Barroco

Contexto social y político de la época barroca Contexto social en una época en la cual la Iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante. Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar a la severidad e iconoclástia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó a la edificación de templos con profusión de escultura. También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos, evitar desnudos y escenas escandalosas. Fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía atormentada por violencia y muerte. El siglo XVIII fue para España un periodo de grave crisis política, militar, económica y social que termino por convertir al Imperio Español en una potencia de segundo rasgo dentro de Europa. Luego entra a la Guerra de los 30 Años; en la que sufrió graves derrotas militares. Durante la segunda mitad del siglo, Francia ejerció una presión expansionista sobre los territorios europeos. Así la Corona Española perdió buena parte de sus posesiones en Europa, quedando liquidada. En este contexto se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida, así como el movimiento y el color, como si fuese una obra de teatro. En las artes plásticas del barroco se intenta reproducir la agitación y virtuosidad de la representación teatral. La concentración del poder estaba en los monarcas, esto, hace desaparecer la aristocracia agraria. Los nobles, han de trasladarse a la corte y subordinarse a la realeza para obtener cargos; aparece la nobleza administrativa. La burguesía prospera y las clases humildes van empeorando. El rey es el soberano absoluto, pero los nobles seguían teniendo la posesión de sus tierras y recibían tributos de los campesinos. La inmensa parte de la población era campesina. Debido a la guerra, la esperanza de vida no superaba los veinte años, esto se debía, principalmente al hambre, a la peste y a la guerra. La burguesía, era el grupo más dinámico y rico. En las ciudades, también existía una pequeña burguesía formada por importantes comerciantes que se aprovechaban de pequeños artesanos. Contexto político El Barroco vino a ser la revancha del poder político sobre el financiero. Los pontífices romanos y los reyes, sobre todo los soberano de Francia, sin duda los mas sólidamente establecidos de su tiempo, relevaron definitivamente en el mecenazgo artístico de la alta burguesía, de la misma manera que lo había hecho en las épocas anteriores con la nobleza feudal y los monasterios. Los nuevos mecenas arrancaron la antorcha a los grandes burgueses para encender, de un modo muy consciente, el luminar de un esplendor artístico deliberadamente dirigido a la propia glorificación y al subsiguiente refuerzo de su poder sobre las masas. El arte será el vehiculo de propaganda de la Iglesia de la Contrarreforma, los Estados Absolutistas y la burguesía protestante. Fecha del barroco.- Abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, es así que como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa Compositores relevantes.- Antonio Lucio Vivaldi.- sacerdote y compositor de música barroca, nació el 4 de marzo de 1678, en Italia. En el año 1703, Vivaldi se convierte sacerdote y fue apodado “Il Prete Rosso” (El Sacerdote Rojo) a causa de su pelo rojo, pero con poca firmeza abandona esa vida cuando, debido a una extraña enfermedad en aquellos momentos llamada asma, le impidió cumplir con sus obligaciones parroquiales. En este momento, Vivaldi descubre su verdadera pasion, la música. En el año 1704, Antonio se convierte en profesor de violín en un orfanato para niñas llamado Ospedale della Pietà en Venecia, ya que él habría aprendido con su padre desde pequeño. Vivaldi se ha dedicado también al negocio de la ópera, allí mismo el increíble músico ha cosechado grandes frutos y ha conocido a Anna Giraud, una joven cantante de ópera, quien a partir de ese momento, se transformaría en la compañera de su vida, siendo antes de conocerla considerado como mujeriego y aventurero.Pasó mucho tiempo presentándose en diversos lados, mostrando sus composiciones y demás, y cosechó una gran fortuna, gracias a sus negocios en la ópera. A pesar de esto, Vivaldi murió en la pobreza.Sin duda alguna, Vivaldi es considerado como uno de los precursores de la música romántica, ha sido quien ayudó y colaboró con otro gran músico llamado Johann Sebastian Bach, pero sin embago no todos los músicos lo han aceptado como lo merecía, ya que ha tenido rivales durante varios años.Fallecio el 28 de Julio de 1741.  Respecto a su producción musical fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto "per Soli".El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: exposición del tema, B: desarrollo, y A: reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B), donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista (s) y orquesta, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo. Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas, se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos. Esta forma musical es privativa de los conciertos con solista, no importa el número de solistas, sino el uso de esta forma musical, como lo muestran numerosas composiciones de Vivaldi, donde la forma ternaria "ritornello" es común a las obras para uno, dos o cuatro solistas. Por este motivo, en el sentido estricto de la forma, cabe establecer que lo que se conoce como concertos grossos no utilizan este esquema formal. Ejemplo: "El estro armonico" Op. 3 n.º 11 de Vivaldi y todo el Opus 6 de Corelli. En cuanto a sus obras compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas, entre ellas algunas delas mas relevantes son (1714) Opus nº 3 L'estro armonico (1714) Opus nº 4 La stravaganza 1714 (1725) Opus nº 8 - 12 Conciertos "El cimiento de la Armonía y la Invención" más conocida como Las cuatro estaciones 1725. (1727) Opus n 9 La Cetra 1727 (1727) Orlando Furioso (1733) Montezuma (Drama per Musica), 1733 (1734) La Olimpiada 1734 (1735) Griselda 1735 (1737) Opus nº 13 Il pastor fido 1737 Conciertos: 228 conciertos para violín 38 conciertos para fagot 27 conciertos para violonchelo 25 conciertos para flauta dulce o traversa 23 conciertos para oboe 6 conciertos para viola d'amore 1 concierto para mandolina 25 dobles conciertos para dos violines 4 dobles conciertos para violín y violonchelo 3 dobles conciertos para dos oboes 2 dobles conciertos para dos trompas 1 doble concierto para dos trompetas 1 doble concierto para dos violonchelos 1 doble concierto para viola d'amore y laúd 1 doble concierto para dos mandolinas 1 doble concierto para dos flautas 1 doble concierto para oboe y fagot 47 conciertos para tres o más instrumentos Así como conciertos de cámara, donde todos los instrumentos tienen carácter solista. Arcangelo Corelli.- Nace en Fusignano (provincia de Rávena, Italia) el 17 de febrero de 1653. Era hijo de una de las familias más importantes de esta ciudad. Desde la infancia estudiaba violín en su ciudad natal. En 1670 pasa a ser miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. Cinco años más tarde se establece en Roma, donde fue adoptado y alojado por el cardenal Pietro Ottoboni, sobrino del papa Alejandro VIII. En 1682 se convirtió en' primer' violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses, la iglesia nacional de la comunidad francesa en Roma. En 1684 ingresó en la Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia, el mismo año que adoptó el nombre de Arcomelo Erimanteo. Para 1700, Corelli era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería. Su fama era tal, que en 1706 ingresó en la Academia de la Arcadia, una altísima distinción en esa época, donde conoció a Domenico Scarlatti. Dos años después conocerá a Händel. Falleció en Roma el 8 de enero de 1713, siendo enterrado en el panteón de la iglesia de Santa María ad martires (el Panteón de Roma). Respecto a su producción musical Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Händel. Después de las de Franz Joseph Haydn, las obras de Corelli fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo. El concerto grosso (italiano para gran concierto) era una popular forma de música barroca usada por un conjunto musical que generalmente tenía de cuatro a seis movimientos, en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa (el tutti). Los compositores franceses, en cambio, preferían oponer al conjunto orquestal un pequeño trío de vientos, que continuaría en el tercer movimiento (scherzo) de la sinfonía clásica. Sus producciones incluyes 10 sonatas en trío para dos violines y violonchelo, opus 1 (1681) 18 sonatas en trío para dos violines, viola y violonchelo o clavicordio, opus 2 (1685) 12 sonatas en trío sonatas para dos violines y flauta, opus 3 (1689) 25 sonatas en trío para dos violines, viola y clave, opus 4 (1694) 12 Sonatas para violín, violonchelo y clave, opus 5 (1700) - (12º La Folia) 12 Concerti grossi, opus 6 (1714) Tomaso Albinoni.- Estudió violín y canto. Se sabe relativamente poco de su vida, si se tiene en cuenta su importancia contemporánea como compositor y el hecho de que vivió durante un período relativamente bien documentado. En 1694 dedicó su Opus 1 a su compatriota veneciano cardenal Pietro Ottoboni (sobrino-nieto del papa Alejandro VIII). Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma, como Arcangelo Corelli. Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.En 1705 se casó. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de AlbinoniLogró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental: antes de 1705, escribió sobre todo sonatas en trío y conciertos para violín, pero entre esa fecha y 1719 se dedicó más a sonatas para solo y conciertos para oboe.Un archivo de la parroquia de San Bernabé indica que Tomaso Albinoni falleció en 1751 «a la edad de 84 años» (se supone que es un error), de diabetes. En cuanto a su producción musical Escribió una cincuentena de óperas, de las cuales 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740, pero actualmente es más conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para oboe. Sus obras mas destacadas son Op. 1 (1694): 12 Sonate a tre Op. 2 (1700): 6 Sinfonie & 6 Concerti a cinque Op. 3 (1701): 12 Balletti a tre Op. 4 (1702): 12 Cantate da camera a voce sola Op. 5 (1707): 12 Concerti a cinque Op. 6 (h. 1711): 12 Trattenimenti armonici per camera Op. 7 (1715): 12 Concerti a cinque Op. 8 (1722): 6 Balletti & 6 Sonate a tre Op. 9 (1722): 12 Concerti a cinque Op. 10 (1735/36): 12 Concerti a cinque Johann Sebastian Bach.- Nacio en Turingia Alemania el 21 de marzo de 1685, fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados. Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.[1] Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto,[2] donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.[1] Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.[3 Henry Purcell.- Nació en el condado de St. Anne, Westminster el 10 de septiembre de 1659. Su padre, también de nombre Henry Purcell, fue caballero de la Capilla Real, y cantó en la coronación del Rey Carlos II de Inglaterra. Fue el mayor de tres hermanos, de los cuales el menor Daniel Purcell (fallecido en 1717), fue igualmente un prolífico compositor. Se dice que Purcell comenzó a componer a los 9 años de edad, pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del rey escrita en 1670 (Las fechas de sus composiciones son a menudo inciertas, a pesar de la considerable investigación).En 1675 escribió varias canciones para Aires, canciones y diálogos elegidos (de John Playford) y también un himno de nombre actualmente desconocido para la Capilla Real. A través de una carta escrita por Thomas Purcell, sabemos que el himno fue escrito para la excepcional voz del reverendo John Gostling, entonces en Canterbury, pero posteriormente Caballero de la Capilla del Rey. Purcell escribió muchos himnos en diferentes momentos para esta extraordinaria voz, un bajo profundo, que se sabe tenía una tesitura de al menos dos octavas completas, desde re2 hasta re4. Se conocen datos de unos pocos de estos himnos; quizás el más notable ejemplo es They that go down to the sea in ships, compuesto en agradecimiento por un providencial salvamento de un naufragio sufrido por el rey. Gostling, que acompañaba en la oportunidad al rey, reunió varios versos de los Salmos en forma de himno, y le pidió a Purcell que compusiera la música. La obra resulta todavía hoy de una interpretación muy difícil, incluyendo un pasaje que atraviesa toda la tesitura de la voz de Gotling. En 1680, Blow, organista de la Abadía de Westminster desde 1669, renunció a su cargo en favor de Henry Purcell, quien en esa fecha tenía 22 años. En 1682 Purcell contrae nupcias con Frances Purcell, y al año siguiente es nombrado Organista de la Capilla Real y Constructor de los Órganos Reales. Purcell entonces se dedicó enteramente a la composición de música sacra, y por seis años restringió su conexión con el teatro. Sin embargo, durante la primera parte de aquel año, probablemente antes de asumir el cargo, produjo dos importantes trabajos para las tablas: la música para Teodosio (de Nathaniel Lee), y para Esposa virtuosa (de Thomas D'Urfey). En 1689, Purcell compuso la ópera Dido y Eneas, que constituye un importante hito en la historia de la música dramática inglesa con la famosa aria el Lamento de Dido, y más tarde algunas otras semi-óperas, como la desarrolladísima The Fairy Queen (La reina de las hadas). Dido y eneas es considerada la primera ópera genuinamente inglesa. Púrcell murió el 21 de noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después, su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: Orpheus Britannicus I (1698) y II (1702). Fue enterrado en la Abadía de Westminster, debajo del órgano que tanto tiempo tocó. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell, quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada». El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 obras, siendo las más destacadas: Indian Queen, última gran obra, elaborada el mismo año de su muerte. 43 obras de música incidental para teatro. 24 odas, de las cuales 4 son para Santa Cecilia y 6 para María II. La música para el funeral de la reina María II, que consta de 17 piezas, si bien los más comunes son entre 4 y 6 (es famosa la Marcha Fúnebre, utilizada en la película La naranja mecánica y en el videojuego "Conker's Bad Fur Day"). Esta misma música se utilizó para el funeral del propio Purcell, casi once meses después. 6 semióperas. 62 piezas (entre estudios, suites, etc.) para teclado (principalmente clavecín y espineta). 114 piezas religiosas (incluyendo himnos y servicios). Georg Friedrich Haendel .- Nacio en Alemania el 23 de febrero de 1685, compositor alemán naturalizado inglés. Estricto contemporáneo de Johann Sebastian Bach –aunque difícilmente podrían hallarse dos compositores más opuestos en cuanto a estilo y aspiraciones–, Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su producción abarca todos los géneros de su época, con especial predilección por la ópera y el oratorio, a los que, con su aportación, contribuyó a llevar a una etapa de gran esplendor. Haendel Oponiéndose a los deseos de su padre, quien pretendía que siguiera los estudios de derecho, la carrera de Haendel como músico comenzó en su Halle natal, donde tuvo como profesor al entonces célebre Friedrich Wilhelm Zachau, organista de la Liebfrauenkirche; fue tal su aprovechamiento que en 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo, donde entabló contacto con Reinhard Keiser, un compositor que le introdujo en los secretos de la composición para el teatro. En Hamburgo, precisamente, estrenó Haendel en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. Un año más tarde, el músico emprendió un viaje a Italia que había de tener especial importancia, ya que le dio la oportunidad de familiarizarse con el estilo italiano e introducir algunas de sus características en su propio estilo, forjado en la tradición contrapuntística alemana. Las óperas Rodrigo y Agrippina y el oratorio La Resurrezione datan de esa época. En 1710, de regreso en Alemania, fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra, donde pronto se dio a conocer como autor de óperas italianas. El extraordinario triunfo de la segunda de su autoría, Rinaldo, le decidió a afincarse en Londres a partir de 1712. En 1742 estrenó en Dublín el oratorio El Mesías, su obra más famosa.. Falleció en Londres el 14 de abril de 1759, estaba absolutamente ciego. Fue enterrado en la abadía de Westminster el 20 de abril de 1759. Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,[3] marcó toda una era en la música inglesa[4] siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía[5] y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana[6] y el oratorio.[7] La vasta y abundante obra de Händel, muy prolífico como era la norma de la época, se compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos, agrupados en dos grandes bloques: en música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y musical instrumental (orquestal, de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su época.[19] En musical vocal, los géneros y obras que el compositor compuso y ha cultivado, que suman 290 piezas en total, son 43 óperas en lengua italiana, alemana e inglesa, 2 músicas incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e inglés, 4 odas y serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21 dúos, 2 tríos, 26 arias sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 anthems, 5 Te Deums, 1 Jubilate y 3 himnos ingleses.[19] [20] [21] [22] En música instrumental, 78 en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas, 23 concerti grossi, 4 oberturas, 7 suites, 2 sinfonías, 6 movimientos de danzas y conciertos sueltos, y 2 marchas.[19] [23] 68 en el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo continuo, 25 sonatas en trío y 19 movimientos sueltos de danzas, marchas y sonatas.[19] [24] Y 186 en el ámbito del clavicémbalo: 30 suites y oberturas, y 156 movimientos de suite sueltas.[19 Entre sus numerosas óperas y oratorios, cabe mencionar: Agrippina (1709),[8] Rinaldo (1711),[9] Amadigi di Gaula (1715),[10] Julio César (1724),[11] Tamerlano (1724),[9] Rodelinda (1725),[9] Tolomeo (1728), Acis y Galatea (1731),[12] Poro, re dell'Indie (1731), Esther (1732),[13] Atalía (1733),[13] Orlando (1733),[9] Deborah (1733),[14] Ariodante (1735),[9] Alcina (1735),[9] El festín de Alejandro (1736),[13] Saúl (1739),[14] [13] Israel en Egipto (1739),[14] Il Allegro, il penseroso e il moderato (1740),[13] El Mesías (1741),[14] [11] [13] Samson (1743),[14] [13] Sémele (1744),[9] Hércules (1745),[13] Baltasar (1745),[13] Judas Macabeo (1746),[14] [13] Salomón (1748),[13] Susana (1749),[13] Teodora (1750)[13] y Jephtha (1751),[14] que son obras maestras de referencia obligada dentro del género. Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.[