resulta neoclsica, recuerda a un
teatro quizs al Teatro Olmpico de Palladio en Vicenza.
Unas geometras horadadas y ensortijadas permiten que
un rbol evolucione en el vientre del edificio como si de
la planta de las habichuelas esquivando nubes se tratara. La fantasa de la arquitectura geomtrica en ese jardn de invencin resulta de estilo aos cincuenta,
recuerda a una nave espacial o un museo o ambos, el
Museo de Niteroi de Niemeyer.
Un jardn sin caja, con unos rboles dolientes en una
escena que sirve para esperar, Esperando a Godot. Si
pudisemos esperar en sublimes espacios como los de
Ignacio Llamas, tomaramos el t con Beckett.
Juan-Ramn Barbancho
Romn Padn Otero
Ignacio Llamas. Cortesa del artista
Vctor Manuel Gracia. Cortesa del artista
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NUEVOS HORIZONTES. ARTISTAS CONTEMPORNEOS DE FRANCIA

MARCO. Vigo. Hasta el 30/09
FRAC Nord-Pas de Calais/Dunkerque desde septiembre

de 2006, agrupa a artistas, algunos poco conocidos
fuera de Francia junto a otros de trayectoria internacional, para ofrecer una panormica completa del actual
contexto artstico en Francia. La muestra se articula
alrededor de diferentes temas pero que manejan una
preocupacin comn hacia su contexto social y poltico.
Todos los artistas seleccionados han nacido en Francia,
y desarrollan su actividad artstica desde los ltimos
veinte aos, y se interesan por tratar temas centrales en
el panorama social, poltico y cultural de la Francia
actual.
Nuevos Horizontes podr verse nicamente en Vigo,
nica sede en territorio espaol de esta exposicin tras
su presentacin en el CRAC Alsace y en La Centrale lectrique de Bruselas. La muestra rene un total de 67
obras de diferente soporte y formato: dibujo, pintura,
fotografa, vdeo, instalacin y videoinstalacin.
Para la comisaria Hilde Teerlinck "todos ellos son producto de una generacin dominada por la influencia de las
nuevas tecnologas. Los vdeos e instalaciones interactivas de Fabien Rigobert, Julien Discrit, Laurent Grasso y
Martin Le Chevallier embarcan al espectador en viajes
por mundos virtuales, en los que la ciencia se encuentra
con la ficcin y se funden en una tercera dimensin. Las
obras de Katia Bourdarel, Amandine Sacquin, Virginie
Barr y Corinne Marchetti nos transportan a un peculiar
'pas de las maravillas', una reconstruccin surrealista

de sueos e imaginera adolescente mezclados con referencias al cmic y al arte pop. Otras artistas como
Clarisse Hahn y Valrie Mrjen emplean un enfoque casi
documental para tratar temas delicados como la fe y la
religin; Bruno Serralongue se basa en estrategias similares a las del fotoperiodismo, y Elodie Huet utiliza el
vdeo como herramienta para un agudo anlisis de nuestra existencia cotidiana.
Sexo y violencia son temas omnipresentes en la sociedad, en la vida real, pero tambin en la gran pantalla.
Alain Declercq, Brice Dellsperger y Phillipe Meste nos
descubren hasta qu punto estos aspectos son tratados
de forma superficial y banal en los medios de comunicacin. Los enfoques polifacticos y sumamente personales de Bruno Peinado, Vincent Labaume y Patrick
Jeannes se resisten a cualquier tipo de clasificacin. Y
por ltimo, Frank Perrin, creador de la imagen para la
portada del catlogo, nos presenta una especie de metfora del hombre moderno, conectado con el mundo a
travs de su MP3, o solo y perdido en medio de la gran
ciudad. Sea cual sea el inters y modo de expresin de
cada uno de estos creadores, la intencin de este proyecto es ofrecer al pblico internacional la oportunidad
de descubrir la 'fuerza secreta' del arte contemporneo
francs, y llevar a los artistas menos conocidos hacia
nuevos horizontes".
Virgine Barr. D (2006). Cortesa Galerie Loevenbruck, Pars. Foto: Marco7 Enrique Tourio
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ANSELM KIEFER
Museo Guggenheim. Bilbao. Hasta el 03/09
En ellas se pueden comprobar las diferentes temticas, inspiraciones e inquietudes que han definido la creacin artstica de Anselm Kiefer. En la muestra se incluye una obra de
escala monumental, de 15 metros de altura, creada especialmente para el atrio del museo que dialoga con el singular espacio creado por Frank Gehry.
Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) comienza su carrera en 1966 cuando decide abandonar los estudios de derecho para dedicarse el arte. Durante las dcadas de los
setenta y ochenta su obra gira alrededor de la mitologa, la
historia, la religin y la simbologa alemana.
Pintura, escultura o fotografa se fusionan en sus trabajos
mediante tcnicas como el collage y el assamblage. Emplea
una paleta de colores casi monocroma y materiales poco
ortodoxos (plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o
polvo, o flores).
La seleccin de obras presente en esta exposicin resalta las
intervenciones monumentales de Kiefer, obras que el artista concibi para lugares concretos cargados de referencias
histricas, religiosas o culturales.
La instalacin Mujeres de la Revolucin (1992) inspirada en
el libro homnimo de Jules Michelet (17981874), incluye
camas uniformes realizadas en plomo, junto a ellas se
muestran fotografas y textos escritos a mano que aluden a
mujeres que jugaron un papel significativo durante la
Revolucin Francesa como Charlotte Corday, Madame
Roland o Cecile Renault. El rol histrico de la mujer es retomado por el artista varios aos ms tarde en Mujeres de la
Antigedad (200004), donde maniques sin cabeza, ataviados con vestidos de resina blanca representan a heronas
ejemplares y mujeres despiadadas, que compartan un fuerte carcter y determinacin como la diosa griega Circe o la
herona romana Claudia Quinta.
SEBASTIAN GORDN
Galera Distrito Cuatro. Madrid. Hasta el 31/07
Anselm Kiefer. Work in progress (2006). Coleccin del artista
Este ao el Museo Guggenheim de Bilbao est de aniversario, cumple diez aos. En alguna de las exposiciones realizadas durantes estos aos sobre los fondos de la Coleccin
del Museo Guggenheim Bilbao, se han podido ver obras de
Anselm Kiefer. Esta muestra que recoge ms de 100 obras,
ha sido comisariada por Germano Celant y patrocinada por
el BBVA. En ella se pretende ofrecer una revisin de su trabajo a lo largo de la ltima dcada, periodo en el que este
artista alemn recurre a una temtica mstica y mitolgica
con la finalidad de registrar la memoria histrica y la experiencia humana. Esa dimensin mtica y el formato monumental de estas ltimas obras se potencian con la tcnica
utilizada en sus obras, ya que integra materiales naturales
como la arena, el plomo o la madera.
La exposicin que se organiza temticamente y se distribuye a lo largo de nueve salas de la primera y la segunda planta. La articulan temas como la religin, la mstica, la filosofa, la ciencia, la naturaleza o la alquimia, y aparecen sus
referencias filosfica, literarias, poticas y musicales (Martin
Heidegger, Friedrich Nietzsche, Paul Celan, Jean Genet,
Ingeborg Bachmann o Richard Wagner).
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Sebastin Gordn uno de los artistas argentinos ms singulares de la dcada de los noventa muestra aqu una
serie de maderas lacadas semejantes a cubiertas de viejos libros de historietas y revistas de terror y fantasa;
se documenta y reformula el repertorio visual de pioneras revistas de novela negra pulp estadounidenses de
los aos cuarenta. La iluminacin es uno de elementos
principales, tenues luces que iluminan maquetas y cajas
acristaladas desde el interior generando grandes dosis
de
misterio
y
teatralidad.
Sebastin Gordn (Buenos Aires 1969) recibi en 1994
del gobierno francs el premio Braque, lo que le llev a
la Escuela Nacional de Artes Decorativas de Pars.
Sebastin Gordn. Cortesa del artista
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SEEING IS BELIEVING
XAVIER TOUBES
Casa de las Conchas. Salamanca. Hasta el 10/08
CGAC. Santiago de Compostela. Hasta el 02/09
Nate Larson. Cortesa del artista
La fotografa contempornea, desde el punto de vista del

arte actual, tiene mltiples potencialidades para representar
temas y asuntos de muy variada ndole. Desde las reflexiones sobre el cuerpo hasta la arquitectura y la ciudad, desde
visiones ms documentalistas hasta planteamientos poticos. Todos son campos en los que la creacin contempornea incide y en los que la fotografa es un buen soporte.
La salmantina Casa de las Conchas, con todo su potencial
artstico e histrico, lleva aos presentando una serie de
exposiciones e intervenciones en su singular espacio, que
aportan a la ciudad otras visiones de la creacin y que vienen a adjuntarse a las muy interesantes del DA2 y de galeras como Adora Calvo, revelando as que Salamanca no
slo tiene un maravilloso pasado artstico, sino un presente y un futuro prometedor.
Este verano presenta una muestra colectiva de dos fotgrafos norteamericanos, Nate Larson y William Shank,
que trabajan desde ngulos diferentes sobre el mismo
tema: las visiones de la religin y de los milagros, en un
espacio tan singular como el americano. Esta exposicin
viene de la Schmucker Art Gallery del Gettysburg College
(Pensilvania), donde ha sido comisariada por Molly S.
Hutton y que ahora recoge y revisa Juan-Ramn Barbancho,
para adaptarla al espacio salmantino, cuya sala de exposiciones est situada en el antiguo stano, lo que dota de misterio a estas apariciones y milagros.
En total son quince obras de Larson y nueve de Shank y un
relicario construido por U.B. Morgan para una pieza de
Shank. No slo su planteamiento es diferente, tambin su
forma de trabajar lo es. Mientras que Larson trabaja en
blanco y negro en casi todos los casos y retrata objetos en
interiores, Shank se recrea en ptalos de rosas en las que
podemos ver extraas apariciones de rostros de santos, de
la Virgen e incluso del papa Juan Pablo II, todo con un halo
de misticismo y efectismo religioso.
El trabajo de ambos recoge una serie de hechos "milagrosos" que aparecieron en la prensa, hechos inexplicables. Hutton explica que es muy humano el deseo "de
ver" el milagro, el deseo de atestiguar oficialmente el
inexplicado o confirmar la verdad de lo extraordinario y
esta es la base de los proyectos fotogrficos tanto de
Nate Larson como de William Shank, y las imgenes de
Seeing is believing colocan al espectador tanto como
observador objetivo como creyente subjetivo.
Ins Murillo Dumais
Xavier Toubes. Cortesa del artista
Ms de dos dcadas lleva investigando Xavier Toubes (A

Corua, 1947) sobre las posibilidades de la cermica,
trabajo que le ha convertido en un importante referente
sobre los nuevos lenguajes de este material. Esta muestra que organiza el Centro Galego de Arte
Contempornea recoge el proceso creativo de Xavier
Toubes en los ltimos aos. Vincent McGourty, el comisario de esta exposicin comenta que "no ha habido
intencin de crear una panormica lineal de la obra del
artista y su desarrollo, sino, ms bien, de trazar el mapa
de un terreno que indica rutas posibles a travs de un
paisaje que permanece en estado fluido".
La instalacin Tras dos agros (2006), que da ttulo a la
exposicin est compuesta por doce platos que tienen
escrita una letra del ttulo. Vincent McGourty escribe en
el catlogo de la muestra (en el que tambin se incluye
una entrevista al escultor realizada por el crtico Xos
Manuel Lens) lo siguiente: "La obra Tras dos agros
(2005) da ttulo a la exposicin. Es posible componer
otras palabras e incluso frases completas en la piel caligrfica que el artista teje a lo largo de su campo de platos en otra obra, Melodien (2004-2007). Estos referentes son, en ocasiones, nombres de lugares presentes en
la historia de la memoria del artista. Anclados en l, que
naci en ellos. Todos aluden a un lugar comn: el de la
escritura. Por una parte, mediante el empleo de su lengua nativa, el artista insiste en la especificidad de los
repertorios verbales originales y, por otra parte, enfatiza el hecho de que el significado local es slo un aspecto de la sedimentacin de las obras. Podra pensarse en
un libreto cuyas cadencias y ritmos son preferibles a la
traduccin literal. La escritura es la accin del cuerpo, la
huella de la presencia fsica del artista que se agita en la
obra.
Desde finales de los anos sesenta, este artista reside
fuera de Galicia, con estancias en Reino Unido, Holanda
y EE UU, pas en el que actualmente ejerce como docente en la School of the Art Institute de Chicago.
Existe en su trayectoria profesional un claro compromiso con la educacin cultural y artstica.
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PUERTA ABIERTA
JOSIE McCOY
Galera Carmen de la Calle. Madrid. Hasta el 27/07
DF. Santiago de Compostela. Hasta 21/07
A travs de esta Puerta abierta, en la que participan

seis artistas, el espectador puede acecarse, desde
espacios interiores, ntimos y domsticos como los
de David Latorre y Juan Carlos Bracho, hacia espacios abiertos en los que la naturaleza adquiere y reivindica su gran protagonismo. Los espacios interiores, como los de Ricardo Labougle, se vinculan a
unos exteriores que reflexionan sobre los conceptos
de lo trgico y lo sublime, como es el caso de Diego
Opazo y Martnez Bueno. Todos los participantes en
la muestra ofrecen una propuesta que se fundamenta en una mirada, al interior y al exterior, entendida
desde un punto de vista espacial y fsico.
Josie McCoy presenta en este espacio compostelano,

DF_Arte Contempornea, Las chicas de Almodvar,
una serie de cuadros en medio y gran formato realizada especialmente para esta muestra.
En otras series anteriores, ya haba trabajado a partir de personajes del mbito cinematogrfico y de la
televisin. Su trabajo se ha centrado en la representacin de personajes ficticios que en esta serie se
centran en el universo femenino de la filmografa de
Pedro Almodvar.
De este modo aparecen retratos de personajes como
Gloria (Carmen Maura en Qu he hecho yo para
merecer esto?), Raimunda (Penlope Cruz en
Volver), Becky del Pramo (Marisa Paredes en
Tacones lejanos), Marina (Victoria Abril en tame),
Zahara (Gael Garca Bernal en La mala educacin),
Elena (Francesca Neri en Carne Trmula) o Letal
(Miguel
Bos
en
Tacones
lejanos).
Busca una imagen de la su amplia filmografa, la
fotografa y a partir de esta imagen realiza el cuadro
aplicando finas capas de leo sobre la tela, otorgando al resultado final una apariencia casi lquida y
azulada.
Martnez Bueno. Cortesa del artista
Josie McCoy. Raimunda (2006)
Diego Opazo. Cortesa del artista
David Latorre. Cortesa del artista
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Josie McCoy. Zahara (2006). Cortesa del artista
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JOS MANUEL BALLESTER

Casa Asia. Barcelona. Hasta el 20/07
Hiper China: nuevos skylines para el siglo XXI

Esta exposicin rene veintiocho fotografas de gran formato de Jos Manuel Ballester (Madrid 1960) imgenes
que son fruto de cuatro diferentes viajes a la China que
ha realizado el autor entre los aos 2004 y 2006, llegando a recopilar un total de dos mil instantneas del pas.
En ellas, los volmenes geomtricos y los espacios urbanos se convierten en verdaderos protagonistas, en testimonios del espectacular crecimiento urbanstico del
gigante asitico.
Tanto en su obra pictrica, como en la fotogrfica,
Ballester siempre ha sentido una profunda atraccin por
la temtica de la ciudad, por sus habitantes y por las relaciones que genera ese paisaje artificial que nos rodea y en
el que el artista crea una potica de lo sublime aplicada,
en esta ocasin, a la inalcanzable urbe asitica, a sus
espacios desolados, inhspitos e inacabados, emparentada a la vez con la obra de su admirado Caspar David
Friedrich. Pintor del romanticismo alemn en cuyas obras
la figura humana se enfrenta y se sumerge arrastrada
ante la magnitud de la naturaleza.
En este caso, el inters de Ballester radica en el conocimiento y la comprensin de una sociedad que intenta
combinar su compleja y milenaria cultura con una serie de
profundos cambios en los lmites de una modernidad
pronto superada.
Si el prefijo hiper, que se encuentra en el ttulo de la
exposicin aplicado a la arquitectura y al diseo, designa
una nueva forma de concebir estas dos artes, ambas se
relacionan con el concepto de hipermodernidad, trmino
acuado por el filsofo francs Gilles Lipovetsky que destierra el concepto de postmodernidad para designar una
sociedad fundamentada en tres principios: los derechos
humanos y la democracia pluralista, la lgica de mercado
y la lgica tecnocientfica.
Las imgenes de Ballester permiten tomar constancia y
conciencia de una realidad autnticamente revolucionaria.
Una China en plena y rpida transformacin en la que al
hito de los Juegos Olmpicos de Pequn del ao 2008, hay
que aadirle un incesante ritmo de crecimiento y un proyecto de urbanizacin en aumento en el que estn previstas la construccin de ms de un centenar de ciudades de
ms de un milln de habitantes.
Juan Manuel Ballester. Cortesa del artista
Un ejemplo paradigmtico de urbe recin nacida que aparece en su obra es la ciudad de Zhengzhou, situada en el
centro geogrfico del pas. Alejado de las grandes concentraciones urbanas del litoral, el centro del pas, de condicin bsicamente rural y autntico epicentro de las milenarias tradiciones chinas, se ha convertido en objetivo de
una poltica de creacin de ciudades que pretende equilibrar los desajustes de una poblacin que cambia una realidad ligada a la dureza de la vida en el campo a la posibilidad de abrirse camino en un entorno urbano.
Por otro lado, las grandes megalpolis de la costa,
Shangai y Hong Kong, crecen a travs de cinturones y
periferias sucesivas, as como la capital del pas, Pequn,
que no cesa de recibir poblacin emigrada proveniente de
zonas menos favorecidas. Las ciudades se convierten en
parasos de cemento y hormign, en autnticos polos de
atraccin para masas de poblacin sedienta de mejorar su
situacin, ciudades en las que se ofrecen por igual oportunidades y sueos rotos en medio de grandes desigualdades y autnticas luchas por sobrevivir.
La urbe puede observarse como un organismo vivo que
nace de la nada, como en el caso de Zhengzhou, crece y
se multiplica, sus lmites se ensanchan, se disuelven en
periferias que remiten a los conceptos de tierra gastada
y a los no-lugares teorizados por Marc Aug, as como
a los terrain vague de Ignasi de Sol-Morales.
En ese espacio, Ballester se desplaza por el laberinto de
edificios e infraestructuras que en poco tiempo han ido
creciendo ante sus ojos, surca sus entraas y muestra su
esqueleto, estructuras vacas que pronto se convertirn
en hogares para nuevos ciudadanos con nuevas vidas.
El autor acompaa su inmersin en este mundo a travs
de la tcnica fotogrfica con su primera obra realizada en
vdeo, Calle sin fin, una imagen de asfalto y trnsito continuo, una autntica metfora de un pas que nunca duerme. Este proyecto del artista viajar posteriormente a la
Central Academy of Fine Arts de Pequn y a la Fundacin
Astroc de Madrid.
Slvia Muoz DImbert
Juan Manuel Ballester. Cortesa del artista
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VICENTE PREGO
LVARO VILLARUBIA
Photogallery. Bilbao. Hasta finales de julio
Cuando cantan las sirenas
Vicente Prego. s/t (2006) Cortesa del artista
Clidos y fros son los colores que Vicente Prego ha utilizado para su exposicin en la Galera Ana Vilaseco, pero sin
grandes contrastes cromticos dentro de una misma obra.
Tonos apagados, pasteles. Luces y sombras muy regulados.
En el informalismo de Prego se aprecia un halo de soledad,
marcado por la estaticidad de las obras, en los bosquejos de
palabras y fechas que asoman con timidez para luego desvanecerse su sentido, e incluso, ser tachadas explcitamente
por su autor. El paso del tiempo es el tema que el artista
quiere transmitir en el observador. El empleo del tachado,
que desvela una ocultacin, que despierta la intuicin del
visitante por preguntarse por lo que est detrs de lo meramente visible, lo lleva a cabo a travs del uso del negro, y de
otros tonos que, en definitiva, invita al que observa a un viaje
a all donde se encuentra lo escondido, a veces pasado, a
veces slo un segundo desubicado en el transcurso del tiempo. Sobre esta bsqueda versa el texto que hace de prlogo
del catlogo de la muestra: Y seguir sin comprender mientras hacemos, permanecer en ese avance ciego sin ms previsin de logro que, acaso, la materializacin de lo que desconocemos es la nica voluntad que desafa las cargas recibidas, heredadas, y los temores aprendidos.
En esa lnea se adivinan paisajes entre las composiciones
abstractas del artista, en segundo o tercer plano, evocando
escenas que, a pesar de poseer naturaleza dinmica -una
barca, una ciudad- parecen carecer de vida, o en todo caso,
esa actividad se intuye tras el velo que le precede, le rodea
y le envuelve.
La seleccin de esta muestra, que se realiz durante el ltimo ao, apenas ensea la obra del artista que se preocupaba por las figuras relativas a la antigedad y que una vez
fueron caractersticas de la obra de Prego. Permanecen, sin
embargo, las formas geomtricas entre sus obras.
Vicente Prego (A Corua, 1957) se diplom en la Escuela de
Artes y Oficios Mestre Mateo de Santiago de Compostela y
se licenci en Bellas Artes por la Universidad de Vigo. Desde
1985 ha participado en numerosas obras colectivas e individuales por toda Galicia y otros lugares de Espaa y Francia.
En la actualidad, la obra de Vicente Prego se encuentra
entre las colecciones de importantes museos e instituciones
como la Coleccin Unin Fenosa, Coleccin Caixanova,
Coleccin Caixa Galicia, Xunta de Galicia o Universidad de A
Corua.
Paula Nieto
Exposicin celebrada en la Galera Ana Vilaseco (A Corua) durante el pasado mes de mayo.
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Visitar la exposicin titulada El canto de las sirenas de lvaro Villarrubia en Photogallery es como hacer un recorrido
por las salas ms oscuras de un castillo encantado. En el
nrtex nos recibe el propio artista vestido con elegancia
ciborg y siguiendo sus pasos avanzamos abriendo las puertas de su universo simbolista. Es el suyo un melodramtico
reino donde los personajes underground interpretan silentes
arias di furore bajo el ojo sin prpado de la cmara precisa
del artista.
Las sirenas son unas de las invenciones mitolgicas favoritas de los decadentistas decimonnicos, unos hbridos descritos en el Canto XII de la Odisea de Homero como mezcla
de pjaro y mujer. Eran unas encantadoras devoradoras de
hombres que vivan rodeadas de los cadveres de marineros recin naufragados contra las costas de su isla rocosa.
Ulises tuvo que verter cera caliente en los odos de su tripulacin para evitar el sortilegio y l mismo hubo de ser amarrado al mstil de su nave para no ser arrastrado por la tentacin del mito y caer en las fauces de esas mujeres letales.
Difcilmente poda lvaro Villarrubia titular de un modo ms
acertado esta seleccin de fotografas de su autora pues en
ellas un catlogo mtico de mujeres bellas e inalcanzables,
mutantes y llenas se sensualidad letal, aparecen representadas con realismo tcnico y ensoacin escenogrfica,
siempre en actitud de nueva sirena del siglo XXI.
En una sala los cuerpos hbridos de las musas fotografiadas
aparecen comprimidos en unos corss vertiginosos desde
los que se expanden unos brazos acabados en cuerno y un
cuello coronado por una bella cara que en su irrealidad se
enmarca con una catarata de plumas exticas. Son las reencarnaciones del mito medio mujer medio animal.
En otra sala la cera parece cubrir el cuerpo de una cierta
sirena llamada Salom que tiene un orgasmo besando la
cabeza ensangrentada de Juan el Bautista.
An ms all las cuerdas, los lazos y los arneses sirven para
dominar unas mutaciones onricas situadas en decorados
habitados por la ruina y el desorden posterior al desenfreno. En algunos retratos de efigie de busto o de cuerpo entero los hercleos personajes masculinos recubiertos de diamante negro, en cuclillas o en contraposto parecen esperar
en calma a que el canto de la sirena llegue y los arrastre. A
quien escribe estas lneas el canto de Villarrubia, sireno o
no, le arrastr hasta su universo de habitaciones en penumbra.
Romn Padn Otero
lvaro Villarrubia. Cortesa del artista
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HOW SOON IS NOW?

Fundacin Lus Seoane. A Corua. Hasta el 16 de septiembre
La obra de seis artistas se ha reunido bajo el epgrafe How soon is now? bajo el comisariado de Pablo
Fanego. Ryan Gander, Mario Garca Torres, Alexander
Gutke, Lisa Oppenheim, Jenny Perlin y Mathias
Poledna. Todos ellos comparten la toma de consciencia de cmo el presente se convierte en un proceso
inexorable de prdida y fijacin donde el propio estatuto de lo temporal se resiente, donde todo nexo proyectivo entre realidad y utopa se desvanece definitivamente del imaginario social.
Actualit es el primero de una serie de proyectos flmicos que Mathias Poledna (Viena, 1965) realiz a
partir de la revisin de determinados fragmentos de
la cultura del siglo XX reflexionando sobre la historicidad de las formas socioculturales. Actualit es una
filmacin de un ficticio ensayo de una tpica banda de
rock.
En Is this guilt in you too (study of a car on a field),
una videoinstalacin de Ryan Gander (Chester, 1973)
el espectador escucha una voz de una nia que parece conversar con otra persona que no puede escuchar.
Un coche detenido en un paisaje nevado, casi irreal,
sin presencia humana, sin camino, ni marcas de las
ruedas del coche. La nia describe esta escena que
estamos viendo, se pregunta que hace all el coche, y
si la imagen es real.
Lisa Oppenheim (Nueva York, 1975) parte en su vdeo
Diaoptric de una estructura similar a que utiliz Hollis
Frampton en Nostalgia (1971). En este ensayo flmico, Frampton seleccion doce imgenes cada una
acompaada de voz en off, sin que la imagen y el
sonido se correspondan, pareciendo que el sonido es
un eco diferido de la imagen anterior. Lisa Oppenheim

utiliza tambin la discrepancia entre la imagen retiniana y la imagen mental, para examinar las relaciones entre fotografa, cine y consciencia.
En 1966 Fantastic Voyage, Richard Fleischer realiza
una historia de cienciaficcin donde un equipo de
investigadores es reducido a un tamao microscpico
para poder viajar en un submarino en miniatura por
el sistema sanguneo del cuerpo humano. El artista
sueco Alexander Gutke (Gotemburgo, 1971) en
Exploded View (2005) toma esta pieza de Fleischer
como referencia e idea para una instalacin en la que
asistimos a un viaje interior a travs de un clsico
carrusel Kodak de diapositivas.
El mexicano Mario Garca Torres (Monclova, 1975)
muestra en One minute to act a title. Kim Yong II
Favourite movies (2002) a un grupo de actores que
juegan a intentar comunicarse a travs de la mmica
los ttulos de algunas de las pelculas favoritas del
excntrico dictador norcoreano Kim Yong Il.
Jenny Perlin (Massachussets, 1973) participa de la
tradicin documental a la vez que se enfrenta a ella
en obras que combinan historicidad y relato personal.
Amend (2005) forma parte de una triloga de trabajos
que reflexionan sobre cmo el ideario social de las
libertades fue falsificado por las estructuras de funcionamiento del capitalismo. Los dibujos que componen la serie Restricted (2004) proceden de fotografas de rboles forzados a crecer adecuadamente en
el medio urbano.
Ryan Gander. Is this guilt in you too? (Study of a car in a field) (2005)
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TORRES GARCA Y RAFAEL BARRADAS. LA VANGUARDIA COTIDIANA. 1917-1929

Museo de Pontevedra. Pontevedra. Hasta el 2 de septiembre
La muestra organizada desde el Museo de

Pontevedra, y comisariada por el especialista uruguayo Gabriel Peluffo (director del Museo Municipal
de BB AA Juan Manuel Blanes de Montevideo) es la
primera exposicin que une a este binomio de artistas. Pinturas y diferentes materiales grficos (fotografas, libros, revistas, documentos, cartas, etc.)
ayudarn a comprender mejor a los dos artistas y a
su fructfera relacin. Joaqun Torres Garca (18741949) y Rafael Barradas (1890-1929), artistas esenciales en desarrollo de las vanguardias histricas en
el arte latinoamericano, comparten tanto su nacionalidad (ambos son uruguayos) como su ascendencia
espaola. Barradas estuvo ligado a Galicia, vinculado
a la revista coruesa Alfar.
Joaqun Torres Garca y Rafael Barradas se conocen
en Tarrasa (Barcelona) en 1917, gracias a un amigo
comn, el pintor Celso Lagar que lleva al joven artista uruguayo de visita a Mon Repos, la casa de Torres,
residencia en la convivirn un tiempo. Al ao
Barradas se traslada a Madrid y comienzan una relacin epistolar y ya nunca habrn de encontrarse de nuevo.
El perodo en el que se centra esta exposicin es la
vanguardia cotidiana entre 1917 y la muerte de
Barradas en 1929. Doce intensos aos que marcan la
historia del Ultrasmo en Espaa, movimiento al que
Barradas estuvo ntimamente vinculado, y definen el
desplazamiento radical de Joaqun Torres Garca
desde el Noucentisme cataln al Universalismo
Constructivo.
Durante los das 9 y 10 de julio, se han programado
conferencias de Rafael Peluffo y Cecilia de Torres,
nuera de Joaqun Torres Garca y una de las grandes
conocedoras de su obra. La exposicin, incluida en la
programacin estival de la Diputacin Provincial de
Pontevedra, cuenta con el patrocinio adems de la
Consellera de Cultura e Deporte de la Xunta de
Galicia, el Ayuntamiento de Pontevedra y la entidad
financiera Caixanova.
Joaqun Torres Garca. La Giustizia (1924). Coleccin particular
Rafael Barradas. Naturaleza muerta con carta de Torres Garca

Museo Nacional de artes Visuales. Montevideo
Rafael Barradas. Retratao de Joaqun Torres Garca (1918).

Coleccin Joawun Molina. Buenos Aires.
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DOCUMENTOS
DOCUMENTOS: la
memoria del futuro
Creo que todas las imgenes son consanguneas. No hay imgenes
autnomas. Esta idea de
Paul Virilio relaciona la
rapidez con la que se
reemplazan
noticias,
sucesos y catstrofes y el
consumo de imgenes
por parte de las sociedades del bienestar que
desde la butaca del saln
asisten expectantes a los
acontecimientos diarios.
Compilar, analizar, almacenar, reproducir, difundir.
Toda fuente de informacin registrada sobre un
soporte, el testimonio
material
de
hechos
recientes, determina un
pasado inmediato que
frente a un futuro incierto
nos sita en un presente
comprimido en imgenes
digitales, en pxeles por
pulgada, que con eficiencia reemplazan la vivencia del aqu y ahora. A
pesar de la diversidad de
contextos y las situaciones heterogneas, la historia es interpretada por
la eleccin de los puntos
de vista, los destinos provisionales de los reporteros y los objetivos de las
cmaras que dejan constancia de nuestro paso
por el mundo. As, fragmentos de una realidad
convulsa, desunificada y
paradjica
conforman
una biografa colectiva.
Entre proyectos y proyecciones, la obra de arte
pas a ser un proyectil
seala Walter Benjamn al
hablar de la fotografa y el
cine en la poca de la
reproductividad tcnica.
En un agotamiento de los
temas ms acuciantes de
la actualidad, la exposicin Documentos, comisariada por Rosa Olivares,
aborda problemticas que
se debaten entre los conflictos armados internacionales y la industria del
entretenimiento, en un
zapping que incluye la

mujer, lo cotidiano, la
estructura social, la arquitectura, el poder, el terrorismo, el paisaje y el
turismo, con posicionamientos en algunos casos
ms ticos que estticos.
El proyecto Origen de
Bleda y Rosa intenta
datar y situar el origen de
los primeros homnidos.
Fotografas de excavaciones y andamios en yacimientos paleontolgicos
de Atapuerca, Forbes
Quarry o Zhoukoudian
descubren indicios fsiles
en paisajes remotos.
Brian Mckee revela la
arqueologa de los palacios
arrasados
de
Afganistn,
armnicas
arquitecturas con boquetes que las hacen polvo y
en su vaco agrietado
lleno de escombros mantienen una rara voluptuosidad. A esta situacin
posblica se enfrentan,
en la misma sala, las imgenes inquietantes de Luc
Delahaye. Con un trata-
miento de fresco histrico, utiliza formatos panormicos con encuadres

pictricos. La iluminacin
de grandes escenas y la
congelacin del instante
produce imgenes monumentales en directo,
que permiten ser espectador de la alteridad, de
rostros que no miran a la
cmara. Desde una ptica
ajena, distante e impersonal del poder poltico,
econmico y religioso en
el sistema dominante,
explota la fotografa, no
slo como registro de la
realidad sino como medio
de representacin.
Ann-Sofi Sidn reconstruye delitos cometidos por
mujeres en el s.XVI en
Suecia a partir de los
escritos de su enfrentamiento con la ley. La
escenificacin de las torturas en vdeo muestra
que hasta los hechos
indocumentados de otra
poca puede encontrar su
imagen en esta.
Las diferencias sociales y
laborales en Argentina se
evidencian en las fotografas
de
Sebastin
Friedman, que ofrece en
forma de dptico dos
modelos de medio cotidiano en torno a la mujer:
la familia acomodada y la
asistenta domstica.
Bocas de Ceniza, de Juan
Manuel Echavarra, recoge videogrficamente en
un primer plano corto, la
voz de los supervivientes
annimos que cantan la
trgica vivencia de haber
sido testigos de masacres
en Colombia.
My Neck is thinner Than a
Hair es una recopilacin
de 250 imgenes de atentados con coches bomba
en el Lbano. Rescatadas
en su mayora de archivos policiales y expuestas
en forma de postales
selladas y escritas por el
reverso, forman parte de
un proyecto de investigacin ms amplio que The
Atlas Group/Walid Raad
viene realizando sobre la
situacin en el Lbano.
Con el lbum fotogrfico
del turista que confirma yo estuve all, en una
playa del caribe, delante
del Taj Mahal o a los pies
de la Torre Eiffel, Jacques
Fournel promete el encanto de otras culturas a travs de la oferta de las
agencias de viajes, la felicidad banal de unas vacaciones en lugares exticos. Alec Soth hace un
parntesis en uno de esos
enclaves idlicos, Niagara
Falls para recrear la
estancia de los novios en
su luna de miel, la carta
de amor, los anillos, el
matrimonio y el cartel que
anuncia la fiesta del divorcio, son algunos de los
elementos de esta instalacin.
Vanesa Daz
Alec Soth. Niagara Falls (2006) Cortesa del artista
Exposicin comisariada por

Rosa Olivares, celebrada en
el Koldo Mitxelena (VitoriaGasteiz) y en el MARCO
(Vigo).
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ESTO NO ES UNA BROMA

MACUF. Desde el 26 de julio hasta finales de septiembre
Esto no es una broma est formada por una serie de seis

exposiciones individuales que se desarrollan independientes pero paralemente en esta institucin coruesa.
Joo Tabarra, Sandra Cinto, Jos Spaniol, Diego
Santom, Arturo Fuentes y Joo Pedro Vale son los seis
artistas seleccionados por David Barro, comisario de la
muestra, que comparten una mirada analtica sobre problemticas sociales o culturales y la utilizacin del
humor o la irona como estrategia artstica.
La exposicin de Sandra Cinto (Santo Andr/SP, Brasil,
1968) titulada A Travessia Difcil incide en ese tipo de
dibujos murales en los que perdemos todo tipo de referencias espaciales. Las obras de Jos Spaniol buscan un
espectador capaz de experimentar dislocaciones y energas. Bajo el ttulo de O descanso da sala encontramos
sillas a gran escala que se desdoblan invitndonos a
penetrar en su universo. La exposicin rene algunas de
la obras de estos ltimos aos, y presenta otras obras
producidas ex profeso para la muestra, as como una
intervencin site-specific en las salas del MACUF.
Arturo Fuentes (Ourense, 1975) enfatiza la intervencin
de la casualidad en el proceso creativo y conforma agrupamientos de naturaleza aleatoria que cuestionan e inci-
den sobre las nociones de configuracin y totalidad.

Diego Santom (Vigo, 1966) es un artista interesado en
la idea de proyecto y en las frmulas de reutilizacin y
reciclaje artstico. La performance est presente en sus
producciones; construye acciones para conectar con lo
social, desde los mrgenes de lo que se considera arte y
valindose del humor y la irona para llegar a sus fines.
Are you still awake? es el ttulo de la muestra de Joo
Pedro Vale (Lisboa, 1976), un artista que trabaja desde
la subversin de consensuadas historias y tradiciones.
Bajo un estilo desenfadado y humorstico incide en la
defensa de las minoras sociales y sexuales o en cuestiones relativas a la identidad.
La obra de Joo Tabarra (Lisboa, 1966) es de naturaleza crtica e irnica. Son imgenes imprimadas de un
humor corrosivo que evidencian personajes y situaciones ambiguas de la sociedad contempornea.
Paralelamente a estas seis exposiciones se han organizado una serie de conferencias (Paulo Reis y Arturo
Fuentes) y conversaciones con los artistas, una performance de Diego Santom y se editarn seis libros sobre
los seis artistas seleccionados.
Joo Pedro Vale. Are you still awake? Cortesa del artista
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_miradas
LA POTICA DEL FRIO
50 refrigeradores de los aos 50 transformados

por 50 artistas cubanos
Cuentan en La Habana que un representante del gobierno de viaje oficial en un pas nrdico compr varios quitanieves porque le hicieron una buena oferta. Quiz hoy
sigan aparcados bajo el sol en algn lugar de la ciudad.
La protagonista de la novela cubana Todos se van (Wendy
Guerra, Bruguera 2006) se llama Nieve y es probable que
su autora le diera este nombre por su sueo de ver La
Habana nevada. Cuba siempre se ha guardado en la
manga un componente fantstico, irreal. No s si nevera
viene de nieve pero tal vez sea la importancia que el
deseo tiene en el ritmo vital de esta geografa, lo que hace
que a pesar de las adversidades no decaiga la produccin
artstica de este paradjico enclave.
Tras su paso por la Bienal de La Habana (2005), la idea
expositiva del artista Mario Gonzlez llega a Madrid. La
muestra presenta unos extraos seres de metal transformados heterogneamente por artistas plsticos, y
depositados desde Cibeles hasta los jardines y salas de
exposiciones de la Casa de Amrica. Llama la atencin
la apropiacin colectiva de un objeto de uso, figuras de
lo cotidiano que durante dcadas poblaron el interior de
las casas se alzan como hito domstico, pilar, ttem,
monumento conmemorativo y como paradigmtico
reverso de lo extico.
En Cuba el refrigerador funciona como metfora del
cubo que se resiste, hermtico y fro. El objeto aislado,
recontextualizado, que se convierte en blanco de smbolos y obsesiones. El refrigerador es la sntesis de una
sociedad compleja y convulsa que parece mantenerse al
margen de la historia. Esta mquina casera es la protagonista de la exposicin Monstruos devoradores de
energa, un guio a los vampiros en La Habana, un giro
al reciclaje forzoso. Artilugio capaz de guardar un secreto, capaz de generar y atesorar fro en una isla del caribe. Aqu no hay sitio para mareaos advierte uno de ellos,
como si la deriva fuera una condicin a la que es necesario sobrevivir, all donde el refrigerador se convirti en
corazn de la vida diaria, aunque slo brinde un vaso de
agua fra.
En algunos casos es asumido como un objeto autnomo
cargado de significados, con un campo conceptual abierto a nuevas interpretaciones. Convertido en candado
(high segurity) por Eulises Niebla, confesionario (ngel
Ramrez), balcn de la arruinada casa colonial (Irene
Sierra), saco de yute (Eduardo Abela), el reloj de David
Rodrguez rememorando yesterday, los Beatles prohibidos y el tiempo congelado, el caballo de Troya (Jos
Antonio Hechavarria), un montn de libros marxistas
(Antonio Espinosa), lata de cerveza Cristal (Miguel
Leyva), el tendedero de ropa de Roberto Chile, los atardeceres desde una esquina del Malecn de Mario Miguel
Gonzlez, la msica de una reproductora de CD titulada
Logos de Carlos Omar, un Kcho asaetado de remos por
todos los costados, el embalaje (Fragile product of
Cuba) dispuesto a ser transportado, el camuflaje, el
bnker, el altar de la santera, el eterno enamorado, un
horno Para que no te enfres, los huevos, la mujer, el
atad.
En otros casos es utilizado como mero soporte pictrico,
que evidencia la preeminencia de la pintura y el grabado, cromatismo y textura que dan paso al folclore, a la
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mitologa y al sincretismo de la mano de Flora Fong,

Jos Franco, Javier Guerra, Roberto Fabelo, Zaida del Ro
y Cristian Gonzlez. Los propios curadores titulan su
texto Mientras se maquillan, ejemplo del carcter sensual y dramtico, en un acto de idiosincrsica coquetera.
Esta coleccin de obras-neveras representa un paseo
por La Habana y su capacidad de resistencia: del
Frigidaire y el Westinghouse americanos a las neveras
soviticas, de fbrica de durofrios (chupa-chups helados
made in Cuba) a vctima de los apagones en los 90,
hasta ser declarado devorador de energa. Estas esculturas hierticas dan testimonio de un instinto de conservacin conjugada con una agitadora potica que analiza
y cuestiona su propia situacin: haber congelado una
revolucin, un instante detenido y establecido durante
ms de medio siglo, preservar tradiciones e ideologas
en una vida cultural y artstica de efervescencia sin
recursos, de neveras vacas. Un muro rodeado de mar
que no deja de bailar en la instalacin Se acabo la guerra fra a gozar con la globalizacin de Abel Barroso.
El cubo que se resiste en Cuba radica en la cotidianidad.
Cmo contener tantas pasiones, tanto calor, cmo conservar la capacidad de amar sino en un refrigerador
completamente negro (Ernesto Rancao) en cuya puerta est escrito Donde guardo mi corazn. Entre cubos de
hielo.
Vanesa Daz
Monstruos devoradores de energa. Casa de Amrica. Celebrada en Madrid

durante el pasado mes de abril.
Luis E. Camejo. Fast food (2005-6) Cortesa del artista
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It is said that in La Habana a government representative, during a state visit to a northern country, bought
several snowploughs because it was a good offer. Maybe
they are still parked in the sun somewhere in the city.
The name of the protagonist of the Cuban novel Todos
se van (Wendy Guerra, Bruguera, 2006) is Nieve and the
author might have chosen this name for her owing to
her desire to see La Habana snow-covered. Cuba has
always had a fantastic component, something unreal. I
do not now if the term "nevera" comes from the term
"nieve" but maybe the importance of desire in the vital
rhythm of this geography provokes that despite adversities the artistic production of this paradoxical place does
not decline.
After taking part in the Biennial of La Habana (2005),
the expositive idea of the artist Mario Gonzlez travels
to Madrid. The exhibition shows some odd metallic
beings heterogeneously transformed by some plastic
artists, and placed from the Cibeles to the gardens and
exhibition rooms of Casa de Amrica. It is important to
highlight the collective appropriation of an object in use,
the figure of the quotidian that have filled our houses
are now raised as a domestic landmark, mainstay,
totem, commemorative monument, and as the paradigmatic beck of the exotic.
In Cuba the refrigerator acts as a metaphor of the cube
that can bear hermetic and cold. The "isolated" object,
recontextualized, that becomes the target of symbols
and obsessions. The refrigerator is the synthesis of a
complex and convulsed society that seems to stay out of
history. This home machine is the protagonist of the
exhibition Monstruos devoradores de energa, a wink to
the vampires in La Habana, a turnabout to the forced
recycling. A gadget able to keep a secret, to generate
and hoard cold in a Caribbean island. "Here there is no
place for seasick people", warns some of them, as if one
had to survive to a drifting, there where the refrigerator
became the heart of daily life, although it can also give
you a glass of cold water.
In some cases it is assumed as an autonomous object
full of meanings, with a conceptual field open to new
interpretations. Transformed into a padlock (high security) by Eulises Niebla, a confessional box (ngel
Ramrez), the balcony of the ruined colonial house
(Irene Sierra), a jute bag (Eduardo Abela), David
Rodrguez's watch recalling yesterday, the prohibited
Beatles and the frozen time, the Trojan horse (Jos
Antonio Hechavarria), a lot of Marxist books (Antonio
Espinosa), a Cristal beer can (Miguel Leyva), Roberto
Chile's drying place, Mario Miguel Gonzlez's dusks from
a corner of the pier, the music of a CD player titled Logos
by Carlos Omar, a kcho full of oars, the packing (Fragile
product of Cuba) arranged to be transported, the
camouflage, the bunker, the witchcraft altar, the eternal
lover, an oven para que no te enfres, the eggs, the
woman, the coffin.
In some other cases it is used just as a pictorial medium,
which makes evident the pre-eminence of the painting
and the engraving, chromatism and texture that give
way to folklore, mythology and syncretism by Flora
Fong, Jos Franco, Javier Guerra, Roberto Fabelo, Zaida
del Ro and Cristian Gonzlez. The curators have titled
their text Mientras se maquillan, a good example of the
sensual and dramatic character, in an act of idiosyncratic coquetry.
This collection of fridges-pieces represents a walk
through La Habana and its capacity to resist: from the
American Frigidaire and Westinghouse to the Soviet fridges, from the factory of durofrios (frozen chupa-chups
made in Cuba) to the victim of the power cuts in the
nineties, until being considered a "power consuming".
These hieratical sculptures give evidence of a preserva-
Antonio Espinosa. Isla (2005-6) Cortesa del artista
Vicente Rodrguez Bonachea. Requiem (2005-6)

Cortesa del artista
tion instinct together with an agitating poetic that analyses and questions the their situation: freezing a revolution, a moment stopped and set for more than half a
century, preserving traditions and ideologies in a cultural and artistic life of commotion without resources, of
empty fridges. A wall surrounded by a sea that does not
stop dancing in the installation Se acab la Guerra fra,
a gozar con la globalizacin by Abel Barroso. The cube
that resists in Cuba lies in the daily nature. How we
could contain so much passion, so much heat, how we
could preserve the ability to love except in a completely
black refrigerator (Ernesto Rancao) whose door says:
Donde guardo mi corazn. Among ice cubes.
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_internacional
ARMANDO REFRESCA MACO
En la ltima edicin de
MACO,
Mxico
Arte
Contemporneo,
se
vivieron
emociones
encontradas.
Por una
parte, la nueva locacin
que los organizadores
encontraron no fue la
ms apropiada, pues era
un edificio en construccin que no cumpla con
las condiciones adecuadas, ya que el polvo era
constante y la lluvia, que
se present en la Ciudad
de Mxico, arranc gritos
y suspiros entre los galeristas que tuvieron que
lidiar con el agua en sus
espacios. Sin embargo,
uno de los artistas que
destac fue Armando
Migueles, nacido en
Tucson (1981), creci en
Alicante, la India y
Venecia, y actualmente
vive en la capital azteca.
Su obra form parte de
la prestigiosa galera de
Nueva
York,
Hayde
Rovirosa, la cual adems
de mostrar a artistas
latinoamericanos, como
es el caso del argentino
Mximo Gonzlez, cedi
parte de su espacio para
mostrar un proyecto de
este ltimo artista concibi: lleva el nombre de
changarrito y se refiere
al tipo de negocios
improvisados, y fuera de
lo establecido, que se
dan cita en las calles de
la Ciudad de Mxico cotidianamente desde pocas prehispnicas.
Y entre los creadores
que mostraron su obra
en el changarrito en
MACO
2007
est
Armando, el cual ha
logrado un cuerpo de
trabajo que explora las
posibilidades de las fronteras con la identidad, a
travs de diversas piezas
que pretenden despertar
en el pblico la necesidad de cuestionarse
sobre su origen y la
manera en la cual
entienden su realidad. Y
tambin se concentra en
los fenmenos de organizacin del entorno fsico con un marcado inters en la cartografa. Y
en esta feria de arte latinoamericano que est
creciendo a pasos agigantados mostr el trabaj que realiz en su
ltima estada en China,
en donde imprimi fotografas,
mapas
de
Mxico y algunas serigrafas de planos de
varios aeropuertos.
l propone un arte contemporneo en movimiento, cambiante y sin
fronteras; y la posibilidad de centrarnos en la
cuestin, si es que realmente somos aquello
basado en nuestro contexto y fronteras o si ms
bien tenemos la posibilidad de encontrar nuestra
propia individualidad en
este mundo contemporneo, lleno de marcas y de
trasnacionales.
En fin, l abre las siguientes preguntas: Somos
aquello que nuestro presente nos hizo experimentar? Quin determina los orgenes de nuestra personalidad? Quin
determina los lmites del
espacio, y cmo me identifico y me encuentro en
stos?
Gabriel Ibarzbal
At the last edition of

MACO,
Mxico
Arte
Contemporneo,
there
were opposing emotions.
On the one hand, the new
location found by organizers was not the most suitable one. It was a building under construction
that did not meet the
required conditions, since
dust was constant and the
rain, which appeared in
Ciudad de Mxico, made
the gallery owners shout
and sigh while they were
fighting against water in
their stands. However,
one of the prominent
artists was Armando
Migueles, who was born in
Tucson (1981), grew up in
Alicante,
India,
and
Venice, and now lives in
the Aztec capital.
His
work belonged to a prestigious New York gallery,
Hayde Rovirosa, which,
apart from presenting
Latin American artists
such as the Argentinean
Mximo Gonzalez, ceded
a part of its space to show
a project conceived by
this artist: It is called
"changarrito" and it refers
to the improvised, illegal
businesses you can find
every day in the streets of
Ciudad de Mxico since
pre-Hispanic times.
And among the artists
who showed their work in
the
"changarrito"
at
MACO 2007 is Armando,
who has achieved a body

of work that explores the
possibilities of borders
through different pieces
aiming to awaken in the
public the need to inquire
about their origin and the
way they understand their
reality. And he also focuses on the physical environment
organization
phenomena with a strong
interest in cartography.
In this rapidly growing
Latin American art fair, he
showed the work done
during his last stay in
China, where he printed
photographs, maps of
Mexico and some silkscreen prints of airport
plans.
He proposes a contemporary art in motion, changing, and borderless; and
he gives us the chance to
focus on the question
whether we are really
based on our context and
borders or we have the
possibility to find our own
individuality in this contemporary world, full of
brands and transnational
corporations.
In short, he brings up the
following questions: Are
we what our present
made us experience? Who
determines the origins of
our personality? Who
determines the limits of
space, and how can I
identify and find myself in
them?
Armando Migueles en MACO
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[AN] INTERNACIONAL
MARK WALLINGER. STATE BRITAIN

Tate Britain. Londres. Hasta el 27 de agosto
Desde que Anthony Blair anunciara su marcha los

medios britnicos comenzaron a hacer balance de su
gestin. La guerra de Irak aparece repetidamente
como el asunto ms controvertido o, ms crudamente, como el error que ha marcado su mandato.
La protesta contra la guerra en febrero de 2003 en las
calles de Londres constituy la mayor manifestacin
vivida en Inglaterra. Esta expresin masiva de descontento no tuvo ningn efecto en la poltica del
gobierno britnico y en verdad el partido de Blair
revalid su mayora en las elecciones de 2005. La
nula influencia en las acciones gubernamentales de
sta y otras manifestaciones anti-guerra en diversos
pases occidentales ha puesto de manifiesto la quiebra entre voluntad popular y el modelo poltico vigente y ha permitido cuestionar las estrategias del activismo poltico actual. La instalacin de Mark Wallinger
en la Tate Britain, titulada State Britain, ofrece una
oportunidad para interrogar estos conflictos y las
posibilidades de su articulacin artstica.
En State Britain, Wallinger y sus colaboradores han
reproducido fiel y meticulosamente la instalacin-protesta que el ciudadano britnico Brian Haw comenz
a construir en solitario en 2001 frente al parlamento
del Reino Unido para expresar su repulsa por la
imposicin de sanciones a Irak. Brian Haw basa su
activismo en su fe cristiana, hecho anmalo, voz
minoritaria dentro de la minora de la disidencia, que
atrajo a Mark Wallinger. Con los aos y el recrudecimiento de la guerra, Brian Haw fue ampliando su instalacin con nuevos aadidos y con las contribuciones
de manifestantes ocasionales hasta formar una barricada endeble de cuarenta metros de largo en la Plaza
del Parlamento. La barricada estaba compuesta por
una amalgama de pancartas, pinturas, fotomontajes,
eslganes, citas bblicas y objetos varios. En mayo de
2006 la polica desmantel el conjunto en aplicacin
de una nueva ley, el Serious Organised Crime and
Police Act, que prohbe toda manifestacin no autorizada en un radio de un kilmetro alrededor del
Parlamento. Esta ley sin duda responda a la intensificacin de las protestas paralela al caos creciente de
la guerra en Irak. Wallinger y su equipo han reconstruido en sus ms mnimos detalles la instalacin
heterclita destruida, en un gesto que se puede
entender como una denuncia de esta ley y un homenaje a Brian Haw. No falta ningn elemento: ositos de
peluche, mensajes de apoyo de pasantes, botellas de
agua, flores de plstico, una zona para hacer t, detalles reproducidos que dejan constancia de la dimensin vital de la protesta de Brian Haw. Son objetos
cotidianos y baratos que, en la fragilidad y ferocidad
del conjunto, contrastan con la galera de solidez neoclsica que los acoge, la Tate Britain.
El gesto artstico de Mark Wallinger es un gesto de
copia, ms an, de reproduccin milimtrica. Pero
junto al cuestionamiento del mito de la originalidad
artstica y del genio creador del autor, State Britain
nos permite preguntarnos sobre las posibilidades polticas del arte. La instalacin de Brian Haw resucita a
travs de Mark Wallinger como objeto artstico, pero
al hacerlo, sigue siendo una protesta? Hasta qu
punto la condicin artstica enmudece o reaviva la
protesta? En este sentido cabe preguntarse qu nor-
mas regulan y organizan nuestra distincin entre un

objeto artstico y, digamos, una pancarta poltica.
State Britain acta polticamente precisamente al
encarnar esta dicotoma, al manifestar un conflicto
entre las distintas condiciones que definen una instalacin como poltica o como artstica. Y de ese modo
nos permite preguntar en qu coinciden y en qu
difieren una institucin artstica, la Tate, y una institucin poltica, el State. El inters de Wallinger por
reflexionar sobre estos conflictos fronterizos entre
poltica y arte se materializa en la lnea negra que
recorre el suelo de la galera y que marca el lmite de
la zona de exclusin alrededor del Parlamento en la
que est prohibido manifestarse sin autorizacin. Esta
lnea subraya la divisin creada entre un espacio legal
y otro ilegal, es decir que cartografa como la clase
poltica abandona su responsabilidad en el mantenimiento de las libertades para limitar expresiones
espontneas como la de Brian Haw contrarias a su
sensibilidad. La lnea divide la instalacin en dos, por
lo que una parte del conjunto est en zona autorizada y otra parte est sujeta a una posible decisin policial que obligue a su desmantelamiento. Pero, es una
protesta o una obra de arte? State Britain crea un
estado de estimulante indecisin.
Manuel Ramos
Vista exposicin Mark Wallinger
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[AN] INTERNACIONAL
Since Anthony Blair announced his departure date,

British media started to evaluate his administration. Iraq
war appears repeatedly as "the most controversial
issue" or, more harshly, as the "mistake" that has marked his term of office. The protest against the war in the
streets of London in February 2003 was the largest
demonstration seen in England. This massive expression
of unrest had no effect on the British government policy
and in fact Blair's party renewed its majority in the 2005
election. The zero influence on government actions of
this demonstration and others in different countries has
revealed the gap between people's will and the current
political model, and it has questioned the strategies of
the present political activism.
Mark Wallinger's installation at the Tate Britain, titled State Britain, offers an
opportunity to question these conflicts and their possibilities of artistic articulation.
In State Britain, Wallinger and his collaborators have
faithfully and meticulously reproduced the protest-installation that the British citizen Brian Haw started to build
by himself in 2001 in front of the UK Parliament in order
to express his rejection of the imposition of sanctions to
Iraq. Brian Haw's activism is based on his Christian faith,
an anomalous fact, and he is a minority voice in the dissidence, which attracted Mark Wallinger. As years went
by and the war escalated, Brian Haw extended his installation with new additions and with contributions from
occasional demonstrators until he formed a weak barricade 40m long at Parliament Square. The barricade
consisted of an amalgam of banners, paintings, photomontages, slogans, Bible quotations and different
objects. In May 2006 the police dismantled the display
in accordance with a new law, the "Serious Organised
Crime and Police Act", which bans all unauthorized
demonstrations within a one kilometer area around the
Parliament. No doubt this law responded to the intensification of protests as a result of the increasing chaos of
Iraq war. Wallinger and his team have reconstructed the
destroyed installation in all detail, in a gesture that can
be understood as a complaint about this law and as a tri-
Vista exposicin Mark Wallinger
66
bute to Brian Haw. Nothing is missing: teddy bears,

support messages from passers-by, water bottles, plastic flowers, an area to make tea, and all the details
reproduced to leave some token of the vital dimension
of Brian Haw's protest. They are cheap and common
objects which, in their global fragility and ferocity, contrast with the neoclassical solidity of the gallery hosting
them, the Tate Britain.
Mark Wallinger's artistic gesture is a gesture of copy, or
even an exact reproduction. But apart from questioning
the myth of artistic originality and the creative genius of
the author, State Britain makes us ask ourselves about
the political possibilities of art. Brian Haw's installation
comes back to life as an artistic object through Mark
Walllinger, but, in doing so, is it still a protest? To what
extent does the artistic condition silence or revive the
protest? In this sense we can wonder what rules regulate and organize our distinction between an artistic
object and a political banner. State Britain acts politically
when it incarnates this dichotomy, when it shows a conflict among the different conditions defining an installation as political or artistic. And in this way we can ask
ourselves about the similarities and differences of an art
institution, the Tate, and a political institution, the State.
Wallinger's interest in reflecting on these conflicts between politics and art materializes on the black line that
goes across the gallery floor and marks the limit of the
exclusion area around the Parliament where unauthorized demonstrations are forbidden. This line highlights
the division created between a legal space and an illegal
one, that is, it shows how politicians neglect their responsibility to maintain freedoms so as to limit spontaneous expressions that are contrary to their sensitivity
such as Brian Haw's.
The installation is divided in two
parts, one part of the whole falls into the authorized
area, and the other part is subject to a possible decision
by the police that will lead to its dismantling. But, is this
a protest or a work of art? State Britain creates a state
of stimulating indecision.
Manuel Ramos
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[AN] INTERNACIONAL
50 AOS DE ARTE PORTUGUS

FundaOn Calouste Gulbenkian. Lisboa. Hasta el 9 de septiembre
Grupo Puzzle. Bandera Nacional (1976). Cortesa de la Fundacin Calouste Gulbenkian
Un estado dentro del Estado. As fue definida la accin de

la Fundacin Calouste Gulbenkian - instalada en Lisboa
desde 1955 - en el contexto de un pas anquilosado en su
pasado ultra-marino, deteriorado por la guerra colonial e
incapaz, durante aos, de apoyar y mucho menos potenciar
la creatividad cultural y artstica a partir de sus propias
estructuras gubernamentales. En efecto, la Fundacin result ser desde sus inicios un oasis de modernidad y un verdadero modelo a seguir en el mbito de la divulgacin y del
coleccionismo de arte moderno y contemporneo. Su visin
de futuro e intervencin en el dominio de las artes plsticas
- mediante una estrategia de becas y subsidios, una produccin editorial de gran especializacin y una programacin
regular de cursos, coloquios y exposiciones - supuso la
introduccin de una mentalidad y sensibilidad europeas que
sentaron las bases del paulatino proceso de cualificacin e
internacionalizacin del arte portugus de las ltimas cinco
dcadas. Y ese es precisamente el ttulo de la muestra que
la Fundacin Gulbenkian presenta en su sede, en las salas
de exposiciones temporales de los pisos 0 y 01: 50 Aos de
Arte Portugus. Partiendo de dos vertientes - por un lado, la
coleccin del Centro de Arte Moderno y, por otro, la documentacin del archivo del Servicio de Bellas Artes relativa a
los artistas apoyados por la Fundacin desde 1957 hasta la
actualidad - la exposicin se organiza en diversos ncleos
estructurados
bajo
las
siguientes
categoras:
Medios/Procesos,
Signo/Cdigo,
Cuerpo/Identidad,
Tiempo/Historias y Espacio/Lugares. Cada uno de los cuales
dialogan entre s cruzando generaciones, movimientos y
tendencias y logrando establecer un equilibrio entre la contundencia del discurso visual y la relevancia del elemento
documental y procesal.
Ms de cien son los artistas representados, seleccionados
por su relevancia y conexin al programa de becas y de subsidios a proyectos o por su participacin en histricas exposiciones promovidas por la Fundacin. Mientras en el piso 0
o galera principal los conceptos temticos definen la disposicin de las obras expuestas, en el piso 01 el criterio adoptado es fundamentalmente cronolgico. De hecho, eventos
y fechas clave estructuran la historia de la Fundacin en el
campo de las artes plsticas: la I (1957), II (1961) y III
(1986) Exposicin de Artes Plsticas, el grupo KWY y su primera exhibicin en Lisboa (SNBA, 1960), la inauguracin
del Centro de Arte Moderno Jos de Azeredo Perdigo
(1983) y la iniciativa bienal 7 Artistas al 10 Mes, excepcional plataforma de promocin de artistas noveles.
La exposicin integra visitas guiadas, cursos, mesas redondas y un ciclo de vdeo documental sobre artistas. Todo ello
destinado a confirmar que los ltimos cincuenta aos de la
historia del arte en Portugal estn indisolublemente unidos
a la historia de la Fundacin.
Fernando Montesinos
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[AN] INTERNACIONAL
"A state inside the State". Thus was defined the action
of the Calouste Gulbenkian Foundation, established in
Lisbon since 1955, in the context of a country which is
anchored to its overseas past, weakened by the colonial war, and for years unable to support and promote cultural and artistic creativity from its own
governmental structures.
As a matter of fact, the Foundation has turned out to
be an oasis of modernity and a true model to be
followed in the field of divulgation and modern and
contemporary art collecting.
Its forward looking
approach and the intervention in the sphere of plastic arts - through a strategy of grants and subsidies,
a highly specialized publishing production, and a
regular program of courses, debates, and exhibitions
- meant the introduction of an European mentality
and sensitivity that laid the foundations of the gradual
process of qualification and internationalization of
Portuguese art in the last five decades.
And that is
exactly the title of the exhibition that the Gulbenkian
Foundation presents at its headquarters, in the temporary showrooms on the floors 0 and 01: 50 Years of
Portuguese Art.
From two sides - on the one hand, the Modern Art
Centre collection and, on the other hand, the documentation of the Fine Arts service archive about the
artists supported by the Foundation from 1957 to the
present - the exhibition is organized around different
cores structured under the following categories:
Michelangelo Veiga. Cortesa del Voyeur Project View (2007)
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Media/Processes,
Sign/Code,
Body/Identity,
Time/Stories y Space/Places.
These areas dialogue to each other, crossing generations, movements, and trends, and managing to strike a balance between the force of the visual discourse and the relevance of the procedural and documentary element.
More than a hundred artists are represented, selected
according to their relevance and their connection to
the grants program or subsidies to projects, or their
participation in historical exhibitions promoted by the
Foundation. While on the 0 floor or main gallery the
arrangement of the works shown is defined by thematic concepts, on the 01 floor the criterion followed is
mainly chronological. In fact, key events and dates
structure the Foundation history in the field of plastic arts: the I (1957), II (1961) y III (1986) Plastic
Arts Exhibition, the KWY group and their first exhibition in Lisbon (SNBA, 1960), the opening of the
Jos de Azeredo Perdigo Modern Art Centre (1983)
and the biennial initiative 7 Artistas al 10 Mes, an
exceptional platform for the promotion of new
artists.
The show includes guided visits, courses, round
tables, and a documentary video cycle about artists.
All this is aimed at confirming that "the last fifty years
of art history in Portugal are indissolubly joined to the
history of the Foundation".
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[AN] INTERNACIONAL
VOYEUR PROJECT VIEW. LA MIRADA ACTIVA
En
1946
Marcel
Duchamp inici en secreto aquella que sera su
ltima obra: tant donns: 1. la chute deau,
2. le gaz dclairage.
Durante un periodo de
veinte aos conform
manualmente una instalacin-diorama
cuyo
tema ha sido en numerosas ocasiones comparado a un peep-show.
Expuesto de forma permanente en el Museo de
Arte de Philadelphia
desde 1969, el complejo
dispositivo se ubica en
una sala aparentemente
vaca y poco iluminada.
Al fondo, en una de sus
paredes, surge un portn
de madera desgastada
encuadrado por ladrillos.
Cuando el visitante se
aproxima para intentar
averiguar de qu se trata
descubre la existencia de
dos pequeos agujeros
al nivel de los ojos y, al
mirar a travs de ellos,
advierte un cuerpo desnudo de mujer, tumbado
de espaldas sobre ramas
secas en el claro de lo
que parece ser un bosque, con el rostro oculto
por su cabellera dorada y
las piernas separadas de
una manera tan abierta y
obvia que provoca un
extraa sensacin, mixtura de curiosidad, preocupacin, erotismo explcito y desasosiego. En
esta turbadora obra la
mirada del observador
deja de ser pasiva, neutra e inofensiva, tornndose consciente de su
voyeurismo, de su necesidad y apetito de ver,
incluso aquello que pertenece al orden de lo
ntimo o escatolgico.
Ser voyeur es, por tanto,
una condicin inherente
a la existencia del ser
humano, sobre todo en
una sociedad como la
occidental, seducida y
subyugada por una cultura suprema de la imagen y de la vigilancia. La
literatura, la televisin,
las artes plsticas, internet y, especialmente, el
cine, son testigos y
palestras de esta realidad. Directores como
Alfred Hitchcock (La ventana indiscreta), Brian de
Palma (Doble de cuerpo),
Krzysztof
Kieslowsky (No amars),
Michael Haneke (Cache),
John Cameron Mitchell
(Shortbus) y Florian
Henckel
von
Donnersmarck (La vida
de los otros) plasmaron
el acto de mirar en cuanto intencin de contemplar, espiar o acechar
escenas de la vida privada de terceras personas.
Mirar es participar, afirma uno de los personajes del filme Shortbus y
esta idea atraviesa y
organiza la programacin
del Voyeur Project View,
un espacio lisboeta,
independiente y experimental, donde son presentados proyectos individuales de arte contemporneo en colaboracin
directa con los artistas,
usualmente emergentes
o en fase de consolidacin. Las muestras son
ofrecidas
al
pblico
mediante un orificio
situado en la entrada
metlica de la galera,
permitiendo el acceso
visual 24 horas por da,
mientras la visita interior
apenas es posible por
reserva.
El comisario y responsable del proyecto, Rodrigo
Vilhena (Lisboa, 1968),
tambin artista, proporciona de este modo una
va de exploracin y
exhibicin a ciertas propuestas que no suelen
tener presencia en el
mbito institucional. As
ha sido desde 2005 y la
lista de proyectos contina en crecimiento.
Antnio
Nuno,
Cara
Judea Alhadeff, Joana
Consiglieri,
Satoru
Eguchi, Pedro Falco,
Ana Prez-Quiroga (2007). Cortesa del Voyeur Project View
Leonel Moura, Pedro

Campos
Rosado,
Catarina Saraiva, Nuno
Alexandre Ferreira, Hugo
Barata,
Margarida
Correia, Effi Hoch, Pedro
Diniz Reis, Ana Rito,
Paulo Nisa, Jorge Feijo,
Ana
Prez-Quiroga,
Pedro Valdez Cardoso,
Michelangelo Veiga y
Wang Yongping son algunos nombres que formaron parte del proyecto,
planteando nuevas perspectivas y dilogos en un
escenario que funciona
como
alternativa
al
marco expositivo del
museo o de la galera de
arte. No obstante, el
objetivo final no es servir
de contrapunto al sistema artstico institucionalizado o comercial, sino
conceder al artista otras
maneras de difundir su
trabajo y restaurar la
accin participativa del
pblico (a travs de la
experiencia), restituir la
relacin entre ser humano, obra de arte y contexto fsico y discursivo.

Estimular una comunidad cultural activa y pensante que cuestione los
cimientos de su propia
identidad, de su propia
verdad, que consiga percibir la obra de arte ms
all de la voluntad puramente
contemplativa,
asptica, confrontndola
con lo que somos o pensamos ser. Es ms, toda
experiencia artstica que
no implique un proceso
de (auto)reflexin no
podr cumplir ms papel
que el de la aceptacin
conformista de lo ya
existente y establecido.
El mes de julio ser el
turno de un proyecto ideado por Ana Vidigal
(Lisboa, 1960) para el
Voyeur Project View.
http://www.voyeurproje
ctview.org
Fernando Montesinos
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[AN] INTERNACIONAL
In
1946,
Marcel
Duchamp secretly started what would be his
last work: tant donns:
1. la chute d'eau, 2. le
gaz d'clairage. For a
period of twenty years,
he made up manually an
installation-diorama
whose theme has been
often compared to a
peep-show. Permanently
shown
at
the
Philadelphia Art Museum
since 1969, this complex
device is located in an
apparently empty and
poorly illuminated room.
At the back, on one of
its walls, there is a large
worn-out wooden door
framed by bricks. When
visitors get closer to see
what it is about, they
find out two small holes
at the eyes level and,
when they look through
them, they can see the
naked body of a woman
lying face upwards on a
bed of dry branches in
the clearing of what
looks like a forest, with
her face hidden behind
her golden hair and her
legs spread in such an
open and obvious way
that it provokes a strange feeling, a mixture of
curiosity, concern, explicit eroticism and uneasiness. In this disturbing
work, the observer's
look is not passive, neutral and inoffensive, but
it becomes aware of its
voyeurism, of its need
and desire to see, even
that which belongs to
the realm of intimacy or
eschatology.
Being a
voyeur is, therefore, a
condition inherent to the
human being's existence, particularly in western society, which has
been seduced and captivated by a supreme culture of the image and
s u r v e i l l a n c e .
Literature,
television,
plastic arts, Internet,
and particularly movies,
are witnesses and sceneries of this reality.
Directors such as Alfred
Hitchcock
(Rear
Window),
Brian
de
Palma (Body Double),
Krzysztof Kieslowsky (A
Short Film About Love),
Michael
Haneke
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Proyecto de Michelangelo Veiga (2007). Cortesa del Voyeur Project
(Cache), John Cameron

Mitchell (Shortbus) and
Florian Henckel von
Donnersmarck
(The
Lives of Others) reflected the act of looking in
terms of the intention to
contemplate or spy daily
scenes of the private life
of others. "Looking is
participating",
states
one of the characters in
the film Shortbus, and
this idea organizes the
program
of
Voyeur
Project View, an independent and experimental space in Lisbon
where contemporary art
individual projects are
presented in direct collaboration with emerging
artists in the first stages
of their careers.
The
shows are offered to the
public through a hole
located at the gallery
metal entrance, allowing
visual access 24 hours a
day, whereas the interior visit is only possible
by telephoning.
In this way, the curator
and person in charge of
the project, Rodrigo
Vilhena (Lisbon, 1968),
also an artist, provides a
way to explore and show
certain proposals that

are not usually present
in the institutional environment. This has happened since 2005 and
the list of projects continues growing. Antnio
Nuno,
Cara
Judea
Alhadeff,
Joana
Consiglieri,
Satoru
Eguchi, Pedro Falco,
Leonel Moura, Pedro
Campos
Rosado,
Catarina Saraiva, Nuno
Alexandre
Ferreira,
Hugo Barata, Margarida
Correia, Effi Hoch, Pedro
Diniz Reis, Ana Rito,
Paulo Nisa, Jorge Feijo,
Ana
Prez-Quiroga,
Pedro Valdez Cardoso,
Michelangelo Veiga y
Wang
Yongping
are
some of the names that
took part in the project,
bringing up new views
and dialogues in a setting that functions as an
alternative to the setting
of the museum or the
art gallery. However, the
final objective is not
opposing the institutionalized or commercial
artistic system, but offering artists other ways
to make their work
known, restoring the

participative action of
the
public
(through
experience) and the
relationship
among
human being, work of
art, and physical and
discursive
context.
Promoting an active and
thinking cultural community that questions
the foundations of its
own identity, its own
truth, that manages to
perceive the work of art
beyond the purely contemplative, aseptic will,
confronting it with what
we are or what we think
we are. Furthermore,
every artistic experience
that does not involve a
(self)reflection process
will not be able to play
any role but the conformist acceptance of what
exists and is established.
In July it is the turn of a
project designed by Ana
Vidigal (Lisbon, 1960)
for the Voyeur Project
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MATTHEW BRANNON. WHERE WERE WE

Whitney Museum of American Art at Altria. Hasta agosto
El Whitney Museum of American Art de Altria se encuentra en la plaza peatonal al nivel de la calle de la sede
internacional de Altria Group, Inc. Est situado en Park
Avenue, justo enfrente de la bulliciosa estacin Grand
Central. El museo se compone de una galera de 85
metros cuadrados, un patio de esculturas de 500 metros
cuadrados y un atrio rodeado por cristal con asientos
para el pblico.
Esta sucursal del museo refleja el nombre de la corporacin que aporta la mayor parte de la financiacin desde
2003, Altria Group, Inc. (anteriormente Phillip Morris
Companies Inc.), pero la asociacin entre el Whitney
Museum of American Art y Altria Group, Inc. se remonta a 1967, cuando la corporacin cre un fondo especial
de adquisiciones para el museo.
Altria Group es una de las mayores empresas de tabaco, alimentos y bebidas del mundo.
La irona de esta asociacin no se pierde en Matthew
Brannon. Ni tampoco para Howie Chen, director de la
sucursal y comisario en el Whitney Museum de Altria,
que se dedica a trabajar entre los espacios del arte y del
comercio.
La exposicin Where Were We de Brannon es un encargo para la galera de arte y el patio de esculturas del
Whitney Museum de Altria, comisariada por Howie Chen.
La instalacin de Brannon es una conversacin con el
arte y el comercio, el estatus y el poder, hombres y
mujeres, lo privado y lo pblico, lo consciente y lo
inconsciente, el artista y el pblico, y las ansiedades de
vivir en una ciudad caracterizada por tanto cosmopolitismo.
El artista hace esto de la forma ms tentadoramente
sutil y obviamente provocativa.
La invitacin a la inauguracin tena forma de tarjeta
comercial cuyo logotipo era una anguila negra enroscada. El cartel gratuito a todo color que anuncia la exposicin muestra un edificio de oficinas brillantemente iluminado que contrasta con el color negro del fondo nocturno adjunto a la pgina mediante un gran clip ficticio con un texto en letra pequea a lo largo del margen
derecho que revela una breve narracin: Sobre nuestras
cabezas el peso de un edificio urbano. Toneladas de
cemento vertido. Kilmetros de cables telefnicos y
elctricos. Suficiente cristal para hundir un barco.
Palmeras, helechos, jabn lquido, calculadoras, mquinas expendedoras y luces fluorescentes. Imagina una
persona sentada a su mesa. En el mismo centro. El lpiz
en la boca. Una ligera resaca. Responde a una llamada
telefnica que no quiere coger.
La exposicin de la galera se compone de grabados
enmarcados, una litografa, un lienzo serigrafiado y bordado y la oscura silueta de una anguila negra enroscada
de 9 metros en los grandes ventanales del patio de
esculturas. Cada una de las obras mencionadas anteriormente son objetos artsticos y anuncian inteligentemente la intencin subversiva de Brannon.
No hay espacio suficiente en este artculo para desentraar los matices de estas subversiones.
Me sorprendi especialmente Steak Dinner (2007),
impresin tipogrfica sobre papel (61 x 45,7cm). Una
taza de caf, un reloj de hombre de elegante diseo y
un paquete de cigarrillos forman una composicin sobre
la que se ha dejado despreocupadamente una piel de
pltano. El texto fragmentado tpico de Brannon que
acompaa a este conjunto dice lo siguiente:

Este ao dile que la quieres una y otra vez/ con montones de diamantes/ con bocados de caviar/ con el dinero del alquiler en ropa/ una tarjeta de crdito de habitaciones de hotel/ medias/ champagne /billetes de avin/
y una suave palmada en su trasero desnudo.
Es divertido pero de una forma repugnante. La banalidad de la iconografa (subrayada por una paleta de colores suaves en toda la obra) y la sensualidad del texto
crean un momento de desasosiego, una ligera lgrima,
en la cortina de lo que constituye lo real en esta relacin. Las dos grandes serigrafas sobre papel que constituyen Who Takes Who Home Tonight, 2007, son igualmente incmodas a pesar de la belleza con que se presentan al espectador.
Esta especie de comentario ingenioso, y ligeramente
sarcstico, sobre la vida contempornea se puede ver en
buena parte de las obras enmarcadas. Alarm Clock,
(2007) impresin tipogrfica sobre papel (61 x 45,7
cm.), tiene dos elementos iconogrficos principales: una
toalla que cuelga de un gancho, chorreando gotas de
agua, y una alfombra de bao beige ovalada. El texto
dice lo siguiente:
Cuando escribe se ve como otra persona/ como alguien
que escribe bien/ y cuando les habla a otros sobre lo que
hace/ describe a otra persona/ un conversador sin igual/
y cuando est en casa por la noche intentando dormir/
se ve a s mismo como un cerdo grotesco al que todo el
mundo odia.
Las obras estn cargadas con elementos formales desarticulados e inesperados, textos fracturados, para crear
una experiencia visual marcada tanto por el agrado
como por el desagrado. Sin embargo, como sugiere la
ambigedad del ttulo de la exposicin, esta experiencia
se abre a mltiples interpretaciones.
El arsenal artstico y crtico de Brannon combina material impreso, tcnicas grficas y de diseo, y escritura,
para inspirarse en una iconografa comercial y cosmopolita (papelera de oficina, sushi, llaves, un zapato femenino de tacn alto) yuxtapuesta sobre papel, enmarcada y presentada en expositores diseados por el artista.
La extremada atencin que presta al detalle, al proceso
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artstico y al entorno queda reflejada en la muestra.

La mitad de la galera principal est ocupada por el trabajo que se muestra en los expositores, dispuestos en
filas contra el fondo gris de las paredes de la galera
(un color que aparece tanto en el cartel anunciador
como en los grabados expuestos), y en la otra mitad
una litografa y una impresin tipogrfica sobre papel
enmarcadas ocupan la pared. Un gran lienzo serigrafiado y bordado cuelga delante del ventanal de la galera
mirando hacia dentro. Cada una de las obras enmarcadas provoca, en su significacin, un inconsciente psicolgico que une al artista, al espectador, a las imgenes
y al texto, en la interpretacin de la realidad y la irrealidad de la vida.
Son obras increblemente poderosas y habran sido
mucho ms efectivas si se hubieran instalado en el
atrio rodeado de cristal del Whitney de Altria, ms
pblico, en lugar del espacio cerrado de la galera. Los
expositores personalizados me recordaron a los expositores que haba en las plazas pblicas de la Rusia
comunista, y en Berln oriental, donde se podan colgar
las pginas de los peridicos en tablones cubiertos con
cristal para que todo el mundo pudiera leer las noticias.
Quizs una combinacin de las obras del atrio y la de
la galera habra creado un curioso intercambio entre el
espacio, la obra y los espectadores.
La litografa, la impresin tipogrfica y el lienzo serigrafiado y bordado parecen eclipsados por los grabados enmarcados del expositor. Entiendo la idea de una
distincin entre la forma de mostrar las obras (en la
pared y separadas de la pared) y el efecto que esto
causa en el espectador, en el espacio, pero creo que
este formato tuvo como consecuencia que el lienzo
(una atractiva pintura que no es pintura) se confunda
con el fondo. De este modo se ha perdido la oportunidad de explorar la relacin de Brannon con la pintura y
los elementos ms abstractos de su obra.
A veces la obra que es demasiado inteligente, en trminos de forma, contenido y presentacin, termina
siendo arrogante. Afortunadamente este no es el caso
con Matthew Brannon: su trabajo es agradablemente
subversivo y sublime. Matthew Brannon vive y trabaja en Nueva York.
Natasha D. Becker
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The Whitney Museum of American Art at Altria is located

in the street-level pedestrian plaza of the international
headquarters of Altria Group, Inc. It is situated on Park
Avenue directly across from the bustling Grand Central
Station. It comprises a 900-square-foot gallery, a 5,200square-foot Sculpture Court, and a glass-enclosed
atrium with public seating.
The branch museum reflects the name of the major funding corporation, Altria Group, Inc., since 2003 (previously Phillip Morris Companies Inc.), but the association between the Whitney Museum of American Art and
Altria Group, Inc. dates back to 1967, when the corporation established a special purchase fund for the
Museum.
The Altria Group is one of the world's largest tobacco,
food and beverage corporations.
The irony of this association is not lost on Matthew
Brannon. Nor is for Howie Chen, branch manager and
curator at the Whitney Museum at Alteria, who is committed to working in between the spaces of art and commerce.
Brannon's Where Were We is a commissioned exhibition
for the Whitney Museum at Alteria's Gallery and
Sculpture Court curated by Howie Chen.
Brannon's installation is a conversation with art and
commerce, status and power, men and women, private
and public, the conscious and unconscious, artist and
audience, and the anxieties of living in a city characterized by so much cosmopolitanism.
He does this in both the most tantalizingly subtle, and
obviously provocative, way.
The opening reception invitation was in the form of a letterpress "business" card with the logo of a coiled black
eel. The free four-color poster announcing the show
unfolds to revealing a brightly lit office building against
the black of night "attached" to the page by a large illusionary paper clip with fine print text running along the
left margin to reveal a short narrative:
Above our heads the weight of a city block. Tons of poured cement. Miles of phone and electric. Enough glass to
sink a ship. Palms, ferns, soft soap, calculators, vending
machines, and fluorescent lighting. Picture one person
at their desk. In the very center. Pen in mouth. Slight
hangover. Answering a phone call they don't want to
take.
The exhibition inside the gallery consists of framed
prints, a lithograph, a silkscreen and embroidery canvas,
and a 30ft. black coiled eel in dark silhouette against the
grand windows of the Sculpture Court. Each of the
above-mentioned productions are art objects and they
cleverly announce Brannon's intention to subvert.
There is not enough space in this review to map out the
nuances of these subversions!
I am particularly struck by Steak Dinner, 2007,
Letterpress on paper, 24x18in. (61 x 45.7cm). A coffee
mug, a cool designer men's watch, and a pack of cigarettes form a composition on top of which a banana peel
is casually spread out. Brannon's signature fractured
text, accompanying this assortment, reads:
THIS YEAR TELL HER YOU LOVE HER ALL OVER AGAIN/
WITH A GRAB BAG OF DIAMONDS/ WITH MOUTHFULS
OF CAVIAR/ WITH YOUR RENT IN CLOTHES/ A CREDIT
CARD OF HOTEL ROOMS/ STOCKINGS/ CHAMPAGNE/
PLANE TICKETS/ AND A SOFT SLAP ON HER BARE ASS.
It's funny but in a nauseating way. The banality of the
iconography (underscored by a soft color palette in all
the work) coupled with the sensuality of the text creates
a moment of unease, a slight tear, in the curtain of what
constitutes the real in this relationship. The two large
silkscreens on paper that make up Who Takes Who
Home Tonight, 2007, are similarly uncomfortable even
as they are beautifully presented to the viewer.
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This kind of witty, slightly acerbic, comment on contemporary life runs through much of the framed works.
Alarm Clock, 2007, Letterpress on paper, 24 x 18in. (61
x 45.7cm) has two major iconographic elements; a
towel, dangling from a hook, dripping with drops of
water, and an oval beige (bath)mat. The text reads:
WHEN HE WRITES HE SEES HIMSELF AS SOMEONE ELSE
AS SOMEONE WHO WRITES WELL
AND WHEN HE TALKS TO OTHERS ABOUT WHAT IT IS
HE DOES
HE PICTURES SOMEONE ELSE
A CONVERSATIONALIST BEYOND COMPARE
AND WHEN HE'S HOME AT NIGHT TRYING TO SLEEP
HE SEES HIMSELF AS A GROSS PIG THAT EVERYONE
HATES
The works are loaded with disjointed and unexpected
formal elements, fractured texts, to create a viewing
experience marked both by pleasure and dis-pleasure.
Yet, as the ambiguity of the show's title suggests, this
experience open to multiple interpretations.
Brannon's artistic and critical arsenal combines printed
material, graphic and design techniques, and writing, to
draw on a range of commercial and cosmopolitan iconography - office stationary, sushi dinner, keys, a woman's
high heeled shoe - juxtaposed on paper, framed, and
exhibited on custom display structures designed by the
artist. His acute attention to detail, artistic process, and
the environment, is reflected in the show.
One half of the main gallery is occupied by the work
exhibited on the display structures, arranged in rows
against the gray background of the gallery walls (a color
found in both the announcement poster and the exhibited prints), and in the other half, a framed lithograph
and a framed letterpress on paper occupies the wall. A
large silkscreen and embroidery canvas hangs in front of
the gallery window facing inward.
Each of the framed works provoke, in their signification,
a psychological unconscious that unites artist, viewer,
images and text, in interpreting the reality and unreality
of life.
These are incredibly powerful works and would have
been so much more effectively installed in the more
public glass enclosed atrium of the Whitney at Altria instead of the closed space of the gallery. The custom display structures reminded me of the public display structures which existed in public squares in communist
Russia, and east Berlin, so that the pages of newspapers
could be pinned onto boards covered with glass - in that
way everyone gets to read the news. Perhaps a combination of works in the atrium and work in the gallery
would have created a curious exchange between the
space, the work and the viewers.
The lithograph, letterpress, the silkscreen and embroidery canvas felt overshadowed by the framed prints on
the display structure. I understand the idea of a disjuncture between the display of works (on the wall and off
the wall) and the effect of this on the viewer, the space,
but I think this format resulted in the canvas - an appealing painting that is not painting - fading into the background. The opportunity to explore Brannon's relationship to painting and the more abstract elements of his
work was thus missed.
Sometimes work that is a little too clever, in terms of
form, content and display, ends up being righteous.
Fortunately this is not the case with Matthew Brannon:
his work is refreshingly subversive and sublime.
Matthew Brannon lives and works in New York.
GERD LEUFERT: GESTURE AS METAPHYSICS

Drawing Center. New York
Gerd Leufert es quizs ms conocido como compaero y valedor de Gego, el notable artista nacido en
Alemania y residente en Caracas que actualmente
tiene una exposicin aqu en Nueva York, en el
Drawing Center. Sin embargo, esta exposicin de
obras sobre papel, la mayora dibujos a tinta, le
muestra cmo un consumado artista por derecho
propio, de modo que se le puede considerar un
independiente, alguien que merece legtimamente
ocupar un lugar en la historia del arte sudamericano. Leufert naci en 1914 en Lituania y estudi arte
en Alemania, en la escuela de arte de Hanover.
Tambin asisti a cursos de diseo grfico comercial
en la Akademie der Bildenden Kuenste de Munich.
Fue herido luchando como soldado alemn durante
la Segunda Guerra Mundial, y despus de la guerra
se gan la vida como diseador grfico en
Alemania. En 1951, Leufert se traslad a Caracas,
Venezuela, donde conoci a Gego. Juntos se mudaron a Tarma, en la costa venezolana. Si se ven juntas, las obras de ambos artistas parecen entablar
un dilogo entre s; en Leufert destaca una acerada
lnea negra que se puede interpretar fcilmente
como una investigacin expresionista de la forma,
mientras que el arte de Gego manifiesta tambin
una delicada esttica lineal. Los dos tomaron fuerza
claramente del arte del otro.
Como artista, Leufert est representado por un
autorretrato realizado en 1960 con la tcnica de
grabado a punta seca, adems de una amplia seleccin de dibujos abstractos a tinta llamada Ganchos,
creada en los aos 80, y obras de los 90, una serie
titulada Ademn de vida. El autorretrato, compuesto por lneas que se superponen a los rasgos faciales del artista, incluido un bigote, muestra que
Leufert aplic pronto un mtodo gestual al dibujo.
Sus delgadas lneas evidencian un pulso extraordinariamente delicado, y construyen estructuras abstractas que a un neoyorquino le parecen ejemplos
de expresionismo abstracto. Esta similitud plantea
inevitablemente la cuestin de si la propiedad de un
estilo se basa en una clara conciencia de cuando se
realiz la obra, como si las fechas de realizacin
pudieran establecer por s solas el linaje correcto en
el arte.
Mi opinin personal es que Leufert, igual que Gego,
pertenece a una prctica internacionalista de la
abstraccin que le sita en un contexto que debera
ser ms conocido en Norteamrica.
Normalmente la lnea de Leufert es delgada, pero
en algunos casos en la exposicin aparecen zonas
de tinta ms gruesas; especialmente en una de las
obras nos viene a la mente el arte de Franz Kline.
Sin embargo, esta comparacin no contextualiza
necesariamente a Leufert de forma eficaz; su arte
debera verse como el de un artista autnomo,
alguien a quien las sutilezas grficas de la tinta
ofrecan una oportunidad de explorar nociones estilizadas del dibujo que incluso hoy parecen maravillosamente contemporneas.
Jonathan Goodman
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Gerd Leuferd. Cortesa del artista
Gerd Leuferd. Cortesa del artista
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Gerd Leufert is perhaps best known as the companion and supporter of Gego, the remarkable
German-born, Caracas-based artist currently
having a show here in New York at the Drawing
Center.
Yet his exhibition of works on paper at the gallery
of Cecilia de Torres, mostly ink drawings, establishes him as an accomplished artist in his own right,
so that he must be thought of as an independent,
someone who deserves his rightful place in the
history of South American art. Leufert was born in
1914 in Lithuania, studying art in Germany, at the
Hanover School of Art.
He also attended courses in graphic trade design
at the Akademie der Bildenden Kuenste in Munich.
Fighting as a German soldier during the Second
World War, he was wounded; after the war, he earned his living as a graphic designer in Germany. In
1951, Leufert moved to Caracas, Venezuela,
where he became involved with Gego; the two
moved to Tarma, on the Venezuelan coast. Seen
together, the works of both artists feel as though
they enact a dialogue with each other; Leufert
favors a spiky black line that easily reads as an
expressionist investigation of form, while Gego's
art also manifests a delicate linear esthetic. The
two clearly derived strength from each other's art.
As an artist, Leufert is represented by a 1960 drypoint self-portrait, as well as a liberal selection of
ink-drawn abstract drawings called "Ganchos,"
created in the 1980s, and works from the 1990s,
a series entitled "Ademn de vida".
The self-portrait, composed of lines overlapping
the artist's facial features, including a moustache,
shows that early on Leufert had committed himself to a gestural approach in drawing.
His spidery lines evidence a remarkable delicacy
of hand, and build up abstract structures that to a
New Yorker look a lot like examples of abstract
expressionism.
This similarity inevitably raises the question whether ownership of a style is predicated upon a
sharp awareness of when the work was made, as
though dates of facture alone could establish proper lineage in art. My own feeling is that Leufert,
like Gego, belongs to an internationalist practice
of abstraction that puts him in a context that
should be better known in North America. Usually
Leufert's line is thin, but in a few cases in the
show he invests in a thicker area of ink; in one
work especially, the art of Franz Kline comes to
mind.
Yet such a comparison does not necessarily contextualize Leufert effectively; his art should be
seen as that of an autonomous artist, someone for
whom the graphic subtleties of ink on paper presented an opportunity to explore stylized notions
of drawing that look marvelously contemporary
even today.
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BOOKS, EDITIONS AND THE LIKE
Vista de la exposicin Books, Editions and the Like
Detalle exposicin Books, Editions and the Like
Books, Editions and the Like, en el Swiss Institute, es

mucho ms de lo que sugiere el modesto ttulo. La
exposicin, un autntico archivo de documentacin de la
abrumadora produccin de proyectos de los artistas suizos Fischli y Weiss, tambin es una crnica de su proceso de trabajo. Los elementos seleccionados se muestran en una serie de ocho austeras vitrinas junto a carteles y los vdeos familiares The Way Things Go, Kitty, y
Dog.
Se puede apreciar una filosofa de produccin artesanal
en el autopublicado Order and Cleanliness. El folleto,
fotocopiado y grapado, se produjo junto con el debut de
Rat and Bear en The Least Resistance. Igualmente, la
maqueta de la publicacin Equilibres, con la cubierta
pegada con cinta adhesiva y dibujada a lpiz, es agradable por su sencilla utilidad. Este afecto por lo hecho a
mano y por lo absurdo se puede ver en los discos de
vinilo de una edicin de Parkett que aparentemente no
se pueden reproducir y las preguntas sin respuesta
Conduce un fantasma mi coche por la noche? y Qu
piensa mi perro? escritas con rotulador plateado y mostradas con una lnea cronolgica de cortar y pegar para
Big Projection with Questions.
Es fcil pasar por alto un facsmile sorprendentemente
inteligente de un catlogo de Restless Sleepers. La falsificacin, recientemente descubierta en los estantes de
la biblioteca del Swiss Institute, y modelada a partir de
un bloque de madera con una cubierta de un color copiado de forma muy realista, es claramente obra de alguien
que deseaba gastar una broma pesada. Cautivados por
la obra de un bromista annimo, Fischli y Weiss sugirieron que la falsificacin fuera incluida en la exposicin.
Clavado con chinchetas a una pared hay un cartel que
dice acertadamente Cmo trabajar mejor seguido por
una lista con frases como Hacer una sola cosa a la vez,
Decirlo de forma sencilla y Distinguir el sentido del
sinsentido. Uno tiene que especular que si los artistas
hubieran seguido realmente su propio consejo los resultados no se pareceran en nada a su obra, notable por
sus muchos niveles de confusin entre la complejidad y
la deliciosamente inexpresiva hilaridad.
Books, Editions and the Like at the Swiss Institute is

much more than the modest title suggests. A veritable archive of documentation from an overwhelming output of projects by Swiss artists Fischli and
Weiss, the exhibition also chronicles their working
process. Selected items are housed in a series of
eight austere vitrines alongside exhibition posters
and the familiar videos, The Way Things Go, Kitty,
and Dog.
A do-it-yourself production philosophy is apparent in
the
self-published
Order
and
Cleanliness.
Photocopied and stapled, the booklet was produced
in conjunction with the debut of Rat and Bear in The
Least Resistance. Similarly, an Equilibres publication mockup with a taped cardboard and pencil-sketched cover is pleasing for its straightforward utility.
This affection for the handmade coupled with the
absurd may be seen in the seemingly unplayable
rubber vinyl records from a Parkett edition and the
unanswerable questions "Does a ghost drive my car
at night?" and "What does my dog think?" written in
silver marker and shown with a cut-and-paste timeline for Big Projection with Questions.
Easily overlooked is a surprisingly clever facsimile of
a Restless Sleepers catalogue. Recently discovered
on the Swiss Institute's library bookshelf, and fashioned from a block of wood with a realistically
color-copied cover, the imposter is clearly someone's idea of a practical joke. Charmed by the work of
an anonymous fellow prankster, Fischli and Weiss
suggested that the fake be included in the exhibition.
Push-pinned to a wall is a poster that aptly reads
"How to Work Better" with a list including "Do one
thing at a time", "Say it simple", and "Distinguish
sense from nonsense". One has to speculate that if
the artists had actually taken their own advice the
results would bear no resemblance to their work,
notable for its many levels of confounding complexity and delightfully deadpan hilarity.
Savannah Gorton
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EYE WASH AND THE HOGAR COLLECTION: PETER FOX AND JEANNE TREMEL
En Brooklyn la Hogar Collection acoge una exposicin

doble de Jeanne Tremel y Meter Fox, organizada por la
itinerante Eyewash Gallery de Larry Walckzac. El trabajo ms importante de Tremel es una constelacin de
pared que se compone de varios elementos modestos de
ganchillo que sugieren una abuelita que hubiese ingerido cornezuelo del centeno. El trabajo de una mujer chiflada. Las filas que comienzan horizontales se tuercen y
se enredan sobre s mismas, dibujando volutas en la
pared, cambiando de idea. En favor de Tremel hay que
decir que el efecto es vivaz pero no lo suficientemente
formal como para ser decorativo. Sus obras sobre papel
de tcnica mixta comparten una sensibilidad de delicadeza, invencin y extravagancia pero nunca llegan a
tener resolucin pictrica y parecen notas para una obra
mayor que todava no se ha materializado. En cambio,
las pinturas esculturales de Peter Fox presentan una
pared de sensacin colectivamente impenetrable. El
artista modela manchas del tamao del dedo pulgar con
pasta acrlica de color arco iris en cadenas verticales
que, con poca modulacin de color macro pero con un
intenso temblor micro, cubren el rectngulo con un
campo que sugiere la determinacin de la stripe painting; pero combinada con un afecto lgubre y sensiblero por Pollock y el Monet tardo, o tambin por las velas
hippies derretidas o la alfombra peluda en la que perdiste el papel de fumar. Ttulos como Psychedeliache y
Urbal indican que efectivamente el humor autoflagelante forma parte del juego. No obstante, las esmeradas
variaciones de soporte, borde y densidad de la marca
invocan un legado extremadamente sobrio comn a
Styll y Ryman, Judd y Marden. La mencionada Urbal, un
cuadrado de slo 50 centmetros, alude indirectamente
al camino decorativo-sublime que no se ha tomado. Sus
rayas son continuas, no enmaraadas ni repulsivas, y es
la nica obra de la exposicin que llama la atencin de
forma impecable. Las dems pinturas de Fox son inestables pticamente y ambivalentes tonalmente. Si la
exposicin Summer of Love en el Whitney muestra
(involuntariamente?) que la psicodelia va de lo trascendente a lo bonito, a lo ridculo y a lo horrendo, Fox, utilizando las precisas graduaciones de las herramientas
del modernismo tardo, est intentando definir exactamente cundo y dnde.
David Brody
In Brooklyn the Hogar Collection is hosting a twoperson show of Jeanne Tremel and Peter Fox organized by Larry Walczak's roving Eyewash Gallery.
Tremel's strongest work is a wall constellation comprising several modest crocheted devices which suggest a granny on ergot--womens' work gone loopy.
Rows that start out flat go awry and hook back on
themselves, curling off the wall, changing their
mind.
The effect is vivid but not well-behaved
enough to be pat, to Tremel's credit. Her mixedmedia works on paper share a sensibility of delicacy,
invention and quirkiness but never amount to pictorial resolution and seem like notes for a body of
work not yet empowered. Peter Fox's sculptured
paintings, by contrast, present a collectively impenetrable wall of sensation. He models thumb-sized
blobs of rainbow-swirled acrylic paste into vertical
chains that, with little macro color modulation but
an intense micro wobble, cover the rectangle with a
field that can suggest the single-mindedness of stripe painting; but combined with a lugubrious, mushy
affection for Pollock and late Monet--or equally, for
melted hippy candles or the shag carpet you lost
your rolling papers in. Titles like "Psychedeliache"
and "Urbal" signal that self-flagellating humor is
indeed part of the game. Careful variations, however, of support, edge, and density of mark invoke an
utterly sober legacy common to Styll and Ryman,
Judd and Marden. The aforementioned "Urbal," only
8 inches square, hints at the decorative-sublime
path not taken. Its stripes are continuous, not tangled and icky-sticky, and it is the only work in the
show that functions as impeccable eye taffy. Fox's
other paintings are all unstable optically and ambivalent tonally. If the "Summer of Love" show at the
Whitney (unintentionally?) shows that psychedelia
flips from transcendent to pretty to silly to hideous,
Fox, using the precise calibrations of the late modernist toolbox, is trying to nail down exactly where and
why.
Eyewash and The Hogar Collection: Peter Fox & Jeanne Tremel
Celebrada el pasado mes de junio.
Peter Fox & Jeanne Tremel. Cortesa de los artistas
Peter Fox & Jeanne Tremel. Cortesa de los artistas
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_CULTURA
REGEN: IMPRESIONES Y CINTICA EN UN DIA DE LLUVIA
La relacin establecida entre las denominadas vanguardias histricas y el cinematgrafo ha sido materia de
fructfera discusin terica a lo largo del siglo XX y el
actual. Y no es de extraar si tenemos en cuenta el
curioso devenir de la relacin entre ambas, a partir de la
aparicin del segundo en la escena artstica. Si bien el
advenimiento del cinematgrafo a finales del siglo XIX
fue desestimado inicialmente -como invento con futuro- por alguno de sus padres biolgicos, as como por
parte de la intelectualidad del momento, que lo consideraba un mero entretenimiento de barraca; tambin
es cierto, que su progresiva aceptacin como forma
principal de entretenimiento por parte de las clases
ms desfavorecidas, y su tentativa de generar y codificar un lenguaje bsico (que alcanza a finales de la
primera dcada del siglo pasado su asentamiento)1.
Los que s vern en ste un instrumento til a sus propsitos -en lo que a experimentacin y posibles hallazgos artsticos se refiere- sern los integrantes de los
movimientos de vanguardia. Sin embargo, nos vemos
obligados a matizar este inters puesto que las manifestaciones ms explcitas entre las vanguardias y el
cinematgrafo no tendrn lugar hasta los inicios de la
segunda dcada del siglo XX. Situacin curiosa, cuando menos, si tenemos en cuenta que el cinematgrafo, por sus caractersticas intrnsecas2, debera cubrir
las expectativas o al menos alguno de los intereses de
la vanguardia artstica. Por una parte, el maquinismo
futurista podra haber visto en el cine una consumacin de su combate por sustituir el arte aurtico por
un mecanismo tcnico surgido de la modernidad; por
otra, las investigaciones del Cubismo, su anlisis del
espacio y de la dimensin temporal, podran haber
conducido a los pintores al cine como instrumento de
experimentacin, pues el tiempo le era consustancial
y el perspectivismo fue desde muy temprano recurso
clave del montaje. A pesar de lo que podra denominarse afinidades naturales cubistas y futuristas
apuntaban a la historia artstica de las formas cultas
aunque fuese para desmarcarse de ellas3, y el cinematgrafo, como podemos comprobar, no les interes
en demasa inicialmente.
Youssef Ishaghpour ha sealado muy acertadamente
que el cine tuvo la particularidad de nacer como arte
primitivo y moderno a un mismo tiempo y de no alcanzar su clasicismo sino mucho ms tarde4. Moderno, al
esencializar las caractersticas definidoras de la poca
y la sociedad en la que nace; condensando a un tiempo muchas de las preocupaciones y bsquedas que
caracterizan al arte de ese momento. Primitivo, al
encontrarse en un perodo de gnesis en lo que a su
configuracin como lenguaje y manifestacin artstica
reconocida se refiere. Respecto a su clasicismo, no
estara de ms recordar que el estndar cinematgrafo5 se codifica basndose en modelos o frmulas
prevanguardistas dando as la espalda al arte y la
novela contempornea6. Es menester sealar que en
tanto sucede esto, artes como la pintura semejan
haber escogido otra senda: la historia de la pintura
desde Manet al Cubismo sinttico y Matisse se puede
caracterizar como un alejamiento gradual de la pintura de su misin tradicional de representar la realidad
a favor de una preocupacin cada vez mayor respecto
a los problemas especficos de la propia pintura7
Como podemos inferir de esta cita, el arte parece

haberse librado de la losa de la mera plasmacin (lo
ms fidedigna posible) de los fenmenos del mundo
sensible, para ocuparse de aspectos ontolgicos como
la percepcin, el cuestionamiento de la propia representacin, etc. Cuestiones que tambin adquirirn presencia en la esfera del cinematgrafo en los albores de
la segunda dcada del siglo XX; mas es pertinente
establecer que sern incursiones puntuales de la vanguardia artstica en este medio, y no prcticas generalizadas como en algunos momentos podemos llegar a
pensar.
De las diversas manifestaciones vanguardistas en la
esfera del cinematgrafo, una de las ms interesantes
tiene lugar en el terreno de la representacin de la
realidad, en el registro de fenmenos pertenecientes al
mundo real. Nos referimos al gnero documental. Y en
concreto, a un esplndido cortometraje realizado por
Joris Ivens en el ao 1929, Regen. Si quisisemos
resumir su contenido, no nos equivocaramos al afirmar que muestra el efecto de un chaparrn sobre la
vida de una ciudad europea, Amsterdam. Sin embargo, diciendo esto haramos escasa justicia a esta obra,
puesto que lo que fundamenta su valor esttico no es
su adscripcin al gnero documental, sino la personal
hibridacin entre ste y determinadas prcticas de
vanguardia. Al igual que otras obras adscritas a esta
categora8, este cortometraje establece todo su poder
esttico en la configuracin de su discurso y en la composicin del mismo; como corrobora el hecho de que
su tema represente un desafo para su anhelo esttico ms que una obligacin de recurrir a la simplicidad
fotogrfica9, de ah que se pretenda darle forma con
la ayuda de las tcnicas a su disposicin e imponerle
esquemas no adecuados para un reportaje10. Al tiempo, Regen cumple dos de los tres postulados que
segn Sigfried Kracauer caracterizan al realizador de
filmes de avant-garde. Por un lado la intencin de
organizar cualquier material sobre el que eligiera trabajar de acuerdo con ritmos que eran producto de sus
impulsos interiores, en vez de imitar esquemas procedentes de la naturaleza. Por el otro, la tentativa de
transmitir, a travs de sus imgenes, contenidos que
fueran una proyecin exterior de sus visiones, y no
una consecuencia de esas imgenes en s mismas11.
Establecida la adscripcin del filme en las prcticas
generales de la vanguardia flmica, podramos relacionarlo con una tendencia o corriente dominante? La respuesta nos la facilita de forma concisa Jean Mitry, afirmando que Regen se enmarca en el mbito de los
reportajes impresionistas autnticos poemas sobre un
tema concreto antes que documentales12; opinin reveladora y funcionalmente complementada por Charles
Harrison, que seala como en la dcada de 1870, el
concepto de arte como impresin se encontraba asociado a un reconocimiento moderno de la condicin subjetiva de la percepcin o de la experiencia. Tambin se
encontraba asociado con un estilo que recogiera un tipo
de mirada personal y espontnea. En este sentido,
impresionista era cualquier artista que utilizara una tcnica no convencional que reflejara una visin del mundo
que fuera al mismo tiempo instantnea e individual13
Suso Novs
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[AN] CULTURA
1 En el seno de la industria estadounidense entre 1915-1918 aproximadamente , conducen a que el cinematgrafo sea visto con ojos distintos tanto
por el mundo empresarial e industrial, que observa con entusiasmo como
puede hacerles ganar mucho dinero, como por miembros curiosos de la
comunidad cientfica y por algunos de aquellos que inicialmente lo consideraron un anatema.
2 Convendra no olvidar que el cinematgrafo es ante todo una mquina:
smbolo de una sociedad asentada en un desarrollo tecnolgico y maquinstico sin precedentes, que ser progresivamente aplicado a infinitud de
aspectos de la vida social y econmica. Este aparato/artefacto, es a su vez
producto/objeto de un sistema industrial. Por otro lado, su funcin principal es el entretenimiento de las masas en un espacio urbano, la ciudad:
escenario al que se vincular de manera unilateral el desarrollo de la
modernidad en todos y cada uno de sus mbitos, y por ende, de cualquier
tipo de manifestacin cultural de relevancia. Al tiempo, es motor de un
emergente mercado, y de otra nueva forma de transaccin econmica asociada al mbito del entretenimiento, continuando as el ciclo de la circulacin del dinero en la sociedad del capital. En otro orden, tambin se revela como una manifestacin sociocultural apartada de los cnones y cauces
ordinarios del aparato cultural institucionalizado. Adems, simboliza de
manera ejemplar el movimiento constante que caracteriza a la sociedad de
su tiempo: el cinematgrafo se convierte en la metfora ideal de esa cintica vertiginosa y constante que caracteriza al nuevo mundo. Su capacidad
para registrar y reproducir el movimiento -y con ello el tiempo- lo convierten en el paradigma fundamental de su poca
3 Vicente Snchez-Biosca, Cine y vanguardias artsticas Sesin Continua
n 16 Paids p.30
4 Citado en Snchez-Biosca p.2
5 Cine clsico hollywoodiense
6 La imagen perspectiva para para la construccin de un espacio habitable, concepcin teatral de interiores, borrado del montaje, concepto de
verosimilitud narrativa y clausura del relato cercanos a la literatura popular decimonnica Op.Cit. p.24
7 M. Fried, Three american painters citado en La modernidad y lo
moderno: la pintura francesa del siglo XIX. Akal/Arte contemporneo n1
F. Frascina, N. Blake, B. Fer y otros. p.197
8 Documental de filiacin vanguardista
9 Sigfried Kracauer, Teora del cine: la redencin de la realidad fsica
Paids p.258
10 Op. Cit. P. 258
11 Op. Cit. p.232-233
12 Impresionismo, modernidad y originalidad en La modernidad y lo
moderno: la pintura francesa del siglo XIX. Akal/Arte contemporneo n1
F. Frascina, N. Blake, B. Fer y otros. p.148
CURTOCIRCUITO EN COMPOSTELA
Durante los meses de julio y agosto se llevar a cabo en

Santiago de Compostela el ciclo Curtocircuito na Ra, actividad integrada en el IV Festival Internacional de
Cortometrajes de Santiago, que consta tambin de otras
secciones, como un concurso de guin, jornadas especficas para el mercado audiovisual o talleres de montaje en
Avid.Todos los jueves hasta el 23 de agosto se proyectarn
cortometrajes procedentes de todo el mundo en lugares
emblemticos del casco histrico compostelano: la Plaza do
Toural, Cervantes, Plateras, Bonaval o la Quintana.
Cada noche ir ligada a una temtica, ofreciendo desde trabajos de vanguardia y animacin, hasta proyecciones del
panorama internacional, latinoamericano o espaol.
El 23 de agosto, fecha de clausura de este ciclo, est prevista una velada de videocreacin en directo con Dj Bonobo
de Ninja Tunes y el Vj gallego Input Select.
El Premio del Pblico al Mejor Cortometraje consta de
1.500 euros, y podrn participar todos los asistentes en las
sesiones nocturnas. Los resultados sern desvelados el 20
de octubre, y se entregarn tambin los galardones escogidos por el Jurado del Festival.
Este ao se han presentado un total de 448 cortos espaoles, logrando adems una gran participacin de pases latinoamericanos como Brasil (con 120 cortos) o Argentina
(con 43), as como numerosos filmes procedentes de pases occidentales tales como Francia, Alemania, Inglaterra y
Estados Unidos, y pases ms exticos como Croacia y
Eslovenia o Kuwait, Burkina Faso, Camboia y Azerbaijan,
entre otros.
LA MAR DE MSICAS
Esta XIII edicin tendr lugar entre el 6 y el 28 de julio.

Consolidndose como uno de los mejores festivales del
Msicas del Mundo de Europa este ao tiene como pas invitado a Mxico. Ms de doce grupos muestran la diversidad
musical de este pas. Desde la tradicin y el clasicismo a la
vanguardias y sonoridades mas avanzadas.
Su sede principal es el Auditorio Parque Torres, un escenario ubicado sobre una colina, desde la que se divisa nuestro
puerto, las ruinas del teatro romano y la ciudad. Otros cinco
escenarios distribuidos por puntos emblemticos del centro
histrico, servirn de plataforma para dar a conocer las
otras msicas, un lugar donde descubrir nuevas propuestas. El festival se inaugura con un proyecto especial realizado por el propio festival con dos de las formaciones ms
importantes a ambos lados del Ro Grande, Lila Downs y
Calexico. Adems estarn acompaados por la cantante
espaola Amparo Snchez de Amparanoia. Lila Downs,
ganadora del Grammy Latino 2005 por mejor disco folk con
One Blood, heredera de dos culturas, la mexicana y la norteamericana, recupera y reinventa la msica tradicional
mexicana. El canto indio mixteca, la ranchera, el corrido o el
bolero adquieren en su voz una nueva dimensin a travs
de la fusin con instrumentos y arreglos procedentes de
otros estilos musicales, como el jazz, el blues o la bossa
nova. Calexico toma el nombre de la ciudad fronteriza entre
California con Mxico. Su msica hace lo mismo, rompe
fronteras y ana estilos.
Pasaran por este festival artistas de otras procedencias
como Youssou Ndour, Paula Morelembaum, Neneh Cherry o
Diego el Cigala. Paralelamente al festival, se organizan
ciclos de cine o de literatura, y exposiciones. Dentro de la
seccin La Mar de Arte expone el fotgrafo Gerardo Montiel
Klint, Gerardo Suter, Marco Antonio Cruz o Jos Guadalupe
Posada (cronista y grabadista de principios de siglo). Las
exposiciones de Daniela Edburg, Jan Hendrix, scar Cueto
y el colectivo Neza Arte Nel ofrecen una programacin magnfica sobre el arte contemporneo actual realizado en
Mxico.
Lila Downs
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[AN] CULTURA
NUEVO CINE ASITICO
Durante el mes de julio continuar el ciclo de largometrajes sobre el nuevo cine asitico en la Casa Encendida
de Madrid. En l se proyectarn obras de directores
como Tsai Ming Liang, Ryuichi Hiroki, Zhang Lu, entre
otros. Grain in ear (Mang zhong) realizada en 2005 por
Zhang Lu, es una coproduccin China y Corea del Sur,
que se exhibe el 13 de julio.
En ella se narra la historia de Cui Shunji que forma parte
de la minora coreana en China. A este desarraigo se le
suma su condicin de mujer pobre, sola (su marido est
en la crcel) y con un hijo. Sus vecinas son unas prostitutas con las que comparte muchas circunstancias
adversas y un poco de calor humano. Para ganarse la
vida vende kimchi, un plato tpico coreano, en un puesto ambulante para el que no tiene permiso oficial. La
cinta consigui el premio ACID en la pasada Semana de
la Crtica del Festival de Cannes y fue galardonada en el

Festival de Pesaro, el Festival de Pusn y el BAFF 2006.
El 20 de julio se proyecta To get to heaven first you have
to die, (Bihisht faqat baroi murdagon - Tajikistn, 2006)
de Djamshed Usmonov. Su protagonista Kamal, es un
joven recin casado que no ha conseguido consumar su
matrimonio. Por ello viaja a la ciudad en busca de
alguien que pueda poner fin a su problema. Su visita a
un especialista resultar intil y, decide retrasar su
regreso a casa y se queda unos das en la ciudad, donde
se dedicar a vagar por las calles en busca de alguna
chica que le excite. Rodada de forma impecable en planos largos y utilizando una composicin fra y elegante,
Usmonov hace fluir de forma inteligente las relaciones
entre los personajes y de ellos con su entorno, creando
una obra provocativa que no deja indiferente.
Djamshed Usmonov. To get to heaven first you have to die(Bihisht faqat baroi murdagon)
Miwa Nishikawa. Sway (Yureru)
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Royston Tan. 4:30
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[AN] CULTURA
VEREDICTO FINAL. LUMET, MAMET, NEWMAN Y LA DIGNIDAD
"Nos han comprado para que hagamos la vista gorda. Nos

han pagado para hacer la vista gorda. He venido a llevarme
su dinero. Le he trado fotos para poder llevarme su dinero.
Pero no puedo. No puedo aceptarlo. Porque si lo acepto estoy
perdido. No sera ms que un picapleitos. No puedo aceptarlo". Esta frase de dilogo resume el proceso de redencin
personal que afronta Frank Galvin, un abogado bebedor que
encuentra en este caso de negligencia mdica la oportunidad
de hacer justicia, de defender a los dbiles frente a los poderosos y, por supuesto, de salvarse a s mismo. "No hay ms
casos. Este es el caso", repite ms adelante. Porque para
este hombre que vaga por la vida dando tumbos y autodestruyndose con obstinacin de suicida, volver a luchar por los
valores en los que siempre ha credo es recuperar la dignidad. Y de eso es de lo que nos hablan Mamet y Lumet en
Veredicto final, de dignidad.
Basado en una novela de Barry Reed, el texto que escribe
David Mamet para el cine est repleto de brillantes dilogos
(y de esclarecedores silencios) que son los que, definitivamente, terminan por articular la arquitectura del filme. Y lo
consiguen porque la complejidad moral y la densidad argumental que esconden hacen avanzar la historia de forma
meditadamente lenta, con largas secuencias que nos presentan a cada uno de los personajes con precisin teatral, y
donde cada frase y cada gesto de los actores o de la cmara tiene un profundo sentido argumental. Estas secuencias,
a veces conformadas por un nico plano inmvil, se encadenan a lo largo del metraje utilizando nicamente unos pocos
escenarios: el despacho de Galvin, su apartamento, el bar
que visita habitualmente, la sala donde se celebra el juicio
Y ah es donde Lumet demuestra su talento para dibujar
sobre la pantalla una puesta en escena sobria y elegante,
casi invisible para el espectador. Y atrapando la accin dentro de encuadres audaces y cargados de sentido cinematogrfico, sutilmente elocuentes. Todo est armado con la
intencin de que sean los personajes quienes centren la
atencin, sin movimientos bruscos de cmara y encontrando
siempre el recurso ms sencillo para que lo ms importante,
la historia, fluya con naturalidad. As, Lumet alterna planos
generales que nos sitan en escena con otros, intencionada-
mente cercanos, que aprovechan al mximo la expresividad

de los actores, especialmente la de un Paul Newman que
realiza un trabajo rebosante de estilo.
Paul Newman es ese tipo que siempre aparece detrs de
unos intensos ojos azules. Uno de los grandes y el ms
guapo de todos. Slo con recordar alguna de las pelculas en
las que ha intervenido ya debera bastar para confirmarlo:
Marcado por el odio, La gata sobre el tejado de zinc, El buscavidas, La leyenda del indomable, Dos hombres y un destino, El golpe, Camino a la perdicin Y en la primera escena
de Veredicto final ya comprobamos por qu es uno de los
mejores actores que ha dado el cine americano. Un plano
medio enfoca a nuestro abogado mientras juega a una
mquina de petacos, refugiado del fro y de la calle nevada
que vemos a travs de la ventana en la oscuridad de un bar.
Fuma y bebe un trago de whisky mientras sigue jugando, y
cuando lo hace su cansancio vital ya ha traspasado la pantalla. Sin palabras, la escena termina con un fundido en negro
que se abre de nuevo para ver a Galvin mendigando un posible cliente en un funeral. Pero ahora todos somos ese abogado acabado, y sentimos como propia la devastadora borrachera del principio, y nos echamos colirio y spray para el mal
aliento de la misma forma pattica que l, y amamos y nos
sentimos traicionados como l, y creemos en su lucha.
Porque Paul Newman se apodera del personaje para renacerlo desde el alma, para incorporar a su caracterizacin
infinidad de matices que revelan la decencia de este hombre, un hroe moral que ha tenido tiempo y arrestos para
aprender de nuevo lo que es la lealtad de un amigo o la
honestidad reconfortante del deber cumplido. "Acta como
si tuvieras fe y la fe te ser otorgada", dice en su alegato
final ante el jurado. Y su fe desesperada en la justicia le es
recompensada. Y cuando todo acaba se sienta en ese despacho en penumbra, pone los pies sobre la mesa y se desanuda la corbata. Y el sonido vaco y metlico de un telfono se eleva sobre el silencio, inquietante e infinitamente,
incluso cuando ya no puede orlo. Porque la dignidad no
sabe de traiciones.
Antonio Boar
Camino a la perdicin
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_NOTAS DE ARTE
_ POSIBILIDAD DE NUEVO CENTRO DE ARTE
CONTEMPORNEO EN MADRID
Situado en el Palacio de Goyeneche en Nuevo Baztn,
localidad madrilea, este nuevo centro podra inaugurarse dentro de un ao. El futuro Centro Internacional de
Arte Contemporneo albergar la coleccin de Carmen
Cervera. Este centro dependera de una Fundacin de la
que formara parte la baronesa Thyssen-Bornemisza as
como la Comunidad de Madrid y personalidades destacadas del mundo empresarial y de la cultura. La idea de
la baronesa sera convertir el Palacio de Goyeneche
construido en el siglo XVII "en un centro puntero internacional de creacin y exposiciones de arte contemporneo. Ser un centro vivo de exposiciones, conferencias, talleres, etc, en el que convivirn los artistas
durante su proceso de creacin". La Fundacin est previsto que se constituya en septiembre y crear unas
becas para los artistas seleccionados por una comisin
tcnica.
_ ESTUAIRE 2007
El estuario del ro Loira enlaza dos ciudades que comparten una historia comn abocada a la actividad portuaria:
Nantes y Saint-Nazaire. Hasta el 1 de septiembre los 60
kilmetros de este espacio natural se convertir en
escenario cultural sin precedentes junto a los centros
culturales de las dos ciudades: el castillo de los duques
de Bretaa y el museo de Bellas Artes de Nantes, o Le
Grand Caf, en Saint-Nazaire. Una embarcacin cubierta por miles de espejos realizar un recorrido de tres
horas por el estuario para poder visitar las exposiciones.
Artistas como el espaol Martn Ruiz de Aza, la mexicana Minerva Cuevas, el japons Tadashi Kawamata o
los franceses Daniel Buren y Patrick Bouchain participan
en este evento. Esta iniciativa es fruto del centro de
vanguardia Lugar nico que tiene como sede la antigua
fbrica de galletas LU, en Nantes. Su director, Jean
Blaise, es tambin responsable de la Noche en Blanco,
iniciativa surgida en Pars pero hoy extendida a varias
ciudades europeas. www.estuaires.info
_ PUBLICACIN JORNADAS HBRIDS 2006: TRAJECCIONS. PAISATGES EN MUTACI CONSTANT
Este volumen, por un lado, recoge las conferencias de
las Jornadas Hbrids 2006, con textos de Augustin
Berque, Joan Nogu, Antoni Mar, Jordi Pigem, Josep M.
Montaner y Llus Sabadell Artiga y, por el otro, es el
catlogo de la exposicin Geografies Expectants, realizada en la Fundaci Espais d'Art Contemporani el verano 2006, con obras de Francesc Abad, Domnec, lex
Nogu, Pere Noguera y Llus Sabadell Artiga y comisariada por Magdala Perpiny. Hbrids inici su actividad
con la exposicin El Paisatge Transgredit y las jornadas:
Els lmits i les possibilitats de les modificacions del paisatge. Natura, Art, Cincia i Tecnologia en 2005. Hbrids
es un espacio de reflexin transdisciplinar donde convergen mbitos de pensamiento y de creacin diversos.
Partiendo de la base de que nuestra realidad es una red
de relaciones no jerarquizada entre disciplinas o dimensiones de la misma, las actividades que se desarrollan
ponen en relacin mltiples aspectos como la naturaleza, el arte, la ciencia, la tecnologa, el pensamiento o la
espiritualidad. Lo que se pretende es actualizar todas
estas ideas mediante su puesta en prctica desde nuestra cotidianidad ms inmediata. Hbrids es una estructura dinmica que se formaliza de manera diferente en
cada una de las actividades que organiza adoptando, de
esta manera, formas diversas como: seminarios, exposiciones, workshops, cursos, conferencias, espacios de
documentacin... repartidos geogrfica y temporalmente a lo largo del ao.
_ LA FUNDACIN ARTIUM: T DECIDES

ARTIUM facilita el acceso al centro-museo todos los
mircoles del ao y el fin de semana del Da
Internacional de los Museos con un tipo de tarifa denominada "t decides" por la que los visitantes pagan un
precio mnimo de un cntimo de euro y pueden realizar
una aportacin voluntaria, que la Fundacin ARTIUM
destina a adquirir obras para su Coleccin. Con cargo a
este fondo, ARTIUM ha adquirido desde su apertura
obras de Sergio Belinchn, Naia del Castillo, Dionisio
Gonzlez o Carlos Irijalba; su ltima adquisicin ha sido
Transhumance II (2006) fotografa de Laura Torrado
(Madrid, 1967) que estuvo expuesta en la antesala de
este espacio durante el mes de junio.
_ VERANO EN EL CGAI
El Centro Galego das Artes da Imaxe en A Corua ha
incluido en su programacin estival los siguientes ciclos:
Vangarda Espaola, con obras de Portabella, Padrs,
Zulueta, Aguirre, Sistiaga, Carles Santos, Ramn
Massats, Patino, Recha o Eugeni Bonet; Homenajes de la
Asociacin Espaola de Historiadores del Cine: Pere
Portabella; Mostra de Cine Europeo (MICEC07) con la
proyeccin de la Elega de la vida de Aleksandr Sokurov,
Juventude em marcha de Pedro Costa y Jardines en
otoo de Otar Iosseliani; Novo Cine Coreano con The
king and the clown, y Fra de serie, que incluir el pase
de Las alas de la vida de Toni Canet, as como Pat
Garrett y Billy the kid de Sam Peckinpah.
_NOVOS VALORES
Un ao ms la Deputacin de Pontevedra ha convocado
el certamen Novos Valores, un evento relevante para las
artes visuales en Galicia, importante por su promocin y
por su cuanta, ofrece seis becas a artistas (pintores,
escultores, debuxantes, deseadores, gravadores, fotgrafos, ceramistas, videocreadores, etc.), seis ayudas
econmicas para ampliacin de sus estudios por importe de seis mil euros cada una. Adems de los seis becados, se ha seleccionado obra de ms de treinta artistas,
que ofrecen un interesante panorama del pulso artstico
gallego. Durante el mes de agosto se celebra en el
Edificio Sarmiento del Museo Provincial de Pontevedra
una exposicin con los artistas seleccionados.
Laura Torrado. Transhumance II (2006). Fundacin ARTIUM
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_EN PORTADA DEMO

MIAMI EXISTE
De algn modo la gente se pasa la vida jugando. Juegan
para divertirse, quizs para pasar el rato, para paliar el
revs de las circunstancias, para olvidar que todos los das
se han de enfrentar a la vida con mayor o menor suerte,
con ms o menos fortuna, con ms o menos tragedias y
alegras. Pero entre juego y juego, existe un modo de jugar
que resulta adulto y, por tanto, peligroso. Ese es el estilo de
juego que busca decir verdades enmascaradas, que persigue burlar la autoridad de los esquemas y desacreditar la
legitimidad de los estereotipos. La risa y la broma rebajan
la autoridad. Conscientes de esto, y de las muchas posibilidades del carnaval en la ruptura del rictus dominante, no
pocos artistas contemporneos apelan a la risa, a ratos,
tambin a la burla pardica, para instrumentar con ello un
comentario crtico sobre el paisaje cultural del que de alguna manera participan, y en el que sin duda- se cifran los
sentidos primeros y ltimos de sus obras. Mirar hacia fuera
del propio proceso artstico y revisar con irona los enunciados ms recurrentes del discurso dominante, contina siendo una de las preocupaciones de la esttica contempornea
en medio de tanto devaneo demencial de la lentejuela y la
purpurina.
En este sentido, la obra de dEmo es un claro ejemplo de lo
que significa operar en el campo del arte, y fuera de ste.
A estas alturas de su trayectoria, granjeada a fuerza de
tenacidad, constancia y destreza de buen negociador con
los lenguajes, ya tenemos bastante claros algunos de los
rasgos ms sobresalientes de su discurso, tanto en lo concerniente a la parcela ideo-conceptual como a los indicadores morfolgicos con los que inviste sus arte-factos. A tales
efectos resulta un sello de identidad inequvoco su inteligente suscripcin a la esttica Pop y a sus derivaciones, el
gusto por el objeto de apariencia simple y de fcil reproduccin, as como la capacidad para activar desde el objeto (la
obra en s) una cadena de alusiones a infinitas reas de sentido, an cuando stas incluso- pudieran entrar en un dilogo transido por la yuxtaposicin y la paradoja.
dEmo juega, sabe hacerlo, pero ya sabemos que jugando
se advierten situaciones que consiguen despertar la clera
de la censura y desacreditar el rgimen de las categorizaciones prefijadas y de los dogmas estranguladores.
Ya en una oportunidad, y a propsito de un texto que buscaba indagar en las relaciones contradictorias que pudieran
presumirse del dilogo de la obra de este artista con el
poder del campo en el que su potica se inscribe, sealaba
en qu medida su propuesta poda ser vista como un feroz
(pero a un tiempo dulce e irnico) ataque al campo del arte
contemporneo y a todo el sistema estructural que le atribuyen cierta lgica. dEmo es un trasgresor por naturaleza
que gusta moverse con libertad y a sus anchas en medio de
convenciones y ataduras muchas. l, no dudo incluso que
quizs sin demasiada conciencia de ello, desarticula la
autenticidad de una estructura de consagracin y la pertinencia y fiabilidad de sus usos sociales. Es, justamente, en
ese ejercicio de juegos perversos y de transiciones de apariencia noble, donde puede localizarse una de las mayores
virtudes de su trabajo: la de colocar a la vista de todos la
poca fiabilidad que en el presente acompaa a un sistema
tan escurridizo y frvolo como lo es el sistema del arte y el
rea mayscula de la cultura. Al igual que ocurre con los
enunciados culturales rectores, que buscan estereotipar
reas de la aldea global bajo mecanismos de sealizacin y
estandarizacin, no hacen sino restringir de un modo casi
vulgar la vala de ciertos espacios culturales reducidos, por
tales operatorias del prejuicio desfavorable, a los elementos
ms externos y epidrmicos de sus reales dinmicas y procesos internos.
Siendo as, y para lstima de muchos, hoy asistimos al uso
extendido de categoras de alto rendimiento social y discursivo como: periferia, alteridad, margen, ideologa poscolo-
nial, descentralizacin, entre otras muchas. stas, en verdad, y lejos de sealar el valor de la diferencia y su restitucin legtima dentro del sistema de valores culturales sujeto a un dilogo horizontal, restringe la posibilidad de leer
zonas y parcelas geopolticas al margen de sus convenciones identitarias que nos la revelan slo como destinos de sol
y playa. Este es el caso de un sitio, hervidero de mezclas,
travestismos y culturas, como es Miami.
Acerca de su re-lectura y del asombro que este espacio
sociocultural produjo en el artista -una vez comprobado
hasta dnde nuestras verdades, conocimientos e impresiones estn condicionadas por la hegemona de los juicios
externos- va el ms reciente trabajo de dEmo. En l, y apelando al recurso de identidad esttica ya conocidos en su
trabajo, desea llamar la atencin sobre el modo en que
Miami existe desde una posibilidad cultural distinta que le
distancia del eslogan publicitario sol y playa, destino de
ricos que anclan el yate de lujo en las orillas de las esplndidas playas de la Florida. Lo que por convencin y fuerza
de repeticiones desmedidas se conoce tan slo, o al menos
de una manera bastante reiterada, como el sitio de casinos,
drogas y exilio, territorio para acrecentar fortunas a medio
plazo, debiera ser segn el criterio de dEmo- comprendido como un espacio de regeneracin cultural donde acontecen importantes eventos de la agenda artstica reciente. Al
margen de la realidad grandilocuente y ostentosa de cierto
sector social que ancla en Miami, adquiere apartamentos e
inaugura grandes negocios, esta es un rea de la periferia
estadounidense que viene jugando un estimable papel en la
gestin del arte contemporneo. Siendo sta entonces una
preocupacin, personal pero legtima, sobre la que indaga y
busca respuestas el nuevo trabajo de dEmo, an cuando
sus guios estn transidos por esa vocacin feliz que manifiesta su obra de tomarse las cosas como la vida misma. En
Espaa, por ejemplo, y a partir de las manipulaciones
demenciales y delirantes de la prensa del corazn y el
seguimiento periodstico mediocre de la vida licenciosa de
esos a los que se llama famosos sin apenas gozar de una
hoja de vida medianamente interesante, nos llega la noticia
de un Miami como escenario de fuga, de escape, como
paraso de los que triunfan y pueden desayunar sobre la
blanda arena sin ms preocupacin que la de estar disfrutando de la vida. As, las referencias vienen todas cargadas
de una distorsin de la realidad que apunta a la conservacin de estereotipo, en tanto interesa el mantenimiento de
este ltimo para proyectar un status quo que aunque incierto de algn modo resulta ampliamente rentable en las conciencias colectivas.
No podemos perder de vista que toda lectura de la realidad
es una mirada, en principio, interesada. dEmo es consciente de que todas las aproximaciones a la realidad cultural,
incluso a la propia realidad del arte, resultan de ejercicios
de especulacin que se hallan dependientes de infinitos
montajes de jerarquizaciones y deslizamientos a partir del
fenmeno de la representacin. Por ello, y aunque de un
modo an no tan agresivo, dEmo desea interferir en esa
visin estereotipada desde la deconstruccin de algunos
rdenes. De este modo, y sin obviar que todo discurso es
ocioso en s mismo, se apropia del dlar americano, de la
bandera y de un par de iconos ms o menos reconocibles y
de impacto social, sobre los que estampa un texto que dice:
Miami Existe. De este modo pretende llamar la atencin
sobre procesos culturales que estn preados de ejercicios
distorsionadores de poder, donde importa ms resguardar
la hegemona del mercado que la autenticidad de la cultura, a pesar de que esta ltima sea muchas veces vaya
paradoja mayor donde las haya- la moneda de cambio en
tales transacciones.
Es frente a este paisaje de obstinadas posturas reduccionistas, mecanismos interesados de inclusin-exclusin y
(auto)sustentacin del estereotipo, donde muchos hacedores de la esttica contempornea, no slo dEmo, instru-
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[AN] EN PORTADA DEMO
mentan la operatoria de rebajamiento del canon, an cuando este proceder lleve implcita la conciencia sobre su propio alcance y destino. Es cierto que a travs del arte se
alcanza a redimir la conciencia, pero no as las gestiones de
lo poltico y el poder exultante de los capitales. La virtualidad acompaa a la mayora de los gestos altruistas del
artista contemporneo, y la utopa de la revolucin hace
sitio all donde se deseaba la barricada marsellesa de contestacin y las subversiones. No obstante a ello, la propuesta de dEmo disfruta de burlar -aunque con conocimiento de
causa respecto a su alcance y solvencia- las estructuras discursivas asentadas por el estereotipo. Por esta va, postula
un tipo de obra en la que el sentido de lo ldico, la resemantizacin del objeto y el mpetu de iconizacin de los
domstico, marcan los ejes de actuacin de la potica y
revelan sus herramientas1. De hecho una de sus ventajas
ms reconocibles y sobre las que la crtica ha llamado la
atencin, es justo que delante de ese raro embeleso y anorexia del lenguaje contemporneo del arte para comunicar
de un modo elocuente, dEmo establece estrategias de proximidad muy cercanas al espectador, actuando as sobre un
espectro amplsimo de la subjetividad: desde la racionalidad
adulta que no se manifiesta indiferente ante sus osos
monumentales, las gominolas golosas y los buzos callejeros, hasta la ingenuidad infantil que disfruta de estas piezas
sin advertir que son obras de arte, otorgando al objeto uno
de los sentidos prstinos en la cadena de sentidos muchos
prefijados por el artista2. Mientras un grupo considerable
de creadores se auto-complacen (actitud nada censurable,
claro) en la articulacin y diseo de plataformas conceptuales duras en aras de propuestas slidas pero de difcil acceso a un pblico mayoritario, dEmo consigue desde la simplicidad aparente de sus modelos: buzos, osos, reproducciones seriadas de stos (atentando contra la nocin de
aura que para nada ha muerto, pese a su decretada y entusiasta defuncin), y billetes americanos estampados con
textos de reivindicacin, establecer un campo de dilogo en
el que el acceso a la propuesta no demanda, en principio,
de un ejercicio intelectual agotador. Gozar la obra, regodearse en su disfrute sin mayores complejidades filosficas ni
estticas, parece ser el reclamo de dEmo en momentos en
los que las prcticas artsticas y el relato sobre el arte se
hallan atravesados por enunciados trascendentalistas, al
tiempo que la banalidad se instituye como valor supremo.
Esta posibilidad de dilogo y el afn de proximidad a la
escala aleatoria del gusto, constituye un importante signo
de su trabajo. Buscar esa conexin entre pblicos y de stos
con la obra, al margen de las modas imperantes, es uno de
sus objetivos ms caros. En virtud de ello, la risa y el juego
vienen a ser entonces sus herramientas ms eficaces.
Las piezas de dEmo son, como han llegado a plantear algunos, grandes juguetes que invitan a una participacin y
entraan algo de nostalgia, pero no llegan a convertirse en
un culto a la eterna felicidad como tambin ha querido
verse. dEmo, a diferencia de muchos seres humanos, conoce bien el valor de una sonrisa y del juego. Por esta razn
no es menos cierto que en la mayora de sus piezas resul-
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ta difcil desentraar la presencia desvelada de claros ndices de tristeza o angustia existencial, un recurso morboso
del que muchos artistas realizan un uso a ratos desmedido.
El culto a la risa est sentado en su obra, se pavonea por
los intersticios y zonas ocultas de sta con ms de un guio
al campo expandido donde se emplaza y en el que, a ratos,
los fenmenos extra-artsticos y los de rigor poltico llegan
a determinar los destinos de la produccin esttica y sus
variaciones discursivas. La mirada al arte Pop es, en su
caso, una suerte de epifana que le garantiza la consecucin
de sus propsitos iniciales: la inmersin en los discursos
sociales de nuestro tiempo y en aquellas claves que lo articulan. dEmo es consciente de las ventajas que le garantiza
su cercana a la esttica Pop, por lo que se jacta en la acumulacin, la conjuncin de varios lenguajes, el empleo premeditado del paradigma pardico y la oposicin-alteracin
de los objetos y obras con respecto a su contexto. A dEmo
no le interesa, de un modo militante, la crtica frontal a la
sociedad en la que vive y en la que su obra es producida;
por el contrario, sabe manejarse en los lmites de una mirada inteligente pero que se cuida de redundar en el enjuiciamiento de la ideologa. En tanto relator de su tiempo, y con
las cosas claras en torno al juego, dEmo invita a repensar
el juego mismo como estrategia de vida, al margen ya de
sus implicaciones decididamente estticas. Que sus piezas
puedan suponer una invitacin a dejar de ser adultos, a
abandonar por un rato esa miseria protocolar que extrava
la espontaneidad y la gracia misma de la vida? S, pero en
ningn caso su propuesta obedece a un principio didctico
cargado de profilaxis. La idiotez espeluznante del peluche
en la que ha ganado tantos adeptos en la escena contempornea, poco o nada tiene que ver con la operatoria que
plantean los osos de dEmo. Sus buceos premeditados en un
estado de la conciencia infantil (para nada como indagacin
psicoanaltica regresiva) no suponen una visita a destiempo
como recurso nostlgico exageradamente burdo. En su
defecto es, a ojos de muchos, un intento plausible de desentumecer los esquemas de percepcin de un frente adulto
confinado al aburrimiento y drogado por los mecanismos de
seduccin de los cada vez ms progresivos reality shows.
Siendo as no manifiesta culpa alguna por jugar con la
banalidad, sin mayores pretensiones discursivas. Lo nostlgico lo convierte en estridencia, la crtica dura en ejercicio
de conciliacin, y la afirmacin de la banalidad la traviste de
irona hacia el medio y hasta a s mismo. Alejado de lo sombro y ejercitando la carcajada al aire libre, dEmo consigue
activar nuevos mecanismos de celebracin del hecho esttico. Quedar por ver si en los prximos relatos esgrafiados
por la historia del arte y el pensamiento crtico, le bautizan
y colocan en sus escenarios sagrados, a los que ya accede
con irona, o si por el contrario este hacedor de risas, seguir como sus buzos en tierra firme- construyendo la utopa
frente a la amargura de muchos.
Andrs Isaac Santana
1 Extrado de mi texto La dulce embestida: gominolas, ositos y guios al campo artstico, en
SalonKritik.com.
2 dem.
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MIAMI EXISTS
One way or another, people spend their life playing. They
play for fun, perhaps to kill time, to soothe reverse circumstances, to forget that they have to face life with
more or less luck, with more or less fortune, with more or
less tragedies and joys. But between game and game
there is a way to play that is adult and, therefore, dangerous. This is the game style aiming to say masked truths,
to get by the authority of schemes, and discredit the legitimacy of stereotypes. Laughs and jokes attenuate authority. Being aware of this and of the possibilities of the
Carnival to break the dominant grin, quite a lot of contemporary artists resort to laugh, and sometimes to parodic mockery, in order to orchestrate a critical comment on
the cultural landscape of which they somehow form part
and where the first and last meanings of their works are
undoubtedly ciphered. Looking out of the creative process
and reviewing ironically the most recurring statements of
the dominant discourse is still one of the concerns of contemporary aesthetics in the middle of so many demented
flirtations with sequins and glitter.
In this sense, dEmo's work is a clear example of what
working in - and out of - the field of art means. At this
point of his career, forged with tenacity, perseverance,
and ability to negotiate with languages, we know some of
the most significant features of his discourse as regards
both the conceptual field and the morphological indicators
with which he invests his artifacts. An unmistakable sign
of identity is his intelligent assumption of pop aesthetics
and its derivatives, his taste for objects with a simple
appearance and easy to reproduce, as well as his ability
to activate from the object (the work itself) a chain of
allusions to infinite areas of meaning, even if these can
establish a dialogue racked with juxtaposition and paradox.
dEmo plays, he knows how to, but we already know that
by playing we can notice situations that can infuriate the
censors and discredit the regime of pre-established categorizations and strangling dogmas.
On one occasion, in a text inquiring into the contradictory
relationships that might be expected of the dialogue in
this artist's work with the power of the field his poetics is
in line with, I pointed out the extent to which his proposal could be seen as a fierce (and at the same time sweet
and ironic) attack on contemporary art and the whole
structural system that gives it a certain logic. dEmo is a
transgressor by nature who likes to move freely in the
midst of conventions and ties. I do not even doubt that
he, perhaps not being aware of it, disarticulates the
authenticity of a consecration structure and the relevance
and reliability of its social customs. It is exactly in this
exercise of perverse games and apparently noble transitions where one of the key virtues of his work can be located: The virtue of exposing the lack of reliability of such
an elusive and frivolous system as the current system of
art and high culture. As it happens with the guiding cultural statements that aim to stereotype areas of the global village under marking and standardization mechanisms that only restrict, in an almost vulgar way, the
value of certain small cultural spaces, which are reduced,
by means of unfavorable prejudice, to the most external
and superficial elements of their real internal dynamics
and processes.
Being this the case, today we regretfully see the extended
use of categories of high social and discursive success
such as: Periphery, otherness, margin, post-colonial ideology, decentralization, among many others. Far from signaling the value of difference and its legitimate restoration to the system of cultural values which is subject to a
horizontal dialogue, they restrict the possibility of understanding geopolitical areas regardless of the identity con-
ventions that reveal them only as holiday destinations.

This is the case of a place like Miami, a hotbed of mixtures, transvestism, and cultures.
dEmo's last work is about the reinterpretation of this
socio-cultural space and his amazement when he realized
to what extent our truths, knowledge, and impressions
are conditioned by the hegemony of external judgments.
Appealing to the aesthetic identity already known in his
work, he wants to draw attention to the way Miami exists
as a cultural option that is different from the beach and
sun slogan, the destination for rich people who anchor
their luxury yachts next to the wonderful Florida beaches.
What is conventionally known, after excessive repetitions,
as the place of casinos, drugs, exiles, and the territory to
raise fortunes in the medium term, should be understood
-according to dEmo- as a space of cultural regeneration
where important artistic events have taken place recently.
Despite the bombastic and presumptuous reality of a certain social group that anchors in Miami and buys apartments and opens big businesses, this is an area of the US
periphery that has been playing a valuable role in contemporary art. Then this is a concern, personal but legitimate, about which dEmo's work inquires and seeks answers, even though his winks are racked with that happy
inclination to take things as life itself. In Spain, for instance, after the crazy manipulations of gossip magazines
and the journalistic relevance given to the so-called celebrities, most of whom have done nothing interesting in
their lives, we think of Miami as the place to escape to, as
a paradise for successful people who can have breakfast
on the soft sand without nothing to worry about but enjoy
life. Thus, all the references are loaded with a distortion
of reality that aims at the preservation of stereotypes,
since there is an interest in projecting a status quo that is
untrue, but anyway it is highly profitable in the collective
consciousness.
We must not forget that every reading of reality is, in
principle, a selfish look. dEmo is aware that all the approaches to the cultural reality, even art's own reality, result
from speculation exercises that depend on countless hierarchizations and displacements of the representation
phenomenon. Hence dEmo, not so aggressively yet,
wants to interfere with that stereotyped vision by deconstructing some orders. In this way, and without forgetting
that every discourse is pointless in itself, he takes hold of
the US dollar, the US flag, and a couple of more or less
recognizable icons with a social impact, and prints a text
on them saying: Miami Existe. Thus he tries to draw
attention to cultural processes that are full of distorting
exercises of power, where preserving the market hegemony is more important than the authenticity of culture;
despite the fact that the latter is often -what a big paradox- the currency in such transactions.
It is in front of this landscape of obstinate reductionist
positions, interested mechanisms of inclusion-exclusion
and (self)support of stereotypes, where many of the creators of contemporary aesthetics, not only dEmo, try to
discredit the canon, although this course of action implies
the awareness of its scope and destination.
It is true
that one's conscience can be redeemed through art, but
that is not the case with political issues and the elated
power of the capital. Virtuality accompanies most of the
contemporary artist's altruist gestures and the utopia of
the revolution appears where subversion and barricades
were wanted. However, dEmo's proposal enjoys mocking
-being aware of their scope and competence- the discursive structures established by stereotypes. In this way,
he proposes a kind of work "where the ludic sense, the resemantization of the object, and the impetus of "iconization of the domestic", indicate the lines of action of poetics and reveal its tools"[1] <#_ftn1> . In fact, one of his
most recognizable advantages, which has been pointed
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out by critics, is that in contrast to the strange fascination

and anorexia of the contemporary language of art to communicate eloquently, dEmo establishes proximity strategies very close to the viewer, acting upon a wide spectrum
of the subjectivity: From the adult rationality that is not
indifferent in front of his monumental bears, attractive
fruit candies, and street divers, to the childish naivety
that enjoys these pieces without noticing they are works
of art, "giving the object one of the pristine meanings in
the chain of multiple meanings pre-established by the
artist"2. While an important group of creators are selfsatisfied (not a reprehensible attitude, of course) with the
articulation and design of hard conceptual platforms for
the sake of proposals that are solid but cannot reach a
mainstream audience, dEmo manages, from the apparent
simplicity of his models - divers, serial reproductions of
bears (threatening the notion of aura, which has not died
at all, despite its enthusiastically decreed decease), and
American bank notes stamped with protest texts -, to
establish a field for dialogue where access to the proposal
does not demand, in principle, an exhausting intellectual
exercise. Enjoying the work without philosophical or aesthetic complexities seems to be dEmo's claim at a time
when artistic practice and the discourse on art are full of
transcendentalist statements, and banality becomes the
highest value.
This opportunity for dialogue and the
desire to approach the random scale of taste constitute an
important sign of his work. One of his objectives is to seek
the connection between different audiences and his work,
regardless of the prevailing trends. As a result of that,
laugh and play turn out to be his most effective tools.
As some have pointed out, dEmo's pieces are big toys
that invite participation and entail some nostalgia, but
they do not get to the point of becoming a cult to eternal
happiness, as others have said. dEmo, in contrast to
many human beings, knows well how valuable smiles and
games are. For this reason, in most of his pieces it is difficult to figure out the presence of clear signs of sadness
or existential anguish, a morbid resource profusely used
by many artists. The cult to laugh is well-established in
his work; it shows off in the interstices and hidden areas
with some winks at the expanded field where it is located
and where, sometimes, non-artistic and political phenomena determine aesthetic production and its discursive
variations. The approach to Pop Art is, in his case, a kind
of epiphany that ensures the attainment of his original
purposes: The immersion in the social discourses of our
time and the key elements that articulate them. dEmo is
aware of the advantages of his proximity to pop aesthetics, so he indulges in accumulation, in the combination of
several languages, the deliberate use of the parodic paradigm, and the opposition-alteration of objects and works
with regard to their context. dEmo is not interested in
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directly criticizing the society where he lives and where

his work is produced. On the contrary, he knows how to
manage in the limits of an intelligent look and he is very
careful not to judge ideology. As a narrator of his time,
and being very clear about play, dEmo invites to rethink
play itself as a life strategy beyond its aesthetic implications. It is true that his pieces can be an invitation to stop
being adults, to leave for some time the formal misery
that kills life's spontaneity and fun, but in no case his proposal arises from a didactic principle full of prophylaxis.
The scary foolishness of the teddy bear that has gained so
many followers in the contemporary scene has little or
nothing to do with what dEmo's bears suggest. His deliberate insights in a childish state of consciousness (not a
regressive psychoanalytic inquiry at all) are not a visit at
the wrong time as a nostalgic and extremely gross
resource. Instead of that, it is, for many people, an acceptable effort to loosen up the perception schemes of an
adult world that is doomed to boredom and doped by the
seduction mechanisms of reality shows. So he does not
feel guilty for playing with banality, with no discursive
ambitions. He turns nostalgia into shrillness, harsh criticism into a conciliation exercise, and the affirmation of
banality into irony towards the environment and himself.
Far from gloominess and practicing the open air laughter,
dEmo manages to activate new celebration mechanisms
of aesthetics. We will see whether his next works are
designed and placed by art history and critical thinking on
their holy sceneries, to which he already has access with
irony, or, on the contrary, this laugh maker goes on - as
his divers on solid ground do - building utopia against the
bitterness of many people.
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_convocatorias
XXII PREMIO DE PINTURA BMW
HASTA EL 30 DE SEPTIEMBRE DEL 2007
Tanto el tema como la tcnica a utilizar sern de libre eleccin. Una sla obra, no presentada a otro certamen. Las
medidas de los cuadros no sern inferiores a 100 x 81 centmetros, ni superiores a 195 x 195 centmetros, enmarcadas con un listn cuya anchura no supere los 3 centmetros
visto de frente. Adjuntar Ficha de Inscripcin y fotocopia
DNI segn detallan las bases oficiales.
- La Beca Mario Antoln de Ayuda a la Investigacin
Pictrica, ser concedida a uno de los tres pintores ms
jovenes seleccionados para participar en la Exposicin del
Premio BMW.
- El Premio BMW al Talento ms Joven para menores de 14
aos, cuya temtica debe versar sobre: "Naturaleza y
Mundo Animal", "Ecologa y Medio Ambiente" y "Familia y
Amistad". Entrega de obras del 10 al 30 de Septiembre de
2007.
Artistas residentes en Espaa
Premios: Primer premio de 35.000 euros
Beca: 9.000 euros
Premio talento ms joven: 4.000 euros
Direcciones de entrega en Madrid, Barcelona, Sevilla y
Valencia.
(Att. Paloma Del Amo)
C/ Alameda, 11 (28014 MADRID)
Tel. 914 293 993
[email protected]
www.bmw.es
XI EXPOSICIN INTERNACIONAL DE PINTURA CIUDAD ALCAZAR DE SAN JUAN 2007
HASTA EL 18 DE AGOSTO
Cada autor podr enviar una sola obra, original, indita y no
premiada, con una dimensiones comprendidas entre 1 y 2
metros en cualquiera de sus lados. Tcnica y estilo libres. Se
presentatn enmarcadas o protegidas con un listn.
En el momento de la entrega de las obras se expedir un
recibo acreditativo en el cual figurar el nombre del autor,
direccin, tel., ttulo de la obra, medidas, tcnica y valoracin.
BASES completas en www.patronatoculturaalcazar.org..
Participantes: LIBRE
Premio:
Primer premio de 12.000 euros / provincial de
5.000 euros / adquisicin por valor de 2.000 euros
Museo Municipal de Alcazar de San Juan
C/ Santo Domingo, 10 (13600 ALCAZAR DE SAN JUAN) CIUDAD REAL
Tel. 926 551 008/ Tel. 926 551 305
[email protected]
CONCESIN DE LICENCIAS DE OCUPACIN DE LAS
SALAS DE EXPOSICIONES TEMPORALES DEL MUSEO
DE ARTE MODERNO DE TARRAGONA 2008
Se seleccionarn un mximo de 4 proyectos expositivos
para el ao 2008. Los artistas que quieran concursar debern presentar un breve currculum, una propuesta concreta
de exposicin con la relacin total y formato de las obras,
adjuntado 6 fotografas y redaccin del texto del catlogo.
Los artistas cedern una obra a la Diputacin que correr
con unos gastos para la organizacin de la exposicin de
hasta 3.000 euros y otros 3.000 euros para confeccionar el
catlogo.
BASES completas en www.altanet.org..pdf
Participantes: ARTISTAS PLSTICOS ESPAOLES
Premio: Exposicin de 4 proyectos seleccionados y hasta
6.000 euros para gastos de exposicin y catlogo...
Museo de Arte Moderno de la Diputacin de Tarragona
C/ Santa Ana, 8 (43003 TARRAGONA)
977 235 032
[email protected]
XXVIII PREMIOS CIUDAD DE ALCAL 2007 (PINTURA,

NARRATIVA, POESA, PERIODISMO, FOTOGRAFA,
CORTOS...)
HASTA EL 14 DE SEPTIEMBRE
Dentro de la modalidad de pintura, se puede presentar una
sola obra en plena libertad, tanto de temtica como de tcnica, establecindose una nica limitacin en cuanto al formato, que no exceder de 4 metros cuadrados ni ser
menor de 1 metro cuadrado. Las obras se presentarn sobre
bastidor o soporte rgido, sin marco. Se admitir un simple
listn de madera o metlico.
Presentacin del 3 al 14 de Septiembre, sin firmar con un
ttulo en el reverso del cuadro. Irn acompaadas de una
plica, en sobre cerrado, en cuyo exterior se har constar el
mismo ttulo y en el interior los datos concernientes a la
obra y al autor/a, segn detallan las bases oficiales.
Premio: Primer premio de 6.400 euros
Fundacin Colegio del Rey
Plaza del Empecinado, 1 (28801 ALCALA DE HENARES)
MADRID
Tel. 918 797 380
[email protected]
http://www.fundacioncolegiodelrey.org
74 SALN DE OTOO DE LA ASOCIACIN ESPAOLA
DE PINTORES Y ESCULTORES DE MADRID 2007
El 74 Saln de Otoo se celebrar en Madrid del 7 al 29 de
Noviembre de 2.007 en la Sala de Exposiciones de La Lonja
del Distrito de Arganzuela. Se compondr de las secciones
de: Pintura, Escultura, Dibujo, Grabado, Acuarela y
Fotografa. Las obras debern ser inditas y que no hayan
sido presentadas a ningn otro certamen ni reproducidas en
soporte alguno, ya sea grfico o digital, con carcter pblico.
Cada autor podr presentarse una sola obra. El plazo de
presentacin de obras ser del 10 al 14 de septiembre de
2007 de 10 a 13 h. y de 17 a 20 h. y sbado 15 de septiembre, de 10 a 13 h, en la Calle Doctor Esquerdo, 183. 28007
- Madrid, Local 5.
DETALLES en las BASES oficiales... www.d..salon-madrid..
Participantes:
ESPAOLES Y RESIDENTES. Cuota de
Inscripcin de 15 euros
Premio:
Primer premio de 12.000 euros / dos de 6.000
euros / 2.800 euros / 2.200 euros / 3.000 para menores de
30 aos...
Asociacin Espaola de Pintores y Escultores
Infantas, 30 - 2 dcha (28004 MADRID)
915 224 961 (Asociacion)
[email protected]
XVII PREMIO ADAJA DE PINTURA 2007
El tema ser libre y cada artista podr presentar dos obras
como mximo. Las medidas de los cuadros no podrn ser
menores de 100x81 cm, ni superiores a 200x200 cm. Se
presentarn enmarcados con junquillo (color natural: blanco, negro, dorado, etc.) cuya anchura no ser superior a 3
cm.
Los cuadros se presentarn firmados por su autor, adhirindose en el reverso de los mismos el cuerpo C del boletn de
inscripcin y presentando o enviando por correo aparte, los
cuerpos A y B debidamente cumplimentados. Se acompaar una fotografa del cuadro o cuadros de tamao 13x18 cm
as como un currculum vitae completo del autor. Envo de
obras del 16 de Agosto al 16 de Septiembre de 2.007.
Participantes: ESPAOLES Y RESIDENTES
Premio: Primer premio de 30.000 euros / Adquisicin de
obra por valor de 18.000 euros
Premio Adaja. Palacio de los Serrano. Espacio Cultural de
Caja de vila/ Plaza de Italia, 1 (05001 AVILA)
Tel. 920 212 223 / 920 355 300
www.obrasocialcajadeavila.org/bases_premio_adaja.pdf
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_convocatorias
V PREMIO AUDITORIO DE GALICIA PARA NUEVOS

ARTISTAS. SLO GALICIA.
Se admite cualquier modalidad de Arte (Pintura, escultura,
fotografa, grabado, instalaciones..). Una obra por autor.
Dimensiones mximas de 200 cms para pintura y fotografa.
Si se trata de esculturas no excedern de 100 kg., ni de un
cubo imaginario de 150 cms. En el caso de instalaciones
estarn inscritas en un prisma de 250x250x150 cms.
Para una seleccin inicial se enviar antes del 28 de
Septiembre: Fotocopia del DNI (o residencia), fotografa
personal, fotografa de la obra y ficha tcnica, CV o dossier
artstico con fotografas de otras obras, valoracin econmica a efectos del seguro... Tan solo se enviar la obra junto
con la documentacin si se trata de un video.
Participantes:
NACIDOS O RESIDENTES EN GALICIA
MENORES DE 40 AOS el 31/12/07
Primer premio de 6.500 euros / 4 accsit de 1.500 euros /
premio pblico de 1.200 euros
Auditorio de Galicia
Av. Burgo das Nacions s/n
15705 - SANTIAGO DE COMPOSTELA
981 574 153 / 981 552 290
[email protected]
www.auditoriodegalicia.org/premios
PREMIO DE PINTURA LA MUTUA'07 - GRANOLLERS
El tema, el soporte y el procedimiento de las obras ser
libre. Solo se podr participar con una obra indita, que no
se haya presentado en ningn otro certamen y realizada
entre los aos 2006 y 2007. Las medidas de los cuadros no
pueden ser inferiores a 92 x 73 cm. (30 F) ni superar 195 x
130 cm. (120 F), ambas medidas incluidas.
Para participar en el concurso, la inscripcin de la cual es
gratuita, INICIALMENTE SE CONFECCIONAR UN DOSSIER,
medida A4 o similar, que contenga la documentacin que
detallan las bases oficiales y que se podr enviar hasta el 30
de Septiembre. Los artistas seleccionados enviarn durante
la segunda quincena de Octubre una obra para optar al premio.
Participantes:
RESIDENTES EN ESPAA, PORTUGAL,
GIBRALTAR Y ANDORA
Premio: Primer premio de 6.000 euros / 4.000 euros
Envo de obras al Edificio 'La Mutua'
Plaza Pau Casals, s/n (08402 GRANOLLERS)
Tel. 938 600 159
[email protected]
IV PREMIO DE PINTURA FUNDACIN LABORAL DE LA

CONSTRUCCIN DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS
HASTA EL 31 DE JULIO
Se admitir a concurso una sola obra de pintura por autor,
original e indita. La obra vendr identificada por un Ttulo
o Lema. El tema principal de la obra es LIBRE. Tcnica libre.
La obra deber presentarse enmarcada con simple listn.
Al dorso de la misma figurar el ttulo o lema y el nombre y
apellidos del autor. Las dimensiones mximas de la obra no
podrn superar la medida de 2 x 2 metros. El artista adjuntar a su obra una ficha que podr descargarse en la web de
la FLC.
Envo de obras del 16 al 31 de julio de 2007
BASES completas y OBRAS en www.flcnet.es
Participantes:
RESIDENTES EN LA COMUNIDAD
ECONMICA EUROPEA
Primer premio de 15.000 euros / adquisicin de obra por
valor de 22.000 euros
Fundacin Laboral de la Construccin del Principado de
Asturias
Alto El Caleyu, 2 (33170 RIBERA DE ARRIBA) ASTURIAS
Tel. 985 982 800
[email protected]
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PREMIOS Y BECAS ESPECIAL PILAR JUNCOSA Y

SOTHEBY'S 2007
Premio Especial Pilar Juncosa y Sotheby's 2007: Proyectos
artsticos vinculados a los jardines de la Fundacin... (los
candidatos los propondrn tres expertos designados por la
Fundacin)
- Premio Pilar Juncosa a la Innovacin y Becas Pilar
Juncosa...
- Becas Pilar Juncosa para investigacin sobre Mir y su contexto ArtisticoCultural...
- Becas a la innovacin y de formacin, experimentacin y
creacin Pilar Juncosa en los talleres de obra grfica...
- Becas Pilar Mir para proyectos educativos...
Para optar a los premios y becas se deber enviar la documentacin que se detalla en las bases oficiales, redactada
en cataln, castellano o ingls y agrupada en un dossier
nico y CD (solicitud de participacin, documento de identidad, CV y un proyecto, propuesta o memoria acompaada
de sinopsis...)
Participantes: INTERNACIONAL
Primer premio de 30.000 euros / becas de 6.000 euros
Fundaci Pilar i Joan Mir a Mallorca
C. Joan de Saridakis, 29 (07015 PALMA) BALEARES
971 701 420
http://miro.palmademallorca.es/espanol/index.htm
TTA 07 (TOP TALENT AWARD 2007). DISEO
ELECTRNICO
HASTA EL DOMINGO 15 DE JULIO
El EUROPRIX Top Talent Award es un concurso Europeo para
estudiantes y jvenes profesionales que trabajen en proyectos innovadores en el campo de los contenidos electrnicos
y el diseo - usando cualquier canal o plataforma multimedia. Ver categoras en las bases oficiales.
Todas las propuestas deben ser productos o aplicaciones
terminadas. El producto o aplicacin inscrito debe estar
completado en 2006 2007.
Participantes: EUROPEOS, MENORES DE 30 AOS.
Precio de inscripcin de 50 euros
Premio: Premios por valor de 80.000 euros... difusin...
EUROPRIX top Talent Office. c/o ICNM - International
Center for New Media
Moostrasse 43a A-5020 SALZBURG - AUSTRIA
Tel. +43.662.630408 (Austria)
[email protected]
www.toptalent.europrix.org/tta07
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CONCURSO
INTERNACIONAL
DE
SPOTS
PUBLICITARIOS REALIZADOS POR ESTUDIANTES (17
SEMANA CINE EXPERIMENTAL DE MADRID)
Los trabajos tendrn una duracin mxima de 30 segundos
y enfoque publicitario. Se podrn realizar con cualquier
medio: cine, vdeo, animacin y se enviarn en Quicktime o
VHS (PAL).
Los trabajos seleccionados se mostrarn durante la 17
Semana de Cine Experimental de Madrid que se celebrar
entre los das 16 y 23 de noviembre de 2007.
Junto al spot, deber enviarse debidamente cumplimentada
la ficha de inscripcin, una carta firmada y sellada por la
escuela con los nombres de los participantes certificando su
pertenencia al centro.
BASES completas en www.septima-ars.com
Participantes:
ESTUDIANTES DE ESCUELAS DE CINE,
VDEO, TELEVISIN Y PUBLICIDAD DE TODO EL MUNDO
Premio: Primer premio de 1.202 euros
Septima Ars, Escuela de Cine y TV. 7 Concurso de Spots
publicitarios
C/ Fuente del Saz, 5 (28016 MADRID)
Tel. 914 577 973 ( A/A Fernando )
[email protected]
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_convocatorias
PREMIO DE ARTE DIGITAL JAUME GRAELLS

(IGUALADA) 2007
Tema: a) IMAGENES DINAMICAS. b) IMAGENES ESTATICAS.
Obtenidas exclusivamente mediante medios informticos. El
tema y las aplicaciones informticas que se utilizarn sern de
libre eleccin. Se enviar DVD o CD Rom junto con informacin
tcnica de la obra, indicando la forma de visualizacin, bajo
lema y plica (autor, direccin, tel. y fotocopia del DNI).
El envo de las obras se realizar a la direccin: Edificio
CEINA (Avda de Europa, 7-9 - 08700 IGUALADA).
Participantes: DISEADORES NO PROFESIONALES
Primer premio de 1.000 euros y licencias en productos
Adobe, Macromedia, Corel, valoradas en 1.700 euros / 500
euros y licencia.
Oficina del Ciudadano del Ayuntamiento de Igualada
Plaza del Ayuntamiento, 1 (08700 IGUALADA)
938 050 094
[email protected]
www.aj-igualada.net/editables/ajuntament/cultura/activitats.htm
I
CONCURSO
DE
PROYECTOS
CRE@RTNOVA
UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA-MULTICAJA
Disciplinas artsticas: fotografa digital, creacin web, vdeoarte, msica e instalaciones. Cada concursante podr presentar un nico proyecto original e indito, no presentado ni
premiado en otros concursos, en el que se detallen de forma
pormenorizada los procedimientos, tcnicas, metodologa,
materiales, bocetos, tiempo estimado de realizacin del proyecto (plazo mximo: hasta mayo de 2008), presupuestos,
etc, para llevar a cabo su creacin artstica final.
La extensin del proyecto comprender un mximo de 50
folios DINA4, por una sola cara, no establecindose ningn
mnimo. El proyecto seleccionado, obtendr como premio la
financiacin para el desarrollo de su proyecto hasta un
mximo de 6.000 . Se primarn la novedad del proyecto y
el uso racional de las nuevas tecnologas. Se presentarn
cuatro copias bajo plica segn se detalla en las bases oficiales.
Participantes:
UNIVERSITADES Y/O ESCUELAS DE ARTE
ESPAOLAS
Premio: Financiacin del proyecto hasta 6.000 euros
rea de Actividades Culturales (Edificio de Informacin,
Universidad de Zaragoza)
C/ Pedro Cerbuna 12 (50009 ZARAGOZA)
976 762 607
[email protected]
http://moncayo.unizar.es/unizara/actividadesculturales.nsf/
13 CONCURSO DE DISEO INDUSTRIAL DEL MUEBLE
(CETEM)
HASTA EL OCTUBRE DE 2007
a) CATEGORA PROFESIONAL (Finaliza el 8 de Octubre de
2.007): Tema libre dentro del sector del mueble y el habitat
domstico y urbano. Los proyectos debern ser presentados
obligatoriamente como la colaboracin entre "una empresa"
y "un diseador/es".
b) CATEGORA ESTUDIANTES (Finaliza el 11 de Febrero de
2008): Temas: Ecodiseo o Innovacin. Podrn participar en
esta modalidad, aquellos estudiantes de Diseo Industrial,
que durante la presente anualidad estn matriculados en
estudios relacionados con Diseo Industrial (se solicitar
documentacin acreditativa de estudiante).
En la web se detalla toda la informacin referida a la documentacin que se enviar y al calendario del certamen.
Participantes:
PROFESIONALES Y ESTUDIANTES DE
DISEO INDUSTRIAL
Primer premio de 6.000 euros / 2.800 euros / 1.200 euros
Primer premio de 600 euros en cada modalidad de la categora estudiantes
Grupo Tecnolgico del Mueble y La Madera de la Regin de
Murcia
C/ Perales, s/n (30510 - YECLA) MURCIA
Tel. 968 752 040
[email protected]
http://www.cetem.es
VI PREMIOS CERMICA DE ARQUITECTURA E

INTERIORISMO
HASTA EL MIRCOLES 31 DE OCTUBRE
La Asociacin Espaola de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos
Cermicos (ASCER) convoca por sexto ao consecutivo los
Premios Cermica de Arquitectura e Interiorismo, con una dotacin total de 50.000 euros, destinados a premiar los trabajos
arquitectnicos y de interiorismo que hagan el mejor uso de las
baldosas cermicas producidas en Espaa.
En su modalidad de Arquitectura, los Premios Cermica reconocen la labor realizada por profesionales de esta disciplina en edificios de nueva planta, obras de reforma o rehabilitacin de edificios existentes, remodelaciones urbanas y paisajes exteriores.
En la categora de Interiorismo, el certamen distingue las mejores obras de decoracin de espacios interiores de nueva planta,
de reforma o de rehabilitacin, as como los montajes ambientales para acciones de corta duracin. Obras concluidas dentro
del perodo que va de enero de 2006 a octubre de 2007.
Participantes: TRABAJOS REALIZADOS CON CERMICAS PRODUCIDAS EN ESPAA
Premio: Premio arquitectura de 20.000 euros / interiorismo de
20.000 euros / proyecto fin de carrera de 10.000 euros
ASCER (Asociacin Espaola de Fabricantes de Azulejos y
Pavimentos Cermicos)
C/ Ginjols, 3 (12003 CASTELLN)
Tel. 964 727 200
[email protected]
XVIII SIMPOSIUM INTERNACIONAL DE ESCULTURA
AL AIRE LIBRE DE O GROVE 2.007
HASTA EL JUEVES 26 DE JULIO DEL 2007
El Simposio tendr una duracin de 23 das, comprendidos
entre el 22 de septiembre (acto de inauguracin) y el 14 de
octubre (fallo del jurado y entrega de premios) de 2007. En
ese perodo los participantes seleccionados tendrn que llevar a cabo la totalidad de su obra (Granito, bloque de 1,80
x 1,80 x 0,50 metros o dimensiones similares dentro del
volumen de referencia que se da).
El tema ser libre. Los que deseen participar en este
Simposio debern enviar un boceto de la obra, CV y el resto
de la documentacin que detallan las bases.
La Organizacin correr con los gastos de viajes, estancia y
manutencin de los artistas seleccionados.
BASES completas en el enlace 'simposio' de la siguiente
pgina www.turismogrove.com
Premio: Primer premio de 2.400 euros / 1.200 euros / 900
euros/ dos de 600 euros
Ayuntamiento de O Grove (XVIII Simposio de Escultura)
Plaza de O Corgo. s/n (36980 O GROVE) A CORUA
Tel. 986 730 975
[email protected]
"LAS TENTACIONES DE ESTAMPA"
SALN INTERNACIONAL DE GRABADO Y EDICIONES
DE ARTE CONTEMPORANEO 2007
El Saln Estampa tendr lugar del 24 al 28 de Octubre de
2007. De entre los proyectos presentados se realizar una
seleccin de 8 a 12 proyectos de creacin visual realizados
en cualquier disciplina o medio. Debern ser inditos y de
creacin reciente.
Se deber presentar solicitud de inscripcin, fotocopia DNI,
memoria descriptiva de la obra, biografa, dossier obra
reciente, presentacin del proyecto...
Participantes:
RESIDENTES EN ESPAA, ENTRE 18 Y 40
AOS
Concesin de espacio expositivo en 'Las Tentaciones de
Estampa' y opcin a becas
Tentaciones 2.007. Estampa
C/ Joaqun Mara Lpez 23 - sotano D (28015 MADRID)
Tel. 915 447 727
[email protected]
http://www.estampa.org
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_convocatorias
CONCURSO INTERNACIONAL DE ESCULTURA 'LA

PIEDRA Y LA MUSA AGRESTE' (RAZA DE VACA
ALPINA) ITALIA
El artista propondr una obra figurativa, en el cual el sujeto
LA VACA "BRUNA ALPINA", podr ser libremente interpretado segn las diferentes peculiaridades que la caracterizan.
La escultura ser un nuevo elemento esttico de una plaza
central en la ciudad de Domodossola (Italia)."
El candidato elegido para la realizacin de la obra, tendr
una dotacin econmica de 35.000 Euros (treinta y cinco mil
Euros) (IVA e impuestos incluidos). En esta dotacin se
incluye el desarrollo del proyecto, viajes, alojamiento. El
segundo artista seleccionado recibir una dotacin de Euro
4000 (Cuatro mil Euros). En la web oficial se detallan las
bases en italiano, ingls y espaol o algo parecido.
Premio: Primer premio de 35.000 euros para la realizacin
del proyecto
LA PIEDRA Y LA MUSA AGRESTE
Assograniti VCO
Via De Gasperi, 25 - 28845 DOMODOSSOLA (VB) ITALIA
[email protected]
http://www.musagreste.it
VII SIMPSIO INTERNACIONAL DE ESCULTURA BRUSQUE 2007 (BRASIL)

El evento se realizar en la ciudad de Brusque -Santa
Catarina, desde el da 1 al 30 de Noviembre de 2007. El
escultor deber llegar a la ciudad de Brusque el da 31 de
octubre de 2007. La piedra - mrmol - ser proporcionada
por el Municipio de Brusque. La obra - con tema libre - deber tener como mnimo 2,50 de altura y 1,20 de ancho. No
podr sobrepasar los 10 metros cbicos (30 toneladas).
El escultor deber presentar su propuesta incluyendo
Curriculum Vitae, datos de contacto, fotos de obras ya realizadas, descripcin de los trabajos que se realizarn y
dimensiones de los mismos, via postal o por correo electrnico, segn detallan las bases oficiales...
Premio: Alojamiento y 2.000 dlares a cada escultor seleccionado
PREMIO DE ESCULTURA CIUDAD DE AVILA 2007
Tema: Podr participar en este premio cualquier persona,
enviando un solo boceto, cuyo tema para la presente edicin
ser "HOMENAJE A LAS VCTIMAS DEL TERRORISMO", que
constar de todos aquellos elementos incluidas medidas
mximas y mnimas que los participantes crean oportunos
para explicar cuantos detalles consideren necesarios en su
proyecto, incluido el material definitivo de la obra.
Las obras sern enviadas o entregadas en el Auditorio
Municipal de San Francisco (Plaza de San Francisco, s/n).
Para su identificacin el boceto se presentar firmado por el
autor y acompaado del boletn correspondiente debidamente cumplimentado, con su memoria.
BASES completas en www.d..avila-escult..
Primer premio de 48.000 euros para la ejecucin del proyecto
Ayuntamiento de Avila. Area de Cultura
Plaza del Mercado Chico, 1 (05001 AVILA)
Tel. 920 354 015
[email protected]
I PREMIO DE ESCULTURA CIUDAD ATARFE 2007
Cada artista podr presentar como mximo dos obras, originales, de temtica libre y realizadas en un material definitivo. Tendrn un tamao MXIMO de 50X50cm de base y de
1,80cm de altura y no habrn sido premiadas en ningn otro
concurso. Las obras debern presentarse de forma annima
con el ttulo en su exterior y un sobre cerrado con el mismo-
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ttulo y con la siguiente documentacin en su interior:

Fotocopia del DNI, direccin y correo electrnico o telfono
de contacto y Curriculum artstico si lo hubiera.
BASES completas en www.d..atarfe-escultura..
Primer premio de 6.000 euros / 3.000 euros
Nuevo Centro Cultural Medina Elvira
Avenida de la Diputacin s/n (18230 ATARFE) GRANADA
Tel. 958 436 853
[email protected]
I PREMIO DE ESCULTURA FIGURATIVA CIUDAD DE
BADAJOZ
Cada artista podr presentar como mximo dos obras, de
temtica libre, pero siempre en la modalidad de ARTE FIGURATIVO, que debern reunir las siguientes condiciones: Ser
original, estar realizada en un material definitivo, tener un
tamao mnimo de 50cm y mximo de 80cm y no haber sido
premiada en ningn otro concurso.
Las obras debern presentarse de forma annima con el
ttulo en su exterior y un sobre cerrado con el mismo ttulo
y con la documentacin que se detalla en las bases oficiales.
Primer premio de 6.000 euros / accsit de 500 euros
Ayto de Badajoz. Concejala de Cultura
C/ San Pedro de Alcntara, 34 (06001 BADAJOZ)
924 200 085
[email protected]
PREMIO CAJA ESPAA DE ESCULTURA 2007
Cada artista podr presentar una obra, original e indita, no
presentada en otros premios ni incluida en catlogos o
publicaciones ni difundida por cualquier medio, admitindose todas las tendencias y corrientes estticas. La medida de
la obra no exceder de 100 cm. en cualquiera de sus dimensiones (ancho, alto, fondo).
Se cumplimentar el Boletn de Inscripcin, en todos sus
apartados, acompaado la documentacin que se detalla en
las bases oficiales. Entrega de obras del 10 al 15 de septiembre de 2007.
Primer premio de 15.000 euros
Fundacin Rei Alfonso Henriques
Avda. del Nazareno de San Frontis, s/n (49027 ZAMORA)
www.cajaespana.es
XXXV PREMIO INTERNACIONAL DE GRABADO
CARMEN AROZENA 2007
Cada artista presentar una sola obra grfica original y no
exhibida, sin enmarcar. El tema y la tcnica de la estampa
sern libres. La obra presentada deber estar firmada,
numerada y fechada. La edicin no debe exceder de 25
ejemplares. El tamao mximo del soporte ser de 70 x 100
x 1 cm. Las obras debern ser entregadas en la entidad
Brita Prinz ARTE S.A. entre el 27 de Agosto y el 7 de
Septiembre de 2.007. El ejemplar deber presentarse
correctamente envuelto en un embalaje rgido o en un tubo
de cartn. Al dorso de la obra figurarn claramente nombre
y apellidos del artista.
A la obra se adjuntar un breve currculo artstico que no
exceda las 15 lneas y la Ficha de Inscripcin...
Brita Printz Arte S.A.
C/ Gravina, 27 - 1 dcha (28004 MADRID)
Tel. 915 221 821
www.britaprinzarte.com
XI
CONCURSO
INTERNACIONAL
DE
LIBRO
ILUSTRADO 'A LA ORILLA DEL VIENTO'. MEXICO
El tema de la obra y la tcnica de ilustracin son libres.
Tanto el texto como las ilustraciones de las obras concursan-
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_convocatorias
tes debern ser totalmente inditos, y no debern participar

simultneamente en otro concurso. Se aceptarn historias
narradas slo con imgenes, pero NO se recibirn trabajos
sin ilustraciones.
El tema, formato del album y tcnica de ilustracin son
libres, y su extensin mxima ser de 44 pginas. La propuesta del libro deber presentarse por duplicado (no enviar
ilustraciones originales, ya que no se devolvern).
Seudnimo y plica segn detallan las bases oficiales. Fallo el
31 de Septiembre de 2007.
Primer premio de 100.000 pesos (12.000 euros) y publicacin.
Concurso A la Orilla del Viento. Libros para Nios y Jvenes.
Fondo de Cultura Econmica
Carretera Picacho-Ajusco 227, Col. Bosques del Pedregal, 14200 MEXICO DF
Tel. (52 55) 5449 1880 (Mxico)
[email protected]
www.fondodeculturaeconomica.com
PREMIOS LAZARILLO ALBUM INFANTIL ILUSTRADO
2007
Se presentar la maqueta completa de un proyecto en el
que estn integrados texto e ilustracin, los originales de un
mnimo de 5 ilustraciones, realizadas en cualquier tcnica
que considere el artista y el resto de las ilustraciones en
boceto dentro de la maqueta. Las dimensiones de los proyectos no podrn exceder el formato DIN A-3 y tendrn una
extensin mxima de 24 pginas.
Las ilustraciones y maqueta debern presentarse bajo lema.
Se adjuntar un sobre cerrado con el lema identificador y el
ttulo de la obra. Dentro constar el nombre, apellidos,
domicilio y telfono del autor o autora.
Secretara de la OEPLI
Santiago Rusiol, 8 (28040 MADRID)
Tel. 915 530 821
[email protected]
www.oepli.org
XXVIII
MOSTRA
DE
VALENCIA/CINEMA
DEL
MEDITERRANI 2007
Slo podrn participar en concurso aquellos filmes que sean
presentados en soporte cinematogrfico y posean metraje
que supere los 70 minutos.
Todas las pelculas extranjeras de la Seccin Oficial debern
proyectarse en versin original con subttulos en cualquiera
de las lenguas oficiales de la Comunidad Valenciana. Para la
documentacin de los filmes y su adecuada promocin,
deber adjuntarse el material solicitado en la ficha de inscripcin. (Fotos, Pster, Ficha tcnica, Ficha artstica,
Pressbook, etc.)
I PREMIO FRANCISCO AYALA DE COMUNICACIN

AUDIOVISUAL
Convocado por el Consejo Audiovisual de Andaluca en colaboracin con CAJASUR, a esta convocatoria podrn presentarse obras originales e inditas sobre COMUNICACIN
AUDIOVISUAL en toda la amplitud del concepto, pudiendo
concurrir obras elaboradas desde cualquiera de las reas del
conocimiento. Extensin de 100 a 300 folios.
Se incluirn dos copias del trabajo que opta al premio, un
disco con la versin digital del mismo, acompaados de un
breve currculo del autor/a/es y de la acreditacin de la titularidad de los derechos de propiedad intelectual del trabajo
presentado, as como la autorizacin al Consejo Audiovisual
de Andaluca para la publicacin en exclusiva de la obra, en
caso de ser premiada...
Consejo Audiovisual de Andaluca
Avda. Repblica Argentina, n 24, 1 (41011 - SEVILLA)
[email protected]
www.consejoaudiovisualdeandalucia.es
XXVI PREMIO DE INVESTIGACIN CULTURAL
MARQUS DE LOZOYA 2.007
Trabajos de Investigacin que versen desde una perspectiva antropolgica sobre cualquiera de los ASPECTOS CONFORMADORES DE LAS CULTURAS DE LOS PUEBLOS DE
ESPAA. Se destacarn aquellos trabajos que pongan de
relieve las artes y tradiciones populares y las diferentes formas de vida y pensamiento de los pueblos e individuos que
componen las diversas culturas del Estado.
Se acompaar un resumen y cualquier otro dato que se
considere importante. Puede estar escrito en castellano o en
cualquiera de las lenguas oficiales. Tambin se puede acompaar material sonoro o grfico.
Se enviarn por duplicado bajo lema y plica lacrada junto la
documentacin que se detalla en las bases del BOE.
Museo del Traje. Centro de Investigacion del Patrimonio
Etnolgico
Avda Juan de Herrera, 2 (28040 MADRID)
Tel. 917 017 000
Primer premio de 40.000 euros / 25.000 euros / 10.000

euros
MOSTRA DE VALENCIA / CINEMA DEL MEDITERRANI
Plaza de la Almoina, 4- Pta 1,2 y 3 (46003 VALENCIA)
Tel. 963 921 506
[email protected]
www.mostravalencia.com
CONCURSO INTERNACIONAL DE VDEO Y ARTES
DIGITALES VAD 2007
El festival est abierto a todos los gneros de la creacin
audiovisual: videoarte, videodanza, documental de creacin, clip musical, net.art, a todos los formatos y tcnicas:
animacin, obras interactivas, instalaciones, vdeo proyecciones, peformances, conciertos visuales, El nico gnero
excluido es la ficcin narrativa convencional. Cada obra debe
ser inscrita y copiada a DVD de forma individual. Las obras
debern haber sido realizadas a partir de enero de 2005.
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_AGENDA
A CORUA
Fundacin Lus Seoane
Mirarte/Seoane
Hasta el 14 de diciembre
How soon is now?
Hasta el 16 de septiembre
Fundacin Caixa Galicia
Manuel Valcrcel
Nmadas
MACUF
Hipervnculos.
Coleccin
Unin Fenosa en el Patio
Herreriano
Hasta el 15 de julio
Esto no es una broma
Desde el 26 de julio hasta
finales de septiembre
Fundacin Barri
100 Posters
Museo BB AA
Alison & Peter Smithson
Hasta el 31 de agosto
Ana Vilaseco
5+5 Grfica para edicin
Coarte
M. Romero
Centre dArt Santa Mnica

Piensa
Crculo de Arte
For Joseph Beuys
CCCB
Fronteras
Espai Volart
Ynglada Guillot
Kowasa Gallery
Lternel Fminin
Alexis T. Edwards
Cuento sin nombre
Fundaci Antoni Tpies

Sanja Ivekovic
Coleccin
Manolo Laguillo
Carlos Pazos
Coleccin MACBA
The Killing machine
Fundaci Foto Colectania

Dones, etctera. Fotografa i
Moda
Lluci Homs
Denver
Fundaci Joan Mir

Sean Scully
Pigments i pixels
La Pedrera
Nicolas de Stel
MACBA
Un Teatre sense Teatre
ALMERA
MECA
Leo Simoes
La aventura con el otro
Jean Paul Perrier

Colectiva
Joan Prats
Fabian Marcaccio
Julio
MNAC
Santiago Rusiol
Hasta abril de 2008
Museo Picasso
Lee Miller&Picasso
ANTEQUERA (MLAGA)
Nogueras Blanchard
Michael Lin
Sala de Arte Joven
Fuera de Lugar
Trcul
Colectiva
Trama
Colectiva
3 Punts
Joan Pl
Villalba i Bada
Colectiva
BETANZOS (A CORUA)
AVILS
AB-Antoni Botey
Llus Ivern
Fundacin CIEC
Le Corbusier
Hasta septiembre
Cajastur Alfonso VII

Elisa Bermejo
Paisaje
ADN
Marc Quintana
Ad hminem
ArTra
Jess Risueo
Mikrokosmos
Javier Albar
Conexiones Ocultas
Agosto
BARCELONA
CaixaForum Barcelona
William Hogarth
Fotopres07
Hasta 19 agosto
Escenarios
Hasta septiembre
La escultura de los templos
indios
Desde 27 de julio hasta el
18 de noviembre
Casa Asia
Jos Manuel Ballester
Hiperarquitectura e hiperdiseo: nuevos modelos urbanos en la China del siglo XXI
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Alejandro Sales
Mark Cohen
Irene van de Mheen
Hasta mediados de septiempre
Alonso Vidal
Ubay Murillo
Hasta septiembre
Antonio de Barnola
Pamen Pereira
Ice Blink
Hasta el 13 de octubre
Carles Tach
Liliane Tomasko
Hasta finales de julio
Contrast
Robert Berlin
Finales de julio
Photogallery
lvaro Villarubia
Finales de julio
Xanon
Rafael Navarro
Vanguardia
Isabel Garay
BURGOS
CAB Burgos
David Shrigley
As soon as posible
Manu Muniategiandikoetxea
Baga biga higa
Marc Silver
A message to my unconceived child
CASTELL
EACC
La nostra hospitalitat
ESTELLA (NAVARRA)
Museo Gustavo de Maeztu
Clara Gangutia
FERROL
Museo Txtil dindumentaria

Fashion show
Casaborne
Too Barreiro
Sala Rekalde
Periferiak07
Sean Snyder

Non hai arte sen obsesin
Sargadelos
Lus Rapela
Vestiario familiar
GIJN
LABoral
Extensiones-Anclajes
BILBAO
Museo de BB AA
Guerrilla Girls
Kiss Kiss Bang Bang. 45
aos de arte y feminismo
Picasso: Suite vollard
Museo Guggenheim
Anselm Kiefer
Alberto Durero
Sala de exposiciones BBK
Steinert & Cia
Museo Barjola
Mohamadou Nydoye
Douts
Yolanda Tabanera
Mediadvanced
Mara Jos Gonzlez
Huellas de la memoria
GIRONA
Fundaci Espais dart contemporani
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_AGENDA
Mira Bernabeu
Panorama domstic. Srie
Mise en Scne X, 1996-2006
Fundacin La Caixa
Culturas del mundo
Museu dArt
Joseph Perpi
Horizontal
MADRID
GRANADA
Fundacin Canal
Fotgrafos insospechados
Centro Jos Guerrero

Geopoticas. El Vdeo Como
Documento Del Lugar
Coleccin
Desde julio hasta octubre
Palacio Condes de Gabia
Mara Acuyo
Hasta 9 de septiembre
Casa de Galicia
Beatriz Blanco
Crculo BB AA
Rafael Navarro
Desde el 17 de julio hasta el
9 de septiembre
Basilio Martn Patino
2 de septiembre
Fundacin ICO
Man Ray
Fundacin La Caixa
Hogarth
Hannah Collins
14 de octubre
HUESCA
Fundacin Beulas
Carlos Saura
Siah Armajani
Paisajes esenciales
4 de noviembre
LAS PALMAS
CAAM
A travs de paredes
Weather Report
Imgenes del otro lado
14 de octubre
LEN
MUSAC
Carles Congost
Nstor Sanmiguel Diest
ngel Marcos
Pierre Huyghe
LLEIDA
Centre dArt La Panera
Building society
Els limits de la natura
Psters
Abigail Lazkoz
La Caixa
Alberto Giacometti
LUGO
Dibujo e ilustracin de Lus
Seoane
Fundacin Telefnica
Zhang Huan
Museo Municipal de Arte
Contemporneo de Madrid
Lucio Muoz
Ansorena
Jorge Izquierdo
Fernando Latorre
Jess Fraile
Antonio Machn
Antn Patio
Hasta el 31 de mayo
Fernando Pradilla
Nadn Ospina
Hasta septiembre
Arns y Rpke
Hans-Christian Schink
Vietnam Photographies
Blanca Soto
Lina Kim
Men & Places
Michael Wesely
Candigarh
Juana de Aizpuru
Alberto Garca Alix
214X1=317
Barbarn
Confluencias
BAT
Abigail Aguirre Araio
Vidas como paisajes
Cmara Oscura
Fotografa soada
Capa Esculturas
Pedro Fuentes
MNCARS
Wolgang Laib
Percepciones
Lo[s] Cintico[s]
Flamenco y vanguardias
Antonio Lpez
Septiembre
Carmen de la Calle
Puerta Abierta
Museo del Prado

Doce artistas en el Museo
del Prado
Patinir y la invencin del paisaje
Distrito Cuatro
Sebastin Gordn
Museo Thyssen-Bornemisza
Lynn Davis
Hasta el 29 de Julio
Van Gogh. Los ltimos paisajes
Richard Estes
Palacio de Velzquez
Carlos Pazos
lvaro Alcazar
Kimiko Yoshida
Amparo Gmir
El jardn
Hasta septiembre
lvaro Alcazar
Kimiko Yoshida
Catarsis
Ceferino Castellano
Depsito 14
Juan del Junco
Hasta agosto
Durn Exposiciones
Colectiva de verano 2007
Sara Jimnez
Elba Bentez
Valentn Vallhonrat
Hasta agosto
Espacio Kbiko
Cris Orfescu
Walera Martynchik
Espacio Mnimo
Liliana Porter
To see red
Estampa
Zhow Wendou
Hasta el 19 de julo
Manuel Barbero
Estiarte
Mona Khun
Evidence
La Caja Negra
Daniel Blaufuks
La Fbrica
Rosngela Renn
Luis Gurriarn
Juan Carlos Lzaro
Julio
Magda Bellotti
Juan Fernando Herrn
Marita Segovia
Manuel Moldes y Attilio
Manzi
Marlborouhg
Summer Show
Marta Cervera
Colectiva
Max Estrella
Roger Ballen
Shadow Chamber
May Mor
Anbal Merlo
Metta
Thomas Jocher
Michel Soskine Inc.
Alan Glass
Moriarty
Jim Lee
Hata el 15 de julio
My Names Lolita Art
Joan Fontcuberta
Googlegramas
Julio
Concha Prez
Daydream
Oliva Arauna
Botto&Bruno
Vincenzina e la scuola
Pepe Cobo
Qu pasa con las flores?
Pilar Parra & Romero
Tim White-Sobieski
93
17/7/07
12:24
Pgina 94
_AGENDA
Rafael Garca
Rosa Villaln
Junio-julio
Rafael Ortiz
Guillermo Prez Villalta
Raquel Ponce
Karina Beltrn
Apariciones. Launderette
Rita Castellote
Roberto Gonzlez
Fernndez + David Trullo
Sala BBVA
Sebastio Salgado
frica
Catedral Gallery
Grafismos
Hasta agosto
Patio de escuelas
Idilio
Sala de Vernicas
Juan Carlos Robles
Hasta agosto
Adora Calvo
Beth Moiss
Entre rojos
Hsiu Hsiam Wu
Hasta septiembre
OURENSE
Leer imgenes: el archivo
fotogrfico de Julio Cortzar
Marisa Marimn
Ignacio Llamas
Ray of light
Benito Esteban
Citando a Greenaway
Hasta septiembre
La Aurora
Luca Padroni
Transibrica
SAN SEBASTIN- DONOSTIA

Salvador Daz
Premios Altadis
Hasta agosto
Soledad Lorenzo
La Ribot
Trama
Cath Ferguson
David Ruz
Utopa Parkway
Jos Ferrero
Hasta el 20 julio
OVIEDO
Museo de BB AA
Pintura asturiana del siglo
XIX
Sala Murillo
Momentos Urbanos
Vrtice
Colectiva de verano
Koldo-Mitxelena Kulturenea
Dimensin sonora
Kur Art gallery
Ouka Leele
Hasta el 4 de julio
Arteko
Marijose Recalde
El lado dulce de la vida
SANTANDER
PALMA DE MALLORCA
Zambucho
10 aos
MLAGA
CAC Mlaga
Daniel Canogar
Anne Berning
Rachel Whiteread
Benedito
Pequeo formato
Gacma
Takashi Murakami
Superflat
JM
Matas Snchez
Tonta la oveja que se confiesa al lobo
MURCIA
Centro Cultural Las Claras.
Caja Murcia
Luces del Barroco
Espacio AV
Sonia Navarro
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Casal Solleric
Ana Miralles/Mara Cataln
Daniel Chust Peters
Julio
Es Baluard M. dArt Modern
Fundacin La Caixa
Anglada-Camarasa
Fundaci Pilar i Joan Mir
Baltazar Torres
Julio
Horrach Moy
Background 4
PONTEVEDRA
Keith Haring
Museo de Pontevedra
Torres Garca y Rafael
Barradas
La vanguardia cotidiana.
1917-1929
SALAMANCA
Casa de las Conchas
Nate Larson y William Shank
Seeing is believing
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Del Renacimiento al
Novecentismo en la
Coleccin Santander.
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Cervantes
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Arte no parque
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Victoria Campillo
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Trinta
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SEGOVIA
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Figuracin V
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SITGES (BARCELLONA)
SANTIAGO DE COMPOSTELA
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De Czanne a Dubuffet
17/7/07
12:24
Pgina 95
_AGENDA
Tinglado 2
Francisco Jodice
Secreto traces 1997 - 2007
VALENCIA
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Julio Gonzlez en la
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Hasta diciembre
Speed One
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Premios Bancaja
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Prado. Del Greco a Goya
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Argenta
X
Premio
de
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Desde el 29 de junio hasta
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Ignacio Pinazo
Ojos de mar
Hasta el 8 de julio
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Rosala Sender
Obra grfica original
Sala Parpall
Adolfo Siurana
Hasta el 8 de julio
La Nave
Yturralde
Jard Botnic de la
Universitat de Valncia
Sergio Ferra
VALLADOLID
Museo Patio Herreriano
Intocable
VIGO
Centro Social Caixanova
Carlos Mao
Iconografas
MARCO
Carlos Rial
Novos horizontes
Doppelgnger
Retratos de otro siglo
El viaje discolado
El rastro de la memoria
Del 24 de julio al 26 de
agosto
BRAGA
Quadrado Azul
Group Show
Julio- agosto
Eduardo Matos
Manuel Santos Maia
Renato Ferro
Julio

Tamara de Lempicka
Hasta el 15 julio
Jean Dieuzaide
Hasta el 2 septiembre
adhoc
Daniela Edburg
Bittersweet
Mrio Sequeira
Looking Up
Pedro Oliveira
Julio Sarmento
COIMBRA
Plumba
Good News
Mara Prego
Amparo Sard
Hasta el 27 julio
Santa Clara /Convento Sao

Francisco/ Alliance Franaise
Coimbra-Aix-en-Provence
Hasta el 29 julio
Galera Chroma
Sabela Baa / Helena
Zapke
Fragmentos
Mara Prego
Amparo Sard
La mujer mosca
VITORIA-GASTEIZ
ARTIUM
Amar, pensar y resistir
Hasta el 19 agosto
Siah Armajani
Gure artea
16 septiembre
ZH YI!
De Granada a Gasteiz. Un
viaje de ida y vuelta
Centro Cultural
Montehermoso
Piar Albajar
David Quintas
Contraseas
Museo de BB AA
Pintura de paisaje en lava
ZARAGOZA
Antonia Puy
Miguel Oriola
El bosque de Rutheford
ZARAUTZ
Photomuseum Argazki
Euskal Museoa
Hacia la imagen en movimiento
Roberto Botija
PORTUGAL
Sete
Actores Urbanos
CASCAIS
Elipse Foundation
Hedi Slimane
FUNCHAL
Porta 33
Pedro Proena
Drawing Is A Verb
LISBOA
Culturgest
Irwin
Miguel Palma
Roland Schimmel
Hasta septiembre
Fundaao Calouste Gulbenkian
Jos Pedro Croft
Paisagem Interior
Michael Rysbrack
50 anos de arte portugus
Antnio Prates
Harold Cohen
Aarons World
Pedro Casqueiro
Rodrigo Oliveira
Ponta Delgada
Vctor Almeida
Caroline Pags
Conceio Abreu
Within
VILA NOVA DE FAMAL ICO

Fundaao Cupertino De
Miranda
Alfredo Margarido
PORTO
Museu de Serralves
Maria Nordman
Massimo Bartolini
Veit Stratmann
Luisa Cunha
Del 13 de julio al 7 de octubre
Harald Klingelhller
septiembre
Colecao Serralves
Fotografa
Franois Dufrne
octubre
Graa Brando
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Projecto R
So Bento
Rodrigo Vilhena
O Gabinete do Dr. R
Antonio Prates
Harold Cohen
Cristina Guerra
Sabine Hornig
Fernando Santos
Grard Castello-Lopes
Filomena Soares
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