A TO Z INDIA OCTOBER 2022 3rd Edition A To Z India

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A TO Z INDIA MAY 2022 10th Edition A To Z India
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A TO Z INDIA JANUARY 2022 6th Edition Indira Srivatsa
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A TO Z INDIA FEBRUARY 2022 7th Edition Indira Srivatsa
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A TO Z INDIA JUNE 2023 11th Edition Indira S
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Health Literacy from A to Z Helen Osborne
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osborne/
Toxics A to Z: A Guide to Everyday Pollution Hazards

John Harte
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A to Z Coda Book 2 2nd Edition Marie Sexton
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Affiliate Marketing A to Z 1st Edition Jaykay Bak

Unselfishmarketer Com
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A TO Z INDIA
English & Tamil Monthly Magazine Price Rs 65/-
Volume 06 • Issue 03
October 2022
05
The Buddha Park of Ravangla
South Sikkim, India
Indian Culture Indian Art Indian Lifestyle Indian Religion

Submit your artwork, articles & essays to the
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A TO Z INDIA OCTOBER 2022 PAGE 2

FROM THE EDITOR
A TO Z INDIA magazine
covers the Indian through
his art, culture, lifestyle,
religion, etc. This
magazine gives an
insight into the life of
Indians from an angle
uncovered by others.
Turn to find out what it
is about and to immerse
yourself into an entirely
04
different culture.
FROM THE EDITOR'S DESK: DEEPAVALI - “THE FESTIVAL OF LIGHTS” -THE Publication Team:
CELEBRATION OF THE VICTORY OF LIGHT OVER DARKNESS EDITOR: Indira Srivatsa
Deepavali—“the Festival of Lights”—is one of the most significant, joyous and ASSOCIATE EDITOR:
popular festivals of India. In Sanskrit, deepa means “lamp” and avali is “row.” Dwarak, Srivatsa
Thus, the name Deepavali refers to the rows of small clay lamps, known in EDITORIAL
Hindi as diyas, that are lit in homes, temples, and streets during this festival. CONSULTANTS: Santha,
Bhavani, Srinivasan
REPORTING: Raghavan
PHOTOGRAPHY:
05 Adithyan
inside
GRAPHICS ENGINEER:
SOUTH SIKKIM, INDIA: THE Chandra
BUDDHA PARK OF RAVANGLA
Ravangla is situated at an Editorial Office:
elevation of 8000 ft. The small E002, Premier
picturesque semi town is on the Grihalakshmi
Gangtok-Gaysiling highway. Apartments,
A TO Z INDIA: Editorial Address
Elango Nagar South,
Virugambakkam,
Chennai - 600092,
Tamil Nadu, India.
Communication Details:
MOBILE: +91-7550160116
e.mail id:
[email protected]
Disclaimer:
A TO Z INDIA Magazine
has made a constant care
to make sure that
content is accurate on
the date of publication.
The views expressed in
the articles reflect the
author(s) opinions.

From the Editor's Desk: Deepavali - “The Festival of
Lights”
This editorial talks about Deepavali - The celebration of the victory
of light over darkness.
Deepavali—“the Festival of Lights”—is one of the most significant, joyous and popular
festivals of India. In Sanskrit, deepa means “lamp” and avali is “row.” Thus, the name
Deepavali refers to the rows of small clay lamps, known in Hindi as diyas, that are lit
in homes, temples, and streets during this festival. The overarching theme of Deepavali
is the triumph of light over darkness, of knowledge over ignorance, of goodness over
evil. According to the lunar calendar, the festival begins with Govatsa Dvadashi on the
twelfth day of the Krishna Paksha, the dark fortnight of the waning moon. It is
followed on the thirteenth day with Dhanteras, and with Narak Chaturdashi on the
fourteenth day. The festival culminates on the fifteenth day with the New Moon or
amavasya, which is itself the day of Deepavali. In many parts of India and all over the
world in the Indian diaspora, on the day after Deepavali people celebrate the New
Year, which is also called Bali Pratipada. This day-by-day movement from dark to light celebrates the end of
one year and the beginning of another. The first day of the year falls in Shukla Paksha, the bright fortnight of
the moon. Deepavali and New Year are times of completion and new beginnings; times to offer gratitude, to
honor and invoke prosperity, and to spread good will among people.
When I was growing up in Vellore, Tamil Nadu, my grandmother along with many of my cousins and aunts
and uncles lived in the same house, as was typical in India. For Deepavali our home would be abuzz with all
of the youngsters looking forward to buying new clothes and firecrackers, while our mothers were busy
making sweets and savories in large quantities. I remember the huge containers with the typical delicious
treats for the occasion: besan laddoos (sweet round balls made with chickpea flour), nariyal barfis (sweets
made with coconut flour); chaklis and sev (savories made with rice flour and chickpea flour), and many more.
Although my cousins and I were told not to eat these treats before the festival started, we would sneak up to
the pantry and lay our hands on some of them, hoping not to be found outĆ Looking back on these indelible
memories, I think Deepavali was one of my favorite and most anticipated celebrations, as it is for many
people around the world, because it nourished my human desire to connect with others and to celebrate life
in a lovely way. This festival so beautifully does this by bringing people together during those four days and
the days preceding. Throughout my life, I have learned about the meaning behind various aspects of
Deepavali through books, plays, bhajans, and stories from the Ramayana, one of the
LU D 6 ULYDWVD
,QG
great epics of all times. I also learned that Deepavali is a time to invoke prosperity
by paying homage to Shri Mahalakshmi, the goddess of abundance in all its forms.
Editor | A TO Z INDIA
Happy Deepavali 2022! (Sunday, October 24, 2022) [email protected]
+91-7550160116
South Sikkim, India:

Vijay
This is a relatively new tourist spot in South Sikkim. Situated at

an elevation of 8000 ft the small picturesque semi town on the
Gangtok-Gaysiling highway, Ravangla is becoming a hot
destination for its breathtaking landscape and tranquility.
The town and its surrounding area offer an undisturbed view of

the snow ranges of Greater Himalayas. Mt. Kanchenjunga, Mt.
Pandim, Mt. Sinialchu, Mt. Kabru are just a few of the major
peaks that are clearly visible from here. Upper ridges of the
area experience snowfall during winter. Thousands of known and unknown flowers are in full bloom during
April-May and Ravangla gets a romantic look with the colours and fragrance of the flowers.
The main attraction of Ravangla among many others is Tathagata Tsal or Buddha Park. It is a 130-foot high
statue, which was constructed in between 2006-2013. The statue is of Lord Buddha and the location for this
statue was chosen keeping the religious angle in mind. It is a centuries old pilgrim place. It is also located
near Ralang Monastery, which is one of the main monasteries in the Tibetan Buddhism.


Vijay
The area around offers some fabulous short treks. A 12 km trek

from here through the Oak, Pine, Rhododendron, Magnolia and fir
forests will take you to Mainam peak at 10,600 ft. Another 1.5 km
uphill trek leads to valedunga, a hilltop offering beautiful view to
the surrounding mountains. The entire trek route passes through
the Mainam Sanctuary which houses a rare collection of
Himalayan species like the red panda, Himalayan black bear,
leopard cat, black pheasant cat etc.
Best Time to Visit:

Anytime of the year except the rainy season would be best time to visit this place. The weather of South
Sikkim remains pleasant throughout the year, however if you are visiting in winter then don't forget to carry
warm clothes as it can get chilly during this time of the year.
How to Get There:

Airways: The nearest airport is in Bagdogra, West Bengal about 125 km from Ravangla. Sikkim also has got
its first commercial airport at Pakyong, East Sikkim but weather hampers the operation of this airport most
of the time. If you are lucky enough you can get a flight directly to Pakyong.


Vijay
Railways: The nearest railway station is New Jalpaiguri (NJP) in

West Bengal which is about 121 km from Ravangla. You can take a
taxi to reach Ravangla via Namchi or Singtam, which takes about
4-5 hours.
Roadways: Ravangla is about 67 km from Gangtok, the capital
city and about 26 km from Namchi.

A trip to Rajasthan:
Spiritually enlightening experience

Bhavani
Rajasthan is such a blessed land as within its vicinity Lord Brahma dropped a lotus flower and a temple was
brought into being. Enemies attacked many times; everything was destroyed, but it was Tanot Mata that
went untouched. Since Rajasthan is the abode of Rajputs for the longest period, evidently here one can find a
good number of an ancient Hindu temples and has an own story to tell. Tulja Bhavani Temple (Chittorgarh),
Meerabai Temple (Chittorgarh), Madareshwar Temple, Kumbha Shyam Temple(Chittorgarh), Kalika Mata
Temple (Chittorgarh), and Kalika Mata Temple (Pavagadh) are the famous ancient temples that draw a
good number of tourists attention. Shiva worshippers should visit Eklingji Temple, Atmateshwar Temple
(Pushkar), Atmateshwar Temple (Dungarpur) and Ghushmeshwar (Sawai Madhopur). Interestingly in
addition to Shiva, here one can find the good number of 'Mata' temples like Chamunda Mata Temple in
Jodhpur; Adhar Devi Temple in Mount Abu; Karni Mata Temple in Bikaner; Chamunda Mataji Temple in
Jodhpur and much more.
When it comes to the usual temples, Rajasthan comes at the top of the list. In Karni Mata Temple, Bikaner,
more than 200 mice are revered even more because they are considered to be Karni Mata and her sons. No
wonder, Rajasthan is a miraculous place, where magical phenomenon takes place. When on a trip to
Rajasthan for a spiritually enlightening experience, make a point to attend Aarti at Varah Ghat in Pushkar.

A trip to Rajasthan:
Spiritually enlightening experience

Bhavani

By Lalit Garg
Writer, Journalist, Columnist
Special on the eve of Paryushan Mahaparv:
E-253, Saraswati Kunj Apartment
Paryushan, The festival of Self-Awareness 25 IP Extensions, Patparganj, Delhi-92
Email: [email protected]
Lalit Garg Phone: 22727486, 9811051133
Paryushan festival is such a great spiritual festival of eight days of Jain society, which not only illuminates
our body, but can awaken the mind. This is such a season that not only the atmosphere but also the mind
turns into purity. Aadhi, Vyadhi and Upadhi are treated and lead to Samadhi, which is celebrated every year
all over the world. This festival has its own unique importance in the sacrificial culture of Jainism. It is not
only a festival; it is considered a great festival. Because this festival is a spiritual festival, and is the only
inspiring festival of self-purification. That is why this festival is not only a festival, it is a great festival. It is
the most recognized festival of Jain people. The real meaning and purpose of Paryushana is to reside in
nature, in the soul, being confined to the senses.
Paryushan festival is an occasion for many types of rituals like chanting, austerity, meditation, worship,
anupreksha etc. This great festival is the festival of spiritual brightness. It is a day of introspection; it is time
to look within. The Paryushan festival teaches us to look inward. The one watching outside remains on the
edge. But one who dives deep finds priceless gems. Man's mind cannot become weightless until it reaches the
depths of the inner being and becomes free from weight. Liberation cannot be attained by merely listening to
the sermons. It can be attained through the spirit of ultimate meditation or by the classical knowledge of
Aradhana-Viradhana.
For this it is necessary to do “Pratikraman”. The meaning of Pratikraman is to heal the wounds on daily,
fortnightly and samvatsari occasions by treating the mistakes caused due to pramaada and the ulcers or
wounds caused by it on consciousness. Pratikraman is the combination of two words, Pra meaning return
and atikraman meaning violation. Literally, it means returning from the violations. As Jain householders, we
are supposed to observe the twelve minor vows to minimize the violence towards other living beings which
in turn minimizes the damage to our own souls.
Through pratikraman, the causes of mistakes can be discovered, and they can also be remedied. The essence
of Pratikraman is come back to yourself. For example, coming from untruth to truth, from bad to good,
moving from enmity to friendship. The root cause of today's man who is so disturbed is the lack of
introspection. Everyone is blaming the other, but is not able to take even the slightest initiative in admitting
his mistake. Through Pratikraman, mistakes made in one's life or inadvertently can be resolved
contemplatively. The main purpose of doing pratikraman is to rectify mistakes. The result of pratikraman is -
pratikraman of the past, contemporary to the present and denial for the future. The use of Pratikraman is a
spiritual practice for purification of these three times – past, future and present. Soul is the creator of sorrow
and happiness and destroyer of them. A soul engaged in good tendencies is a friend and a soul engaged in
evil tendencies is its enemy. Therefore, one has to make a friend, find his secret within and destroy his
enemies, and then his secret will also be found within. In fact, Paryushana is an infallible remedy for inner
cleanliness.
The entire Jain society becomes awake and engaged in spiritual practice on the occasion of this festival. In
the Digambara tradition, it is recognized as "DashlakshanaParva". Among them, its opening day is Bhadrav
Shukla Panchami and the day of prosperity is Chaturdashi. On the other hand, in the Shwetambar Jain
tradition, the day of BhadravShuklaPanchami is the day of Samadhi which is celebrated as Samvatsari with
By Lalit Garg
Lalit Garg Phone: 22727486, 9811051133
complete renunciation, fasting, self-study and abstinence. Even people who are unable to take time out
during the year also wake up on this day. Even those who never fast are seen fasting ceremonially on this
day. The literal meaning of Paryushan festival is to be situated in the soul. The word Paryushana is formed
by adding a prefix and a suffix to it. One of the meanings of Paryushana is the destruction of karma. The
enemies of Karma will be destroyed; only then the soul will be situated in its form, so this festival of
Paryushan gives inspiration to the soul to reside in the soul.
Paryushan Mahaparva is a spiritual festival; the central element of it is the soul. Paryushan Mahaparva
continues to play an ego role in revealing the pure, luminous form of the soul. ‘Adhyatma’ means closeness
to the soul. This is the festival of connecting human-human and modifying the human heart, it is the festival
of opening the windows, skylights and doors of the mind. This is the festival of “Kashaya Shaman”. This
festival is celebrated for 8 days, in which heat, turmoil has arisen in someone, if a feeling of hatred has
arisen towards someone, and then an undertaking is done to pacify him during this time. The 10 gates of
religion have been mentioned, in which the first door is forgiveness. Forgiveness means equality. Forgiveness
is very important for life, unless there is forgiveness in life, and then a person cannot progress on the path of
spirituality.
In this festival, everyone tries to make them as pure as possible. A vow of love, forgiveness and true
friendship is taken. The mind is strengthened to maintain the purity of food and the decency of conduct and
behavior as an integral part of the lifestyle. Human unity, peaceful co-existence, friendship, socialism
without exploitation, establishment of international moral values, support of non-violent lifestyle etc. are
the main basis of Paryushan Mahaparva. Efforts are expected to make Paryushan Mahaparv a festival of the
people, in order that these elements can become a part of the life of the people.
Whether a man is called religious or not, whether he believes in self-divine or not, whether he believes in
past birth and reincarnation, whether he should resort to non-violence as far as possible in solving any of his
problems - this is the heart of the sadhna of Paryushan. Violence cannot be a permanent solution to any
problem. Those seeking a solution through violence have only exacerbated the problem. Keeping this fact in
front, not only the Jain society, but also the common people should become faithful in the power of non-
violence and use it with deep faith. Religion without morality, worship without character and the imagining
of a hereafter reform without purification of the present life is a kind of irony. Religious can only be what is
moral. The right to worship should be given to those who are of character. The focus should be on the
purification of this life before entering the labyrinth of the hereafter. This is the safe way to proceed in the
direction of Dharma and this is the basis of the significance of the festival of Paryushan.
The last stage of the Paryushan Mahaparva is Kshasmavani or apology, which is organized in the form of
Friendship Day. In this way, Paryushan Mahaparva and Forgiveness Day - it is a festival to bring one person
closer to another. It is a festival to end the distance between human beings and consider each other as their
own. It is also said in the Gita, “Atmoupamyensarvatrah, saammepashyatiyorjuna.” Shri Krishna said to
Arjuna – O Arjuna! Treat the animal as your equal. Lord Mahavira said- "Savvabhuvesu in mitti,
veramjjhanakenai" I have friendship with all beings; I have no enmity with anyone.
By Lalit Garg
Lalit Garg Phone: 22727486, 9811051133
Paryushan festival is the festival of worship of the inner soul - it is the festival of self-purification, it is the
festival of giving up sleep. In fact, the festival of Paryushan is such a dawn which takes us from sleep to
wakefulness. Lead us from the darkness of ignorance to the light of knowledge. So, it is necessary to remove
the ego of sleep and get absorbed in the inner soul by doing special penance, chanting, worshiping self-study
during these eight days, so that our life will be meaningful and successful.

By Mr.Vijaykumar H K
T-6-327, RTPS colony
Peace should prevail:
Shaktinagar -584170
World Peace Day 21st September Raichur
Karnataka
Vijaykumar H K Email: [email protected]
We observe International Day for Peace on September 21st of each year. The large bell known as the "peace
bell" was donated to the United Nations by Japan in 1950. Two times a year, on the first day of spring, as
well as on September 21 to mark International Day of Peace, the bell is rung. Given the current
circumstances, it is imperative that all nations choose peace over conflict. Everything on this globe looks
beautiful when there is only peace. This year, the bell needs to ring louder in order to specifically reach the
ears of the nations who are both directly and indirectly engaged in conflict. The world has been battling the
pandemic for the past two years, but the war against COVID-19 is still far from over.
In the interim, some nations have been engaged in territorial disputes. So peace is important topic at this
time. What we call in Sanskrit Shanti Mantram is most required now. Here, it is possible to recall the tale of
Alexander the Great. The ancient Greek Alexander the Great oversaw numerous military operations and built
one of history's biggest empires, spanning from Greece to India. He completed all of this work when he was
just about 30 years old. Alexander was ill when he got back to Babylon. As he lay dying, he reflected on the
immense empire he had created, every single war booty he had taken, and the power of his military
apparatus. He fell into a deep despair after realizing that nothing was worthwhile because, despite living a
very good life, he would eventually pass away.
Before leaving, he wanted to spend one final moment with his mother, but he knew he would not be able to
do it and would soon pass away. He made three final requests to his devoted Generals over the phone before
passing away. My first wish is that my doctors should alone carry my coffin," he reportedly said to his
devoted generals. My second wish is that the road leading to my grave be strewn with gold, silver, and all of
the priceless items in my treasury, while my body is being brought to be buried. My third and final wish is to
have both of my hands left hanging outside of my casket.
The three wishes shocked the Generals, who questioned Alexander about the unusual requests. Alexander's
first response was, I want my doctors to carry my casket so they may spread the message that no doctor can
cure anyone. They are helpless and helpless to prevent death. The second is to scatter gold, silver, and other
precious stones along the path leading to the cemetery to demonstrate to the public that, despite having
spent my whole life acquiring wealth, not a single grain of gold will accompany me when I depart this
world. When one yearns to be wealthy, it is a complete waste of time, energy, and tranquilly. Third is
sticking my hands out of the casket., I want people to know that I came empty handed into this world and
likewise will go empty handed from this world So, therefore he wanted to teach the rest of the world that
peace is ultimate thing to win hearths not wars.
In regards to this year's peace day, the theme is "End racism and build peace" Every society's institutions,
social structures, and standard of living are still tainted by racism. It still serves as a major contributor to
enduring inequality. And it keeps denying people their basic human rights. The connections between racism
and gender inequality are undeniable, and they destabilize societies, damage democracies, and diminish the
legitimacy of governments.

By Mr.Vijaykumar H K
T-6-327, RTPS colony
Peace should prevail:
Shaktinagar -584170
World Peace Day 21st September Raichur
Karnataka
Vijaykumar H K Email: [email protected]
We have observed racial discrimination at borders as wars continue to flare around the world and force
people to flee. We have observed that some racial groups have been struck considerably harder than others
as COVID-19 continues to strike our neighborhoods. As economies struggle, racial minorities have been the
target of hate speech and acts of violence. In order to promote peace, each of us must play a part. And one
important way to participate is to combat racism. We may fight to undermine the institutionalized racism in
our society. All across the world, we may help movements for equality and human rights. Education and
restitution for past wrongs are two ways we may advance anti-racism. A world devoid of racism and racial
discrimination should be our goal. A society where empathy and compassion prevail over prejudice and
hostility. a world in which we may actually take pride. Real peace requires much more than just putting
down weapons, so to speak. It necessitates creating cultures in which everyone feels that they may prosper.
It entails establishing a society in where everyone is treated fairly, regardless of race.
Happy International Peace Day!

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e.mail: [email protected]
Ph: 044 26244992.

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Virinchipuram, Vellore:
Maragathambikai Sameta Margabandeeswarar temple

Dinesh
The temple is known for Child boon Prayer. Women take bath in all the Theertas of the temple and go round
the temple deity with hands stretched praying. As you walk around the temple, if you look at the path
through out you will see the images of this action by women etched on the granites. Luckily during
renovation, they didn't remove these granite stones and left them as it is. Finally the temple has some very
interesting inscriptions. These are on the right side of the gopuram as you walk inside. It talks about the
Kanya Shulka system in those days where at the time of marriage, the boy's family has to pay the girl's
family money (opposite of dowry).
The Presiding deity is a Swamyambumurthi in a Another importance is the Rudraksha roof above
leaning form. The rays of the Sun fall on the Lord the Sanctum Sanctorum. When you go to this
in the month of Panguni (March-April)! temple, ask the priest to show this. The
renowned Vedic scholar Sri Appayya Dikshitar
Palm tree is the Sthala Vruksham, in the inner composed the famous Margabandu Stotram,
Prahaaram. The tree has a peculiar characteristic 'Shambo Mahadeva deva' here. Another unique
of giving black fruits in a year and White fruits aspect of this temple is it has a Sun Dial on the
the following year. outer prakaram.

Virinchipuram, Vellore:
Maragathambikai Sameta Margabandeeswarar temple

Dinesh
The temple is known for Child boon Prayer. Women take bath in all the Theertas of the temple and go round
the temple deity with hands stretched praying. As you walk around the temple, if you look at the path
through out you will see the images of this action by women etched on the granites. Luckily during
renovation, they didn't remove these granite stones and left them as it is. Finally the temple has some very
interesting inscriptions. These are on the right side of the gopuram as you walk inside. It talks about the
Kanya Shulka system in those days where at the time of marriage, the boy's family has to pay the girl's
family money (opposite of dowry).

A show-stopper of Indian Architecture: People around the world
Lord Lingaraj temple at Bhubaneswar know Odisha largely for three
major temples ....that is Lord
Srinivasan
Lingaraj temple at
Bhubaneswar , Lord
Jagannath temple at Puri and
the abandoned Sun temple at
Konark. If people will be
interrogated to arrange these
three temples chronologically,
many of them will fumble.
The Lord Lingaraj temple
comes first if we consider the
chronological history of all
these three temples.
Bhubaneswar is known as the
Ekamra Kshetra as the
divinity of Lingaraja was
initially under a mango tree
(Ekamra literally means one
mango( Eka+Amra ) as
verified in Ekamra Purana, a
thirteenth century Sanskrit
composition.
The overwhelming temple of

Lord Lingaraj , having a height
of180 ft , strikes wonderment
and regard among its guests.
It was constructed during the
eleventh century AD. The
temple has been depicted as
"Probably the best illustration
of Hindu Temple in India" by
noted scholar & antiquarian
James Fergusson (1808-1886).
The temple denotes the
perfection of the temple
engineering in Bhubaneswar
which was the support of the
Kalinga School of Temple
Architecture. The rambling
temple complex has hundred
and fifty auxiliary sanctums .

A show-stopper of Indian Architecture:
Lord Lingaraj temple at Bhubaneswar

Srinivasan
The temples are viewed as

a show-stopper of Indian
Architecture for its definite
arrangement, extents,
consistent joints, exquisite
craftsmanship and
noteworthy aspects. The
temple can
comprehensively be
separated into four
principal lobbies.
The Garbha Griha (Sanctum

Sanctorum), the
Jagamohan(the lobby for
supplications), the Natya
Mandapa (dance and music
corridor) and the Bhoga
Mandapa (where
aficionados/ servitors can
have the Prasad (offering)
of the Lord).

A show-stopper of Indian Architecture:
Lord Lingaraj temple at Bhubaneswar

Srinivasan
The lovely carvings portraying

errands of day to day existence,
the action habitats, aside from
being a position of love makes
the temple a spot for social get-
together, to some degree like
what a cutting edge public
venue.
Lingaraj is alluded to as
'Swayambhu" - (self-began
Shivlinga). One more significant
part of the temple is that it
means the syncretisation of
Shaivism and Vaishnavism
orders in Odisha. The Shivling is
known as Hari Hara. Maybe the
rising faction of Lord Jagannath
which matched with the
finishing of the Lingaraja Temple
played a part to play.
The non-Hindus are not allowed
to get inside the temple
premises. Be that as it may, one
can get a perspective on the
whole temple complex and take
photos from a raised stage (
raised exceptionally for the
foreign tourists just outside the
north external boundary wall).

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EDITOR: INDIRA SRIVATSA

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A TO Z INDIA
ENGLISH & TAMIL MONTHLY MAGAZINE
PUBLISHED ON THE FIRST WEEK OF EVERY MONTH
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UNDER NUMBER TNBIL/2017/75531
R. DIS NO. 757/2017 ROC NUMBER L-105291/2021

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admiration, quoique, à la suite de l'article qui précède, il ne me
tienne plus pour un ami…
FRÉDÉRICK WATTS
Cette étude fut d'abord écrite pour une revue, après l'exposition
posthume du maître anglais, comme M. Armand Dayot me
demandait quelques lignes qui commentassent des reproductions en
blanc et noir de toiles inconnues en France. J'avais trop peu de place
pour donner aux lecteurs l'idée de cette œuvre énorme et les raisons
que j'ai de l'admirer tant. Watts est un des plus importants artistes
que je présentais dans «Essais et Portraits» et je ne lui consacrais
que cinq pages; au moment où je les relus—avril 1916—venait de
paraître un article saisissant, de M. Pierre Mille: «La fin du
Gentleman». La conscription générale était sur le point d'être
adoptée par l'Angleterre, qui, en face du péril européen, renoncerait
les avantages de caste qu'elle avait conservés, bouleversant les
traditions qu'elle était la dernière des aristocraties à maintenir. Le
sens de l'œuvre et la vie de Frédérick Watts prirent un sens social,
s'éclairèrent, comme tant d'autres choses, au reflet de la guerre.
Pourquoi Watts était-il demeuré si étranger à nous? Pour les
mêmes raisons auxquelles est due l'incompréhension mutuelle des
Anglais et des Français, persistant, même depuis qu'alliés nous
répandions, côte à côte, notre sang pour une même cause.
*
* *
En 1919, dans un coin de salon, j'aperçois le grand corps souple

d'un homme âgé, une tête aux cheveux gris mais de physionomie
jeune, des yeux d'enfant, le teint frais de ces Anglais, qui, au cours
d'une longue existence de labeur intellectuel, n'ont pas manqué un
seul jour de prendre l'air, de se livrer à un exercice hygiénique.
C'était Mr. Balfour, pareil à ce qu'il se montrait, il y a de cela vingt-
cinq, trente, quarante ans dans d'autres salons, à Londres ou à la
campagne, entre deux parties de tennis. Cette «éminente figure
politique» mérite, elle, du moins, l'épithète tant à la légère et
complaisamment accolée au premier venu des diplomates, comme
aux artistes et aux comédiens.
Mr. Balfour connaissait sans doute peu Paris, avant la Conférence
et son séjour forcé parmi nous; ou bien il le connaissait, comme la
plupart de ses compatriotes, pour y avoir dormi quelques nuits entre
deux gares, en route pour ses vacances à Cannes ou à Rome.
Combien notre monde doit être une surprise de toutes les minutes,
pour un tel insulaire de l'époque victorienne! N'est-il pas la dernière
incarnation, ou presque, d'un type d'homme de naguère, dans une
société à peu près abolie et si belle, si douce, que ceux qui y
vécurent pourront malaisément se consoler de sa disparition? Et Mr.
Balfour semblait promener sa souriante philosophie dans de fébriles
et anxieux cercles parisiens, tel qu'à l'époque de la reine Victoria,
dans le parc de Holland House, ce rendez-vous de tout ce qui fut
glorieux dans ces temps déjà oubliés de nous, et si proches
cependant…
Deux ministres, des députés, un directeur de journal, avec des
dames que la politique surchauffe, discutaient les événements du
jour, près de la cheminée. Mr. Balfour, à un autre bout de la pièce,
causait avec la seule personne qui, ce soir-là, dans ce milieu
parlementaire, possédât la maîtrise de la langue et l'usage de la
société britannique. Quelles réflexions nous propose, dans le Paris
de 1919, un Congrès si gros de conséquences sociales, et où notre
sort devrait être réglé: réunion d'alliés, dont les meilleurs et les plus
fermes nous découvrent, en tant qu'individus, intelligence et
sensibilité, si différents du cliché qu'ils avaient pris de nous… Ils
nous avaient découverts sous le casque bleu, et nous redevenons
autres en habits civils.
Parmi les plus mystérieux cas d'ignorance mutuelle compte celui
des Anglais et des Français: quelques kilomètres de mer séparent
deux des plus anciennes et accomplies civilisations européennes; les
Anglais voyagent; nous voyons des Anglais circuler dans nos rues,
rouler sur nos routes départementales, que tant d'entre nous
ignorent, comme nous ignorons leurs «counties.» Les échanges, les
communications faciles et rapides, suppriment de plus en plus les
distances, on disait les frontières; et néanmoins, ce qu'un
commerçant, un financier, un industriel apprend par besoin
professionnel, les politiciens et les diplomates, les artistes, qui, avant
tous leurs compatriotes, sembleraient devoir étudier cela même,
continuent à le dédaigner ou à s'y méprendre. Un Balfour enfermé,
comme il le fut, dans une sorte d'écrin par les défenseurs de sa
sereine tranquillité, fut néanmoins un des plus avisés, des plus
clairvoyants délégués de l'Entente. Son expérience politique, sa sûre
tradition, recueillie des meilleures mains de ses prédécesseurs ou
collègues, pendant un demi-siècle, sa foncière honnêteté, sa
délicatesse, sa culture de «scholar» et de gentleman de la bonne
race, n'était-ce point là tout de même un atout?
L'existence d'un gentleman, la magnifique et délicieuse carrière
d'un homme politique, tel qu'un Balfour, un Disraeli, un Gladstone ou
un Lord Salisbury—et dont ces temps-ci marquent la fin—révolte la
conscience d'un démocrate moderne (qui n'en a d'ailleurs qu'une
vague notion). Mais on se demande parfois, dans quelle proportion,
les deux types de politiciens en lutte, conducteurs de débats, chefs
de partis, faiseurs de lois, et qui assument la responsabilité de nos
destins, valent mieux l'un que l'autre pour le bien public; comment
se balancent le manque de traditions, de lumières générales, et un
insuffisant frottement avec les masses populaires, les classes
montantes, les catégories nouvelles de citoyens.
Ce qui saute aux yeux, c'est qu'à mesure que les intérêts
communs de l'humanité tendent à rapprocher les continents, à unir
les créatures en un seul faisceau, si l'unification des mœurs établit
une certaine ressemblance extérieure entre les races de l'univers
entier, d'autres cloisons se forment, aussi épaisses que jamais, entre
les Anglo-saxons et les Latins, et leur cercle visuel se réduit
davantage. Nous nous «spécialisons» et renfermons dans un
particularisme rigoureux; chacun travaille pour soi-même, écarte,
volontairement, par simple paresse, ou indigence de curiosité, ce qui
demande un effort pour être atteint. Par désespoir de nous
comprendre, ou indifférence, nous construisons autour de nous
d'étroites fortifications dans lesquelles se bouchera toute meurtrière
par laquelle nous apercevrions l'horizon.
D'où ces jugements qui déconcertent et témoignent d'une
ignorance de villageois, d'avant les chemins de fer.
Combien y a-t-il d'années que les Gainsborough, les Reynolds, les
Raeburn et les Lawrence sont appréciés de nous? Les paysagistes du
XIXe siècle, Constable, Turner, nous furent imposés à la longue; on
dénie encore à nos voisins d'outre-Manche le sens esthétique, il est
convenu qu'ils ne possèdent pas d'artistes créateurs.
J'écrivais en 1906: «Prévenons dès l'abord le lecteur français
qu'on n'entre pas de plain-pied dans l'œuvre de Watts. Si vous
n'aimez pas à lever la tête pour voir les grandes figures plafonnantes
au-dessus de vous, négligez ce géant. Si vous ne regardez pas Paul
Baudry à l'Opéra, mais réservez votre sympathie pour quelques
pommes sur une serviette bleue, Watts ne vous convaincra pas.
Impossible, dira-t-on, d'être plus «vieux jeu» et plus démodé que
Watts, un de ces Anglais italianisants, qui, à Florence, à Venise, se
firent une conception immuable de la Beauté, et sur qui l'art
moderne n'eut pas de prise.
Un de nos critiques me disait: «Votre Watts? mais c'est un vieux
prix de Rome!»
Un autre: «Watts? c'est le Gustave Moreau des Anglais; je
préfère Boecklin, Lembach, s'il faut choisir dans les écoles
étrangères de romantiques académiques…» Un de mes amis écrit
ses romans en face d'une reproduction de l'Amour et la Vie. Comme
je lui demandais ce qu'il savait de Watts, il me répondit: «Rien ou
presque rien; les peintres me disent que c'est un mauvais peintre
vieux jeu, quelque chose comme un… Élie Delaunay, est-ce vrai?
Cette composition est charmante, j'ai depuis longtemps chez moi
cette photographie de l'Amour et la Vie… un ancien souvenir
d'Exposition universelle… Alors, ça ne vaut rien? Peinture pour
littérateurs?»
Non, Watts fut, nous le dirons tout à l'heure, un peintre pour les
peintres. Si, à propos de Watts, j'avais fait allusion à Fantin, à Ricard
et à Gustave Moreau, c'était pour donner dans un magazine, en
regard de reproductions en blanc et noir, quelque idée de la
«matière» parfois grenue, un peu cotonneuse ou trop travaillée et
trop «cuite», qui alourdit des toiles telles que la Jeunesse et la Mort,
telle composition, tels portraits d'entre 1870 et 1880. La technique
perdit sur le tard, en souplesse, la brosse s'empâta; certaines figures
nues semblent modelées comme des maquettes de sculpteur. Les
tableaux de Watts ne sont pas toujours «de la belle peinture» et
Watts, à la fin de sa longue existence, parut plus soucieux
d'exprimer des idées que de nous donner des jouissances visuelles.
«Peintures à idées»! Mais Odilon Redon n'est-il pas un peindre à
idées? Pourquoi un Redon est-il défendu passionnément par ceux qui
collectionnent des Van Gogh et des Cézanne, et qui n'accueilleraient
pas dans leur galerie un Gustave Moreau ou un Watts? Odilon Redon
est-il plus que Gustave Moreau, un peintre?
Le prestige des méconnus et des «ratés» a perverti l'opinion. Les
merveilleuses Curiosités esthétiques de Baudelaire, critique
infaillible; les livres de Huysmans, de Duranty; les propos de Degas,
de Renoir sur Cézanne, rapportés par des chroniqueurs, mirent en
circulation un langage spécial depuis qu'un marchand de tableaux
posa sur le même chevalet qu'un Fromentin, un Henner, ou un
Daubigny par lui recommandés naguère à sa clientèle, quelque
figure de Cézanne et s'exclama: «Formidable»! Or les jeunes gens
parlent de ce qu'on leur montre.
La carrière d'un artiste est jugée du même point de vue que l'est
son œuvre, par nous autres, modernes, pour qui une vie de peintre
a plus d'intérêt, si elle fut tourmentée, humble, difficile. Le génie
semble être le privilège de ceux qui luttent pied à pied, contre
l'indifférence et l'incompréhension de leur époque. Nous sommes
blessés en constatant la chance des autres. Il est peu d'exceptions à
ce point de vue social du critique français. Frédérick Watts ne fut pas
un martyr. Peut-on citer Puvis de Chavannes?
Il ne commença, d'ailleurs, à se faire vraiment connaître que vers
cinquante ans, et Chavannes, quoique avide autant qu'un Meissonier
de récompenses officielles, garda son indépendance avec jalousie,
même comme Président d'une grande Société. Il recevait, le matin,
journalistes et élèves, dans sa petite chambre de garçon, contre
l'atelier de la place Pigalle où il ne travaillait jamais. Il dissimula sa
vraie existence d'homme privé, il ne se fût pas laissé confondre avec
un Meissonier ou un Carolus Duran, Présidents aussi de la Société
des Beaux-Arts, tout en sachant, à certaines heures, porter croix et
rubans sur une poitrine bombée de maréchal de France, et recevoir
des hommages dans les banquets nationaux. Mais il ne fut pas de
l'Institut!
Il est peu de tâches plus difficiles à notre époque que de concilier
la politique d'une carrière officielle et la noblesse d'une vie de grand
artiste. Or, Frédérick Watts fut un grand peintre et un «officiel», un
grand gentleman (comme un homme d'État au temps de la reine
Victoria), et un reclus.
*
* *
Son exposition posthume à Burlington House formait, quoique

incomplète, un vaste musée. En y pénétrant, on était saisi de
remords et comme d'une honte d'avoir si longtemps vécu, presque
sans le connaître, si proche de ce superbe vieillard qui, en plein
Londres moderne, avait été un Titien, un Tintoret et un
Chateaubriand à la fois!
Il fut un poète et un érudit, non pas invisible ainsi que Gustave
Moreau, mais mêlé au monde, comme l'auteur des Mémoires
d'Outre-Tombe; et il portraitura les «beautés à la mode», les
illustrations de la littérature, de la science et de la politique, par
devoir d'historien, en ami, en grand seigneur chez lequel passe toute
personne qui porte un nom, ou possède une valeur. Ayant eu le
bonheur de réaliser ses désirs, il léguait à la Nation—tant pour la
National Portrait Gallery que pour la «Tate» (musée du Luxembourg
britannique)—plusieurs centaines de ses ouvrages, qui n'iraient
jamais chez le commissaire-priseur. Il dictait le jugement de la
postérité et choisissait sa place à côté de Turner.
Aujourd'hui, l'on visite, dans la Tate Gallery, une salle Turner,
tendue d'une soie rouge, semblable à celle que le paysagiste choisit
pour sa propre demeure, comme fond à ses tableaux. L'Angleterre,
reconnaissante, reconstitua le cadre original de ces poèmes peints,
les plus belles pages de son XIXe siècle; la même piété patriotique a
réservé des galeries pour l'œuvre du portraitiste national, que fut
Watts, et pour ses compositions. Il n'en est pas une qui ne vaudrait
un sérieux commentaire. Esprit d'une rare supériorité, Watts avait
fait le tour des philosophies, des religions, compris les mythes de
l'humanité.
«L'art de Watts se tient au-dessus des conditions physiques», a-t-
on écrit; «il remonte aux origines de l'humanité, à ses mythes, et fait
revivre les plus anciennes traditions.» Nous ne pourrions donner
qu'une trop vague notion d'un cycle philosophique qui se développe
d'un bout à l'autre, avec une rigueur absolue, car les illustrations
seules pourraient le faire comprendre.
La mort a surtout préoccupé Watts; elle rôde à travers son
œuvre. Watts la figure comme une amie bienfaisante et secourable à
qui le soldat, le prince, le mendiant rendent un égal et fraternel
hommage. «La maladie repose sa tête sur les genoux hospitaliers de
l'endormeuse; l'enfant joue ingénûment avec son linceul». «Dans la
Cour de la Mort, un nouveau-né sommeille contre le sein de la
macabre majesté; le silence et le mystère gardent le seuil de son
palais.»
Dans l'Amour et la Vie, une mince jeune femme, aux lignes
exquises, est l'emblème de la fragilité humaine, de sa faiblesse et de
sa force à la fois. «L'humanité monte la rude pente de l'animalité à la
spiritualité.»
La plupart de ces allégories sont chargées de symboles qui
m'échappent parfois. Watts, moraliste et idéologue, avait le désir
d'enseigner, comme nous le verrons.
Je ne tenterai pas ici d'étudier le philosophe; quant au peintre,
quelque style dont il ait cru ou voulu se rapprocher,—antiquité,
moyen âge—il conserve sa manière propre et très moderne.
Appelons le un post-raphaélite. Il marcha seul, à côté des pré-
raphaélites, demeurant un isolé comme tous les grands créateurs. Si
sa pensée plana sur des cimes d'où nous sommes exclus, il fut
d'ailleurs un réaliste. A côté de sa fameuse «Espérance», les yeux
bandés, accroupie sur le globe terrestre, et qui pince la dernière
corde de sa harpe, vous verrez, du Watts réaliste, certain attelage de
brasseur, un fardier, des chevaux fumants dans une rue de Londres,
sous la conduite d'un gars aux vêtements de cuir, et qui font de loin
penser à Gustave Courbet. L'harmonie bleu-turquoise de l'Espérance,
tableau trop littéraire, et la peinture robuste des Fardiers, les rouges,
les oranges de ce splendide morceau sont deux aspects d'un art
presque trop riche et dont se méfient les apôtres de «l'art
circonscrit».
Watts est aussi grand dans un morceau de nature morte que
dans ses fresques du Hall de Lincoln Inn's Field, au Temple. Lors de
son exposition posthume à Burlington House (Royal Academy), Fata
Morgana, Paolo et Francesca, Le Jugement, Prométhée, Orphée et
Eurydice, Endymion, la Mort couronnant l'Innocence, centaines de
sujets didactiques, philosophiques, voisinaient avec des portraits
majestueux (tels que le Tennyson), ou familiers; documents sans
pareils sur la société anglaise au XIXe siècle. Dans une étoffe, des
accessoires, une fleur, Watts a des délicatesses inattendues, des
raffinements aussi rares que ceux de Whistler. Dans le portrait de
Lady Margarett Beaumont et de sa fille, qui date de 1859, une
certaine robe gris-lilas, est d'une «matière» de pétale d'iris, où Alfred
Stevens [7] excella.
[7] Alfred Stevens, le Flamand; ne pas confondre avec l'Anglais du même nom,
peintre et sculpteur, très grand artiste complètement ignoré en France, et
contemporain de Frédérick Watts.
Je ne connais point d'esquisses, par Watts; toutes ses toiles sont
achevées, menées jusqu'au bout, en une maîtrise tranquille, qui
déconcerte quelque peu et dérange nos habitudes.
Watts ne rencontra pas les obstacles que tant de jeunes artistes
ont souvent à surmonter. Ses dispositions furent favorisées par un
père et un grand-père clairvoyants. Élève des Écoles de l'Academy
dès dix-huit ans, puis du sculpteur Behnes, il débuta par un coup de
maître. Comme perfection technique, il ne dépassa jamais l'étonnant
Héron blessé, une toile qui peut être mise à côté de n'importe quel
chef-d'œuvre hollandais, et supérieure à Fyt. Après un premier
concours pour la décoration du Parlement, en 1843, il passa quatre
années à Florence, chez Lord Holland, ministre britannique près la
cour du grand-duc de Toscane. Là, et dans ses voyages à travers
l'Italie, il acquit, comme sir Joshuah Reynolds, toutes les
connaissances que comportait encore, dans ce temps-là, le métier
de peindre. Lord Holland était un esprit éclairé, un grand seigneur
fastueux, le propriétaire de ce château et de ce parc de Holland
House, qui sont comme un comté dans l'intérieur de Londres—alors
le rendez-vous de la société, des littérateurs et des artistes, comme
des diplomates et des princes.
Le jeune Watts fut, à la légation d'Angleterre à Florence, plutôt
un secrétaire d'ambassade qu'un élève peintre en tournée d'études.
Malgré les charmes de l'Italie, qui retiennent parfois les Anglais
pour toujours, Watts retourna à Londres, concourut encore pour un
panneau à la Chambre des Lords, il fut victorieux. Ce panneau
représente Saint-Georges et le dragon. A partir de 1848, ce fut une
succession vertigineuse de tableaux de chevalet et de portraits, dont
chacun a une particularité d'exécution ou de conception: paysages
symboliques, tels que le Retour de la Colombe après le déluge;
quelques toiles d'intimité à la Fantin, dont certaine femme assise sur
un canapé. La Femme au canapé appartient encore à la période des
savants glacis et des «jus» à la Delacroix. L'œuvre de Fantin et de
Whistler, que je venais de voir d'ensemble quand fut exposée celle
de Watts, semble chiche, à côté d'une telle abondance, de cette
effarante prodigalité; il est probable que l'une quelconque des toiles
(non symboliques) de Watts serait fameuse parmi celles de nos
petits maîtres préférés. Mais pour lui, elles n'étaient rien.
Nous passâmes près de Watts, un peu comme le touriste devant
un palais dont il croit que la porte ne s'ouvre pas au public. C'était le
temps des écoles qui durèrent trois ans, des auteurs d'un livre, des
hommes qui s'emprisonnèrent dans un système, par crainte d'être
appelés «versatiles». Watts se renouvelait, parce qu'il avait toujours
plus à donner, puisant aux sources que lui offraient l'histoire et la
grande culture classique. Il fut à la plupart de ses confrères peintres
ce qu'est un Balzac à un Jules Renard, un Shakespeare à un
Alexandre Dumas.
De rester auprès de votre poêle, ne veut point dire que vous
soyez Descartes.
Watts se nourrissait «des anciens et des habiles modernes»,
comme écrit La Bruyère; «on les presse, on en tire le plus que l'on
peut, on en renfle ses ouvrages, et quand, enfin, l'on est auteur et
que l'on croit marcher tout seul, on s'élève contre eux, on les
maltraite, comme ces enfants drus et forts d'un bon lait qu'ils ont
sucé, qui battent leur nourrice.»
Mais Watts ne maltraita point les siennes. Il s'était «nourri des
anciens et des habiles modernes», comme on pouvait l'être au siècle
de La Bruyère, quand «l'honnête homme» avait sa place réservée
pour cultiver ses talents et son esprit à l'ombre des portiques, dans
un beau parc dont il avait la jouissance, sinon la propriété, et où il se
croyait établi pour toujours.
Frédérick Watts était comme locataire à vie de la famille Holland.
Le vieux lord décédé, Watts habita une maison de Kensington, toute
proche du château, qui est, lui aussi, une anomalie dans la Londres
moderne.
Je n'oublierai jamais les deux heures que je goûtai, vers 1880,
chez le vénérable vieillard. Sa maison de Holland Park n'était
qu'ateliers et galeries. Dès l'entrée, on se sentait apaisé, dans la
«sérénité de l'art pur». C'étaient des salons pleins de précieux objets
où deux dames qui adoucirent sa fin, glissant comme des ombres,
allaient et venaient, occupées à garnir de fleurs des vases et des
coupes. Du jardin, dans le goût archaïque anglais, filtrait la lumière
d'une belle journée de juin; on apercevait, au travers des petits
carreaux aux losanges de plomb, le cavalier héroïque, l'Énergie
physique, dû au ciseau de Watts, et dressé au milieu des allées de
sable rouge; la mémoire pleine d'un passé illustre, l'artiste me
raconta des anecdotes sur des Français de naguère, sur la société du
duc d'Orléans; puis, apprenant que j'étais peintre, il porta des
jugements inattendus sur nos confrères, car il était aussi renseigné
sur ceux-ci que sur les Vénitiens du XVIe. Le maître me «raconta» les
portraits dont il était entouré, et une certaine toile, déjà ancienne,
une femme dans une robe florentine à crevés de satin, soutachée de
perles, dont il repeignait le fond.
Watts n'avait vu que les beaux aspects de la vie, évolué qu'en les
milieux les plus polis, fréquentant de hautes intelligences dignes de
la sienne.
Une telle existence ne vaut-elle pas la peine d'être vécue?
*
* *
Mais n'est-il pas trop tard pour parler de Watts, que je voudrais
faire aimer et mieux connaître? Je crains de suggérer à des Français
la sorte d'opinion qu'ils se firent d'un Théodore Chassériau, d'un
«homme distingué», d'un dandy; ou qu'un «avant-garde» ne me
réponde, comme me l'écrivait quelqu'un de «distingué» en sortant
de la Tate Gallery: «Les Anglais ont, comme les Belges, leur musée
Wirtz…»?
Watts, non moins que Chassériau, fut «un homme distingué»,
horrible insulte! Mais, avec son pinceau, il fut le très puissant
créateur d'un vaste cycle où les Dieux, les Héros, fraternisent avec
les personnages du siècle dernier. Si je n'ose le comparer à
Delacroix, c'est que je suis moi-même, avant tout, sensible à cette
qualité inanalysable de «peinture» sensuelle, que possédait
Delacroix, comme Rubens, comme Fragonard, comme Manet et
Renoir—qualité qu'on «palpe» parfois chez Watts, mais qu'il perd
quand il devient trop «cérébral».
Mais quel que soit son moyen d'expression, on ne résiste pas à
l'admiration qu'inspire la magnitude de sa pensée. Chesterton nous
le présente ainsi: «Voici un homme dont la dépréciation de soi-
même est intérieure et essentielle, dont la vie est d'un moine, le
caractère d'un enfant, et il a au fond de son âme un si inconscient et
colossal sens de sa grandeur, qu'il peint comme si son œuvre devait
avoir plus de durée que la Croix dans la Cité Éternelle. Adolescent, il
s'attendait à peine aux applaudissements du public; comme vieillard,
il s'étonne encore de ses succès; mais dans son adolescence
anonyme, comme dans sa silencieuse vieillesse, il peint comme un
qui, du haut d'une tour, abaisserait ses regards, à travers la
perspective des siècles, sur des temples fantastiques et
d'inconcevables républiques.
»L'esthétique et la morale d'un Watts ne sont pas, comme chez la
plupart de ceux nés artistes, des sujets à somptueux discours, à
développements pour conférences et dont il y aura des profits
personnels à tirer; mais une règle de vie, comme de se lever de
bonne heure, d'être consciencieux, c'est-à-dire: ou bien un principe,
ou rien du tout.»
Aussi bien, comme Chesterton le fait remarquer, la morale,
l'évangélisation, dirions-nous, un besoin si caractéristique de la
vertueuse époque victorienne, ce grand portraitiste ne s'en peut pas
départir, Watts la tient pour son principal devoir, sans pour cela
cesser d'être peintre; sa morale s'incorpore à son œuvre de peintre.
Son individualité n'en est jamais offusquée, quoique Watts rentre
toujours, de parti pris, dans l'Universel, et refuse de regarder
l'univers du point de vue de l'individu—ce qui, d'autre part, donne à
un artiste plus d'acuité, de personnalité—et c'est là un des traits
essentiels d'un homme comme Frédérick Watts et, à la fois, de son
époque. Nous le présentons au lecteur français, autant comme un
document historique, que comme un peintre. Il étonnera, par la
multiplicité de son entreprise humanitaire, les jeunes gens de notre
aujourd'hui, tout dévoués aux «essais», volontiers spécialistes, qui
se renferment dans un étroit cercle d'expériences et se plaisent à
l'ésotérisme, cherchent à n'être point compris du vulgus. Watts n'a
pas non plus composé des tableaux dont le symbole fût toujours
clair; néanmoins, il prétend instruire, il peint pour que ses toiles
soient vues par des illettrés, aussi bien que par des «intellectuels», il
tient à l'opinion du peuple et lui lègue son œuvre didactique.
«Il insiste sur les symboles universels, écarte ceux qui seraient
locaux, ou temporaires, même si le lieu est tout un continent, et la
durée une série de siècles…»
Il lui eût été facile et d'un plus sûr effet—a-t-il souvent répété—
de rendre plus intelligible le sens d'un de ses tableaux, en y
introduisant quelque image, quelque trait populaire et d'actualité;
mais il ne daigne, car malgré son désir de clarté, son instinct le
mène plus loin. Nous ne voyons pas de crucifix pendu au-dessus de
la tête de l'Heureux guerrier, ni de couronne impériale, ni
d'accessoires héraldiques, symboliques, dans le Mammon; ni une
machinerie théologique, dans la Cour de la Mort. (Chesterton).
Ces adjuvants qui tenteraient sa main, Watts les repoussa parce
qu'ils lutteraient avec sa stupéfiante ambition de peindre pour tous
les peuples, pour tous les siècles!
Et ici, me posera-t-on la question: vous disiez tout à l'heure que
Watts avait vécu comme un moine; or, vous l'avez montré comme un
homme du monde, presque un Chateaubriand, et maintenant selon
vous cet ambitieux peint pour les siècles!
*
* *
Eh! bien, oui: un artiste a pu nous offrir ce paradoxe vivant, dans

la société qui disparaît et dont la tête de Mr. Balfour évoque le
souvenir. Mais il y aurait trop à dire pour rendre ce cas tout à fait
clair, et il faudrait aborder des questions presque de l'ordre religieux.
«Watts réalise le grand paradoxe de l'Évangile: «Il est humble, mais
prétend hériter la Terre». «L'universalisme prêché par Watts et les
autres génies de l'époque victorienne était, on le conçoit, sujet à
certaines spécialisations, qu'il n'est point nécessaire d'appeler
«limitations». Comme Matthew Arnold, le dernier et le plus sceptique
d'entre ceux qui exprimèrent leur idée fondamentale dans la forme
la plus désintéressée et philosophique, ces hommes soutenaient
«que la règle morale constitue les trois quarts de la vie». La seule
idée qu'il puisse exister quelque chose de plus important que la
morale, leur eût paru sacrilège, ce en quoi ils avaient raison,
quoiqu'ils fussent partiaux, ou partisans; ils n'observaient point le
maintien de l'«universalité», dans leur critique… Nous ne reprochons
pas à Watts cette attitude comme une faute, car il met une borne à
un point défini, à la façon des anarchistes eux-mêmes; il est
dogmatique, comme le sont tous hommes raisonnables.»
(Chesterton).
Il nous a bien fallu toucher quelques mots sur l'«Universalisme»
(comme disent les Anglais) de Watts, parce que c'est là une des
particularités dominantes des esprits de sa race, et de son temps
même. Herbert Spencer ne s'est-il pas dévoué à une entreprise aussi
gigantesque que celle de Dante, à «un inventaire, ou un plan de rien
moins que l'univers», allant jusqu'à mettre à leur place, «et
scientifiquement», la foi brûlante des martyrs, comme les plus
abruptes nouveautés du monde moderne? Nous sommes ébahis et
un peu épouvantés par ces individus, si différents de nous et qui,
comme Gladstone, «abattaient des forêts, par manière d'exercice
récréatif, ou Stuart Mill, qui, dans son enfance, avait déjà lu la
presque entière littérature de toutes les langues». Et Chesterton
explique l'indépendance de Watts, son détachement, au-dessus de la
mêlée, par la magnifique solitude dans le travail, dont ses illustres
contemporains lui donnaient l'exemple.
Combien nous aimons, dans la vie de Watts, le mélange d'une
délicate sensibilité, d'une modestie quant à sa personne, et la
hauteur du but qu'il poursuit! Quelle leçon, pour nous, qui exhibons
avec orgueil le moindre croquis, la page la plus bâclée, que nous
signons comme un manifeste historique!
Notre éloignement, notre mépris dirais-je, pour l'allégorie et le
symbole en peinture, sont dus à la médiocrité, sinon à la niaiserie
des artistes qui, au XIXe siècle, ont pratiqué ce genre. Un esprit
distingué, comme Gustave Moreau, nous rebute autant que de
moindres nous apprêtent à rire. Chesterton écrit fort justement que
la plus valable objection à l'allégorie se fonde sur ceci: que l'allégorie
implique «l'imitation d'un art par un autre» et sur notre foi en la
perfection, l'infaillibilité du verbe. Elle serait une sorte de pléonasme,
comme un mot composé dans lequel l'un des éléments figure deux
fois. «Le mot allégorie est lui-même une allégorie.»
Or ce jugement, tout arbitraire, ne saurait toucher Watts qui,
quoi qu'on ait dit, est moins littéraire qu'humain, et dont les tableaux
nous invitent plutôt à penser sur un thème, mais qui suffisent
d'abord à nous émouvoir plastiquement. Ne prenons pas The
Dweller in the innermost,—traduirais-je La Vie intérieure?—ni
l'Orphée et Eurydice, mais Hope (l'Espérance), dont la reproduction
est si connue. Je voudrais citer toute la page où Chesterton se
demande ce que le spectateur déchiffrerait en cette figure
mélancolique d'une si belle arabesque…
Sa première pensée serait que le titre est Désespérance; sa
seconde: qu'il y a erreur dans le catalogue; la troisième: que le
peintre était fou. Mais s'il se dégageait de sa prime inquiétude et
qu'il fixât attentivement cet étrange tableau crépusculaire, il se
développerait petit à petit en lui, une indéfinissable, mais puissante
sensation; et alors, que verrait-il? quelque chose pour quoi il ne
possède point de vocable, quelque chose de trop vaste pour
qu'aucun œil ne l'ait perçu, de trop secret pour qu'aucune religion ait
pu l'exprimer, même comme une doctrine ésotérique. Debout,
devant cette toile, le spectateur se trouve tête à tête avec une
grande vérité; il s'avise qu'en nous, quelque chose est sur le point
de s'évanouir, mais ne disparaît jamais; une foi à laquelle il semble
toujours que nous disions adieu, et qui néanmoins s'attarde
indéfiniment, une corde toujours tendue à se rompre, mais qui
pourtant ne se brisera jamais; et qu'en nous, ce qu'il y a de plus
délicat, de plus fragile, de plus mystérieux, est en vérité au fond de
nous-mêmes l'indestructible. Il connaît un grand fait moral: à savoir
qu'il n'y a jamais eu un âge de Foi, d'assurance totale. La Foi a
toujours le dessous; elle est battue, mais elle survit à tous ses
conquérants. Le désespérant bavardage moderne sur les siècles
d'obscurantisme et les autels chancelants, la fin des dieux et des
anges: tout ce verbiage est vieux comme le monde; des
lamentations sur les progrès de l'agnosticisme, il y a des traces dans
les sermons des moines des âges de ténèbre; on trouverait dans
l'Iliade les malédictions adressées à la jeunesse impie. La Foi
n'abandonne jamais les mortels, et cependant, avec une audacieuse
diplomatie, menace de les quitter, et elle est demeurée chez tous les
rois, toutes les foules, les a régis sous des airs d'un pèlerin qui
passe. Elle a réchauffé, éclairé l'humanité, depuis le premier jour du
jardin d'Eden, avec des rayons éternels, mais ceux d'un incessant
coucher du soleil. Dans ce tableau de mystère, la malice (de la foi)
se trahit presque. Personne ne peut donner un titre exact à cette
toile; mais Watts, l'auteur, l'appela l'Espérance. Et il est remarquable
que ce titre ne soit point, comme le pensent ceux qui l'estiment
littéraire, la réalité sous le symbole, mais un autre symbole pour la
même vérité, ou plus exactement, une autre image qui illustre un
autre aspect de cette même vérité si complexe. (Je traduis à peu
près.)
Deux hommes ont senti, sous le mot Hope, quelque chose de
violent et d'invisible. Le spectateur a prononcé ce mot; et l'artiste a
peint un tableau en bleu et vert. Ce tableau est insuffisant; le terme
est faible: néanmoins entre l'un et l'autre, comme deux anges qui
calculeraient une distance, ils situent un mystère, et l'un de ceux
que, des centaines de siècles, l'homme a tâché de percer, et qui lui
échappent encore.
«Le titre n'est donc pas tant la matière, la substance d'une des
œuvres de Watts, qu'une épigramme dont cette peinture est le
prétexte. C'est une tentative pour suggérer, en s'emparant de
l'instrument d'un autre métier, l'intention qu'a eu le peintre en
employant ses pinceaux. Watts appelle son œuvre «Espérance», et
c'est peut-être le meilleur titre, puisqu'il nous remémore ce fait, trop
oublié, que Foi, Espérance, Charité, les trois vertus théologales des
Chrétiens, sont aussi les plus gaies. Le paganisme n'est point gai,
mais plutôt tristement noble; l'esprit de Watts, en général
mélancolique et noble aussi, se rapproche ici du mysticisme à
proprement parler, de celui qui est gonflé de secrète passion et de
réconfortante foi, tel Fra Angelico, ou Blake. Mais quoique Watts
appelle cette formidable chose l'Espérance, il vous est loisible de
l'appeler Foi, Vitalité, Volonté de Vivre, Religion de demain matin,
Immortalité de l'Homme, Amour de Soi-même, ou Vanité: la clef du
mystère qu'est l'homme survivant à tout et qu'il n'y ait pas sur terre
de pessimiste… «S'il existait quelque part un homme qui eût perdu
toute espérance, son visage nous frapperait dans une cohue, comme
un coup violent; qu'il se pende, celui-là, ou devienne premier
ministre, peu importe; cet homme-là est un mort.»
Je n'ai pas résisté à la tentation d'évoquer ces lignes de G. K.
Chesterton, quoique le plus brillant morceau de littérature n'ait rien à
voir avec un tableau, et surtout avec un chef-d'œuvre; mais
j'aperçois là, en noir sur blanc, la pensée de la sereine Albion de
mon enfance, celle de Mr. Balfour, celle des héros que Watts a
portraiturés: Carlyle, Manning, Leslie Stephen, Matthew Arnold,
Stuart Mill, Robert Browning, Tennyson, Meredith, Lytton, William
Morris, D. G. Rossetti, les mélancoliques et les gais, les croyants et
les athées, les grands hommes de Victoria, reine de Grande-
Bretagne, impératrice des Indes.
*
* *
J'aimerais de m'étendre davantage sur l'exceptionnel portraitiste

Frédérick Watts, plutôt que sur le peintre de sujets. Après tout, il est
à peu près oiseux de discuter si sa morale, si son enseignement par
l'art plastique, sont les traits qui l'honorent le plus. Quelle est la
parenté qui unit la morale et l'esthétique, y en a-t-il une, entre elles?
Questions qui laisseraient bien froids la plupart des lecteurs français,
en 1919—peut-être à tort—et quoiqu'on puisse prévoir un retour
prochain aux spéculations de cet ordre. Mais est-ce ici le lieu
d'indiquer les deux buts vers lesquels semble s'orienter une ardente
jeunesse? Est-ce ici qu'il convient d'indiquer les deux buts si éloignés
en apparence, et peut-être bien voisins, vers quoi semblent se
diriger nos jeunes artistes? Néanmoins, Watts fut le contraire d'un
portraitiste littéral. S'il n'a pas déformé le visage humain, il en a
extrait l'élément spirituel; en tant que dessinateur et peintre, il est le
continuateur des maîtres, mais il y a quelque chose de tout à fait
neuf dans sa conception du portrait.
«Ses modèles n'étaient point toujours satisfaits de son
interprétation. Comme il me l'a dit, lui-même, quand Carlyle vit son
image sur la toile qu'achevait Watts, l'historien s'écria: «Vous avez
fait de moi un laboureur fou». Les amis de William Morris, dont la
beauté était célèbre—il ressemblait à un Zeus—ne la retrouvèrent
pas dans ce visage que Watts avait fait émerger, violent, sanguin, les
yeux injectés, d'un fond vert profond, où quelque feuillage
métallique accroche la lumière.» Chaque portrait de Watts est, non
pas une recherche nouvelle et voulue (car ils sont tous différents les
uns les autres, comme présentation), mais, chaque fois que le
modèle pose devant le maître, celui-ci semble voir en même temps
que l'homme ou la femme qu'il a assis sur la plate-forme, l'œuvre,
l'existence, le présent et le passé de ces personnes; et s'oubliant lui-
même, saisi d'un respect religieux pour la créature humaine qu'il
recrée et immortalise avec ses pinceaux, il les revêt d'un caractère
de noblesse, les pare tels qu'il veut que la postérité les imagine.
Cette conception héroïque du portrait ne date pas des débuts de
sa carrière; quant à nous, nous préférons certaines toiles familières
que nous avons citées; mais parmi les centaines dont s'honore la
National Portrait Gallery de Londres, ceux surtout des quarante
dernières années, il en est peu qui ne décèlent un souci d'épurer les
visages de toute trivialité, d'insister précisément sur ce
qu'aujourd'hui nous appelons les traits caractéristiques, disons: la
grimace, la caricature.
Watts—écrit Chesterton, comme nous l'avons écrit d'Ingres—
s'agenouille devant son modèle, officie; mais tandis que Ingres fait
une oraison à la nature, à la chair, au corps, Watts s'incline devant
l'esprit, le génie, devant le héros.
Mais le hasard fit que la plupart de ses «sitters» fussent dignes
d'être ainsi traités. Eût-il été un mauvais peintre, il nous importerait
peu qu'il ait mis un symbole dans sa nature-morte du Héron mort,
ou dans le masque d'une actrice. Mais il était, répétons-le, avant
tout, un peintre.
Frédérick Watts, chargé d'ans, ressemblait à un Tintoret, sous sa
calotte de doge, quand il me reçut dans sa maison, à Holland House,
avec ce sourire d'adolescent et cette grâce aisée qui plaisent tant en
Mr. Balfour. Disons-nous bien que nul ne verra plus jamais sur un
visage de vieillard moribond, ce reflet si doux d'une longue vie,
pourtant agitée par les passions, remplie par un labeur acharné et
une intense production. L'âge n'éteint pas cette lueur, qui nimbait le
front du grand artiste; il s'en alla, convaincu qu'il avait travaillé pour
le bien de son pays, qu'il avait éduqué ses concitoyens; il avait
accompli de son mieux une tâche morale, moralisatrice, et cela il
l'avait pu faire, parce qu'il occupait sa place normale dans la société.
Cette place ne lui avait point été contestée à toutes les heures du
jour, comme l'est à chacun de nous la moindre langue de terre que
nous occupons ici-bas, ou la plus modeste supériorité.
Mr Balfour, Frédérick Watts: visages de paix, de sérénité, de
candeur, figures dont la guerre a brisé le moule! Il ne sera donc plus
permis aux «intellectuels» de vieillir sans se courber et sans rides,
avec ce teint vermeil que nos devanciers avaient parfois comme les
ruraux, qui évitèrent la Ville?
LES DAMES DE LA GRANDE-RUE
(Berthe Morisot)
Pour Madame Rouart,

née Julie Manet.
Une porte s'ouvre sur le vestibule. Des joues rondes et roses de

petite fille, un tablier blanc à pois: c'est vous, Julie, l'enfant chérie;
Julie! Votre maman vient de vous faire poser, vous courez vers vos
jeux. Treillages bleus sur le mur, arbustes: un jardinet dans Paris.
Des cerises sur la crédence de la salle à manger, des fruits dans une
coupe de cristal. Une bonne, les cheveux un peu en désordre,
blonde, et point laide, coud près de la véranda… Mais vous
connaissez mieux que moi l'œuvre de madame votre mère, et vous
grandîtes dans ce décor parisien, entre l'avenue Victor-Hugo et
l'avenue du Bois, qui avait à peine cessé d'être l'avenue de
l'«Impératrice», quand vos parents construisirent leur hôtel, rue de
Villejust.
Depuis l'Arc de Triomphe jusqu'à la place où s'élève aujourd'hui
un monstrueux monument de bronze, rocher de Guernesey et un
poète dessus, vous souvient-il de ces vieilles masures, ateliers
d'artistes, de carrossiers; des hangars du garde-meuble Bedel, du
côté impair de l'avenue d'Eylau, (alors celui du terre-plein auquel on
accédait par des marches, et qui était au niveau du quartier des
Bassins). Du côté pair, le vôtre, des jardins et des parcs: des villas et
des maisons de famille. C'était, pour madame votre mère, encore un
peu du vieux Passy.
Plus loin, à partir de l'église Saint-Honoré, entre l'avenue d'Eylau
(aujourd'hui Victor-Hugo) et la rue de la Pompe, un vaste terrain en
contre-bas, et non bâti, fut longtemps le domaine d'une tribu de
vagabonds; il y avait là des montagnes russes, une sorte de Magic
City très primitive; un singulier personnage y vivait dans sa cabane,
un Levantin, disait-on, et qui, vêtu de fourrures, un bonnet
d'astrakan sur sa tête aux longues mèches sales, faisait traîner par
des béliers sa voiturette, attelage aussi célèbre, au Bois, que ceux de
madame Rattazzi. Ce quartier assez «louche» était celui des
acrobates, des employés de l'Hippodrome, alors situé entre l'avenue
Bugeaud et l'avenue Malakoff.
Je passais par là chaque matin en me rendant d'Auteuil à la
classe; je croisais parfois mademoiselle Morisot, une boîte
d'aquarelle et un «bloc» sous le bras: mademoiselle Morisot dont me
parlait mon institutrice, la bonne mademoiselle Eugénie Fossard,
grande autorité parmi «ces Dames de Passy». Car «mademoiselle
Berthe», votre mère, en était une alors; elle logeait avec votre
grand'mère et vos tantes dans la rue Guichard, plein cœur du vieux
Passy. Combien elle me faisait peur, madame votre mère, avec sa
mise «étrange», toujours en noir et blanc, ses yeux sombres et
ardents, son anguleux visage maigre, pâle, sa parole brève,
saccadée, nerveuse, et sa façon de rire quand je lui demandais à
voir ce qu'elle cachait dans «son bloc»!
—Avez-vous bien travaillé? me disait-elle,—pour détourner mes
questions.—Mademoiselle Eugénie est-elle contente? Et ces
demoiselles de la villa Fodor, les avez-vous vues ces temps-ci?
Les demoiselles Carré, c'étaient d'autres «Dames de Passy», de
la province de Paris; bref de ce quartier qui n'était ni la ville, ni la
banlieue, et dont encore aujourd'hui les boutiques, en certaines rues
autour de Notre-Dame-de-Grâces, ont l'aspect, les «articles» même
qu'on fabriquait avant 1870 et l'odeur… l'odeur des ruisseaux que le
baron Haussmann négligeait d'assainir.
La villa Fodor! La cour, les plates-bandes, la statue de sa fontaine
de zinc, les jardins en déclive jusqu'à la rue Raynouard et au parc
Delessert; le bassin, le jet d'eau: paysage urbain de mademoiselle
Berthe Morisot, royaume de ces dames X et Z., chez lesquelles je
rencontrai la grande artiste, alors «une» amateur, «une personne
distinguée! une originale mais très genre!» disait-on. «Très genre»
signifiait «à la mode», élégante, «qui a du chic».
Valentine et Marguerite, les amies de votre maman, furent parmi
ses premiers modèles à lourd chignon blond dans un filet, et soutenu
d'une tringle horizontale dont les deux extrémités étaient des boules
noires; la taille sous les seins, le corsage tuyauté et ouvert en cœur.
Autour du col, un velours qui pend sur le dos: le «Suivez-moi jeune
homme», «très genre», à la villa Fodor.
Il est des objets peints par mademoiselle Morisot dont elle
perpétuera, en les poétisant, la couleur et la forme: cachepots en
faïence de Gien moderne; dedans, un «caoutchouc» aux grosses
feuilles bêtes; chaises dorées, fauteuils crapauds capitonnés, à
glands; et ces housses blanches dont l'artiste recouvrait presque
toujours des meubles hideux faits en bois de palissandre.
*
* *
Il y avait donc une Société locale autour de la villa Fodor, des

familles qui ne dépassaient guère l'extrémité de la grande rue de
Passy, ou, si elles avaient affaire «dans Paris», prenaient le train de
ceinture. Leur existence était circonscrite entre le Ranelagh, la
Muette et le Trocadéro; elles se visitaient beaucoup, s'invitaient à
des goûters où chaque dame apportait son ouvrage, des gâteaux de
chez Petit et les potins d'une gazette «mondaine» assez bourgeoise
et provinciale, j'imagine, quoique plusieurs artistes y prissent part,
dont mademoiselle Charlotte, la fille du sculpteur Vital-Dubray,
ensuite madame Albert Besnard. Je me la rappelle dans la splendeur
de ses dix-huit ans, ses manches retroussées sur des bras de
déesse, modelant un buste de Sémiramis, en présence de S. M. Le
Khédive. Les dames de la villa, les dames de Passy faisaient cercle
dans l'atelier de la jeune statuaire, où l'on allait répéter La Ciguë,
comédie d'Émile Augier, mise en scène par Got, un autre voisin,
solitaire du hameau Boulainvilliers.
Berthe Morisot, l'arrière petite-nièce de Fragonard, n'est-ce pas
Madame? a grandi dans les élégances modestes de ce vieux Passy,
entre des pavillons des XVIIe et XVIIIe siècles et ces maisons à un ou
deux étages, blanches et couvertes en tuiles, qu'ont fait tour à tour
disparaître les immeubles qui les remplacent toutes, ou presque,
aujourd'hui. Déjà des cubes de pierre de taille s'accumulaient près
des échafaudages, quand, certain jour de 1867, mademoiselle
Marguerite, me ramenant par la rue Franklin, du cimetière où nous
avions porté des fleurs, présenta le tout petit garçon que j'étais à
«mademoiselle Berthe», qui, assise sur un pliant, peignait au pastel
en plein air.
—Monsieur Manet est là, à la fenêtre de monsieur X…, dit-elle.
J'entendais pour la première fois, sans doute, le nom de votre
oncle Édouard. Vous connaissez son «Exposition universelle de 67»,
vue du Trocadéro. Manet devait être en train de faire une étude pour
ce tableau si amusant, avec figures du second empire, les pantalons
rouges des lignards et, je crois m'en souvenir, des ouvriers maçons.
Le point de vue devait être l'endroit où, aujourd'hui, tant de
voyageurs des tramways de Passy attendent que la receveuse en
bonnet de police ait aiguillé la voiture sur d'autres rails, quand finit le
trolley. C'étaient alors de vastes jardins, encore des «pavillons», des
«folies» Louis XV et Louis XVI; des charmilles et des glycines
suspendaient leurs grappes à de bas murs chancelants.
Je rencontrai bien souvent ensuite mademoiselle Berthe à la villa
Fodor, où je jouais soi-disant, mais désirais surtout voir votre mère,
car les pinceaux et les couleurs m'attiraient déjà plus que les parties
de volant ou de crocket. Elle fit devant moi un charmant portrait de
mademoiselle Marguerite, en robe rose pâle; toute la toile était pâle;
Berthe Morisot était déjà elle-même, supprimait de la nature les
ombres et les demi-teintes. La jeune demoiselle, «plantée comme un
piquet», disait-on, avait l'air, sur son sofa, d'une poupée Huret; les
dames de la Grande-Rue riaient derrière le dos de l'artiste qui,
heureusement, était «une personne bien charmante», malgré «les
drôles de choses qu'elle peignait avec tant de nervosité». D'ailleurs
elle ne devait point être si contente que cela de son ouvrage,
puisqu'elle barbouillait et l'effaçait après la séance… et mademoiselle
Marguerite posa des mois durant, sans que cette esquisse semblât
prendre corps. «On n'a pas idée de ça! mettre dans un portrait un
piano lilas, des rideaux de mousseline, un caoutchouc au lieu d'un
bouquet!»—remarquait l'une—à quoi la maman, une précieuse,
aimable et minaudant: «Je ne suis pas de votre avis, chère, tout ce
que touche mademoiselle Berthe, elle lui donne du genre!»…
Les demoiselles Carré s'habillaient au goût de Berthe Morisot; il
me semble ne revoir dans mes souvenirs que des jupes claires, des
mousselines, des jaconas à pois, des taffetas légers comme dans les
aquarelles de la grande artiste.
Il est toute une série d'objets d'ivoire, de nacre, reliures d'album,
coffrets, baguiers, houppes à poudre de riz, miroirs, petites brosses
sur une table de toilette drapée de blanc sur transparent rose; des
cornets en verre avec des arums dedans, des psychés en laqué
crème dans une chambre en cretonne à semis pompadour; il est des
parfums de Pivert, pommades aux violettes de Parme, ou savons au
«suc de laitue», que je ne puis voir, ou sentir, sans penser à la villa
Fodor, aux tableaux de Berthe Morisot.
Toutes ces choses étaient «genre» et très nouvelles dans le
Passy des dames Carré. Un nuage de poudre sur la peau, une
touche de noir sous les yeux, n'étaient point jugés «fard» et
mademoiselle Morisot en conseillait l'adjuvant à ses modèles.
Ne croyez pas, chère Madame, que je fusse si monstrueux que
d'avoir noté ces détails à l'âge que j'avais sous l'Empire… la villa
Fodor, la rue Guichard et leurs habitantes ont peu changé de
coutumes et de goûts; longtemps même après, l'œuvre entière de
Berthe Morisot, datée de Passy, de la rue de Villejust, de Guernesey
ou du Mesnil, reste la même: une, pareille, en dépit de l'influence
que Renoir exerça tardivement sur son admiratrice. Vos armoires
sont pleines encore d'études légères et délicates, savamment
touchées du bout d'un pinceau qu'elle seule sut tenir comme un
crayon à se faire les cils. Elle touchait sa toile comme la peau d'un
visage, traitait une meule, un peuplier de banlieue, comme une
bouche, ou une écharpe de tulle.
Rue Guichard.—C'est au printemps, peut-être un «jour de
Longchamp», les voitures roulent dans la Grande-Rue; les fenêtres
sont ouvertes; les jalousies, lamelles mi-closes, au midi sur la cour,
laissent filtrer un rayon rose; au nord, la fenêtre ouverte sur la rue
répand une lumière froide, que réchauffe le reflet des maisons d'en
face, avec leurs balcons de fer, leurs cinq étages et leurs toits de
zinc, si chers à Gustave Caillebotte. Un appartement bourgeois, mais
dans cet appartement, une chambre de jeune fille est l'atelier d'une
grande artiste. Des housses, des rideaux blancs, des porte-feuilles,
des chapeaux de paille «bergeronnette», un sac de gaze verte à
prendre les papillons, une cage avec des perruches, fouillis
d'accessoires fragiles; et point de bric à brac, nul objet d'art, mais
quelques études, au mur tendu d'un papier gris moiré, pékiné, et, en
belle place, un paysage de Corot, un frotaillis d'argent.
Je n'en avais point encore vu «des Corot»; des lèvres minces de
mademoiselle Morisot, ce nom de Corot, pour frapper mon oreille,
prononcé comme par un enfant qui sucerait une boule de sucre de
pomme, sortait d'une bouche friande.
—Monsieur Corot vient de me donner cela!
Mademoiselle Morisot penche la tête, à droite et à gauche, cligne
des yeux, redresse sa taille prise dans un «canezou» à grelots de
soie, regarde l'esquisse qu'elle a choisie parmi les dernières études
de son maître, et qui doit la ravir, quoique mademoiselle Morisot
garde toujours sa ravissante expression ennuyée, dégoûtée, sinon
un peu colère.
Elle n'a rien «de sa main», à me montrer; elle efface tout ce
qu'elle fait, en ce moment; «la peinture à l'huile est trop difficile!»
Ce matin encore, désespérée, elle a jeté dans l'eau du lac, au Bois
de Boulogne, une étude de cygnes, qu'elle suivait en barque;
voulant me faire un petit cadeau, elle cherche dans ses cartons
quelque aquarelle. En vain.
Elle m'offrira donc des langues de chat, spécialité du pâtissier
Petit et des finettes à la pistache, mais point de peinture: non! elle
n'a «rien de joli!» Ce mot, comme le nom de Corot, il fallait
l'entendre comme mâché, savouré par elle…
Mais, vous savez comment, Madame, car elle vous appela Julie,
l'un de tous les plus «jolis» vocables de la tendresse maternelle; il y
avait un peu en elle d'une Marceline Desbordes Valmore. Sous sa
froideur éloigneuse, elle était tout élan, amour, passion.
*
* *
Nous aimerions savoir quels furent les rapports des deux rivales,
élèves d'Édouard Manet: Berthe Morisot et Eva Gonzalez. Celle-ci,
moins douée, mais dont on parlait davantage, car elle exposait au
Salon et vivait dans le monde littéraire et journaliste de Paris. Toutes
deux avaient quelque chose d'espagnol en elles; ou bien était-ce que
Manet les espagnolisât, quand il les faisait poser? L'une et l'autre
dames aux cheveux noirs, aux yeux noirs, aux fines mules, sont
inséparables, pour nous, ne fût-ce qu'à cause de l'œuvre de leur
maître, où elles figurent si souvent, surtout madame Morisot, qui fut
pour une bonne part «l'élément Goya», dans les toiles de votre
oncle.
L'apparition du «Balcon», au Salon des Champs-Élysées,
provoqua combien de discussions chez ces dames de la villa Fodor!
«l'enlaidissement» de mademoiselle Berthe, que nous trouvons si
belle aujourd'hui, dans sa robe blanche derrière les barreaux vert-
véronèse du «Balcon». Et la «femme à l'éventail», la «femme au
soulier rose», la «femme au manchon» les cheveux à la chien sur le
front, les yeux profondément enfoncés dans le bistre!…
Tandis qu'Eva Gonzalez, bonne copiste, peignait lourdement
comme M. Manet, avant 70, Berthe Morisot, dès ses débuts, avait
conquis sa liberté. Je croirais qu'elle suggéra peut-être à Claude
Monet et à Sisley, qu'un paysage parisien ou des environs de Paris,
un jardin, un pont de chemin de fer, des coquelicots dans l'avoine
pâle de Seine-et-Oise, étaient des motifs picturaux et il semble
qu'elle ait parfois prêté ses modèles, pour les figurines à chapeaux
de paille et à jupes claires, qui remplacent enfin les paysans, les
bûcheronnes, dans le paysage «impressionniste». Berthe Morisot fut
la bonne fée de l'impressionnisme, qui est un art féminin, comme de
faire des bouquets ou de la «frivolité»!
Au rebours des personnes de son sexe, qui se guindent à la
facture mâle et ne songent qu'à faire oublier qu'elles sont femmes,
Berthe Morisot a senti les limites de son art, traitant la peinture en
aquarelliste, en pastelliste, dessinaillant, «jetant», comme on disait à
la villa Fodor, n'appuyant pas, frôlant la toile ou le papier. Sa maîtrise
garda, jusqu'à la fin de sa vie, la saveur de la jeunesse, les
colorations du premier printemps, l'odeur du serynga et des lilas
blancs sous la pluie. Déjà parvenue à la maturité du talent, copie-t-
elle un plafond de Boucher, au Louvre? C'est une transcription qu'elle
en fait, un panneau bleu-rose et blanc, pour décorer son atelier-
salon de la rue de Villejust, qu'elle a voulu non pas au nord, mais en
plein midi, à lambris blancs Louis XVI; la lumière y est égalisée par
des stores crème; il n'y a pas un coin sombre; les jonquilles, les
tulipes, les pivoines dans des vases, se détachent sur du clair, avec
la transparence des chairs, le modelé plat, le «ton local» sans heurts
des objets et des visages qui font face à une fenêtre. Un tel
éclairage passe pour «décolorant»; je ne crois pas qu'avant Berthe
Morisot, aucun artiste ait, de propos délibéré, toujours peint «quand
il n'y a pas d'effet», c'est-à-dire en supprimant les oppositions
d'ombre et de demi-teinte, et choisissant, pour détacher dessus une
figure, une même «valeur» claire.
Berthe Morisot a bien plus influencé son beau-frère, qu'elle ne
s'est soumise aux habitudes traditionnelles d'Édouard Manet.
*
* *
Quand elle épouse Eugène, et cesse d'être la «demoiselle de

Passy», c'est le paysagiste qui choisit de passer des étés en

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A TO Z INDIA OCTOBER 2022 PAGE 3

The Buddha Park of Ravangla

This is a relatively new tourist spot in South Sikkim. Situated at

The town and its surrounding area offer an undisturbed view of

A TO Z INDIA OCTOBER 2022 PAGE 5

The Buddha Park of Ravangla

The area around offers some fabulous short treks. A 12 km trek

Best Time to Visit:

How to Get There:

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The Buddha Park of Ravangla

Railways: The nearest railway station is New Jalpaiguri (NJP) in

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Spiritually enlightening experience

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A TO Z INDIA OCTOBER 2022 PAGE 13

Happy International Peace Day!

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Entire range of Plywoods, Glasses, Doors

#2/1, Kambar Salai,

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