Dibujo para las Artes y el Diseño

Jacques Derrida -Memorias del ciego 1 Selección de fragmentos y traducción por Carlos Fisgativa -¿Debería solamente escuchar? ¿u observar? ¿o mirarte en silencio mostrándome los dibujos? -Las dos, una vez más, o entre las dos. Te haré observar que la lectura no procede de otro modo. Ella escucha al mirar. He aquí una primer hipótesis: el dibujo es ciego, o si no el dibujante o la dibujante. En tanto que tal y en su momento propio, la operación del diseño tendría algo que ver con el cegamiento. Según esta hipótesis abocular (ceguera (aveugle) viene de ab oculis: no desde o por los ojos, sino sin los ojos) queda esto por escuchar: el ciego puede ser un vidente, tiene en ocasiones vocación de visionario. Segunda hipótesis, implante del ojo, implante de un punto de vista sobre el otro: un dibujo de ciego es un dibujo de ciego. Doble genitivo. No hay ahí una tautología sino una fatalidad del autorretrato. Cada vez que un dibujante se deja fascinar por la ceguera, cada vez que hace de la ceguera un tema de sus dibujos, proyecta, sueña o alucina una figura de dibujante o en ocasiones, más exactamente, alguna dibujante. Más preciso aun, comienza a representar una potencia dibujante en obra, el acto mismo del dibujo. Inventa el dibujo. El trazo no se paraliza entonces en la tautología que pliega lo mismo a lo mismo. Al contrario, está atormentado por la alegoría, por este extraño autorretrato del dibujo liberado a la paraba y a la mirada del otro. Subtítulo de todas las escenas de la ceguera, entonces: el origen del dibujo (p. 10). ________________ Mira los ciegos de Coypel. Todos llevan las manos adelante, su gesto oscila en el vacío entre la prensión, la aprehensión, la plegaria y la suplica (p. 12). ________________ Un dibujante no puede no estar atento al dedo y al ojo, sobretodo a aquello que toca el ojo, a aquello del dedo que lo alcanza para dar finalmente a ver. A veces, Jesús sana los ciegos por un simple toque, como si le bastará dibujar en el espacio el contorno de los párpados para darles la vista (pp. 15-16). ________________ El ciego de Lucas Leyde es menos pasivo. Por sí mismo, por su propia mano, el habrá dibujado sus ojos, el habrá mostrado su ceguera a Cristo. Se presenta a sí mismo, como si un ciego hiciera su retrato, el autorretrato de un ciego contando su propia historia en primera persona, habrá indicado, localizado, circunscrito la invidencia de su mano derecha girada hacia su rostro, señalando con el indice hacia el ojo derecho. Girada hacia su ojo, el gesto del dedo mostrando pero sin tocar el cuerpo propio. A distancia conveniente o respetuosa, el dibuja una suerte de auto-deíctico obscuro, nocturno pero asegurado. Extraña flexión del brazo o reflexión del pliegue. Autoafección silenciosa, retorno a sí, relación consigo sin vista y sin contacto (p. 16). ________________ Pero Platón los representa inmóviles. Nunca llevan las manos hacia la sombra (skia) o hacia la luz (phos), hacia las siluetas o las imágenes que se dibujan sobre la pared. En dirección de esta skiao photo-grafía, en vista de esta escritura de la sombra o de la luz, ellos no se aventuran, como el hombre solo de Coyppel, con las manos en frente (p. 22). ________________ Derrida, Jacques (1990) Mémoires d'aveugle. L'autoportrait et autres ruines. Paris, Editions de la 1 Réunion des Musées Nationaux.

Un año después de su aparición en Francia durante el 2016 -coincidiendo, apropiadamente, con el centenario de la mentada batalla-, ha llegado a nuestras librerías El último asalto de Jaques Tardi (Valence, 1946), la tercera parte de la saga que el gran dibujante de cómics ha dedicado a lo más crudo de la Primera Mundial y de la que forman parte previa La guerra de las trincheras (1993) y ¡Puta Guerra! (2009) -en français suena más fino-, todas publicadas en España por Norma durante la presente década.

El desconocimiento de técnicas graficas tradicionales por parte de las nuevas generaciones de estudiantes en Colombia, ha provocado que el grabado en metal, madera, piedra y sedas hayan quedado en el olvido, permaneciendo muchas veces la frustración por las falencias percibidas al respecto.
Pero hoy en día, en pleno siglo XXI, se observa como las técnicas tradicionales sufren nuevamente las agresiones del olvido, no solo en los talleres privados sino desde las aulas de clase, ya que en algunas instituciones con programas dedicados a las  bellas artes, como: La Universidad Nacional de Colombia, La Universidad Industrial de Santander, Uniquindío,  entre otras, se ha venido restando importancia a la grafica y sus procedimientos: materias electivas, baja intensidad horaria, bajo costo en el porcentaje del valor de la materia en créditos, poca motivación en el estudiantado para profundizar en el conocimiento de este tema.
En numerosos casos, se afectan procesos evolutivos para los desarrollos individuales en la creación plástica, ya sea por el desconocimiento de estas técnicas tradicionales o por la carencia de personal capacitado para adelantar tan loable labor, siendo esta la motivación principal para hacer de las futuras experiencias, un aporte para conocer,  profundizar y experimentar en el tema, y  no dejar que siga cobrando vigencia el olvido en que cada vez caen las técnicas tradicionales de hacer grabado.
En una época que tiende a negar la independencia de los medios artísticos, y que además rehúsa aceptar la idea de subjetividad como patrón expresivo, ¿cómo podría discutirse la tarea del grabador y la función del grabado? Cualquier grabador se comprometería con la segunda condición, dado que la repetición, la dedicación artesanal y cierto control mecánico de la imagen hacen incómoda en el grabado la postulación de conceptos expresivos individualistas e inmediatos.
Por supuesto, el taller - lugar donde se halla la prensa y sus elementos afines - sigue teniendo importancia para los nuevos grabadores; ese lugar de error y ensayo, sin embargo, es mejor un sitio de conclusión y no tanto de experimentación, un poco también porque los talleres se han profesionalizado, con técnicos especializados, y porque los artistas se han desentendido deliberadamente de muchas tareas (y taras) artesanales, resultado de una estética postmoderna que permite una gran libertad conceptual. Además, ya que muy pocos artistas se pueden dar el lujo de tener un taller privado, ellos han convertido los talleres gremiales o comerciales en herramientas de sintetización y de colaboración colectiva.

Pablo Palazuelo soñó desde la ventana de su residencia parisina con las vidrieras de la iglesia de Saint Severin. Posteriormente, cuatro proyectos le brindaron la posibilidad de dibujar con la luz y materializar el color. Gracias a los documentos inéditos atesorados por la Fundación del pintor, este estudio propone analizar el proceso desarrollado durante la elaboración de sus propuestas para vitrales. Reunidos por primera vez, los diseños para la residencia Arango, Valdemorillo (1984-1986), la parroquia de San Salvador, Guetaria (1995-1996), la casa comercial Palazuelo, Madrid (1996) y el Auditorio, Barcelona (1998), ilustran esta incursión en el terreno del umbral lumínico. /

Palazuelo Pablo dreamed from the window of his Paris residence with the stained glasses of Saint Severin church. Subsequently, four projects provide him the ability to draw with light and materialize colour. Thanks to the unpublished documents treasured by the Foundation of the painter, this study aims to analyze the process developed during the preparation of his proposals for stained glass. Gathered for the first time, the designs for residence Arango, Valdemorillo (1984-1986), the San Salvador parish, Guetaria (1995-1996), the trading house Palazuelo, Madrid (1996) and the Auditorium, Barcelona (1998), illustrate this raid into the field of the light threshold.

Summary
The article is formulated on the basis of the author’s own ethnographic research and is proposed as a means for synthesizing the real situation or condition being observed, outlining the essential indicators that identify that situation or condition as regards its relative location. In these terms, the sketch allows the ethnographer to suspend conceptual evaluations or predispositions in order to approach the very essence of the phenomenon and its dimensions, thereby easing the exercise of the observer – “I was there” – allowing that process to flow and to assume objectivity based on spatial and temporal evidence in the context of his or her objectives. More than a mere instrument of measurement to obtain cultural data, the sketch is an outline for a flow chart that reveals the very process of recording a cultural image and as such should contain, from the very first hint of evidence, an embodiment of a selective exercise that identifies shapes, shadows and volumes. To some degree, it contains an interpretational hypothesis of what is being observed despite an absence of words.

Key words: etnography, observation, scientific drawing, qualitative methodology

La perspectiva en urban sketching. Trucos y técnicas para dibujantes es un práctico manual que tiene como objetivo que dibujemos y nos divir-tamos haciendo uso de las técnicas de perspectiva más básicas para el croquis urbano. El autor, Bruno Mollière, es un 'dibujante andanteʼ que tiene el mérito de haber conseguido hacer de su pasión, su profesión, orientándose principalmente a la didáctica.

Drawing Manga Expressions n' Poses by Anna Southgate and Keith Sparrow

You do not need to spend a fortune to get started in drawing and coloring good
manga art. You do, however, need to choose your materials with some care to get
the best results from your work. Start with a few basics and add to your kit as your
style develops and you figure out what you like working with

This guide-book gives you some recommendations 'about manga skills even materials that you can use
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Se hace un recuento del "período rosa" de Picasso, marcado por el amor y con antecedentes catalanes del período azul, en un París bohemio, signado por la relación con Fernande Olivier, quien fuera su inseparable musa, mientras el artista se va abriendo camino hacia el cubismo, donde otra amada, gobernará la escena.

ELa utilización de programas CAD de manera tradicional en entornos escolares implica, entre otras cosas, el uso del aula de informática, la compra de licencias, la instalación y el mantenimiento de los mismos. Una de las maneras de simplificar el manejo de programas CAD es optar por aplicaciones que funcionen directamente sobre el navegador de internet. Por ello, el objetivo de este trabajo es la búsqueda y comparación de programas para el diseño CAD 2D y 3D (vectorial). Para dicho fin se realizarán unas tablas de características de programas, identificando las variables significativas de los mismos (precio, dificultad, etc.). Sea analiza el currículum de Canarias de la asignatura de Educación Plástica, Visual y Audiovisual de la ESO para identificar dónde insertar los programas CAD en la asignatura. Desde el enfoque práctico, otra de las metas es la propuesta y el diseño de dos actividades que utilicen estas herramientas para enseñar los contenidos del currículum de Educación Plástica, Visual y Audiovisual de la Educación Secundaria Obligatoria (ESO).

A mis primos Lucía y Pablo -adoptivo, pero igual querido-, por aguantar con entereza partidas de diez horas del monopoly de Rick y Morty; Laura, más que prima, hermana, que me llevó por el mundo a ver a Chris Martin y a una cola de dos horas en el Dragon Khan; y David, que compartió conmigo los primeros años de andadura en Santiago y la muerte de la cobaya Otto. También a mis abuelos, especialmente a mi abuela Maruja. Estoy segura de que, después de llevar quince años trabajando, me seguirá preguntando: «pero nena, qué é o que estudias ti?». A mis tíos Yoli y Emilio, por todo el cariño, y sobre todo, las risas.

Ensayos sobre el dibujo como forma de pensamiento visual en las prácticas artísticas. I. El dibujo y el pensamiento visual. II. La autobiografía visual y el dibujo como documento. III. El dibujo y su posibilidad política. Anexo: Cinco trazos sobre una cartografía personal.

Este artículo presenta los resultados y conclusiones de un estudio de campo realizado
con alumnos de dibujo. El objetivo de este trabajo era el de establecer un
modelo de evaluación para las materias de dibujo en el nivel superior. Para tal
finalidad, antes que nada fue necesario reconocer las habilidades personales que
desempeñaban un papel activo en el acto de dibujar. A partir de dos ejercicios,
previamente seleccionados para evaluar la memoria visual de los alumnos y su capacidad
de observación, se llegó a la conclusión de que el aprendizaje de esquemas
básicos y la observación son las habilidades más importantes para dibujar. Ambos
procesos tienen un papel fundamental en la construcción del pensamiento visual
y el desarrollo de la creatividad. Los esquemas interiorizados sirven de recurso al
dibujar una imagen (real o imaginada), mientras que la observación minuciosa
amplía el acervo de esquemas formales.
Palabras clave: dibujo; observación; percepción visual; pensamiento visual; esquemas.
This article presents the results and conclusions of a field study performed with
students of drawing. The aim of the work was to establish a model of evaluation for
the materials of drawing at a higher level. For this purpose it was necessary above
all to recognize the personal skills that played an active role in the act of drawing.
On the basis of two exercises, previously selected to evaluate the visual memory
of the students and their capacity for observation, the conclusion was arrived at
that the learning of basic outlines and observation are the most important skills
for drawing. Both processes have a fundamental role in the construction of visual
thinking and the development of creativity. Interiorized sketches serve as a recourse
when drawing an image (real or imagined) while detailed observation extends the
store of formal schemas.
Keywords: drawing; observation; visual perception; visual thinking; schemas.

El dibujo técnico es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos, con el propósito de proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar a elaborar su diseño y posibilitar su futura construcción y mantenimiento. Suele realizarse con el auxilio de medios informatizados o, directamente, sobre el papel u otros soportes planos.

Drawing is a process by which the mind commits itself to ideas that can only be expressed visually, but is also an embodied form of knowing, crossing distinct areas of inquiry and pedagogy — from arts to humanities and sciences. As this field becomes increasingly heterogeneous, claiming for a multimodal research landscape, stable areas of knowledge production are rare and crossover problems emerge.
The renewed interest on drawing beyond those areas to which it is commonly associated – fine arts, architecture and design – is a symptom of its underlying presence in the various pedagogical, laboratorial and expository contexts: as notations, diagrams, illustrations, gestures, models, methodologies and traces standing for a researched idea or phenomenon.
Nevertheless, its status and roles within the University today are still relatively overlooked, confined to the specific needs of departments, laboratories and classrooms, where its presence tends to go unnoticed. This invisibility is partially explained by drawing’s level of indeterminacy in dealing with ill-structured problems, the common ground of its communication processes and the apparent simplicity of its outcomes.
In organizing this book, we identify the need to counter an analytical urge that only focuses on complex things in order to reduce them to simple equations. In drawing research, we must recognize that sometimes we need to reveal the hidden complexities that are the secret of drawing’s simplicity.
The discrete but systematic use of drawing in such heterogeneous fields as computational sciences, simulating the sets for game programming; in biology and microbiology as illustrations and perceptive tool of direct and microscopic observations; in geography, as visualization of an experiential space; or in journalism as an alternative instrument of reportage – just to pinpoint the tip of the iceberg – is opening new lines of inquiry on its creative, cognitive and communicative aspects. But above all it shows drawing’s conceptual sophistication in problem solving, innovation, learning and expertise.
We believe that the cognitive and expressive processes of drawing in the University can be defined more clearly within a framework that recognizes what all these territories have in common: by confronting its differences, we can also find its common ground.
This publication bears testimony to the emergence of a trend of research regarding the use of drawing in the University as a visual or performative strategy, and its capacity to inform and be informed by its disciplines: from visual arts and design to medicine, from sports to cognitive sciences, from geography to criminology, from engineering to communication sciences, from archeology to biology, from architecture to ethnography. To discuss drawing within the University is to question the distinction between invention and research, arguing for a double movement between both. As Paul Carter (Carter, Paul (2007), “Interest: The Ethics of Invention”. In Barret; Estelle; Bolt Barbara (2007), Practice as Research – Approaches to Creative Arts Enquiry. London: I.B.Tauris, pp. 15-26.)  put it:

"The condition of invention – the state of being that allows a state of becoming to emerge – is a perception, or recognition, of the ambiguity of appearances. Invention begins when what signifies exceeds its signification – when what means one thing, or conventionally functions in one role, discloses other possibilities (…). In general, a double movement occurs, of decontextualization in which the found elements are rendered strange, and of recontextualization, in which new families of association and structures of meaning are established. This double movement characterizes any conceptual advance." (Carter, 2007: 16)
 
As a conceptual tool, drawing shares the creative impulse and the main driving forces of research — curiosity, speculation and confrontation between patterns of thought — through explorative, move-testing or hypothesis-testing experiments. Therefore, the contributions to this study emerge from a reflection on both written accounts and studio practices in response to these questions:
- What cross-disciplinary perspectives are open to drawing in a contemporary University?
- How can drawing contribute to an image based research in the University?
- Is there specific visual imagery in scientific practice?
- How can drawing be involved in problem solving?
- What engagements can be imagined between drawing and verbal language?
- How is drawing involved in performance based practices in the University?
- What roles are assigned to drawing in laboratorial and studio contexts?
- How does drawing relate active perception with cognition and creativity?
- How can drawing enhance teaching and learning strategies in the University?

As a result, we noted the recurrence of frameworks and the emergence of core themes within the heterogeneity of contributions, and accordingly divided this book into six parts:
Enhancing Education Through Drawing concerns the impact of drawing as a learning methodology in artistic, design and scientific practice, through innovative strategies and alternative outcomes;
Visual Imagery and Scientific Practice analyses the production and use of sketches, diagrams and illustrations in the context of scientific work, as records of the process of knowledge production;
Creativity, Cognition and Active Perception focuses on the shared circuits between creative and perceptual processes and their instrumental role in discovery, mind shifting and experiential knowledge.
Thinking Drawing in Research establishes a critical and philosophical ground for discussing the role of drawing within the University, focusing on the relationship between research, practice and alternative modes of knowledge, based on subjective, emergent and interdisciplinary approaches.
Modes of Conception: Reports on Practice describes case studies in studio-based research, focusing in the process of invention through drawing and its relationship with concepts such as skill/deskill, know-how and experience. 
Acting Through Drawing explores the complex relationships that exist between drawing, performance and performativity, reflecting on the role of drawing as an instruction, an instrument and a record of a performative action.
Intertwined with the papers there are experimental contributions from independent artists and researchers, presented at the Drawing in the University Today Exhibition, curated by Pedro Maia, Cláudia Amandi and Natacha Antão, in the Faculty of Fine Arts and the Faculty of Architecture of the University of Porto. These works cover practice-led research on a wide range of topics, such as drawing machines, dialogical and collaborative practices, anthropology and cultural memory, medicine and pedagogy, the relationships between image and language, drawing as reportage or performance recording.

Acknowledgement
We are very grateful to all of the authors, whose patience with the process of assembling such a comprehensive review of the field has resulted in a valuable resource in this book.


Paulo Luís Almeida, Faculty of Fine Arts, University of Porto
Miguel Bandeira Duarte, School of Architecture, University of Minho
José Teixeira Barbosa, Faculty of Architecture, University of Porto

A presente dissertação pretende demonstrar de que forma o livro de actividades que desenvolvemos como objecto de estudo para este trabalho, contribui para fomentar a prática do desenho e contribui para o leitor melhor se conhecer e a melhor conhecer o que o rodeia. Tendo em conta que o livro de actividades apresentado tem como objectivo principal incentivar o leitor a um registo diário do desenho, tivemos como referência, por serem exemplos paradigmáticos, diários gráficos de diferentes artistas que, apesar de distintos, têm em comum o facto de representarem processos artísticos que antecederam e acompanharam determinada obra, vivências e/ou pensamentos intrínsecos ao carácter auto-reflexivo e auto-biográfico deste tipo de registos.

Con motivo de la exposición "Rueda de Reconocimiento: Huellas del Noir en el cómic granadino" organizada por el Centro de Cultura Contemporánea La Madraza de la Universidad de Granada, junto con el Festival Granada Noir en 2018 se publicó un catálogo donde se incluía este articulo que sigue el proceso de incorporación de este género dentro del cómic español.

Presentación
Este texto es un lúcido cuestionamiento de la noción de “interpretación” en la representación arquitectónica, entendida comúnmente como el desvelamiento de un supuesto significado que yace oculto entre los misterios de la obra y el turbio cerebro del arquitecto. El historiador británico Robin Evans (1944-1993) revisa las pseudo metáforas espaciales y temporales que emanan de tal postulado y propone otro tipo de acercamiento a la noción de representación a partir de la opacidad generada por una serie de dibujos titulada Chamber Works, que el arquitecto Daniel Libeskind expuso en 1983.
Revistarquis tiene el honor de publicar la primera traducción al español del texto de Evans, impreso por primera vez en la revista AA Files hace veintiocho años. Transcurrido este tiempo, el texto de Evans muestra, en toda su lucidez, lo que continúa estando en juego en la representación en arquitectura.

Presentation
This text bears important questions on the notion of “interpretation” in representation in architecture, which is commonly understood as the disclosure of a so-called “meaning” that lies hidden somewhere between the mysteries of the work and the murky brain of the architect. British historian Robin Evans (1944-1993) examines the spatial and temporal pseudo-metaphors emanating from such presumptions and offers another approach to representation, one that he bases on a series of drawings by architect Daniel Libeskind entitled Chamber Works, exhibited in 1983. RevistArquis is honored to be publishing here the first Spanish translation of Evans’ text, which first appeared in print in the AA Files twenty-eight years ago. Despite the passage of time, Evans’ text shows in all its lucidity what continues to be at issue in the representation of architecture.

El presente ensayo centra la atención en un momento crucial para el arte rioplatense como fue el proceso de consolidación de la modernidad. Abordamos como arco cronológico la década del '20 y el primer lustro de los '30, época en la que se producen notorios cambios en la praxis artística y, dentro de estos, la verificación de una realidad: la desjerarquización de las artes como práctica y signo distintivo de dicha modernidad.

Todos podemos aprender a dibujar. El primer paso radica en estar plenamente convencido de ello. Sara Simblet. Artista gráfica y profesora de dibujo anatómico.

Recuento de la importancia de la Ilustración Científica y natural en aras de la ciencia y el registro de análisis morfológicos de nuestra humanidad.

La celebración del Centenario argentino en 1910 marcó uno de los puntos culminantes del reencuentro entre España y la Argentina, tras el largo siglo de distanciamiento de aquel país con sus antiguas colonias. En lo intelectual, un papel determinante le cupo a la llamada "Generación del 98" española, compuesta por un amplio grupo de pensadores, literatos y artistas, que tenía como premisa excluyente el recuperar los valores históricos de la cultura peninsular en un momento de desasosiego, causado entre otras cuestiones, por la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas, sus últimos bastiones de ultramar. En esa "regeneración" que buscaban, América estaba llamada a jugar un papel fundamental para España, en tanto era un espacio donde seguían inmanentes los antiguos valores hispanos, la lengua, la religión, la arquitectura, ciertas formas de vida.

Texto dentro de los estudios en honor de Fuensanta García de la Torre titulados "Dibujo y ornamento. Trazas y dibujos de artes decorativas entre Portugal, España, Italia, Malta y Grecia". Córdoba : Diputación Provincial de Córdoba ; [Roma] : De Luca, 2015, pp. 263-269.