Livro Dispersões Com Créditos

Dispersões
Organizadores
Manoela Afonso Rodrigues
Cleomar Rocha
Dispersões | 2020 1
Dispersões
Organizadores
Cleomar Rocha
ASSOCIAÇÃO NACIONAL DE
PESQUISADORES EM ARTES PLÁSTICAS
PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO
EM ARTE E CULTURA VISUAL – PPGACV/FAV
PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO INTERDISCIPLINAR EM
PERFORMANCES CULTURAIS - PPGIPC/FCS
MEDIA LAB/UFG
UNIVERSIDADE FEDERAL DE GOIÁS/UFG
GOIÂNIA, GO
2021
DADOS INTERNACIONAIS DE CATALOGAÇÃO NA PUBLICAÇÃO (CIP)
(CÂMARA BRASILEIRA DO LIVRO, SP, BRASIL)
Dispersões [livro eletrônico] / organização

Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues , Cleomar de
Sousa Rocha. -- 1. ed. -- Goiânia, GO :
Associação Nacional de Pesquisadores em Artes
Plásticas - ANPAP : Universidade Federal de
Goiás (UFG), 2021.
PDF
ISBN 978-65-995244-1-7
1. Artes visuais I. Rodrigues, Manoela dos Anjos

Afonso. II. Rocha, Cleomar de Sousa.
21-68601 CDD-700
ÍNDICES PARA CATÁLOGO SISTEMÁTICO:
1. Artes visuais 700

Aline Graziele Benitez - Bibliotecária - CRB-1/3129
Este e-book contou com o apoio financeiro do

Conselho Nacional de Desenvolvimento Científco
e Tecnológico - CNPq
Apresentação
Se na Anpap de 2019 o tema Origens apontou para os elementos fundan-
tes da pesquisa e mesmo da própria Anpap, em 2020 o tema Dispersões
indica vetores de desenvolvimento, ramificações e movimentos. A relação
dialógica que complementa o tema do Encontro Nacional da Anpap de
2019 é de desvelar percursos que apontam para o futuro iminente, de
modo a fazer enxergar caminhos, possibilidades, virtualidades e devires
nas várias acepções que o termo Dispersões evoca, sejam epistemológi-
cas, metodológicas, operacionais ou ontológicas. A edição 2020 do En-
contro Nacional da Anpap elege esse tema completando, então, a saga
do biênio, num claro movimento de olhar para trás, em busca das Origens
(2019), e de olhar para frente, identificando as Dispersões (2020).
A história da Anpap seguiu essa lógica ao estabelecer, a partir do iní-
cio desse milênio, um movimento de lançar-se pelo país, fixando sede em
vários dos Estados das cinco macrorregiões brasileiras. Esse feito concedeu
musculatura e representatividade para a Associação, que se tornou maior
e mais diversa, abarcando vários níveis e espectros da pesquisa em Arte.
Desde artistas independentes, pesquisadores em formação e pesquisado-
res sêniores de várias partes do país, investigando uma multiplicidade de
temas, objetos e abordagens nas Artes, a dispersão Anpapiana a fez ma-
dura e mais atuante. Cada vez mais distante de uma orientação semântica
depreciativa, a dispersão, aqui, é o lastro, a capilaridade que assevera a força
da mais relevante Associação de Pesquisadores em Artes do Brasil.
De outro lado, o devir, enquanto dispersão, evidencia esse adensa-
mento, matriz de implicações e imbricações de brasilidades, no reconhe-
cimento das emergências na expressão artística visual, em seus vários en-
foques e abordagens. A construção desse pensamento amplo, indicial em
paragens não necessariamente novas, mas sempre renovadas, conduziu
nossos pesquisadores a reflexões inéditas, aqui apresentadas na forma de
artigos e resumos. Vinte artigos e oito resumos expandidos, dentre os me-
lhores avaliados pelos respectivos Comitês formadores da Anpap, nos dão
os horizontes do pensamento e da pesquisa nas artes visuais no Brasil.
No Comitê de Curadoria, as reflexões se articulam a partir das histórias
das exposições, dos projetos curatoriais e das mediações, apontando para
conexões entre o local e seus espalhamentos tanto em termos territoriais, in-
terseccionais, quanto no que tange às relações transdisciplinares entre arte,
ciência e tecnologia na contemporaneidade. No Comitê de Educação em
Artes Visuais ficam evidentes as dispersões no componente curricular Arte, a
produção de materiais de auxílio à aprendizagem crítica na área, bem como
a relevância das narrativas de vida na formação docente e das micronarrati-
vas ligadas à educação presentes em sites e redes sociais hoje. Já os textos
selecionados pelo Comitê de Teoria, História e Crítica da Arte apontam para
nomadismos, deslocamentos transatlânticos, tecno-imagens, a fotografia
e o cinema, o Atlas Mnemosyne e o pensamento que se dá pelas imagens
em conexão e dispersão, nas idas - e vindas - do corpo ao mundo. Os textos
do Comitê de Preservação, Conservação e Restauro ressaltam os desafios a
serem enfrentados nas passagens da materialidade da arte ao arquivo digi-
tal, sinalizando também a presença da colonialidade nas estratégias políti-
cas que desarticulam a vida cultural de determinados locais. Finalmente, o
Comitê de Poéticas Artísticas discute as desapropriações, o espaço público,
as tecnologias, materialidades e sensorialidades, apontando para entrelaça-
mentos do aqui e do agora, do sonho e da vigília, em conexão com a imagi-
nação que busca vislumbrar tantos outros futuros possíveis.
Mais que apresentar caminhos para a cena da pesquisa em arte, os tex-
tos dão mostras da profícua e relevante inquietação que nos move, espectro
que funda o desejo da pesquisa e aponta os caminhos para levá-la a cabo.
Em um ano tão conturbado quanto o de 2020, realizar o primeiro
Encontro Nacional da Anpap remotamente foi um desafio somente su-
perado pelo engajamento de nossos membros associados. E se tomamos
o universo com suas estrelas como padrão gráfico, foi na dispersão dos
lugares em que estávamos, ao longo do congresso, nas várias partes do
Brasil e em alguns outros pontos do planeta, que nos vimos uma vez mais
unidos, em um congraçamento que marca nossa história, nossos percur-
sos. Dispersos territorialmente, fomos uno, dando exemplo de como su-
peramos obstáculos e ajustamentos de fusos horários, mesmo em tem-
pos de pandemia.
Mesmo dispersos, nossas origens nos acompanham e criamos cons-
telações1. Boa leitura.

Cleomar Rocha
1 Relembramos os amigos anpapianos que foram brilhar nas estrelas. Neste livro, registra-
mos a presença e as saudades do associado Carlos Cabral, que nos deixou em 19 de janeiro
de 2021.
Sumário
Comitê Curadoria
UMA EXPOSIÇÃO DE MANUEL DE ARAÚJO PORTO-ALEGRE........................14

Paulo Gomes
“INVERSA PERSPECTIVA”: SOBRE A POÉTICA ARQUITETÔNICA

DE WELLINGTON DE MEDEIROS...............................................................................34
Robson Xavier da Costa
FACTORS 6.0: A CURADORIA E A MEDIAÇÃO EM EXPOSIÇÕES DE ARTE,

CIÊNCIA E TECNOLOGIA.............................................................................................52
Nara Cristina Santos / Andrea Capssa / Natascha Carvalho / Rittieli Quaiatto
/ Daniel Jaenisch Lopes / Flávia Queiroz / Alice Siqueira
DE VOLTA AO PASSADO: RECRIAÇÕES E REMONTAGENS

DE EXPOSIÇÕES COMO ESTRATÉGIA, ABORDAGEM
E METODOLOGIA CURATORIAL................................................................................71
Francisco Dalcol
MULHERES NO ACERVO: ANÁLISE DA PRESENÇA DE ARTISTAS

NAS COLEÇÕES SÉCULO XX E SÉCULO XXI DO MALG.....................................91
Amanda Machado Madruga / Renan Silva do Espírito Santo /
Lauer Alves Nunes dos Santos
Comitê Educação em Artes Visuais
IDENTIDADE E MEMÓRIA:
TRAJETOS DE FORMAÇÃO.......................................................................................103
Auvaneide Ferreira de Carvalho / Maria Betânia e Silva
A DISPERSÃO DO COMPONENTE CURRICULAR ARTE NO

ORDENAMENTO DA BNCC......................................................................................120
Guilherme Panho / Maria Emilia Sardelich
OBJETOS PARA O ENSINO DE ARTE:

REFLEXÕES A PARTIR DE TRÊS ESTUDOS...........................................................136
Giovana Darolt Hillesheim / Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva /
Rodrigo Montandon Born
CONTRIBUIÇÕES DE GYORGY LUKACS E THEODOR ADORNO AO

PENSAMENTO ESTÉTICO SOBRE ARTE E EDUCAÇÃO: DISSÔNANCIAS A
PARTIR DO MATERIALISMO HISTÓRICO-DIALETICO......................................155
Bruna Donato Reche / Vinicius Luge Oliveira / Maria Cristina da Rosa
Fonseca da Silva
DISPERSÕES OU PAUSAS PARA RESSIGNIFICAR NOSSAS RELAÇÕES

COTIDIANAS: UMA LEITURA DE ALIKE................................................................166
Gilvânia Maurício Dias de Pontes / Analice Pillar
DISPERSAR SABERES: INVESTIGAÇÃO SOBRE O ENSINO DE DESENHO NO

ATELIER DO NÚCLEO DE ARTE E CULTURA DA UFRN...................................188
Ícaro Pereira da Silva / Artur Luiz de Souza Maciel
O LIVRO DE ARTISTA COMO CONSTRUÇÃO IDENTITÁRIA...........................196

Gabriela Garcia de Godoi Moreira
Comitê História, Teoria e Crítica de Arte
DISPERSÃO E CONCENTRAÇÃO NO FAZER HISTÓRIA DA ARTE:

ABY WARBURG NO PALAZZO DORIA PAMPHILJ..............................................208
Luana M. Wedekin
NOMADISMO, TECNO-IMAGEM E EXPERIENCIA ESPAÇO-TEMPO NA ARTE

DO VIDEO: LARA ARELLANO..................................................................................230
Regilene A. Sarzi-Ribeiro
PANORAMA DE ARTE ATUAL BRASILEIRA-1971/SÃO PAULO: FILTRO E

VITRINE PARA A GRAVURA ARTÍSTICA NACIONAL.........................................245
Maria Luisa Tavora
DESLOCAMENTOS TRANSATLANTICOS. VICENTE DO REGO

MONTEIRO, O MODERNISMO PERNAMBUCANO E O SISTEMA
ARTISTICO NACIONAL...............................................................................................265
Carlos Henrique Romeu Cabral
DO CORPO PARA O MUNDO: O RISO EM RIO OIR

(1976-2011) DE CILDO MEIRELES.........................................................................283
Caroline Alciones de Oliveira Leite
CINESIAS DA IMAGEM DO ATOR NO CINEMA..................................................300

Rafael Tassi Teixeira / Ricardo Di Carlo Ferreira
SERTÃO SURREALISTA: A CONSTRUÇÃO DE UM OLHAR SURREALISTA

DIANTE DE FOTOGRAFIAS DO SERTÃO..............................................................308
Juan Costa
Comitê Poéticas Artísticas
UMA POÉTICA DA DESAPROPRIAÇÃO DO TEMPO

EM GUILHERME VAZ.................................................................................................318
Hélio Fervenza
REFLETINDO SOBRE ARTE, CIDADANIA, PARTICIPAÇÃO

E ESPAÇO PÚBLICO EM MEIO À PANDEMIA......................................................335
Cláudia Zanatta / Márcia Braga
ASPECTOS BIOLÓGICOS E TECNOLÓGICOS DAS IMAGENS

EM PRÁTICAS ARTÍSTICAS.......................................................................................358
Andréia Machado Oliveira
COLHERES: OBJETOS SENSORIAIS

INFORMULÁVEIS........................................................................................................369
Luisa Paraguai
SONHO DE QUARENTENA: PROCESSOS DE CRIAÇÃO

EM REDE EM TEMPOS DE DISPERSÃO E PANDEMIA......................................386
Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues / Manuela Thayse Costa Silva
CORPALMA: TAROT E ORÁCULO............................................................................414

Paola Zordan / Liana Keller
MEMÓRIAS DE UMA LAMPARINA: POÉTICAS DE LIBERTAÇÃO..................425

Lucélia Maciel de Souza
Comite Patrimônio, Conservação e Restauro
ESTRATÉGIAS POLÍTICAS E RISCOS: O CASO DO ESPAÇO CULTURAL

CASA DAS ONZE JANELAS......................................................................................437
PROJETO ARQUIVO BARRIO DESAFIOS ARQUIVÍSTICOS..............................455

Barbara Carneiro Drummond Alves / Fernando Goffredo Rocha Braga
Comitê
Curadoria
Comitê
Curadoria
UMA EXPOSIÇÃO DE MANUEL
DE ARAÚJO PORTO-ALEGRE
AN EXHIBITION BY MANUEL DE ARAÚJO PORTO-ALEGRE
Paulo Gomes
Se houve um gaúcho ausente dos

quadros locais, indiferente mesmo à
sorte de sua província, ao sofrimento
dos seus conterrâneos, esse parece ter
sido Manuel de Araújo Porto-Alegre.
Em nada do que escreveu traduziu a
doçura, o descuidado, o aflitivo ou o
trágico do seu viver. Saindo dos pagos
aos vinte anos, a eles só regressou
trazido pela admiração reverente dos
seus patrícios, depois de morto.
Guilhermino César
Este texto1 é um relato sobre a curadoria para a exposição “O Barão no

Paço”2, realizada na Pinacoteca Aldo Locatelli (SMC – Porto Alegre) no
período compreendido entre janeiro e março de 2020. Nele, abordamos
aspectos históricos e biográficos sobre Manuel de Araújo Porto-Alegre
(Rio Pardo, RS 1806 – Lisboa, Portugal, 1879), o Barão de Santo Ângelo,
destacando sua visibilidade local em textos, exposições e em alguns tra-
ços de sua biografia. Destacamos o processo curatorial, desde a definição
do tema até sua realização enquanto exposição, tratando da localização
das obras e seu conhecimento e, finalmente, enfatizamos alguns aspectos
pontuais surgidos durante a curadoria no trato com as obras, analisando
algumas delas à luz das pesquisas desenvolvidas no intuito de promover
um registro preciso de seus significados e funções finais.
Sobre o Barão
A presença de Manuel de Araújo Porto-Alegre no Rio Grande do Sul é pra-

ticamente post mortem. Começa com uma herma, encomendada pelo Dr.
José Montaury, intendente de Porto Alegre, que lança um concurso públi-
co para execução da obra em 1917. Em 1930, quando do repatriamento
de seus restos mortais, ele é homenageado por cinco dias no Salão de
Honra da Prefeitura de Porto Alegre e, após, seus restos mortais são leva-
dos para Rio Pardo, onde recebe seu túmulo definitivo. Em 1940, Manuel
de Araújo Porto-Alegre3, filho caçula e homônimo do artista, vende para
o Museu Júlio de Castilhos um lote com 31 obras atribuídas ao artista. Na
esteira desse reconhecimento tardio, o Instituto de Belas Artes, em 1943,
rebatiza a sua “Coleção de Quadros” como “Pinacoteca Barão de Santo Ân-
gelo”. À exceção dos eventos comemorativos de 1956 e 1959, seu nome
permanecerá restrito aos livros, como os de Guilhermino Cesar (1956),
Guilhermino César e Angelo Guido (1957), Angelo Guido (1957), Athos
Damasceno Ferreira (1971) e diversos autores em publicação do Instituto
de Artes (1980) e Décio Presser e Renato Rosa (1997).
Apesar das condições precárias do campo artístico local, mesmo as-
sim, sua incipiente formação em Porto Alegre o habilitou para frequentar
a Academia Imperial de Belas Artes, onde entrou, em 1827, como aluno
de Grandjean de Montigny (1776–1850), João Joaquim Alves de Sousa
Alão (1777–1837) e Jean-Baptiste Debret (1768–1848). Sua importância
no desenvolvimento das artes plásticas e da literatura no Brasil Imperial
é inquestionável. Intelectual de primeiríssima linha, um homem de mil
instrumentos ou o “homem tudo”, como definiu o historiador Max Fleiuss
com precisão absoluta essa personalidade multiforme. Sua participação
na construção da identidade artística e cultural do Brasil Imperial é notá-
vel, pois seu talento se dividiu em mil atividades, o que levou a uma ava-
liação superficial de sua contribuição. Certamente um julgamento injusto,
não pela evidência da multiplicidade de atividades e da relativa eficiência
lograda em parte considerável delas, mas, principalmente, por que esse
julgamento não leva em consideração o contexto cultural no qual ele
atuou. Sua personalidade multiforme e inquieta, assim como os inúmeros
compromissos assumidos nas mais variadas instâncias, não permitiria a
ele especializar-se. Daí a ampliação quase improvável de atividades, sain-
do inclusive da área cultural e artística, expandindo-se na arquitetura, na
política e na diplomacia.
O Barão de Santo Ângelo viveu em um momento vital da formação
do Brasil, o da construção de sua identidade nacional após a Proclamação
da Independência. Atuando em um período politicamente conturbado,
que se estendeu por todo o segundo Império, marcado por dissidências
políticas em inúmeras províncias, pela escravidão que manchava a re-
putação do país e pela Guerra do Paraguai. Porto-Alegre agiu com seus
meios para superar as dificuldades de constituir uma identidade cultu-
ral que ficasse infensa aos problemas vigentes e fosse, ao mesmo tempo,
de aceitação pacífica por todos. A par disso, havia a incipiente tradição
artística local, marcada pela riquíssima produção colonial — ainda não
conhecida e parcialmente desconsiderada — e a necessidade de cons-
tituir um corpus de obras que fosse compatível com as necessidades e
ambições nacionais. Um momento crucial e difícil, certamente, mas esti-
mulante e desafiador. Alinhado em propósitos com o romancista José de
Alencar (1829–1877), com o historiador Francisco de Adolfo de Varnha-
gen (1816–1878), com o compositor Antônio Carlos Gomes (1836–1896)
e, não esquecendo, com a figura ímpar de D. Pedro II, o imperador intelec-
tual que o apoiou, ele avulta, como um empreendedor afoito e arrojado e
um intelectual de visão ampla e generosa.
A curadoria e a exposição
Uma curadoria pode ter muitos começos: um tema, um assunto, as obras

disponíveis, o tratamento dado a esses itens, os públicos em vista, as con-
dições dadas, as expectativas, etc. A curadoria da exposição “O Barão no
Paço” é o resultado de algumas escolhas pontuais, levando em considera-
ção a necessidade de exibir a produção de Manuel de Araújo Porto-Alegre
disponível nas coleções locais e possibilitar ao público o conhecimento
de sua atividade artística, obscurecida pela inacessibilidade de seus tra-
balhos e pela reduzida atenção que essa figura de proa da arte brasileira
do século XIX recebeu entre nós.
A exposição surgiu de uma conjunção de interesses. Partiu de uma
sugestão à Coordenação de Artes Plásticas da Prefeitura Municipal de
Porto Alegre de realizar um evento alusivo aos 140 anos da morte do ar-
tista, comemorados em 29 de dezembro de 2019. Era um projeto elabora-
do já há alguns anos, integrante de pesquisa em desenvolvimento sobre
arte e artistas no Rio Grande do Sul do século XIX e XX. Ao propor a ideia,
já tínhamos uma perspectiva clara do que deveria ser exposto, visto que
a produção do artista disponível nas coleções públicas locais é reduzida.
A partir de elaboração de um memorial e de um plano de trabalho, a Co-
ordenação de Artes Plásticas da Secretaria Municipal de Cultura de Porto
Alegre passou a administrar o projeto, fazendo os contatos necessários
e gerenciando os trâmites para a realização da mostra. A ideia era a de
celebrar a data e, ao mesmo tempo, possibilitar ao público local a opor-
tunidade de ver, ou rever, essas obras inacessíveis, na sua maioria, desde
1996–1997, ocasião da última exposição de vulto sobre o artista.
Sobre essa inacessibilidade, é importante destacar que não foram
muitas as mostras individuais dedicadas ao artista entre nós. Sendo a
maior parte delas ligadas às efemérides, a mais remota ocorreu em 1956,
por ocasião das comemorações do sesquicentenário de seu nascimento,
evento organizado pela Divisão de Cultura da Secretaria da Educação
de Porto Alegre. Em 1979, o Instituto de Artes da UFRGS, por ocasião do
centenário de morte do artista, dentro da extensa programação, incluiu
uma exposição no Museu Júlio de Castilhos. Somente em 1996, 16 anos
depois, ocorreu essa exposição4. Essa foi uma mostra ampla e generosa,
incluindo toda a produção do artista disponível no Museu, obras em co-
modato do MARGS, fotografias, objetos relativos ao seu tempo do acervo
da instituição, obras de artistas correlatos e, ainda, originais e impressos
de sua autoria, vindos da Biblioteca Pública do Rio Grande do Sul, da Bi-
blioteca da UFRGS, do Museu Hipólito José da Costa e da Biblioteca Rio-
-Grandense (Rio Grande).
A produção mostrada nesta exposição é oriunda exclusivamente
de acervos locais. É um conjunto reduzido, mas expressivo, pois mesmo
não contando com pinturas de porte e faltando suas caricaturas, a co-
leção, chamemos assim, permite delinear um perfil bastante preciso das
atividades artísticas do Barão. A coleção do Museu Júlio de Castilhos é
expressiva em numerosa em obras (31) e muito rica em desdobramen-
tos: as três pinturas e os 28 desenhos têm um espectro temático amplo.
Juntamos a esse conjunto, quatro trabalhos oriundos da mesma coleção
(que estão em comodato no MARGS), um retrato pertencente a coleção
da Fundacred e uma pintura da coleção da Cúria Metropolitana. Das co-
leções privadas não temos notícias, e contamos apenas com uma obra de
um amador local.
A curadoria da exposição, mais do que uma tarefa de localização e
identificação, foi o trabalho de organizar do acervo disponível com vistas à
sua exibição. O inventário do Museu Júlio de Castilhos, datado de 1941, de-
tentor da maior parte da obra, inclusive proprietário formal das quatro que
hoje estão em comodato no MARGS, é um documento impreciso na descri-
ção das técnicas, na titulação das obras e na identificação de seus temas. O
mesmo se dá com a obra da Cúria Metropolitana, assim como a Pinacoteca
Fundacred. Muitos dos títulos atribuídos nos inventários são arbitrários ou
mesmo incorretos, dados observáveis após a análise cuidadosa das peças.
Para a organização da mostra procedemos a uma tentativa de clas-
sificação temática, separando o corpus em grupos: Retratos e Figuras, Pai-
sagens, Estudos de Vegetação, Estudos de Decoração, Cenografia e Teatro,
Estudos de Pinturas, Ilustração e Pintura. São categorias arbitrárias, eviden-
temente, mas preocupadas em centrar o tema das obras e entender sua
destinação final. Os grupos são de tamanho irregular, compreendendo
desde uma única obra — a folha de rosto do álbum Capanema — até
os conjuntos numerosamente expressivos, como os estudos de vegeta-
ção, que contam com seis peças. Essa classificação permitiu uma visão
orgânica da coleção, distribuída por áreas de interesse do artista, e tam-
bém estimulou uma análise pontual das peças dentro dos conjuntos, per-
mitindo um avanço na conferência de temas, títulos e destinações das
obras. Partindo dessa organização, que serviu de estrutura para a exibição
das obras, foram elaborados textos curtos para a exposição, que foram
colocados ao lado dos conjuntos, explicitando as intenções e tecendo
comentários sumários sobre as obras. Esse material compõe o catálogo
digital, produzido pela Coordenação de Artes Plásticas da Secretaria Mu-
nicipal de Cultura de Porto Alegre.
Sobre algumas obras e seu conhecimento5
Destacaremos, a seguir, aspectos pontuais sobre algumas das obras ex-

postas, mas ressaltando que, sendo essa uma exposição da qual seria
difícil destacar individualidades, visto sua importância como conjunto,
algumas peças apresentam questionamentos e problemas que exigiram
algumas opções de curadoria.
Figura 1. Ecce Homo, sem data. Óleo sobre tela, 116 x 76 cm. Coleção Arquidiocese de
Porto Alegre, RS. Foto: Alfredo Nicolaiewsky
É notável a presença da pintura intitulada Ecce Homo6 [Figura 1],
atribuída em livro e inventário ao artista e que, até onde sabemos, ha-
via sido exibida pela última vez em 1956, na exposição comemorativa do
sesquicentenário, conforme consta no catálogo do evento. No reduzido
corpus local das pinturas do Barão de Santo Ângelo em Porto Alegre, o
Ecce Homo merece um lugar de destaque, mesmo sem a certificação final
de sua autoria e ausência de documentação consistente sobre sua en-
trada no acervo da Arquidiocese de Porto Alegre (Cúria Metropolitana).
Segundo Sofia Inda (2020):
De acordo com o Livro Registro da Exposição de Arte Sacra Antiga

de 1940, a tela Ecce Homo, que hoje integra o acervo de bens cultu-
rais da Arquidiocese de Porto Alegre, foi presenteada por Manuel
Araújo Porto-Alegre (1806–1879) à família José Ferreira Porto que,
por sua vez, doou a tela ao Palácio D. Sebastião por intermédio do
Monsenhor Luiz Mariano da Rocha.
A imponente tela é praticamente desconhecida do público e dos es-

tudiosos da obra do artista e sua inclusão nesta exposição tem, principal-
mente, o intuito de torná-la visível e promover estudos sobre sua origem
e autoria. O ignorado Ecce Homo, ao lado da celebérrima aquarela Selva
Brasileira7 (coleção MNBA), aportam informações importantes sobre seu
autor e seu tempo: na pintura religiosa constatamos a manutenção do
mecenato da Igreja, ainda potente no século XIX, e o apreço do artista pe-
los grandes temas, naturais na Pintura de História, o ápice da formação
acadêmica e, na pequena aquarela, a fundamental preocupação com a
construção de uma identidade nacional, aqui pelo viés da paisagem “sel-
vagem”, romantizada, dramática e fascinante até os dias de hoje.
Figura 2. Descida da cruz, sem data. Aquarela sobre papel, 17 x 22 cm. Acervo Museu
Júlio de Castilhos, RS. Foto: Alfredo Nicolaiewsky
A pequena aguada do acervo do Museu Júlio de Castilhos, uma Pie-

tá , foi colocada no grupo intitulado Estudos de Pinturas [Figura 2], por su-
8
pormos que é um desenho preparatório para uma composição de maior

fôlego. Intitulada, no inventário do Museu Júlio de Castilhos, como Des-
cida da Cruz (estudo), essa aquarela9 provavelmente tem relação com a
pintura intitulada Consumatum Est, que Porto-Alegre realizou em Roma
em 1834. Mas essa é uma informação ainda a ser conferida e consolidada.
Figura 3. Estudo para painel decorativo, 1851. Aquarela sobre papel, 25 x 22 cm.
Acervo Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli. Foto: cedida pelo MARGS.
O Estudo para painel decorativo10 [Imagem 3], datado de 1851, foi clas-
sificado no grupo dos Estudos para Decoração, por entendermos que suas
características combinam mais com uma decoração alegórica parietal do
que com uma pintura autônoma (talvez, mesmo que remotamente, po-
deríamos aventar a possibilidade de ser um estudo para uma ilustração).
De temática indefinida, com duas figuras distintas — um homem velho
com toga e uma figura feminina jovem, apontando para o alto — em uma
gruta, elas têm, à esquerda do espectador, a escultura da Loba Romana
do Capitólio, com sua identificação na base. A gestualidade de ambas as
personagens indica claramente uma narrativa alegórica não identificada.
Seus elementos, apesar da relativa facilidade de identificação, dependem
ainda de uma interpretação plausível. Rafael Cardoso (2014, p. 189) aventa
a possibilidade de a figura masculina ser a imagem de algum historiador ro-
mano, talvez Suetônio, mas esclarece que “essa identificação exigiria maior
pesquisa iconográfica”.
Figura 4. Croquis para um cenário, sem data. Aquarela sobre papel, 35,5 x 44 cm.
Acervo Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli. Foto: cedida pelo MARGS.
O Croquis para um cenário11 [Imagem 4] é uma das peças mais co-

nhecidas da coleção e também carece de identificação precisa. Com
um pouco de esforço, podemos ver aqui um cárcere, de clara inspira-
ção piranesiana pela perspectiva acentuada dos arcos, das escadarias
vertiginosas e da passarela, embora o fundo, após o grande arco, tenha
uma decoração incoerente com o espaço. Se for, como diz o registro de
aquisição, um croqui para um cenário, qual seria a peça? Letícia Squeff
(2004, p. 96) informa que Porto-Alegre projetou cenários para duas pe-
ças de Domingos José Gonçalves de Magalhães. Em nota, ela informa,
baseada em De Paranhos Antunes, que as peças foram Antônio José, ou o
Poeta e a Inquisição (1838) e Olgiato (1389). Das duas, apenas a primeira
tem uma cena de cárcere, conforme podemos ler na rubrica indicativa:
QUINTO ATO
Vista do cárcere do Santo Ofício; uma escada no fundo. Antônio José

deitado no chão sobre palhas, preso por uma corrente à pilastra que
no meio da cena sustenta a abóbada do cárcere; um candeeiro ace-
so, e um pote de água.
De Paranhos Antunes (1943, p. 97 segs.) informa que
Porto-Alegre largava os seus trabalhos para lhe (Gonçalves de Ma-

galhães) desenhar figurinos, fazer-lhe as composições dos cenários,
e muitas vezes pintá-los, como aconteceu no dia em que se devia
apresentar “Antônio José”, que até às três horas da tarde não havia
ainda comido. E tudo isso gratuitamente e só pelo prazer de ver a
arte progredir. [...] a tragédia ‘Antônio José’, de Magalhães, subiu à
cena na noite de 13 de março de 1838 [...].
A referência à escada ao fundo e à pilastra de sustentação reforçam

a hipótese de identificação, apesar da ausência de indicações de que este
seja um croquis para a peça de Magalhães.
Figura 5. Estudo cenográfico (provável), 1851. Aquarela sobre papel, 27 x 20 cm.
Acervo Museu Júlio de Castilhos, RS. Foto: Alfredo Nicolaiewsky
Uma das peças que exemplifica os problemas de titulagem a que

nos referimos [Figura 5], está registrada no inventário do Museu Júlio de
Castilhos como Estudo cenográfico (provável)12, 1851. Classificamos a folha
no conjunto de Estudos para pintura, pois entendemos que seria um erro
classificá-la dentro do grupo Cenografia e teatro (certeza reforçada pela
condicional registrado no título da folha). Está evidente que o trabalho
em questão é uma representação da Caritas romana, a história exemplar
de uma mulher, Pero, que secretamente amamenta seu pai, Cimon, encar-
cerado e condenado à morte por fome. A história é narrada pelo historia-
dor romano Valério Máximo, na obra Factorum et dictorum memorabilium
(Nove Livros de Atos e Provérbios Memoráveis dos Romanos Antigos) e
foi apresentada como um grande ato de pietas (piedade filial) e romana.
As figuras parecem muito jovens, principalmente o homem, o que não te-
ria uma correspondência exata, em termos cronológicos, com a narrativa.
Mas é impensável alguma outra explicação que não essa, visto que as re-
ferências são explícitas: o cárcere e a jovem mulher dando o seio ao ho-
mem, em atitude de tensão e receio, visto que ela segura a porta com o
olhar aflito. Não poderia ser uma cena teatral, pois seria impensável sua
apresentação em cena. Enquanto estudo para uma pintura, ou mesmo
uma ilustração, faz sentido.
Figura 6. Autorretrato, de Manuel de Araújo Porto-Alegre, 1823. Óleo sobre painel, 29

x 23 cm. Acervo Museu Júlio de Castilhos, RS. Foto: Alfredo Nicolaiewsky
Do conjunto intitulado Retratos, o mais importante é o Autorretrato13

[Figura 6], datado de 1823, quando o artista teria por volta de 17 anos,
se considerarmos como efetiva a datação na tela. Trata-se de um retrato
pintado quase à régua, isto é, os traços fisionômicos são captados com
um rigor que beira a rudeza. Não há efetivamente muita habilidade na
pintura, ao contrário, ela é rígida no desenho, simplista na modelagem da
aparência do retratado e de suas roupas, e o colorido não se faz destacar.
Talvez esse juízo, fundado na aparência atual da pintura, seja injusto, pois
estamos fazendo-o a partir de uma tela que, em algum momento mais
propício, deve ter tido um melhor aspecto. Efeitos talvez de uma restau-
ração pouco feliz ou de um desgaste natural, a pintura certamente não
recomenda seu autor, com a notável exceção de ser obra de um jovem
aspirante à profissão de artista, com formação ainda incipiente. Há ainda
no acervo do Museu Júlio de Castilhos um outro retrato, uma fotografia
pintada do retrato feito por Pedro Américo,14 em 1869, quando o artista
teria por volta de 50 anos.
Figura 7. CERVÁSIO, Vicente. Retrato do Barão de Santo Ângelo, c. 1929. Óleo sobre
fotografia, 50 x 60 cm. Museu Júlio de Castilhos, RS. Foto: Alfredo Nicolaiewsky
O terceiro retrato [Figura 7], uma fotografia pintada à óleo, é de auto-
ria de Vicente Cervásio15 (? – ?). É um retrato notável pela força do exibido
aqui, provavelmente, um homem com mais de 70 anos, mas com um bri-
lho intenso no olhar e uma afirmativa presença.
Conclusões
Esta exposição16 [Figura 8], independente da expectativa de seu alcance, foi

um desafio curatorial, na medida em que foi necessário partir do reduzido
corpus de obras e, dentro desses limites, propor uma perspectiva ampla da
atuação desse artista multidisciplinar. Naturalmente, as condições de tra-
balho diferem das encontradas nos grandes centros hegemônicos. Não
temos os meios, recursos e a celebração dos curadores desses centros.
Figura 8. Exposição “O Barão no Paço”, Pinacoteca Aldo Locatelli. Paço Municipal de

Porto Alegre, janeiro de 2020. Foto: Alex Rocha
Aqui, no Rio Grande do Sul, tudo se configura como um pálido re-
flexo: somos antes operários de uma grande fábrica, eternamente em
dificuldades, trabalhando sempre no vermelho e em reduzidos recursos
humanos. Somos curadores periféricos, uma figura mista de gestor, admi-
nistrador, crítico, historiador e mediador. Desse modo, somos obrigados
a desenvolver uma multiplicidade de atividades correlatas e ações para-
lelas para chegar a um bom termo. Assim, se não logramos um retrato à
altura da importância de Manuel de Araújo Porto-Alegre, o Barão de Santo
Ângelo, tentamos minimizar a invisibilidade de sua presença entre nós, pro-
movendo uma leitura clara e objetiva de sua obra disponível e, finalmente,
propondo ao público, se não o necessário retrato, ao menos um correto perfil
do grande artista.
Notas
1 Parte integrante da pesquisa n º 38643 (UFRGS), intitulada Artistas, Historiadores da
Arte e Críticos: uma perspectiva da arte no Brasil a partir dos acervos artísticos e docu-
mentais (públicos e privados) (UFRGS), atualmente em desenvolvimento, integrante do
grupo de pesquisa de mesmo nome: CAPES nº 548038 (dgp.cnpq.br/dgp/espelhogru-
po/3547353698576447).
2 Exposição realizada na Pinacoteca Aldo Locatelli, da Coordenação de Artes Plásticas da
Secretaria Municipal de Cultura da Prefeitura de Porto Alegre, de janeiro a março de 2020. O
projeto contou com a assessoria de curadoria de Marina Roncatto e Nina Sanmartin Alves,
e a assistência na curadoria e na pesquisa de Sofia Inda.
3 Manuel de Araújo Porto-Alegre Filho nasceu em Paris, em data não informada, mas possi-
velmente em 1867, sendo o sexto filho do casal, o único sobrevivente, visto que duas irmãs
nasceram depois, mas faleceram ainda crianças. Seu nascimento, em Paris, ocorreu quan-
do da estada do artista naquela cidade, como auxiliar na secção de Belas Artes do Brasil
na Grande Exposição Universal de Paris, antes de sua transferência definitiva para Lisboa.
Seus dados também não constam, com exceção de seu nome, na detalhada genealogia
de Porto-Alegre, intitulada “Família do Povoador”, de autoria de Paulo Xavier, publicada no
“Caderno de Artes 1”, de junho de 1980, editado pelo Instituto de Artes da UFRGS, volume
dedicado a Manuel de Araújo Porto-Alegre.
4 “A Aventura Artística de um Barão – Manuel de Araújo Porto-Alegre – Vida e Obra. De-
zembro/1996 a abril/1997”, com curadoria compartilhada entre seis profissionais, textos
de Armindo Trevisan, Francisco Riopardense de Macedo e cronologia elaborada por Lina
Bach Martins.
5 É necessário esclarecer aqui que, para uma avaliação correta da produção do artista, dis-
persa em coleções públicas e privadas, seria necessário um registro sistemático, impresso
ou mesmo digital de sua obra plástica. Nos falta um catalogue raisoné desta, com exceção,
em parte, da caricatura. As poucas obras visíveis não são suficientes para julgá-lo com isen-
ção, e as existentes indicam um pintor tecnicamente dotado, mas pouco inventivo (visto
que seus temas e tratamentos não vão muito além do padrão da época) e reduzidamente
dedicado ao ofício da pintura (são poucas as obras e algumas delas estão inacabadas). Por
isso, seria injusto julgá-lo com base no pouco que temos.
6 Ecce homo, sem data. Óleo sobre tela, 116 x 76 cm. Coleção da Arquidiocese de Porto
Alegre (RS). No verso da pintura, consta um carimbo indicando que a tela foi produzida
em Paris.
7 Floresta brasileira, 1853. Sépia sobre papel, 62,2 x 87,3 cm. Museu Nacional de Belas Artes (RJ).
8 Descida da cruz, sem data. Aquarela sobre papel, 17 x 22 cm. Museu Júlio de Castilhos
(Porto Alegre, RS). Nº de registro: 1861.
9 No inventário do Museu Julio de Castilho está registrado como aquarela quando, na ver-
dade, é uma aguada de nanquim. Mantivemos nas legendas os mesmos dados do referido
inventário.
10 Estudo para painel decorativo, 1851. Aquarela sobre papel, 25 x 22 cm. Acervo MAR-
GS (transferência do Museu Júlio de Castilhos). A obra, bastante divulgada, foi exposta na
mostra “A Aventura Artística de um Barão – Manoel de Araújo Porto-Alegre – Vida e Obra”
(Museu Júlio de Castilhos, dezembro de 1996 a abril de 1997) e está reproduzida no catálo-
go da mostra. Também foi apresentada, e está reproduzida no catálogo, da mostra “Araújo
Porto-Alegre: Singular & Plural” (Instituto Moreira Salles, 2014, p.191).
11 Croquis para um cenário, sem data. Aquarela sobre papel, 35,5 x 44 cm. Acervo MARGS
(transferência do Museu Júlio de Castilhos, Nº de registro: 1852). A obra foi exposta em: “A
Aventura Artística de um Barão – Manoel de Araújo Porto-Alegre – Vida e Obra”. Museu Júlio
de Castilhos, dezembro de 1996 a abril de 1997 e “Araújo Porto-Alegre: Singular & Plural”
(Instituto Moreira Salles, 2014, p.178).
12 Estudo cenográfico (provável), 1851. Aquarela sobre papel, 27 x 20 cm. Museu Júlio de
Castilhos (Porto Alegre, RS), Nº de registro: 1859. Exibida em “A Aventura Artística de um
Barão – Manoel de Araújo Porto-Alegre – Vida e Obra” (Museu Júlio de Castilhos, dezembro
de 1996 a abril de 1997).
13 Autorretrato, de Manuel de Araújo Porto-Alegre, 1823. Óleo sobre painel (provavel-
mente tela colada sobre painel), 29 x 23 cm. Museu Júlio de Castilhos (Porto Alegre, RS), Nº
de registro: 1879.
14 Trata-se do Retrato do Barão de Santo Ângelo, sem data. Cópia (óleo sobre fotografia),
medindo 93 x 78 cm, de autor desconhecido, a partir do original de Pedro Américo de
Figueiredo e Melo (Acervo do Museu D. João VI, EBA/UFRJ). A obra é bem conhecida pelos
gaúchos, tendo sido reproduzida, sem a moldura oval, na capa do “Caderno de Artes 1”
(Instituto de Artes da UFRGS, junho de 1980) e no interior (publicação não paginada). O
retrato original foi pintado por Pedro Américo, em 1869, ano de seu casamento com Carlota
de Araújo Porto-Alegre (1844–1918), segunda filha de Porto-Alegre.
15 CERVÁSIO, Vicente. Retrato do Barão de Santo Ângelo, c. 1929. Óleo sobre fotografia,
50 x 60 cm. Museu Júlio de Castilhos (Porto Alegre, RS), Nº de tombo: 54/32. A obra foi ex-
posta em “A Aventura Artística de um Barão – Manoel de Araújo Porto-Alegre – Vida e Obra”
(Museu Júlio de Castilhos, dezembro de 1996 a abril de 1997) e está reproduzida duas vezes
no “Caderno de Artes 1” (Instituto de Artes da UFRGS, junho de 1980, não paginado). A
pintura de retratos a partir de fotografias era uma prática recorrente no final do século XIX
e primeiras décadas do século XX e este, de Cervásio, é oriundo do famoso Atelier Calegari.
16 Vista geral da exposição O Barão no Paço (Pinacoteca Aldo Locatelli, Paço Municipal de
Porto Alegre, janeiro de 2020). Foto de Alex Rocha.
Referências
“O Barão no Paço: Obras de Manuel de Araújo Porto-Alegre em coleções locais”

(catálogo digital). Porto Alegre: Secretaria Municipal de Cultura/Coordenação
de Artes Plásticas/Pinacoteca Aldo Locatelli, 2020.
CARDOSO, Rafael Cardoso. “A vingança de Pinta-Monos: sátiras contra Manuel

de Araújo Porto-Alegre.” In Manuel de Araújo Porto-Alegre: Singular&Plural.
São Paulo: IMS, 2014.
DE PARANHOS ANTUNES, Deoclécio. O pintor do romantismo: vida e obra

de Manuel de Araújo Porto-Alegre. Rio de Janeiro: Zélio Valverde, Livreiro
Editor, 1943.
GOMES, Paulo. O Barão no Paço: Obras de Manuel de Araújo Porto-Alegre em
coleções locais” (catálogo digital). Porto Alegre: Secretaria Municipal de Cultura/
Coordenação de Artes Plásticas/Pinacoteca Aldo Locatelli, 2020 (no prelo).
INDA, Sofia. “Notas sobre a tela Ecce Homo”. Porto Alegre, 2019. (pesquisa
efetuada para a curadoria).
SQUEFF, Letícia. O Brasil nas letras de um pintor: Manuel de Araújo Porto-

Alegre (1806-1879). Campinas, SP: Editora da Unicamp, 2004.
“INVERSA PERSPECTIVA”:
SOBRE A POÉTICA ARQUITETÔNICA DE
WELLINGTON DE MEDEIROS
“INVERSE PERSPECTIVE”: ABOUT WELLINGTON

DE MEDEIROS’S ARCHITECTURAL POETIC
Robson Xavier da Costa / UFPB / UFPE
Sobre história das exposições
As exposições são eventos pela própria natureza efêmeros, seus registros

têm sido historicamente documentados por meio de fotografias, vídeos,
catálogos (impressos e/ou digitais), documentos oficiais, notas e matérias
de jornais, revistas, documentos pessoais das equipes de curadoria, crítica
ou da direção das instituições museais. A pesquisa em história das exposi-
ções é fundamental para que essa documentação ganhe vida e possa ser
reavaliada enquanto registro e preservação de memórias.
Considerando que as exposições têm um papel central na divulgação
e construção histórica da arte e da carreira dos artistas, críticos, arquite-
tos e curadores, podendo estabelecer discursos oficiais ou se contrapor a
sistemas estabelecidos, podem servir para reforçar o discurso hegemônico,
como também, pode ser palco de revoluções culturais emblemáticas. As
exposições podem servir para a construção de narrativas históricas, inter-
ferindo nas concepções patrimoniais, nos rumos do mercado de arte, na
definição e manutenção das memórias de um país ou região, no legado
que ficará registrado na história da arte.
Um dos temas mais discutidos e abordados no campo da história
da arte e da museologia contemporâneas tem sido o campo da história
das exposições. Sua estruturação como área de conhecimento forçou a
revisão crítica das práticas expográficas, museológicas, historiográficas,
patrimoniais e das políticas da promoção da arte em todo o mundo.
Na década de 1990, a Editora Inglesa Afterall, fundada em 1998, por
Charles Esche e Mark Lewis, na Central Saint Martins, da University of Arts
London, iniciou a publicação da série "Exhibition Historie”1 (História das
Exposições), estabelecendo a primeira metodologia para pesquisa em um
novo campo de conhecimento, ligado à história da arte.
A coleção "Histórias das Exposições” lançada inicialmente em 2010,
com a publicação do primeiro livro da série Exhibiting the New Art: “Op Losse
Schroeven” and “When Attitudes Become Form – 1969, uma análise compa-
rativa de duas mostras realizadas no mesmo ano e organizadas por Harald
Szeemann. Com um dos livros dedicado ao tema da 24ª Bienal Internacio-
nal de São Paulo, intitulado "Cultural Anthropophagy: the 24th Bienal de São
Paulo 1999", publicado em 2015 pelo curador espanhol Pablo Lafuente.
No Brasil o ponto inicial para o início da pesquisa em história das ex-
posições partiu da participação do curador/pesquisador Pablo Lafuente,
a partir da sua participação no VII Seminário Semestral de Curadoria do
extinto Curso de Mestrado em Artes Visuais da Faculdade Santa Marce-
lina, em São Paulo capital, a convite da Curadora Lisette Lagnado. Pos-
teriormente Lagnado em parceria com a Pesquisadora Mirtes Marins de
Oliveira criaram o Curso de Curadoria: histórias das exposições na Escola
São Paulo e num terceiro momento foi quando um grupo de curadores/
pesquisadores da Pontifícia Universidade Católica – PUC/SP, formado por
Fábio Cypriano, Cauê Alves e Priscila Arantes, lotados em distintos depar-
tamentos, criaram o Curso Arte: história, crítica e curadoria (Cypriano e
Oliveira, 2017, p. 5-6).
A publicação dos livros e "história das exposições: casos exemplares"
organizados por Fábio Cypriano e Mirtes Marins de Oliveira, em 20172,
e "história das exposições: debates urgentes” com organização do Fábio
Cypriano, com textos dos autores Isadora Brandão Pin, Cauê Alves, Julia
Lima, Priscila Arantes, Viviane Tabach, Mirtes Marins de Oliveira, Isabella
Guimarães Rezende, publicado em 2018, lançaram no mercado editorial
brasileiro literatura especializada na área.
Em 2017 durante o 26º Encontro Nacional da Associação Nacional
de Pesquisadores em Artes Plásticas (ANPAP), Memórias e Inventações,
as pesquisadoras Lisbeth Rebollo Gonçalves (USP) e Bruna Fetter (UFRGS)
organizaram o simpósio "história das exposições" com a participação de
12 pesquisadores de estados variados do país apresentando suas pesqui-
sas em história das exposições3.
O projeto de pesquisa “Fora do Eixo: história das exposições de arte
(in)visibilizadas” foi criado pelo AUTOR em 2018, vinculado ao PIBIC/UFPB
2018-2019, objetivando investigar a história das exposições de arte fora
do eixo hegemônico da arte brasileira, com ênfase nas exposições de arte
realizadas no estado da Paraíba, nas décadas de 1980 e 1990 nas cidades
de João Pessoa e Campina Grande.
Ao longo do desenvolvimento da pesquisa em curso nos acervos dos
jornais Correio da Paraíba e União; no Museu de Arte Assis Chateaubriand;
na hemeroteca e no arquivo de fotos da Fundação Espaço Cultural José
Lins do Rêgo (FUNESC); no acervo da Fundação Casa de José Américo de
Almeida; da biblioteca nacional; do Museu de Arte de São Paulo (MASP)
e da Pinacoteca UFPB, encontramos referências a exposições realizadas a
partir dos anos 2000, que despertaram nosso interesse, hora pelo inedi-
tismo do tema na arte paraibana, hora pela posição política e impacto no
cenário local e internacional.
Nesta investigação destacamos a presença das "poéticas arquitetô-
nicas" (Moriente, 2010) na arte paraibana, a partir da atuação do artista
Wellington de Medeiros4, um campinense, que desde sua formação na
área de design e artes visuais já atuava como artista voltado para a ressig-
nificação dos elementos construtivos do imaginário urbano.
Poéticas arquitetônicas na arte contemporânea
O que são poéticas arquitetônicas? São manifestações artísticas da arte

contemporânea que utilizam o “signo arquitetônico” como elemento cen-
tral na construção dos trabalhos.
A interrelação entre signo arquitetônico e arte contemporâ-
nea aponta para caminhos trilhados pelas vanguardas artísticas desde
a arte moderna, como as experiências emblemáticas da Merzbau5 de
Kurt Schwitters (1887 – 1948), híbrido entre instalação e escultura, a pa-
raarquitetura, que segundo Moriente (2010, p. 23) inclui os projetos de
Vladimir Tatlin (1885 – 1953), com o monumento a III Internacional6 e o
projeto do “Espaço Proun7” de El Lissitzky (1890 – 1941). Ou obras como
os “penetráveis” e as “cosmococas” de Helio Oiticica (1937 – 1980), ou os
trabalhos de Pedro Cabrita Reis (1956 – 63 anos), utilizando materiais
construtivos, todas essas experiências partem ou desembocam nas ques-
tões espaciais e arquitetônicas.
Na maioria dessas poéticas o “signo arquitetônico” aparece por
meio do antagonismo, desconstrução, ruptura, ranhura, rasgão, ruína,
quebra, esses são elementos centrais para os artistas na hora de pensar
seu trabalho. No caso dos trabalhos expostos em museus de arte contem-
porânea, alguns trabalhos expostos são literalmente um contraponto a
estrutura da caixa arquitetônica, não buscam o diálogo e sim o conflito,
a quebra de estruturas, a ruptura com o estabelecido. É uma queda de
braços interminável entre a arquitetura e a arte.
Essa relação tem sido foco para o desenvolvimento de inúmeros tra-
balhos artísticos no Brasil e no mundo que tencionam discutir politica-
mente as posturas diferenciadas a respeito da arquitetura e da arte con-
temporânea. O contexto urbano das grandes cidades e o museu de arte
contemporânea tem sido um dos palcos privilegiados para abrigar essa
forma política de arte.
Todos eles encontram-se em um ponto de convergência de um novo

modo de ver a imagem arquitetônica, pois estão mais preocupados
em reduzir de maneira considerável as dimensões dos personagens
humanos e em remarcar de modo indubitável a magnificência de
suas construções (MORIENTE, 2010, p. 20).
Um dos nomes proeminentes das poéticas arquitetônicas na arte

contemporânea foi Gordon Matta-Clark (1943-1978) um artista america-
no dos mais emblemáticos, ele aplicou a noção de corte e de incisão as ru-
ínas de arquitetura. O Bronx foi por excelência seu campo de atuação nos
anos 1980, um bairro degradado, com possibilidades de inserção sobre as
construções, foi nesse cenário que Matta-Clark experimentou e implan-
tou sua poética. Segundo Moriente:
(...) Matta-Clark não foi o único nem o primeiro a encarregar-se de

explorar as modificações que se produziam no discurso artístico
ao cruzar-se com os relacionamentos arquitetônicos. Um exemplo
formidável e paradigmático de transição entre a dimensão corporal e
a construída. (...) finais dos anos oitenta, onde se pode contemplar a
absoluta e límpida coerência e seriedade de seus projetos arquitetô-
nicos (...) dentro do mesmo contexto espacial e sociocultural anglo-
-saxão devemos incluir ao menos mais dois nomes, Bruce Nauman
(Fort Wayne, Indiana, 1941) e Dan Gahan (Urbana, Illinios, 1942), am-
bos tem manifestado um interesse aberto pelo comportamento do
indivíduo submetendo o corpo do sujeito a uma série de condições
mediadas pelo espaço circundante (MORIENTE, 2010, p. 30).
As velhas construções do Bronx permitiram que Matta-Clark quebras-

se paredes, fizesse incisões cirúrgicas nas construções, mudando a perspec-
tiva da construção original, literalmente rasgando a arquitetura, tal como
Lúcio Fontana rasgou telas. Suas intervenções urbanas apresentam como
característica essencial à ruptura final com um padrão arquitetural já esta-
belecido. Ao cortar as construções, Matta-Clark rompeu conceitualmente
com a própria noção de arquitetura e rasgou a caixa arquitetônica, descon-
truindo sua relação com o meio e criando novas formas de interação.
As poéticas arquitetônicas na arte contemporânea podem ser viven-
ciadas, penetradas, tornadas lugares, mas podem ser temporárias, efême-
ras, tão rápidas quanto à montagem ou a interpenetração permite. Esse
tipo de poética sugere penetração, ato físico, presença e leitura estética-
-espacial para o “espectador emancipado” (Rancière, 2012).
Essas poéticas congregam também performances, happenings e
todo tipo de manifestações que envolvem ação do artista e o feedback di-
reto do público. Essas novas inserções fazem parte do contexto da arte
contemporânea e consequentemente dos museus especializados que
utilizam o aparato museológico para fomentar a interação arte/público e
fomentam as experiências vivenciais nos museus.
Essas ações, como protocolos de invasão do espaço, tentam pro-
pagar a esfera artística além do exposto nos apertados recintos do
museu ou da galeria. Esses protocolos diversificaram-se em atos
representativos como os happenings ou as performances que, por
sua vez, se reproduziam em espaços definidos. A localização era tão
importante como o processo dos acontecimentos criativos que se
levam a cabo nela, porque os corpos – inertes ou ativos – que se
localizam em um espaço dotam no de um significado preciso (MO-
RIENTE, 2010, p. 28). .
As temáticas das poéticas arquitetônicas na arte contemporânea

apresentam variantes, uma delas é a variante analítica, trabalhando com
fragmentos de imagens da arquitetura, utilizando materiais concretos,
tendo a tectônica como elemento principal, a partir da produção manual,
trabalhando com fragmentos de construções, como portas, janelas, tijo-
los, paredes, escadas, etc.
Com foco nos fragmentos da arquitetura urbana Wellington de Me-
deiros construiu uma poética densa, como um colecionador de imagens,
seu trabalho parte do princípio da observação e documentação do seu
entorno, por meio de fotografias, registros visuais, observação de am-
bientes e objetos, o artista documenta fragmentos de construções urba-
nas, obras da construção civil, construções em curso ou abandonadas,
que servem de subsídios para as suas imagens fragmentadas.
A “Inversa Perspectiva” de Wellington de Medeiros
Na exposição “inversa perspectiva” realizada na galeria da Usina Cultu-

ral da Energisa, em João Pessoa, Paraíba, Brasil, em janeiro e fevereiro de
2017, aprovada pelo edital de ocupação 2016/2017, o artista apresentou
pinturas, instalações e objetos em diálogo com o espaço da galeria, fixan-
do e projetando desenhos espaciais com fitas isolantes, expondo pinturas
construtivas com imagens arquitetônicas e objetos seguindo a mesma po-
ética, utilizando materiais comuns na construção civil.
A proposta central para a “inversa perspectiva” foi construir um diá-
logo entre os trabalhos expostos (pinturas, objetos e instalações) com o
espaço da galeria da Usina Cultural Energisa. Em seu trabalho Wellington
de Medeiros trava um embate com a perspectiva, subvertendo as suas
possibilidades, por meio da experimentação com formas arquitetônicas,
seja no espaço bidimensional das pinturas ou no tridimensional dos ob-
jetos e instalações.
A perspectiva é por natureza uma ilusão ótica, necessária para que os
seres humanos possam ver o mundo em três dimensões, percebendo a par-
tir dos planos os espaços profundos. Em seu trabalho Wellington subverte
a perspectiva convencional, apresentando representações de espaços que
seriam impossíveis na realidade, ângulos, cantos, linhas, texturas e cores,
são utilizados a serviço de uma proposta que recria realidades arquitetôni-
cas, mundos imaginários formados por vigas, colunas e superfícies.
Wellington criou espaços, dentro de espaços, dentro de espaços, no
interior da galeria, a exposição foi pensada como uma única instalação,
praticamente um site specific (figura 01). Ao entrar na galeria o especta-
dor se depara a sua direita com uma série de pinturas com dimensões
de 1,30m X 1,30m; 1,50, X 1,50m e uma maior medindo 1,70m X 1,70m,
fazendo uma relação com a altura do corpo do artista (figuras 02, 03 e 04).
Figura 01 – Vista parcial da Exposição “Inversa Perspectiva” a partir da entrada
exterior do hall da Galeria da Usina Cultural Energisa. Foto: Wellington de Medeiros.
2017. Acervo do Artista.
O signo arquitetônico está presente no trabalho do Wellington de

Medeiros como nos fios de uma trama de tecido, seu pensamento vi-
sual é concreto, interconectado e vinculado à recriação espacial com-
plexa. Suas perspectivas inversas possibilitam ao espectador recriarem
noções espaciais e reconfigurarem percepções de mundo. Alguns de
seus trabalhos causam sensações de desconforto visual, por identificar-
mos ângulos, cantos, superfícies e vigas em desequilíbrio, em posições
que desafiam a lei da gravidade. O artista apresenta uma arquitetura
fadada à ruína, fora dos padrões do equilíbrio, habitabilidade e conforto
ambiental, construções que incomodam e instigam a reflexão, que nos
permite ver, circundar, sentir e perceber os processos, as marcas e a sua
reconstrução poética do mundo.
Figura 02 – Sem título – Óleo s/ tela – 1,30m X 1,30m - 2015. Foto: Wellington de
Medeiros. Acervo do Artista.
Figura 03 - – Sem título – 1,50m X 1,50m - Óleo s/ tela – 2015. Foto: Wellington de
Medeiros. Acervo do Artista.
Figura 04 – Sem título – Óleo sobre tela – 1,70m X 1,70m – Foto: Wellington de
Medeiros, 2017. Acervo do artista.
A série de pinturas fixadas na parede à esquerda de quem entra na

galeria, formou um longo painel contínuo em faixa, criando uma espécie
de janela na parede, uma abertura fictícia, o que gerou uma das perspec-
tivas invertidas, pinturas que poderiam ser detalhes da estrutura da pa-
rede, ou reflexos das colunas feitas em fita isolante, bem como refletem
as vigas de madeira aparente do teto da galeria e também poderiam ser
aberturas que levassem o espectador a visualizar detalhes de construções
externas, ao mesmo tempo em que seus chassis se projetam alguns cen-
tímetros da parede, avançando no espaço da galeria e dialogando com os
demais objetos da instalação (figura 05).
Figura 05 – Vista parcial da exposição “inversa perspectiva” – Galeria da Usina Cultural
Energisa – Janeiro e fevereiro de 2017. Foto: Wellington de Medeiros. Acervo do Artista.
No centro da galeria descem estruturas lineares que formam co-

lunas demarcadas com fita isolante, o material plástico e preto, define
os contornos de desenhos precisos e milimetricamente projetados. As
linhas verticais escuras e retas ajudam a recriar o espaço da galeria,
criando colunas sugeridas, invertendo a percepção do espectador, que
é levado a imaginar elementos arquitetônicos inexistentes na tectônica
do vão livre da galeria.
Essas colunas se desdobram em outras formas geométricas em
perspectivas diversas, desde o trapézio projetado no piso, como uma
demarcação das margens de algumas sombras das colunas sugeridas,
até a criação de outras perspectivas desses objetos projetadas no chão
e paredes da galeria.
Figura 06 – Desenho geométrico em perspectiva – dimensões variadas – fita isolante
– 2017. Foto: Wellington de Medeiros. Acervo do artista.
Figura 07 - Desenho geométrico em perspectiva – dimensões variadas – fita isolante

– 2017. Foto: Wellington de Medeiros. Acervo do artista.
Os desenhos geométricos em perspectiva foram fixados nas paredes
da galeria, criando projeções tridimensionais no espaço com suas som-
bras projetadas. As formas construtivas podem mudar de configuração de
acordo com o ângulo de percepção visual do espectador, criando ilusões
óticas e novas projeções. Nesse contexto as pinturas, os desenhos e as co-
lunas sugeridas, formam um todo complexo, uma instalação, já que todos
os trabalhos dialogam entre si e com o espaço da galeria.
Considerações Finais
Ao analisar a exposição “inversa perspectiva” do artista Wellington de Me-

deiros, foi possível identificar como o artista trabalha com a “poética ar-
quitetônica” nas pinturas, desenhos e instalações e como essa poética foi
o mote curatorial para toda a montagem da exposição. Todo o espaço da
galeria foi trabalhado como parte integrante da proposta poética, todos
os trabalhos expostos dialogaram diretamente com o espaço da galeria,
alguns se inserindo, literalmente, no espaço expositivo.
A maneira que as pinturas foram dispostas na galeria podem reme-
ter as aberturas na caixa arquitetônica, possibilitando ao espectador per-
cepções múltiplas, entre janelas/fendas nas paredes, que poderiam mos-
trar detalhes de construções imaginárias em curso no entorno e pinturas
que se projetam no espaço da galeria a partir dos seus bastidores.
Os desenhos feitos com fitas isolantes se projetaram do plano bi-
dimensional para o tridimensional, criando perspectivas múltiplas para
o espectador, se lançando fisicamente para o piso e paredes, criando a
ilusão de objetos em perspectiva.
Os objetos que sugerem colunas criadas com fita isolante partindo
das tesouras de madeira aparentes que sustentam o telhado da galeria
descrevem a continuidade arquitetônica e geométrica das formas e se
projetam no piso a partir das sombras projetadas pela iluminação dialo-
gando com os desenhos e pinturas dispostos nas paredes da galeria.
A “inversa perspectiva” é um exemplo do uso da “poética arquitetô-
nica” como estruturante para o processo criativo do artista Wellington de
Medeiros, bem como, para sua proposta curatorial e expográfica para esta
exposição específica.
Notas
1
No link: https://www.afterall.org/books/exhibition.histories/
2
Disponível parcialmente em: https://books.google.com.br/books?id=TsqCDwAAQBA-
J&pg=PT140&lpg=PT140&dq=Hist%C3%B3ria+das+exposi%C3%A7%C3%B5es:+de-
bates+urgentes+-+F%C3%A1bio+Cypriano&source=bl&ots=1XLPVp0-jT&sig=ACfU3U-
3t9ABtBEJYmBK24pIb6Ag9gcWpxw&hl=pt-BR&sa=X&ved=2ahUKEwjJ-M_k5e_oAhX-
PEbkGHc6NA3MQ6AEwAnoECAoQLA#v=onepage&q=Hist%C3%B3ria%20das%20
exposi%C3%A7%C3%B5es%3A%20debates%20urgentes%20-%20F%C3%A1bio%20
Cypriano&f=false
3
Disponíveis nos anais do evento no link: http://anpap.org.br/anais/2017/.
4
PhD em Design pela Universidade de Staffordshire, Inglaterra (2007); Mestre em Artes Vi-
suais pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (1998) e Graduado em Design pela
Universidade Federal da Paraíba (1988). Atualmente é professor associado nos cursos de
graduação e mestrado em Design da Universidade Federal de Campina Grande.
5
Merzbau, que é o mesmo que 'Casa Merz'. Merzbau era uma combinação de colagem,
escultura e arquitetura que começou ocupando um canto do ateliê de Schwitters e foi gra-
dualmente expandida para oito cômodos de sua casa em Hannover. Pode ser considerada
a primeira instalação artística, onde roupas, cabelos e garrafas com urina, eram guardados
em caixas e malas e presos às paredes com arames e gesso. Nesta obra o formalismo cons-
trutivista convivia com nichos que homenageavam amigos e ídolos do artista. Foi destruí-
da por um ataque dos aliados durante a II Guerra, em 1943. Incomodado pela ascensão de
Hitler e dos nazistas, Schwitters adquire uma propriedade na Noruega, para onde se muda
em 1937. Inicia uma segunda versão Merzbau em Lysaker, cidade próxima a Oslo. Deno-
minada Haus am Bakken, incorpora formas e elementos naturais, como pedras, pedaços
de madeira e conchas. Foi destruída por um incêndio, em 1951. Em 1947, o Museu de Arte
Moderna de Nova York financia a produção de uma terceira Merzbau, chamada Merzbarn,
em um velho celeiro em Langdale Valley. (MAC Virtual – acervo roteiros de visita. Disponí-
vel em: http://www.macvirtual.usp.br/mac/templates/projetos/roteiro/PDF/44.pdf. Acesso
em: 09.06.2020).
6
“Em 1919, Tatlin iniciou seu projeto para o Monumento à Terceira Internacional, conhecido
como a Torre de Tatlin. Neste trabalho, Tatlin procurou simbolizar o desenvolvimento do
socialismo, empregando formas de uma construção abstrata, pensada como uma grande
escada em que as espirais representariam o movimento da humanidade liberta (…)” (Souza
Silva, 2011, s/p).
7
Na década de 1920, El Lissitzky propôs o “Espaço Proun”, um espaço imaginário, dinâmico,
geométrico, determinado pelo movimento dos objetos, concebido para a Exposição de
Berlim de 1923. “(...) a utopia do Proun de El Lissitzky, constitui a expressão mais simples
e pura desse programa estético produtivo ou produtivista das vanguardas: a epopeia de
uma obra de arte que, a partir dos elementos plásticos abstratos compreendidos no espaço
limitado da tela, rompe seu princípio tradicional de representação para projetar-se sobre
indefinidas dimensões virtuais ou reais do espaço, enquanto verdadeiro princípio produtor
da realidade de uma nova sociedade, uma nova civilização e inclusive de um novo cosmos”
(Subirats, 1993, p. 43).
Referências
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exposições - casos exemplares. São Paulo SP: EDUC, 2017.
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YIN, Robert K. Estudo de caso: planejamento e métodos. Trad. Daniel Grassi.

2ª. Ed. Porto Alegre: Bookman, 2001.
Robson Xavier da Costa
É Artista Visual e Curador. Docente/investigador dos Programas de Pós-

-Graduação em Artes Visuais (PPGAV UFPB/UFPE e atual Coordenador) e do
Programa de Computação, Comunicação e Artes (PPGCCA UFPB); docente/
investigador do Departamento de Artes Visuais da Universidade Federal da
Paraíba (UFPB). Pós-Doutor (PGEHA MAC USP); Doutor em Arquitetura e Ur-
banismo (PPGAU UFRN), com bolsa sanduíche Erasmus Mundus na Univer-
sidade do Minho - Portugal; Mestre em História (PPGH UFPB); Especialista
em Educação Especial (UFPB) e Licenciado em Educação Artística – Artes
Plásticas (UFPB). Email: [email protected].
FACTORS 6.0: A CURADORIA E A MEDIAÇÃO
EM EXPOSIÇÕES DE ARTE, CIÊNCIA E
TECNOLOGIA
FACTORS 6.0: LA CURADURÍA Y LA MEDIACIÓN

EN EXPOSICIONES DE ARTE, CIENCIA Y TECNOLOGÍA
Nara Cristina Santos / UFSM
Andrea Capssa / UFSM
Natascha Carvalho / UFSM
Rittieli Quaiatto / UFSM
Daniel Jaenisch Lopes / UFSM
Flávia Queiroz / UFSM
Alice Siqueira / UFSM
Curadoria FACTORS 6.0
A curadoria1 do FACTORS 6.0 parte das concepções de luz e energia no

campo da sustentabilidade, no marco da BIENALSUR2 KM 1055 UFSM,
2019. A luz e energia como experiência sensorial e dinâmica é a abordagem
principal escolhida para o Festival, sem deixar para trás o viés social e sus-
tentável manifestado em edições anteriores. A partir dos conceitos estabe-
lecidos, a curadoria prioriza dar visibilidade aos artistas contemporâneos
que problematizam estas questões emergentes em suas obras.
A palavra energia pode ser compreendida como uma força vital do

universo, um fluxo potencial da natureza, uma experiência sensorial
que faz do fenômeno artístico um projeto dinâmico. Relacionada à
luz, pode desdobrar-se tanto na ativação, distribuição, contamina-
ção, seja material ou imaterial, natural ou artificial, quanto na trans-
formação e resistência ecológica e social. (SANTOS; YEREGUI, 2019) 3.
A curadoria compartilhada do Festival organiza-se inicialmente a

partir da atuação das curadoras na definição do argumento curatorial,
concepções e principais artistas e obras. Em consonância ao pensando do
curador Moacir dos Anjos, busca-se, durante o processo curatorial, “fazer
aproximações contingentes e ressaltar sentidos possíveis das obras; esta-
belecer diálogos, criar âncoras, contextualizar” (In TEJO, 2011, p. 61).
Na sequência, a partir de reuniões semanais, com integrantes do
grupo de pesquisa para pensar, discutir, rever, organizar o projeto cura-
torial, expográfico e de mediação (este último, depois de algumas reu-
niões gerais, segue em grupo específico). Toda a atividade de curadoria
compartilhada, com assistentes e apoio curatoriais leva em torno de 6 a
10 meses de trabalho anterior, e a atividade da mediação de 2 a 4 meses.
O FACTORS 6.0 apresenta uma seleção de obras de artistas nacionais
e internacionais convidados: Gabriel Gendin (Argentina) e Gisela Bianca-
lana (Brasil), Leo Nuñez (Argentina), luiz duVa (Brasil), Marlin Velasco (Ve-
nezuela), Raquel Fonseca (Brasil), Rosangella Leote (Brasil), Sabrina Barrios
(USA/BRA) e Sandra Rey (Brasil).
A exposição é o meio de comunicação ideal para traduzir o discurso
científico que dá sentido aos objetos. A razão é que a exposição que
pretende transmitir uma mensagem em relação aos objetos que ela
expõe usa esses objetos como suporte da referida mensagem e a
constrói com os objetos que se tornam intencionalmente portado-
res de ideias, ao mesmo tempo em que disponibiliza ao visitante que
não é especialista, a informação complementar que irá guiá-lo na in-
terpretação. Desta forma, a exposição pode satisfazer a curiosidade
e a necessidade de explicações sobre os conjuntos de peças que a
própria exposição provoca. (BLANCO, 1999, p. 36, tradução nossa).
Neste sentido, a curadoria do Festival busca gerar oportunidades de

diálogos instigadores entre a arte, o espaço e o público. Para isso, pro-
põe dinâmicas diferenciadas de participação e interação, considerando
as particularidades das obras de arte, ciência e tecnologia selecionadas
para compor o projeto curatorial transdisciplinar. À curadoria, atribui-se
a capacidade de criar e propor novas formas de disponibilizar a arte ao
público que se pretende atingir e formar (OBRIST, 2010).
Em sua sexta edição, o FACTORS e realizado no espaço expositi-
vo da Sala Claudio Carriconde4, e expande-se para outro local com a
performance Transfiguración (2019), dos artistas Gabriel Gendin e Gi-
sela Biancalana. Eles realizam em conjunto a obra como instalação/per-
formance que usufrui da realidade virtual para a alteração do espaço
comum (Figura 1). Afinal, se a luz pode desencadear percepções ver-
dadeiras ou ilusórias na experiência artística, são estas percepções que
alteram a sensação espaço-temporal na obra, tanto em sua condição de
virtualidade, quanto de atualidade.
Figura 1. Registro da obra Transfiguración no FACTORS 6.0. Foto: Acervo particular.
A obra “Rueda del Infortunio 2” (2019), de Leo Nuñez, explora as

mudanças no poder de compra da sociedade Argentina (Figura 2). O artis-
ta transforma as visualizações de dados econômicos em uma composição
dinâmica com a luz, baseada na variação mensal do preço da carne em
relação ao valor do salário mínimo dos trabalhadores.
Figura 2. Registro da obra Rueda del Infortúnio 2 no FACTORS 6.0.

Foto: Acervo particular.
O cotidiano está presente na obra eletrotêxtil, “Contenedor de lu-
gares” (2019), de Marlin Velasco (Figura 3). A artista propõe encontrar, nos
caminhos percorridos que revelam as atividades do dia a dia, marcas au-
ditivas, visuais e táteis que contextualizam a percepção espaço temporal.
Nesta visão própria da cidade, uma identidade imaginária se constrói por
meio da luz, da cor e da textura dos tecidos, ativando experiências senso-
riais distintas.
Figura 3. Registro da obra Contenedor de Lugares no FACTORS 6.0.

Com luiz duVa, um ensaio narrativo sensorial apresenta o pulsar, os

contornos e a vibração de uma cidade/corpo imaginária em “Espaço in-
terior” (2012). O vídeo propõe um momento de reflexão sobre os modos
de ver e compreender as cidades, nas quais a luz pode tornar perceptível
aquilo que se faz invisível no espaço urbano (Figura 4). A energia enquan-
to luz pode ser distribuída e transformada em resistência social.
Figura 4. Registro da obra Espaço Interior no FACTORS 6.0. Foto: Acervo particular.
Sabrina Barrios, na obra “Zero part 2: life” (2015) conta histórias

não lineares, onde símbolos e ritmos propõem efeitos visuais construí-
dos a partir de memórias, individuais e coletivas (Figura 5). No ambiente
da exposição, a luz reduzida exige uma adaptação visual, e a luz intensa
provoca outras sensações ópticas. A instalação pode ser atrativa somente
para a contemplação, mas implica um convite à participação, até mesmo
a uma interação mais intensa. Esta obra faz referência/conexão com a ex-
posição individual de Sabrina, concomitante ao FACTORS 6.0, LUZ_arte
Imersiva, no Museu de Arte de Santa Maria/MASM.
Figura 5. Registro da obra Zero part 2: Life no FACTORS 6.0. Foto: Acervo particular.
A instalação “L’ombrePortée [off-cells]” (2019), de Sandra Rey, trata
da capacidade de enxergar luz na escuridão, onde as células periféricas da
retina, denominadas off-cells, entram em atividade (Figura 6). O dispositi-
vo apresentado propõe tomar consciência de que perceber o escuro não
é uma inércia, mas uma atividade que exige habilidade de nossa visão.
Existe um campo de luminosidade em que toda luz pressupõe também
uma sombra, e ambas provocam uma ativação perceptiva.
Figura 6. Registro da obra L’ombrePortée [off-cells] no FACTORS 6.0.

Para Raquel Fonseca, o conceito estético de fotogenia, indica que,
por produção de luz, todo corpo que projeta luz é um corpo fotogênico.
“Fotogenia” (2019) apresenta o ser em fotografia, o fotogênico nascido
da luz (Figura 7). Energia e luz podem ser consideradas matéricas, quando
dão forma ao corpo, enquanto algo em transformação, que pode tanto
revelar quanto desvelar.
Figura 7. Registro da obra Fotogenia no FACTORS 6.0. Foto: Acervo particular.
“Viridis” (2019), de Rosangella Leote, trata da hibridização e da evo-

lução espontânea ou por manipulação genética (Figura 8). A instalação
interativa é composta de robôs semiautônomos e de baixa tecnologia,
que simulam vidas vegetais translúcidas, capazes de se movimentar,
emitir luzes e sons. Ao trabalhar na arte com energia, pode-se sempre es-
tabelecer outras conexões criativas, sobretudo, quando as propostas de
trabalho são transdisciplinares.
Figura 8. Registro da obra Viridis no FACTORS 6.0. Foto: Acervo particular.
Mediação FACTORS 6.0
O conceito de mediação é complexo porque apresenta diversas aplica-

ções em diferentes áreas de conhecimento. No campo da Arte, Ciência
e Tecnologia para o FACTORS 6.0, considera-se a mediação como um
processo de comunicação múltiplo, assimétrico e indispensável no con-
texto da exposição.
Começar pelo meio é um indício apresentado por Lancri (2002), de
como o pesquisador em artes pode realizar seu trabalho. Nesse sentido,
entende-se o meio como um local produtivo para pensar as propostas da
equipe de mediação. Ainda, é possível dizer que a equipe de mediação
estabelece suas estratégias de modo rizomático, pois assim como em De-
leuze e Guattari (1995) insere-se entre, no meio de questões que envol-
vem o público e as questões relativas ao evento. Assim, por intermédio
das ações aplicadas, estabelece-se conexões entre obra e público; público
e artistas; artistas e mediadores; mas também entre a própria equipe de
mediadores do evento.
Entre as estratégias de comunicação inseridas no projeto de media-
ção do Festival, além da própria mediação da exposição, constam cartazes
5
impressos e digitais, o catálogo virtual da mostra6 (produzido posterior-

mente à realização do Festival), uma página no site do LABART7 (com divul-
gação prévia e atualizada após o término do evento) e divulgação por meio
do Facebook do LABART8. As fichas e o texto curatorial impressos são ins-
talados na sala expositiva, onde permanecem até a finalização do evento.
Este ano, inova-se com códigos de QR Code, contendo informações
sobre as obras, gerados individualmente para serem disponibilizados nas
respectivas fichas técnicas na exposição do FACTORS 6.0. Cada QR Code
traz informações relativas à pesquisa apresentada pelo artista no evento,
ampliando as vias de informação da obra e dos artistas participantes, para
o público. O código é usado como dispositivo complementar da estra-
tégia de mediação, apresentando dados técnicos das obras, assim como
um resumo da biografia do artista. Compreende-se por dispositivo aquilo
que tenha “de algum modo a capacidade de capturar, orientar, determi-
nar, interpretar, modelar, controlar e assegurar os gestos, as condutas, as
opiniões e os discursos dos seres viventes” (AGAMBEN, 2005, p. 40). Ou
seja, o dispositivo QR Code tem sua aplicabilidade pensada de modo a
relacionar o público, os artistas e as obras dentro do espaço expositivo.
O projeto de mediação para o FACTORS 6.0 tem como foco a forma-
ção dos mediadores e visa promover uma autonomia crítica na atuação
durante o período da exposição, o que o diferencia de edições anteriores,
nas quais dava-se ênfase ao público e suas necessidades, com projetos de
mediação direcionados a pensar os possíveis diálogos com os visitantes.
Nesta edição, os encontros do grupo voltam-se para a pesquisa ampliada
de conceitos sobre o tema do Festival, Luz e Energia, e aos estudos rela-
cionados a transdisciplinaridade em Arte, Ciência e Tecnologia.
Investir na formação dos mediadores para o FACTORS tem sido um
desafio, consideradas as particularidades do Festival. É importante que os
visitantes participem de uma construção de conhecimento mais crítica,
contextualizada e de relações externas à mostra, como nesse caso, vincu-
ladas à concepção de sustentabilidade. O processo de formação dos me-
diadores do FACTORS 6.0 ocorre em três fases9. Posteriormente, para com-
plementar as etapas de reuniões, desenvolve-se um material de apoio10
para mediação. O sucinto manual desenvolvido, tem como objetivo pro-
porcionar o conteúdo inicial para embasar posteriores aprofundamentos
teóricos e conceituais em assuntos relacionados ao Festival.
O grupo de mediadores tem como objetivo contextualizar o Festi-
val em cinco momentos, a partir da reunião inicial com a curadoria: no
primeiro, dar início às discussões sobre o tema da 6ª edição, reconhecer
os artistas participantes e apresentar os integrantes do núcleo de media-
ção11; no segundo, apresentar e debater, a partir de um seminário, o en-
tendimento dos conceitos ‘energia’, ‘luz’ a partir do texto curatorial, como
os demais ‘arte contemporânea’, ‘interação’, ‘participação’ e ‘mediação’; no
terceiro, analisar os contextos de produção e campos de atuação de cada
artista, também no formato de seminários; o quarto, discutir sobre as
obras, a partir das fichas técnicas recebidas pela curadoria, com o objetivo
de situar e relacionar a produção ao contexto do artista; e, o quinto mo-
mento tem como objetivo tratar das abordagens com o público/visitante.
O tema do evento é explorado de diferentes maneiras durante a for-
mação dos mediadores, considerando a Arte, Ciência e Tecnologia. Por
meio da arte, no sentido de que a luz e energia podem ter conceitos abs-
tratos ou concretos, podem mover corpos e máquinas, podem existir a
partir do aparato tecnológico ou do sol, busca-se uma discussão poética.
E, ao buscar o viés científico, tratam-se dos tipos de energia, suas fontes e
meios de obtenção, relacionando às energias renováveis com a sustenta-
bilidade, poluição, fatores climáticos e impactos ambientais.
Com essa metodologia, busca-se proporcionar discussões e priori-
zar a qualidade de pesquisa sobre conceitos e contextos que envolvem o
evento, para atuação crítica e independente dos mediadores e, sobretu-
do, menos engessada na reprodução de informações técnicas.
Durante os encontros do núcleo de mediação, discute-se sobre o
acolhimento e a recepção dos diferentes públicos que poderiam visitar o
Festival e a importância de estabelecer diálogos a partir da interação com
as obras. Trata-se de um evento institucional, o que justifica a presença
maior do público universitário no Festival (Figura 9).
Figura 9. Mediação em andamento na obra ‘Rueda del infortúnio 2’,

de Leo Nuñez. Foto: Acervo particular.
Para proporcionar maior aproximação com este público, são elenca-
das palavras-chave de cada uma das oito obras com o objetivo de ativar
possíveis diálogos. A partir de tais termos os mediadores estabelecem fios
condutores, que podem ser desenvolvidos ou não, pelos visitantes, e que
vão ao encontro do que aponta Martha Marandino:
Durante as ações de mediação é fundamental a atenção aos aspec-

tos mencionados sobre as características da pedagogia museal. O
mediador deve, ao planejar suas ações e ao realizar a mediação com
o público, considerar que este não deve ser exposto a longos pe-
ríodos de exposição oral, não deve ser submetido à leitura de tex-
tos imensos, mas deve, sim, saber se localizar, se sentir à vontade
para interagir, podendo dialogar com seus pares e com o mediador.
(2008, p. 16).
Para a obra ‘Rueda del infortúnio 2’, do artista Leo Nuñez, os termos
escolhidos são: política, consumo consciente, economia e sociedade; para
‘Fotogenia’, de Darci Raquel Fonseca: padrão, sombra, estética e ilumina-
ção; para ‘L’ombre portée [off-cells]’, de Sandra Rey, as palavras-chave são:
poética, visão, ciência, escuro e biologia humana; para a obra ‘Zero part
2: life’, de Sabrina Barrios: simbologia, universo, direção, espaço-tempo e
espaço físico; ‘Contenedor de lugares’, de Marlin Velasco: território, relevo,
geografia, sensibilidade e tátil; ‘Espaço interior’, de luiz duVa: urbano, exis-
tência humana, hábitos, cidade, tempo e vibração; ‘Viridis’, de Rosangela
Leote: natureza, manipulação genética, evolução, sinestesia e baixa tec-
nologia; e, para ‘Transfiguración’, de Gabriel Gendin e Gisela Biancalana:
sociedade, política, relações humanas, crítica social.
A montagem da exposição realizada pelo LABART conta com a pre-
sença dos artistas, o que possibilita à equipe de mediação uma maior
aproximação dos aspectos intrínsecos à prática artística e científica deles
e de suas obras para este Festival. Esta proximidade contribui significati-
vamente para o aprendizado e o conhecimento dos mediadores, e quali-
fica ainda mais o trabalho da equipe junto ao público visitante.
Considerações finais
As obras apresentadas no FACTORS 6.0, confirmam a proposta curatorial

transdisciplinar do Festival em de Arte, Ciência e Tecnologia, quando têm
na sua diversidade uma maior aproximação e envolvimento do público,
com foco na experiência do visitante.
Pensar o conceito de luz e energia para uma exposição em arte ci-

ência e tecnologia, é também proporcionar um caminho distinto na
relação do público com a obra, pois a experiência do visitante se dá
pela intensidade de percepções, ora pulsantes, o que pode desenca-
dear um estado de desorientação, ora contínuas, o que pode causar
uma sensação de conforto. Mas, sempre como uma potência sensí-
vel, uma experiência aberta à interação (SANTOS; YEREGUI, 2019).
Os variados suportes, materiais, técnicas, tecnologias e propostas

das obras, contribuem com inúmeras maneiras de problematizar a con-
cepção Luz e Energia. O desenvolvimento do projeto curatorial funda-
menta-se em levantamento bibliográfico sobre os assuntos pertinentes
ao Festival, discussões e seminários que colaboram para a construção de
um pensamento crítico, compartilhado. As atividades são realizadas para
promover uma compreensão abrangente do Festival e, do ponto de vista
da mediação, para que a atuação do mediador não seja restrita apenas ao
período da exposição.
As pesquisas e seminários realizados ao longo do planejamento do
projeto curatorial e de mediação, resultam na construção de questões
mais complexas para levar e discutir com o público. Promovem o distan-
ciando do papel explicativo da mediação onde foram consideradas diver-
sas questões, como a proximidade com os artistas, as informações via QR
Code, e o diálogo aberto com o público.
A proposta curatorial e de mediação do FACTORS 6.0 de fato pro-
porciona ao público uma experiência em Arte, Ciência e Tecnologia, por
meio de obras em diferentes linguagens, em consonância aos conceitos
pensados para a sexta edição do Festival que segue promovendo a arte
contemporânea.
Notas
1
A curadoria do FACTORS 6.0 foi proposta e realizada pelas professoras e curadoras Nara
Cristina Santos (UFSM) e Mariela Yeregui (UNTREF), juntamente às curadoras assistentes
Andrea Capssa (doutoranda em Artes Visuais PPGART/UFSM) e Natascha Carvalho (mes-
tranda em Artes Visuais PPGART/UFSM) e contou com a equipe de apoio curatorial formada
pelas estudantes do curso de graduação em Artes Visuais (UFSM), Flávia Queiroz e Alice
Zanini. Portanto um trabalho compartilhado.
2
Mais informações em: https://bienalsur.org
3
SANTOS, Nara Cristina; YEREGUI, Mariela (Org.). FACTORS 6.0 [recurso eletrônico]: catálogo
de exposição 2019: Festival Arte, Ciência e Tecnologia. Santa Maria, RS: Ed. PPGART, 2019, p. 5.
4
Sala Claudio Carriconde, localizada no térreo do Prédio 40 da UFSM, é o espaço expositivo
onde se concentram as ações do FACTORS. Este ano de 2019 a performance aconteceu em
auditório anexo.
5
Elaborado por Rittieli Quaiatto (2019) e por Daniel Lopes (2019), desenvolvido por eles e
pelos mediadores Ana Luiza Martins, Amanda Malí, Matheus Flores e Maurília Fagundes.
6
Disponível em:
https://www.ufsm.br/editoras/editorappgart/wp-content/uploads/sites/740/2020/01/Ca-
tálogo_FACTORS_6.pdf.
7
Disponível em: https://www.ufsm.br/laboratorios/labart/factors-6-0/.
8
Disponível em: encurtador.com.br/bijY2.
9
A primeira, durante as reuniões que precedem a mostra, incluindo as iniciais com a cura-
doria; a segunda, no decorrer da montagem da exposição física, onde o grupo entra em
contato com os artistas e discute as especificidades das obras, esclarece dúvidas, o que
possibilita novas conexões entre as informações levantadas; e, a terceira, ao longo do even-
to, estabelecendo contato com os visitantes, ou seja, fazendo a mediação.
10
Neste, são apresentados e discutidos os conceitos de mediação, arte contemporânea,
arte e tecnologia, a função do mediador, o contexto do FACTORS e da sexta edição do
Festival; também são compiladas informações sobre os artistas e suas produções, seguidas
por uma série de referências virtuais para pesquisa.
11
O grupo de mediadores foi formado por seis integrantes, membros do LABART e estu-
dantes da disciplina Arte Contemporânea, Ciência e Tecnologia, no Curso de Graduação
em Artes Visuais da UFSM.
Referências
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SC: Argos, 2009.
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SANTOS, Nara Cristina; YEREGUI, Mariela (Org.). FACTORS 6.0 [recurso

eletrônico]: catálogo de exposição 2019: Festival Arte, Ciência e Tecnologia.
Santa Maria, RS: Ed. PPGART, 2019.
TEJO, Cristiana (Org). Panoramas do pensamento emergente. Porto Alegre:

Zouk, 2011.
Nara Cristina Santos
Doutora em Artes Visuais UFRGS e Sanduiche na Paris 8. Pós-Doutorado

em Artes Visuais, UFRJ. Professora do DART (1993-), CAV/PPGART/CAL/
UFSM. Pesquisadora em História, Teoria, Crítica e Curadoria, com ênfa-
se transdisciplinar em Arte, Ciência e Tecnologia. Lidera o grupo Arte e
Tecnologia/CNPq, coordena o LABART. Curadora do FACTORS. Tem par-
ceria com UNTREF/BIENALSUR Argentina. Consultora da CAPES para área
de Artes. Membro do CBHA e ANPAP. Presidente ANPAP no Biênio 2015-
2016. Contato: [email protected]
Andrea Capssa
Doutoranda e Mestre em Artes Visuais na Linha de pesquisa Arte e Tec-

nologia PPGART/UFSM, bolsista CAPES. Integra o Grupo de Pesquisa Arte
e Tecnologia/CNPq e o LABART/UFSM. Bacharel em Artes Visuais/UFSM.
Fundadora da Moblanc Galeria e da Mobart, que correspondem, respec-
tivamente, ao objeto de estudos e objetivo específico de sua pesquisa de
doutorado “Galerias ON-OFF e o Mercado da Arte: legitimação e visibilida-
de”. Contato: [email protected]
Natascha Carvalho
Mestre em Artes Visuais na linha de Arte e Tecnologia pelo PPGART/UFSM

(2020), com bolsa CAPES (2019/2020) e jornalista formada pela FACOS/
UFSM (2014). Membro do grupo de pesquisa Arte e Tecnologia/CNPq/
UFSM e do Laboratório de Pesquisa em Arte Contemporânea, Tecnologia
e Mídias Digitais - LABART/UFSM. Foi assessora de comunicação da Asso-
ciação Nacional de Pesquisa em Artes Plásticas/ANPAP no biênio 2015-
2016. Contato: [email protected]
Rittieli Quaiatto
Curadora Assistente na Moblanc Galeria. Mestre em Artes Visuais, na linha de

Arte e Tecnologia pelo PPGART/UFSM (2019), bolsista CAPES (2017/2019).
Especialista em Design de Superfície pela UFSM (2015) e Bacharel em Artes
Visuais pela UFSM (2014). É integrante do grupo de pesquisa Arte e Tec-
nologia/CNPq (2016-) e membro do LABART (2016-). Desenvolve pesquisa
Arte Contemporânea, com ênfase na relação entre expografia e mediação
em exposições de Arte. Contato: [email protected]
Daniel Jaenisch Lopes
Mestrando pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais PPGART/

UFSM. Desenvolve pesquisa, com bolsa CAPES, na área de Arte e Tecno-
logia, sobre interações entre mediação e dispositivos de realidade virtual.
Graduado em Artes Visuais Licenciatura Plena pela Universidade Federal
de Santa Maria/UFSM (2017-2020). Bolsista Residência Pedagógica Capes
(2018-2020). Contato: [email protected]
Flávia Queiroz
Graduanda na Licenciatura em Artes Visuais/UFSM (2017 -). Bolsista PRO-

BIC FAPERGS (2018 -) no projeto Museu Arte Ciência Tecnologia: ações ex-
positivas e estratégias curatoriais. Integrante do grupo de pesquisa Arte e
Tecnologia/CNPq e do Laboratório de Pesquisa em Arte Contemporânea,
Tecnologia e Mídias Digitais/LABART/UFSM. Técnica em Conservação e
Restauro pelo Centro Técnico Templo da Arte - SP (2015). Contato: flavia-
[email protected]
Alice Siqueira
Graduanda em Artes Visuais Bacharelado em Desenho e Plástica/UFSM.

Bolsista PIBIC CNPq (2019 -) no projeto Museu Arte Ciência Tecnologia:
ações expositivas e estratégias curatoriais. Participa do grupo de pesquisa
Arte e Tecnologia/CNPq e LabFoto CNPq. Integra o Laboratório de Pesqui-
sa em Arte Contemporânea, Tecnologia e Mídias Digitais/LABART/UFSM.
Contato: [email protected]
DE VOLTA AO PASSADO: RECRIAÇÕES
E REMONTAGENS DE EXPOSIÇÕES
COMO ESTRATÉGIA, ABORDAGEM E
METODOLOGIA CURATORIAL
BACK TO THE PAST: REMAKING AND RESTAGING EXHIBITIONS

AS STRATEGY, APPROACH AND CURATORIAL METHODOLOGY
Francisco Dalcol / MARGS-UFRGS
Há uma inegável evocação ao passado permeando práticas e modelos

curatoriais contemporâneos. Um retorno ao tempo que se dá não somen-
te em termos de influência ou referência. Precisamente, refiro-me a abor-
dagens e estratégias expositivas que trazem o passado para o presente ao
investirem o seu interesse no resgate, recriação e mesmo na remontagem
de exposições históricas.
Nessa perspectiva, gostaria de lançar a seguinte questão: podem os
exemplares do que consideramos como sendo um certo revival de exposi-
ções de arte do passado encontrar meios de extrapolar a simples dimensão
celebratória, laudatória ou até fetichista que possam assumir?
Tal é a pergunta inicial que ampara e conduz uma investigação a
que tenho me dedicado, desenvolvida no plano prático-teórico, sobre o
resgate, a recriação e a remontagem de exposições enquanto estratégia,
abordagem e metodologia curatorial. Meu interesse é discutir e refletir se
procedimentos curatoriais que abordam exposições do passado podem
resultar em e de metodologias e modelos críticos, e se desenvolverem en-
quanto tal, sobretudo se fundamentadas pelos parâmetros e aportes da
chamada História das Exposições; a qual, em suma, tenta dar conta de as-
pectos não abarcados pela tradicional História da Arte — voltada priori-
tariamente aos artistas e às obras — tais como os aspectos institucionais
e políticos que determinam em grande parte as instâncias de circulação,
apresentação e visibilidade da produção artística no encontro com a esfera
pública. É nessa compreensão que tenho tomado a História das Exposi-
ções como um sub-campo ou um campo complementar à História da Arte.
No que segue, inicialmente abordo um projeto curatorial da mencio-
nada pesquisa prático-teórica, o qual parte de minha própria experiência
junto à implementação de um programa expositivo institucional, que tem
lugar em um museu de arte, o Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MAR-
GS). A seguir, como fundamentação que oferece bases teóricas, conceituais
e históricas a esse programa expositivo institucional, discuto o que consi-
dero configurar, sobretudo em anos recentes, uma espécie de impulso pelo
interesse por recriações e remontagens de exposições do passado.
Sobre a implementação de um programa

expositivo institucional
Em junho de 2019, o MARGS inaugurou uma ampla exposição dedica-

da à produção do artista gaúcho Frantz (1963, Rio Pardo/RS), sendo sua
primeira individual no museu desde 1994. Intitulada “Também e ainda
pintura”, e sob minha curadoria, a mostra trouxe a público mais de 70
obras, abarcando a produção do artista desde o começo dos anos 1980
até a atualidade.
Abrindo mão de qualquer caráter retrospectivo, bem como de nar-
rativas lineares e evolutivas, “Também e ainda pintura” se organizou em
torno de três eixos, cada qual apresentado em uma sala, de modo a ex-
plorar de forma mais complexa a temporalidade que marca a produção
de Frantz nas últimas quatro décadas.
No modelo curatorial adotado, não optamos, portanto, por uma abor-
dagem cronológica interessada em demonstrar etapas que se sucedem
evolutivamente. Até porque, em sua trajetória, os momentos e as fases se
sobrepõem, vão e voltam, com processos e procedimentos desenvolvidos
em tempos diversos e que, no decorrer, complementam-se e desdobram-
-se. No conjunto dos trabalhos reunidos, “Também e ainda pintura” partiu
dos procedimentos e operações do artista com o objetivo de proporcionar
ao público uma pertinente discussão e experiência sobre o fazer e a refle-
xão em torno do campo expandido da pintura.
O primeiro eixo trouxe a público trabalhos de grandes dimensões,
de diferentes épocas, alguns deles inéditos. São obras que resultam dos
pisos e das paredes de ateliês de artistas que Frantz forra com lonas. Essas
coberturas permanecem em cada lugar durante anos, recebendo resíduos
de todo tipo que restam fora dos trabalhos alheios. Quando Frantz decide
retirar os forros, os acúmulos de tinta e sujeira surgem como indicações
de um acaso que, por meio de um processo de apropriação, enquadra-
mento e montagem, permitem-lhe identificar e nomear as superfícies
como pintura. Dialogavam com essas grandes pinturas-não-pintadas os
diversos objetos apresentados na sala, que consistem em resíduos de tin-
ta acrílica acumulados em potes e bacias que funcionam como formas e
moldes. Espécie de alegoria a partir da matéria primeira da pintura, esses
trabalhos enfatizam a abordagem conceitual com a qual Frantz desloca o
campo pictórico para o plano objetual. Ao fim, tanto as pinturas quanto
os objetos levam igualmente a indagar sobre a materialidade e a presen-
ça da pintura, por meio da insinuação de um jogo entre falso e verdadeiro,
ausência e presença, original e apropriação.
Um segundo eixo da exposição apresentou um trabalho inédito
de Frantz. Trata-se de “Liquid Paper”, que se vincula à sua mais recente
frente de pesquisa e realização, baseada na manipulação de catálogos
de exposição. Frantz intervém nos discursos visuais e textuais contidos
nas publicações artísticas, adulterando e editando as imagens e os textos
que encontra ao longo das páginas. Mais do que o embaralhamento e o
apagamento das autorias, essa operação de apropriar-e-intervir dá a ver
sempre uma obra outra, embora ao mesmo tempo impossível de ser des-
vinculada por completo de seu referente anterior. Assim, “Liquid Paper”
nos aponta para uma nova operação conceitual de Frantz, e que resulta
em mais um desdobramento visual a pautar sua extensa produção. Efei-
to também de procedimentos de apropriação e intervenção, mostra-nos
que a realidade é sempre uma construção a ser mediada, e a arte a opera-
ção que se ocupa de intervir nesse real construído.
Por fim, no terceiro eixo, adotamos uma estratégia curatorial distin-
ta, que foi propositadamente concebida a fim de que nos permitisse revi-
sitar uma exposição do passado, com objetivo de abordar a intersecções
entre a história do artista e a história do MARGS. Trata-se da exposição
“Pichações”, apresentada por Frantz em 1982 no MARGS. Nela, mostrava
suas pinturas baseadas nas intervenções escritas que encontrava nos mu-
ros, muitas delas de caráter político e subversivo, e que depois o levariam
a outras obras, como a série pautada pela presença recorrente e expres-
siva do X, este símbolo dúbio, que ao mesmo tempo significa anulação
e opção. Foi uma exposição audaciosa à época, e também provocativa,
tanto pelo fato de um museu apresentar pichações legitimando-as como
pintura, como por se tratar de um jovem artista, então com 19 anos.
Passadas quase quatro décadas, decidimos remontar “Pichações”
como um dos segmentos de “Também e ainda pintura”. Com a recriação,
nosso objetivo era emular o significado e a experiência da exposição ori-
ginal ao reunir a quase totalidade dos trabalhos expostos em 1982, à ma-
neira como foram apresentados, tendo por base as poucas fotografias e
documentos que registram a exposição originária. Nesse empenho, con-
seguimos reunir um conjunto significativo de obras, que hoje se encon-
tram em coleções particulares e acervos públicos, a exemplo do próprio
MARGS. Para ampliar e expandir a experiência advinda dessa remonta-
gem em relação à exposição originária de 1982, decidimos incluir outras
obras relacionadas à série “Pichações”, além de uma farta e extensa reu-
nião de documentos históricos levantados durante a pesquisa curatorial,
procedentes do arquivo pessoal do artista e do Núcleo de Documentação
e Pesquisa do MARGS.
O programa público da exposição contou com uma fala no auditório
do museu, com curador e artista, intitulada “História das Exposições como
abordagem curatorial”. Na ocasião, abordou-se a exposição “Pichações” de
1982 a partir da experiência advinda do seu processo de resgate, recria-
ção e remontagem, tomando a História das Exposições enquanto parâ-
metro e aporte para uma metodologia curatorial.
A partir dessa experiência de remontagem em um de seus eixos,
“Também e ainda pintura” acabou por originar e dar início a um dos pro-
gramas expositivos da atual gestão do MARGS, intitulado “História do
MARGS como História das Exposições”, com o qual se pretende daqui por
diante revisitar outros episódios da história do museu – e de artistas que
nele expuseram – a partir de resgates, recriações e remontagens de expo-
sições emblemáticas do passado.
O impulso por resgates, recriações e remontagens de
exposições históricas
Em anos recentes, o campo curatorial contemporâneo tem testemunha-

do a manifestação de uma certa tendência de projetos expositivos que
resgatam exposições históricas de um passado mais ou menos recente,
notadamente do século XX1, seja revisitando, recriando, reencenando e
até mesmo remontando-as2.
Em 2014, por exemplo, a Tate Modern realizou uma retrospectiva
de Kazimir Malevich, na qual parte dela foi trazida a público como uma
recriação da célebre “The Last Futurist Exhibition of Painting 0.10 (Zero
Ten)”, de 1915, uma das exposições mais importantes da história da van-
guarda russa pré-revolucionária, apresentada em São Petersburgo, então
Petrogrado, divulgando o suprematismo. A partir das duas únicas foto-
grafias existentes, procurou-se remontar a expografia original da seção
em que Malevich apresentou seu icônico “Black Square”, juntamente a 38
telas suprematistas completamente não figurativas, que consistiam em
formas geométricas coloridas pintadas em fundo branco.
No mesmo ano, a Tate Modern ainda organizou um resgate de uma
exposição de Richard Hamilton de 1951, “Growth and Form”, com o obje-
tivo de proporcionar ao público uma circunstância para se experenciar
detalhadamente os processos de pensamento e criação do artista a partir
da remontagem de um ambiente histórico. O projeto incluiu a recriação
de trabalhos instalativos de Hamilton.
Já a Tate Liverpool, também em 2014, apostou igualmente em uma
recriação, “Mondrian and his Studios”, apresentando-a como uma réplica
em escala real do espaço de trabalho de Piet Mondrian em Paris, com o
objetivo de dar a ver as aspirações arquitetônicas do artista em meio ao
seu envolvimento com a pintura e o movimento neoplasticista.
Ainda em 2014, o Jewish Museum apresentou “Other Primary Struc-
tures”, revisitando a mostra de 1966 “Primary Structures: Younger Ame-
rican and British Sculptors”, considerada um dos momentos decisivos
no estabelecimento do cânone minimalista. Com curadoria de Jens Ho-
ffmann, o projeto procurou reescrever esse episódio na História da Arte
ao reinterpretar a mostra original, expandindo-a para além do estrito foco
anglo-americano, com a inclusão de obras realizadas durante o mesmo
período por artistas da América Latina, Ásia e Oriente Médio.
Outro exemplo vem do Museo del Barrio, que em 2016 inaugu-
rou “ The Illusive Eye” como uma revisitação a “ The Responsive Eye”, mostra
coletiva originalmente apresentada pelo MoMA, em 1965, destacando a
op art. A nova versão propôs uma leitura diferente — a exposição originá-
ria se concentrava na psicologia e fisiologia da percepção —, procurando
traçar os conceitos e valores da op art desde suas origens esotéricas no
misticismo pitagórico (egípcio) e teosófico (oriental).
Além do interesse e gesto de retorno ao passado, tais projetos são
em sua maioria resultado de trabalhos alentados em termos de pesquisa
e produção, tendo em comum também o fato de serem realizados por
instituições e museus de arte, no quadro de programas artísticos e expo-
sitivos. É o que assinala Catherine Spencer no texto “Making it New: the
trend for recreating exhibitions”, no qual discute essa constatada tendên-
cia por regastes de exposições históricas:
Tais recriações são, geralmente por padrão, projetos institucionais.

Exigem investigação dedicada de arquivo, acordo das propriedades
de artistas e detentores de direitos autorais e níveis de trabalho téc-
nico que somente grandes instituições podem fornecer. O esforço
acadêmico envolvido é frequentemente exemplar. O processo ofe-
rece uma maneira dinamicamente diferente de conduzir pesquisas e
de levá-las a um público muito mais amplo do que uma publicação
acadêmica (SPENCER, 2015, s/nº)3.
É nesse mesmo sentido que Jo Melvin assinala o quanto a recriação e
as remontagens de exposições demonstram envolver aprofundadas pes-
quisas, muitas vezes de parâmetros acadêmicos, com grande ênfase no
material de arquivo. Porém, como afirma no texto “Back to The Future”, o
remake expositivo envolve a emoção do evento, uma vez que ver “obras
de arte reunidas em um só lugar é uma experiência diferente de examinar
os catálogos ou ensaios críticos” (2015, s/nº).
Em termos de impacto quanto à escala e à dimensão da recriação
expositiva, um dos mais emblemáticos projetos em anos recentes se deu
em 2013, na Fundação Prada, de Veneza, com “When Attitudes Become
Form: Bern 1969/Venice 2013”. Com curadoria de Germano Celant, em di-
álogo com Thomas Demand e Rem Koolhaas, consistiu na remontagem
da seminal “Live In Your Head: When Attitudes Become Form (Works –
Concepts – Processes – Situations – Information)”. Concebida pelo cura-
dor Harald Szeemann4, e originalmente apresentada em 1969, na Kuns-
thalle de Berna, na Suíça, a mostra apresentou artistas que transitavam
nos desdobramentos do minimalismo e dos conceitualismos, todos hoje
fundamentais para a História da Arte contemporânea euro-americana5.
Considerada um dos marcos da curadoria contemporânea, “When
Attitudes Become Form” de 1969 se caracterizou por ser organizada sem
um tema geral, “dando ênfase (…) à presença física dos artistas e à realiza-
ção de trabalhos no local e no contexto dos espaços da cidade e do mu-
seu” (VOORHIES, 2017, p. 75-76). A exposição “transformou a galeria em
um estúdio, com artistas viajando para Berna para produzir instalações e
ações que se estendiam até as ruas da cidade, reconhecendo novas formas
de arte que estavam se desenvolvendo” (FOWLE, 2007, p. 14). Como fica
evidenciado, não se tratou exatamente uma exposição de obras de arte
enquanto objetos, mas de processos e experimentações, com a implica-
ção de que “os próprios artistas, como sujeitos criativos e personalidades
excêntricas, estavam tão expostos quanto os trabalhos muitas vezes efê-
meros resultantes de suas atividades” (BIRNBAUM, 2005, s/nº).
A remontagem de 2013 envolveu a reconstrução da estrutura arqui-
tetônica e ambiental da Kunsthalle de Berna, em escala real, assim como a
recriação de obras apresentadas em 1969, sendo que originalmente mui-
tas delas haviam sido feitas a partir de materiais efêmeros e perecíveis
e, em alguns casos, foram criadas especificamente para o local, restando
depois apenas seus vestígios e registros.
No Brasil, também há exemplares em anos recentes de projetos ins-
titucionais de recriações e remontagens de exposições emblemáticas do
passado. Um exemplo é “Do corpo à terra – um marco radical na arte bra-
sileira”, apresentada em 2001, em comemoração aos 30 anos da Semana
de Arte de Vanguarda de Belo Horizonte (MG) de 1970, então coordenada
por Frederico Morais e Mari’Stella Tristão, e que consistiu em dois eventos
simultâneos e integrados: a mostra “Objeto e participação”, no Palácio das
Artes, e a manifestação “Do corpo à terra”, que se desenvolveu no Parque
Municipal6. Apresentada no Itaú Cultural Belo Horizonte, a recriação “Do
corpo à terra – um marco radical na arte brasileira” contou novamente
com curadoria de Frederico Morais, apresentando registros visuais e so-
noros das obras e situações propostas pelos artistas nos eventos ocorri-
dos em 1970, além de obras reconstruídas, dada a efemeridade de muitas
das propostas e realizações.
Neste ponto, cumpre assinalar os paralelos que podemos traçar
entre “Do corpo à terra”, de 1971, e “When Attitudes Become Form”, de
1969, sobretudo porque esta exposição passou a ser canonizada como
ato inaugural da curadoria contemporânea pela inovação trazida com seu
caráter de exposição processual e pelo envolvimento do curador como
propositor de uma estrutura expositiva aberta e experimental resultan-
te de sua atuação junto aos processos artísticos (DALCOL, 2018). Bruce
Altshuler (1994, p. 236) pontua que a partir da exposição de Szeemann “a
organização de exposições se tornou esforço crítico e potencialmente ex-
perimental”, resultando na “ascensão do curador como criador”. Também
discutindo o legado de “When Attitudes Become Form”, Daniel Birnbaum
(2005, s/nº) argumenta que com este projeto Szeemann “praticamente
definiu o papel do curador como o entendemos hoje”7 e que a partir de
sua atuação “a figura do curador deixaria de ser vista como uma mistura
de burocrata e empresário cultural” para se apresentar “como uma espé-
cie de artista”. Birnbaum assim afirma:
Hoje em dia esse tipo de abordagem é prática aceita em muitas

exposições internacionais (para melhor e, diriam alguns, para pior):
primeiro o artista é convidado, depois vem a questão de qual será
o trabalho. Mas em 1969 esse método era inteiramente novo (BIR-
NBAUM, 2005, s/nº).
Ainda no que toca a resgates, recriações e remontagens de exposi-

ções históricas no Brasil, outro exemplo a ser destacado é “Opinião 65 |
50 anos depois”, apresentada em 2015 em duas partes, uma no MAM-Rio
e outra na galeria Pinakotheke Cultural. Com organização da jornalista
Ceres Franco e do marchand Jean Boghici, a exposição original ocupou
o MAM-Rio em 1965, apresentando pesquisas recentes em torno do ob-
jeto e das novas figurações8. Foi nesta exposição que Hélio Oiticica apre-
sentou seus “Parangolés” com integrantes da escola de samba da Man-
gueira — e que, impedidos de entrar no museu na abertura da mostra,
prosseguiram em seu cortejo festivo aos jardins do lado de fora, atraindo
os que lá dentro estavam.
O projeto de 2015, com curadoria de Luiz Camillo Osorio (pelo MAM-
-Rio) e Max Perlingeiro (pela Pinakotheke), valeu-se da data comemorativa
dos 50 anos da histórica exposição, procurando reproduzir este episódio
que ficou marcado pela tomada de consciência e posição por parte do
meio artístico brasileiro em relação à situação do país9 e às convenções
e ao sistema artístico vigentes. Na recriação, os artistas participantes se
fizeram presentes com as obras produzidas nos anos 1960.
No ano seguinte, foi a vez do MASP trazer a público um grande pro-
jeto de resgate, recriação e remontagem de exposição histórica com “A
mão do povo brasileiro 1969/2016”. Apresentada em 1969 como expo-
sição inaugural do MASP na avenida Paulista, “A mão do povo brasileiro”
foi originalmente concebida por Lina Bo Bardi com o diretor do museu,
Pietro Maria Bardi, o cineasta Glauber Rocha e o diretor de teatro Mar-
tim Gonçalves, apresentando um vasto panorama da cultura material do
Brasil — cerca de mil objetos, incluindo carrancas, ex-votos, tecidos, rou-
pas, móveis, ferramentas, utensílios, maquinários, instrumentos musicais,
adornos, brinquedos, objetos religiosos, pinturas e esculturas.
Por ocasião da remontagem de 2016, o MASP anunciou se tratar um
projeto de “reencenação de uma de suas exposições mais icônicas”, “sen-
do tomada como objeto de estudo e precedente exemplar para práticas
museológicas descolonizadoras”, com o objetivo de “estimular a reflexão
e o debate sobre seu estatuto e contexto no museu e na história da arte, e
as contestadas noções de ‘arte popular’ e ‘cultura popular’” (MASP, 2016, s/
nº). A curadoria foi da equipe do MASP: Adriano Pedrosa, diretor artístico;
Julieta González, curadora-adjunta de arte moderna e contemporânea; e
Tomás Toledo, curador. Quanto à metodologia, vale a pena mencionar o
seguinte trecho do texto curatorial, uma vez explicita o partido, o proces-
so e a metodologia curatoriais:
Uma reconstrução perfeita de “A mão do povo brasileiro” é impos-

sível, e optamos por seguir o espírito da curadoria original com al-
guns ajustes. Não encontramos uma lista de obras completa, mas
listagens de colecionadores e museus, que novamente procuramos,
recolhendo trabalhos similares e respeitando as tipologias de obje-
tos. A arquitetura da exposição segue a de 1969, também com adap-
tações. Optamos por não atualizar a mostra — e os objetos reunidos
foram feitos, até onde sabemos, antes de 1970 (MASP, 2016, s/nº).
Não me deterei aqui a uma análise em maior detalhe de cada um

dos projetos de resgate, recriação e remontagem de exposições do pas-
sado até aqui mencionados, nem de sua recepção crítica, algo que certa-
mente valeria a pena para um maior aprofundamento de reflexão, mas
que por ora escapa ao foco e aos limites do presente artigo, ficando desde
já indicado o interesse pelo seu encaminhamento.
Antes, assinalo aqui que em seu conjunto os exemplos ajudam a
pontuar o que considero configurar, em anos recentes, uma espécie de
impulso — ou talvez tendência e mesmo onda — pelo interesse por ex-
posições do passado por meio de sua recriação, reencenação e remon-
tagem. Importa-me neste ponto perguntar: o que, afinal, alimenta essa
motivação? Será sinal de que “os curadores simplesmente teriam ficado
sem ideias?” e, ao mesmo tempo, a confirmação “da suspeita nostálgica
(…) de que vivemos em tempos menos revolucionários do que nossos
antepassados?”, como pergunta Laura C. Mallonee (2014), no texto inti-
tulado “Why Are There So Many Art Exhibition Revivals?”. Ou será sinal de
que a “nostalgia impulsiona a preocupação cada vez mais predominante”
com os resgates, as recriações e as remontagens de exposição do passa-
do?, como afirma Jo Melvin no texto já mencionado (2015, s/nº). Ou, de
outra parte, “será que, ao revisitar o passado recente, poderíamos, em um
sentido profundo, nos reconectar com a vitalidade do que criou a obra de
arte e a exposição?”, pergunta também Melvin.
Por certo, (re)ver exposições do passado pode ser uma forma emo-
cionante de experimentar certa volta no tempo em direção a momen-
tos emblemáticos sobre os quais lemos nos livros de História da Arte e
também nos catálogos. Nesse sentido, concordo com Laura C. Mallonee
(2014, s/nº), quando especula que o maior benefício do resgate de uma
exposição “talvez seja nos permitir reavaliar a história com uma perspec-
tiva nova e, às vezes, mais clara”. É algo que vai ao encontro da opinião de
Catherine Spencer (2015, s/nº), ao afirmar que, em seus exemplares mais
produtivos, “esses retornos podem desafiar nossa definição convencional
de exposição ‘histórica’ e nos levar a criar histórias alternativas”, uma vez
que “recriar exibições históricas pode oferecer oportunidades valiosas
para explorar o que pensamos como histórias de arte estabelecidas a par-
tir de perspectivas novas e inesperadas”. Uma compreensão semelhante
aparece no já mencionado texto de Jo Melvin (2015, s/nº), segundo quem
“essa revisitação fornece uma troca nova e fluida que permite um reposi-
cionamento constante da história como um encontro provisório sempre
aberto à reconsideração”.
E aqui é necessário levar em conta o papel que as exposições têm
desempenhado na revisão e mesmo na reconstrução da História da Arte
frente à problematização de seus cânones e da linearidade de suas narra-
tivas oficiais, na medida em que permitem que se invista na capacidade
de incluir vozes e perspectivas invisibilizadas e silenciadas ao longo de
um processo histórico hoje questionado. Dito de outro modo, a meu ver
as exposições têm oferecido a oportunidade de lidar com a História da
Arte como um campo sempre aberto e continuamente em desenvolvi-
mento e reavaliação.
Seja como for, a pergunta ainda vigora: o que, afinal, alimentaria
a motivação por tais retornos ao passado? Encontro eco em Catherine
Spencer, segundo quem é fundamental “se engajar com perguntas so-
bre os motivos e critérios que regem esses retornos, pois é aqui que suas
implicações mais interessantes e provocativas podem ser encontradas”
(SPENCER, 2015, s/nº).
Há por certo uma mistura de interesses que envolvem desde estraté-
gias educativas até ações de marketing, mas também ambições por parte
dos curadores em trabalhar de forma criativa e autoral com ativação de
memórias e arquivos por meio de estratégias curatoriais e de dispositivos
e aparatos expositivos. Nesse sentido, como afirma Kerr Houston no texto
“Past Imperfect: Restaging Exhibitions and the Present Tense”, tais proje-
tos são em comum “motivados principalmente pelo desejo de tornar o
passado o mais concreto e acessível possível” (2016, s/nº).
A meu ver, os curadores, em seu interesse por revistar exposições do
passado, encontram possibilidades de reconhecer as práticas curatoriais
anteriores a fim de adotar uma abordagem crítica que permita examinar
como essas exposições reconstroem, reescrevem e reapresentam o pas-
sado. Nesse sentido, entendo que o impulso por tal “virada curatorial” em
direção ao passado certamente é demonstrativo e exemplar do amadure-
cimento dos Estudos Curatoriais e Expositivos, bem como da História das
Exposições, como disciplinas, áreas de investigação ou sub-campos com
parâmetros e história próprios.
Dito de outro modo, a prática e a reflexão a partir da curadoria têm
desenvolvido sua própria genealogia, tornando a exposição um obje-
to em si. Ao mesmo tempo, a dimensão criadora e mesmo autoral das
práticas curatoriais, muitas vezes em tensionamento entre as conver-
gências e as dissoluções com as práticas artísticas (DALCOL, 2019), tem
sido central para o crescente entusiasmo pela História da Curadoria e
das Exposições.
Em 2009, por exemplo, a revista “The Exhibitionist”, produzida por e
para curadores, publicou uma edição dedicada a exposições do passado.
No ano seguinte, a editora inglesa Afterall Books lançou sua série “Exhibi-
tion Histories”, com o objetivo de oferecer “análise crítica de exposições
de arte contemporânea que mudaram a maneira como a arte é vista e
feita”. Desde então, vem conformando metodologias e um campo de
pesquisa. Outras publicações também surgiram, incluindo os dois volu-
mes de “Exhibitions that Made Art History”, de Bruce Altshuler.10
Como argumenta Felix Vogel (2013), o tema das exposições — e tam-
bém sua história — tem sido estabelecido como objeto de pesquisa a partir
dos anos 1990, tanto na História da Arte como em campos relacionados.
Publicações, conferências, projetos de pesquisa, cursos universitários e pe-
riódicos atestam isso. Esse interesse pela História das Exposições se deve,
ao menos em parte, à chamada “nova” História da Arte e suas abordagens
contextuais e sócio-históricas. Mas, como argumenta Vogel, é a crescente
visibilidade e transformação das exposições desde os anos 1960 que tem
motivado um envolvimento mais profundo com sua história.
Por um lado, isso se refere à criação de novas bienais e instituições,

à expansão do mercado de arte, bem como à crescente temporali-
zação do museu. (…) Por outro lado, a exposição está se transfor-
mando com tipologias que dissolvem os formatos tradicionais de
mostras solo, coletivas e temáticas (VOGEL, 2013, pp. 46-47).
Além disso, o autor pontua como fundamental neste debate o esta-

belecimento de programas de ensino em curadoria desde os anos 1980,
uma vez que são concebidos como ambientes de treinamento prático e
pesquisa teórica. Isso explica em grande parte por que a maior parte das
publicações sobre História das Exposições emerge dos Estudos Curato-
riais e Expositivos, e não da História da Arte.
Os programas de Estudos Curatoriais oferecidos esporadicamente

desde o final da década de 1980 e o início dos 1990, mas com maior
intensidade desde o início da década de 2000, surgiram não apenas
nos fundamentos de uma nova e ampliada função da exposição,
mas também a refletiram, no sentido de que exigiam um conheci-
mento de seu objeto de estudo para, em primeiro lugar, construí-lo
(VOGEL, 2013, p. 46).
Em outras palavras, a profissionalização e a formalização subsequen-

te do campo curatorial pressupõem um sentido de sua própria história.
Assim, compreende-se por que o interesse pela História das Exposições
parte desde os Estudos Curatoriais e Expositivos, uma vez que discutem
e analisam tópicos exemplares quanto à constituição e questionamento
de cânones expositivos, curatoriais, críticos e historiográficos, ao mesmo
tempo refletindo sobre a escrita da História da Arte a partir das narrativas,
teorias e discursos oferecidos pelas exposições de arte.
Contudo, como afirma Lucy Steeds (2014), não se quer com isso que
os curadores sejam saudados como os principais protagonistas da arte
contemporânea, nem reverenciar a subjetividade e o julgamento do cura-
dor em lugar do artista. Em vez disso, o objetivo é mudar o foco amplian-
do-o, a fim de atender aos múltiplos agenciamentos responsáveis pelas
exposições. Afinal, como afirma Felix Vogel (2013, p. 47), neste contexto
devemos considerar também o desenvolvimento de práticas artísticas,
como a arte conceitual ou a crítica institucional, isto é, “o deslocamento
da obra de arte (autônoma) para questões de contexto e condições de
produção, com foco maior na própria exposição”.
Em suma, é nesse sentido que a meu ver a Histórias das Exposições
se apresenta como espécie de metodologia crítica para resgates, recria-
ções e remontagens de exposições, na medida em que fornece bases
históricas, aportes teóricos e premissas críticas para um campo de inves-
tigação complementar à História da Arte e mesmo aos Estudos Curato-
riais. Daí podermos reconhecer o papel das exposições como locais de
troca na economia política da arte, pois as exposições podem construir e
manter o passado, mas também e sobretudo desconstruir e reavaliá-lo. Se
fundamentados pelos parâmetros e aportes da História das Exposições,
acredito que os retornos ao passado com recriações e remontagens de
exposições históricas podem encontrar fecundas estratégias e aborda-
gens de metodologia curatorial.
Notas
1
Um precedente dos projetos que comento em sequência no texto pode ser encontrado
em “‘Degenerate Art’: The Fate of the Avant-Garde in Nazi Germany”, exposição de 1991,
no Los Angeles County Museum of Art, que procurou reapresentar a infame exposição de
1937, “Entartete Kunst’ (Degenerate Art)”, organizada pelo Partido Nacional Socialista na
Alemanha nazista, com o objetivo de condenar a arte moderna — como arte degenerada
— e assim colaborar para a construção de uma ideologia de “pureza” racial e seus efeitos
propagandistas.
2
Na bibliografia em língua inglesa, na qual o predominantemente encontramos referen-
ciais teóricos sobre o assunto, as expressões equivalente que costumam constar são, por
exemplo, reinstalling, re-exhibiting, restaging, restaged, recreated e reprised.
3
Todas as traduções a partir daqui são minhas.
4
Atribui-se a expressão “curador independente” à atuação do suíço Harald Szeemann, no-
tadamente por duas exposições suas que são consideradas marcos da atividade e do pen-
samento curatorial em arte contemporânea: a própria “Live In Your Head: When Attitudes
Become Form (Works – Concepts – Processes – Situations – Information)”, em 1969, e a
Documenta 5 de Kassel, em 1972. Com esses projetos, Szeemann não só lançou premissas
de autoria e viés conceitual/temático para grandes mostras no campo da atividade e do
pensamento curatorial, como também se projetou ao posto de um dos mais importantes
curadores independentes do sistema artístico internacional de então.
5
Refiro-me a artistas como Carl Andre, Giovanni Anselmo, Joseph Beuys, Walter de Maria,
Hans Haacke, Michael Heizer, Joseph Kosuth, Sol LeWitt, Richard Long, Bruce Nauman, Cla-
es Oldenburg, Richard Serra e Robert Smithson.
6
Da primeira, participaram Carlos Vergara, Dileny Campos, Franz Weissman, George Helt,
Lee Jaff, Ione Saldanha, Manoel Serpa, Manfredo de Souzanetto, Orlando Castaño, Yvone
Etrusco, Teresinha Soares e Umberto Costa Barros. Da segunda, Alfredo José Fontes, Artur
Barrio, Cildo Meireles, Décio Noviello, Dilton Luiz de Araujo, Eduardo Ângelo, Hélio Oitici-
ca, José Ronaldo Lima, Lee Jaffe, Lotus Lobo, Luciano Gusmão, Luiz Alphonsus e Thereza
Simões.
7
Vale destacar que Szeemann não se intitulava curador independente, preferindo empre-
gar o termo em alemão Ausstellungsmacher, que corresponde a exhibition maker em in-
glês e ao realizador de exposições em português.
8
Entre os artistas participantes, estavam Antonio Dias, Carlos Vergara, Hélio Oiticica, Ivan
Serpa, Pedro Escosteguy, Rubens Gerchman, Vilma Pasqualini, Waldemar Cordeiro e Wesley
Duke Lee.
9
Nunca é demais relembrar que estamos falando do contexto da ditadura militar do Brasil
(1964-1985). Ao depor o presidente João Goulart, eleito democraticamente, o golpe militar
foi instaurado em 1º de abril de 1964 e durou até 15 de março de 1985, sob comando de
generais que se sucederam no governo.
10
No Brasil, os estudos são recentes. Em 2014, o Grupo de Pesquisa História da Arte: modos
de ver, exibir e compreender e o Museu de Artes Visuais da Unicamp realizaram o colóquio
“Histórias da arte em exposições: modos de ver e exibir no Brasil”, cujos anais podem ser
consultados (Disponível em: <https://haexposicoes.files.wordpress.com/2014/10/arqui-
vo_completo.pdf>. Acesso em: 12 jun. 2018). Em 2017, o 28º Encontro da ANPAP contou
com um simpósio intitulado “História das exposições”, cujos anais podem ser consultados
(Disponível em: <http://anpap.org.br/anais/2017/>. Acesso em: 28 jul. 2018). Em termos
de publicações recentes no Brasil. Cf: CYPRIANO, Fabio; OLIVEIRA, Mirtes Marins de (orgs.).
História das exposições — casos exemplares. São Paulo: EDUC/Editora da PUC-SP, 2016; e
CAVALCANTI, Ana; OLIVEIRA, Emerson Dionisio de; COUTO, Maria de Fátima Morethy; MAL-
TA, Marize (orgs.). Histórias da arte em exposições: modos de ver e exibir no Brasil. Rio de
Janeiro: Rio Books/Fapesp, 2016.
Referências
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Century. New York: Harry N. Abrams Inc, 1994.
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Szeemann”. ArtForum, Summer, 2005, s/n°.
DALCOL, Francisco. A curadoria de exposição enquanto espaço de crítica:

a constituição de um campo de prática e pensamento em curadoria no Brasil
(anos 1960-1980). 2018. 329f. Tese (Doutorado em Artes Visuais) – Programa
de Pós-Graduação em Artes Visuais, Instituto de Artes, Universidade Federal
do Rio Grande do Sul (UFRGS), Porto Alegre. Disponível em: <http://www.
lume.ufrgs.br>.
DALCOL, F. “Artista enquanto curador: das convergências e dissoluções

entre práticas artísticas e curatoriais”. MODOS. Revista de História da Arte.
Campinas, v. 3, n.1, p.281-299, jan. 2019. Disponível em: <https://www.
publionline.iar.unicamp.br/index.php/mod/article/view/4117; DOI: https://
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MALLONE, Laura C.. “Why Are There So Many Art Exhibition Revivals?”, 11 ago.
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VOORHIES, James. Beyond Objecthood — The Exhibition as a Critical Form

Since 1968. Cambridge, MA: The MIT Press, 2017.
Francisco Dalcol
Pesquisador, crítico, historiador da arte, curador, editor. Atual diretor-cu-

rador do Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS) e professor-con-
vidado do curso de pós-graduação (especialização lato sensu) Práticas
Curatoriais, do Instituto de Artes da UFRGS. Doutor em Artes Visuais - His-
tória, Teoria e Crítica de Arte pelo PPGAV/UFRGS. Sua tese de doutorado
trata das interseções entre crítica de arte, exposição e curadoria. Contato:
[email protected]
MULHERES NO ACERVO: ANÁLISE DA
PRESENÇA DE ARTISTAS NAS COLEÇÕES
SÉCULO XX E SÉCULO XXI DO MALG
Amanda Machado Madruga / UFPEL
Renan Silva do Espírito Santo / UFPEL
Lauer Alves Nunes dos Santos / UFPEL
Introdução
Michelle Perrot (2007), historiadora e professora francesa, assume a in-

visibilidade das mulheres como tema de seus estudos. Na obra “Minha
história das mulheres”, a autora aborda as razões da omissão de persona-
gens femininas nas narrativas ao longo dos anos. Assertivamente, Perrot
pontua o espaço público como palco dos acontecimentos, um lugar ao
qual mulheres tinham pouco acesso em contraponto ao privado. O que
nos permite questionar: se elas não figuram onde tudo se realiza como,
então, registrar suas presenças?
Assim, encontramos o segundo e terceiro fatores que implicam suas
ausências: os relatos e registros da história. De acordo com Perrot, a grande
maioria sendo autores masculinos dão origem a construção de narrativas
que diminui ou até mesmo apaga a existência de atos e corpos femininos. É
um exercício de pensar em quem conta algo, que o faz sob sua perspectiva,
e quem transmite que, também, o faz sob seus termos e visão.
Nesse sentido a historiadora Linda Nochlin (2016) traz a discussão
do protagonismo feminino para a produção artística quando, em 1971,
questiona “Por que não houve grandes artistas mulheres?”, em ensaio ho-
mônimo. Ao longo da obra, a autora desbrava argumentos como o de-
senvolvimento da educação para mulheres, que acontece em estruturas
desiguais em comparação às bases oferecidas aos homens. Pontua, ainda,
a desqualificação dos trabalhos femininos, através de classificações como
“artes maiores versus artes menores”, além de reforçar as concepções já
citadas de Perrot (2007) sobre uma história narrada e escrita por homens.
A presente pesquisa tem como objetivo realizar um levantamento e
análise, a partir do recorte de gênero, nas coleções Século XX e Século XXI
do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo (MALG), museu este vinculado ao Cen-
tro de Artes da Universidade Federal de Pelotas (UFPel), situada ao sul do
Rio Grande do Sul. Assume como pressuposto a existência de artistas mu-
lheres nos acervos dos museus com poucos ou nenhum registro e, assim,
encontra sua justificativa nos estudos de Perrot (2007) e Nochlin (2016) que
expõem a necessidade de dar visibilidade à produção artística feminina.
Desenvolvimento e Discussão
Atualmente localizado no coração da cidade, o museu de arte destinado
a preservação e exposição das obras doadas do/pelo artista pelotense Le-
opoldo Gotuzzo foi criado em 1986 e, desde sua origem, está em sintonia
com o ensino, a pesquisa e a extensão, pilares da institução ao qual é vincu-
lado. Da criação da Escola de Belas Artes de Pelotas, dada por um enorme
esforço e trabalho de D. Marina de Moraes Pires em 19491, até os dias de
hoje, o MALG é um organismo acadêmico paralelo ao que atualmente é o
Centro de Artes da universidade: um espaço de aprendizagem dos estu-
dantes e da comunidade, de formação de público através da aproximação
com as artes e de propor novos olhares a partir do diálogo entre tempos e
vozes contidas dentro e fora do museu.
A instituição cultural se originou a partir de um acervo dividido em 4
coleções, criadas atraves de doações à Escola de Belas Artes (e por obras
da própria coleção de alunos e ex-alunos, no caso da coleção EBA), incor-
poradas ao projeto do museu desde seu início. Recentemente, o acervo
é constiuido por 7 coleções2, dentre elas as coleções Século XX e Século
XXI, objetos de estudo dessa pesquisa; resultados do desenvolvimento do
museu que revelam seus diversos momentos e tragetória junto a univer-
sidade e a comunidade.
A Coleção Século XX é considerada o primeiro conjunto classificado
do acervo do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo. Constitui-se sob crité-
rios como o recorte temporal das doações (entre 1986 e 2000), além da
submissão à avaliação de comissões de curadoria existentes ao longo da
história do MALG (MALG, 2017).
Figura 1. Maria Lidia Magliani, Retrato com pesadelo, 1990 [coleção Século XX -
MALG]. Óleo sobre tela, 120 x 121 cm. Foto: Daniel Rodrigues Moura.
Figura 2. Arlinda Nunes, Vínculo, 1986 [coleção Século XX - MALG].
Acrílica sobre madeira reprocessada, 70 x 51 cm. Foto: Daniel Rodrigues Moura.
A origem dos itens que compõem a coleção está em doações isola-

das ou dos/das próprios/as artistas já que, no período entre 1987 e 2000, o
MALG propõe editais para mostras onde a contrapartida é a doação de uma
obra para a instituição. É uma coleção com peças de caráter modernista/
contemporâneo, sem definições rigorosas quanto à estilo, tema ou técnica
e que dialoga com as demais coleções de maneira versátil (MALG, 2017).
Figura 3. Helena Pinto Ferreira, Bueiros, 2007 [coleção Século XXI - MALG].
Assemblagem, 72 x 72 cm. Foto: Daniel Rodrigues Moura.
A Coleção Século XXI mantém critérios de agrupamento similares à

Século XX, porém, por se tratar de um recorte temporal atual, permanece
em construção. Isso significa dizer que obras ainda estão sendo incorpo-
radas ao conjunto a medida que são doadas por artistas, instituições ou
colecionadores. O parâmetro cronológico se mantém como balizador e
admite peças a partir do ano 2001 (MALG, 2017).
A quantidade de obras que compõem a Coleção Século XXI é uma
questão interessante nesta pesquisa que busca analisar a presença de ar-
tistas mulheres nos acervos dos museus. Em 18 anos, a Coleção Século
XX se constituiu com um número três vezes maior de itens, cerca de 200,
em comparação a um período similar para a Coleção Século XXI. Isso de-
monstra uma mudança nas políticas de aquisição e foco curatorial, pois,
compreende-se atualmente como objetivos do MALG a divulgação do
acervo já existente e a relação com museus da cidade e do estado através
de projetos interinstitucionais (MALG, 2017).
Figura 4. Inah Costa, Translação mais rotação e dilatação [da série] Azul, 1986
[coleção Século XX - MALG]. Óleo sobre tela, 52 x 62 cm.
Foto: Daniel Rodrigues Moura.
Figura 5. Detalhe da exposição Geometrias, 2019. Foto: autor.
A exposição Geometrias (Figura 4) é um exemplo desse diálogo ver-

sátil entre as coleções. A partir de duas coleções, o Laboratório de Cura-
doria do MALG traz a aluna pelotense Inah Costa como protagonista do
trajeto do abstracionismo geométrico levado a cidade: com Translação
mais rotação e dilatação (Figura 4)3, pertencente a Coleção Século XX, a
artista reencontra suas referências na coleção L. C. Vinholes, em Samson
Flexor (seu professor durante um período de estudos da artista no Rio de
Janeiro); além de outras obras oriundas dessas coleções. Dessa forma, a
exposição traz a comunidade pelotense traços encontrados pelo acervo
do museu, de uma tendência artística importante ao contexto histórico,
ainda que não muito recorrente contemporaneamente, mas que vai de
encontro a ruptura do belo como ideal, direcionando a arte a um espaço
de liberdade de representação e que acolhe novas linguagens, formas e,
principalmente, novos discursos.
Além de Geometrias, outras exposições ocorridas no último ano, como
EBA 70 anos – da Escola de Belas Artes de Pelotas ao Centro de Artes da UFPEL,
Sabores nas coleções do MALG, UKIYO-E: Gravura Japonesa na Coleção L. C.
Vinholes e O eu: entre o autorretrato e a selfie; contemplam também os acer-
vos do museu, seja por seu discurso curatorial que cria dialogos que transi-
tam entre coleções e tempos, ou pelo seu apelo a valorização cultural das
obras através da revisitação de peças contidas em suas coleções.
Seguindo o levantamento que considera o último inventário realiza-
do no ano de 2017, é possivel constatar que entre as duas coleções ob-
servadas (Século XX e Século XXI), o número de artistas soma 138 e deste
total apenas 52 são mulheres. Isso nos permite entender o acesso à arte
para o gênero feminino tanto em meios acadêmicos quanto à inserção nos
acervos e, consequentemente, a sua visibilidade nas mostras artísticas. As
colocações de Nochlin (2016) e Perrot (2007) se mantém pertinentes e nos
instigam a seguir rastreando as presenças de artistas mulheres nas coleções
em museus e galerias.
Ao constatar os diferentes números de artistas homens e mulheres nas

Coleções Século XX e Século XXI do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo,
é possível observar pontos já abordados nos estudos de historiadoras
feministas, à exemplo, Michelle Perrot (2007) e Linda Nochlin (2016).
Como modo de contribuir para a visibilidade de artistas mulheres, essa
pesquisa se constitui como algo necessário e em fase inicial. Atualmen-
te está no levantamento de dados, sob o recorte de gênero, a Coleção
Escola de Belas Artes do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo. É o terceiro
conjunto em processo de análise, considerando o total de sete que com-
põem o acervo, e esperamos complementar o a pesquisa com novos
dados em um momento próximo.
Ao entender que apenas 37,5% de artistas, entre as duas coleções
estudadas, são do gênero feminino nos permitimos questionar: quantas
dessas mulheres obtiveram acesso à academia? E do número total de
obras, quantas delas são atribuídas e/ou assinadas por elas? Em quais cir-
cunstâncias tais obras foram entregues e admitidas nas coleções? Essas
são dúvidas que apontam uma possível continuidade do estudo.
É importante destacar o acesso à tais dados como medida de um
momento histórico, capaz de realizar mudanças. É, ainda, indício de aber-
tura das instituições à novas perspectivas relacionadas a grupos sociais
que reivindicam a visibilidade que por muitos anos lhes foi negligenciada.
Sendo assim, a análise nos permite compreender a importância de não
somente acompanhar os processos, mas também registrá-los para que
possamos seguir evoluindo como sociedade.
Notas
1
A instituição é hoje o atual Instituto de Artes e Design (IAD) da Universidade Federal de
Pelotas. Com a fundação da UFPel, em 1968, a Escola de Belas Artes foi agregada como
uma de suas unidades de ensino, sendo absorvida por completo por ela somente em 1973.
2
As coleções Leopoldo Gotuzzo, Faustino Trápaga, João Gomes de Mello e Escola de Belas
Artes deram início ao acervo do museu. Posteriormente foram criadas as seguintes cole-
ções: Coleção Século XX, Coleção Século XXI e Coleção L. C. Vinholes.
3
A obra foi doada pela artista após a exposição que inaugurou a galeria Marina de Moraes
Pires, do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo. A artista foi escolhida para inaugurar a galeria por
ser a primeira pintora que, sistematicamente e com seriedade trouxe a Pelotas a Arte Moderna.
Referências
AMARAL, Giana Lange do; MAGALHÃES, Clarice Rego. A escola de Belas

Artes de Pelotas: aspectos de sua gênese e constituição. Revista História
da Educação. v. 14, n. 31, maio/ago. 2010. Acesso em 31 de maio de 2020.
Disponível em: <https://seer.ufrgs.br/index.php/asphe/article/view/28856>.
Arquivo (acervo e administrativo) do MALG – Museu de Arte Leopoldo
Gotuzzo. UFPEL, Pelotas.
MALG (Org.). Catálogo do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo. Pelotas:

UFPel, 2017.
NOCHLIN, Linda. Por que não houve grandes mulheres artistas? São Paulo:
Edições Aurora, 2016.
PERROT, Michelle. Minha história das mulheres. São Paulo: Contexto, 2007.
Amanda Machado Madruga

Graduada em Artes Visuais – Hab. em Design Gráfico pela Universidade
Federal de Pelotas com período sanduíche no Instituto Politécnico de Bra-
gança em Portugal e técnica em Design de Móveis pelo Instituto Federal
Sul-Rio-Grandense. É mestranda do Programa de Pós-Graduação em Ar-
tes Visuais da UFPEL, integrante do Laboratório de Curadoria do Museu
de Arte Leopoldo Gotuzzo e designer no Instituto Histórico e Geográfico
de Pelotas. Pesquisa Feminismo, Curadoria e Design. Contato: mdg.aman-
[email protected]
Renan Silva do Espírito Santo

Graduado em Artes Visuais – Lic. pela Universidade Federal de Pelotas
com período sanduíche na Universidade de Évora, em Portugal, e gradu-
ado em Produção Multimídia, pela Faculdade de Artes e Comunicação da
Universidade Santa Cecília. É mestrando do Programa de Pós Graduação
- Mestrado em Artes Visuais e Pós Graduando da Especialização em Artes,

pela UFPel, e em Práticas Curatoriais pela UFRGS. Integrante do Labora-
tório de Curadoria do Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo. Contato: renan.
[email protected]
Lauer Alves Nunes dos Santos
Possui graduação em Pintura pela Universidade Federal de Pelotas (1992),

mestrado em Artes Visuais pela Universidade Federal do Rio Grande do
Sul (1997) e doutorado em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia Uni-
versidade Católica de São Paulo (2003). É professor titular junto ao Centro
de Artes da Universidade Federal de Pelotas e diretor do Museu de Arte
Leopoldo Gotuzzo. Tem experiência na área de Artes em pintura, arte con-
temporânea, design, curadoria e semiótica. Contato: [email protected]

Comitê
Educação em
Artes Visuais

IDENTIDADE E MEMÓRIA:
TRAJETOS DE FORMAÇÃO
IDENTITY AND MEMORY: TRAINING TRAJECTORY
Auvaneide Ferreira de Carvalho /

Rede particular da Educação Básica de Paulista
Maria Betânia e Silva / UFPE
Esse texto traz reflexões sobre contribuições que os espaços não formais
(GOHN, 2010; TRILLA, 2008) de ensino possibilitam desenvolver no per-
curso de formação e na construção do processo identitário. Especialmen-
te, nos centramos na formação multifacetada de um/a arte/educador/a
partindo de experiências vivenciadas com o ensino de Arte no NEIMFA1,
localizado na cidade do Recife.
A pesquisa narrativa foi o trajeto metodológico seguido. Dentro do
campo da pesquisa qualitativa, ela abre possibilidades para revisitar as
próprias histórias com o olhar crítico sobre os percursos de aprendiza-
gem que auxiliaram no desenvolvimento de saberes sobre a docência.
Esse tipo de pesquisa provoca inquietações na forma de compreender-se
como sujeito no mundo e permite também captar elementos impulsio-
nadores que alimentaram o desejo da docência em Arte como campo de

atuação profissional. Compartilhamos com o pensamento de Castañeda;
Morales (2017) ao afirmarem que:
Essas narrativas nos permitiram recuperar a experiência vivida como

modos de recordar, construir, reconstruir sentido e significado em
torno do nosso objeto de estudo (a construção de um campo da pe-
dagogia; a construção da noção de ética; a construção da noção de
corpo; o processo para se formar como docente ou estudante de al-
guma disciplina, entre outros) (CASTAÑEDA; MORALES, 2017, p. 91).
O texto tem como sujeito central a coautora desse trabalho e apre-

senta pontos da trajetória pessoal de vida e experiências de formação que
possibilitaram a soma na aquisição de saberes que contribuíram para o
exercício da docência.
Trajetória e experiências de formação
A investigação sobre a própria experiência possibilita a/o pesquisador/a

compreender mais amplamente sua trajetória e potencializar o exercício
do altruísmo buscando conhecer e refletir melhor sobre a experiência
do outro. Para esta tarefa, de escuta sensível, é fundamental a/o pes-
quisador/a construir estreita relação de respeito à sua própria escuta e
percepção de suas vivências e isso não é tarefa fácil. No entanto, é ne-
cessário! Inicialmente, o desejo de narrar, contar e partilhar seus proces-
sos de aprendizagem e expô-los requer um movimento de humildade e
desprendimento de si na busca de contribuir para alargar a produção de
conhecimento e entendimento de como se dá o processo formativo do
sujeito como objeto de investigação.
Um dos aspectos a esta opção ocorre pela liberdade narrativa, na
qual o sujeito pode apresentar suas significações sobre as experiências,

no sentido da construção de um tratamento essencialmente relacional, e
não meramente de coleta de informações. Assim,
a entrevista narrativa é, portanto, estruturada a partir de ‘palavras

autorizadas’, onde o próprio sujeito organiza e narra sua própria ex-
periência, sob a forma de um inventário do vivido. Neste sentido,
há uma perspectiva de produção de uma hermenêutica de si, dos
sujeitos que narram suas histórias (SOUZA; MEIRELES, 2017, p.136).
Esse princípio da narrativa corrobora com o contar, o reviver e o ex-

perienciar a si mesmo, em um trâmite interior que permite ao profissional
tomar consciência de suas experiências e a construção de seus saberes
(TARDIF, 2014).
Destacamos a pesquisa narrativa porque se apresenta como im-
portante estratégia teórico-metodológica, pois torna possível comunicar
alguns aspectos sobre os percursos da experiência formativa. Martins,
Tourinho e Souza (2017) nos dizem que as narrativas compõem lugar pri-
vilegiado para a construção da subjetividade e atribui novos significados
para a experiência.
Ao primar pela subjetividade a pesquisa narrativa abre a possibilida-
de para o uso do eu e do nós, pois pensar a trajetória de formação envolve
o atravessamento das relações sociais, pessoais, históricas e culturais que
englobam o individual e o coletivo. É nesse entendimento que esta nar-
rativa está construída.
Diante disso, identidade é um ponto que persigo não somente durante
a vida acadêmica, mas, em todo o percurso de existência, pois me faz lem-
brar, de episódios da adolescência onde renegava meu local de origem, a
Comunidade do Coque. Quando alguém me perguntava “onde você mora?”
respondia que morava em Afogados, Pina ou qualquer outro bairro, menos
no Coque porque tinha medo de ser discriminada ou menosprezada.

Naquele lugar, o caminho de minha existência foi cercado da certeza
de que, apesar dos limites impostos pela dura realidade, foi possível en-
frentar os desafios e desfrutar a sensação da liberdade ao conseguir supe-
rá-los. No Coque conheci, intimamente, muitos limites, entre eles diferen-
tes formas de manifestação, tais como: o prato vazio, a infância negada, a
discriminação, as barreiras invisíveis.
Sou registrada sem o nome de pai. Isto durante minha infância, ge-
rou muitos constrangimentos e uma baixa autoestima. Tinha dificuldade
de autoaceitação e a falta de autoconhecimento era latente. Muito inse-
gura, sempre fazia tudo que os meus amigos pediam. Não me sentia ca-
paz de realizar as coisas. Minha mãe era um ser que não sabia ler, nem
escrever que viveu como a maioria das mulheres: uma vida de violência
doméstica e reproduzia esta violência nos filhos.
Nasci no bairro do Coque onde vivenciava diariamente cenas de vio-
lência. Por causa desta violência, o bairro é amplamente bombardeado
pelos meios de comunicação, chegando a ser retratado em manchetes de
jornais como “Coque: morada da morte”. No imaginário recifense o nome
“Coque” sempre remete a um lugar “perigoso”, de “gente violenta”.
A ideia de que, apesar de todos os avanços conquistados através

de lutas que acompanham a história do bairro desde as suas ori-
gens, o Coque e tantas outras favelas permanecem como locais
marginalizados e estigmatizados. A partir dessa constatação é
que dentro do projeto Coque Vive surge o desejo de resgatar ou-
tras memórias desse bairro ainda visto como o mais violento da
cidade (FERREIRA, 2011, p. 75).
A Comunidade do Coque faz divisão com alguns bairros do Recife

tais como: Ilha do Retiro, Ilha do Leite, Cabanga, Coelhos, Afogados e São
José tendo seu território geográfico cobiçado pelos grandes empresários

imobiliários por estar centrado na Região Metropolitana do Recife. O Coque
é o último colocado no ranking do Desenvolvimento Humano Recifense.
A população local sofre com graves problemas de saneamento, moradia,
meio-ambiente, educação e saúde. A partir de índices sociais tão negativos,
a escalada da violência vem crescendo, tornando-se o maior desafio para as
instituições governamentais ou não-governamentais que lá atuam.
Tenho trazido comigo as marcas que fazem parte da minha cons-
trução de identidade como moradora de periferia, mulher, negra. Estas
identidades só foram percebidas quando participei da instituição não
governamental NEIMFA onde foi possível desenvolver um projeto de re-
conhecimento de si.
Candau (2012) nos ajuda a entender que a memória e identidade
estão indissoluvelmente ligadas. Sendo assim, a memória é um elemen-
to essencial daquilo que passamos a chamar de identidade individual ou
coletiva. Tecer essas memórias contribui para nos (re)conhecermos e ao
mesmo tempo perceber que também somos sujeitos da história e não
somente objeto dela, como nos dizia Paulo Freire (1996) em sua obra Pe-
dagogia da Autonomia. Assim, investigar as influências de formação no
trajeto histórico permite entender que a identidade não é um processo
de construção individual. Pois, esse trajeto é atravessado pelas relações
entre o social e o psicológico, situado em um contexto histórico e cultural.
Nesse sentido, o uso do nós e do eu na narrativa construída está baseado
nesse entendimento.
Se identidade, memória e patrimônio são três palavras-chave da
consciência contemporânea, conforme nos diz Candau (2012), é a memó-
ria que vem fortalecer a identidade. Para o autor, restituir a memória de-
saparecida de uma pessoa é restituir sua identidade. Portanto, o trabalho
da memória atua na construção da identidade do sujeito. O autor nos diz
que é o trabalho de reapropriação e negociação que cada um deve fazer
em relação a seu passado para chegar a sua própria individualidade.

Outro estudo que nos ajuda a refletir sobre identidade é o de Hall
(2005). Há um entendimento de que o processo de construção identitária
não é baseado numa concepção de identidade centrada, unificada. O au-
tor nos apresenta a possibilidade de uma identidade móvel que está em
relação com o outro.
Por sua vez, Tardif (2014) relata como os saberes experienciais vi-
venciados ao longo da vida, tanto acadêmica quanto pessoal, nos forne-
cem elementos para a construção identitária profissional mais ampla e
nos possibilita entender a complexidade que envolve a prática docente,
incluindo as histórias, as memórias, as trajetórias, expectativas e experi-
ências singulares.
Revisitando as memórias identifico que minha experiência como
arte/educadora foi, inicialmente, vivenciada nas ações de oficinas de arte
da “Casa da Criatividade”2 no NEIMFA que me possibilitou construir sa-
beres docentes durante mais de dez anos. Foi nas oficinas ofertadas que
desenvolvi meu interesse pelo ensino de Arte e a formação dos arte/edu-
cadores. As atividades me possibilitaram fazer parte da Escolinha de Arte
do Recife, outro espaço não formal de ensino na cidade, onde atuo como
professora desde 2011.
Por atuar nessas instituições, optei por fazer vestibular na área de
Arte e ingressei no curso de graduação em Artes Visuais - Licenciatura da
Universidade Federal de Pernambuco, no ano de 2014, com o objetivo de
acrescentar uma formação acadêmica, em relação ao ensino de Arte que
já vinha desenvolvendo com crianças.
A formação dos arte/educadores/as é uma discussão que não se
constitui uma temática recente no cenário brasileiro, pois é uma preocu-
pação tanto para o campo estrito do ensino da Arte, quanto para o campo
mais amplo da Educação.

Sendo assim, a formação de arte/educadores/as parece uma ques-
tão ampla e socialmente problematizada, uma temática que tem sido tra-
tada, até certo ponto, com abundância pela literatura educacional e sob
variados ângulos e critérios.
Ressaltamos também que o campo profissional docente em Arte
passou e vem passando por uma série de mudanças na formação do/a
arte/educador/a como relata o estudo de Silva (2015). As mudanças que
foram se sucedendo nas concepções de formação do/a arte/educador/a,
entre outros fatos, foram provocando um impacto nas diferentes compre-
ensões de ensino de Arte. Mostrando que neste campo estamos vivendo,
contemporaneamente, uma crise no processo identitário. Sabemos que a
crise identitária se apresenta em vários campos da vida humana.
Contudo, é importante ressaltar que a memória é a identidade em
ação, mas ela pode, ao contrário, ameaçar, perturbar e mesmo arruinar o
sentimento de identidade. O jogo da memória que vem fundar a identidade
é necessariamente feito de lembranças e esquecimentos (CANDAU, 2012).
Evidenciamos o ser humano como um sujeito atravessado por plura-
lidades, que vão interagir com outras pluralidades. Isso porque ninguém
se forma no vazio, pois formar-se supõe trocas, experiências, interações,
aprendizagens. Nesse sentido, “cada história é sempre única e singular”
(FREITAS, 2011, p. 161). Falar de identidade é sempre falar de si. É falar das
escolhas feitas, não feitas, desfeitas e refeitas.
No NEIMFA participei do projeto chamado Artesão da Cidadania
que, mais tarde com um trabalho de construção de identidade da logo-
marca junto ao Serviço de Apoio às Micro e Pequenas Empresas do Es-
tado de Pernambuco SEBRAE – PE, criamos o nome “Cor do Coque”. Éra-
mos um grupo, em sua maioria, composto por mulheres da comunidade,
com o objetivo de criar produtos à base de papel artesanal. A renda era
revertida para os participantes, criando uma rede de economia solidária

possibilitando a participação em eventos, feiras, como a FENEARTE, e
em locais como a UFPE, escolas públicas e particulares. Participar destes
eventos possibilitou além de um incremento no meu sustento, uma cons-
trução de imagem positiva relacionada à ideia de ser capaz de obter ren-
da e melhora nos estudos.
Além disso, o projeto Cor do Coque obteve uma grande visibilida-
de na mídia local. O que fez reverberar diretamente na autoimagem dos
participantes, consequentemente, na minha, pois agora estávamos mos-
trando outras “cores” que o Coque tem que não é só a cor da violência,
possibilitando descobrir-se como um ser plural.
Mediante esta descoberta de ser, fez brotar em mim um desejo de
querer mais do que eu tinha, até então, em relação aos estudos, pois até
o momento achava que só o Ensino Médio era o suficiente. E ver como o
NEIMFA tratava a educação como algo grande, complexo e holístico me
fez querer participar de outros projetos ali desenvolvidos. A convite de
uma amiga que já participava do Programa de arte/educação “Casa da
Criatividade” fui conhecer e comecei a frequentá-lo.
O Programa de arte/educação da casa da Criatividade
Carvalho (2005) em seu estudo deixa claro que o ensino de Arte nas
instituições não formais está organizado na forma de oficinas artísticas
e tem como principais os seguintes objetivos: ministrar conteúdos te-
óricos específicos das linguagens artísticas; aperfeiçoar as habilidades
técnicas; levar os/as estudantes a conhecerem técnicas e materiais; pro-
mover a profissionalização e a inserção deles/as no mercado de traba-
lho; formar sujeitos que sejam autores da própria história; viabilizar o
acesso aos bens culturais e simbólicos; desenvolver a autoestima e a
expressão com liberdade.

O programa de arte/educação “Casa da Criatividade” possui duas
frentes de atividades constantes: 1) Formação de arte/educadores/as para
atuar em contexto de comunidade, dentro de uma perspectiva contem-
porânea da Arte/Educação e crítico-reflexiva da formação de professores/
as. 2) Planejamento e execução de oficinas de arte tendo como eixo uma
prática educativa de ensino de Arte dentro de uma orientação da arte/
educação baseada em comunidade e nos princípios da interculturalidade
e da interdisciplinaridade. As ações arte/educativas em parceria com os
demais Núcleos de Ação do NEIMFA, têm possibilidade de atuação/co-
operação em outras instituições formais e não formais da Comunidade.
Cada curso tinha uma duração média de um ano, com uma carga
horária total de 80 horas, dividida em dois módulos. No módulo Intensivo,
passamos um mês discutindo a temática central do curso. Já o módulo
Continuado foi desenvolvido a partir de dois encontros mensais.
Na primeira frente de ação da Casa da Criatividade, os cursos de for-
mação para arte/educadores/as se desenvolveram a partir das seguintes
temáticas:
1º - O Ensino de Arte no Âmbito das ONGs (1º Semestre/2005);
2º - O Desenvolvimento da Expressão Artística da Criança (2º
Semestre/2005);
3º - Teoria e Prática do Teatro/Educação (1º Semestre/2006);
4º - O Processo de Avaliação no Ensino de Arte: pressupostos, princí-
pios, métodos e procedimentos (1º Semestre/2006);
5º - Arte/Educação Pós-Moderna: princípios e processos (2007);
6º - Arte/Educação Baseada em Comunidade: uma perspectiva inter-
cultural (2008);
7º - Ensino de Arte, Educação e Direitos Humanos (2009);
8º - Ensino de Arte, Educação Inclusiva e Pós-Colonialismo (2010);

9º - Ensino de Arte e Experiência (2011);
10º - John Dewey, Experiência e o Ensino de Arte (2012).
A temática de cada curso era decidida coletivamente e cada curso
tinha uma duração média de um ano, com uma carga horária total de 80
horas, dividida em dois módulos. No módulo Intensivo, passamos um mês
discutindo a temática central e planejamos o desenvolvimento de ações
compartilhadas, tal como o planejamento das oficinas de arte que seriam
oferecidas à comunidade. Já o módulo Continuado foi desenvolvido a
partir de dois encontros mensais. O primeiro encontro reservado para es-
tudo e coletivização do saber, onde aprofundamos as temáticas iniciadas
no módulo inicial ou discutimos temáticas emergentes. Neste mesmo en-
contro realizamos a socialização, monitoramento, reflexão e avaliação da
prática pedagógica desenvolvida nas oficinas de Arte, na qual buscamos
estabelecer uma relação crítica dos estudos que estamos realizando com
os seus reflexos na prática das oficinas.
Outro ponto que considero fundamental neste tipo de formação, foi
poder visitar lugares que para a maioria das pessoas oriundas de periferia
como eu, não era permitido estar. No nosso imaginário estes não faziam
parte de nossas vidas. Lugares como museus, galerias, feiras de Arte, ex-
posições e teatro não era um lugar para nós. Tanto é que não me lembro
no período de infância e adolescência minha família fazer qualquer pro-
gramação nestes tipos de espaços. Afirmo que existe uma barreira invisí-
vel que nos impede como periféricos de vivenciar culturalmente o que a
cidade nos oferece.
Considero como dispositivos e práticas de ensino de Arte mais im-
portantes que contribuíram para minha formação e meu processo de
construção identitária, as experiências vivenciadas na “Casa da Criativi-
dade”, pois lá eu aprendi os primeiros passos para elaborar as atividades
docentes, como planejar e executar as oficinas de Arte. Entendendo que

a ação do planejamento precisa ser flexível, o processo de aprendiza-
gem também atravessa o saber lidar com os questionamentos do tipo:
para quem estou planejando? Quais os conhecimentos prévios dos en-
volvidos na oficina? O que pretendemos alcançar com esta oficina, em
quanto tempo? O que fazer e como fazer, quais recursos serão necessá-
rios para desenvolvê-la?
Aprendi a experienciar o processo de avaliação do ensino de Arte,
pois, tinha o mito de que arte não se avalia. Esta compreensão de avaliação
em Arte, só foi possível ao longo dos estudos vivenciados na formação do
programa “Casa da Criatividade” percebendo que avaliação tem que ser
um conjunto de ações que durante todo o processo da oficina vai permitir
identificar as possibilidades de aprendizagens, diagnosticando eventuais
problemáticas, ajustando as reais necessidades dos envolvidos nas ofici-
nas para uma certificação construtiva do processo de aprendizagem.
Os encontros de formação no NEIMFA tinham para mim dois pontos
que considero de fundamental importância. O primeiro posso dizer que
era a ampliação do repertório cultural, pois nesses encontros de formação
pude criar um acervo particular com materiais educativos de Arte com-
posto por livros, catálogos, cartões de arte postal, convites, objetos edu-
cativos das exposições que visitávamos. Isso sempre contribuiu diante da
necessidade de criar um projeto para oficinas de Arte no próprio NEIMFA,
na Escolinha de Arte do Recife ou até mesmo em atividades do curso de
Licenciatura em Artes Visuais, eu tinha onde buscar facilmente referências
de artistas, de obras, de atividades, entre outras coisas. Estes encontros
me permitiram estar conectada com as ações artísticas produzidas em
Recife. Além disso, eles ainda promoviam a integração e a criação de vín-
culos entre todos os participantes do curso.
Observamos outro ponto, muito importante, que foi a participa-
ção em eventos acadêmicos no universo da arte/educação pela “Casa da

Criatividade”. Mais do que me empoderar, por estar divulgando meus re-
sultados de trabalho como arte educadora vivenciados nas oficinas, me
possibilitou conhecer outros lugares como São Paulo, Minas Gerais, o Ins-
tituto Inhotim, Ceará, Goiás, Brasília, Manaus. Passei por estes locais atra-
vés da participação nos eventos de arte/educação tais como CONFAEB
e ANPAP. A participação nesses congressos, onde nem pensava um dia
poder ir, reforçou minha autoimagem positiva.
Hall (2005) nos diz que o processo de identidade não é baseado
numa concepção centrada, unificada, que emerge pela primeira vez
quando nascemos e que permanecemos com a mesma identidade até a
vida adulta. Ele enfatiza que o sujeito pós-moderno é produzido a partir
de uma relação com o outro e sua identidade é móvel, mutável. Portanto,
assume identidades diferentes em diferentes momentos.
Ao ingressar na UFPE a temática da identidade continuou como
foco de interesse desde o primeiro projeto na universidade. Foi, inicial-
mente, no componente curricular de Metodologia do Ensino das Artes
Visuais 1, onde elaborei um projeto a/r/tográfico como trabalho final.
Optei por fazer uma pesquisa buscando entender como elementos so-
cioculturais contribuem para a produção de identidades, fazendo um
diálogo com artistas como Alex Flemming e Frida Kahlo que trazem em
suas obras um discurso sobre identidade e conflitos. Questionar este
processo de construção identitária é possibilitar romper com barreiras
invisíveis e ideológicas.
Os trabalhos finais dos/as estudantes, naquele componente curricu-
lar, foram organizados em uma exposição coletiva no Centro de Artes e
Comunicação da UFPE. A seguir apresento a obra produzida no processo.

Figura 1 - Eu sou o Coque, o Coque sou eu!! (2015).
Técnica: Colagem. Fonte: Acervo pessoal
Nos períodos seguintes, nos componentes curriculares Estágio Cur-

ricular em Ensino das Artes Visuais 1 e 2, desenvolvi outras experiências.
No Estágio 1 realizei uma instalação artística, com autorretratos produzi-
dos pelas crianças durante o período de regência, como reflexão crítica e
performativa sobre a produção de identidade. Além de quebrar barreiras
invisíveis, a experiência possibilitou a criação de um diálogo que favore-
cesse a emancipação dos envolvidos.

Figura 2 - Instalação Estamos à Mesa (2016).
Técnica: Pintura. Fonte: Acervo pessoal
No Estágio 2, trabalhei mais uma vez com a questão de identidade,

proporcionando aos alunos uma discussão crítica sobre a representabili-
dade e invisibilidade da negritude na nossa sociedade.
Essas experiências me levaram ao diálogo e entendimento do que
Tardif (2014) chama de saber plural. O autor nos mostra que o saber é
multidimensional, ou seja, ele se incorpora a elementos da identidade
pessoal e profissional, facilitando a relação com os envolvidos no ambien-
te de formação. Para ele diferentes tipos de saberes estão implicados na
atividade docente.
Participar dos cursos de formação ofertados pelo NEIMFA, através da
Casa da Criatividade, e de diversos congressos acadêmicos, pouco a pouco,
permitiu uma (re)descoberta de mim mesma, alimentou o desejo de ir mais

além e em busca de outros espaços de formação como o curso superior de
Artes Visuais – Licenciatura. Foi a experiência vivida no Curso que ampliou
o processo formativo, que não se encerra, e possibilitou a dilatação da re-
flexão sobre a própria história e percurso, pois nele pude mergulhar nas
memórias e identificar o fio condutor de formação pessoal e profissional.
Notas
1
É uma instituição não governamental intitulada Núcleo Educacional Irmãos Menores
de Francisco de Assis (NEIMFA). Foi criada com base na parceria entre moradores da
comunidade do Coque e um grupo de jovens da Federação Espírita Pernambucana, em
26 de setembro de 1986. Fundado juridicamente em 26 de setembro de 1994, com foro
na cidade do Recife, Estado de Pernambuco, e sede atual à Rua Jacaraú, nº 31, bairro do
Coque, Recife-PE.
2
Núcleo de Arte e Comunicação – NAC faz parte do Núcleo Educacional Irmãos Menores de
Francisco de Assis – NEIMFA localizado na comunidade do Coque.
Referências
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CARVALHO, Lívia Marques. O ensino de artes em ONGs: tecendo a

reconstrução pessoal e social. 2005. 143f. Tese (Doutorado em Artes). Escola
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FERREIRA, Francisco Ludermir. Dos alagados à especulação imobiliária:

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FREITAS, Emília Patrícia de. A Formação do Arte/educador que atua com

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GOHN, Maria da Glória. Educação não formal e o educador social atuação

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Tadeu da Silva; Guacira Lopes Louro. 10. ed. Rio de Janeiro: DP&A, 2005.
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SILVA, Everson Melquíades Araújo A experiência de ser e tornar-se arte/

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Jaboatão dos Guararapes – PE: SESC, 2015.
SOUZA, E. C.;MEIRELES M. M. Fotobiografia e Entrevista Narrativa: modos de

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(Org) Pesquisa Narrativa: Interfaces entre histórias de vida, arte e educação.
Santa Maria: Ed. da UFSM, 2017. cap. V, p. 125 – 141.
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Vozes, 2014. 16 ed.
TRILLA, Jaume. A educação não-formal. In: ARANTES, Valéria Amorim (org).

Educação formal e não-formal: pontos e contra pontos. São Paulo: Summus,
2008. Parte I, p. 15 – 58.

Auvaneide Ferreira de Carvalho
Professora do Ensino Fundamental da Rede Particular de Paulista; Gradu-

ada no Curso de Licenciatura em Artes Visuais da Universidade Federal de
Pernambuco (2019). Atua como arte/educadora no Núcleo Educacional
Irmãos Menores de Francisco de Assis e na Escolinha de Arte do Recife.
Contato: [email protected].
Maria Betânia e Silva
Doutorado em Educação pela UFMG. Mestrado em Educação pela UFPE.

Graduação em Artes Plásticas pela UFPE. Graduação, em curso, em Filoso-
fia pela UFPE. Professora da Graduação e do Programa Associado de Pós-
-Graduação em Artes Visuais UFPE/UFPB. Contato: [email protected]

A DISPERSÃO DO COMPONENTE CURRICULAR
ARTE NO ORDENAMENTO DA BNCC

LA DISPERSIÓN DEL COMPONENTE CURRICULAR

ARTE EN LA ORGANIZACIÓN DE LA BNCC
Guilherme Panho / UFPB-UFPE
Maria Emilia Sardelich / UFPB
Introdução
Dentre os vários sentidos que o dicionário da língua portuguesa indica

para o ato ou efeito de dispersar, encontramos o de fazer ir para diferen-
tes partes, espalhar; dissipar, desfazer; desviar (FERREIRA, 1999). Como
fenômeno óptico, a dispersão refere-se à separação da luz em diferentes
cores ao ser refratada através de algum meio transparente. Em detalha-
da análise de conteúdo que realizamos no estudo sobre o processo de
elaboração do documento denominado de Base Nacional Comum Cur-
ricular (BNCC), entre os anos de 2015 e 2017, notamos o processo de
dispersão pelo qual passou o componente curricular Arte que, por meio

de deslocamentos, desarticulações e reordenamentos, foram propostos
diferentes percursos formativos.
O processo de produção da BNCC foi iniciado pelo Ministério da
Educação (MEC), em 2015, que compôs um comitê assessor e uma equipe
de especialistas, formada por professores universitários que atuavam em
cursos de licenciatura, professores de escolas de Educação Básica (EB) e
técnicos das Secretarias de Educação, indicados pelo Conselho Nacional
de Secretários de Educação (CONSED) e pela União dos Dirigentes Muni-
cipais de Educação (UNDIME). Ao longo desse processo de elaboração, o
documento transitou entre polos extremos, passando das consultas pú-
blicas ao sequestro, apresentando uma redação final alinhada à pedago-
gia das competências, ausente das versões anteriores, e aos organismos
internacionais, como a Organização para a Cooperação e Desenvolvimen-
to Econômico (OCDE), que coordena o Programa Internacional de Avalia-
ção de Alunos (PISA).
A versão preliminar da BNCC fundamentou-se nos “direitos de
aprendizagem” (BRASIL, 2012) para definir os objetivos de aprendiza-
gem das áreas de conhecimento e seus respectivos componentes cur-
riculares. Sinalizando objetivos de aprendizagem com o acréscimo da
expressão “e desenvolvimento”, a segunda versão inclui as contribuições
e sistematizações dos dados obtidos pela consulta pública via internet.
Com o golpe jurídico-midiático-parlamentar de 2016 (BRZEZINKI, 2018),
o MEC passou a ser conduzido por uma coligação liberal-conservadora
(FREITAS, 2017). A discussão e redação do documento foi sequestrada
do comitê de assessores e especialistas, sendo entregue ao Movimen-
to pela Base Nacional Comum1, um grupo não governamental formado
por diferentes fundações que “[...] atuam como um verdadeiro partido:
com programa, metas, estruturas de sustentação, lideranças” (SANTOS,
2016, s.p.). A partir deste episódio o documento passou a ser redigido

por atores e grupos cuja legitimidade não havia sido discutida com a so-
ciedade brasileira e a optar pela pedagogia das competências. A opção
pela pedagogia das competências escancara a peculiar seletividade do
Estado brasileiro, no qual “[...] os interesses burgueses encontram aco-
lhida, enquanto há renitente bloqueio à admissão das reivindicações
populares” (FONTES, 2017, p. 422).
Deste modo, analisamos os objetivos gerais da área de Linguagens,
os objetivos de aprendizagem e desenvolvimento do componente cur-
ricular Arte que, no decorrer da elaboração do documento, foram des-
viados para as habilidades da pedagogia das competências, a partir da
terceira versão até a sua redação final homologada.
Objetivos de aprendizagem e desenvolvimento
Desde a versão preliminar da BNCC, redigida pela equipe de especialistas

designados pelo MEC, o componente curricular Arte está alocado na área
de Linguagens, de acordo com a Resolução CNE/CEB n° 7/2010, que fixa
as Diretrizes Curriculares Nacionais para o Ensino Fundamental de nove
anos. Assim sendo, analisamos como as diferentes versões do documen-
to referem-se aos objetivos gerais da área na qual o componente curricu-
lar está inserido, dada a compreensão de Arte como linguagem que está
expressa na legislação indicada, além dos objetivos de aprendizagem es-
pecíficos do componente.
Ordenada a partir da narrativa de objetivos, a versão preliminar da
BNCC enfatiza na sua redação que, doze direitos de aprendizagem fo-
ram os princípios orientadores da criação das áreas de conhecimento e
da definição dos objetivos de aprendizagem e desenvolvimento (BRASIL,
2015, p. 15). A redação da segunda versão esclarece que, os objetivos de

aprendizagem e desenvolvimento devem orientar a elaboração das pro-
postas curriculares das diferentes etapas da EB, a fim de garantir o acesso
e condições a todos os estudantes por meio dos componentes curricula-
res que integram a BNCC (BRASIL, 2016, p. 24-25).
Organizadas em torno de objetivos de aprendizagem a versão pre-
liminar e a segunda versão, apresentam uma variação na própria termi-
nologia, pois esta última inclui a expressão “e desenvolvimento” aos ob-
jetivos de aprendizagem. Apesar de não fazer uso do complemento “e
desenvolvimento” em relação aos objetivos de aprendizagem, a versão
preliminar também faz uso da expressão completa em outros momen-
tos da redação. Desse modo, tanto a versão preliminar quanto a segunda
versão indicam claramente a finalidade do documento de acordo com a
estratégia 7.1 do Plano Nacional de Educação 2014-2024, em estabelecer
pacto interfederativo, através de diretrizes pedagógicas para a EB organi-
zadas por direitos e objetivos de aprendizagem e desenvolvimento nas
etapas do Ensino Fundamental e Médio, considerando a diversidade do
contexto inserido (BRASIL, 2014, p. 60).
A versão preliminar apresentava seis objetivos gerais da área de Lin-
guagens para a EB. Também especificou objetivos gerais da área de Lin-
guagens para o Ensino Fundamental (EF), objetivos gerais do componen-
te curricular Arte na EB e objetivos de aprendizagem para o EF. A partir
desses enunciados, a análise de conteúdo priorizou os verbos indicados
em cada um desses objetivos que, a partir da quantidade de vezes em que
foram mencionados foi possível organizar a seguinte nuvem de palavras.

Figura 1. Nuvem de palavras dos objetivos da EB e EF da versão preliminar (BRASIL,
2015). Fonte: imagem dos autores
A partir da observação da Figura 1, as ações que se destacam no enun-

ciado desses objetivos são as ações de reconhecer e compreender. Rela-
cionamos esses objetivos com a Taxonomia de Bloom2, um instrumento
de classificação de objetivos de forma hierárquica, da ação mais simples
à mais complexa. De acordo com essa Taxonomia, os objetivos gerais e de
aprendizagem mais enunciados na primeira versão da BNCC para a área
de Linguagens e o componente curricular Arte se relacionam às categorias
do conhecimento e compreensão. Desde a idealização dessa Taxonomia, a
categoria conhecimento relaciona-se ao conteúdo instrucional, à habilida-
de de “lembrar informações e conteúdos previamente abordados” (FERRAZ;
BELHOT, 2010, p. 426). Na categoria da compreensão o verbo reconhecer,
refere-se à “capacidade de entender a informação ou fato, de captar seu sig-
nificado e de utilizá-la em contextos diferentes” (FERRAZ; BELHOT, 2010, p.
426). Portanto, o processo de acessar, de lembrar informação e captar seu
significado, destaca-se nessa lista de objetivos.

Na segunda versão da BNCC, a expressão objetivos gerais de forma-
ção da área de Linguagens se apresentava subdividida em anos iniciais e
finais do EF, acompanhados por eixos de formação3. Essa mesma subdi-
visão se mantém nos objetivos de aprendizagem e desenvolvimento do
componente curricular. A partir desses enunciados, foi possível organizar
a seguinte nuvem de palavras.
Figura 2. Nuvem de palavras dos objetivos da EB e EF da segunda versão

(BRASIL, 2016). Fonte: imagem dos autores
Salientam-se na segunda versão os verbos conhecer e interagir. Os

mesmos não foram identificados na Taxonomia de Bloom. Ferraz e Belhot
(2010) destacam que uma das razões pelas quais essa taxonomia tornou-se
tão importante deve-se ao fato de que antes da década de 1950 um dos
grandes problemas da literatura educacional era a falta de consenso em re-
lação aos verbos utilizados nos objetivos instrucionais, dentre eles, o verbo
conhecer “utilizado com o sentido de ter consciência, saber da existência

ou para expressar domínio de um determinado assunto” (FERRAZ; BELHOT,
2010, p. 423). Em relação ao verbo interagir, o Dicionário da Língua Portu-
guesa indica o agir mutuamente de dois ou mais objetos, duas ou mais coi-
sas (FERREIRA, 1999). Desse modo, consideramos que essa lista de objetivos
enfatiza o sentido da tomada de consciência e o agir mútuo.
Enquanto a redação da versão preliminar os objetivos gerais para o
componente curricular Arte foram entendidos como transversais e pen-
sados na efetivação de uma prática educativa que avançasse progressi-
vamente, a redação da segunda versão relaciona objetivos de aprendi-
zagem e desenvolvimento à temas integradores. Os temas integradores
dizem respeito a questões que atravessam as experiências dos sujeitos
de aprendizagem em seus contextos de vida. Esses temas integradores
interferem nas interações dos sujeitos de aprendizagem com os demais
e o ambiente em posicionamentos éticos e críticos. A segunda versão
considera que são temas sociais contemporâneos que contemplam, para
além da “[...] dimensão cognitiva, as dimensões política, ética e estética da
formação dos sujeitos, na perspectiva de uma educação humana integral”
(BRASIL, 2016, p. 47).
Competências e habilidades
Ambas organizadas por outra nomenclatura, a terceira versão e versão

homologada, indicam na composição do texto competências e habili-
dades. A terceira versão, define que “os conteúdos curriculares estão a
serviço do desenvolvimento de competências” (BRASIL, 2017a, p. 15).
Ainda, destaca competência no sentido de “mobilização e aplicação de
conhecimentos escolares”, e amplia essa noção referindo-se a valores e
atitudes, onde o indivíduo é capaz de utilizar o conhecimento construí-
do (BRASIL, 2017a, p. 16).

Palavras e práticas também têm sua história e refletem as concep-
ções nas quais se forjam os significados que se arrastam pelos tempos,
projetando-se em nossas ações e pensamentos. O conceito de compe-
tência emergiu no campo da Psicologia e da Sociologia do Trabalho, da
Gestão da Formação Profissional. Na década de 1990 essa noção ganhou
o campo da educação escolar e começou a despontar como um concei-
to possível para a reorganização dos currículos escolares em função das
mudanças no mundo do trabalho. Os Parâmetros Curriculares Nacionais
(PCN), editados em 1997, já estavam inspirados na pedagogia das com-
petências, porém foram textos de referência nas áreas de conhecimento e
não se transformaram em Lei. Ramos (2001) observa que a pedagogia das
competências alinha-se a corrente tecnicista da educação da década de
1970, inspirada na Teoria do Capital Humano, e retomada na década de
1990, com o denominado neotecnicismo e neopragmatismo.
O discurso da pedagogia das competências se articula com o “traba-
lho mundano do neoliberalismo” (BALL, 2014), o de mercantilizar o social
e o domínio público por meio do discurso sobre o “novo”. É um discurso
pedagógico que se constrói em torno de promessas, com supostas “no-
vas” práticas formativas para que o indivíduo responda aos desafios do
mercado de trabalho. Apesar da falta de consenso em torno da noção de
competência e seus diversos usos, Ramos (2001) indica que há uma rela-
tiva conformidade sobre esta se articular em torno do trio dos “saberes”:
conhecer - fazer - ser.
Em relação à habilidade, a terceira e a versão homologada da BNCC
não indicam o entendimento da mesma. Segundo o Glossário de Termi-
nologia Curricular da Organização das Nações Unidas para a Educação,
a Ciência e a Cultura (UNESCO), habilidade significa a capacidade de de-
sempenhar tarefas e resolver problemas; destreza para desempenhar uma
tarefa e mais amplamente inclui “comportamentos, atitudes e atributos

pessoais que tornam indivíduos mais efetivos em determinados contex-
tos” (UNESCO/IBE, 2016, p. 54).
A escrita da terceira versão propõe competências específicas para a
área de Linguagens, e para o componente curricular Arte no EF. Para nos-
sa surpresa, apesar do uso da nomenclatura competência, estar no sen-
tido de uma mobilização, e que mobilizar se relaciona com movimento,
percebemos que as competências também são expressas por ações mui-
to próximas da Taxonomia de Bloom. Ao observar os verbos na redação
das competências, chegamos à seguinte nuvem de palavras.
Figura 3. Nuvem de palavras das Competências Específicas para o EF da

terceira versão (BRASIL, 2017a). Fonte: imagem dos autores
A partir da observação da Figura 3, podemos constatar que, apesar

do discurso em torno das competências enfatizar o mobilizar e aplicar os
conhecimentos escolares, os verbos utilizados para indicar essas capaci-
dades são próximos aos indicados na versão preliminar da BNCC. Apesar

de adotar a noção de competência e não objetivos de aprendizagem, a
terceira versão da BNCC indica verbos relacionados as categorias de co-
nhecimento e aplicação da Taxonomia de Bloom.
O verbo reconhecer está enfatizado na estruturação da Taxonomia
de Bloom na dimensão processo cognitivo, e está ligado as categorias do
conhecimento e da compreensão, como já indicado na figura 1. O verbo
desenvolver aparece nas categorias da aplicação e síntese, ambos são de-
finidos por “habilidade de usar informações, métodos e conteúdos apren-
didos” e por “habilidade de agregar e juntar partes, para formar um todo”
(FERRAZ; BELHOT, 2010, p. 426). O verbo respeitar não é identificado na
estruturação da Taxonomia de Bloom, porém é possível situá-lo na articu-
lação do “saber-ser” (RAMOS, 2001).
Entre a terceira versão do documento e a redação homologada há
uma versão intermediária, divulgada em 27 de novembro de 2017, que
apesar de ser analisada pelo Conselho Nacional de Educação (CNE) foi con-
testada publicamente por algumas Associações Cristãs e Evangélicas4 e
posteriormente embargada pelo CNE. Acessamos a versão embargada e
ao contrastá-la com a terceira foi possível observar que foram excluídos tre-
chos relacionados ao combate à discriminação de gênero. As concepções
de gênero e sexualidade passaram a integrar o componente curricular ensi-
no religioso e, especificamente, foram alocadas no nono ano. As supressões
mais acentuadas ocorreram nas linguagens da dança e teatro, pois os vocá-
bulos gênero e corpo foram eliminados da redação do texto em relação à
terceira versão. Os apagamentos dessa versão denominada de embargada
foram os indicados na contestação das Associações Cristãs e Evangélicas.
Os dados quantitativos não passam despercebidos e são evidenciados
a partir da versão homologada, que reduz o número competências especí-
ficas tanto para a área de Linguagens quanto para o componente curricular
Arte. A partir desses enunciados organizamos a nuvem de palavras a seguir.

Figura 4. Nuvem de palavras das Competências Específicas para o EF da
versão homologada (BRASIL, 2017b). Fonte: imagem dos autores
Na redação da versão homologada destacam-se as ações de: utilizar

e partilhar entre os demais verbos mencionados. Apesar de não estar in-
dicado na Taxonomia de Bloom, compreendermos o verbo utilizar como
usar, que se classifica na categoria de aplicação. Essa ênfase na categoria
de aplicação coincide com a observação de Ramos (2001) ao advertir que
a pedagogia das competências acentua a definição de objetivos de for-
mação que atendam demandas específicas das empresas e o trato utili-
tário no tocante aos conteúdos de ensino, em relação direta à adaptação
dos indivíduos ao ambiente de trabalho. Em relação ao verbo partilhar,
este tampouco está indicado na Taxonomia de Bloom. Recorremos ao Di-
cionário da Língua que indica os sentidos de dividir em partes, repartir,
como também o tomar parte em (FERREIRA, 1999).
Tanto os objetivos de aprendizagem do componente curricular Arte
para o EF, anos iniciais e finais da versão preliminar e segunda versão,

quanto as habilidades da terceira e versão homologada da BNCC, são
apresentados acompanhados por um código alfanumérico. Essa codifi-
cação levantou uma série de objeções por parte de estudiosos, pois con-
sideram que estes compõem uma matriz de habilidades para a avaliação
sinalizando “a avaliação pautando o currículo, e não o contrário, as provas
avaliando a qualidade do currículo” (CÓSSIO, 2014, p. 1582).
Por esse ponto de vista percebe-se que a ideia de avaliação sempre
permeou o documento, isso evidencia que os mesmos podem ser utili-
zados como instrumento de controle e que serão testados pelas avalia-
ções externas.
Conclusão
Este estudo identifica que o ponto de partida para a definição dos objetivos
de aprendizagem e desenvolvimento indicados para a redação da BNCC
foram os direitos de aprendizagem. Na versão preliminar os objetivos de
aprendizagem estão expressos em torno de dois grandes verbos: reconhe-
cer e compreender, que se relacionam na Taxonomia de Bloom com as ca-
tegorias conhecimento e compreensão. Na segunda versão os objetivos de
aprendizagem e desenvolvimento indicam os verbos conhecer e interagir,
sendo que interagir não está indicado em nenhuma categoria da Taxono-
mia de Bloom, conhecer mantém-se na categoria do conhecimento.
Alinhada a pedagogia das competências e salientando que deve ser
assegurado o desenvolvimento das competências, bem como das habi-
lidades, os verbos destacados na terceira versão, reconhecer e respeitar,
promovem o trazer à consciência a informação ou fato, enquanto o verbo
respeitar, ao cumprir, observar. A versão homologada enfatiza o verbo uti-
lizar, o trato utilitário em relação aos conteúdos de ensino e partilhar, no
sentido de tomar parte em algo.

Por fim, observamos o processo de dispersão pelo qual o compo-
nente curricular Arte passou ao longo da elaboração da BNCC. A opção
pelos objetivos remete ao que é valido para todos e não apenas para
um indivíduo. Por outro lado, a competência refere-se à uma qualidade
individual. Nesse sentido a expressão objetivo de aprendizagem e de-
senvolvimento projeta-se para ações consideradas válidas pela e para
a coletividade envolvida no processo de aprendizagem, ao passo que a
expressão competência e habilidade projeta-se para o indivíduo, para o
indivíduo e não e não para o coletivo. Constatamos que os objetivos das
duas primeiras versões enfatizam processos coletivos que se separam,
se dispersam, se dissipam no trânsito para a habilidade individual, pro-
posta pela pedagogia das competências, a partir da terceira versão até a
sua redação final homologada.
Notas
1
De acordo com a informação disponível no website desse movimento, o mesmo se apre-
senta como: “O Movimento pela Base Nacional Comum é um grupo não governamental de
profissionais da educação que desde 2013 atua para facilitar a construção de uma Base de
qualidade. O grupo promove debates, produz estudos e pesquisas com gestores, professo-
res e alunos e investiga casos de sucesso em vários países”. Disponível em: http://movimen-
topelabase.org.br/quem-somos/
2
Taxonomia de Bloom elabora objetivos que contemplam o desempenho - aquilo que se
espera que o estudante possa fazer - a partir das condições - aquilo que se oferece ao es-
tudante para que alcance o desempenho esperado - bem como os critérios que indiquem
se o desempenho pode ser aceito como satisfatório. Essa taxonomia considera que as seis
categorias – conhecimento, compreensão, aplicação, análise, síntese, avaliação – estão as-
sociadas ao processo cognitivo (FERRAZ; BELHOT, 2010).
3
Função de articular a área de conhecimento e o componente curricular nas diferentes
etapas da escolarização, bem como integrar domínios de conhecimento.
4
Em 5 de dezembro de 2017 a Associação Internacional de Escolas Cristãs (ACSI) a Associa-
ção Brasileira de Instituições de Ensino Evangélicas (ABIEE), a Associação de Escolas Cristãs
de Educação por Princípios (AECEP) e a Associação Nacional de Escolas Batistas (ANEB) em

conjunto com a Associação Nacional de Juristas Evangélicos (ANAJURE) emitiram Nota Pú-
blica sobre a Base Nacional Comum Curricular. Disponível em:https://www.anajure.org.br/
nota-publica-sobre-a-base-nacional-comum-curricular-em-apoio-a-sua-terceira-versao-
-junto-ao-cne/
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Guilherme Panho
Mestre em Artes Visuais pelo Programa Associação de Pós-graduação em

Artes Visuais da Universidade Federal da Paraíba e Universidade Federal
de Pernambuco (PPGAV UFPB/UFPE). Especialista em Arte-educação pela
Universidade do Oeste de Santa Catarina (UNOESC). Licenciado em Artes
pela UNOESC. Desde 2005 atua como Professor de Arte na Educação Bási-
ca na rede pública de ensino. Atualmente integra o Grupo de Pesquisa em
Ensino de Artes Visuais (GPEAV), da UFPB. Contato: [email protected]
Maria Emilia Sardelich
Doutora em Educação, pela Universidade Federal da Bahia (UFBA). Pro-

fessora adjunta da Universidade Federal da Paraíba (UFPB)). Pesquisadora
permanente do Programa Associado de Pós-Graduação em Artes Visuais
da UFPB e Universidade Federal de Pernambuco (UFPE), Linha de pesqui-
sa: Processos Educacionais em Artes Visuais. Atua na área de Didática e
Ensino de Arte, cursos de Licenciatura, modalidades presencial e a distân-
cia. Contato: [email protected]

OBJETOS PARA O ENSINO DE ARTE:
REFLEXÕES A PARTIR DE TRÊS ESTUDOS
OBJECTS FOR TEACHING ART: REFLECTIONS FROM THREE STUDIES
Giovana Darolt Hillesheim / IFSC
Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva / UDESC
Rodrigo Montandon Born / UFRN
Introdução
Na condição de três estudos vinculados com o mesmo grupo de pesquisa,

partilhamos do referencial Sócio histórico, portanto os aspectos relativos
aos conteúdos de arte na escola ganham uma dimensão central. Para a
Pedagogia-Histórico crítica, segundo Saviani (1991) a tarefa pedagógica
diante da escola é identificar as formas mais elaboradas dos saberes pro-
duzidos pela humanidade, reconhecendo como foram produzidas, fato
que exige uma crítica aprofundada. Além disso, analisando como esses
saberes se manifestam e se colocam como tendências atuais de transfor-
mação de sua condição de opressão.
Outra tarefa que se impõe aos professores é a transformação dos
saberes objetivos em saberes escolares, aspecto este contemplado pelos

livros didáticos pensados como apoio ao ensino escolar principalmente
em realidades cujo único acesso imagético se dá pelo livro didático. O
autor ressalta a necessidade de ir além da assimilação dos conteúdos,
propõe que os estudantes “apreendam o processo de sua produção bem
como as tendências de sua transformação” (SAVIANI, 1991, p. 16).
Considerando os aspectos relativos ao ensino-aprendizagem pode-
mos dizer que o estudante possui quando chega na escola um conheci-
mento advindo do senso comum e que é papel da escola construir um
movimento que retire o estudante da condição sincrética da aprendiza-
gem, ou seja uma apreensão ainda não completa. É por meio da media-
ção profunda do professor que o estudante poderá elaborar uma síntese
mediada pela análise dos fenômenos educacionais. (MARSIGLIA, MAR-
TINS e LAVOURA, 2009).
Tendo em vista o cenário da escola pública, de pouca formação e
muita informação, a indústria cultural e o mercado de arte encontram na
escola uma camada destituída de princípios e aberta às pedagogias libe-
rais. Ressaltamos o estudo de Hillesheim (2018) que mostram o caminho
de um conjunto de artistas indicados pelo mercado de arte e sua pene-
tração na escola por meio dos diferentes materiais que o professor utiliza
para trabalhar, em especial o livro didático.
Outro estudo que ressaltamos neste artigo, Born (2018), analisa os li-
vros didáticos para o Ensino de Arte contemplados no edital do Programa
Nacional do Livro Didático (PNLD) entre os anos de 2015 e 2017. Em que
pese o enfraquecimento do programa no atual governo, reconhece-se
que este foi um programa de grande alcance que problematizou, analisou
e propôs livros didáticos para as escolas públicas brasileiras.
Finalmente os estudos do projeto de pesquisa “ Objeto de arte inte-
rativo: uma proposta de investigação sobre as possibilidades de produção
e uso de materiais educativos”1, vem ao longo de cinco anos investigando

materiais de apoio ao ensino-aprendizagem para pessoas com deficiên-
cia na escola e em instituições culturais.
Livros didáticos como espaços expositivos
A tese intitulada O livro didático de artes visuais como espaço expositivo:

contribuições para o debate sobre a alienação do objeto de arte” (2018)
traz uma reflexão acerca do conceito de espaço de arte2 em comparação
com os livros didáticos de Artes Visuais, buscando compreender, em um
contexto amplo, possíveis aproximações entre esses dois objetos. Assim,
o estudo investigou se os livros didáticos de Artes Visuais possuem seme-
lhanças e aproximações com os conceitos de acervo, curadoria e media-
ção educativa, buscando compreender, através de análises, se esses livros,
os quais circulam nas escolas públicas no Brasil, possuem aproximações
com o conceito de espaço de arte.
O estudo levantou os livros didáticos que circulam nas escolas pú-
blicas brasileiras, especificamente aqueles selecionados pelo (PNLD) nos
anos de 2015, 2016 e 2017, utilizando-se um modelo de instrumento de
pesquisa adaptado de Bellé (2012), pautado em uma pesquisa qualitativa,
empírica e descritiva, a fim de levantar e investigar aspectos e característi-
cas presentes nesses objetos, que poderiam aproximar-se do conceito de
espaço de arte, apontando possibilidades e caminhos para que os livros
didáticos fossem concebidos de tal forma.
O PNLD é o programa que determina a partir de uma rigorosa ava-
liação os livros disponíveis para a escola pública. Dessa forma, lidamos
de forma imediata com a realidade material acessada pelos professores
e estudantes. A partir dos resultados da pesquisa, portanto, é possível
pensar em estratégias que possam melhorar aspectos dos livros didáti-
cos de Artes Visuais.

O sistema do PNLD permite que as editoras submetam suas obras
para editais públicos, cujo processo é publicado no Diário Oficial da União.
Uma comissão avalia, dentro de cada área, as qualidades do livro didático
apresentado. Essa comissão é formada por universidades públicas federais,
sob a coordenação da Secretaria de Educação Básica (SEB/MEC). São sele-
cionados professores dos quadros da rede pública de ensino e das institui-
ções de educação superior – IES, com formação e experiência profissional
correspondente à área a ser avaliada. De acordo com o site do MEC (2017).
Essas avaliações, além de aprovarem as obras submetidas para aná-
lise, resultam em resenhas que apontam as características pedagógicas
de cada obra, incluindo seus pontos fortes e limitações. Dessa forma, o
professor de cada escola pode escolher entre as obras aprovadas, aquela
que ele julgar cumprir com mais precisão os objetivos de sua aula e do
projeto pedagógico da sua instituição.
A pesquisa escolheu os livros didáticos de arte aprovados pela PNLD
do ciclo 2015, 2016 e 2017 para garantir a abrangência entre séries iniciais
do ensino fundamental, séries finais do ensino fundamental, e ensino mé-
dio. Dessa forma, este levantamento permitiu uma avaliação geral do uso
dos livros didáticos nas escolas públicas brasileiras. Os livros selecionados
pelo PNLD de 2015 foram: 1) Arte em interação, da Editora IBEP, 1ª edi-
ção – 2013. 2) Por toda parte, da Editora FTD, 1ª edição – 2013. Os títulos
da PNLD de 2016 foram: 1) Ápis Arte, volume único, da Editora Ática, 1ª
edição – 2014, 2) Porta Aberta Arte, volume único, da Editora FTD, 1ª edi-
ção – 2014. 3) Projeto presente Arte, volume único, da Editora Moderna, 1ª
edição – 2014. Na PNLD de 2017, os livros selecionados foram: 1) Projeto
Mosaico – Arte, da Editora Scipione, 1ª edição – 2015. 2) Por toda Parte, da
Editora FDT, 1ª edição – 2015.
A abordagem de análise de materiais didáticos, em especial os li-
vros didáticos é um processo que envolve currículo escolar, seleção de

conteúdos e homogeneização de conteúdos. Na análise de livros didá-
ticos, estabelece-se uma contradição, de um lado a produção de um re-
corte curricular, muitas vezes focado na intencionalidade do autor, uma
produção pragmática que pelas normas e formatos não contém todas as
potencialidades da arte e de outro lado a certeza de que esse conjunto de
conteúdos propostas vão chegar a todos os rincões desse país de dimen-
sões continentais.
O livro didático, assim como materiais didáticos em geral, são objeto

de crítica, que não são recentes, seja pelo tratamento unidirecional
do conteúdo, pois não apresentam pontos de vista distintos; a me-
diação dos conteúdos por numerosos interesses; pela apresentação
de verdades certas e conhecimentos como algo acabado e sem pos-
sibilidade de questionamento; um currículo aparentemente univer-
sal e neutro; a ênfase em uma atitude passiva por parte do aluno; e
pelo uso implícito que induz, entre outras. (TEUBER, 2012, p. 2).
Como aponta a autora, é preciso superar os aspectos negativos as-

sociados ao material de artes visuais. Se esses aspectos negativos ficam
explícitos, sobretudo na disciplina de Arte, como encontrar as contradi-
ções causadas entre material didático e objeto das Artes Visuais a fim de
encontrar sua superação?
Nossos estudos sobre os livros didáticos para o ensino de arte con-
sideraram 4 diferentes aspectos e ao fim das análises buscamos eviden-
ciar possíveis aproximações entre os livros didáticos de Artes Visuais e
os espaços de arte. Foram analisados os aspectos gráficos e formais dos
livros didáticos; os autores responsáveis pelas obras; o “acervo” de obras
contidas nos livros; os aspectos pedagógicos, que em um espaço cultural
poderia ser entendido como mediação.

Em cada um destes aspectos analisados, o autor faz um levantamen-
to de informações que auxiliaram no processo de avaliação do livro. Con-
siderando o primeiro aspecto, dos elementos gráficos, o foco se deu nas
questões gráficas e dos elementos de impressão, referências centrais para
analisar obras impressas.
Uma característica que pôde ser observada já no primeiro contato
com os objetos de análise, foi que todos os livros possuem dimensões
idênticas (27,5 cm x 20,5 cm), ou seja, meio centímetro menor de largura
que uma folha de papel A4. Embora nenhum dos livros a que se teve aces-
so divulgue suas características gráficas, é possível observar que todos
são impressos com capa de maior gramatura (aproximadamente 120 g),
com laminação brilhante, não sendo capa dura, porém, possuindo resis-
tência satisfatória, com todas as páginas coloridas no padrão CMYK, em
processo de impressão offset, em papel off, com gramatura de aproxima-
damente 90 g, unidos pela lateral esquerda em brochura. A princípio, o
edital do PNDL não prevê uma especificidade a esses respeitos, embo-
ra atente para o controle de qualidade dos materiais e da impressão, de
modo similar aos processos de licitação pública, cujos editais indicam a
qualidade mínima exigida do material a ser oferecido.
Esta informação pode parecer menos relevante quando se pensa
em conjunto com questões pedagógicas ou de acervo, contudo, para
os artistas, os recursos gráficos disponíveis são cruciais na hora de pen-
sar suas produções. O segundo aspecto, selecionado pelo estudo foi a
análise da trajetória dos autores das obras, ressaltando os dados de for-
mação dos envolvidos na produção dos livros didáticos de artes visuais.
Conforme se pode ver no gráfico a seguir, apenas 17% possuíam forma-
ção em Artes Visuais.

Figura 1. Formação dos profissionais envolvidos com a criação de livros didáticos de
Artes Visuais, 2018. Fonte: (BORN, 2018).
Este pode ser um fator importante nesta análise, visto que as teorias
sobre o espaço de arte e o objeto da arte contemporânea, são comuns
aos cursos de formação de Artes Visuais.
O terceiro fator analisou a questão de acervo, os livros analisados
contavam apenas com reproduções de obras, ou obras originais, enquan-
to proposições artísticas planejadas e concebidas para o espaço do livro
didático, ou minimamente, enquanto obra passível de reprodutibilidade:
publicações de artistas, impressos, fotografias, proposições, em detrimen-
to de fotografias de pinturas, gravuras, esculturas.
Este dado talvez seja o mais relevante no contexto da pesquisa, visto
que encontrou em todos os livros analisados, apenas uma obra que se
encaixava nas características buscadas, como por exemplo: “O que é arte?
Para que serve?” de Paulo Brusky (1978) que pela característica que previa

o registro fotográfico como forma de veiculação de uma performance,
permitiu que a imagem apresentada no livro didático, fosse prevista pelo
artista como obra, e não como reprodução catalogada.
O quarto e último aspecto analisou se nas atividades dos livros didá-
ticos havia uma aproximação com as questões pedagógicas, entendidas
como mediação nos lugares de arte. Neste ponto, a análise mostrou que os
livros didáticos possuem caráter mediador de seus conteúdos e acervos, as-
sim como nos espaços de arte o que aparentemente é um avanço se com-
parado aos livros didáticos analisados nas décadas de 80 e 90 do século XX.
Aulas de arte e sua interface com o mercado de artes
A seleção de materiais didáticos utilizados pelos professores de arte para

preparar ou ministrar suas aulas junto à educação básica passa não so-
mente por livros didáticos, mas também por vídeos veiculados na inter-
net, catálogos de exposições, sites de museus, revistas, entre outros ma-
teriais discursivos que se retroalimentam e ajudam a compor a concepção
de arte que estudantes e professores constroem para si.
Apresenta-se a seguir, excertos da pesquisa realizada por (HIL-
LESHEIM, 2018) junto a um grupo de professores de Santa Catarina, mos-
trando que a mercantilização da arte está estreitamente ligada às con-
cepções cristalizadas e veiculadas em livros didáticos e reforçadas nos
demais materiais de consulta. Ao serem questionados sobre os materiais
utilizados no exercício da docência, 38 dos 55 professores participantes
da pesquisa citaram o livro didático como importante recurso pedagógi-
co; 29 dos 55 professores disseram usá-lo como fonte de consulta e outros
09 informaram que o utilizam frequentemente em suas aulas.
A pesquisa entre os professores buscava compreender quais são
e como se caracterizam os artistas contemporâneos mencionados nos

livros didáticos. A partir de contato junto às gerências regionais de educa-
ção, averiguou-se quais livros didáticos foram amplamente adotados nas
escolas públicas em 2017. Entre eles: Coleção Arte/ Ensino Fundamental,
de Pougy. Editora Ática. PNLD 2016-2017-2018 e Por Toda Parte/ Volume
Único/ Ensino Médio, de Utuari, Libâneo, Sardo e Ferrari. Editora FTD.
PNLD 2015-2016-2017.
A pesquisa analisou os livros acima em relação às reproduções de
obras de arte que figuravam em suas páginas, mapeando título das obras,
autoria, ano e técnica utilizada pelo artista. Em seguida, investigou a na-
cionalidade e o local de trabalho destes artistas. Entre os 06 exemplares
(05 da coleção de ensino fundamental e 01 correspondente ao livro de
ensino médio) foram contabilizados 108 diferentes artistas categorizados
como contemporâneos. Entre estes artistas, 57 brasileiros e 51 estrangei-
ros. No grupo dos brasileiros, 29 residiam/trabalhavam no estado de São
Paulo, 14 no estado do Rio de Janeiro e os demais artistas em outros esta-
dos da federação (06 em Pernambuco, 02 em Minas Gerais, 02 no Paraná,
02 no Rio Grande do Sul, 01 no Amazonas e 01 no Distrito Federal).
Os artistas brasileiros mais citados (com três ou mais imagens) fo-
ram: Hélio Oiticica, Maria Bonomi, Adriana Varejão, Alex Flemming, Paulo
Bruscky e Cildo Meireles. O artista brasileiro Vik Muniz foi amplamente ci-
tado (12 imagens), porém a pesquisa o categorizou no segundo grupo, rol
dos 51 artistas estrangeiros, pelo fato do artista ser radicado e trabalhar
nos Estados Unidos. Neste segundo grupo, 16 artistas residiam/trabalha-
vam nos Estados Unidos da América, 11 no Reino Unido e 24 em outros
países (05 franceses, 04 argentinos, 03 italianos, 02 alemães, 02 belgas,
02 venezuelanos, 01 canadense, 01 chinês, 01 cubano, 01 mexicano, 01
neozelandês e 01 suiço).
A pesquisa analisou ainda diversos outros materiais didáticos ou pa-
radidáticos citados pelos professores (DVDTeca Arte na Escola, Cadernos

Universitários de Licenciatura na modalidade EAD, sites dedicados à arte,
entre outros materiais citados pelos professores como fontes de apoio na
preparação das aulas), sempre buscando saber quais eram os artistas con-
temporâneos referendados e seus respectivos locais de trabalho.
ARTISTAS CONTEMPORÂNEOS NOS LIVROS DIDÁTICOS
Artistas brasileiros 57 Ênfase no Rio de Janeiro e São Paulo
Ênfase nos Estados Unidos e Reino

Artistas estrangeiros 51
Unido
ARTISTAS CONTEMPORÂNEOS NA DVDTECA ARTE NA ESCOLA
Artistas estrangeiros 07 Ênfase nos Estados Unidos
ARTISTAS CONTEMPORÂNEOS NOS CADERNOS DE ESTUDO DA

LICENCIATURA EM ARTES VISUAIS UNIASSELVI
ARTISTAS CONTEMPORÂNEOS CITADOS

PELOS PROFESSORES ENTREVISTADOS
Tabela construída a partir da pesquisa de Hillesheim, 2018.

Entre as constatações da pesquisa, há confirmação de que obras de
arte contemporânea são citadas nos livros didáticos em quantidade bem
inferior às obras clássicas. O livro Por Toda Parte, por exemplo, trazia 48
reproduções de obras contemporâneas de 39 diferentes artistas e 103
obras clássicas. As obras de artistas contemporâneos residentes no Brasil
superaram em número ligeiramente as obras de artistas estrangeiros. O
mesmo dado geográfico, porém, não acontece em relação ao grupo das
obras clássicas, uma vez em que das 103 imagens, 95 eram de autoria de
autores estrangeiros e apenas 08 pertenciam a artistas brasileiros, sendo
todos eles modernistas.
Os dados evidenciam a influência da nacionalidade do artista em
seu reconhecimento social e o consequente movimento migratório, ca-
racterística específica do mercado de arte apontada por Quemin (2013)
que é reproduzida nos livros didáticos de arte. A lista dos artistas mais
bem-sucedidos no mercado de arte apontada por Quemin em muito se
assemelha à lista dos artistas contemplados nos livros didáticos brasilei-
ros. O pesquisador destaca que os cinco artistas brasileiros valorizados
no mercado de arte são Tunga, Ernesto Neto, Vik Muniz, Beatriz Milhazes
e Adriana Varejão. Todos figuraram nos livros didáticos analisados, princi-
palmente Vik Muniz e Adriana Varejão.
Objetos de acesso à aprendizagem de arte
Pode-se dizer que o capitalismo é hostil à arte, ao menos a arte que se

quer crítica e reflexiva. Ao mesmo tempo a escola é de modo geral o único
espaço de acesso ao conhecimento historicamente acumulado para as
camadas empobrecidas que precisam, segundo Saviani (2012) dominar o
conhecimento das elites de um modo crítico, para transformarem sua re-
alidade e sair da condição de dominado. Se há uma camada socialmente

excluída, há grupos duplamente excluídos, entre eles destacamos as pes-
soas com deficiência. Estas, além da exclusão econômica vivenciam dia-
riamente outras barreiras, como as impostas para a aprendizagem pela
falta de acessibilidade nas escolas.
O grupo de pesquisa envolve-se a cerca de quinze anos com os estu-
dos que tomam como reflexão as problemáticas do acesso ao Ensino de
Arte por pessoas com deficiência, investigando suas condições e propon-
do ações que ampliem e qualificam as formas mais elevadas de acesso
aos saberes, também para as pessoas com deficiência. Destacam-se algu-
mas referências produzidas pelo grupo de pesquisa (FONSECA da SILVA,
M. C. R.; AZEVEDO, I. G. ; ROCHA, S. C.. 2011); (FONSECA DA SILVA, 2018);
(FONSECA DA SILVA, 2013). A análise e produção de materiais didáticos
e a sua utilização por professores de artes visuais são um dos elementos
centrais nas discussões do Grupo de Estudo.
Entre os anos de 2008 e 2010 foi desenvolvido um projeto de pes-
quisa que pretendeu produzir materiais para o Ensino de Arte na escola.
O mesmo partiu de experiência existentes na Pinacoteca do Estado de
São Paulo, em especial os estudos de Amanda Tojal (2009) e procuramos
ao longo dos anos ampliar o referencial para atingir os conteúdos de arte
contemporânea superando o viés modernista dos projetos existentes.
Desenvolveram-se oficinas cujo público envolvia crianças com deficiên-
cia e crianças comuns. A chave da proposta de investigação era a criação
de materiais que atendessem aos dois grupos de forma semelhante, isto
é, que crianças com deficiência e crianças comuns pudessem aprender
com apoio de materiais didáticos. Esta experiência foi relatada no livro
(FONSECA DA SILVA, MENDES e SHAMBECK, 2012).
Além desse estudo, o grupo investiu na produção de materiais di-
dáticos, chamados de Objetos Pedagógicos, enfatizando as característi-
cas que ampliam a ideia de um jogo, ou mesmo de um material fechado

como um encarte, por exemplo. As propostas apresentadas no livro Fon-
seca da Silva (2018) buscaram ampliar as experiências de acesso a arte
para públicos com deficiência em dois espaços culturais públicos de arte.
Este estudo foi relatado por Gil (2013). que descreveu como a pesquisa
ampliou as possibilidades de inserção de públicos cegos no sistema cul-
tural da cidade, pois, como os participantes apresentaram em seus depoi-
mentos, as pessoas não se viam pertencentes aquela realidade, significa-
vam o museu com espaço pertencente aos videntes.
As pesquisas que desenvolvem objetos de arte dentro das universida-
des públicas apresentam dificuldades de se adequar ao sistema de planeja-
mento e organização a priori como preveem os processos licitatórios. Essas
dificuldades estimularam o grupo de pesquisa a criar um coletivo artístico
que impulsionou a produção de exposições voltadas aos públicos com de-
ficiência. Essas experiências como mostram a figura 2 e figura 3 criam espa-
ços significativos para que o professor de arte insira os estudantes com de-
ficiência e todos os demais em uma única oportunidade de aprendizagem.
Figura 2. Confecção da Instalação Sonhos, 2016. Fotografia.

Acervo do Grupo de Pesquisa.

Figura 3. Exposição “Sem se ver”. 2016, Marque.
Fotografia. Acervo do Grupo de Pesquisa.
A relação escolas-espaços cultural é bastante produtiva pois opor-

tuniza aos estudantes um contato direto com objetos artísticos, também
com os conceitos presentes no sistema das artes, inclusive as várias tipo-
logias museais.
Finalmente os estudos atuais vêm produzindo objetos pedagógicos
para uma brinquedoteca sediada no museu Histórico de Santa Catarina -
MHSC cujo espaço atende crianças pequenas. Além dessa vinculação com
as crianças, o projeto propicia formação continuada para professores de ar-
tes, ampliando as possibilidades de estudos e propostas de aplicação dos
materiais produzidos em diferentes espaços culturais do estado. Essas di-
nâmicas de pesquisa aplicada contribuem para a inserção das produções
de objetos pedagógicos nos espaços e nas escolas, fortalecendo assim uma
troca mais efetiva entre as duas instituições colaborando não só para a
aprendizagem de crianças com deficiência, mas para todas as outras.

Observa-se que os objetos para o ensino de arte extrapolam o univer-

so metodológico e dizem respeito ao conceito de arte disseminado no
ambiente escolar. Todavia, observa-se forte influência do capital sobre
os mesmos, arbitrando não somente nas questões de acesso à arte, mas
também em relação ao redirecionamento do conceito de arte, à repercus-
são e ao reconhecimento social dos artistas.
Os estudos do grupo de pesquisa mostraram que os livros de arte têm
papel importante como objetos de ensino, uma vez que chegam a um nú-
mero grande de estudantes em um país com pouco investimento educa-
cional. Lamenta-se que os livros não sejam construídos sob a premissa de
possível lugar de arte, em que o miolo do livro poderia ser entendido como
espaço de exposição, visto que os atuais livros não possuem obra de arte
em seu interior, e nem problematiza e subverte o acervo de reproduções
que possui. Embora em termos de qualidade de impressão e mediação, o
livro didático tenha todos os recursos necessários para atingir este poten-
cial, ele ainda é pouco flexível, pois está entrelaçado com um formato muito
engessado. Há trabalhos artísticos que facilmente poderiam ser utilizados
como obras e proposições originais dentro de um livro didático, fato que
leva à sugestão de que futuramente aspectos de curadoria e exposição se-
jam adotadas nos livros didáticos, abrindo editais para artistas produzirem
obras enquanto site-specific em parceria com professores.
Em contrapartida, constatou-se que o critério para o reconhecimen-
to social de um artista e sua inserção nos livros didáticos está estreitamen-
te atrelado a sua adequação ao mercado de arte e que, em linhas gerais,
os objetos destinados ao ensino de arte no Brasil não são plurais, nem in-
clusivos, deixando a desejar no quesito formato, conceito e acessibilidade.

Notas
1
O projeto é vinculado ao Departamento de Artes Visuais da UDESC, coordenado por Maria
Cristina da Rosa Fonseca da Silva.
2
O conceito de espaço de arte historicamente, se desenvolveu desde as coleções de arte,
do cubo branco (espaços que pretendem separar o mundo exterior do acervo), até os luga-
res específicos de arte, espaços que dialogam diretamente na construção do conceito de
uma obra. Hoje não é simples delimitar o que pode ou não ser um lugar de arte, bastando
intencionalidade e a construção de uma problemática para trazer aspectos do lugar de
arte. Enquanto espaço institucionalizado, normalmente os lugares de arte pressupõe acer-
vo, curadoria, exposição e mediação.
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Giovana Bianca Darolt Hillesheim
Doutora em Artes Visuais pela UDESC. Membro do grupo de pesquisa

“Arte e Formação nos processos políticos contemporâneos”- CNPq/UDESC
e do Observatório da Formação de Professores no âmbito do Ensino de
Arte: estudos comparados entre Brasil e Argentina - (OFPEA/BRA-ARG).
Professora efetiva do Instituto Federal de Santa Catarina-IFSC e professora
colaboradora do Mestrado Profissional em Artes (PROF-Artes) na UDESC.
Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva
É professora titular da UDESC, professora do PPGAV, PPGE e PROFARTES

da instituição. É Coordenadora do Laboratório Interdisciplinar de Forma-
ção de Educadores - LIFE e do grupo de pesquisa Arte e Formação nos
Processos Políticos Contemporâneos. Coordena o Projeto bilateral inti-
tulado: Observatório da Formação de Professores no âmbito do Ensino
de Arte: estudos comparados entre Brasil e Argentina - (OFPEA/BRARG).
Atualmente é diretora Geral do Centro de Artes da UDESC. Contato: cris-
[email protected].
Rodrigo Montandon Born
É professor adjunto no curso de Artes Visuais da UFRN, vinculado ao

Profartes (Mestrado Profissional em Artes). É licenciado em Artes Visuais

(2012), com doutorado em Artes Visuais na linha de Ensino (2018) pelo
PPGAV UDESC. É coordenador do projeto de extensão CUCA HQ (Clube
Universitário de Criação e Análise de Histórias em Quadrinhos) e desen-
volve pesquisas nas áreas de: Desenho, Histórias em Quadrinhos, Escultu-
ra em Oil Clay, Computação gráfica, Espaços expositivos. rodrigo.born@
hotmail.com

CONTRIBUIÇÕES DE GYORGY LUKACS E
THEODOR ADORNO AO PENSAMENTO
ESTÉTICO SOBRE ARTE E EDUCAÇÃO:
DISSÔNANCIAS A PARTIR DO
MATERIALISMO HISTÓRICO-DIALETICO
CONTRIBUTIONS OF GYORGY LUKACS AND THEODOR ADORNO

TO THE AESTHETIC DISCUSSION ABOUT ART AND EDUCATION: DISSONANCES
FROM THE HISTORICAL-DIALECTICAL MATERIALISM
Bruna Donato Reche / IFC
Vinicius Luge Oliveira / UFR
Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva / UDESC
Introdução
Em A Ideologia Alemã, Marx e Engels descrevem a essência do pensa-

mento materialista histórico-dialético sobre o modo como nos tornamos
humanos. A humanidade distingue-se dos demais animais pelo ato do

trabalho, que possibilita a produção dos meios existência, da vida mate-
rial. A produção material dos modos de sobrevivência resulta aos seres
humanos um conjunto de formas de ser e pensar diante do ato de pro-
duzir, de se relacionar com o produto e com os demais homens, logo, o
autores destacam: “[...] partimos dos homens em sua atividade real, é a
partir de seu processo de vida real que representamos também o desen-
volvimento dos reflexos e das repercussões ideológicas desse processo
vital” (MARX; ENGELS, 1998, p. 19).
O homem é um ser social porque se faz com meios construídos so-
cialmente “[...] a minha própria existência é atividade social” (MARX, 2008, p.
107), construída na relação com o outro. Nesse sentido, se “[...]. O elemento
do próprio pensar, o elemento da externação de vida do pensamento, a lin-
guagem, é de natureza sensível” (MARX, 2008, p. 112 – destaque do autor),
os sentidos humanos – ouvir, ver, falar, sentir e outros mais dos quais a ci-
ência ainda há de descobrir do homem onilaterial, “[...]. Pois não só os cinco
sentidos, mas também os assim chamados sentidos espirituais, os sentidos
práticos [...], numa palavra o sentido humano, a humanidade dos sentidos”
(MARX, 2008, p. 110) – potencialmente, desenvolvem-se em forças essen-
cialmente humanas e, para além, objetivam-se, por meio do pensamento.
Nesse sentido, “[...] a apropriação sensível por e pelo homem da essên-
cia e da vida humanas, das obras humanas, não será concebida somente
no sentido do gozo imediato, exclusivo, no sentido da possessão, do ter”
(MARX; ENGELS, 2004, p. 41), ao contrário, se apropria por meio do desen-
volvimento de suas potencialidades objetivadas a alcançar o homem total,
o homem omnilateral, que é social, pois “[...] todos os órgãos de sua indivi-
dualidade, como os órgãos que são imediatamente comunitários em sua
forma são, em seu comportamento objetivo, em seu comportamento des-
de o objeto, a apropriação dele” (MARX; ENGELS, 2004, p. 41). Portanto, ao
criar condições objetivas do cultivo da sensibilidade humana subjetiva, o

ser humano cria, também, meios de viver a riqueza plena da essência hu-
mana e material.
Os estudos acerca do campo das Artes Visuais e o marxismo rea-
lizados em um Grupo de Pesquisa sobre Arte e Formação Docente nos
Processos Políticos Contemporâneos, vinculado a uma universidade es-
tadual, criam uma ramificação de interesses em autores marxistas mui-
to plural, que tem na produção da Pedagogia Histórico-Crítica o centro
articulador. Essa condição origina esse texto que propõe apresentar ao
leitor e leitora uma introdução em dois autores que, embora distintos, são
importantes na tradição marxista.
A Pedagogia Histórico-Crítica compreende a educação como pro-
cesso dinâmico de transformação, por meio da “dialética do movimento
real” (SAVIANI, 2011 p. 120), procurando desvelar “[...] desde a forma como
são produzidas as relações sociais e suas condições de existência até a
inserção da educação nesse processo” (idem). Trata-se, portanto, de co-
nhecer a realidade concreta, muito além de como ela se apresenta, por
meio de reflexões e abstrações.
Ao enfatizar a sociedade capitalista, ressalta-se as influências que
ela desempenha nos modos da educação e arte, sobretudo no que tan-
ge aos conceitos de estética. Partimos do pressuposto que, concordando
com Oldrini (2019), a diversidade de abordagens sobre a arte, ou qual-
quer outro complexo da realidade objetiva, não enfraquece a relação
do marxismo com o objeto de estudo específico, no nosso caso as artes,
mas pelo contrário, a diversidade de olhares não suprime a coisa em si,
mas a fortalece. E buscamos aqui introduzir dois autores decorrentes da
concepção materialista da existência humana, apontando em cada caso,
desdobramentos para o ensino de Arte. São eles Adorno e Lukács. Não va-
mos entrar no debate entre os pensadores que se materializou nos textos
“Uma reconciliação extorquida” de Adorno, em 1958 e a breve resposta

de Lukács no prefácio do livro “Teoria do Romance”, em 1962. O que nos
interessa aqui é tão somente apresentar os autores, linhas gerais do seu
pensamento e como podem ser articulados na educação e no ensino da
arte em específico.
Apresentam-se duas perspectivas estéticas ramificadas do pen-
samento materialista-dialético de Marx e Engels, mas que se divergem
quanto às proposições, a partir das obras Introdução a uma Estética Mar-
xista, de 1956 e Estética, de 1963, de Gyorgy Lukács e Teoria Estética, de
1970, de Theodor Adorno. Se, para Lukács, a arte tem a função de diri-
mir conflitos sociais e, em uma perspectiva ontológica, é um reflexo da
realidade objetiva que em suas grandes expressões conecta o indivíduo
singular às grandes questões do gênero, para Adorno, a arte é um ser-
-em-si que, se valendo da violência, do feio e do bruto, refletem o mundo
administrado e expressam a real necessidade de mudança do mundo ca-
pitalista, por meio do esclarecimento.
Contribuições de Gyorgy Lukács ao pensamento estético

sobre arte e educação
A trajetória intelectual de Lukács é um desafio para seus estudiosos, teve

uma fase kantiana, depois uma influência hegeliana, até que chegou ao
marxismo, em meados de 1919. Chegando ao marxismo percorre um lon-
go caminho até a escrita de seus textos principais. Caminho que o próprio
busca esclarecer, quando aponta limites de muitos textos, seja na própria
crítica de “História e Consciência de Classes” ou, por exemplo, no já referi-
do prefácio ao livro “Teoria do Romance”, escrito em 1962:
Se hoje, portanto, alguém lê A Teoria do Romance para conhecer

mais de perto a pré-história das ideologias relevantes nos anos vinte

e trinta, pode tirar proveito de tal leitura crítica. Mas se tomar o livro
na mão para orientar-se, o resultado só poderá ser uma desorienta-
ção ainda maior. (LUKÁCS, 2000, p.19)
Tomaremos como referência os escritos de sua fase final o livro In-

trodução a uma Estética Marxista, de 1957 e sua Estética, de 1963. Nesses
textos, Lukács aponta que a arte é um reflexo da realidade objetiva que
a humanidade desenvolveu ao longo de sua história. Não é de nenhuma
maneira uma característica supra histórica da humanidade. Como base
para seu argumento, apresenta uma série de estudos antropológicos e
históricos dos milênios que a humanidade precisou para desenvolver
características hoje comuns. Esse desenvolvimento teve nas necessida-
des cotidianas seu germe e serve para enriquecer a atuação humana na
própria cotidianidade. A humanidade teve que criar reflexos, que não são
cópias fotográficas, mas elaborações na consciência da realidade objeti-
va que existe independente da consciência dos indivíduos. Esses reflexos,
com o desenvolvimento humano se complexizaram e se autonomizaram
com o passar dos tempos, podemos pensar no longo caminho para a au-
tonomização do reflexo científico e mesmo a autonomia do reflexo artís-
tico de formas mágicas e religiosas. Nessa questão é importante salientar
que autores que não são marxistas, como Belting (2012) também se apro-
ximam dessa perspectiva, no que tange à autonomia da arte.
Essa forma peculiar de conhecer o mundo (LUKÁCS, 1966), ocorre
na arte por nela haver uma síntese entre a singularidade de cada artista
à universalidade, no gênero humano, das questões abordadas. As obras
de Leonilson, Oiticia, Picasso, Berna Reale evocam afetos pela síntese das
questões universais ao gênero humano que se articulam pelas singulari-
dades subjetivas de cada artista. Essa evocação de afetos, sentimentos,
sensações, que em Lukács é a mimese (muito diferente de uma cópia idên-
tica) possibilita que o indivíduo ao se relacionar com uma determinada

obra de arte entre em contato com as grandes questões do gênero hu-
mano, tenha uma suspensão da relação cotidiana imediata com as coisas
e consigo e enriqueça-se enquanto ser humano. Difícil não perceber a
mimese, nesse pequeno trecho de Antígona, ou em outras palavras, difícil
esse trecho não evocar nada em nossa quadra histórica:
ANTÍGONA – Não é bem o que pensam os cidadãos de Argos. Não

se consideram “o lado errado”, nem se sentem derrotados. Afirmam
que usas o cadáver para aterrorizar os que poderiam passar para o
lado deles.
CREONTE – Além de tudo andas ouvindo o inimigo?
ANTÍGONA – O povo fala. Por mais que os tiranos sejam afeitos a um

povo mudo, o povo sempre fala. Fala sussurrando, amedrontado, à
meia luz, mas fala... (SÓFOCLES, 2003, p.98)
Essa capacidade de realização do efeito estético, pela catarse, mes-

mo em um texto de 444 a.C. é que faz com que a arte possa ser política.
Não porque a temática em si do trabalho seja alguma temática que se
convencionou a chamar de política, mas por colocar em contato o indiví-
duo com o gênero humano (LUKÁCS, 2018), enriquecendo o mesmo em
possibilidades de atuar na vida cotidiana.
Ainda que seja uma apresentação muito sintética das ideias do au-
tor, elas já trazem elementos para pensarmos o ensino de Arte:
- O reflexo artístico pode permitir um contato com as grandes ques-
tões do gênero humano, a partir da mimese (evocação);
- Essa evocação possibilita a catarse, que tem um caráter desfetichi-
zante pelo efeito estético;

- A arte será tão mais política, quanto mais sua eficácia estética ocor-
rer na relação entre indivíduo e obra;
A partir desses elementos muito iniciais e superficiais da estética
Lukasciana podemos concluir que a importância do componente curricu-
lar Arte na escola é fundamental para a desfetichização do pensamento
cotidiano e por isso a defesa da escola enquanto lugar onde deve ocorrer
a transmissão-assimilação de conhecimentos (SAVIANI, 2011). Que o com-
ponente curricular Arte, mesmo nos limites concretos da prática docente,
nos marcos do capitalismo contemporâneo (pouca carga horária, muitas
turmas, difícil acesso à obras etc), não pode deixar de lado a visão de tota-
lidade que envolve a arte, sua história, condições de produção e acesso e
principalmente a experiência artística enquanto reflexo que desfetichiza
o pensamento imediato do reflexo cotidiano. Se pensarmos que a ciência
, a filosofia e a arte são reflexos que fazem a humanidade conhecer mais
a natureza, a si e as razões do porquê as coisas estão assim e não de ou-
tra forma, não é difícil entender as razões que o capital tem de não pode
conviver com aqueles reflexos que permitam desfetichizar a sociabilidade
(Ciências Sociais, Filosofia e Arte) e sua permanente luta por excluí-los do
acesso de todos e todas na escola. Por isso que o ensino de maneira geral
e o da Arte em específico, precisa estar articulado com uma estratégia
geral de superação do capital.
Contribuições de Theodor Adorno ao pensamento

estético sobre arte e educação
Obra não finalizada por Adorno, foi publicada em 1970 em Frankfurt sob
o título Aesthetische Theorie, um ano após a sua morte. A edição estuda-
da é de 2018, traduzida para o português de Portugal por Artur Morão,
professor de Filosofia da Universidade Católica de Portugal e publicada

pela Editora70 de Lisboa. Com ou sem a intenção, apresenta excertos em
um texto único e corrido ao longo de 392 páginas, mais 149 páginas de
pequenos fragmentos sobre arte e estética, que requerem uma leitura
prévia sobre o posicionamento de Adorno sobre a sociedade, especial-
mente sobre a barbárie e o mundo administrado, que é a metamorfose
do capitalismo fundamentado na racionalidade tecnológica e na Indús-
tria Cultural (ADORNO, 2009).
Em Teoria Estética, Adorno renuncia a história da arte como conse-
quência à história da humanidade, contrapõe pressupostos de Rousseau
sobre o belo e sua relação com a natureza, Kant e Hegel em suas filosofias
da arte e da estética, aponta os limites da teoria de Benjamin sobre a arte
na era da reprodutibilidade técnica em relação à racionalidade estética.
Ao constatar os anos de misticismo em relação à obra de arte, recorrendo
à origem da aura do objeto artístico, denota a apropriação e permanência
do fetiche pela burguesia na arte, preconizado em estéticas dos estilos,
das formas e das técnicas, do virtuosismo e, por contradição, da alienação.
Em seu entendimento sobre história da arte, portanto, a história da
humanidade aparece e engendra-se com ela como consequência das for-
ças produtivas materiais. A arte é, “[...] ao mesmo tempo processo e ins-
tante” (ADORNO, 2018 p. 157) e, sendo assim, a verdadeira obra de arte,
para Adorno, possui partes enquanto centros de forças que tendem para
o todo, compondo um todo dual, antagônico da realidade material e da
possibilidade de ser. Enquanto elemento distinto da realidade empírica,
a arte está entre a autonomia, um eterno devir, “[...] a sua unidade é mo-
mento e não a fórmula mágica do todo” (ADORNO, 2018 p. 268) e fato so-
cial, uma necessidade social manifesta, mediante “[...] o modo da sua pro-
dução, em que se concentra a dialética das forças produtivas, das relações
de produção, [e] pela origem social do seu conteúdo temático” (ADORNO,
2018 p. 340 – destaque da pesquisadora).

No entanto, na sociedade administrada, ser um fato social é ser pa-
ra-outra-coisa – mercadoria – tendo nas instituições burguesas – tal como
a indústria cultural –, precipuamente, meios de concessão. É assim que se
estabelece a relação funcional com a obra, com fins a serem desvendados
pelo espectador que, “[...] faz um contrato com a obra de arte, para que
ela se exprima” (ADORNO, 2018, p. 401). Por outro lado, no entendimento
de que a força produtiva pura é contrária à força produtiva acorrentada,
“[...]. A arte só se mantém em vida através da sua força de resistência; se-
não se reifica, torna-se mercadoria” (ADORNO, 2018, p.341). Deste ponto,
a nova obra de arte, enquanto fato social, “[...]. Torna-se antes social atra-
vés da posição antagonista que adota perante a sociedade e [...] critica a
sociedade pela sua simples existência [...] é a negação determinada da
sociedade determinada” (ADORNO, 2018, p. 340) e, por isso, utiliza-se dos
aspectos de violência, do feio, do bruto, do escuro e da ausência de forma,
como elementos recolhidos do mundo material a lhe compor, enquanto
obra, resultado do processo dialético de significação do contexto social,
no rompimento com a ordem, forma, técnica e com a herança estética
vinculada à arte enquanto história, expressão da contradição do mundo
administrado, no movimento da autonomia. Ao contrário, “[...]. Quanto
mais o trabalho social contido na obra de arte se objetiva e plenamente se
organiza, tanto mais ela soa a oco e se torna estranha a si mesma” (ADOR-
NO, 2018, p. 157). O produto da imaginação suscitado pela obra, portanto,
pode ser imaginado na imprecisão.
A priori, Adorno (2018) critica o modo como a Estética, campo filosó-
fico que argumenta sobre princípios e valores sociais, por meio das inova-
ções e aprimoramentos técnicos do campo produtivo, aderidos à arte, se
desenvolveu ao longo dos anos atrelados à história da arte, e também à
história dos valores aristocráticos e depois burgueses, enquanto evolução
dos princípios de materiais, forma e procedimentos – “[...]. A definir a arte
apenas se atreveram de modo simples os sistemas filosóficos disponíveis,

que reservaram um nicho para todos os fenômenos” (ADORNO, 2018, p.
271). Sempre tendo como premissa o movimento histórico-dialético da
obra de arte, ao longo do texto, o autor aponta a importância da obra,
enquanto artefato, ao movimento dialético de criação de uma linguagem
e mundo próprio artístico.
Somente quando a arte reflete o tolhimento social do contexto que
lhe gera, por meio da violência, do bruto, do feio e do abstrato, como
exemplos citados por Adorno (2018), ela torna-se um ser-em-si. Nas pala-
vras do autor, ao reverberar os constrangimentos sociais que está impli-
cada, e por isso, “[...] libertando assim o horizonte da reconciliação, ela é
espiritualizada; mas esta pressupõe a separação do trabalho manual e do
trabalho intelectual. Só pela espiritualização, não mediante o seu caráter
natural petrificado, rompem as obras de arte a rede da dominação da na-
tureza e a esta se conformam” (p. 416). Portanto, se “[...]. Se for absolutiza-
da, a análise imanente [da obra de arte] torna-se presa da ideologia contra
a qual ela [a obra] lutava” (ADORNO, 2018, p. 273).
O feio na arte, para Adorno (2018), denuncia o mundo que o cria
e se reproduz à sua imagem, enquanto expressão estética irreconciliá-
vel à subjetividade que é facilmente envolvida pela dominação do belo.
Como consequência, perpetua a dominação humana sobre a natureza e
demais homens, como força de sedução. O feio, portanto, além de refle-
tir o mundo administrado, reflete a posição do oprimido e permite-lhe o
esclarecimento:
Na medida em que a arte, mediante as suas formas autônomas,

denuncia a dominação, mesmo a que está sublimada em princípio
espiritual, e dá testemunho do que tal dominação reprime e nega.
[...] Poderosos valores estéticos são libertos pelo socialmente feio: a
tristeza inimaginável. [...] O veredicto estético do feio apoia-se na ten-
dência psicológico-social verificada para equiparar o feio à expressão
do sofrimento. (ADORNO, 2018 p. 82)

A arte é “[...] objetivamente práxis enquanto formação da consciên-
cia; ela, porém, só se torna tal ao não impor nada” (ADORNO, 2018, p. 366).
Decorrente disso que a beleza, a sutileza, a identificação sublime com a
obra de arte que suscita os valores nobres e incorruptíveis do indivíduo
burguês conduz à alienação.
Para uma estética não subjugada ao mundo administrado, é preciso
erigir-se com vistas à libertação de conceitos racionalizados, com vistas
à libertação do próprio homem, de suas potencialidades, que tem tam-
bém vistas à onilateralidade do mundo: “[...]. A interação do universal e
do particular, que se produz inconscientemente nas obras de arte e que a
estética tem de elevar à consciência, é a verdadeira necessidade de uma
concepção dialética de arte” (ADORNO, 2018, p. 274).
Obra é o que diferencia de artefato por despertar emoções subjetivas.
Esteve sempre atrelada à aura, ao objeto de culto, ao impulso mimético dos
valores aristocráticos, ao idealismo sociocultural e, cuja estética tradicional,
ocupou-se de contar a história diante de seus preceitos virtuosos. A obra
sempre esteve atrelada e isso pressupõe sua privação de liberdade.
Arte é o clamor da onipotência enquanto manifestação humana.
Tem linguagem própria, que é inteligível ao mundo sempre administra-
do, é a fagulha da humanidade. Portanto não é decifrável aos olhos da
alienação e nem pretende ser. A arte indecifrável não é utilitária, mas um
convite atrativo ao ser humano conectar-se com suas potencialidades e
transformar o mundo também em onipotente, que é diferente de barbá-
rico e todas as violências que tolhem o ser humano em sua essência.
O conteúdo da verdade da obra de arte, mencionada constante-
mente por Adorno, é o próprio movimento dialético que a obra propõe
em antítese ao mundo real e por esse motivo, é também histórica que,
por sua vez, difere-se da história da arte enredada pelos valores aristocrá-
ticos/burgueses incumbidos pela estética tradicional.

CONSIDERAÇÕES FINAIS
A perspectiva materialista-dialética concebe o homem como o resultado

da relação com o meio e com seus demais. Ao aprender a humanidade,
também desenvolve seus sentidos e potencialidades, de modo a cons-
truir modos de se organizar e de se expressar. A arte é uma dessas mani-
festações intrínsecas à humanidade e as formas pelas quais essa expres-
são se materializa é organizada pela Estética, campo ontofilosófico que
visa categorizar os sentidos e valores ao conteúdo e forma manifestada
artisticamente pelo homem ao longo da humanidade.
O Grupo de Pesquisa sobre Arte e Formação Docentes a qual os au-
tores estão vinculados, estuda e debate sobre as várias perspectivas esté-
ticas e artísticas apresentadas por autores de base marxista e nesse artigo
pudemos pontuar perspectivas de Gyorgy Lukács e Theodor Adorno, ain-
da que brevemente e sob o risco de ter deixado de apontar outros impor-
tantes fundamentos ao entendimento dos autores, diante da extensão e
complexidade de raciocínio e aprofundamento de suas obras, que, apesar
do materialismo sempre presente, concebem a estética e a arte de modo
muito particular.
Evitando entrar nesse texto em questões específicas sobre as di-
vergências que existem entre os autores, buscamos propiciar ao leitor
ou leitora elementos para que possa aprofundar os estudos dentro do
marxismo sobre a arte e a educação. Tanto Lukács como Adorno, além
dos escritos do próprio Marx, podem contribuir para a compreensão do
atual estado de coisas na educação escolar e apontar possibilidades de
resistência e superação.

Referências
ADORNO, Theodor. Dialética negativa. Rio de Janeiro, Zahar, 2009.
______. Teoria Estética. Lisboa: Editora 70, 2012.
BELTING, Hans. Imagen y Culto: Una historia de la imagen anterior a la era del
arte. Madrid: Ediciones Akal, 2012.
LUKÁCS, Georg. Estética: la Peculiaridad de lo Estético. Vol. 1:

Questiones Preliminares y de Principio. Barcelona: Grijalbo, 1966.
_____________. Introdução a uma estética marxista: Sobre a Particularidade

como Categoria da Estética. Maceió: Coletivo Veredas, 2019.
LUKÁCS, Gyorgy. A Teoria do Romance: um ensaio histórico-filosófico sobre

as formas da grande épica. São Paulo: Duas Cidades, 2000.
MARX, Karl. Contribuição à crítica da economia política. São Paulo:

Expressão Popular, 2008.
______; ENGELS, Friedrich. A ideologia alemã. São Paulo: Martins Fontes, 1998.
______;______. Educação, Formação e Trabalho. In: ______. Textos sobre

Educação e Ensino. São Paulo: Centauro, 2004.
OLDRINI, Guido. Os marxistas e as artes: princípios de metodologia crítica

marxista. Maceió: Coletivo Veredas, 2019.
SAVIANI, Dermeval. Pedagogia histórico-crítica: primeiras aproximações.

Campinas: Autores Associados, 2011.
SÓFOCLES. Édipo Rei – Antígona. São Paulo: Martin Claret, 2003.

Bruna Donato Reche
Pedagoga e mestra em Educação pela Universidade Estadual de Londrina

e doutoranda em Educação pela Universidade do Estado de Santa Cata-
rina. Professora efetiva do Instituto Federal Catarinense. Contato: bruna.
[email protected].
Vinicius Luge Oliveira
Bacharel, licenciado em Artes Visuais e mestre em Educação pela Univer-

sidade de Santa Maria e doutorando em Artes Visuais pela Universidade
do Estado de Santa Catarina. Professor efetivo do curso de Artes Visuais da
Universidade Estadual de Roraima. Contato: [email protected].
Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva
Licenciada em Educação Artística pela Universidade do Estado de San-

ta Catarina, mestrado em Educação e doutorado em Engenharia de Pro-
dução pela Universidade Federal de Santa Catarina. É docente do curso
de Artes Visuais, do programa de pós-graduação em Artes Visuais e do
programa de pós-graduação em Educação da Universidade do Estado de
Santa Catarina. Contato: [email protected]

DISPERSÕES OU PAUSAS PARA
RESSIGNIFICAR NOSSAS RELAÇÕES
COTIDIANAS: UMA LEITURA DE ALIKE
DISPERSIONS OR BREAKS TO MEAN OUR

EVERYDAY RELATIONSHIPS: A READING BY ALIKE
Gilvânia Maurício Dias de Pontes
Analice Pillar
Efeitos de sentido em Alike
Muitas vezes precisamos de dispersões ou pausas para ressignificarmos

nossas relações cotidianas, nos distanciarmos da nossa rotina para conse-
guirmos ver melhor como estamos vivendo. Neste artigo1 analisamos uma
produção audiovisual que nos instigou a refletir sobre essas pausas com
foco nas interfaces entre educação da infância e o mundo adulto orientado
por uma lógica de mercado que impõem tempos e práticas voltados para

a produtividade e racionalidade. Tais práticas, no filme, excluem as artes do
processo de desenvolvimento e humanização de crianças e adultos.
Alike2, produção audiovisual espanhola, trata-se de um curta me-
tragem 3D, animado por computador, com duração de 8 minutos, que
recebeu mais de 60 prêmios, entre eles o prêmio Goya de Melhor curta
metragem de animação em 2016. Filme dirigido por Daniel Martínez Lara
e Rafa Cano Méndez e produzido por Daniel Martínez Lara e La Fiesta P.C.,
Alike tematiza, especialmente, a oposição entre a sociedade do trabalho,
como algo autômato, e a criação. Para apresentar essa oposição os enun-
ciadores estabelecem uma comparação entre as formas repetitivas do tra-
balho e o sistema educacional, também repetitivo, apresentando a arte
(figurativizada nas linguagens do desenho e da música) como a dimensão
da vida cotidiana que está em disjunção com a rotina de trabalho autô-
mato e que pode produzir uma ruptura capaz de reestabelecer a junção
dos personagens com a ludicidade e a criação. Nesse filme, a arte não é
bem-vinda à escola, mas aparece na rua com acontecimento que provo-
ca estesias e fratura no cotidiano dos personagens centrais da história.
Há uma junção entre escola, trabalho e mundo adulto colocando-os em
disjunção com a arte e com a infância.
No entanto, a leitura dessa produção não está limitada a essa oposi-
ção, ela oferta ao leitor várias camadas paralelas para construção de efei-
tos de sentido. Assim, são muitas as possibilidades de interação com o
filme, o que é reiterado pela montagem que envolve o sincretismo entre
diferentes linguagens. Alike suscita questionamentos sobre o discurso
econômico que busca produtividade a todo custo, discurso que é apro-
priado pelo sistema educacional como modelo de formação humana.
Para análise dessa produção audiovisual utilizamos os pressupostos
teóricos e metodológicos da semiótica discursiva para leitura de textos
audiovisuais, bem como estudos do ensino da Arte e da cultura visual. De

acordo com a teoria semiótica discursiva, todo texto pode ser lido obser-
vando o plano de conteúdo – o que o texto diz; e o plano da expressão
- como o texto faz para dizer o que diz, suas qualidades sensíveis. Ao ana-
lisar a significação em uma produção audiovisual, considerada como um
texto ou discurso3, buscamos conhecer o percurso gerativo de sentido
procurando identificar, num primeiro momento (nível fundamental), as
oposições sobre as quais o texto está construído. Essas oposições criam
uma rede de relações que conduzem a transformações, a uma narrati-
va (nível narrativo). Para entendermos a organização narrativa é preciso
descrever a encenação, determinar seus participantes e os papéis que
representam. As estruturas narrativas simulam tanto a busca de valores
ou a procura de sentido quanto os contratos e os conflitos que marcam
os relacionamentos dos actantes. No último nível do percurso gerativo de
sentido, o nível discursivo, os termos opostos são caracterizados com te-
mas ou figuras, que remetem ao mundo natural ou construído. Aqui são
analisadas as caracterizações que revestem as estruturas narrativas e as
situam num tempo, num espaço, com personagens constituídos de de-
terminado modo.
Uma produção audiovisual, como um texto sincrético, constitui seu
plano de expressão com elementos de várias semióticas, que se articulam
para produzir um todo de significação. O foco de interesse da análise de
um texto sincrético reside nos efeitos de sentido produzidos pelas rela-
ções entre as diversas linguagens. O audiovisual se constitui como um
texto sincrético ao estabelecer entre linguagens visuais, verbais e sono-
ras um jogo de efeitos de sentido envolvendo o espectador nos aspec-
tos mais variados de sua capacidade de percepção. Assim, há em uma
produção audiovisual um diálogo entre diferentes semióticas. As articu-
lações entre as diversas semióticas, através da montagem de um audiovi-
sual, produzem pistas deixadas pelos enunciadores para os enunciatários.
Mas, a recepção e produção de sentido são particulares de cada leitor,

pois envolvem o repertório de cada um e a forma como cada pessoa é
“contagiada” pela produção audiovisual.
Alike significa “semelhante” e por ser o título do filme dá pistas dos
efeitos de sentido que os enunciadores almejaram provocar nos enuncia-
tários. O que seria o semelhante na narrativa? O filho semelhante ao pai?
Os modos de vida do trabalho e o funcionamento de uma escola que se
limita aos exercícios de cópia? O automatismo e a produtividade nas rela-
ções de adultos e crianças?
O release do filme para imprensa apresenta os personagens como
um homem adulto (Copy4) e uma criança (Paste), que poderiam ser con-
siderados pai e filho, com nomes que traduzidos para o português seriam
Copie e Cole. Tais denominações fazem alusão às operações de copiar
(control+c) e colar (control+v), muito utilizadas no teclado do computa-
dor, as quais dizem respeito a retirar algo de determinado lugar e acres-
centá-lo tal e qual em outro lugar. Ao nomear de Copy o personagem que
figurativiza o pai e de Paste, o filho, o filme que tem por título Alike, reitera
a ideia de fazer o filho semelhante ao pai.
No cartaz do filme pai e filho estão entre duas pilhas de materiais, os
livros da escola e os papéis de escritório (Figura 1). Em cima da pilha de
papéis do adulto repousa uma caneca branca e uma pasta preta. Os livros
da criança são de cor escura e não se distinguem de alguns livros que
estão no início da pilha de papéis do adulto. A criança é puxada para trás
pela mochila pesada, enquanto o adulto a observa. Essa comparação e
semelhança entre os pesos carregados por ambos serão apresentadas no-
vamente em cenas em que eles caminham pela cidade no percurso que
os leva ao trabalho e à escola.

Figura 1. Imagem publicitária do filme Alike.
Fonte: <https://bmpromocoes.com.br/animacao-alike/>
O verbal escrito, presente no cartaz, só é anunciado, no filme, depois

do início da narrativa. O percurso para apresentação dos personagens
até chegar à exposição do título do audiovisual conduz o enunciatário ao
reconhecimento das interações que marcam o posicionamento dos per-
sonagens na trama. Na tela, sobre um fundo branco, vemos o nome da
produtora do filme ao lado de um bonequinho de cor laranja que parece
fugir da cena correndo para o lado contrário.
O quadro seguinte apresenta uma pilha de livros com a palavra
SCHOOL escrita no dorso, em cima desses livros há uma mochila peque-
nina, enunciando se tratar de adereço a ser usado por uma criança. Nos
quadros seguintes, o pai, lentamente, entra em uma sala com uma xícara
de café na mão, olha para a pilha de livros como se estivesse acordan-
do para cumprir a rotina de mais um dia. O pai é de cor azul e tem uma

gravata laranja, cores que ao longo da narrativa se alteram para apresen-
tar as mudanças e reações dos personagens.
A escolha das cores azul, para a figura adulta, e laranja, para a grava-
ta bem como para a figura da criança, evoca diversos efeitos de sentido
tanto por serem cores complementares, as quais estão em posições opos-
tas nos círculos das cores e possuem um grande contraste, como pelo
tom frio do azul e pelo tom quente do laranja. E, ainda, a mistura das cores
azul e laranja resulta num tom de cinza, que no filme é associado à mono-
tonia, a algo desprovido de vida.
O pai tem um corpo esguio, pernas compridas, cabeça em formato
oval com grandes olhos arredondados que sugerem um olhar cansado e
um nariz de base triangular e frente retangular. A figura do adulto traz tanto
a delicadeza da forma longilínea quanto a estabilidade das formas do triân-
gulo e do retângulo. Assim, nesse personagem percebe-se uma combina-
ção de tais características, o que será desenvolvido ao longo da narrativa.
Após a apresentação do pai, há um corte na narrativa para a exibi-
ção dos nomes dos produtores – Daniel Martinéz Lara e Rafa Cano Mén-
dez. Depois, em continuação, o pai coloca, um a um, nove livros dentro
da pequena mochila escura. Há uma sequência que enfatiza a repetição
de colocar os objetos na mochila até apertar bem para fechar de forma a
comportar todos os livros. Em seguida é apresentado mais um elemento
do cenário que define a atuação dos personagens, ao lado da pilha de
livros, em simetria, há uma pilha de papéis. Em cima dos papéis, repousa
a caneca de café e uma pasta de trabalho de cor preta.
Na sequência, por traz do pai, surge uma mãozinha e duas pernas fi-
nas, uma perna no chão e outra no ar anunciando movimento. A criança
entra correndo, cai no chão, levanta a cabeça com um sorriso grande nos
lábios, corre e desaparece para voltar de braços abertos para o abraço nas
pernas do pai. Abraço que não ocorre porque a mochila pesada de livros

lhe cai às costas, enviada de cima pelo pai. Inicialmente, há uma reação de
espanto na criança, para depois sair cambaleando com o pesado acessório.
A criança é representada na cor laranja, em tom forte e vibrante, se
comparada às demais cores que compõem o quadro. No designer desse
personagem predomina o formato circular, bem definidos na apresen-
tação das partes do seu corpo: cabeça, grandes olhos e nariz pequeno,
todos arredondados. Tais formatos evidenciam efeitos de sentido de um
personagem fofo, simpático, delicado e bem humorado. A cor laranja, em
conjunção com as formas circulares, apresenta a criança para o enuncia-
tário conferindo-lhe efeitos de sentido de alegria, inocência e movimento.
O movimento inicial do personagem é interrompido quando a crian-
ça é parada pela colocação da mochila pesada em suas costas. Ela segue
para o lado direito, pendendo com o peso da mochila, enquanto o pai
toma um gole da xícara de café, pega a pasta preta, que está em cima
da pilha de papéis, e sai da cena pendendo para um lado com o peso da
pasta. No quadro seguinte apresenta-se o título do filme, Alike, grafado
em cinza com as letras “l”, em azul, e “i”, em laranja, figurativizando o pai e
o menino no contexto monótono e cinzento das demais letras.
Até esse momento é ressaltada a oposição adulto X criança, repre-
sentada pelo corpo em movimento da criança em contraposição à forma-
lidade e precisão de movimentos do adulto. Há, também, a apresentação
da temática trabalho – escola como componentes que são simétricos em
seus conteúdos e pesos.
O filme não tem a presença da linguagem verbal oral, mas a música,
que acompanha as cenas, parece atuar descrevendo os estados de âni-
mo dos personagens e dando ritmo às performances narradas. A música
instrumental, composta por uma orquestra especialmente para o filme,
é mais um actante na construção da narrativa. Em ritmo rápido pai e fi-
lho caminham pela cidade para chegar à escola e ao trabalho. Para Chion

(1990) os meios audiovisuais não se dirigem só ao olhar, o espectador é
convocado a ler a produção com uma atitude perceptiva transensorial de-
nominada pelo autor de “audiovivisión”. O valor de uma imagem é cons-
tituído pelo sincretismo entre o que se pode ver e o som que a envolve.
Juntos som e imagem criam um efeito audiovisual.
A cidade é apresentada pálida, em tons pastéis de um cinza azulado
e um cinza alaranjado, quase um sépia. Tudo com um aspecto desbota-
do e uniforme: prédios de igual formato, pessoas andando rápido, carros.
A música em ritmo acelerado acompanha a caminhada de Copy e Paste,
que pendem o corpo para carregar o peso dos papéis. Chion, analisando
a presença do som no cinema, salienta que a música
expresa directamente su participación en la emoción de la escena,

adaptando el ritmo, el tono y el fraseo, yeso, evidentemente, en fun-
ción de códigos culturales de la tristeza, de la alegría, de la emoción
y del movimiento. Podemos hablar entonces de música empatía (de
la palabra empatía: facultad de experimentar los sentimientos de los
demás) (CHION, 1990, p. 15).
A música é rápida como é o trafegar de carros e o caminhar de pes-

soas, forma como a cidade é apresentada para o enunciatário. O ritmo
da música em sincronia como o ritmo das imagens evidencia a ideia de
tempo que consome aqueles que transitam pela cidade ou se destinam
ao trabalho. No entanto, há uma quebra nesse ritmo que será marcada
por outra música e outra cena.
No percurso da caminhada, entre prédios de tons pastéis, podemos
ver uma árvore de copa avermelhada, plantada no centro de um gramado
verde, em disjunção com as demais cores do entorno (Figura 2).

Figura 2. Daniel Martinéz Lara e Rafa Cano Méndez. Cena do filme Alike, 2015. Fonte:
<https://www.youtube.com/watch?v=kQjtK32mGJQ>
Há um músico, em frente à árvore, e o som de um violino faz Paste

interromper sua caminhada. Estesia provocada pelo contágio, no qual a
música chega aos ouvidos e aciona o corpo todo para o fazer parar diante
do músico. Paste solta a mochila pesada e brinca de ser ele próprio o mú-
sico, mas é interrompido por Copy, que recoloca a mochila em suas costas
e aponta o caminho para a escola.
Sobre essa fratura no cotidiano da criança, provocada pelo encontro
com o violinista e sua música, lembramos Greimas, que tratando da ima-
nência do sensível, ressalta que a apreensão estética configura-se no per-
curso particular do sujeito e envolve o desencadeamento de sensações
em que “o espaço organizado da percepção se converte em uma extensão
biomática em que todas as espécies de sinestesias são possíveis” (GREIMAS,
2002, p. 70). Essa interligação entre sensações é anunciada por esse autor
como um enriquecimento da comunicação do sujeito com o mundo.

Nas cenas seguintes, os personagens caminham cambaleantes com
seus pesos e chegam ao destino, de um lado a escola e do outro o trabalho
(Figura 3). Prédios de cor acinzentada, onde entram puxando suas pesadas
bagagens. Outros adultos e crianças entram nos prédios, imagem aérea que
os mostra como formigas rumando em filas para os respectivos destinos.
Dentro dos respectivos prédios, Copy e Paste ocupam seus lugares.

Copy ocupa uma mesa, retira uma pilha de folhas da pasta, em cima da
mesa há uma máquina de escrever. Recebe em seguida outra pilha de pa-
péis. Olha para os papéis e se descolore, passa do azul para um cinza des-
botado, efeito de sentido que demonstra o seu estado de humor diante
do trabalho repetitivo. Copy datilografa, com rapidez, e outros funcioná-
rios são apresentados em mesas iguais, exercendo semelhante trabalho.

Enquanto isso, Paste ocupa uma mesa escolar, na mesma cor da mesa de
Copy, um móvel não adequado ao seu tamanho pois deixa as suas pernas
sem que alcancem o chão. As salas, da escola e do trabalho, são apre-
sentadas em um mesmo quadro, dividido ao meio, presentificando uma
organização espacial, simetricamente semelhante (Figura 4).
Figura 4. Daniel Martinéz Lara e Rafa Cano Méndez. Cenas do filme Alike, 2015. Fonte:
Nos quadros seguintes, enquanto o adulto datilografa textos, a criança

recebe uma folha tracejada para repetição das letras do alfabeto, mas de-
senha a árvore de folhas vermelhas e o violinista. A folha de desenho é
apresentada a um adulto, provavelmente o professor, que entrega uma
nova folha tracejada para cópia de letras. Apesar da ação do adulto, e de
ficar em disjunção com a atividade de copiar letras, reação exposta em

expressão facial, Paste continua com sua cor laranja e passa a copiar letras
em meio a desenhos (Figuras 5, 6 e 7).
Figuras 5, 6 e 7. Daniel Martinéz Lara e Rafa Cano Méndez. Cenas do filme Alike, 2015.
Fonte: <https://www.youtube.com/watch?v=kQjtK32mGJQ>
No escritório, a rotina repetitiva é apresentada, em vários quadros,

com a presença de um relógio que marca a passagem do tempo. Enquan-
to o tempo passa o pai se mostra mais e mais curvado, até se reanimar com
a expectativa do término da jornada. No texto Los retos de la educación en
la modernidade líquida Bauman (2007) reflete sobre a relação dos sujeitos
contemporâneos com o tempo. O tempo é um valor para o sistema de
produção. Expressões como “tempo é dinheiro” são representativas dessa
atribuição de significados, em decorrência disso toda demora ou espera
se transforma em estigma de inferioridade. É preciso, então, que o adulto
produza o máximo em menor tempo e que a educação das crianças as ha-
bilite a se transformarem em adultos produtivos. Nesse processo adultos
e crianças são moldados para atender às exigências da produção em me-
nor tempo, sendo desconsiderado em sua subjetividade e criatividade.
Ao final do dia Copy (descolorido) encontra Paste (ainda laranja),
os dois se abraçam e Copy volta a ficar azul (Figura 8). Neste momento
do filme os enunciadores deixam o entorno todo claro e sem outros ele-
mentos para enfatizar o encontro entre pai e filho que transforma a cor/
ânimo do pai.

Os dias transcorrem em igual rotina, a passagem de tempo é repre-

sentada pela reiteração da arrumação da mochila com muitos livros, pela
apreciação do violinista interrompida pelo pai que leva a crianças à esco-
la, e por mais e mais cópias de letras do alfabeto em folhas tracejadas. A
repetição das ações traz como consequência mudanças na criança, que
passa a ser apresentada com semblante triste e cor desbotada. Em um
dos quadros, que representa a transformação na performance da criança,
Paste está saindo triste da escola e o pai percebe a mudança no estado de
humor do filho. O encontro ao final do dia já não é tão eufórico quanto no
início da narrativa (Figura 9).

No escritório, Copy reflete sobre a tristeza da criança e analisa as fo-

lhas de atividades realizadas por Paste em dias anteriores, uma sequência
que apresenta desenhos em meio de letras e, ao final somente letra gra-
fada forçadamente. Nos dias que seguem, no caminho para escola, Copy
percebe o automatismo com que Paste deixa que ele ponha a mochila em
suas costas. A mudança de cor durante o abraço entre os personagens se
torna mais difícil de ser realizar.
A preocupação do pai desencadeia um processo de observação do
caminhar cotidiano da criança, Paste caminha de forma automática e des-
colorida para a escola, e isso provoca uma mudança na performance do
personagem adulto. Copy percebe a falta de espontaneidade do filho e o
automatismo com que aceita os pesos da escola e o convida a ver o violinis-
ta. Os dois chegam ao local e encontram a árvore de folhas vermelhas em

seu gramado verde, mas não há música porque o violinista não está mais
lá. Diante da decepção de Paste, Copy resolve ser ele mesmo o violinista,
resgatando um gesto de infância realizado por Paste nos encontros com
o violista. (Figura 10). O jogo simbólico do pai faz com que o filho sorria e
retome sua cor alaranjada mais forte. Nesse momento Copy entra em con-
junção com a infância e com a arte e, dessa vez, é ele quem contagia Paste.
Figura 10. Daniel Martinéz Lara e Rafa Cano Méndez. Cena do filme Alike, 2015.
Fonte: <https://www.youtube.com/watch?v=kQjtK32mGJQ>
O filme termina com o abraço de Copy e Paste, os personagens são

apresentados em plano de conjunto em que aparece a árvore de folhas
vermelhas, a grama verde e os dois em suas cores azul e laranja bem vi-
vas. Nos fotogramas seguintes, a câmera vai se distanciando em um plano
geral em que eles aparecem coloridos em meio a cidade descolorida. Ou-
tros pais e crianças passam por eles descoloridas. O final do filme parece

indicar que é preciso comover as pessoas tanto para as especificidades e
os maravilhamentos da infância como para viverem experiências cotidia-
nas com a arte.
Muitas são as relações presentes nessa produção audiovisual. Um adulto

(pai) que ora está em conjunção, ora está em disjunção com uma criança
(filho). A escola, em seu modelo tradicional, centrada na repetição e pre-
ocupada com o ensino da escrita de forma repetitiva está em conjunção
com as práticas repetitivas do mundo do trabalho, realizadas pelo adulto.
Diz o poema de Loris Malaguzzi que as crianças são feitas de Cem lingua-
gens, “mas roubaram-lhe noventa e nove. A escola e a cultura lhe separam
a cabeça do corpo” (EDWARDS; GANDINI; FORMAN, 2016, p.21). É o que
acontece na escola de Paste, em que a referência a um processo de alfa-
betização não considera a escrita como uma linguagem que se mostra e
apreende em práticas culturais. Na prática docente apresentada, a escrita
não tem função social de expressão e comunicação, e as letras se tornam
apenas marcas sem significados, repetidas à exaustão.
A arte, em especial a música, é a fratura do cotidiano que faz com
que Copy reflita sobre sua relação com Paste e ocorra uma mudança de
atitude. No entanto, a experiência estética da criança tanto ao desenhar
como com o violinista na praça, não é valorizada. No final há uma trans-
formação e humanização desencadeada pela arte, tanto na criança em
sua exploração do mundo, quanto no adulto em retomar valores que o
aproximam do filho.
Ao analisarmos o percurso gerativo de sentido identificamos, no ní-
vel fundamental, algumas oposições, tais como adulto x criança, automa-
tismo x criação, trabalho/escola x arte. Tais oposições são representadas

pelo uso da cor, como na cor laranja da criança que fica desbotada quan-
do em disjunção com a ludicidade e a arte, que aparecem como caracte-
rísticas da infância. Tal cor desbotada, apagada também é representativa
da tristeza em detrimento da coloração mais viva e forte atribuída à ale-
gria. Outro exemplo da mesma natureza é a coloração azul do adulto, que
fica cinza quando em disjunção com as tarefas repetitivas do trabalho e
volta ao azul mais vivo e forte quando abraça a criança.
A respeito dos efeitos de sentido que uma produção audiovisual,
como um texto, pode provocar em quem o assiste, Landowski diz que,
Quando os textos são ‘textos’ propriamente ditos, seu sentido não

procede, inteira e diretamente, daquilo que eles ‘são’ enquanto ‘tex-
tos’. Ele depende, ao mesmo tempo, dos pontos de vista de leitura
adotados por cada um, isto é, da posição de cada leitor, enquanto
ator num universo de práticas em conflito. (LANDOWSKI, 2001, p. 30).
Apontamos para o par adulto/ criança salientando as características

da infância, como algo que tem se tornado invisível para os adultos, sejam
eles pais ou professores. Na maior parte da narrativa predomina a impo-
sição de tempos e conteúdos alheios aos interesses e desejos da criança,
considerados como princípios para uma boa educação. As interações com
as linguagens artísticas e com brincadeiras, formas pelas quais as crianças
se apropriam do mundo cultural, não são consideradas como valores eu-
fóricos pela família e pela escola. Ainda, os sujeitos em suas individualida-
des, repertório e preferências estéticas parecem aniquilados pelo excesso
de papéis, representado pelos documentos do escritório e pelos livros
que enchem a mochila da criança. A arte, no filme o desenho e a música,
aparece, então, como um modo de ressignificar as relações cotidianas, de
reconectar os personagens com a vida.

Notas
1 Este artigo aborda um dos vídeos analisados no projeto “Micronarrativas audiovisuais:
fragmentos do cotidiano e seus efeitos de sentido para a educação” que contou com bolsa
de Produtividade em Pesquisa do CNPq (PQ-2018-2021) e teve a participação, em suas dife-
rentes etapas, de orientandos de pós-doutorado, de doutorado, de mestrado e de bolsistas
de iniciação científica BIC-PRAE/UFRGS, PIBIC/CNPq-UFRGS, BIC/UFRGS e PROBIC-FAPER-
GS-UFRGS. A assessoria musical para análise dos vídeos foi de Luciano Garofalo.
2 Alike é um curta metragem de animação dirigido por Daniel Martínez Lara e co-dirigido
por Rafa Cano Méndez. A equipe de Alike foi formada por ex-alunos da Pepe School Land.
O curta é um projeto pessoal dos diretores com antigos alunos. A produção de "Alike" foi
realizada com o sistema operativo Linux e utilizando Blender como software principal, para
a modelagem, animação, renderização, composição e edição. Informações disponíveis em:
<http://alike-short.blogspot.com/p/about.html> Acesso em: 18 maio. 2019.
3 Sobre texto e discurso os autores referem que “(...) por extrapolação e a título de hipótese
que parece fecunda -,os termos discurso e texto têm sido empregados para designar
igualmente processos semióticos não linguísticos (um ritual, um filme, um desenho anima-
do são então considerados discursos ou textos), já que o emprego desses termos postula
a existência de uma organização sintagmática subjacente a esse gênero de manifestação”
(GREIMAS; COURTÉS, 2016, 144).
4 Informações disponíveis em: <http://alike-short.blogspot.com/p/press.html> Acesso em:
12 jun. 2020.
Referências
ALIKE. Disponível em: <https://www.youtube.com/watch?v=kQjtK32mGJQ>

Acesso em: 10 maio 2020.
BAUMAN, Zygmunt. Los retos de la educación en la modernidad líquida.

Barcelona: 2007.
CHION, Michel. La audivisión: Introducción a un análisis conjunto de la

imagen y el sonido. Barcelona: Paidós, 1990.

EDWARDS, Carolyn; GANDIN, Lella; FORMAN, George. (Orgs.). As cem
linguagens da criança: a experiência de Regio Emilia em transformação.
Tradução Marcelo de Abreu Almeida. Porto Alegre: Penso, 2016.
GREIMAS, Algirdas Julien. Da Imperfeição. São Paulo: Hacker Editores, 2002.
GREIMAS, Algirdas Julien; COURTÉS, Joseph. Dicionário de semiótica. São

Paulo: Contexto, 2016.
LANDOWSKI, Eric. O olhar comprometido. Revista Galáxia, São Paulo, n 2, p.

19- 56, 2001.

DISPERSAR SABERES:
INVESTIGAÇÃO SOBRE O ENSINO DE
DESENHO NO ATELIER DO NÚCLEO DE
ARTE E CULTURA DA UFRN
Ícaro Pereira da Silva / IESC-RN
Artur Luiz de Souza Maciel / UFMG
O componente curricular de Artes Visuais está presente no currículo das

escolas e os modelos de ensino mudam em cada espaço. O incentivo à
produção e, especificamente, ao ato de desenhar é uma das atividades
que devem ser estimuladas, tendo em vista que nem todas as crianças re-
cebem esse estimulo previamente. Na escola, também podemos observar
que professores preconizam aulas teóricas, por inúmeros motivos, desde
a compra de materiais a quantidade de alunos por turma, acabam deses-
timulando algumas práxis por parte do professor. A consequência disso é
que muitas desistem de desenhar, ao completarem o Ensino Fundamen-
tal ou ao adentrarem o Ensino Médio. Além da falta de estímulos, uma sé-
rie de fatores contribui para que a criança/adolescente pare de desenhar,

por exemplo, as constantes comparações com desenhos alheios, com pa-
drões e valores estéticos preestabelecidos ou didáticas pouco atrativas
para a exploração do desenho.
Outro fator que influencia o ensino de desenho é a adoção, na sala
de aula, de um planejamento que não permite flexibilizações, adequa-
ções ou construções coletivas dessas práxis, tendo em vista o caráter or-
ganizacional e político das instituições. Derdyk (1989) argumenta que:
Os sistemas educacionais, por força das circunstâncias, estão volta-

dos para a educação técnica e profissionalizante. Esta postura inibe
o ato perceptivo, condicionando-o a uma visão temporal e histórica.
(DERDYK, 1989, p. 18).
A consequência disso, posteriormente, é a desistência dos adultos

na habilidade de desenhar, o que gera frustrações, arrependimentos e
anseios em desenvolver essa habilidade. Inserida nessa realidade, os es-
paços não formais de ensino de desenho oferecem uma alternativa para
as pessoas que não desenvolveram a habilidade de desenhar durante a
infância/adolescência, mas que, por conta própria, querem retomar a prá-
xis do desenho em suas vidas.
Para suprir essa demanda por escolas de desenho, as instituições for-
mais oferecem cursos de extensão abertos à comunidade na modalidade
não formal, onde são criadas oportunidades para qualquer pessoa buscar,
de forma autônoma, o fazer. Logo, essa prática cria pontes que conectam
os espaços à vontade de aprender dessas pessoas. Dessa maneira, Gohn
descreve a educação não formal como
[...] um conjunto de práticas socioculturais de aprendizagem e pro-

dução de saberes, que envolve organizações/instituições, atividades,
meios e formas variadas, assim como uma multiplicidade de progra-

mas e projetos sociais. [...] O aprendizado gerado e compartilhado na
educação não formal não é espontâneo porque os processos que o
produz têm intencionalidade e propostas. (GOHN, 2014, p.40).
Diferentemente da educação formal, que é desenvolvida nas escolas,

com conteúdos previamente demarcados e, também da educação infor-
mal, na qual os indivíduos aprendem durante um processo de socializa-
ção em espaços familiares e públicos, a educação não formal conduz em
si uma intencionalidade na ação: os indivíduos que buscam a educação
não formal são dotados de uma vontade, tomam a decisão de realizá-la e
buscam os caminhos e procedimentos para tal (GOHN, 2014). Essa inten-
cionalidade é o que motiva as pessoas a procurarem o curso de desenho
e contribuem para direcionar possíveis planejamentos do professor em
relação à pesquisa e ao ensino para suas ações.
O Atelier possui uma enorme importância neste contexto de educa-
ção não formal, embora esteja localizado nas dependências de uma insti-
tuição formal de ensino. Ou seja, as vagas de todos os cursos do Atelier de
Artes, do Núcleo de Arte e Cultura da Universidade Federal do Rio Grande
do Norte (NAC-UFRN) são abertas a todos os públicos, sejam de dentro ou
de fora da UFRN.
Apesar do Atelier ter sido criado para ensinar as pessoas que que-
rem aprender diversas linguagens, o espaço também favorece aqueles
que procuram cursos para praticar o desenho. Um dos objetivos do Ate-
lier como um espaço não formal de ensino de desenho, é proporcionar
ao alunado a oportunidade de constatarem que são capazes de dese-
nhar, o que acarreta em uma investigação sobre referências estéticas,
a busca por uma identidade própria no desenho e o descobrimento do
potencial de cada um.

O Atelier de Artes do NAC/UFRN e o espaço não formal
O Atelier de Artes do Núcleo de Cultura e Artes da UFRN foi fundado em

1976. Segundo a ex-professora do Atelier de Artes, Carmelita Ferreira de
Souza, que se aposentou no ano 2000, em uma entrevista concedida, o
Atelier surgiu a partir da necessidade de haver um espaço adequado para
o ensino de artes dentro da Universidade, onde os graduandos do curso re-
cém-criado de Educação Artística pudessem estagiar. Essa função do atelier
continua até hoje e todo semestre, graduandos em Licenciatura em Artes Vi-
suais procuram o atelier para cumprir a carga horária de estágio obrigatório.
Desde a criação do Atelier em 1976, esse espaço não formal de ensino
de artes visuais oferta o Curso de Desenho, além dos outros cursos de pin-
tura para adultos e crianças. Dessa maneira, o Atelier de Artes do NAC/UFRN
disponibiliza semestralmente um edital para preenchimento de vagas dos
cursos e nele constam informações importantes, por exemplo, os objetivos
do Atelier, processo de matrículas, caracterização dos cursos ofertados e
materiais utilizados em cada curso. O quadro de professores e assistentes é
composto por estudantes de graduação que estão em fase final de forma-
ção do curso de Licenciatura em Artes Visuais da Universidade, assim como
estagiários dos componentes curriculares obrigatórios de Estágio em Artes
Visuais. O Atelier de Artes tem um importante papel na prática docente em
Artes Visuais na cidade de Natal e no fomento do fazer artístico.
O Atelier é considerado como um espaço de experimentação artís-
tica, onde as ideias fluem desembaraçadamente entre os participantes.
Desta forma, como complemento, Facco contribui
[...] o atelier - seja ele um espaço concreto ou idealizado como pensa-

mento - constitui um espaço privilegiado, onde se evidenciam as in-
trincadas relações entre processo criativo, produto acabado, modos
de exibição das obras e identidade do artista. (FACCO, 2017, p. 225).

Por ser um espaço público, o Atelier é frequentado por diferentes pes-
soas, com diversidade de ideias, posturas políticas e condições econômicas.
Em qualquer outro local, essa concentração de indivíduos tão singu-
lares poderia gerar conflitos, porém, no Atelier, a harmonia e respeito pre-
valecem, provavelmente, devido ao fato de todos possuírem um interesse
em comum, que é a vontade de aprender a desenhar. E esse interesse em
comum é o que possibilita a constante troca de conhecimento sobre o
desenho, entre professor e alunos, nesse espaço de ensino, além de pro-
piciar aos frequentadores o crescimento pessoal, intelectual e artístico.
Assim, segundo Gohn (2017),
[...] refletir sobre o espaço/tempo do atelier é também refletir sobre

o espaço da Arte[...]. Podemos então propor que os ateliers coletivos
têm apresentado boas possibilidade de trocas para os artistas, assim
como experimentações significativas para esse lugar de fluxo de for-
ças. (GOHN, 2017, p.225).
O Atelier proporciona maior liberdade aos professores para elabora-

ção dos planos de aula, sem a obrigatoriedade em seguir normas e diretri-
zes que instituições formais de ensino normalmente possuem. Seguindo
esse raciocínio, Gohn argumenta:
A educação não formal não tem o caráter formal dos processos

escolares, normatizados por instituições superiores oficiais e certi-
ficadores de titularidades. Difere da educação formal porque essa
última possui uma legislação nacional que normatiza critérios e
procedimentos específicos. A educação não formal lida com outra
lógica nas categorias espaço e tempo, dada pelo fato de não ter um
curriculum definido a priori, quer quanto aos conteúdos, temas ou
habilidades a serem trabalhadas. (GOHN, 2014, p. 47).

Durante o curso de Introdução ao Desenho Artístico, é criado um es-
paço de diálogo direto com os alunos sobre o processo de ensino e apren-
dizagem e, ao mesmo tempo, possibilita ao professor uma ampliação de
seu processo de a autorreflexão.
Na etapa de elaboração do curso, o planejamento é o que vai possi-
bilitar a criação de fronteiras entre os conteúdos. Por exemplo, alguns fun-
damentos, que são alicerces do desenho de observação (técnicas básicas
com grafite, luz e sombra, textura, perspectiva e composição) que podem
dialogar entre si. Mesmo que cada conteúdo seja abordado isoladamente
nas aulas, no ato de desenhar eles possuem uma relação de interdepen-
dência. Por exemplo, a perspectiva vai apontar, ao desenhar, como pode-
mos utilizar a textura; o sombreamento numa superfície qualquer, assim
como a textura e sombreamento dependem do manuseio do grafite. O
processo de planejamento das aulas exigiu uma contínua pesquisa que
se desdobrou no decorrer da ação docente. Entretanto, quando fomos
para a prática, mesmo que seguíssemos o plano, sempre havia trecho do
planejamento que deviam ser revistos e discutidos. Ao passar da teoria à
prática, foram necessárias tomadas de decisões que causaram tênues mu-
danças nos planos originais. Em algumas situações, os planos precisaram
ser adaptados para atender às necessidades específicas das turmas ou às
mudanças na carga horária do curso.
O fato de ter o hábito de desenhar facilitou o processo de pesquisa/
ação, afinal essa vivência nas artes só contribuiu para as aulas. Esses pla-
nejamentos foram feitos em conjunto, com o auxílio de outros estagiários,
Ana Rita Morim, do curso de Licenciatura em Artes Visuais da UFRN, que
escolheu o Atelier como espaço para a prática de estágio do componente
curricular Estágio Curricular Obrigatório em Artes Visuais III, no período
de março a junho de 2018. Tal participação aconteceu devido a norma
do próprio Estágio Curricular em Artes Visuais, que exige que o estagiário

planeje, juntamente com o professor, alguns planos de aula do curso.
Logo, essa ação em conjunto favorece bastante a estruturação das aulas,
pois a estagiária ofereceu novas ideias que me auxiliaram durante o pla-
nejamento do curso de desenho.
O ensino do desenho em espaços não formais, a plasticidade da di-
dática contribui para melhor entender/atender às necessidades de cada
aluno. Para isto, a experiência como artista, desenhista, se faz necessária
para o momento do compartilhar saberes. O ensino de desenho é melhor
aproveitado pelo alunado se ele for compartilhado para solucionar e su-
perar as dificuldades de cada sujeito.
Referências
BARBOSA, Ana Mae. Redesenhando o Desenho: educadores, política e

história. São Paulo: Cortez, 2015.
BARBOSA, Ana Mae. Ensino da arte e do design no Brasil: unidos antes do

Modernismo. Revista Digital do LAV, Santa Maria, vol. 8, n. 2, p. 143-159.
DERDYK, Edith. Formas de pensar o desenho: desenvolvimento do grafismo

infantil. São Paulo: Editora Scipione, 1989.
FACCO, Marta L. Cargnin. Reflexões sobre o ateliê como lugar/espaço em

processos de criação em Artes Visuais. Revista Digital do LAV, Santa Maria,
vol. 10, n. 2, p. 213-227. Disponível em: https://periodicos.ufsm.br/revislav/
article/download/26890/pdf . Acesso em maio 2017.
GOHN, Maria da Glória. Educação não formal, aprendizagens e saberes em

processos participativos. Revista Investigar em Educação, São Paulo, n. 1, II
Série, p. 35-50, 2014.

JACOBUCCI, Daniela Franco Carvalho. Contribuições dos Espaços Não
Formais de Educação para a Formação da Cultura Científica Em Extensão,
Uberlândia, v. 7, 2008.
Ícaro Pereira da Silva
Artista visual e professor de artes. Licenciado em Artes Visuais (UFRN). Foi

Bolsista do Projeto de Extensão de Ensino de Artes Plásticas no Ateliê de
Artes, do Núcleo de Arte e Cultura da UFRN (NAC/UFRN). Atua como pro-
fessor de Artes no Colégio Instituto Educacional de Santa Cruz – IESC-RN,
na cidade de Santa Cruz/RN; Professor de Desenho e Pintura para crianças
na Quadrinhos Estúdio e Escola de Artes, em Natal/RN. Contato: icarosil-
[email protected]
Artur Luiz de Souza Maciel
Mestre em Artes Visuais (PPGAV UFPB/UFPE); Licenciado em Artes Visuais

(UFRN) com período sanduíche na FBAUP (Portugal); Tecnólogo em Pro-
dução da Construção Civil (CEFET-RN). Atuou como Professor de Arte na
SEEC/RN; Professor Substituto no Curso de Licenciatura em Artes Visuais
da UFRN nas áreas de Expressão Visual, Desenho e Gravura. Atualmente
trabalha como Professor de Arte SME Vespasiano-MG; Professor Formador
2 no CEEAV PPGARTES/EBA/UFMG. Contato: [email protected]

O LIVRO DE ARTISTA COMO
CONSTRUÇÃO IDENTITÁRIA
Gabriela Garcia de Godoi Moreira / PUC-Campinas
Durante aulas de minha graduação as quais a proposta foi o livro de artis-

ta, percebi a recorrência de elementos que personificassem o autor, que
de algum modo registrassem um vértice de sua identidade. Esses elemen-
tos foram variados, desde transcrições de poemas, letras de música ou
frases de alguma produção cinematográfica até autorretratos, inserção de
objetos de coleção particular ou de seu convívio (como o ramo de uma
árvore de sua casa). Quando apliquei essa proposta na regência do Pro-
grama Institucional de Bolsas de Iniciação à Docência essa linha de pen-
samento no processo de produção se repetiu na maioria das produções.
Dito isso, a importância de se olhar o livro de artista com esse viés
de projeção da identidade, como uma construção narrativa dos afetos
que compõem partes do indivíduo que o fez é perceptível. A identidade
é frequentemente abordada no fazer artístico, nessa pesquisa trabalha-
remos essa questão pela perspectiva da identidade pós-moderna, me-
mória e afetos

“[...] identidade significa um conjunto de critérios de definição de
um indivíduo e um sentimento interno composto de diferentes sen-
sações, tais como sentimento de unidade, de coerência, de perten-
cimento, de valor, de autonomia e de confiança. Esses diferentes in-
gredientes afetivos e cognitivos representam os processos internos
através dos quais o psiquismo organiza todas as informações que
ele recebe em um todo coerente [...]” (MEDEIROS, 2008, p.34).
A princípio, o livro “A identidade cultural na pós-modernidade” de

Stuart Hall trata da ideia de que as estruturas sociais conhecidas estão
passando por mudanças e que essas afetam diretamente a percepção de
identidade, que se divide em segmentos (classe social, gênero, sexualida-
de, etnia, e nacionalidade). Desta forma, o autor também afirma o quanto
a identidade pessoal também está passando por uma “descentralização
do sujeito”, ou seja, uma perda de si e de sua própria cultura em detrimen-
to da influência de culturas externas. Pensando nisso, podemos dizer que
a influência das culturas externas ao nosso meio originário permeiam o
processo de identificação dos indivíduos. Ter em mente as influências cul-
turais as quais somos submetidos é crucial para o entendimento de como
nós (e nossos alunos) expressamos nossa identidade e no caso dessa pes-
quisa, como absorvemos os signos apresentados na produção do livro de
artista que podem ser fruto dessa influência cultural.
A categorização adotada de obras que se configuram livro de artista
utilizada é a que pressupõem determinadas posições em relação ao livro
convencional. Para entendermos isso é preciso que estabeleçamos essen-
cialmente dois posicionamentos: há aqueles que veneram sua configura-
ção, seu todo, que se dá basicamente por páginas de papel consecutivas
que incutem um determinado sentido de leitura e narrativa e que recu-
sam as novas tecnologias ou a deformação de seu aspecto original. Silvei-
ra (2008) classifica esse posicionamento como um fetiche pelo formato e
significado do livro, o que ele traduz como “ternura” ao livro.

“ternura é o gesto de preservação às conformações tradicionais, as-
sim como aos valores institucionais do livro. É amor à forma livro,
manifestada pelo zelo a essa forma, pela manutenção de sua tradi-
ção (de sua forma instituída), pela defesa de sua permanência pe-
rante as novas mídias ou pela preservação da leitura sequencial da
palavra escrita. É carinho pela crença na verdade impressa. É o aceite
e a dependência do fetiche” (SILVEIRA, 2008, p.5).
O outro posicionamento seria a de negação desse fetiche, ou seja, é

o esforço de ataque à constituição e/ou significado do livro que se traduz
como “injúria” ao livro.
“Injúria é agravo ao livro. É a tentativa de sua negação. É o comentá-

rio ao suporte pela sua subversão e afronta. É o comprometimento
da verdade e/ou da verossimilhança, ou o uso dessa em detrimento
daquela. Injúria implica perversão. É dano físico porque presume e
tenta violar a permanência temporal do livro. É dano moral porque
presume e tenta violar seu legado de lei e verdade. É o esforço de
ataque ao fetiche.” (SILVEIRA, 2008 p.5).
O livro de artista se relaciona com a identidade quando tende a

ser um arquivo de memórias reais ou ficcionais, uma confissão, relato
íntimo. A narrativa do livro convencional, de sobreposição de folhas que
pressupõem o delinear de um espaço-tempo, assim “Cada vez que vira-
mos uma página, temos um lapso e o início de uma nova onda impressi-
va. Essa nova impressão (e intelecção) conta com a memória das impres-
sões passadas e com a expectativa das impressões futuras.” (SILVEIRA,
2008, p.72). Dessa maneira, a manipulação/observação de um livro de
artista pressupõe a percepção da narrativa intrínseca a esse formato e
também a memória construída durante a leitura do mesmo, o que con-
fere a narrativa visual.

Dessa forma, parto para a apresentação de produções pessoais, aqui
usei papéis artesanais de diversas cores e materiais, principalmente pa-
péis reciclados e ervas aromáticas como alecrim, hortelã e camomila. Usei
também a flor de hibisco e corantes artificiais nas cores amarela, azul, ver-
de e vermelha para compor esses papéis. Em cada um desses papéis de
formatos variados desenhei recordações, ou melhor, registro de recorda-
ções, visto que utilizei fotografias como referência para a produção dos
mesmos, aqui a memória é resgatada a partir do estímulo visual que essas
fotografias afloram.
Figura 1.Livro de artista, 15,5 x 15,5 cm. Foto: Acervo pessoal.

A caixa, apesar foi construída para permanecer fechada, com as ex-
tremidades coladas e entrelaçada com o fio de barbante vermelho, em
sua superfície há representações de mãos entrelaçadas, pequenas, gran-
des, de pares diferentes e similares entre si. Os botões que estão dispostos
e colados na superfície de fora são parte da coleção de botões minha e de
minha mãe, a qual foi nutrida por anos. Esses botões são, sem dúvida, o
aspecto que mais evoca minha afetividade pessoal no trabalho, apesar de
ser uma experiência pessoal de colecionar botões, não é incomum que
outros (sobretudo mulheres, afinal a costura é intimamente ligada a essa
ação de colecionar botões e esse ofício designado na maioria das vezes às
mulheres) se atenham a essa atividade.
Figura 2.Livro de artista, 15,5 x 15,5 cm. Foto: Acervo pessoal.

O próximo trabalho apresentado tem como proposta utilizar cenas
cotidianas e do meu convívio, para esse livro minha ideia principal foi a
de fundir momentos e memórias, para tanto empreguei a sucessão de
páginas de fotografias com um curto espaço de tempo de tiragem entre
elas que pode ser entendida como um frame, palavra de origem inglesa
equivalente a quadro quando se refere à animação quadro a quadro, que
consequentemente remete ao flipbook.
Figura 3.Livro de artista, 21 x 13,5 cm. Foto: Acervo pessoal.

Figura 4. Livro de artista, 21 x 13,5 cm. Foto: Acervo pessoal.
Figura 5. Livro de artista, 21 x 13,5 cm. Foto: Acervo pessoal.
A regência de aulas para a produção de livro de artista foi com alu-

nos membros do Clube Juvenil “Alunos Anônimos do Cultão” esse grupo
faz parte do ensino em tempo integral da cidade de Campinas - SP, na
E. E. Culto à Ciência, a proposta do clube é a de se discutir e pensar cri-
ticamente assuntos latentes na sociedade e o convívio dos integrantes

onde todos podem sugerir temas e atividades. Durante nossas conversas,
membros destacaram a importância do ambiente de acolhida do clube e
que encontraram ali um espaço para a discussão de temas que não tem
abertura no ambiente escolar ou pessoal.
Nas aulas além dos materiais apresentados e a explicação do que seria
um livro de artista, contei com a produção de integrantes do grupo de artes
do PIBID e de colegas da faculdade. O uso desses exemplares foi fundamen-
tal para o discernimento entre livro de artista e sketchbook, pois ambos têm
funções parecidas como a de ser um espaço para o registro do processo
criativo, mas apesar disso o livro de artista também é o espaço expositivo.
O trabalho abaixo foi realizado individualmente, o autor comentou
que pensou em uma estrutura que se assemelhasse a um túnel, que seria
a representação da visão e caminho traçado pela vida, que associado à es-
colha de cor, disposição de carvão e escolha do uso de uma letra um tanto
rabiscada sugerem aspectos negativos e potencialmente difíceis de lidar.
Figura 6. Aluno da E.E. Culto à Ciência, 2019, Livro de artista, Dimensões

desconhecidas. Foto: Acervo pessoal.

Figura 7. Aluno da E.E. Culto à Ciência, 2019, Livro de artista, Dimensões
Essas questões subjetivas, porém essencialmente humanas de se re-

tratar um caminho árduo e limitante da vida onde depois de um espaço
de tempo (no caso o comprimento do túnel) se vê a saída ou no caso, a
fotografia de sua amiga que aqui é um fator que alivia e que impulsiona a
saída desse espaço limitador é bastante considerável nesse sentido.
A produção a seguir foi desenvolvido por um grupo de 3 alunos. Os
alunos decidiram se agrupar e optaram por um formato que vem da ter-
nura já mencionada de Silveira (2008), uma vez que é uma sucessão de
folhas de papel uma sobre a outra. Apesar dessa escolha o grupo decidiu
experimentar diferentes formatos, materialidades e cores de folhas de pa-
pel onde também as dispôs de maneira não perpendicular o que conferiu
um aspecto assimétrico ao livro.

Figura 8. Alunos da E.E. Culto à Ciência, 2019, Livro de artista, Dimensões
Suas páginas foram preenchidas por signos e imagens que fazem

parte dos afetos de cada integrante, como trechos de letras de música,
citações de autores e trechos de filmes. Assim como discorrido previa-
mente, a relação da cultura hegemônica presente a partir da globalização
se encontra aqui de maneira muito evidente a partir das frases de música
pop entre outros elementos, assim podemos evidenciar a necessidade de
se compreender essa rede de cultura que se movimenta.
Assim, essa proposta remete diretamente a ideia de educação com
afeto segundo Meira e Pillotto (2010), que se refere sobre a relação de
aluno e professor e a valorização das experiências dos alunos, seja em
âmbito pessoal ou escolar e a exploração do suporte livro de artista en-
quanto sustentação de narrativa e expressão desses afetos e vivências,
onde se construa um objeto artístico que seja significativo para os alunos

e que traga consigo o fazer artístico que transporta conhecimento, o que
acredio ser um fator importante para o entendimento de artes em todos
os seus aspectos dentro da educação.
Referências
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livro de artista. 2nd ed. Porto Alegre: Editora da UFRGS, 2008, 319 p. ISBN
978-85-386-0390-0. Disponível em:<http://books.scielo.org/id/2pwn4/epub/
silveira-9788538603900.epub>. Acesso em: 22 de fev. de 2020.
Gabriela Garcia de Godoi Moreira
Graduanda em Licenciatura em Artes Visuais pela Pontifícia Universidade

Católica de Campinas. Bolsista de graduação pelo Vestibular Social. Realiza
trabalhos nas Artes Visuais em diversas linguagens, tendo como principal
a pintura em aquarela. Lattes iD: http://lattes.cnpq.br/8829380864897828.
Contato: [email protected].

Comitê
História,Teoria e
Crítica de Arte

DISPERSÃO E CONCENTRAÇÃO NO FAZER
HISTÓRIA DA ARTE: ABY WARBURG NO
PALAZZO DORIA PAMPHILJ
DISPERSION AND CONCENTRATION IN MAKING ART HISTORY:

ABY WARBURG AT PALAZZO DORIA PAMPHILJ
Luana M. Wedekin / UDESC
Foco
“Difíceis de ver, pelos homens,
são os deuses”
(Hino Momérico II, a Deméter).
Começo por uma imagem.(Fig. 1) Uma luz circular e branca ilumina par-
cialmente um interior, especialmente a escrivaninha onde um homem
aparece debruçado e concentrado enquanto lê. A pena repousa sobre
o tinteiro, o mata-borrão espera. Há cadernos, pelo menos uma imagem
em papel sobre a mesa, uma certa desordem que revela diversas ações

relativamente coordenadas: a leitura, a consulta à imagem, a anotação
de ideias ou dados. Nos nichos da escrivaninha, caixas, pilhas de papeis.
Talvez muitos de nós tenhamos nos identificado com esse retrato do his-
toriador da arte alemão Aby Warburg (1866-1929).
Figura 1. Aby Warburg em Florença, dezembro de 1898. Fonte: https://warburg.blogs.

sas.ac.uk/2019/12/12/aby-warburg-lectures-leonardo/
Esta imagem é reveladora de um momento do fazer história da arte

que se dá em recolhimento e concentração. Mas o tema do 29º Encontro
da Anpap não é “dispersões”? A partir desse tema/provocação com acep-
ções polissêmicas, ressignificadas, inclusive, para o contexto da pandemia

de Covid-19, proponho uma reflexão sobre estes dois movimentos neces-
sários à prática do historiador da arte: concentração e dispersão. E dirijo o
foco para o trabalho de Warburg.
Esta comunicação é parte dos resultados de uma pesquisa que venho
realizando desde 2017, cujo objetivo é visitar as fontes iconográficas de Aby
Warburg em solo italiano. Para sua elaboração, identifiquei 292 imagens re-
feridas por Warburg em acervos italianos a partir de um levantamento nas
seguintes obras: L’Atlas Mnémosyne (2012), “A renovação da Antiguidade
pagã” (2013) e “Histórias de fantasma para gente grande” (2015a). Algumas
localidades italianas concentravam maior número de exemplares e os des-
tinos a serem visitados foram escolhidos a partir desta representatividade.
Até o momento, realizei 4 viagens à Itália e visitei mais de 40 destinos que
incluem monumentos públicos, museus, palácios, igrejas.
Quando elaborei o projeto, eu não sabia exatamente o que ia desco-
brir. Interessava-me compreender melhor o trabalho deste teórico, mas,
através dele, investigar aspectos epistemológicos da história da arte. Vi-
sitar estas fontes implicava várias coisas: exercer a premissa do contato
direto com os monumentos,e, portanto, afastar-me de uma perspectiva
somente teórica e distante do objeto, da imagem; compreender como
Warburg selecionou as imagens que ora compõem seu “Atlas Mnemosy-
ne”; aproximar-me do seu modo de ver e de trabalhar.
Um dos primeiros lugares que visitei foi a Basílica de Santa Maria
Novella, em Florença. Entra-se pela lateral da imensa nave central. Na pa-
rede imediatamente oposta à entrada encontramos o afresco de Masac-
cio, “A Trindade” (1427-1428); seguindo pela nave nos deparamos com o
crucifixo suspenso de Giotto (1296-1300); rumando em direção ao tran-
septo vamos para a Cappella Maggiore, também chamada Tornabuoni,
notória pelo ciclo de afrescos de Domenico Ghirlandaio (1448-1494). A
parede esquerda da capela apresenta 7 cenas da vida da Virgem; a parede

direita apresenta 7 cenas da vida de São João Batista, e a parede de fun-
dos, possui janelas com vitrais e cenas das vidas de santos dominicanos e
os patronos da capela. As cenas são complexas e povoadas de inúmeros
personagens.
Sabemos que Warburg encontrou nessa capela uma de suas figuras
de obsessão, uma sua “imagem fantasma”, a ninfa canéfora que entra na
cena do “Nascimento de São João Batista”. Este painel está na parede di-
reita a uns 10 metros de altura. (Fig. 2)
Figura 2. Domenico Ghirlandaio, Cenas da vida da Virgem, 1485-1490. Afrescos,

Capela Tornabuoni, Santa Maria Novella, Florença. Fonte: a autora.

Como Warburg viu a ninfa dentre tantas figuras presentes nesta cape-
la e nesta igreja? O monumento era um gigantesco campo para dispersão!
Com o desdobrar da pesquisa algumas pistas começaram a aparecer
para responder a esta questão. Os próprios conceitos warburguianos evi-
tam a dispersão. Como a figura da ninfa, obsessão warburguiana que logo
se torna “contagiosa”, pois passamos a ver as ninfas por todo lugar. Ve-
mos a ninfa porque estamos focados no conceito ou o conceito de ninfa
emerge das imagens? A visita aos monumentos me faz pensar na segun-
da opção. E as premissas metodológicas de Warburg também. A Itália não
é somente o país onde há grande concentração de fontes iconográficas
warburguianas. É também o contexto onde o pensamento do historiador
alemão frutificou muito consistentemente, como no trabalho de algumas
pesquisadoras italianas (MAZZUCCO, 2007; CENTANNI; MAZZUCCO; 2002)
que defendem fortemente que Warburg legou um método, afirmando-o
com base no estudo de seus escritos, em pesquisa direta em seus arquivos.
Um princípio fundamental pode ser encontrado na conclusão da confe-
rência de abril de 1928, quando Warburg identificou o método de pesqui-
sa promovido pela sua Kulturwissenschaft Bibliothek Warburg no seguinte
mote “À imagem, a palavra” (Zum Bild das Wort) (MAZZUCCO, 2007, s/p).
Desta formulação aforística, depreende-se um princípio de preeminência
das imagens sobre as palavras, ou, no mínimo sua anterioridade.
Dispersão imprevista
Um dos destinos da pesquisa foi o Palazzo Doria-Pamphilj, em Roma. Este

edifício foi escolhido por abrigar duas tapeçarias flamengas do séc. XV
cujo tema era Alexandre, o grande: sua ascensão e sua viagem ao fundo
do mar, cujas reproduções estão na Prancha 34 do Atlas.

O Palazzo é destino acessível, fica em plena Via del Corso, em Roma.
Entra-se por um portão discreto na fachada maciça (projeto do arquiteto
Gabriele Valavassori, realizada em 1730-1735), acessando um pátio inter-
no emoldurado por arcos renascentistas com inspiração em Bramante. A
própria edificação é destino turístico, referência para a história de algu-
mas das maiores famílias nobres italianas cujas alianças foram formadas
através dos séculos. É um museu privado que exibe a coleção de arte
adquirida por membros da família Doria-Pamphilj ao longo do tempo.
Visitá-lo é transportar-se para os ricos interiores nobres com elementos
setecentistas e oitocentistas: paredes cobertas de veludos, mobiliário do
séc. XVII, belos castiçais de cristal, sala de baile, galeria dos espelhos... A
coleção conta com obras de artistas europeus canônicos: Hans Memling;
Peter Bruegel, o Velho; Filippo Lippi; Domenico Beccafumi; Giovanni Belli-
ni; Annibale Carracci; Coreggio; Guercino; Guido Reni, Claude Lorrain, Ca-
ravaggio, Ticiano. Provavelmente a obra mais notável seja, de Diego Velá-
zquez, o “Retrato do papa Inocêncio X” (1650), nascido Giovanni Battista
Pamphilj, que fica num gabinete especial em conjunto com o busto do
papa realizado por Gian Lorenzo Bernini.
Num registro de 1928 do “Diário Romano”, Gertrud Bing comenta
sua impressão da galeria do Palácio Doria Pamphilj:
[...] uma desordem interesante na Galeria Doria Pamphilj: muitos

quadros com títulos sonoros mas incorretos. Belas pinturas barro-
cas de Guercino, Annibale Carracci e Caravaggio. O Inocêncio X de
Velázquez: vermelho sobre vermelho, inclusive no rosto. (WARBURG;
BING, 2016, s/p)
Quase um século depois desta visita, a percepção de Bing permane-

ce bastante atual. Há obras com atribuição equivocada e poucas informa-
ções gerais.

Praticamente ao final da visita da coleção, chega-se ao Salão Aldo-
brandini, um espaço de curiosa expografia. (Fig. 3)
Figura 3. Salão Aldobrandini, Palazzo Doria Pamphilj, Roma. Fonte: https://www.

doriapamphilj.it/roma/il-luogo/galleria/
Nesta vista geral do salão, na parede à direita vemos as duas telas

de Caravaggio, “Repouso durante a fuga do Egito” e “Madalena Penitente”,
na parede do fundo à esquerda, é visível a obra “A Deposição da cruz”,
de Giorgio Vasari; na parede esquerda não está visível, mas está exibida
“Salomé com a cabeça do Batista”, de Ticiano. E ainda há diversas telas
de artistas pouco conhecidos para mim. Nesta sala também encontramos
vários exemplares da coleção de arte antiga da família: bustos, estátuas,
sarcófagos, urnas funerárias. Infelizmente quase não há etiquetas com fi-
chas técnicas das obras, de forma que é difícil para o visitante precisar
datas e artistas.

Certamente uma bela visita. Mas as tapeçarias sobre Alexandre, o
grande, não estavam visíveis. Perguntando a um funcionário do palácio,
descobri que elas haviam sido transferidas e agora estavam expostas na
Villa del Principe/Palazzo Andrea Doria, em Gênova. Todo pesquisador
tem seus relatos de frustrações. Minha busca às tapeçarias de Alexandre,
o Grande, havia fracassado.
Concentração circunstancial
Mas o estudo de Warburg, sobretudo para os pesquisadores não euro-

peus, demanda o olhar atento para a arte antiga. Esculturas e relevos an-
tigos estão presentes em muitas pranchas do Atlas: 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 34,
44 e 76. Antes dessa visita, eu já havia visitado duas vezes as coleções de
arte antiga do Vaticano; e ainda o Museu Capitolino, em Roma e o Mu-
seo Archeologico Nazionale di Napoli, em busca de obras específicas, que
apontavam as fórmulas de pathos que Warburg estudara: a ninfa, a mêna-
de dançante; Mitra sacrificando o touro; o pathos da defesa/submissão; a
deposição do corpo (Meleagro); o pathos da dor e da melancolia (a mão
que apoia a cabeça); o pathos do vencedor e da agressão.
Contemplando os sarcófagos antigos no palácio, fui reconhecendo
as fórmulas que estavam no Atlas. (Fig. 4) A produção de sarcófagos de
mármore com relevos remonta ao século II d.C. e, torna-se corrente por
volta da metade deste século. (GIULIANI, 2013). Gelussi (2005) sublinha a
importância dos sarcófagos antigos (especialmente os tardo-helenísticos
e romanos) para os artistas do Renascimento: “dos sarcófagos emergiram
os fantasmas do antigo” (p. 405). Estes artefatos eram parte importante
do repertório arqueológico à disposição dos artistas e intelectuais do pe-
ríodo, fornecendo-lhes “uma nova linguagem, mais livre e dinâmica, cap-
turando nas figuras antigas as ideias para a expressão dos sentimentos
patéticos e de atitude espiritual modernos” (GELUSSI, 2005, p. 405).

Figura 4. Parede lateral do Salão Aldobrandini, detalhe sarcófago, bustos e obras de
Caravaggio. Mársias, detalhe do sarcófago. Palazzo Doria Pamphilj, Roma.
Fonte: a autora.
No primeiro sarcófago da parede à direita, vemos, na quina, a figura

de Mársias sendo esfolado. Com os braços erguidos imobilizados, atado
a uma árvore. (detalhe Fig. 4) Mársias foi um sileno que desafiou Apolo
para uma competição entre o diaulo (flauta de dois tubos) e a lira. O deus

aceitou desde que o vencedor pudesse fazer com o vencido o que dese-
jasse e foi declarado vencedor. Brandão (1991) relata que: “No tocante ao
vencido, foi o mesmo amarrado a um pinheiro ou plátano e escorchado
vivo. Mais tarde, Apolo se arrependeu de castigo tão violento e transfor-
mou o antigo adversário num rio” (p. 82).
Mársias está exatamente no canto direito do sarcófago, enquanto
vemos na face frontal, Apolo portando a lira, desfrutando de sua vitória.
O episódio entre Apolo e Mársias encarna o tema do castigo divino, e,
mais especificamente, a dualidade entre “triunfo e agonia” (WIND, 1968,
p. 176). Se a figura de Mársias não foi tratada diretamente por Warburg,
no Atlas são muitos os personagens da mitologia que sofreram na pele
o castigo divino, a começar pelo próprio Atlas, Laocoonte e seus filhos,
Faetonte, Orfeu, Penteu, Níobe e seus filhos, Protesilau, Mirra, Cassandra,
Meleagro.
Em termos de fórmulas de pathos, chamo a atenção para a figura
deitada aos pés de Mársias no sarcófago (Fig. 4), que remete à transfor-
mação de Mársias em rio. A figura do deus fluvial reclinado é tema da
prancha 58 e ele se associa ao tema da melancolia.
É possível afirmar que a melancolia é um núcleo temático do Atlas
Mnemosyne e dos estudos warburguianos. O rosto apoiado na mão é a
marca expressiva da melancolia e aparece em diversas figuras atraves-
sando várias pranchas do Atlas, masculinas e femininas (CENTANNI et al,
2016). Os estudiosos que compõem o Seminário de Mnemosyne sobre o
tema da melancolia observaram uma articulação temático-formal entre a
atitude de reflexão, da aflição do luto, da preguiça, do abandono.
No Salão Aldobrandini encontrei esta fórmula de pathos em dois sar-
cófagos e numa urna funerária. (Fig. 5,6, 10)

Figura 5. Pathosformeln da melancolia nas laterais de um sarcófago no Salão
Aldobrandini. Palazzo Doria Pamphilj, Roma. Fonte: a autora.
Nas laterais de um dos sarcófagos vemos duas variações da fórmula

da melancolia. À esquerda, uma figura feminina sentada cobre a mão com
o rosto, e o gesto denota aflição e dor; enquanto que à direita, o homem
em pé, apoiado num bastão, tem a cabeça apoiada na mão com ar pensa-
tivo e alheio. Temos então duas variações do tema da melancolia: o luto e
o pensamento reflexivo.

Figura 6. Urna funerária no Salão Aldobrandini. Palazzo Doria Pamphilj, Roma.
Fonte: a autora.
Na pequena urna funerária (Fig. 6), duas figuras femininas encapu-

zadas estão sentadas apoiando o rosto nas mãos e ladeando uma figura
masculina reclinada numa klinē. Esculpidas de forma pouco detalhada, o
gesto redundante reforça a atitude do luto no seu caráter da “dor pensati-
va”, típica do “teatro do pranto antigo” (CENTANNI et al, 2016, s/p).
Relacionada às pathosformeln do luto, encontramos a deposição. Na
arte antiga o tema aparece com frequência ligado às narrativas da morte
de Aquiles e de Meleagro. Uma tampa de sarcófago exibe esta fórmula de
pathos (Figura 7).

Figura 7. Sarcófago no Salão Aldobrandini. Palazzo Doria Pamphilj, Roma.
Fonte: a autora.
O corpo do herói carregado por seus companheiros está no centro

da tampa do sarcófago (Fig. 7). O herói morto é, muitas vezes, acompa-
nhado por figuras dolentes. É o que vemos também aqui: imediatamente
atrás do corpo sem vida há uma figura em pathorformeln da melancolia,
especificamente aquela do luto reflexivo ou meditação fúnebre.
A expografia do Salão Aldobrandini cria uma inequívoca justapo-
sição entre as fontes antigas e sua absorção no Renascimento quando
exibe o sarcófago com a deposição do corpo do herói (Fig. 7) e a incorpo-
ração deste motivo no contexto cristão através do motivo da deposição
de Cristo da cruz na pintura de Vasari (Fig. 8). Vemos o tópico da morte/
dor, que, como observam Centanni, Mazzuco e colaboradores em torno à
prancha 42 do Atlas (2000), compreende:

um percurso muito preciso que opõe as posturas da morte aos ges-
tos de dor. Se contrapõem: de um lado a progressiva estaticidade do
corpo agonizante, moribundo, abandonado e enfim rígido na com-
postura do cadáver; do outro, a progressiva dinamicidade da dor que
passa da tristeza da figura dolente, aflita, contrita, à raiva contida, até
explodir no desespero da figura impetuosa na cena com o gesto en-
fático dos braços abertos. (CENTANNI; MAZZUCCO, 2000, s/p)
Figura 8. Giorgio Vasari, Deposição da cruz.(s/d) Óleo sobre tela, 297X188 cm, Palazzo
Doria Pamphilj, Roma. Fonte: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giorgio-
vasari-deposizione-dalla-croce-big.jpg

O espectro das posturas da morte/dor ressalta a oposição entre o
corpo morto, sem vida e, portanto, sem movimento, assinalado pelo bra-
ço solto, no qual se expressa “a gravidade do corpo pesado [...] porque
abandonado do sopro vital” (CENTANNI; MAZZUCCO, 2000, s/p); e o mo-
vimento dos “cabelos leves e ondulados”, das “vestes ventiladas” que sur-
gem muitas vezes na irrupção da paixão (desespero violento). No sarcó-
fago (Fig. 7), o braço do herói morto se perdeu, mas podemos inferir sua
presença pela configuração do que restou. Em Vasari (Fig. 8), a composi-
ção vertical potencializa o peso do corpo de Cristo, e a gravidade age tam-
bém em Maria, mãe de Jesus, que desfalece e é acudida, enquanto Maria
Madalena, a quem cabe, em geral, uma gestualidade mais exacerbada,
parece querer se erguer, projetando a cabeça para trás, postura associada
ao desespero dinâmico.
Ainda, na justaposição de artefatos deste salão, podemos observar
sobre este sarcófago uma pequena escultura com a figura de Mitra sacrifi-
cando o touro. (Fig. 7), temática presente na Prancha 8 do Atlas.
No mesmo salão Aldobrandini, encontramos relevos de ninfas: es-
culpidos numa base de coluna ou pedestal (Fig. 9) e em um sarcófago
antigo (Fig. 10). Em sua pesquisa do que “interessava aos artistas do Quat-
trocento na antiguidade” (WARBURG, 2013, p. 3), Waburg investigou as
fontes de Botticelli para a Vênus e a Primavera. Identificou os hinos homé-
ricos a Afrodite (impressos e publicados em 1488), mas igualmente um
poema do humanista Angelo Poliziano (1454-1494). Este poeta, por sua
vez, colheu nas “Metamorfoses” e “Fastos” de Ovídio (43 a.C.-18 d.C), nos
poemas de Claudiano (370-404 d.C.), as matrizes para seu tributo ao anti-
go, elaborando “o objeto proposto com uma força artística própria”(WAR-
BURG, 2013, p. 13).

Figura 9. Ninfas na base de coluna ou pedestal no Salão Aldobrandini. Palazzo Doria
Pamphilj, Roma. Fonte: a autora.
Em sua investigação, Warburg ressaltou o fato de que todos os do-

cumentos mencionavam, de alguma forma, o que ele denominou “ele-
mentos acessórios em movimento [bewegtes Beiwerk] – principalmente
na indumentária e nos cabelos” (WARBURG, 2013, p. 3). Não somente
as fontes literárias foram objeto de seu escrutínio, mas igualmente as

fontes visuais. Mencionou a “famosa cratera de Pisa” (WARBURG, 2013, p.
12) como matriz para o púlpito do batistério de Pisa de Niccoló Pisano,
e também para obras de Donatello e Agostino di Duccio, especialmente
os relevos do Oratório de San Bernardino em Perugia e o Tempio Ma-
latestiano em Rimini. Citou um sarcófago com o tema de Aquiles em
Esquiro, que no séc. XIV estava integrado à escada de Santa Araceli, em
Roma. Um desenho a partir deste sarcófago foi reproduzido por War-
burg em seu escrito sobre Botticelli, e teria sido a fonte de um desenho
preparatório realizado por um dos alunos do artista. Novamente, War-
burg sublinha como o artista dedicou-se aos elementos do vestuário
(inflado em forma oval, e o veu esvoaçante) e ao penteado. A veste infla-
da como uma vela aparece na ninfa na base da coluna (Fig.9) e em duas
figuras do sarcófago no Palácio Doria Pamphilj, no centro e na extrema
direita. (Fig. 10)
`
Figura 10. Sarcófago com ninfas. Salão Aldobrandini. Palazzo Doria Pamphilj, Roma.
Fonte: a autora.

Estas figuras femininas (na base da coluna e no sarcófago) reve-
lam também o passo característico da ninfa: os “pés ligeiros” (WARBURG,
2015b, p. 10), que aparentam ser alados e deslizar sobre nuvens, ou pare-
cem pairar, em paradoxal impressão de movimento e imobilidade. Nas 4
figuras que ora observamos, os trajes são semelhantes: véus que cobrem
o corpo muito finos, sutis, transparentes, inflados, tremulantes, ondulan-
tes. A figura na base da coluna à esquerda diferencia-se pela postura na
qual a cabeça se projeta para trás, gesto que caracteriza a mênade, a ninfa
possuída de furor dionisíaco. Toda a configuração da base da coluna re-
mete a um cortejo dionisíaco, e esta figura em especial, porta o tamborim,
“entregando-se a uma dança louca e frenética” (BRANDÃO, 1991, p. 106).
Este sarcófago exibe outras fórmulas de pathos: a melancolia, a fi-
gura reclinada com cornucópia, o pathos do vencido (que ergue o braço
para se defender). Todo o artefato é agitação, profusão: quadrigas e biga,
putti e figuras aladas, animais (um cabrito e duas ovelhas, cavalos), as fi-
guras humanas voltadas em diversas direções, mas absolutamente todas
em movimento. Figuras de tempos passados que se agitam por séculos. A
ninfa na extrema direita, no limiar da pedra, parece anunciar sua irrupção
em outro plano.
Confluência final
Quando nos debruçamos sobre o “Atlas Mnemosyne”, nos deparamos com

profusão de imagens. O estudo de suas 63 pranchas é marcado por um
ritmo de foco e ampliação, por alternância entre detalhe e todo. Se esco-
lhemos uma imagem, precisamos contemplá-la em minúcia. Muitas ve-
zes, o próprio Warburg repete a imagem ampliada, ou reduzida para que
a vejamos em contexto. Uma mesma imagem pode aparecer em outras
pranchas, há relações entre pranchas e as imagens conversam entre si.

São muitas camadas de relações e a leitura destas imagens, ainda que
concentrada, não se fecha em si mesma. Aqui, podemos encontrar o sen-
tido de dispersão que é apontado no convite ao 29º Encontro da Anpap:
reordenações, rearticulação de conexões.
Há várias entradas para o Atlas. Para mim, as entradas têm acon-
tecido num compasso de aproximações e recuos: no levantamento as
obras estão listadas por prancha ou obra; mas quando as vejo in loco,
seu pertencimento é outro, retornam para o entorno de origem. Vejo a
obra em contexto original e as outras que com ela dialogam. Dispersão.
No momento da análise, me avizinho delas individualmente e reinsiro-
-as no conjunto de suas companheiras de prancha. Concentração. Des-
cubro, então, um ritmo, uma oscilação necessária no fazer a história da
arte a investigar Warburg.
Mesmo diante dos monumentos, estes afastamentos e aproxima-
ções são necessários. Diante deles, contemplo, fotografo de diversos ân-
gulos. Às vezes desenho. Muitos destes artifícios são formas de absorver
as imagens, de mantê-las na memória, de entendê-las visualmente. Faço
anotações de minhas impressões imediatas numa espécie de diário cam-
po. Estes dados coletados repousam até serem analisados em etapa pos-
terior. Ela acontece no espaço do escritório, e os dados são revisitados.
Depois da distância, volto a me unir a eles. As imagens são identificadas,
renomeadas, arquivadas. E então, o retorno às imagens se dá em concen-
tração, mergulho, foco. No trabalho da análise na relação com escritos
gera novas dispersões, pois uma referência leva a outras, e pode aconte-
cer de afastar-me da imagem.
Há dispersão boa e má. Premissas metodológicas são artifícios funda-
mentais para evitar a má dispersão. Na perspectiva warburguiana, afastar-
-se das imagens é má dispersão. Impor conceitos sobre imagens é má dis-
persão. Mas o Atlas revela uma dispersão boa, aquela na qual numerosas

imagens falam umas com as outras. A visita aos monumentos demonstra
uma boa dispersão, aquela na qual os conceitos (a palavra) advém das
imagens. A visita aos monumentos também demonstra que, apesar de
Warburg ter selecionado alguns exemplares para compor o Atlas, ele não
o fez como Winckelmann, que selecionou somente os exemplos que ca-
biam em sua interpretação da arte antiga. Warburg colhe alguns exem-
plos, mas a forma como usa as imagens não é ilustrativa, porque a teoria
decorre das imagens. E, quando vamos ao contexto original das imagens,
muitas outras redundam, ressoam o retorno dos tempos antigos.
Comecei o artigo contemplando Warburg em absorta leitura. Fui
concentrada em busca de suas fontes no Palazzo Doria Pamphilj, mas elas
não estavam lá. Teria sido uma experiência de dispersão. É Roberto Calas-
so quem cita o trecho do hino homérico a Deméter na epígrafe do texto:
“Difíceis de ver, pelos homens, são os deuses”, para comentar o processo
no qual as divindades antigas foram perdendo sua importância a ponto
de não serem identificadas. Focando em objetos inesperados, pois não
fui ao palácio em busca deles, obtive uma espécie de revelação, a res-
posta para uma das perguntas iniciais de minha pesquisa. Como Warburg
viu a ninfa de Ghirlandaio? Foi por ter a percepção saturada das fórmulas
antigas, de onde emergiu a noção de pathosformeln, e se comprovou o
conceito de nachleben, que ele “viu os deuses”.
Referências
BRANDÃO, J. Dicionário mítico-etimológico. V.2. 3 ed. Petrópolis: Vozes, 1991.
CENTANNI, M. et al. Seminario Mnemosyne: Figura della Malinconia attraverso

l’Atalante della Memoria. Engramma, n. 140, dic. 2016.

CENTANNI, M.; MAZZUCCO, K. Il teatro della morte: Saggio interpretativo di
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CENTANNI, M; MAZZUCCO, K. Letture da Mnemosyne. In: FORSTER, K.W.;

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GELUSSI, M. La scultura dipinta: disegni e deduzioni dai sarcofagi nel

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WARBURG, A. Su método [Il Seminario di Aby Warburg del 1928]. Engramma,

n. 56, aprile 2007.
WARBURG, A. L’Atlas Mnémosyne. Paris: L’Ecarquillé, 2012.
WARBURG, A. A renovação da antiguidade pagã. Rio de Janeiro:

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WARBURG, A. Histórias de fantasma para gente grande: escritos, esboços

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WARBURG, A.; BING, G. Diario Romano (1928-1929). Madrid: Siruela, 2016.
WIND, E. Pagan Mysteries in the Renaissance. New York: The Norton

Library, 1968.

Luana M. Wedekin
Professora no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais e do Depar-

tamento de Design da UDESC. Doutorado em Psicologia (UFSC), M.A. His-
tory of Art (The Courtauld Institute of Art, London, UK), Mestre em Antro-
pologia Social (UFSC), Especialista em Estudos Culturais (UFSC), Graduada
em Educação Artística, Hab. Artes Plásticas (UDESC). Membro da ANPAP,
CBHA e ABCA.

NOMADISMO, TECNO-IMAGEM E
EXPERIENCIA ESPAÇO-TEMPO NA ARTE DO
VIDEO: LARA ARELLANO
NOMADISM, TECHNOLOGY AND SPACE-TIME

EXPERIENCE IN VIDEO ART: LARA ARELLANO
Regilene A. Sarzi-Ribeiro / Unesp-Bauru
O tema deste ensaio – nomadismo, técno-imagem e vídeo – é parte de

uma pesquisa sobre as artes audiovisuais na América Latina e as arqui-
teturas espaço-temporais do vídeo e sua linguagem ubíqua. Visa, em li-
nhas gerais, realizar um estudo teórico transdisciplinar que articule, em
suas complexidades, as áreas de Artes Visuais e Audiovisuais, Mídia e
Tecnologia, Arquitetura e Geografia, Filosofia e Sociologia. Entre os ob-
jetivos específicos, busca investigar e analisar como o contexto cultural e
artístico contemporâneo e a era pós-digital influenciam as experiências
espaço-temporais e as formas imagéticas nas artes audiovisuais e assim
contribuir na construção de uma história das tecno-imagens, a partir de
perspectivas contemporâneas.

A pesquisa, de caráter documental, é qualitativa tendo como base
instrumentos de análises estéticas e leituras iconográficas com vistas
ao estudo da linguagem e estética das artes audiovisuais – videoarte,
videoinstalação, livecinema, videomapping, transcinema no contexto
da América Latina. As análises serão pautadas em referenciais histórico-
-críticos com base em desenvolvimentos filosóficos e sociológicos, cujos
autores de base discutem as questões sociais e culturais; experimentais
(tempo, espaço e materialidade) e as transformações estéticas, sociais e
políticas que envolvem os processos de produção e exibição ou circula-
ção das formas audiovisuais.
Video, Nomadismo
A proposta metodológica de estudo do vídeo por meio de uma aborda-

gem transdisciplinar, baseada nos desenvolvimentos teóricos de autores
como Edgar Morin (2000) e Cornelius Castoriadis (1999), objetiva tecer
novas formas de análise e produção do conhecimento acerca do audiovi-
sual que não reiterem as formas já estabelecidas pelo sistema das teorias
da arte, cristalizados pela historiografia.
Castoriadis (1999) discute o social histórico, a criação e a relação en-
tre as formas novas e antigas do conhecimento, articulados à metodologia
transdisciplinar e à filosofia da emancipação, a partir de uma nova postura
criativa e disposição para o novo. Ao passo que Morin (2000) defende um
olhar para o conhecimento pertinente e para as incertezas, as quais nos le-
varão ao novo e a compreensão dos fenômenos sociais por visões outras.
Na arte contemporânea, sobretudo a partir dos anos de 1960, as
novas relações com novas situações geográficas e sociais mudam o sta-
tus do artista, o lugar de transformações políticas é também o lugar de
transformações artísticas: o etnógrafo converte-se em paradigma da arte

contemporânea (PEIXOTO, 2012), mas a etnografia como experiência
espaço-temporal.
Os locais investidos de sentido, passam a fazer parte da experiência
poética. O espaço em que o discurso é apresentado passa a ser um com-
ponente essencial da obra (CAUQUELIN, 2008). Além disso, a arte contex-
tual se exprime no ambiente (espaço/lugar) introduzindo aspectos sensí-
veis na realidade para transformá-la (CAUQUELIN, 2008).
Não por acaso, as cartografias (itinerários, territórios) e o nomadismo
ou derivas psicogeográficas, conforme descreve Michel Maffesoli (2001),
dominam as exposições artísticas nos últimos anos. Estas estruturas im-
plicam na transformação das condições de percepção, ocupação do espa-
ço e mudanças nos procedimentos de criação e organização institucional
da arte no mundo contemporâneo.
Neste contexto, o vídeo como interface é metáfora do próprio
homem contemporâneo: sem fronteiras, nômade, em constante
fluxo. O vídeo é a própria imagem diáspora, em constante deriva, ima-
gem flaneur. O sociólogo francês Michel Maffesoli, conhecido por suas
pesquisas com grupos e comportamentos sociais coletivos e criador do
conceito de tribo urbana, define o nomadismo como um comportamento
essencial e próprio da condição humana. Este mesmo comportamento,
reconhecemos na imagem vídeo.
Em Sobre o nomadismo: vagabundagens pós-modernas (2001), Maf-
fesoli defende que, diferente do que se imagina a deriva ou nomadismo
não é uma condição do homem moderno cujos veículos de locomoção
ou desejo de conhecer o outro o levou à expansão de territórios econô-
micos, políticos e culturais, mas que desde que o homem saiu da sua ori-
gem migrando para regiões e localidades distintas e longínquas, a própria
experiência de mover-se e deslocar-se – o movimento, a agitação, osci-
lação e circulação geraram a dissolução de fronteiras e as migrações em

massa que caracterizam o que conhecemos hoje por era da globalização.
Maffesoli discorre sobre o fenômeno desde os tempos remotos e mostra
como a noção de nomadismo, mobilidade, circulação, é uma caracterís-
tica intrínseca ao homem, e sua essência inquieta. Trata-se de pensar o
nomadismo como um modelo, um arquétipo.
Como se sabe, a construção do campo da história das tecno-ima-
gens envolve elementos estruturais como a arquitetura e a experiência
espaço-temporal e os dispositivos e aparatos de produção e veiculação
ou circulação da imagem técnica, termo este que nasce com a imagem
fotográfica (imagem estática) mas depois ganha ênfase com o cinema
(imagem movimento), o vídeo e as imagens numéricas ou imagens sín-
tese (GRAU, 2007), até o hibridismo e a convergência de linguagens cuja
especificidade tem um traço singular que interessa especialmente para
esta pesquisa: o in between (BHABHA, 1998), o entre linguagens. Até aqui,
pensamos as outras linguagens no vídeo e como este é composto estru-
turalmente por outras linguagens, que ficou conhecido na história da arte
do vídeo como entremeios.
O videoartista Lucas Bambozzi afirma que superado o discurso da
especificidade, ocorrida na década de 1990 e anos 2000, do vídeo é possí-
vel enxergar o cruzamento do mesmo “[...] com outras formas de imagem
como um acontecimento profícuo e de proporções ainda não familiares”
(BAMBOZZI, 2002, p.75), e são essas proporções ainda não familiares que
pretendemos investigar.
Passados vinte e sete anos, o legado dessa busca por definição (MA-
CHADO, 1993) nos revela que pontos importantes, sobre as características
particulares do vídeo e das formas audiovisuais assim como traços da ex-
periência estética audiovisual, foram incorporados pela recente história
da arte do vídeo e seus desdobramentos culturais, sociais e politicos. No-
vamente é Machado quem nos remete ao hibridismo do vídeo:

Sabemos pelo simples exame retrospectivo desse meio de expres-
são, que o vídeo é um sistema híbrido, ele opera com códigos sig-
nificantes distintos, parte importados do cinema, parte importado
do teatro, da literatura, do rádio e mais modernamente da compu-
tação gráfica, aos quais acrescenta alguns recursos expressivos es-
pecíficos, alguns modos de formar ideias ou sensações que lhes são
exclusivos, mas que não são suficientes, por si só, para construir a
estrutura inteira de uma obra (MACHADO, 1993, p.8).
Mas chegamos ao ponto, à guinada do vídeo e seu comportamen-

to nômade que passa a ser uma matriz da imagem movimento e tudo é
video hoje. Não se trata de pensar o nomadismo como tema da arte do
vídeo ou o vídeo como registro de ações e performances que envolvem o
nomadismo e as derivas. Mas pensar a própria linguagem do vídeo como
um fenômeno nômade, em constante devir.
Ao mesmo tempo em que o vídeo se caracteriza por um entremeios
e passa a habitar nos interstícios do audiovisual, a linguagem videográfica
é hoje a matriz para inúmeros tratamentos da imagem como samplea-
mentos, mixagens, sobreposições e efeitos de som e imagem que mode-
lam experiências espaço-temporais outras.
Ademais, as inúmeras formas de veiculação e circulação do vídeo
sustentam a ubiquidade do meio e a “[...] facilidade que o suporte vídeo
permite tem realmente a ver com a questão do nomadismo contempo-
râneo, e com a ideia de sincronicidade, de presença de uma realidade
que está distante espacialmente mas possivelmente próxima em termos
de ideologia e possivelmente de afetividade [...] o nomadismo estético é
uma ação que reflete o nomadismo econômico, ou melhor, uma contra-a-
ção.” (SANSOLO, 2003).
Observando o vídeo na arte contemporânea, o conceito de entre-
meios ganha perspectiva de atravessamento de linguagens, que nos leva

a pensar em como o vídeo se expandiu e se transformou em uma lingua-
gem matriz de novas formas audiovisuais experimentais. Por isso defen-
demos pensar o vídeo pelo vídeo e não mais a partir da sua relação com o
cinema. Trata-se de investigar e contextualizar histórica e culturalmente o
vídeo como matriz de novas formas audiovisuais na arte contemporânea
latino-americana.
A intersecção de linguagens resultou na imagem nômade e configu-
rou ao vídeo, uma estética desviante. Por uma estética desviante entende-
mos um campo da experiência provocada pela arte que encontra na arte
do vídeo um potente dispositivo da experiência do fenômeno artístico
que foge as regras e a normalidade, que se desvia dos padrões da experi-
ência do sensível. Os comportamentos desviantes denotam mudanças de
direção, rupturas e fissuras ante as regras, afastamento da normalidade,
comportamentos outros, contramodelos.
Assim é a arte do vídeo, o video experimental e as formas experi-
mentais do audiovisual na arte contemporânea, que ignoram definiçoes e
rompem com as normas e fronteiras entre linguagens exatamente para se
localizar in between e neste lugar, de dentro nos atravessamentos de lin-
guagens, estabelecer novas experiências estéticas, vivências outras para
com a linguagem videográfica.
Experiencia espaço-tempo na arte do vídeo: Lara Arellano
Lara Arellano nasceu, em 1976, e cresceu em Buenos Aires, na Argentina.

Formou-se em Design de Som e Imagem pela Universidade de Buenos
Aires, onde atua como professora. Suas primeiras experimentações artís-
ticas em performances audiovisuais foram como VJ. Aos 19 anos, Arellano
foi apresentadora de TV do canal canadense Muchmusic, entrevistando
musicos e comentando videoclipes no programa dedicado à musica pop

para jovens. Arellano também é diretora de peças publicitárias e videocli-
pes e vídeos artísticos que posteriormente tornou-se o principal meio de
seus trabalhos como o vídeo experimental Domésticas (2006). Mientras
paseo en cisne (2010) foi premiado como melhor curta da seleção oficial
do Buenos Aires International Festival of Independent Cinema 2010 (VI-
DEOBRASIL, s/d).
Mientras paseo en cisne (2010), objeto deste breve estudo que pro-
pomos realizar, é um vídeo com cerca de 8 minutos e foi assim descrito,
quando participou do 17º. Festival Internacional de Arte Contemporânea
SESC Videobrasil:
Do banco de trás de um carro que percorre uma estrada, uma meni-

na pensa no que vê: seus próprios sapatos vermelhos, vacas, poças
longínquas que nunca chegam. A conversa dos pais no banco da
frente entrecruza suas reflexões, aprofundando a sensação de sono,
sonho, mergulho. A obra explora o diálogo entre paisagem exterior
e estados interiores, a expressão feminina na arte e a ideia de via-
gem como trajeto afetivo. (PANORAMAS DO SUL, 2011, p. 151).
Lara Arellano participou da exposição Trânsitos Improváveis, com

curadoria de Solange Farkas, compondo o eixo Cartografias do Afeto, que
integrou a mostra Panoramas do Sul, realizada em 2011, durante o 17o
Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil. Ao des-
crever o eixo Cartografias do Afeto, Farkas afirma:
[...] Cartografia do afeto, reúne trabalhos que podem ser entendidos

como tentativas de criar representações possíveis para questões de
ordem subjetiva – muitas vezes, a partir de percursos únicos, mas
que se tornam língua comum, intra e extra-arte. [...] de formas diver-
sas, elas lidam com uma sensibilidade de fronteiras – entre o pes-
soal e o coletivo, o indivíduo e a sociedade. [...] Em Mientras paseo

en cisne, Lara Arellano usa o olhar de uma menina que viaja com
os pais para pôr em diálogo paisagem exterior e estados interiores
(FARKAS, 2011, p.18).
A impressão que se tem do vídeo Mientras paseo en cisce ao assitir

pela primeira vez, até pode ser a de que se trata de um curta-metragem
sobretudo se a leitura feita for sobre a narrativa de uma menina que viaja
de carro com seus pais e o quão tedioso pode ser aquele percurso demo-
rado e solitário. Mas logo nas primeiras cenas fica claro que não se trata
de uma narrativa linear, muito menos da estória de um passeio por uma
estrada qualquer, mas sim de um encontro entre a paisagem, uma meni-
na e o tempo. Um tempo aliás que passa rapidamente, fora, pela janela
e uma menina que se descobre solitária, lentamente, dentro. A conversa
dos adultos e o deslocamento do carro não é suficiente para esconder a
voz da menina que olha fixamente para fora do carro e ora encosta a ca-
beça e as mãos no vidro da janela.
Ao contemplar a paisagem, a menina canta “la, la, la... la, la, la... la...
e nomeia o que vê vaca, vaca, vaca, três, pasto, vaca, árvore”, como se es-
tivesse contanto e descrevendo o que passa frente aos seus olhos e con-
tinua... “pasto, carro, céu, estrada, sinal, roda, carro, céu, céu, pássaro, carro,
árvore, árvore, céu, pássaro, nada, nada, céu, nada, nada, sinal” e acena
para o carro que passa, neste momento a mulher no banco dianteiro per-
gunta: quanto tempo temos até chegar? Nota-se um silêncio da menina e
ouve-se a conversa entre os adultos que falam sobre o que fazer quando
chegar ao destino. Na cena seguinte, vemos o carro parado na beira da
estrada e notamos que a menina estava fora do carro e retorna para o
mesmo e o carro segue viagem.
Na primeira parte do vídeo, a menina encosta a cabeça no vidro da
janela do carro e enquanto olha para a paisagem, relata a viagem dos

caracóis que ela encontrou com a sua família durante uma viagem a praia
“[...] os peixes não vieram, se foram para sempre, viajaram como nós viaja-
mos agora... em São Clemente de Tuyú, encontramos caracóis inteiros e dei-
xamos no carro para ir à praia, eles subiram pelas janelas... nós os levamos
para o mar... porque caracóis viajam em direção ao mar[...]”.
Na segunda parte do vídeo, por volta dos três minutos e meio, ve-
mos os pés da menina, vestindo sapatos vermelhos e meias claras, ser
lançado para o alto rumo a janela. Num jogo de corpo, a menina se deita
no sofá do carro e coloca seus pés sobre os vidros. A conversa solitária
continua e a paisagem com casas, árvores, construções na beira da es-
trada continuam passando pela janela (Figura 1) e a narrativa também. A
menina fala sobre estados femininos, sobre cuidados com o corpo, a fita
do cabelo, “[...] se o elevador cair, você também cai, mas se eu o alcanço, eu
não caio... se olhar agora e não ver nada, se não ver nada, não se pode olhar...
eu cantei dessa vez, cantei a canção dos meninos das azeitonas [...]”.
Figura 1. Frame do vídeo Mientras paseo en cisne, 2010, de Lara Arellano. Video. 8’41.
Fonte: https://vimeo.com/140465604

Aos seis minutos do vídeo, o céu começa a ficar amarelado e vemos
o entardecer. Pela janela do carro, os pés da menina se mantêm no vidro
e ao fundo vemos o pôr do sol, as arvores e as casas vão ficando escuras,
na sombra, e o sol ao fundo tinge o céu de ocre e amarelo dourado e ou-
vimos “[...] e posso abrir meus olhos, e nem sequer posso olhar, eles não me
veem, eu posso fingir que estou dormindo e espiar, mas eles não me veem,
como as vacas[...]. Por volta dos sete minutos, ouvimos uma música sua-
ve, melancólica e a menina conclui “[...]os peixes não vieram, se foram para
sempre”. Fim do vídeo.
Durante o vídeo nas primeiras cenas vemos a paisagem, os cabelos
castanhos e a fita vermelha da menina e suas mãozinhas na janela, e mais
adiante seus sapatos vermelhos e delicados. Essas posições descontraí-
das e desinteressadas da menina introduzem uma temporalidade outra
na fruição do vídeo.
Se o foco for a conversa frenética do casal que segue viajem sentado
nos bancos da frente do carro, o video ganha aspecto de registro de uma
viagem, que pelo comportamento dos personagens se apresenta longa,
cansativa e da qual se quer ver livre logo, a mulher pergunta várias vezes
quanto tempo ainda terão de viagem.
No entanto, o vídeo desloca a experiencia temporal por meio do tex-
to/diálogo e na tentativa de compreender o que a menina fala o tempo
todo, nossa atenção é desviada tanto para a escuta da voz suave e deli-
cada da menina quanto para a contemplação da paisagem que passa em
alta velocidade pela janela do carro. Quando nos damos conta, estamos
em outro tempo, muito mais lento, embora a paisagem fora do carro nos
dê a exata medida da passagem do tempo e sua velocidade, enquanto o
tempo, interno, da criança nos provoca relaxamento e calmaria.
Quando fixamos nossa atenção na criança no banco de trás e acom-
panhamos o dialogo que ela desenvolve, a viagem se mostra sob uma

outra perspectiva e tal como uma deriva, o vídeo revela frames de uma
paisagem do campo e os pezinhos que parecem voar sobre um céu azu-
lado (figura 2), e uma estrada bucólica com animais e, por fim um lindo
por do sol que recebe a noite sem que sequer tenhamos percebido sua
chegada. Como se fotografias, ou instantes temporais, estivessem sendo
projetados diante de nós, pelas janelas do automóvel.
Figura 2. Frame do vídeo Mientras paseo en cisne, 2010, de Lara Arellano.

Video. 8’41. Fonte: https://vimeo.com/140465604
O tempo desacelera na medida em que o carro se desloca se man-

tem-se em velocidade. A paisagem muda e ganha novas tonalidades. O
tempo, desacelerado pelo ritmo ditado pela voz suave da menina, altera
a percepção da sua passagem e é como se o tempo fosse suspenso. Basta
se deixar contagiar e se sentar com a menina no banco de trás para com-
partilhar com ela, a sua viagem afetiva.

Se a leitura do vídeo de Lara Arellano for feita por critérios conhecidos
como a narrativa e o enquadramento herdados da linguagem do cinema,
como dissemos pode-se chegar ao formato e a análise da narrativa fílmica
de mais um curta-metragem, entre tantos. Mas é muito mais que isso, cabe
expandir a leitura e descrever traços como a conexão entre a paisagem e a
menina e a experiência temporal que as cenas finais, por exemplo, propor-
cionam. O tempo alterado pela sinergia entre texto/som e imagem não pre-
cisa do recurso da câmera lenta para nos fazer sentir sua velocidade outra,
como um flaneur a experienciar a deriva, o percurso, a paisagem. O vídeo
como linguagem nômade estrutura a imagem movimento alterando nossa
experiência temporal nos levando para um lugar outro.
Video, tecno-imagem
Como é conhecido, as linguagens são resultantes da capacidade huma-

na de expressar pensamentos, ideias, opiniões e sentimentos que estru-
turam a expressão e a comunicação humana e advém de regras e nor-
mas convencionais, mesmo as híbridas que são a fusão de uma ou mais
linguagem.
Mas a linguagem do vídeo não se define somente por seu aspecto
híbrido, ela é também uma linguagem que se encontra entre as lingua-
gens e não pode ser considerada apenas a soma de outras linguagens, ela
não é cinema, teatro ou pintura, mas todas estas formas de linguagens
que se encontram na estrutura do vídeo configurando uma forma entre,
no interstício de linguagens.
No campo da poética muito já se estudou sobre o entre linguagens
desde o rompimento das fronteiras entre as mesmas, no auge da déca-
da de 1960. De igual forma foi sinalizada a associação do vídeo com fa-
tos históricos e econômicos e a relação com a indústria, o capitalismo e

a globalização e os discursos de poder naturalizados pelo consumo de
imagens técnicas, em estudos que contextualizam as formas artísticas au-
diovisuais histórica e culturalmente.
Mas perguntamos, como podemos pensar as imagens técnicas, es-
pecialmente o vídeo na arte contemporânea e nos reaproximar da histó-
ria de forma livre sem ideias preestabelecidas por sistemas hegemônicos
de pensamento e leitura contaminados por vícios de interpretações her-
dados do passado, como aquela que resume a linguagem do vídeo a uma
linguagem síntese da fotografia, do cinema e do teatro?
Exatamente tomando outros percursos de analise, outras aborda-
gens para estudar o vídeo pelo vídeo, por estudos desviantes que cons-
troem o conhecimento sobre os fenômenos sociais de outra forma, a par-
tir de outro lugar, do entre-lugares (BHABHA, 1998) ou ainda pelas bordas,
a partir das margens para avançar pelas frestas e descrever o entre meios
e entre linguagens, até chegar a um encontro com novas formas de leitu-
ra e concepção da arte do vídeo.
Após o surgimento da videoarte, a imagem movimento e as novas
formas das artes audiovisuais revelam um traço essencial das poéticas vide-
ográficas como descrevemos no vídeo de Lara Arellano: a não linearidade
espaço-temporal tecida pelas deambulações e mixagens, fruto da mutação
eletrônico-digital que permite composições espaço-temporais outras.
A onipresença do som e imagem se dá por meio da espacialização
do audiovisual a partir das tecnologias móveis e digitais, outdoors ele-
trônicos, monitores de propaganda e informação veiculados por canais
de tevê corporativos e institucionais, em celulares e monitores móveis
dentro de elevadores, ônibus e trens; em circuitos fechados de tevê e
câmeras de monitoria e vigilância tanto em ambientes abertos (praças
e ruas) como em fechados (aeroportos e lojas); em drones e captação de

imagens aéreas, e em redes sociais e internet, sites de exibição de vídeos
e material audiovisual.
Em suma, o vídeo como interface, um dispositivo-aparato tecnoló-
gico-digital mutante e nômade, se torna uma onipresença como veículo
das imagens em movimento na contemporaneidade. Seu modus operandi
funciona como um espelho do comportamento nômade humano, erran-
te e desviante, com contribuições outras para a história da arte e para a
história das tecno-imagens.
Referencias
BHABHA, Homi. K. O local da cultura. Belo Horizonte: ED. UFMG, 1998.
BAMBOZZI, Lucas. O contexto do vídeo no Brasil. In: INTIMIDADE. Catálogo

da Exposição. São Paulo: Imprensa Oficial do Estado de São Paulo. 2002. p.74-
77.
CASTORIADIS, Cornelius. Feito e a ser feito. As encruzilhadas do labirinto V.

Rio de Janeiro, DP&A, 1999.
CAUQUELIN, Anne. Frequentar os Incorporais. Contribuição a uma teoria da

arte contemporânea. São Paulo: Martins Fontes, 2008.
FARKAS, Solange. Estratégias e Riscos. In: PANORAMAS DO SUL. Catálogo do

17º. Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC-VIDEOBRASIL. São
Paulo: Associação Cultural Videobrasil, SESC SP, 2011. pp.16-23.
GRAU, Oliver. Arte virtual: da ilusão a imersão. São Paulo: SENAC, 2007.
MACHADO, Arlindo. O Vídeo e sua linguagem. Dossiê Palavra/Imagem.

Revista USP vol. 16, 1993. pp. 06-17. Disponível em:< http://www.revistas.
usp.br/revusp/article/view/25681> Acesso em 03 jun. de 2020.

MAFFESOLI, Michel. Sobre o nomadismo: vagabundagens pós-modernas.
Rio de Janeiro: Record, 2001.
MORIN, Edgar. A cabeça bem-feita: repensar a reforma - reformar o

pensamento. Trad. E. Jacobina, Rio de Janeiro: E. Bertrand Brasil, 2000.
PANORAMAS DO SUL. Catálogo do 17º. Festival Internacional de Arte

Contemporânea SESC-VIDEOBRASIL. São Paulo: Associação Cultural
Videobrasil, SESC SP, 2011.
PEIXOTO, Nelson Brissac (org.) Intervenções urbanas: Arte/Cidade. 2ª.ed.

São Paulo: Editora SENAC/ Edições SESC SP, 2012.
SANSOLO, Carlo. Entrevista. Carlo Sansolo. 2003. Disponível em:< http://site.

videobrasil.org.br/acervo/artistas/textos/78412> Acesso em 03 jun. de 2020.
VIDEOBRASIL. Lara Arellano. s/d. Disponível em: < http://site.videobrasil.org.

br/acervo/artistas/artista/78790> Acesso em 02 jun. de 2020.
Regilene A. Sarzi-Ribeiro
Pós-doutorado em Artes (IA/UNESP/SP). Doutora em Comunicação e Se-

miótica (PUC/SP). Docente permanente do Programa de Pós-Graduação
em Mídia e Tecnologia (PPGMiT). Professora Doutora do Departamento
de Artes e Representação Gráfica atuante nos cursos de Artes Visuais e
Rádio, TV e Internet da Faculdade de Arquitetura, Artes e Comunicação
– FAAC/UNESP, Bauru/SP. Líder do grupo de pesquisa LabIMAGEM – La-
boratório de Estudos de Imagem/CNPq. Contato: [email protected]

PANORAMA DE ARTE ATUAL
BRASILEIRA-1971/SÃO PAULO: FILTRO E
VITRINE PARA A GRAVURA ARTÍSTICA
NACIONAL.
PANORAMA DE ARTE ATUAL BRASILEIRA-1971/SÃO PAULO: FILTER AND SHOW-

CASE FOR BRAZILIAN PRINTMAKING
Maria Luisa Tavora / UFRJ
O 3º Panorama de Arte Atual Brasileira -1971, organizado pelo Museu de

Arte Moderna de São Paulo, constituiu evento relevante no processo de
reconhecimento e de divulgação da produção da gravura artística, en-
tre nós. A primeira mostra, realizada em abril de 1969, inaugurou a sede
social do MAM, no Ibirapuera.1 Foram selecionadas diferentes propostas
das artes visuais (cerca de 552 obras de 102 artistas), tendo sido pensada
para assim realizar-se, anualmente. Não houve premiação neste primeiro
evento, embora seus organizadores objetivassem, com a realização dos
Panoramas, a formação de um novo acervo para o MAM paulista, através
das premiações e doações dos artistas participantes de cada edição.

A criação da mostra Panorama foi motivada pela dissolução, em
1963, da Sociedade Civil Museu de Arte Moderna (mantida a respectiva
personalidade jurídica), tendo sido filha da crise instalada face à decisão
de Ciccillo Matarazzo de doar o acervo do MAM para o Museu de Arte
Contemporânea da USP. Com um desfalque desta proporção, o MAM per-
maneceu sem atividades até 1969. Como continuar funcionando, desen-
volver atividades educativas, culturais, expositivas, de pesquisa, etc. sem
acervo significativo da arte moderna brasileira?
Ainda, naquele ano, um grupo de membros do MAM, descontente
com tal situação, uniu-se para o reerguimento do Museu, elegendo em
Assembleia uma Comissão de Reestruturação para, entre muitas coisas,
recompor um novo acervo próprio da arte brasileira, o que propiciaria ao
Museu o retorno de sua participação no circuito da produção artística de
então. Destacou-se nesta missão a figura de Diná Lopes Coelho (1912-
2003), que em 1967, assumiu a diretoria- técnica do MAM, “sem teto e sem
acervo”, permanecendo neste cargo até 1980. De início, batalhou por uma
nova sede, obtendo o apoio do então Prefeito de São Paulo, Faria Lima,
que cedeu, para a nova sede do MAM, o prédio localizado no Parque Ibi-
rapuera, Pavilhão Bahia da 5ª Bienal, adaptado por Lina Bo Bardi, cercado
por jardins do paisagista brasileiro Roberto Burle Marx.
Para solucionar a questão do acervo, Diná Lopes criou, em 1969, o
Panorama de Arte Atual Brasileira, evento que introduziu em sua segunda
edição (1970) a premiação dos artistas. Sobre o assunto, Fernando Oliva
resume a importância da permanência de Diná Lopes, por 13 anos, à fren-
te da organização das atividades do novo MAM:
“Os trabalhos premiados passavam a compor o acervo do mu-

seu. Foi assim que o MAM conseguiu sua importante coleção
de arte brasileira dos anos 70 e 80 - Rubem Valentim, José Re-
sende, Amilcar de Castro, Franz Weissmann. A maioria dos ar-

tistas, mesmo não premiada, doava suas criações. Resultado:
se em 1969 o MAM possuía 79 obras (a coleção Carlo Tamag-
ni), 13 anos depois acumulava 1.394, a maior parte proveniente
dessas doações.” (OLIVA, 1998)
A primeira mostra Panorama, de 1969, marcou uma nova fase de mui-

tas atividades desenvolvidas pelo MAM. De Panorama em Panorama, vari-
adas exposições foram realizadas com apoios e parcerias dos consulados e
instituições nacionais e internacionais. No dizer de Paulo Mendes de Almei-
da, intercalava-se uma “programação flutuante”. (ALMEIDA, 1971 s/p)
Na segunda mostra, em 1970, passou a vigorar o critério de rodízio
entre os diferentes “gêneros” das artes visuais, solução para um melhor
uso do espaço expositivo. A mostra apresentada era de Pintura, tendo
premiado Alfredo Volpi (1896-1988); no ano seguinte (1971), realizou-se a
mostra com Desenho e Gravura e, posteriormente, em 1972, o certame de
Escultura e Objeto, continuando nesta estruturação dali por diante.
Nesta nova estruturação, em junho de1971, o 3º Panorama, seria o
primeiro da série de quatro eventos (1974,1977 e 1980), com a participa-
ção dos artistas convidados do Desenho e da Gravura, oportunidade do
público conhecer obras de artistas atuantes desde os anos 1950 até os
anos 70. Antes desta edição, a gravura moderna já tinha marcado presen-
ça no MAM paulista. Até sua realização em junho daquele ano, na referi-
da “programação flutuante”, gravadores brasileiros como Hansen-Bahia,
Marcelo Grassmann e Carlos Scliar, gravadores romenos e da litografia
internacional foram expostos, além do desenhista paulista Italo Cencini.
Estratégicamente o MAM, sob a gestão de Joaquim Bento Alves de Lima
Neto, buscava mobilizar o público para estes dois campos de produção
artística, o que concorria para despertar o interesse da mostra específica
do Panorama seguinte.2

O evento Panorama mantém-se até os dias atuais, tendo sofrido su-
cessivas adequações às condições artísticas contemporâneas.3 Com meio
século de existência, realizou, em 2019, sua 36ª edição.
Em 1971, na primeira exposição específica, 111 expositores foram
convidados, dos quais 47 com gravura, totalizando 478 obras expostas
e distribuídos dois prêmios, correspondentes a cada linguagem: um Prê-
mio Museu de Arte Moderna de São Paulo para o Desenho e outro para a
Gravura4. No caso da gravura, a produção exposta situa-se no recorte tem-
poral de um período histórico - anos 1950/70 – de conquistas de espaço
para a prática das artes gráficas, de forte presença da gravura no campo
das artes visuais, no eixo Rio/São Paulo.
Trabalhos figurativos, soluções nos abstracionismos, uma produção
que transitou pelas possibilidades contemporâneas do metal; na xilogravu-
ra, atualizando o legado do expressionismo ou dele se afastando com uma
renovada abordagem estético-conceitual, explorando a sintaxe do univer-
so da cultura popular, tanto em seu traço primitivo ou refinando a xilogra-
vura com calculadas incisões cerebrais; resgatando a litografia como forma
expressiva, e promovendo a inclusão da serigrafia como procedimento ar-
tístico, para além de sua pertinência nos produtos da comunicação visual.
Em sua sistemática, as exposições reuniam somente artistas convi-
dados pela Comissão de Arte (Seleção),5 escolhas balizadas por consultas
a críticos de arte, por pesquisa de artigos, de catálogos, de pronuncia-
mentos e textos de referências aos artistas a serem selecionados, material
à disposição em acervos museológicos, na grande imprensa, em períódi-
cos, entre outros. O interesse era revelar e premiar artistas atuantes e em
circulação no campo artístico-cultural. Este modelo parecia solução para
uma crise dos salões tradicionais e da bienal paulista que ainda podiam
surpreender com um corte inoportuno, artistas já consolidados e famosos
ou ainda desestimular os mais jovens em suas pesquisas.

Quanto ao conjunto de Desenho, observa-se uma pluralidade de
soluções técnicas, estendendo os limites das conceituações tradicionais,
adensando as possibilidades de afirmá-lo enquanto meio moderno de
expressão. Embora dominassem as obras em nanquim (bico de pena,
aguadas, com tinta acrílica) muitos foram os trabalhos em técnica mista
onde se situavam combinações de recortes, colagens, óleo com pincel,
pirogravura, aquarelas, entre outras possibilidades que não se costumava
reconhecer nesta prática. Lothar Charroux (1912-1987) foi premiado nes-
ta categoria com propostas em guache e polimer.
Austríaco, este artista chegou ao Brasil em 1928, matriculando-se
dois anos depois no Liceu de Artes e Oficios de São Paulo, onde, pos-
teriormente, passou a lecionar desenho. A partir de 1948, Charoux deu
início ao período concreto com o qual iria destacar-se nacional e interna-
cionalmente. Em 1952, foi signatário do Manifesto Ruptura, participando
estreitamente das atividades do grupo concretista paulista. Àquela altura
da premiação no Panorama de 1971, acumulava em sua trajetória, par-
ticipação em todas as bienais paulistas e muitos certames internacionais.
Conquistara o Prêmio Aquisição nos Salões Paulistas de Arte Moderna, de
1960, de 1961 e de 1968. Neste ano, foi expositor da mostra coletiva itiner-
ante, Tres Aspectos del Dibujo Contemporáneo Brasileño, que percorreu
as cidades de Assunção, Buenos Aires e La Paz. Participara igualmente dos
dois Panoramas anteriores, de 1969 e de 1970. Sua carreira foi pontuada
de premiações, em pintura, desenho ou serigrafia.
A premiação de Lothar Charoux homenageava a fase de maturidade
de suas escolhas estéticas, na medida em que seu desenho, muito antes
(em 1957), recebera reconhecimento do crítico Mário Pedrosa. Tendo sido
contemplado, em 1956, com o primeiro Prêmio Leirner em Desenho, láu-
rea dividida com Arnaldo Pedroso D’Horta,6 recebeu do crítico manifes-
tação de apoio ao seu desenho que, segundo Pedrosa era“[...] expressão

direta e simples dos princípios mais rigorosos do concretismo” [...] “O de-
senho de Charoux é uma pesquisa ardente de precisão e objetividade.”
(PEDROSA,1998,258)
Seus cinco desenhos, recém criados em 1971, mantinham títulos7 como
Círculos, Quadrados, soluções formais norteadas pela justeza e precisão ma-
temáticas que criavam efeitos óticos numa luminosidade fosforescente. O
observador é conduzido para o mundo da racionalidade dos quadrados e
círculos, composições rigidamente controladas produzindo um dinamismo
perceptivo, efeitos de movimento e ritmos gerados pelas linhas.
O prêmio de Gravura do Panorama de 1971, por seu turno, coube a
Maria Bonomi (1935) com cinco xilogravuras, datadas de 1970.8 A artista
dá-lhes títulos que “definem o nome da idéia.” Bonomi como Charoux si-
tuam-se na não-figuração, embora com entendimentos diferenciados do
impulso gerador das obras. Em Bonomi, os títulos derivam de anotações
e registros da experiência da artista no mundo: filmes vistos, viagens re-
alizadas, notícias de jornal guardadas, diferentes histórias e fatos vividos,
incluindo até mesmo objetos vistos. Uma experiência sensível estrutura
as formas gravadas.
Italiana, nascida em Meina, Bonomi chegou ao Brasil em 1944. Após
um período de formação em pintura, descobre a gravura a partir de uma
exposição de Lívio Abramo, em 1953, no MAM paulista, com quem vai
aprender xilogravura. Fez curso de gravura e de artes gráficas no exte-
rior.9 Voltando ao Brasil, em 1959, após três anos fora, frequentou o curso
inaugural de gravura em metal de Johnny Friedlaender, no Ateliê Livre do
MAM, no Rio de Janeiro. Neste mesmo ano, ganhou o Prêmio Aquisição
da Bienal paulista, o mesmo acontecendo em 1963. Desde 1960 até 1964,
esteve trabalhando com Lívio Abramo, no Estúdio Gravura, núcleo de en-
sino que fundaram juntos.

Na mostra Bienal de São Paulo, chegaria mais longe em 1965, arre-
batando o Prêmio de Melhor Gravador Nacional. Seu destaque, nos anos
1960, não se deu somente na bienal brasileira e/ou mostras nacionais,
mas também, em duas importantes bienais internacionais: na de Veneza
(1964), com Sala Especial e, na de Paris (1967), contemplada com o Prêmio
de Gravura. Juntamente com outros experientes gravadores,10 foi júri da
importante mostra Jovem Gravura Nacional, promovido pelo MAC/USP,
em sua segunda edição, em 1966.11
Os dois premiados deste Panorama, Charoux e Bonomi, afinavam-se
quanto ao pensamento sobre a arte - tanto o desenho quanto a gravura -
como expressão autônoma. Observa-se que, por caminhos diferentes de
manifestação, no território disponível desta autonomia, representaram
naquela oportunidade, soluções conceituais que haviam travado intenso
combate, nos anos 1950, no seio dos abstracionismos nascentes, no eixo
Rio-São Paulo. Existiram muitos ramos de cada um dos caminhos percor-
ridos por estes artistas.
Neste Panorama, coexistiam como tendências diferenciadas, mas
afinadas na recusa de submeter suas criações ao processo de representa-
ção da realidade física do mundo natural. Nesta questão, sem polaridades
históricas. Constituiam, para cada um, um campo de ação, onde a prática
da liberdade formal os caracterizaria com especificidades. Para o artista
e crítico Theon Spanudis (1913-1986), envolvido com a poesia concreta,
as duas vias históricamente situadas em oposição beligerante, nos anos
1950, deveriam ser tratadas de “arte das formas”, aquela que resultaria de
um controle das ideias e formas segundo princípios da geometria (caso
de Charoux), e “arte das formações”, a obra mobilizada pelo fluxo da exis-
tência em cujo processo de trabalho o artista incorpora acontecimentos
e materialidades no ato formativo (caso de Maria Bonomi). (SPANUDIS,
2011:135-143)

O júri, com os dois premiados, resgatava certa fronteira histórica
entre as tendências, passadas duas décadas dos intensos debates que
caracterizaram a oposição ferrenha de críticos e de artistas na defesa das
respectivas abstrações.
O destaque dado aos premiados pela Comissão os torna portadores
das ideias que sustentaram este debate histórico sobre inúmeras ques-
tões relativas ao desenho, à gravura e à produção artística e cultural nos
anos 1950/60. A Comissão de Premiação era de inquestionável compe-
tência e experiência no campo das artes sobre papel, a mais numerosa
comissão dentre os Panoramas de Desenho e Gravura, se consideradas as
edições de 1974/1977/1980. Nove respeitáveis críticos de arte analisaram
o conjunto de 111 expositores.12 Tratava-se de um grupo de críticos ativos,
entre 1940-1970, no eixo Rio-São Paulo. (DURAND, 1989:241)
Paulo Mendes de Almeida era o elo entre as duas comissões - Comis-
são de Avaliação (Premiação) e a Comissão de Seleção13 (esta responsá-
vel pelos convites aos artistas) da qual participava Diná Lopes (a criadora
da mostra), que atuara na organização das bienais paulistas de 1963 e
1965, na qualidade de Secretária Geral da Fundação Bienal de São Paulo.
A missão das duas comissões era destacar os desenhistas e gravadores no
cenário contemporâneo nacional premiando suas obras que permanece-
riam, por aquisição ou doação, no acervo do MAM/SP.
Para além dos dois premiados, aqui destacados, qual gravura inte-
ressou a esse numeroso grupo de críticos e personalidades da cultura
artística nacional? Que cenário de época foi montado, constituindo-o ob-
jeto do exercício da crítica de arte, no ano de 1971?
O cenário resultou em um conjunto revelador das práticas e repre-
sentações culturais, uma pluralidade criativa e de interesses artísticos
que ampliara significativamente o lugar da gravura moderna, no cená-
rio das artes visuais. As mostras específicas do Panorama e respectivos

procedimentos seletivos revelam-se enquanto instâncias que reforçam o
valor do campo de produção da gravura. Os críticos, ao reconhecerem a
qualidade artística das criações selecionadas, concedem-lhes uma histo-
ricidade. (ARGAN, 1992:19).
Legitimam as experiências dos jovens artistas, consagram os gra-
vadores experientes, agenciam a produção de valor das tendências es-
téticas. (BOURDIEU, 1996:181) Pode-se assegurar que a mostra desem-
penhou um papel necessário para a consolidação do campo da gravura,
numa adesão ao pensamento de Bourdieu que constata: “[...] do objeto
fabricado à obra de arte consagrada, o trabalho de fabricação material
não é nada sem o trabalho de produção do valor do objeto fabricado.”
(BOURDIEU, 1996:198)
Embora a mostra objetivasse criar um mapeamento da produção
em gravura, no território nacional, o peso da seleção recaiu junto aos ar-
tistas atuantes em São Paulo e no Rio de Janeiro, naturais ou residentes
nas duas cidades, vindos de outras capitais brasileiras ou imigrantes.14
Esta preponderância geográfica pode ser justificada pela abertura e fun-
cionamento de múltiplos ateliês e cursos de gravura, no Rio de Janeiro e
em São Paulo.
A criação de núcleos de ensino, ateliês livres ou institucionais15 nas
duas cidades, desempenhou papel de instância fundante e responsável
pela vitalidade que a gravura apresentou nos anos 1950-70. Situação
que se registra igualmente no Rio de Janeiro.16 De sorte que as gerações
dos nascidos no final dos anos 20 (16 artistas) e na década de 1930 (20
artistas), uma maioria presente no Panorama 1971, eram tributárias da
orientação moderna de seus mestres, nos referidos núcleos. Os dois con-
juntos protagonizaram ativação deste meio de expressão, a partir do final
dos anos 1950, tendo sido responsáveis pelas significativas abordagens
inovadoras do processo gráfico. Marcaram ainda presença em outras

exposições como a Jovem Gravura Nacional (1964 e 1966) no MASP/SP
(LOUZADA,2011:219-225) e no RESUMO JB17 mostra mantida anualmente,
desde 1963, pelo MAM-Rio.
Do ponto de vista dos meios técnicos, houve equilíbrio entre os ar-
tistas com trabalhos em xilogravura (21) e com as diferentes possibilida-
des da gravura em metal(19). No entanto, bem reduzida foi a presença da
litografia e da serigrafia, com apenas três artistas para cada modalidade.
Apenas uma artista participava com um conjunto de colagravuras. Toda-
via, das 245 obras distribuídas em cinco técnicas, o conjunto mais nume-
roso era o de 124 xilogravuras, seguido por 90 trabalhos em diferentes
técnicas do metal, 11 litografias, 15 serigrafias e 5 colagravuras.
No que diz respeito às afinidades artísticas entre os gravadores, ob-
serva-se de pronto, uma presença significativa de trabalhos na estética
dos abstracionismos. Deu-se visibilidade à prática, que se afirmava no
campo das artes gráficas, marcada pelo caráter experimental, com par-
te decisiva de responsabilidade pela reelaboração dos valores e fins da
gravura. Interessou-nos o levantamento da presença da arte abstrata in-
formal nesta e nas outras edições específicas de 1974/77/80, uma vez que
esta tendência foi mantida à sombra da produção abstrata racional, por
críticos e estudiosos da arte. Para a artista Fayga Ostrower, os críticos “ti-
veram um certo medo da arte informal como também tiveram da gravura.
Nem se deram conta de alguma coisa que estaria acontecendo debaixo
dos seus narizes”. (COCCHIARALE&GEIGER,1987:175).Quem a praticava,
por onde transitava e onde era exposta?
Maria Bonomi, a grande premiada, avançara livremente numa
pesquisa de ateliê gerando da mesma maneira que seus colegas deste
grupo procedimentos criativos que findaram por expandir os limites da
xilogravura e da gravura em metal como oficios da tradição. Como ela,
outras gravadoras, na xilogravura, como Fayga Ostrower, Conceição Piló,

Dorothy Bastos, Miriam Chiaverini e Isar Berlinck, ampliam o papel da ma-
triz, explorando suas fibras e sulcos que se integram visualmente à ima-
gem estampada. Na construção de seus universos poéticos, tais artistas
apropriam-se dos procedimentos tradicionais da gravura com liberdade
e de maneira singular, gerando obras onde muitos aspectos dos códigos
conhecidos são renovados.
Com estas artistas, a exploração da madeira vai além de um supor-
te para o registro de formas e de seus gestos. Evitam muitas cópias que
danificam a materialidade destas fibras, pois precisam delas íntegras, con-
servadas, participando ativamente nas soluções formais propostas. Para
muitos artistas, o processo de impressão também passava a ato criativo o
que estimulava deslocamentos de matrizes, abordadas como formas au-
tônomas com as quais operavam superposições, justaposições, além da
inclusão de entintamentos aleatórios, no exato momento da impressão.
O mesmo fazem os gravadores do metal, liberando a ação e o tem-
po dos ácidos e empregando instrumental próprio, em busca de textu-
ras constituintes de uma espacialidade intuitiva como preferiam Edith
Behring, Isabel Pons e Marília Rodrigues. Ou imprimindo à chapa de metal
uma condição plástica, de relevo, com um processo muito particular de
esculpir, de escavar suas chapas como Arthur Luiz Piza.
Em serigrafia, Vera Barcellos, e com a litografia, Bethy Giudice e ainda
Stella Maris Bertinazzo, em montagem com clichês, também exploraram
uma espacialidade gerada com a imaginação, experiências tributárias de
seus mundos interiores. A estruturação da imagem resulta de um experi-
mentalismo incorporado em sua busca, cujo germe ajusta-se às necessi-
dades expressivas do artista.
No âmbito do abstracionismo geométrico (“arte das formas”), ex-
põem obras João Luiz Chaves (com técnicas mistas do metal), Massuo
Nakakubo (com serigrafias), Sérvulo Esmeraldo e Odetto Guersoni (com

xilogravuras) norteados por uma índole construtiva que nutre racional-
mente sua produção. Suas pesquisas sustentam-se no apurado traçado e
preciso corte de gestos amparados em instrumental de desenho técnico.
Os quadrados e círculos - as placas gravadas ou recortadas - são organi-
zados para criar ilusão de movimentos, simetrias, equilibrios perfeitos em
superfícies coloridas. São inúmeras as combinações, justaposições. Solu-
ções para um espaço de controle.
Outro grupo de gravadores retoma a figuração, muitos deles, após
experiências com a abstração. Compõem suas gravuras com um repertó-
rio visual de objetos cotidianos, de elementos da natureza, de figuras hu-
manas simplificadas, de corpos fragmentados em estruturas geométricas
ou integradas com formas livres e soltas, pois igualmente não lhes inte-
ressa o propósito realista da representação. A liberdade com a função da
matriz também é experimentada, fragmentos que resultam em relevos (a
não-gravura). Numa realidade figurativa, potencializam a matéria criando
espacialidades inusitadas, integrando vivências interiores constituídas de
reminiscências, como é o caso de Anna Letycia, Anna Bella Geiger, Rossini
Perez, Danúbio Gonçalves, Vera Mindlin, Moacir Rocha, entre outros.
Outras postulações figurativas vão desde a paisagem naturalista de
Geza Heller a estruturações pop, como as gravuras em metal de José Lima
e de Roberto De Lamônica, como as xilogravuras de Emanoel Araújo e de
Sonia Castro, assim como as serigrafias de Décio Novielo e as litografias
de Lotus Lobo. Fragmentos da realidade são reordenados livremente na
imagem, revelando “a argúcia do pormenor eloquente” consideração feita
para a gravura de Evandro Carlos Jardim (NEISTEIN,1981:93) e que pode
ser estendida aos demais artistas.
Bethy Giudice e Lucília de Toledo articulam signos. Com figura-
ções fantásticas, referenciadas ao repertório da cultura popular, Gilvan
Samico refina o traço. Paulo Menten e Newton Cavalcanti mantendo a

rusticidade do traço e a simplificação figurativa, próprias deste univer-
so, reativam o campo no qual a xilogravura encontrou terreno fértil de
expressão, como “autêntico” caminho para o trato da questão identitária
nacional, no Brasil.18 Em outro caminho, vinculadas a outras questões, na
gravura em metal ou na xilogravura, sínteses figurativas e depurações
formais constam das obras de Babinsky, de Calasans Neto, de Grudzinsk,
de Dora Basílio, entre outros.
Um criterioso mapeamento foi traçado nesta mostra de 1971, sele-
ção, que contemplou os personagens centrais da continuidade da afir-
mação da gravura como meio expressivo, e modalidade da reflexividade
moderna, representativo das escolhas estéticas que a singularizaram,
nas artes plásticas brasileiras. Parte significativa destes artistas firmou-
-se na gravura moderna, continuando a receber reconhecimento em
mostras interessadas em promover visibilidade a conjuntos históricos
da gravura nacional.
Como bons exemplos dessa realidade tem-se a Mostra Rio Gravura,
em 1999,19 na qual o Gabinete de Gravura MNBA20 mostrou seu acervo e
o Espaço Cultural dos Correios,21 exibiu parte das duas maiores coleções
particulares Guita/José Mindlin (São Paulo) e Mônica/George Kornis (Rio
de Janeiro). Em 2007, na Caixa Cultural a exposição itinerante,22 A Gravura
Brasileira na Coleção Mônica e George Kornis23, com produção de 1913 até
2006. Mais recentemente, a Estação Pinacoteca /São Paulo montou, em
2014, a exposição Gravura e Modernidade,24 com seu acervo institucional.
Muitos gravadores do Panorama 1971 foram expostos nestas mos-
tras, pertecendo aos acervos de importantes instituições públicas e priva-
das ou de coleções particulares. O PANORAMA de 1971 causou reestru-
turações no campo artístico da gravura. Como instância de celebração e
legitimação da produção gráfica garantiu posições históricas, agenciou
sentidos e valor para as obras.

“Um panorama rico e pobre” é o título que o Panorama de Arte Atual
Brasileira de 1971 recebeu, em matéria da Revista Veja, à época. Com sub-
título “Pobreza do Desenho”, o articulista refere-se à exposição lamentan-
do ter encontrado muita improvisação e despreparo técnico, neste meio
de expressão. Por outro lado, numa análise atenta do conjunto da Gravu-
ra, em “Riqueza da Gravura”, destaca a qualidade dos trabalhos em qual-
quer tendência. Observa que tanto os “expoentes” quanto as revelações
recentes ofereciam uma variedade e riqueza de criação, com qualidade.
Sensível ao perfil e à dimensão da mostra, que promovia uma se-
leção de obras que revelasse a história da gravura nacional e se consti-
tuísse em acervo do MAM/SP, o articulista acrescenta uma consideração,
em concordância com a argumentação tratada neste texto, podendo as-
sim, ser usada para encerrá-lo: “Ao contrário da Bienal, presa ao critério da
atualidade, o Panorama está livre para documentar a continuidade da
criação artística no Brasil. Por isto, longe de substituí-la, é o seu comple-
mento ideal.” (grifo nosso)
Notas
1
Inaugurada em 22 de abril, a mostra estendeu-se por seis meses. Dos 102 artistas, 21 eram
gravadores. Os artistas convidados estavam distribuídos em 5 “gêneros” a saber: Pintura,
52; Desenho, 21; Gravura, 21; Escultura /objetos, 5; Tapeçaria, 3. No campo da gravura, cons-
tavam, entre outros, Anna Bella Geiger, Anna Letycia, Dorothy Bastos, Edith Behring, Fayga
Ostrower, Marcelo Grassmann, Hansen Bahia, Maria Bonomi, Miriam Chiaverini, Newton
Cavalcanti, Odetto Guersoni, Paulo Menten e Yara Tupinambá.
2
Aconteceram em novembro do ano de 1969: "Retrospectiva de Hansen Bahia", 98 gravu-
ras do artista alemão que se fixou na Bahia, em colaboração com o Instituto Goethe; em
dezembro: "25 anos de Gravura de Marcelo Grassmann”. Toda a obra gravada do artista,
em colaboração com a Pinacoteca do Estado de São Paulo. Em janeiro de 1970: "Gravado-
res Romenos", 79 trabalhos dos melhores gravadores da Romênia, em colaboração com o

Consulado desse País; em abril: "Tamarind :•Homage to Litography", reunindo 90 peças de
55 dos mais famosos gravadores de todo o mundo, em seleção promovida pelo "MOMA;
em outubro: "ltalo Cencini: Desenho de 1945 a 1970", selecão de 110 trabalhos. Em abril de
1971: "Retrospectiva Scliar", compreendendo 473 obras, pintura, desenho e gravura, orga-
nização do crítico Roberto Pontual.
3
No Panorama de outubro de 1974, foram oferecidos quatro prêmios, dois para cada setor:
dois Prêmios MAM “de consagração”, para Gravura e para Desenho, e dois Prêmios “Estímu-
lo” da Caixa Econômica Federal destinados aos artistas mais jovens, respectivamente. Os
de estímulo valiam 5 mil cruzeiros. Em 1985, o setor Escultura passou a ser denominado,
“Formas Tridimensionais”; em 1995, foi suprimido o termo “Atual” passando a “Panorama
de Arte Brasileira”, tendo sido uma exposição itinerante (montagem também no MAM/Rio);
em 1999, a Comissão de Arte foi extinta, tendo sido substituída somente em 2002, pelo
Conselho Consultivo de Artes Plásticas; em 2001, passa a ter curadores, exposição sem o
título e sem premiação oficial mas apenas aquisição de obras pelo MAM/SP e periodicidade
bienal; em 2003, não houve obras doadas ou adquiridas pelo Museu, a mostra foi itinerante
(Rio, Recife, Vigo na Espanha, Bogotá), manteve-se a curadoria com o Conselho Consultivo
de Artes Plásticas; em 2005, volta a ter obras adquiridas / doadas; de 2005 a 2019, recebeu
títulos livres dados pelas respectivas curadorias.
4
Prêmios no valor de 15 mil cruzeiros com patrocínio da Loteria Federal.
5
Composição da comissão de Arte (Comissão de Seleção): Arnaldo Pedroso D’Horta, Arthur
Camargo Pacheco, Diná Lopes Coelho, Luis Arrobas Martins e Paulo Mendes de Almeida.
6
Neste ano, o 1º Prêmio em Gravura foi dividido entre Oswaldo Goeldi e Fayga Ostrower; e
o 2º, entre Lygia Pape e Maria Bonomi.
7
1. Círculos, 1971. 70x100cm; 2. Círculos, 1971. 70x100cm; 3. Círculo, 1971. 70x100cm; 4.
Quadrados, 1971. 70x100cm; 5. Quadrados, 1971. 70x100cm.
8
Balada do Terror 100x250cm;Codex, 100x235cm; Plena Engrenagem,100x235cm; U Sheri-
dan, 100x150cm e Salvo Conduto, 100x150cm.
9
Além de Lívio Abramo, sua formação em São Paulo contou ainda com Yolanda Mohalyi,
e Karl Plattner; na Itália com Emílio Vedova; em Nova York, além de Seong Moy e de Hans
Müller, também com Tânia Gorrman, Weinberger, Meyer Shapiro.
10
Além de Maria Bonomi, participavam do júri, Anna Letycia, Edith Behring, Fayga Ostrower,
Isabel Pons e Marcelo Grassmann.
11
Esta edição aconteceu no MAC/USP. A primeira, em 1964, foi uma mostra itinerante inau-
gurada em São Paulo e Ribeirão Preto, tendo percorrido, entre outras cidades, Belo Hori-
zonte, Curitiba e Florianópolis (em 1965). Estas edições foram direcionadas à Gravura e ao

Desenho, dois grupos como neste Panorama de 1971. A partir de 1967, a mostra estendeu-
-se às múltiplas técnicas e suportes das artes visuais tendo trocado de nome para Jovem
Arte Contemporânea. Participaram das duas edições dedicadas à Gravura (que somaram
59 gravadores), os artistas: Anna Bella Geiger, Emanoel Araújo, Evandro Carlos Jardim, Mi-
riam Chiaverini, Vera Barcellos e Zoravia Bettiol, também expositores do Panorama 1971.
Sobre o assunto ver: LOUZASA, Heloisa. VI JAC: experimentação institucional da história da
arte contemporânea brasileira, durante a ditadura militar”.
12
Antonio Bento (1902-1988), Carlos Cavalcanti (1909-1973), Geraldo Ferraz (1905-1979)
e Paulo Mendes de Almeida (1905-1986), Clarival do Prado Valladares (1918-1983), Flávio
de Aquino (1919-1987), Ferreira Gullar(1930-2016), Frederico Morais (1936), e José Rober-
to Teixeira Leite (1930), autor do livro A Gravura Brasileira Contemporânea (em 1ª edição
em 1965 e 2ª, em 1966), marco da gênese de uma consciência histórica da linguagem da
gravura. Publicação que se afirmou como fonte para o conhecimento dos artistas e funda-
mental para a compreensão das ideias que circulavam no momento mesmo da ativação da
gravura, na década de 1960.
13
Com participação de Arnaldo Pedroso D’Horta (1914-1973), Arthur Octavio Camargo Pa-
checo, Luis Arrobas Martins (1920-1977).
14
Vindos da Alemanha, Polonia, Hungria, Tchecoslováquia, Espanha e Iugoslávia.
15
Além dos cursos de gravura no Liceu de Artes e Ofícios e Escola de Belas Artes, a partir
dos anos 1950, foram criados vários espaços de aprendizado e prática da técnica: Curso de
Gravura na Escola Livre de Artes Plásticas no MASP/SP (1952); Oficina de gravura da Escola
de Artesanato do MAM-SP(1953-59); Estúdio Gravura (1960/64); Oficina de Gravura na Es-
cola de Arte da FAAP (1961).
16
Oficina de gravura no Liceu de Artes e Ofícios (1914); Curso de Desenho de Propaganda
e de Artes Gráficas na Fundação Getúlio Vargas (1946); Oficina de Gravura da Escolinha
de Arte do Brasil (1952); Curso de gravura em metal no Instituto Municipal de Belas Artes
(1953); Curso de Especialização da Gravura de talho doce, da água-forte e xilografia na Es-
cola Nacional de Belas Artes (1951); Ateliê livre de Gravura do MAM (1959).
17
O RESUMO JB foi uma exposição periódica no Rio de Janeiro, a partir de 1963 e durante
10 anos. Participavam da seleção todos os artistas que tivessem realizado, em Institui-
ções oficiais ou galerias comerciais, uma individual no Rio de Janeiro, no ano anterior à
seleção. Eram escolhidos artistas das diferentes modalidades artísticas, sendo a gravura
apresentada, em média por dois a três artistas. Muitos artistas paulistas e de outros es-
tados brasileiros buscavam realizar exposições no Rio para serem incluídos no processo
seletivo. A escolha das melhores individuais do ano beneficiavam não só os artistas, mas
estendia prestígio às instituições e galerias promotoras. A mostra RESUMO JB realizou

uma articulação dinâmica de diferentes agentes do campo de produção de sentido à
gravura e às outras artes.
18
Ainda os artistas Edison Luiz; Rapoport; Wilma Martins; Zoravia Bettiol apresentam-se
com variações deste repertório.
Projeto da Prefeitura Municipal do Rio de Janeiro,sob a coordenação de sua Secretaria de
19
Cultura e o RioArte.
20
Gravura MODERNA Brasileira. Acervo do Museu Nacional de Belas Artes. Catálogo.15 de
setembro a 12 de outubro de1999, Rio de Janeiro.
21
COLEÇÃO Guita e José Mindlin. Coleção Monica e George Kornis. Espaço Cultural do Cor-
reios. Catálogo. 2 de setembro a 3 de outubro de 1999, Rio de Janeiro.
22
Montada no Rio de Janeiro, em outubro de 2007, foi levada para Curitiba, Salvador, Brasí-
lia e São Paulo, encerrando-se em setembro de 2008.
A GRAVURA Brasileira na Coleção Mônica e George Kornis. Catálogo. Caixa Cultural, Rio
23
de Janeiro, 2007.
24
GRAVURA e Modernidade. Gravura brasileira dos anos 1920 aos anos 1960 no acervo
da Pinacoteca de São Paulo. Gabinete de Gravura Guita e José Mindlin. Catálogo. Estação
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Maria Luisa Luz Tavora
Doutora em História Social-IFCS /UFRJ. Pós-doutorado - EHESS/Paris.

Professora Titular de História da Arte nos cursos de Graduação e no
Programa de Pós-graduação em Artes Visuais da EBA/UFRJ. Pesquisa a

gravura artística moderna no Brasil com publicação de vários artigos so-
bre o assunto, organizadora da série em três volumes: Gravura Brasileira
Hoje:depoimentos (1995/96/97). Pesquisadora CNPq. Membro da ANPAP
(Representação do Rio de Janeiro), do CBHA e da ABCA. Contato: marialui-
[email protected].

DESLOCAMENTOS TRANSATLANTICOS.
VICENTE DO REGO MONTEIRO, O
MODERNISMO PERNAMBUCANO E O
SISTEMA ARTISTICO NACIONAL.
DÉPLACEMENTS TRANSATLANTIQUES. VICENTE DO REGO MONTEIRO, LE MO-
DERNISME PERNAMBOUCAIN ET LE SYSTÈME ARTISTIQUE NATIONAL.
Carlos Henrique Romeu Cabral / IFPE - FRAMESPA
Deslocamentos, itinerários e formação do artística
Vicente de Paula do Rego Monteiro nasceu no Recife em 19 de novembro

de 1899, onde permaneceu até 1908, quando a família Rego Monteiro foi
transferida para o Rio de Janeiro. Ainda criança, Vicente entrou em con-
tato, pela primeira vez na capital carioca, com uma atmosfera cultural es-
pecífica de uma metrópole artística, rica em teatros, museus, exposições,
novas arquiteturas, novos ritmos e sabores. O projeto de formação peda-
gógica da família Rego Monteiro ofereceu para Vicente a oportunidade
de construir, desde sua infância, suas primeiras referências visuais sobre

o patrimônio artístico brasileiro. Esse processo de construção se desen-
volveu não apenas através de suas relações com o ambiente cultural do
Rio de Janeiro, mas principalmente no ambiente familiar, artisticamente
contaminado por sua irmã mais velha Fedora do Rego Monteiro, então es-
tudante da Escola Nacional de Belas Artes. Depois de passados três anos
no Rio de Janeiro, Vicente partiu para Paris com sua família e, em 1911,
matriculou-se no curso de escultura da Academia Julian, onde estudou
até 1914, como podemos observar na figura 1.
Figura 1. Ficha de Vicente do Rego Monteiro encontrada em um livro de caixa.

Archives Nationales, Fonds de l’Académie Julian, cota 63AS19.
A formação artística inicial desse Rego Monteiro e os anos de estudo

na Académie Julian lhe renderam ao longo de sua carreira como artista
visual, uma pequena produção de esculturas, realizadas principalmente

durante os primeiros anos de sua trajetória artística. Sua produção de es-
culturas se limitou à realização de algumas obras que foram exibidas em
Paris e outras destinadas às competições artísticas financiadas por agên-
cias governamentais brasileiras ou encomendas particulares.
Os primeiros passos de Vicente como artista visual não foram dados
no Brasil. Em 1913, aos 14 anos, Vincent expôs pela primeira vez no Salon
des Indépendants, em Paris, apresentando dois trabalhos (SANCHEZ, 2008,
p. 1449). Um ano após sua estreia no mercado dos salões e enfrentando o
iminente início da Primeira Guerra Mundial, Vicente voltou ao Brasil acom-
panhando sua família que se estabelecera novamente no Rio de Janeiro.
Durante sua segunda estada na capital carioca, Vicente aprofundou seu
contato com a cultura brasileira através de inúmeras visitas ao Museu Quin-
ta da Boa Vista, no Rio de Janeiro, lar de uma rica coleção de arte pré-colo-
nial brasileira que mais tarde influenciaria fortemente a produção visual do
artista, estabelecendo então as bases do projeto antropofágico nacional.
Transferido para Recife em 1917, Vicente se “despediu” da escultura
tendo sua produção artística, então substituída, a partir de 1818, pela
pintura, pelo desenho e pela literatura, linguagens que o acompanha-
ram até o fim de seus dias. Segundo o artista, ele abandonou a escultura
“porque é um material difícil de se transportar: enquanto um pintor faz
10 pinturas e resolve o problema do espaço, o escultor cria uma obra e
confronta as dimensões físicas” (REGO MONTEIRO, 1957, p. 3). As difi-
culdades apontadas por Vicente nessa linguagem artística indicam que,
desde o início de sua carreira, o artista concebe os processos de desloca-
mento e de circulação de obras de arte como um fator importante para
o seu desenvolvimento profissional e determinante para o desenvolvi-
mento de sua poética visual.
Vicente do Rego Monteiro iniciou sua carreira como pintor, produ-
zindo retratos a óleo feitos sob encomenda pela rica burguesia do Recife.

Alguns desses retratos foram exibidos na capital pernambucana em vitri-
nes de algumas lojas e frequentemente, na Galeria Elegante, uma espécie
de espaço improvisado com exposições temporárias pertencentes à As-
sociação dos Trabalhadores do Comércio de Pernambuco. Paralelamen-
te ao gênero do retrato, Vicente experimentou outras possibilidades de
criação e, desde o início de sua carreira de pintor, materializou através
de suas imagens, mitos e cenas de um Brasil exótico, místico, mestiço e
atraente. Ele se interessou, conforme a figura 2, pela arte primitiva e en-
controu na mitologia indígena brasileira as primeiras fontes de inspiração
para a construção de sua primeira série de pinturas, exibida em 1920 ini-
cialmente em Recife e depois nos centros culturais do Sudeste do Brasil.
Figura 2. Vicente do Rego Monteiro, O Boto, 1921, aquarela e nanquim sobre papel,
35,4 x 26 cm. Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo.

Segundo o depoimento do artista (REGO MONTEIRO, 1969), esses
trabalhos foram inicialmente, temas para a criação de balés brasileiros
que deveriam ser orquestrados pelo músico Villa Lobos e produzidos por
Ronald de Carvalho. Certamente estes foram os trabalhos resultantes
também, da influência exercida por Ana Pavlova e pela Companhia dos
Balés Russos em Vicente, que assistiu a todos os seus shows em Recife
durante uma turnê do grupo no Brasil em 1918.
As pinturas feitas por Vicente no início dos anos 20 refletem uma for-
te influência da pesquisa visual desenvolvida na Europa por artistas sim-
bolistas, combinada com a escolha de uma paleta de cores da Amazônia,
composta por poderosos tons de terra para destacar o significado onírico
de suas narrativas sobrenaturais. A modernidade na pintura de Vicente do
Rego Monteiro ocorre de maneira particular em comparação com outros
pintores brasileiros e estrangeiros. Sua escolha de redescobrir a ancestrali-
dade cultural brasileira antecipa os fundamentos do movimento antropo-
fágico e contribui para a criação da identidade visual nacional moderna.
Circulação, redes e internacionalização

da arte moderna brasileira
Vicente permaneceu em Recife até 1921, ano que marcou seu retorno
para Paris. Durante esse período, o artista organizou oito exposições in-
dividuais. Nesse sentido, a capital pernambucana serviu de palco para a
apresentação das experiências simbolistas produzidas por Vicente, que
despertaram o interesse da elite intelectual do Recife e permitiram ao ar-
tista de colher críticas positivas na imprensa local. Somente na década de
1920, outras regiões brasileiras entraram em contato com a pesquisa vi-
sual antropofágica de base simbolista desenvolvida por Vicente do Rego
Monteiro. Em 1920 e 1921 ele organizou duas exposições no sudeste do

Brasil, uma em São Paulo e outra no Rio de Janeiro, o que permitiu ao
artista colocar seu nome e sua obra em circulação nos principais merca-
dos artísticos existentes no país. Apesar do baixo retorno financeiro, esses
eventos deram ao artista uma cobertura positiva e discreta nas imprensas
paulista e carioca. As exposições também permitiram que ele conhecesse
mais pessoas interessadas em seu trabalho, iniciando uma rede de con-
tatos interessantes para o desenvolvimento de sua carreira como pintor.
Durante sua estada em São Paulo, Vicente fez contato com Ronald
de Carvalho, poeta e articulador cultural, a quem o pintor confiou algu-
mas de suas obras, muitas das quais fizeram parte da exposição de artes
visuais que compunha o programa da Semana de Arte Moderna de 1922.
Após sua visita às cidades de São Paulo e Rio de Janeiro, Vicente do Rego
Monteiro, decepcionado com o mercado de arte brasileiro, decidiu partir
para Paris, com várias pinturas em sua bagagem pertencentes a fase sim-
bolista de temática indígena.
Chegando em Paris em 1921, Vicente abriu seu estúdio na rua Gross1,
restabeleceu contato com o escultor ítalo-brasileiro Victor Brecheret e
com um comerciante chamado Togores, que ele conheceu durante sua
exposição em São Paulo em 1920. Através de seu relacionamento com
Brecheret e Togores, Vicente começou a criar uma rede de contatos em Pa-
ris que contribuiu positivamente para sua inserção como artista profissio-
nal no circuito artístico francês. Com Togores, visitou Leopold Zborowski,
marchand de Mondigliani, e o escritor francês Pierre Louis Duchartre que,
conhecendo o trabalho de Vicente, o convidou para ilustrar um de seus
livros (DUCHARTRE, 1923). Através de Brecheret, Vicente fez contato com
os irmãos Jean e Joel Martel, escultores franceses que posteriormente o
apresentaram ao escritor Fernand de Divoire, o que levou Vicente ao seu
segundo trabalho como ilustrador em Paris (DE DIVOIRE, 1924).
Após uma curta estadia em Nice (1923-1924), financiada pela ven-
da de algumas de suas pinturas à artista brasileira Tarsila do Amaral, que

esteve em Paris em 1923 (ROSSETI, 2012, p. 255), Vicente retornou a Paris
em 1925 e logo depois do seu retorno, seu ateliê sofreu um incêndio des-
truindo grande parte de suas obras. Após esse desastre, ele estabeleceu
contato com o escultor espanhol Pablo Gargallo, muito próximo de Pablo
Picasso, a quem Vicente cedeu seu ateliê em cinzas, para que o escultor
pudesse se instalar. Vicente ampliou ainda mais sua rede de contatos, jun-
tando-se ao escultor Juan Gris e ao crítico de arte Géo-Charles, próximo
de Gargallo, que estabeleceu com Vicente uma forte relação profissional e
pessoal, gerando conquistas importantes para Rego Monteiro.
Enquanto desenvolvia sua experiência como ilustrador em Paris,
Vicente continuou a exercer sua atividade como pintor, afastando-se da
pintura simbolista e explorando novas possibilidades de construção visu-
al próximas à lógica cubista. As obras artísticas de Vicente do Rego Mon-
teiro, desde sua chegada a Paris em 1921, são compostas principalmente
por figuras geométricas pertencentes ao universo indígena brasileiro e
marcadas por uma forte influência dos trabalhos e conselhos de seu pro-
fessor em Paris, Fernand Léger, conforme observamos na figura 3.
Figura 3. Vicente do Rego Monteiro, A caçada, 1923, óleo sobre tela, 202cm x 259,2
cm. Centro Pompidou, Paris

A figura 3 mostra o interesse de Vicente pela cultura indígena brasi-
leira e, mais especificamente, pela cerâmica Marajoara, produzida pelos
indígenas que habitavam a ilha de Marajó, localizada no estado do Pará.
As formas, decorações, figuras antropozoomórficas e cores, característi-
cas da cerâmica marajoara podem ser encontradas claramente nesta pin-
tura de Vicente.
Nos anos 1920, a produção artística de Vicente do Rego Monteiro
concentrou-se principalmente em Paris. Com a presença de seus traba-
lhos em várias salas de exposições, o artista circulou suas pinturas e de-
senhos em diferentes salões organizados em Paris, contribuindo assim
com o processo de internacionalização da pintura moderna brasileira.
Entre 1923 e 1929, Vicente participou de dez exposições coletivas dividi-
das entre o Salon des Indépendants (SANCHEZ, 2008, p. 1449), o Salon des
Tuileries (SANCHEZ, 2007, p. 629) e o Salon d’Automne (SANCHEZ, 2006, p.
1160). Sua presença constante nos principais salões modernistas de Paris
trouxe a Vicente um maior interesse por parte da crítica de arte francesa
por sua obra. Rego Monteiro também recebeu o apoio do galerista Léon-
ce Rosemberg e seu boletim de notícias L’Effort Moderne, que reproduziu
algumas de suas pinturas em três edições2.
Vicente, o modernismo pernambucano

e o sistema artístico nacional
Depois de passar a maior parte da década de 1920 em Paris, Vicente re-

tornou ao Brasil em 1930 acompanhado por Géo-Charles para organizar
uma grande exposição internacional de arte moderna, composta por várias
obras de arte fornecidas principalmente pelo marchand Léonce Rosemberg.
A exposição apresentou no Brasil, inicialmente em Recife, uma série de con-
ferências e diversas obras de arte de artistas de vanguarda, produzidas no

início do século XX, reunindo nomes de muitos cubistas, expressionistas,
surrealistas e abstracionistas como podemos observar na figura 4.
Figura 4. Lista de artistas expositores da Exposição Internacional École de Paris no

Brasil. Revue Montparnasse, Paris, 1930, n° 58, p. 1.
A exposição organizada pela dupla Rego Monteiro e Géo-Charles

foi a primeira a reunir um grupo de artistas renomados integrantes da
Escola de Paris, bem antes da exposição de 1945, dedicada à Escola de
Paris que o governo francês organizou. Este evento atualizou o sistema
cultural de Pernambuco, de São Paulo e do Rio de Janeiro, a partir da in-
trodução de várias obras relacionadas a certas tendências estéticas nunca
vistas no país. Após o término da exposição da Escola de Paris, Vicente

se instalou novamente no Brasil, chegando a Recife em 11 de novembro
de 1931 (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1931, p. 2) com sua esposa Marcelle
Louis Villard e com muitos projetos para o futuro após a aquisição de uma
propriedade rural graças à venda de algumas poucas pinturas da exposi-
ção da Escola de Paris.
Residindo na zona rural da cidade de Gravatá, a 86 km da capital
do estado de Pernambuco, Vicente dedicou-se a duas novas atividades:
produção de cachaça e produção literária. A produção de cachaça não
durou muito tempo, ja a literatura o acompanhou até o final de seus dias.
Na destilaria Várzea Grande, o artista produziu duas cachaças que foram
comercializadas em Pernambuco na década de 1930: a cachaça Cristal e a
cachaça Várzea Grande. Vicente coordenou o processo de produção des-
sas bebidas espirituosas, desde a plantação de cana até a fabricação de
rótulos, o que permitiu a introdução de uma bebida de alta qualidade no
mercado brasileiro, com um design elegante e moderno. No entanto, de-
vido ao baixo custo de comercialização do produto e à forte concorrência
no estado de Pernambuco, um dos principais centros de produção de ca-
chaça no mundo, a empresa não forneceu a Vicente um retorno financeiro
positivo, o que levou o artista empreendedor a interromper a produção
de suas cachaças em 1937.
Nomeado em 1936 pela Ação Monarquista Brasileira, secretário
provincial do estado de Pernambuco, Vicente deixou o Engenho Várzea
Grande e se estabeleceu na cidade de Recife, estreitando relações com fi-
guras influentes da cena política, como Agamenon Magalhães, represen-
tante federal do estado de Pernambuco (1937-1945). No ano seguinte,
em 29 de janeiro, Vicente foi nomeado diretor de imprensa do estado de
Pernambuco (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1937, p. 3) e tornou-se membro
associado da Associação de Imprensa do Estado. Um ano depois de as-
sumir o cargo de diretor da imprensa oficial em Pernambuco (DIARIO DE

PERNAMBUCO, 1937, p. 3), Vicente assumiu outro papel administrativo
no governo, atuando como consultor legislativo e econômico do estado
(DIARIO DE PERNAMBUCO, 1938, p. 1).
A produção artística construída por Vicente do Rego Monteiro na
década de 1930 ocupou um lugar secundário na vida profissional do ar-
tista. Depois de se dedicar à fabricação de cachaça e às suas atividades
políticas e administrativas, a pintura de Rego Monteiro não sofreu gran-
des transformações, continuando a seguir a mesma lógica de composição
presente em sua produção na década de 1920 em Paris. O reconhecimen-
to do patrimônio artístico de Vicente e sua importância no desenvolvi-
mento da arte moderna latino-americana durante esse período já eram
visíveis em Paris, não apenas pela aquisição de uma de suas obras pelo
Museu de Arte Moderna da cidade, mas também por sua participação na
exposição inaugural da Casa da América Latina em Paris em 1930. Nesse
sentido, Vicente foi institucionalmente inserido em um grupo de artistas
considerados pela crítica de arte internacional como vetores responsáveis
pela introdução e pelo desenvolvimento de várias vanguardas em diver-
sos países da América Latina.
A passagem da década de 1930 para a década de 1940 marcou sua
integração na esfera artística brasileira através da participação em exposi-
ções como artista visual e também como professor de desenho no Giná-
sio de Pernambuco em 1939 (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1939, p. 5), cargo
que ocupou até 1946, quando ele decidiu voltar para Paris onde conti-
nuou a se dedicar à poesia, ilustração e publicação de livros. Durante sua
estada em Recife, na década de 1940, Vicente também contribuiu para
o desenvolvimento dos processos de impressão e publicação gráfica em
Pernambuco, criando sua Presse à Bras, composta por uma impressora
manual que lhe permitia imprimir e publicar poemas, ilustrações e repro-
duções de obras de arte de artistas e escritores modernistas brasileiros e

franceses. Nesse sentido, Vicente contribuiu para a expansão de espaços
dedicados às atividades literárias em Pernambuco, desenvolvendo sua
atuação profissional como poeta, editor e produtor cultural. Em 1941,
criou o primeiro congresso de poesia de Recife, estruturado a partir de
várias sessões realizadas nas residências de intelectuais pernambucanos,
como Octavio de Freitas, Willy Lewin e também em sua própria casa, uma
espécie minimuseu e casa de pesquisa e inspiração para muitos artistas
de Pernambuco:
Eu tinha na minha casa uma sala muito confortável, muito simpática,

onde mantinha uma espécie de exposição permanente de quadros
que trouxe de Paris. Eu tinha um quadro de Marcusi, de Herbin, abs-
tracionista, e os quadros de meu irmão Joaquim. A minha sala era
visitadíssima pelos pintores e intelectuais da época. (REGO MONTEI-
RO, 1969, p.2)
Ainda em Recife, Rego Monteiro organizou em 1946 outra edição do

Congresso de Poesia. Em sua segunda edição, o evento foi organizado em
colaboração com o poeta Edson Regis e com a contribuição de obras de
poetas e de escritores de outros estados do Brasil, como o poeta cearense
Otacílio Colares, que então organizou um congresso no mesmo modelo
em seu estado de origem.
Durante a década de 1950, Rego Monteiro dividiu sua produção ar-
tística entre as Artes Visuais e a Literatura e seu campo de ação, entre as
cidades de Paris e Recife. Durante esse período, é possível identificar as
cidades de Recife, Rio de Janeiro e São Paulo como os principais locais de
circulação da produção visual desse Rego Monteiro no Brasil, o que suge-
re um reconhecimento em nível nacional do artista. Com exceção dos ca-
ligramas, Vicente permaneceu fiel ao seu estilo pós-cubista desenvolvido
na década de 1920, reproduzindo a mesma paleta de cores e mantendo

o mesmo volume que caracterizou sua produção visual desde o início de
sua carreira como pintor. No final da década de 1950, Vicente continuou
a colher os benefícios de sua produção na década de 1920, conquistan-
do novos territórios na Europa. Em 1958, o Palais de Liège adquiriu duas
obras3 de Vicente e as exibiu no térreo do palácio, como afirma Géo-Char-
les (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1958, p. 16).
Depois de sofrer um ataque cardíaco em Paris, enquanto trabalhava
na Press à Bras, Rego Monteiro partiu para o Brasil e chegou novamen-
te a Recife em 1º de março de 1957 (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1957, p.
1), onde permaneceu até o fim de sua vida. De volta a Pernambuco, Rego
Monteiro foi imediatamente nomeado professor de desenho no Ginásio
Pernambucano e, no mesmo ano, também foi nomeado professor encarre-
gado de aulas de natureza morta na Escola de Belas Artes de Recife, onde
formou uma geração de artistas. Desde que voltou ao Brasil e ingressou na
Escola de Belas Artes de Recife como professor, Vicente continuou a tra-
balhar para o mercado de arte na França, fazendo viagens anuais à Paris
durante as férias escolares.
Instalado definitivamente em Pernambuco, Vicente do Rego Montei-
ro, continuando sua produção como artista visual e poeta, procurou contri-
buir para o desenvolvimento do sistema cultural local através de seu com-
promisso com a criação de grupos e coletivos de artistas e também com sua
influência no cenário político pernambucano. Em 1963, Vicente ingressou
no conselho tributário da União dos Escritores Brasileiros, como chefe da
Divisão de Belas Artes (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1963, p. 3). Rego Mon-
teiro assumiu no ano seguinte a direção do departamento de turismo da
prefeitura de Olinda, aceitando o convite feito pelo prefeito da cidade, Eu-
frásio Barbosa. Após a mudança de prefeito realizada em Olinda em 1965,
ele permanecerá no cargo até dezembro daquele ano. Durante seu tempo
na prefeitura de Olinda, Vicente transferiu seu ateliê para o centro histórico

da cidade e estabeleceu contato com artistas locais para desenvolver várias
atividades culturais coletivas. Rego Monteiro participou também da criação
de dois ateliês coletivos em Olinda, fundados por artistas que muito con-
tribuíram para a solidificação do modernismo em Pernambuco. Em 1964,
criou com José Barbosa, Guita Charifker, Adão Pinheiro, Ypiranga Filho, Ro-
berto Amorim, João Câmara e José Tavares, o Ateliê da Ribeira, localizado
no recinto de um antigo mercado público, transformado em galeria de arte,
complexo de lojas de artesanato e espaço dedicado à realização de cursos
de artes plásticas e História da Arte (DIARIO DE PERNAMBUCO, 1964, p. 3).
No mesmo ano, Vicente também participou da criação do Ateliê +10, outro
espaço coletivo dedicado à produção e circulação de produtos artísticos na
cidade de Olinda. O desempenho de Rego Monteiro no sistema cultural da
cidade de Olinda foi rápido, e pouco depois de perder sua posição na pre-
feitura de Olinda, seguiu para a capital federal, Brasília, então comandada
pelo exército após o golpe de 1964. Em Brasília, Rego Monteiro atuou como
professor e chefe de impressão no Instituto Central de Artes da Universida-
de de Brasília entre 1966 e 1968, enquanto colaborava com o jornal local
Correio Brasiliense, onde publicou textos na seção de Turismo.
Vicente finalmente se aposentou em 1966, após a ocupação de seu
ateliê por estudantes revoltados contra a ditadura militar no país. Nesta
ocasião, muitas de suas obras e de seu irmão Joaquim do Rego Montei-
ro, foram destruídas. Após esse evento, Vicente decidiu retornar ao Recife,
onde continuou a expor e produzir seu trabalho como artista visual e poeta.
A década de 1960 marcou o reconhecimento de Rego Monteiro
como catalisador da pintura moderna no Brasil e na França, com obras
adquiridas por importantes museus4. O grande número de exposições
retrospectivas organizadas por galerias de arte e museus de ambos os pa-
íses aumentou consideravelmente a circulação da obra desse Rego Mon-
teiro. Entre as exposições coletivas em que o pintor participou, merece

destaque a exposição que ocorreu em 1967 na Galeria Katia Granoff, em
Paris, sob os auspícios de Stanton Catlin, professor da Universidade de
Yale e diretor do Centro de Relações Interamericanas de Nova York, que
reuniu os precursores da pintura moderna na América.
Desde a década de 1960, o trabalho de Rego Monteiro tem sido
amplamente abordado pela imprensa brasileira com artigos publicados
em diversas mídias e em diferentes estados e regiões. No entanto, apesar
do reconhecimento óbvio, é apenas a partir da década de 1970 que suas
obras foram valorizadas no mercado brasileiro. Os preços de suas pinturas
atingiram valores astronômicos em leilões de arte no início da década de
1970, ano que marcou a morte do artista, que veio a falecer dentro do
aeroporto de Recife, como resultado de um ataque cardíaco enquanto
se preparava para uma viagem ao Rio de Janeiro para participar de uma
exposição retrospectiva. Seu corpo foi velado na Escola de Belas Artes de
Pernambuco e enterrado em Recife no cemitério Santo Amaro.
Os últimos anos de Vicente do Rego Monteiro foram marcados por
várias complicações financeiras. As viagens de volta a Paris para encontrar
Marcelle, estabelecida na capital francesa desde o início dos anos 1960,
não foram suficientes para dissipar a solidão e as necessidades de Vicente.
Em Recife, o artista construiu uma segunda família em uma união extra-
conjugal com uma mulher chamada Crisolita (JORNAL DO BRASIL, 1994,
p. 1-2), mãe de sete filhos. Juntos, o casal teve um filho chamado Vicente
do Rego Monteiro Junior que, como seu pai, segue a carreira de pintor.
Notas
1
O atelier de Vicente, situado na Rua Gross, funcionou igualmente como um ponto de abri-
go para outros artistas e intelectuais pernambucanos como foi para o seu irmão mais novo,
o pinto Joaquim do Rego Monteiro, e para o sociólogo Gilberto Freyre.
2
N° 18 (out de 1925) – Les trois Religieuses et Nativité, N° 20 (dez 1925) – Mater Dolorosa et
le nu aux bras levés e N° 32 (fev 1927) – Adoration des berges.

3
Os Calceteiros e Gardien de vaches brésilien.
4
Paris - Musée du Jeu de Paume: L’Enfant et les Bêtes (1925), Musée d’Art Moderne: La
chasse (1923) e L’Adoration des Bergers (1927) ; Grenoble – Musée de Grenoble: Le Combat
(1927) ; Liège – Palais des Congrès Internationaux: Les Paveurs (1924) e Le vacher brésilien
(1927) ; Recife – Museu do Estado de Pernambuco: Diana (1926), Natureza Morta (1947) e
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Vicente do Rego Monteiro: A poesia rompeu o meu plafond. Diário de

DocReader/029033_13/38996
Carlos Henrique Romeu Cabral
Doutor em História da arte pela Université Toulouse II, professor do Ins-

tituto Federal de Pernambuco (IFPE), campus Olinda, coordenador do
comitê de História, Teoria e Crítica de Arte da Associação Nacional de
Pesquisadores em Artes Plásticas (ANPAP), membro pesquisador do la-
boratório France, Amériques, Espagne, sociétés, pouvoirs, acteurs (L’UMR
5136 FRAMESPA) e membro do Groupe de Recherche en Histoire de l’Art
Moderne (GRHAM). Contato: [email protected]

DO CORPO PARA O MUNDO:
O RISO EM RIO OIR (1976-2011)
DE CILDO MEIRELES
FROM THE BODY TO THE WORLD:

THE LAUGHTER IN RIO OIR (1976-2011) BY CILDO MEIRELES
Caroline Alciones de Oliveira Leite / UFRJ
e, eu, rio abaixo, rio a fora, rio a dentro

– o rio
--- João Guimarães Rosa, A terceira margem do rio.
rio oir
Ao soar nas questões do artista, o palíndromo rio oir desvelou bifurca-

ções para sua navegação; de saída, cabe indagar – rio verbo ou substan-
tivo? Cildo Meireles parece ter optado pelos dois caminhos ao mesmo

tempo. A palavra rio, transformada em palíndromo, atravessa fronteiras,
sai do lado daqui para o de lá, ecoa em um idioma vizinho ao nosso oir/
ouvir. A partir de um espelhamento, rio oir demanda uma escuta no in-
finitivo – ouvir.
Em entrevista à autora, Cildo Meireles1 relatou ter concebido a obra a
partir da palavra, do palíndromo. Em 1976, o artista pensava em fazer uma
colagem de trechos de sons de água comprados em arquivos: sons de
estúdios produzidos comercialmente para sonoplastia de filmes, desde o
mais imperceptível som de água até os de volume mais elevado que, con-
siderando o Brasil e a água doce, para o artista seria o som da Pororoca e
das cataratas do Rio Iguaçu. Para dar conta do riso, Cildo Meireles pensou
em utilizar uma bolsa de risos – laugh bag – que era vendida à época da
concepção da obra e que continha um alto-falante de baixa qualidade
que, quando acionado, disparava o som de uma risada. Além da captação
do áudio e da laugh bag haveria um terceiro elemento – um cartão postal
da cidade do Rio de Janeiro.
A ideia do artista ficou adormecida por trinta e cinco anos até que se
tornou possível despertá-la a partir do convite para participar do projeto
Ocupação do Itaú Cultural, que contou com o a curadoria de Guilherme
Wisnik, com recursos e com uma equipe grande. Neste cenário, Cildo Mei-
reles pôde alterar o projeto inicial, refinando a qualidade sonora de sua
obra através da captação do som de águas e de risadas para compor o
disco rio oir cujas cópias foram prensadas em Londres, a partir de uma tec-
nologia indisponível no Brasil, à época, e que permitiu imprimir a imagem
do Pão de Açúcar de forma espiralada no próprio vinil. (CACCURI, 2013) A
imagem completa do Pão de Açúcar somente parece ser possível quando
o disco se encontra dentro da capa que contém, também de forma espi-
ralada, as linhas que sugerem um encaixe com as do disco. O ponto de
vista da Cidade Maravilhosa é o de quem está do outro lado, na cidade

das águas escondidas, Niterói. Ao se retirar o vinil da capa, as linhas espi-
raladas remetem à sinuosidade dos rios quando vistos de cima. Segundo
o artista, o disco em si é a obra final – rio oir.
A banda oir inicia com o som das águas da Estação de Águas Emen-
dadas no Distrito Federal, onde Cildo Meireles começou a captura sonora.
Em seguida, surgem as águas da Foz do Iguaçu, no Paraná; para chegar
ao som da Pororoca, ou Poroc Poroc, como o artista se refere, no rio Ara-
guari, no Amapá; passando, ainda, pelo Delta do rio São Francisco, entre
Alagoas e Sergipe. Nesta expedição, a expectativa do artista em captar
sons da natureza esbarrou na realidade invertida do espelho – “nascentes
natimortas”, como as compreendeu Cildo Meireles, por já nascerem fada-
das ao fim a partir do desvio mais que precoce de seu curso, como no caso
de um dos riachos do rio Pipiripau (em Formosa, Goiás) cuja nascente foi
desviada para uma cisterna que abastecia as necessidades de um bingo
e de um restaurante. (MEIRELES, 2011a, p. 85) Nascentes de poços sendo
privatizadas, áreas de cachoeiras se transformando em privativas a partir
de cercamentos promovidos por resorts e o pressentimento de que “em
breve todas as águas fluviais do Brasil serão residuárias” (MEIRELES, 2011a,
p. 84) impactaram o artista, conduzindo-o a uma captação e reprodução
dos sons dos rios e também de águas residuárias.
O primeiro lado do disco apresenta a potência sonora de águas flu-
viais, de cachoeiras, da Pororoca, terminando com as águas residuárias
cujo som pouco nos atemos em nosso cotidiano apesar de sua patente
presença, como o som da água da torneira, do bebedouro, da descarga
sanitária etc. A característica de resíduo percebida nas águas fluviais dá
a dimensão da interferência do ato humano no curso dos rios, abrindo
margem para outra dimensão humana do disco de Cildo Meireles – o
riso – a partir do verbo conjugado na primeira pessoa do singular no
presente do indicativo.

O início da vida humana se apresenta no outro lado do disco não a
partir do choro, mas da gargalhada de um ser pouco mais que recém-nas-
cido em um diálogo entre a brandura e a força da gargalhada de um bebê
com o som suave da nascente do rio. Como se o ato de nascer não pre-
cisasse ser um rompimento, mas surgimento, calmaria e alegria. Adiante,
a risada da criança se multiplica em um aglomerado de risos de pessoas
que não vemos e que parecem nos rodear. O motivo das risadas é tão des-
conhecido como, a princípio, são os rostos daqueles que riem.
A expedição empreendida por Cildo Meireles e pela equipe que se
formou extrapolou os objetivos iniciais de captação de áudio e produção
daquele que seria o terceiro disco da produção do artista visual, apresen-
tando desdobramentos como fotografias, documentário, catálogo e uma
exposição no Itaú Cultural. A obra foi instalada em duas salas, sendo a
sala com baixa luminosidade aquela em que se podia escutar o som das
águas e que convidava a um cerrar de olhos e a abrir um espaço de refle-
xão, conforme relato do artista. (MEIRELES, 2011a) A sala na qual tocava
rio possuía paredes espelhadas como se fosse possível multiplicar as inú-
meras risadas em um procedimento análogo ao de posicionar um objeto
entre espelhos paralelos. Para Cildo Meireles, essa era a sala da dispersão,
um momento de abertura, de expansão para fora de si, como o artista
compreende ser o riso. (MEIRELES, 2011b) Em ambas as salas, o disco rio
oir (Figura 1), carregando vestígios da imagem do Pão de Açúcar, girava
como discos de redemoinho associados à ilusão de ótica.

Figura 1. Cildo Meireles, rio oir, 1976-2011. Fonte: Catálogo da exposição Entrevendo:
Cildo Meireles, Sesc Pompeia, SP
Antes de virar o disco
Cildo Meireles narra uma história das águas através das imagens sonoras
que se desenrolam de nossos ouvidos para dentro, evidenciando, tal qual
o artista e teórico Rodolfo Caesar defendeu, que “o som – esse suporte
privilegiado da música – não é facilmente dissociável da chamada ima-
gem.” (2012, p. 33, grifo do autor) Caesar não equipara o ato de ver ao de
escutar, mas alerta para o fato de que a imagem visual tem como seu o
estatuto imagético, apesar da existência tanto de imagens visuais quanto
de imagens sonoras. (CAESAR, 2013) Essa percepção não foi, no entanto,
inaugurada por Caesar, conforme pontuado pelo próprio artista e teórico.
Paul Valéry, em 1934, já alertava para esta questão, algo citado por Walter
Benjamin em A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica.

Rodolfo Caesar afirma que “todo som na verdade ou gera ou é ima-
gem, e que a disparidade de status entre ‘imagem’ e ‘som’ deveu-se prin-
cipalmente à falta de suporte físico onde se pudesse fixar o som – até
a invenção do fonógrafo.” (CAESAR, 2013, p. 172) Neste sentido, parece
possível compreender o som das águas captado por Cildo Meireles como
imagem. Uma imagem que se constitui à medida que as águas saem dos
alto-falantes e tocam nossos ouvidos inundando-nos de sua energia so-
nora, de seu curso tranquilo, no início; sendo tomado por estrondos em
um momento seguinte para, enfim, se dissipar no quase inaudível das
águas residuárias.
Rio oir não impõe ou estabelece imagens visuais idênticas para os
mais distintos pares de ouvidos e corpos que escutem a obra. De acordo
com o músico e pesquisador Fernando Iazzetta, nossa produção de ima-
gens não seria restrita à criação de objetos imagéticos, mas se daria, so-
bretudo, na conexão que estabelecemos “em nossas cabeças entre as coi-
sas e as figuras sonoras ou visuais, dessas coisas. Portanto, para que exista
uma imagem é necessário um ato de performance de quem escuta ou de
quem vê.” (2016, p. 395) Assim, parece pertinente observar a escuta para
além dessa relação possível entre a fonte sonora e uma figura, ao compre-
ender o som ele próprio como imagem, como significações que se dese-
nham a partir da performance que, no caso de rio oir, a obra demanda do
sujeito, cabendo a ele o estabelecimento de suas próprias conexões.
Cildo Meireles parece ter desenhado certo encadeamento sonoro e
deixado à disposição do sujeito a partir de sons que se afirmam como
imagens e que falam por si, revelando a história das principais bacias hi-
drográficas brasileiras. Se em 1976 o artista pensava em uma obra mais
poética, conforme suas declarações no contexto da abertura da exposi-
ção, a realidade encontrada na captura sonora das águas impôs um dado
crítico a quem conheceu, ainda na infância e na adolescência em Goiás,

os encantos das Águas Emendadas e de rios que cortam o solo brasileiro
e que, em 2011, apresentavam seu curso demasiadamente alterado pelo
homem. O registro sonoro produzido por Cildo Meireles a partir das águas
fluviais se apresenta de forma bifurcada entre a possibilidade de manter a
escuta em loop no som das águas ou de ir para o outro lado – virar o disco.
Um corpo que ri
O outro lado do disco começa com a risada de um bebê. Aos poucos, as gar-
galhadas de outras crianças vão se somando até que começam a surgir risa-
das de mulheres adultas, de homens, elas se embaralham, se adensam, se
diversificam. Quase ao final, gargalhadas que soam de forma mais madura
se apresentam e o emaranhado sonoro começa a se dissipar até que retor-
nam as risadas do neném. Há uma pausa e, em uma espécie de bis, emerge
uma última gargalhada – seria de uma bruxa? – e as gargalhadas cessam.
Em rio, a gargalhada de um bebê e a presença da risada nos primeiros me-

ses de vida parecem sinalizar que, antes mesmo de a voz saber articular
palavras, ela aprende a rir. Através da voz, a sonoridade da risada do bebê,
da criança e do adulto se faz possível. O artista e teórico Brandon LaBel-
le observa que a voz precisa deixar o indivíduo para revelar que ele está
vivo, fazendo referência ao paradoxo essencial da voz a partir do teórico
literário britânico Steven Connor,
Minha voz me define porque me atrai em coincidência comigo

mesmo, realiza-me de uma maneira que vai além do mero perten-
cimento, associação ou uso instrumental. E, no entanto, minha voz
é também mais essencialmente a ela mesma e a mim mesmo pelos
caminhos através dos quais ela se separa ou sai de mim. Nada sobre
mim me define tão intimamente quanto a minha voz, precisamente

porque não há outra característica minha cuja natureza seja, portan-
to, mover-se de mim para o mundo e de me mover para o mundo.
(CONNOR apud LABELLE, 2008, p. 103, tradução nossa)
Nascer é ter voz. As nascentes dos rios cantam suas águas da mesma
forma que o bebê que nasce grita suas lágrimas para, logo mais, poder
sorrir e gargalhar. Talvez o espelho mais revelador da realidade não seja
aquele em que Narciso mirou sua figura e estampa, tampouco aquele que
os colonizadores portugueses deram aos indígenas, mas sim a voz que
parte de dentro do corpo para o mundo, a voz que transporta para o mun-
do os mais íntimos traços da identidade.
De acordo com LaBelle, a voz performa a interseção entre som e lin-
guagem através do discurso; ao partir do interior do corpo para se pro-
jetar em espaços exteriores a voz pode encontrar outras vozes. LaBelle
observa o paradoxo de Steven Connor segundo o qual a ambivalência
da voz estaria, ao mesmo tempo, dentro e fora, uma vez que é falada e
ouvida na cabeça do falante ela se torna “sensação vibratória e respira-
ção expelida”, gesto significante e mensagem comunicável. Esta dinâmica
permite reconhecer “nossa voz apenas quando ela nos deixa, apenas no
momento de sua articulação”. (LABELLE, 2008, p. 105-106 tradução nossa)
O riso, em rio oir, parece se instaurar, sobremaneira, no âmbito daquilo
que se encontra no exterior, fixando-se na dispersão das múltiplas gar-
galhadas, que se valem do ar como suporte, na busca por corpos/sujeitos
nos quais possa reverberar.
A partir da voz, os risos e as gargalhadas evidenciam o prazer que há
em gargalhar, para si e para aqueles ao seu redor que, por contágio, podem
acabar gargalhando também. A gargalhada ressoa no corpo daquele que ri
ao mesmo tempo em que toca os corpos dos sujeitos ao seu redor, tal qual
a voz que, como exalação, “carrega consigo o interior daquele que fala; o

interior é essencialmente externalizado, para entrar no interior do ouvinte,
puxando-o para dentro do próprio interior do falante e forçando-o a com-
partilhar o estado que existe lá”. (LABELLE, 2008, p. 111, tradução nossa)
Cildo Meireles não utiliza sua risada em sua obra, antes, toma por
empréstimo risadas de corpos que não vemos, que não conhecemos.
Imagens visuais apagadas performando em nossos ouvidos, entrando
na intimidade de nossa escuta. Aqueles cujas risadas figuram em rio oir
desconhecem, por completo, os ouvidos que atingem tal qual, em um
primeiro contato, o sujeito que escuta a obra de Cildo Meireles desconhe-
cerá aqueles que, pelo feitiço promovido pela gravação do disco, riem ali,
ao seu redor e por dentro de seu ouvido. A menos que se leia na capa do
disco o nome dos responsáveis pelas gargalhadas e se escute no segundo
CD algumas gargalhadas que são identificadas pelos títulos das faixas, ao
menos que se tenha na memória o registro sonoro da gargalhada de uma
das pessoas que o artista gravou é que se tornará possível estabelecer
alguma identificação.
É a partir da escuta que a interação entre a intimidade da voz, da risa-
da de um pode adentrar a intimidade do corpo de outro sujeito. É a partir
do silêncio de um dos corpos, que também pode rir, ritmado e em sincronia
com o outro que desperta a sua risada, que a performance entre voz e corpo
pode se estabelecer. Além de a gargalhada reverberar no corpo de quem ri
e de quem está por perto, ela possui identidade e atitude em relação à vida
e ao outro. Em rio oir as gargalhadas se adensam, se acrescentam, permi-
tindo perceber que o bebê, a criança, os adultos e as pessoas mais velhas
possuem acentos, tonalidades, timbres e intensidades que conformam a
voz no riso, na risada, marcando identidade em cada uma delas.
Talvez a risada possa ser compreendida como uma linguagem que
destrava as amarras da língua e que, ao promover a expansão do corpo
que ri, toca os corpos daqueles ao seu redor. Um corpo que ri é um corpo

que dança, é um corpo que “se abre e se fecha, que se conecta sem cessar
com outros corpos e outros elementos, um corpo que pode ser deserta-
do, esvaziado, roubado de sua alma e pode ser atravessado pelos fluxos
mais exuberantes da vida”, em síntese, é “um corpo paradoxal.” (GIL, 2013,
p. 53) O corpo paradoxal preconizado por José Gil seria um corpo imbuí-
do de devir e teria a propriedade de ser no espaço e em seu devir, sendo
capaz de combinar-se com o espaço que lhe é exterior, propiciando-o tex-
turas variadas. Em rio oir os corpos que riem parecem adensar o paradoxal
do corpo a partir do apagamento de sua imagem visual a intensificar seu
devir que envolve o outro em si, em suas risadas. O riso na obra de Cildo
Meireles pode ser assumido como uma dança ao trabalhar os “agencia-
mentos possíveis do corpo” que o conectam tanto a objetos quanto a ou-
tros corpos. (GIL, 2013, p. 55)
De acordo com José Gil (2013), um corpo habitual, o corpo-organis-
mo, seria constituído por órgãos que impediriam a circulação da energia
e para libertar-se do sistema de órgãos seria necessário constituir outro
corpo no qual as intensidades possam se dar de forma mais extrema, exa-
cerbada. Em rio oir, Cildo Meireles propicia um novo corpo a partir do apa-
gamento da imagem visual dos corpos que riem, libertos de um sistema
de órgãos que elevam a intensidade a um patamar extremo cuja energia
que emana do som das risadas pode se apresentar tão caudalosa quanto
a Pororoca presente no outro lado do disco.
Cildo Meireles, a partir da sonoridade dos corpo-vozes carregados de
identidade, não desenha os passos de uma coreografia, mas a dispara a par-
tir da colagem de risadas, cada qual com sua característica, convidando o
outro, o sujeito a performar, evidenciando que como dança, a risada tende
a “produzir duplos dançantes”. (GIL, 2013, p. 49) Rir junto implica certo espe-
lhamento, um rever-se no outro, não se tratando de cópia, mas de um en-
gajamento no mesmo ritmo em que se torna possível marcar as diferenças.

Talvez pelo fato de que “a diferença entrevista no outro reflui e ressoa no
movimento que transborda os movimentos individuais de cada um e age
como um núcleo de estimulação para os dois” (GIL, 2013, p. 49) é que a ri-
sada permita o engajamento do outro, já neste ponto, não somente de um
outro, mas de outros outros. Esse convite pode ser recusado, no entanto,
determinados estados de disponibilidade podem lançar o sujeito na expe-
riência da risada sem que ele tenha condições de negar o convite, sendo ar-
rastado, demandado a entrar no ritmo da gargalhada a partir de um estado
de vulnerabilidade, de disponibilidade ao ritmo da risada.
Tirar os pés do chão
O filósofo brasileiro Hilan Bensusan (2016) reflete a respeito da ideia de

repetição e de entrainment2 como um processo de contágio que se dá
independentemente da vontade dos envolvidos. Para Bensusan, a repe-
tição seria um ingrediente crucial em todas as formas possíveis de uma
ontologia orientada para o ritmo, comportando forças não necessaria-
mente para estabelecer conexões, mas das partes do mundo real, moldar
outros mundos. Neste sentido, os ritmos intensivos “entrain aquilo que os
rodeia de diferentes maneiras, dependendo da mídia em que a repetição
ocorrerá.” Bensusan acrescenta, ainda, que “ser entrainable é estar sujeito
ao ritmo e são entrainable os componentes vibratórios da luz de laser, das
reações químicas, das formações geológicas e dos ciclos orgânicos.” (BEN-
SUSAN, 2016, p. 168, tradução nossa) De forma análoga, a risada parece
fazer com que diferentes sujeitos se engajem em seu ritmo, dançando
uma dança que reverbera em todo o corpo a partir de uma predisposição,
um dado vulnerável no sujeito que, diante de uma risada, não consegue
ficar imune e, quase sem querer, dança ao se entregar à risada.

Em rio oir, Cildo Meireles convida os corpos dos sujeitos a gargalhar
uma dança cujo único corpo possível de se ver é o de quem entra em
contato com a obra, seja em sua montagem expositiva, como naquela
sala espelhada do Instituto Itaú Cultural, ou no escutar solitário do dis-
co (ou do CD) rio oir. Ao promover o apagamento da imagem visual dos
donos das risadas gravadas, Cildo Meireles grava a imagem de um desdo-
bramento do corpo que ri em uma espécie de autossuficiência, ficando
a cargo daqueles que a escutam constituir através da escuta a imagem
sonora da obra.
O músico e pesquisador Fernando Iazzetta (2016) observa que, em O
destino das imagens, Rancière anuncia que as imagens não seriam exclu-
sivas do domínio do visível: “as imagens da arte, enquanto tais, são des-
semelhanças. [...] a imagem não é uma exclusividade do visível. Há um
visível que não produz imagem, há imagens que estão todas em palavras.”
(RANCIÈRE, 2012, p. 15-16) A elaboração do filósofo francês compreende
que as imagens da arte produziriam uma distância ou dessemelhança e as
palavras descreveriam aquilo que o olho é capaz de ver ou expressariam
aquilo que não pode ser visto, esclarecendo ou obscurecendo, propondo
ou subtraindo significações para constatar que “o regime mais comum da
imagem é aquele que põe em cena uma relação do dizível com o visível,
uma relação que joga ao mesmo tempo com sua analogia e sua desseme-
lhança.” (RANCIÈRE, 2012, p. 16) Porém, Rancière atenta para a não exigên-
cia da presença material dos dois termos dessa relação, permitindo-nos
entrever a imagem sonora desenhada por Cildo Meireles.
A falta da fonte sonora original, o apagamento visual do corpo pro-
movido pelo artista em favor de outras imagens dos corpos que riem
pode criar um espaço sonoro tal que se tenha a ilusão de se estar rodeado
por pessoas gargalhando. Instaura-se certa ambiguidade, espécie de risco
diante da incerteza que a risada pode conter em si e que pode provocar

desconforto pela presença de fantasmas que sonoramente se desenham
através do ar que transporta o som ao interior dos ouvidos, tocam o tím-
pano e se convertem em imagens sonoras. Por outro lado, rio oir parece
estar mais afeita a um convite a rir junto, revelando a transmissibilidade e
o caráter contagioso do riso. De acordo com a psicanalista e teórica Tania
Rivera, Freud teria observado o humor e a piada como práticas humanas
essenciais para envolver o outro e “nas quais se manifesta, talvez mais do
que em qualquer outra, o fato de que o inconsciente está nos produtos e
efeitos que circulam entre as pessoas, e não no interior recôndito de cada
indivíduo.” (RIVERA, 2012, p. 30)
Talvez seja possível pensar a risada como uma espécie de loop uma
vez que sua duração se expande através da repetição; quanto maior o
loop, quanto maior a motivação para que o corpo ria, maior será a exten-
são da gargalhada e, até mesmo, sua intensidade. É através da repetição
que a risada se mantém no ar – um giro em torno da questão que a faz
acontecer e se repetir – tal qual a bailarina que sustenta seu corpo em
pirueta sobre a ponta de dois dedos, tal qual “o helicóptero mantém-se
no ar graças ao mesmo movimento rotativo do brinquedo de parques de
diversões dentro do qual o público permanece colado a uma parede cen-
trífuga e que, após atingir certa velocidade, tira o chão de sob seus pés.”
(CAESAR, 2016, p. 145) Rir demanda tirar os pés do chão e se deixar levar.
A propósito do suporte escolhido por Cildo Meireles para gravar as
risadas – o disco – Rodolfo Caesar relata ser corrente nas histórias sobre
a música eletroacústica uma espécie de mito de fundação do loop como
um dispositivo. O surgimento do loop teria se dado no final da década de
1940 a partir do disco, nos estúdio de musique concrète, através de Pierre
Schaeffer: “de forma naturalmente oportuna, o criador da música concre-
ta teria transformado um acidente fortuito – o sulco fechado na gravação
de um som em disco – em invenção produtiva: o então chamado sillon
fermé.” (CAESAR, 2016, p. 38) O teórico observa que

Trata-se, o loop, de algo solidamente presente na música, especial-
mente depois da chegada das novas mídias fonomecânicas, mas se
encontra também em cada campo da experiência humana, aparen-
temente descolado de um suporte material, o dispositivo. Será me-
lhor, então, considerá-lo – pelo menos para contrapô-lo ao dispositi-
vo – um fenômeno? (2016, p. 36-37)
Na banda rio o loop parece se apresentar como este fenômeno a res-

peito do qual Caesar discorre, um fenômeno que se instaura no âmbito da
experiência humana. Apesar de colado no suporte material, no vinil, o dis-
parador das risadas, ou mesmo a fonte sonora da qual elas se propagam
são, em princípio, desconhecidos, permitindo certo afastamento da noção
de dispositivo e aproximando o loop da risada de uma ideia de fenômeno.
Em um movimento circular, é possível retornar ao loop a partir de
uma visada que não se contenha nos recursos e técnicas da música, mas
que observe no mais corriqueiro cotidiano, a repetição, a volta, a rotação
mais até do que a translação. Do corpo para fora, de um corpo ao outro,
talvez o mais contagiante dos loops seja o riso que se funda a partir da voz
não apenas ou não basicamente por sua sonoridade, mas principalmente
pelo espaço identitário que se inaugura em sua repetição. Talvez a repeti-
ção seja a condição de força do riso com tudo aquilo que sai de dentro do
corpo do sujeito para tocar um outro ou mesmo ninguém – quem nunca
riu sozinho saberia se escutar?
Rir junto e em loop
As crianças, constantemente em busca da sustentação do riso, se repetem,

repetem brincadeiras. Não por acaso, Cildo Meireles inicia e termina a fai-
xa rio com a gargalhada do bebê, como se alertasse certa inevitabilidade

do loop. Há ainda um bis, uma última gargalhada para assustar ou recor-
dar que para além dos círculos fechados há sempre outros risos. Para que
o riso dure é necessário que ele se feche sobre si, que centripetamente
gire, que vá e retorne, como a mágica de números ou de palavras que
brincam de ciranda – palíndromos –, como no caso de rio oir. O artista vai
e volta em uma consoante e duas vogais, atravessa fronteiras idiomáticas
a partir do espelhamento de três letras que, do substantivo ao verbo, nos
lança na escuta.
Em rio oir, Cildo Meireles percorre as principais bacias hidrográficas
brasileiras em busca de algo que está no interior de cada sujeito – a es-
cuta. Através de imagens sonoras, o artista dá a ver a dimensão crítica da
escuta, ante um relato sonoro daquilo em que as águas brasileiras estão
se tornando – resíduo. Por outro lado, é também através da escuta que o
artista nos recorda a dimensão poética deste ato que o sujeito carrega em
seu corpo, algo que se deseja e que se busca repetir – o riso. Sentir a voz
implica sentir a projeção e a expansão do corpo para fora de si; ao garga-
lhar o corpo toca em si e no outro em uma espécie de dança que revela
que melhor do que rir por último, é rir junto e em loop.
Notas
1 Registramos nossos agradecimentos ao artista Cildo Meireles pela generosidade em nos
receber em seu ateliê e de dispor seu tempo para nos atender em uma série de entrevistas
realizadas desde janeiro de 2019.
2 Optou-se por não traduzir as palavras entrainment, entrain, entrained e entrainable por
acreditarmos que as expressões comportam, ao mesmo tempo, noções de encarrilhamen-
to, de arrastar, de se deixar levar pelo contágio e de ressonância.

Referências
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WISNIK, Guilherme. Aqui, do lado de lá. In: Ocupação: Cildo Meireles rio oir
(catálogo de exposição). São Paulo: Instituto Itaú Cultural, 2011, p. 75-78.
Caroline Alciones de Oliveira Leite
Doutoranda no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Escola

de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Mestre
pelo Programa de Pós-Graduação em Estudos Contemporâneos das Ar-
tes da Universidade Federal Fluminense (UFF). É bacharel e licenciada em
Letras Português-Inglês pela UFRJ e bacharel em Produção Cultural pela
UFF. Contato: [email protected].

CINESIAS DA IMAGEM DO ATOR NO CINEMA
Rafael Tassi Teixeira / UNESPAR
Ricardo Di Carlo Ferreira / UNESPAR
A atorialidade é manifesta por duas esferas inextricáveis de signagem e

operatividade no cinema: a ação e a imagem dos intérpretes. Atores e atri-
zes são captaneados e por diversas vezes em inúmeras obras, chegaram a
se consagrar como co-autores na linguagem cinematográfica. Em grande
parte, isso veio a ocorrrer devido as suas capacidades de inferirem a res-
peito de como seriam capturadas e mostradas as suas imagens nas obras
fílmicas. Em vista disso, eis a propositura de revisionamento bibliográfi-
co acerca das cinesias1 da imagem do ator no cinema, que alvitra expor
a mobilidade dos posicionamentos atorais frente às demandas que lhes
foram postas ao longo da história, no ensejo da materialização do desejo
pelo realismo cinematográfico absoluto de alguns cineastas – a obsessão
realista. Por certo é justo sinalizar que esse apego é algo compartilhado
entre atores e cineastas, a ancestralidade atoral revela isso, tendo em vista
as abordagens de Denis Diderot (1713 – 1784) sobre o plano atuacional
com fins de se representar a realidade em ilusão teatral2.

Ressalta-se que as abordagens de Diderot promulgavam uma realida-
de em veracidade de representação, portanto plástica, artificial, mas veros-
símil, numa teatralidade capaz de prover a ilusão do espectador durante a
encenação. Dito de outro modo, a realidade passa a imantar o espetáculo,
mas se furtava da imperatividade do realismo puro, isto porque Diderot era
influenciado em sobremaneira pela estética de memetização idealizada da
realidade desdobrada por Boileau (1636 – 1711) (ROUBINE, 2003).
O cinema, contudo vai se mostrar hábil em aprimorar a busca pelo
realismo, concatenando na mise en scène o ocultamento dos seus meios
produtivos; a indústria hollywoodyana teve grande papel na dissemina-
ção do ideal de ilusão estética.
Tudo neste cinema caminha em direção ao controle total da realida-

de criada pelas imagens – tudo composto, cronometrado e previsto.
Ao mesmo tempo tudo aponta para a invisibilidade dos meios de
produção desta realidade. Em todos os níveis a palavra de ordem é
“parecer verdadeiro” (XAVIER, 2005, p. 41).
No plano do ator isso significa que a sua ambiência se dá mediante

a aderência operacional de materialização via uma atuação convincente –
de modo a construir imagens em verossimilhança. De início, servindo aos
desejos imagéticos do realismo cinematográfico dos cineastas. Esse traba-
lho, entretanto, não era de todo novo para o ator, de acordo com Berthold
(2001), Diderot propunha que os atores viessem a trabalhar a partir da
construção de imagens cênicas harmonizadas pelo viés mimético das pin-
turas. Tal preceito orientava uma abordagem pictórica sobre o trabalho do
ator, que tangenciava a imagem do próprio atuante, consigo mesmo e em
relação aos outros intérpretes, como em um grande telão pintado.
Nada obstante, a pedagogização dos atores/atrizes por meio de ima-
gens deu-se e ainda se dá largamente, como recurso didático-operativo.

Essa abordagem de ensino-aprendizagem é amplamente verificada nas
pedagogias do ator. No Brasil são notórias a “mímesis corpórea” (BURNIER,
2001) e o “campo de visão” (LAZZARATO, 2011), por exemplo. Na França,
são muito conhecidas as abordagens das “imagens individuais e imagens
coletivas” (RYNGAERT, 2009). Este último autor nos fala a respeito da flexi-
bilidade da imagem na aprendizagem atoral: “a origem do trabalho com
imagens é muito antiga; ela remonta a uma tradição de “quadros vivos”
utilizados na educação popular com resultados diversos” (RYNGAERT,
2009, p. 99). O referido autor ainda assevera que “serão encontrados
exemplos de trabalhos que utilizam a imagem na descrição ulterior das
práticas” (idem, 2009, p. 102). Nessa tessitura discursiva, paralelamente, o
trabalho sobre de imagens do ator no e para o cinema realista, se dá em
relação às técnicas de manipulação e distribuição das mesmas, em inte-
ração com a linguagem cinematográfica de produção de sentidos. Isso
se verifica em projetos em que a produção é interacionista (o ator tido
como co-criador), do contrário estará na posição de servidor/executor de
imagens, servirá muito como mais como um modelo em movimento, por-
quanto os realizadores é quem darão o efetivo significado que desejam
sobre as imagens dos atores e atrizes.
Tal perspectiva de servitude atoral ocorreu no princípio porque o ator
se via numa posição de deslugar na linguagem cinematográfica, advindo
do teatro (que já era muito mais o lugar do diretor), o ator devido ao seu
estado de liminaridade se via em sujeição aos realizadores da emergente
arte do cinema. Obviamente, esses intérpretes pouco conheciam sobre o
cinematógrafo e as técnicas específicas de realização dos filmes. Contudo
com o transpassar dos anos, essa posição de insipiência dos meios vai sen-
do suplantada por uma parcela de atores e atrizes, e não apenas por isso,
mas através de uma série de estratégias/cinesias/posicionamentos, estes
intérpretes vão se transformando em atores-autores e atrizes-autoras.

Demarca-se que entre todos os fatores de ascenção na linguagem
cinematográfica, talvez o mais basal, quase sempre foi a capacacidade de
atendimento à requisição prevalente dos cineastas aos atores de materia-
lização de atuações realistas, e por conseguinte, o provimento de imagens
com aparência de realidade. Por certo há atores especialistas em manifestar
essa qualidade na cena, mas o desejo pelo realismo culminou em interesses
estéticos cada vez mais acirrados. Bazin, por exemplo, defendia que o rea-
lismo “não se define pelos fins, mas pelos meios” (BAZIN, 1991, p. 302). Para
ele o ideal era o de que o realizador minimizasse os cortes, previlegiando a
feitura de planos longos, evitando mostrar ora a imagem dum ator, ora do
outro, ao passo que a realidade seria captada se a câmera mostrasse os dois
atores ao mesmo tempo, no mesmo plano, sem cortes. Essa prerrogativa,
em termos atuacionais irrompe com os maneirismos de atores/atrizes que
por ventura viessem a se valer dos cortes para evitarem que suas incapaci-
dades de interpretação fossem para o corte final dos filmes. Logicamente, a
busca de Bazin não se dava pelo desejo de estabelecer uma querela com o
plano atorial, mas, sim, no interesse pelo realismo, embora muito tenha dito
sobre atuações inverossímeis ao ideal cinematográfico.
Isto posto, historicamente, se sabe, como já foi exposto, que espe-
cialmente após as asserções da indústria hollywoodiana, estabeleceu-se
a suma nas discursividades das teorias do cinema de que a realidade nos
filmes sempre será uma abstração, assim como é em todas as artes, posto
que se trata de uma representação artística daquilo que se convencionou
ler-se como realista. Assim,
a imagem será realista na exata medida em que for dotada da apa-

rência de realidade. Será, então, apenas uma imagem (significativa)
do real o que, produzido pelo cinema na pele de um significante
– como o ator feito personagem – vai estar (ou não) penetrado de
realidade como se real e natural fosse (PAULA, 2001, p. 32).

O interesse pelo realismo absoluto de alguns cineastas, no entanto,
não se limitou a essa sapiência discursiva. O desejo pelo verismo cinema-
tográfico desponta sob novas roupagens, diluído praxeologicamente, e
evidente na realização do cinema e da respectiva e inextricável operativi-
dade atuacional; algo histórico, pois a atividade do ator de cinema veio a
imbricar o mostrar-se de forma verossímil, o parecer com alguém crivel-
mente existente na realidade, sob a égide de também figurar imagens
(um ser/estar/mostrar)3 de modo convincente.
O ator/atriz sempre teve de decidir acerca do que seria capaz de fa-
zer em nome da sua profissão, logo, foi posta ao ator a demanda de ter de
lidar com o “cuidado de si” (FOUCAULT, 2006, p. 3). Nesta esteira, Foucault
(2006) muito apregoou sobre o autoconhecimento em atos de ocupar-se
consigo mesmo, de preocupar-se consigo – a relevância disso ao ator é ful-
cral, especialmente frente às demandas que lhes são postas pelo realismo
cinematográfico (ainda que regido pela ilusão), muitas delas reinvidicam
ao intérprete cênico a degradação da própria figura, a exposição da própria
nudez. Nessa conjuntura, hoje já se sabe que a formação atoral orienta que:
O ator precisa saber o que está disposto a fazer em nome de sua

arte; conhecer os seus limites e se está disposto a alargá-los. Há de se
ter o treinamento constante, a pesquisa continuada, e a reflexão so-
bre os enfrentamentos de sua profissão: colocar em risco sua psique,
sua imagem nua? Ou dizer não a certas proposições/imposições da
profissão? Para saber disso, para ser ator: conhece-te a ti mesmo
(FERREIRA, 2020, p. 68).
Se as discursividades em meio as pedagogias do ator assimilaram

a máxima délfica do conhece-te a ti mesmo, que outrora foi desdobra-
da notoriamente por Michel Foucault, as reverberações do cuidado de
si vão culminar nos modos de ser e agir do ator com relação ao seus

posicionamentos políticos/estéticos/atuacionais, isto é, o cuidado de
si impacta a relação atoral com a profissão exercida no cinema, em ter-
mos de atendimento ou negação dos desejos do realismo cinemato-
gráfico. Tal qual, o caso do cinema explícito arrolado por Lars von Trier,
que veio instar um ultrarrealismo de imagens em alguns de seus filmes,
chegando a propor aos atores que fizessem cenas de sexo explícito,
conquanto eles não aceitaram. Nessas produções houve a trucagem, o
recurso da ilusão estética, para causar a impressão de realidade, dado
que Von Trier precisou lançar mão de dublês para as performatizações
explícitas de sexo.
No que tange ao realismo cinematográfico, independente ou não do
aceite dos intérpertes em serem filmados em cenas de sexo explícito, o fato
é o de que o realismo absoluto nunca se fará possível, pelo fato de existir a
representação e a mediação dos dispositivos cinematográficos (ângulação,
enquadramento, etc.) que por si só possuem enunciação (GERACE, 2015).
Dito de outro modo, o real em si não passa por esses filtros, não é artificiali-
zado, plástico, ensaiado, marcado ou encenado – como é na arte.
Finalmente, constatou-se que as cinesias da imagem do ator no ci-
nema alinharam-se ao pressuposto histórico de busca e desejo de mate-
rialização do realismo cinematográfico, transitando ora em sujeição, ora
em negação dos desejos cada vez mais exigentes do realismo, vide as ne-
gativas dos atores dos filmes de Lars von Trier, que reforçamos, repeliram
o ultrarrealismo nas incursões do cineasta com o cinema explícito.
Referências
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BERTHOLD, Margot. História mundial do teatro. São Paulo: Perspectiva, 2001.

BURNIER, Luis Otávio. A arte de ator: da técnica à representação. Campinas:
Editora Unicamp, 2001.
BORDWELL, David. Sobre a história do estilo cinematográfico. Campinas:

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Disponível em: http://periodicos.unespar.edu.br/index.php/mosaico/article/
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FOUCAULT, Michel. A hermenêutica do sujeito. São Paulo: Martins Fontes, 2006.
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PAULA, Nikita. Vôo cego do ator no cinema brasileiro. São Paulo: Annablume,
2001.
PUDOVKIN, Vsevolod. O Ator no Cinema. Rio de Janeiro: Casa do Estudante, 1956.
ROUBINE, Jean-Jacques. Introdução às grandes teorias do teatro. Rio de

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RYNGAERT, Jean-Pierre. Jogar, representar: práticas dramáticas e formação.

São Paulo: Cosac Naify, 2009.
SCHILDER, Paul. A imagem do corpo: As energias construtivas da psique. São

Paulo: Martins Fontes, 1981.
XAVIER, Ismail. O discurso cinematográfico: a opacidade e a transparência.

São Paulo: Paz e Terra, 2005.

Rafael Tassi Teixeira
Pós-Doutor em Cinema e Audiovisual (Universitat Autònoma de Bar-

celona - UAB). Professor Adjunto do Mestrado em Cinema e Artes do
Vídeo (PPG-CINEAV/UNESPAR). Professor Adjunto da UNESPAR, Campus
Curitiba II, e do Programa de Pós-Graduação Mestrado e Doutorado em
Comunicação e Linguagens da Universidade Tuiuti do Paraná (PPGCOM/
UTP). Líder do Grupo de Pesquisa Desdobramentos Simbólicos do Espa-
ço Urbano nas Narrativas Audiovisuais – (UTP/CNPq). Contato: rafatassi-
[email protected]
Ricardo Di Carlo Ferreira
Mestrando em Cinema e Artes do Vídeo, pelo Programa de Pós-Gradua-

ção em Cinema e Artes do Vídeo (PPG-CINEAV) da Universidade Estadual
do Paraná (UNESPAR), na Linha de pesquisa (1): Teorias e Discursos no Ci-
nema e nas Artes do Vídeo. Bolsista da Fundação Araucária - FA. Especia-
lista em Metodologia do Ensino de Artes - UNINTER. Graduado em Teatro,
também, pela UNESPAR. Membro do Grupo de Pesquisa Eikos: imagem
e experiência estética (UNESPAR/CNPq). Contato: [email protected]

SERTÃO SURREALISTA: A CONSTRUÇÃO
DE UM OLHAR SURREALISTA DIANTE DE
FOTOGRAFIAS DO SERTÃO
Juan Costa
Introdução
O Sertão já foi abordado em diferentes manifestações das artes. Na litera-

tura, Graciliano Ramos e Euclides da Cunha tornaram a região fundamen-
tal em suas obras. No cinema, Glauber Rocha e Ruy Guerra exploraram as
paisagens sertanejas no Cinema Novo. Na fotografia, a recorrência ao Ser-
tão também veio à tona. Os três fotógrafos que terão parte de suas fotos
analisadas ao fim desta pesquisa, Maureen Bisilliat, João Machado e Tiago
Santana, tiveram o Sertão como inspiração em algum momento de suas
trajetórias artísticas, por isso foram escolhidos. João Machado se dedicou
à Xique-Xique, na Bahia; Maureen Bisilliat é autora do fotolivro “Sertões:
Luz e Trevas”; e Tiago Santana é autor do fotolivro “Sertão”.

Figura 1 – foto de Tiago Santa tirada no Sertão do Ceará
Tomando como base o encadeamento entre os estudos teóricos e

aprofundados do ato fotográfico, da imagem fotográfica, do surrealismo,
da fotografia surrealista e da relação do Sertão com a arte, o trabalho em
questão procura descobrir como são construídas pelo observador as in-
terpretações que ultrapassam a realidade registrada em uma foto. Quais
caminhos levam este observador a encontrar elementos visuais que fa-
çam referência ao surrealismo em uma fotografia do Sertão? Em certa
medida, estes caminhos podem proporcionar uma possível ‘pluralidade
visual’ - formada por uma realidade registrada, mas também por concei-
tos artísticos - capaz de criar a percepção de um ‘outro Sertão’.

Figura 2 – foto de João Machado, tirada em Xique-Xique, Bahia
Barthes afirma que uma “característica essencial da fotografia [...]

é a de ser polissêmica” (2008, p. 33). Soulages vai além e constata que
“a fotografia faz sonhar, trabalha nosso devaneio e nosso inconsciente”
(2010, p. 13). Em um contexto surrealista fotográfico, é o ‘outro Sertão’ que
possivelmente pode despertar o subconsciente e proporcionar imagens
oníricas. Estas possíveis interpretações estão relacionadas ao interesse do
surrealismo pela obra de Freud, “A Interpretação dos Sonhos”, que aborda
os processos psicológicos direcionados ao que é onírico e subconsciente.
Freud foi inspiração para André Breton, precursor do surrealismo e autor
de “Manifestos do Surrealismo”. O manifesto buscou relacionar sonho e
realidade a fim de se chegar a uma realidade absoluta, concebida pela
justaposição de elementos tendenciosamente não associáveis. Uma ver-
dadeira “visualidade na qual a imagem era modificada por combinações

insólitas”, como afirma Annateresa Fabris. A partir do estudo de um olhar
guiado por sentidos que ultrapassem o recorte da realidade virão à tona
outros elementos do ato fotográfico, das ideias surrealistas e do universo
sertanejo, que possam se relacionar entre si e proporcionar a ‘fotografia
surrealista do Sertão’.
Figura 2 – fotografia do livro Sertões: Luz & Trevas, de Maureen Bisilliat
Assim como Breton propôs um novo olhar para a arte, esta pesqui-
sa também se fundamenta em trazer novos olhares para o Sertão. Estes
novos olhares serão baseados no surrealismo, movimento escolhido por
conta do ineditismo da confrontação destes dois assuntos, a ‘fotografia
do Sertão’ e as ‘ideias surrealistas’.

Metodologia
O trabalho tem sido realizado com consultas bibliográficas e leitura de

artigos. Em um primeiro momento, foi abordado todo o conteúdo per-
tinente à fotografia e imagem. Posteriormente, toda a bibliografia sobre
surrealismo e, em uma terceira etapa, os assuntos relacionados ao Sertão
e sua relação com a arte. Após estes estudos separados serão consultadas
as bibliografias que tratam da relação direta entre estes assuntos e dis-
cutem conceitos como a ‘fotografia surrealista´. Outra parte importante
do trabalho serão as pesquisas documentais nos acervos do IMS e MIS,
para análises formais e minuciosas de obras fotográficas consideradas
surrealistas pela crítica de arte e fotografia relevante. Serão realizadas
também entrevistas, que funcionarão como fontes de informação a fim
de tornar o trabalho mais amplo, com depoimentos que corroborem com
o conteúdo coletado até então e com as análises de fotos do Sertão ao
final da pesquisa. Serão entrevistados os fotógrafos que terão suas obras
analisadas, além do antropólogo Milton Guran, a historiadora Annateresa
Fabris, o artista visual Fernando Braune e a crítica de fotografia Simonetta
Persichetti. Por fim, a análise de fotografias do Sertão decorrerá a partir
de toda a coleta feita em consultas bibliográficas, pesquisas documentais
em acervos e tendo sido realizadas as entrevistas. As escolhas das fotos se
darão de maneira livre, a partir de um olhar já influenciado e construído
pelos estudos sobre a relação entre fotografia, surrealismo e Sertão.
Discussões
Estudar fotografia, surrealismo e Sertão separadamente tem sido um ca-

minho pertinente à verificação de conceitos complementares entre si,
como a fotografia surrealista e a possível ‘fotografia surrealista do Sertão’.

A obra de Dubois, “O Ato Fotográfico”, tem sido fundamental com afirma-
ções que destinam à fotografia um lugar além da representação do real. “A
fotografia não se destina sempre estritamente apenas às representações
‘terrestres humanas’ [...]. A foto também pode nos fazer decolar, fazer o real
oscilar em direção ao irrepresentável.” (DUBOIS, 2001, p. 268). Igualmente
necessária, a obra “Sobre Fotografia” de Susan Sontag discute a imagem
da foto e suas interpretações. “Toda foto tem múltiplos significados; de
fato, ver algo na forma de uma foto é enfrentar um objeto potencial de
fascínio.” (SONTAG, 2004, p. 16). Já Soulages em “Estética da Fotografia:
perda e permanência” procura estabelecer a relação entre fotografia e
arte, por meio de teorias filosóficas. “Os desafios da fotografia pertencem
à esfera da filosofia – são, por exemplo, o real e suas representações” (SOU-
LAGES, 2010, p. 14). Esta ‘filosofia da fotografia’ também é abordada por
Flusser em “Filosofia da Caixa Preta”, no qual o autor faz estudos que vão
além do aparato técnico e reprodutor do real, e que têm sido importan-
tes para este trabalho. “A realidade apresentada na fotografia não pode
ser absoluta” (FLUSSER, 2002, p. 8). Também têm sido estudados no cam-
po fotográfico e da imagem os autores Boris Kossoy, Arlindo Machado,
Walter Benjamin e Martine Joly. Já os estudos sobre surrealismo têm sido
pautados na obra de André Breton, “Manifestos do Surrealismo”, no livro
“História do Surrealismo”, de Maurice Nadeau, que trabalha seus aspectos
estéticos e sociais, assim como fazem Sheila Leirner, em “O Surrealismo”,
e Eliane Robert Moraes, em “O Corpo Impossível”, livro que propõe uma
reflexão sobre a estética com ênfase no pensamento de Georges Bataille,
escritor francês influenciado pelas ideias surrealistas. Ainda com relação
aos estudos do surrealismo foi obrigatório considerar a inspiração do mo-
vimento pela psicanálise, por isso “A Interpretação dos Sonhos”, de Freud,
também tem sido verificado. Outra necessidade é a compreensão de uma
abordagem legítima do Sertão, por isso, têm sido levantados aponta-
mentos importantes da obra de Durval Muniz, “A Invenção do Nordeste

e Outras Artes”. O livro problematiza questões relacionadas ao Nordeste
discutindo estereótipos e apontando relações, em certa medida, enraiza-
das, que não contribuem para uma autêntica noção do lugar sertanejo.
“O Norte e o Nordeste são vistos como as regiões rurais que parecem ter
parado no período colonial, [...] e o Sul e Sudeste como as regiões urbanas
modernas” (ALBUQUERQUE JÚNIOR, 2001, p. 104-105). Necessários tam-
bém para os estudos relacionados a esta ‘problematização sertaneja’ são
o texto de Janaína Amado, “Região, Sertão, Nação”, e a obra “Os Mitos do
Sertão”, de Sylvie Debs. Assim como os estudos individuais dos assuntos
que orientam esta pesquisa, é de extrema importância também abordar
obras que tenham como tema principal a relação direta entre mais de um
campo, como a fotografia surrealista, por isso, serão consultados também
“Fotografia e a Estética Surrealista”, de Fernando Braune, e “O Surrealismo
à Luz da Fotografia: uma releitura” de Annatereza Fabris.
Concatenar ideias é um exercício fundamental quando o propósito é al-

cançar conceitos que possam contribuir para determinadas áreas do co-
nhecimento. Fotografia, surrealismo e Sertão podem ser capazes de gerar
concepções como a ‘fotografia surrealista do Sertão’, importantes para as
próprias áreas responsáveis pela concepção em si. A pesquisa em ques-
tão tem procurado alcançar delimitações em seus assuntos principais,
através dos estudos da fotografia produzida exclusivamente no Sertão;
da abordagem do Sertão relacionado especificamente à arte fotográfica;
e do surrealismo incorporado diretamente ao ato fotográfico. Tais delimi-
tações são responsáveis pelo aprofundamento conjunto destes assuntos
e têm dado forma à este trabalho. Posteriormente, diante de resultados
mais embasados, será possível uma análise mais completa deste exercício

conjunto de aprofundamentos. É de extrema importância a busca por
constatações fotográficas, surrealistas e sertanejas que, unidas de manei-
ra harmoniosa, possam, possivelmente, aflorar as discussões que tenham
como embate central a ‘fotografia surrealista do Sertão’.
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Comitê
Poéticas
Artísticas

UMA POÉTICA DA DESAPROPRIAÇÃO DO
TEMPO EM GUILHERME VAZ
A POETICS OF THE EXPROPRIATION OF TIME IN GUILHERME VAZ
Hélio Fervenza / UFRGS
Este texto trata da obra Ato de desapropriação de datas (área/tempo), do

artista visual e músico Guilherme Vaz, observando os procedimentos,
as reflexões, os contextos, as decisões e as escolhas que orientaram seu
processo de realização. Trata-se então de uma investigação em poéticas
artísticas, quer dizer, de um estudo que focaliza a constituição de sua lin-
guagem artística1.
O trabalho em questão foi mostrado pela primeira vez durante a ex-
posição Agnus Dei realizada em 1970, na Petite Galerie, no Rio de Janeiro,
que apresentou os trabalhos de Thereza Simões, Cildo Meireles e Guilher-
me Vaz. Os artistas ocuparam o espaço de forma sucessiva, cada um deles
dispondo do tempo de uma semana.
No período que lhe correspondia, Vaz afixou à entrada da galeria um
aviso no qual ‘desapropriava’ todos os visitantes. Além disso, deixou o espa-
ço inteiramente vazio, colocando um bilhete na parede em que se lia “Cada

um aqui é uma obra de arte”, e no fundo da galeria expôs uma folha A4 dati-
lografada, na qual podíamos ler o seu Ato de desapropriação de datas (área/
tempo) (MANATA, 2016, p. 35-36), que transcrevo aqui na íntegra2:
GUILHERME MAGALHÃES VAZ COMUNICA QUE AS SEGUINTES DATAS
(área/tempo), ESTÃO DESAPROPRIADAS E SÃO OBRAS, CON-
TIDAS PELOS SEUS LIMITES QUANTITATIVOS, DETERMINADOS
SEGUNDO A ESCALA EM VIGOR.
1 bilionésimo de segundo qualquer de 30/março/1389

1 centésimo de segundo qualquer de 28/junho/301 AC
1 milionésimo de segundo qualquer da terceira hora de 23/set/4256 AC
1 décimo de segundo da nona hora de 18/agosto/1358
1 segundo qualquer de 12/maio/3829
45 segundos quaisquer de 16/julho/423 AC
a terceira hora do dia 28/dezembro/do ano 1822
5 horas quaisquer de 19/nov/ de 3562
9 horas quaisquer de 23/março/3293 AC
4 horas quaisquer de 12/fevereiro/1988
O dia 27 de setembro de 1270
O dia 18 de fevereiro de 1623
O dia 5 de outubro de 2570

O ano 1432
O ano 2065
O ano 18 AC
O mês de julho de 4225 AC
O mês de dezembro do ano 3032
O mês de setembro de 1394
A semana começando na última quarta-feira de maio de 1377
até a próxima quarta-feira
O século 18 AC
O século 45
O milênio 18
QUAISQUER OUTRAS DESAPROPRIAÇÕES SÃO LIVRES
(REALIZADO EM OUTUBRO DE 1969)
(VAZ, In: MANATA, 2016, p. 163).
Em formato de lista, o texto reúne um misterioso conjunto de datas

e medições horárias. Começa por frações muito pequenas de tempo – se
comparadas às nossas capacidades perceptivas –, como o “1 bilionésimo
de segundo” da primeira linha, e depois vai aumentando, passando de
segundo para hora, de hora para dia, de dia para mês, de mês para ano,
até a décima sexta linha, onde retoma de novo a contagem a partir do
período de um mês para ir progressivamente aumentando novamente os
períodos até chegar a um milênio.

O texto se conclui pela frase “QUAISQUER OUTRAS DESAPROPRIA-
ÇÕES SÃO LIVRES”, o que supõe que poderíamos desapropriar quaisquer
outras “áreas” de tempo.
As frações de segundo ou os séculos elencados parecem à primeira
vista amostragens de tempo, como se jogássemos um recipiente num rio
para recolher amostras de água, retirando-as do fluxo de sua continuidade.
Um bilionésimo de segundo é algo tão rápido que inquieta nossa
percepção3. Frações tão pequenas de tempo aparecem em teorias e me-
dições utilizadas pela Física, como, por exemplo, o de que um próton sub-
metido a uma aceleração gigantesca poderia se desintegrar, e a sua trans-
formação em outras partículas menores duraria um décimo de segundo4.
A coincidência aqui é que O Ato de desapropriação de datas (área/
tempo) também faz referência a um décimo de segundo na sua lista, ou
seja, a 1 décimo de segundo da nona hora de 18/agosto/1358. Poderíamos
imaginar, nessa data tão longínqua e nesse tempo tão preciso, a desin-
tegração de um próton nalgum lugar do universo? Mas será que é sobre
isso que o texto se refere?
Algumas datas são relativas a períodos mais localizáveis dentro da
história. Entretanto, o que teria ocorrido na terceira hora do dia 28 de de-
zembro do ano 1822? Por que escolher o dia 18 de fevereiro de 1623? Ao
que exatamente as datas e os tempos de Vaz se referem? Qual o motivo
dessas escolhas? Não sabemos, não há nenhuma indicação no texto.
A duração de um milênio é algo que também desafia nossa imagi-
nação, por ser um tempo tão extenso e por se localizar no futuro, como é
o caso com O milênio 18 referido por Vaz na última linha da sua lista. Pen-
sar um futuro tão longínquo questiona nossa compreensão. Talvez nesse
futuro imaginado já nem sequer existam mais humanos, talvez o planeta
esteja esvaziado de nós5.

A artista holandesa Marjolijn Dijkman abordou a questão de pensar
o futuro, ou o que ocorrerá em um dado período no futuro, através de
sua obra “Vagando pelo Futuro / Wandering through the Future” (2007)6, e
que pode ser descrita como “a linha cronológica de uma ficção visionária
composta de filmes e textos impressos. Os filmes são aí organizados não
na ordem de sua produção, mas de acordo com sua encenação imaginá-
ria em um tempo histórico futuro” (ROSENBERG e GRAFTON, 2013, p. 215).
Para fins deste estudo, interessou-me sobretudo a parte impressa da
obra , devido ao seu aspecto textual, cronológico e ficcional. Assim, a linha
7
do tempo gráfica criada por Dijkman não indica uma sucessão de datas de
eventos ocorridos no passado, como tradicionalmente poderiam apresen-
tar-se nos livros de história, nos monumentos ou nos memoriais. Sua sequ-
ência avança para o futuro, para um tempo que ainda não ocorreu, ou que
ainda não havia ocorrido no momento de realização da obra. Essas datas
correspondem a setenta filmes populares de ficção científica, começando
em 2008 e indo até o ano de 802.701. Todos eles têm em comum o fato de
ficcionalizarem o futuro, e as datas são relativas aos anos onde se passaria
sua ação. Junto ao nome dos filmes, encontra-se uma frase muito significa-
tiva de seu tema ou argumento. Por exemplo, ao ano de 2035 associa-se o
filme “Os 12 macacos” e a frase “O futuro é história”, e ao ano de 2119 conec-
ta-se o filme “Matrix” e a frase “A realidade é uma coisa do passado”.
O historiador Krzysztof Pomian nos diz que a cronologia é uma ma-
neira de representar o tempo por intermédio das “séries de datas e nomes
que mostram a sucessão de eras e suas subdivisões desde o ponto de
origem até agora, a distância entre os dois tendo sofrido uma enorme
dilatação nos últimos três séculos” (POMIAN, 2008, p. IX). Então, o que
constitui especificamente a cronologia na obra “Vagando pelo Futuro” é o
encadeamento da contagem sucessiva dos anos em ordem crescente, de
forma que o seu alinhamento se estende para o futuro mostrando como
este vai sendo imaginado pelos diferentes filmes.

Parece ser diferente o que ocorre na elaboração da lista de Guilherme
Vaz. Primeiro, há a referência a medições do tempo, como, por exemplo, 1
segundo, 45 segundos, 5 horas, 1 dia, um mês... Quer dizer, há a referência
a uma cronometria, que também é uma maneira de representar o tempo,
por meio das “indicações dos calendários e dos instrumentos de medição,
começando com os relógios de sol e as clepsidras, e terminando pelos reló-
gios atômicos de última geração” (POMIAN, 2008, p. IX). Essas medições são
cíclicas, elas se repetem. Mas, em seguida, quando observamos os períodos
mais longos do que um ano, com suas diferentes datações, ocorre também
uma cronologia, pois se inclui a diferença de situação desses anos, no pas-
sado ou no futuro. Quer dizer, há uma cronometria e uma cronologia, mas
liberadas de sua posição num contexto temporal mais amplo.
Ali não há um encadeamento das datas, e elas não estão conectadas
numa linha de tempo que lhes dê um sentido de sequência, baseada num
denominador comum. A lista não se articula a partir da sucessão da or-
dem numérica. Embora os tempos estejam numa lista que parece evoluir
em ordem crescente, isto é interrompido a um dado momento, voltando-
-se ao passado e a uma divisão do tempo diferente. O que se apresenta ali
é a reunião de algumas frações do tempo, de amostras de suas unidades
de medição e suas subdivisões. As datas são retiradas de sua continuida-
de abstrata e numérica. Elas são desapropriadas (é o que Vaz declara logo
no início do texto). A noção possui uma importância primordial, ativadora
e operacional na proposta.
Quando penso em desapropriação, o que me vem em mente antes
de tudo é o seu significado jurídico, quer dizer, o ato de tornar pública
uma propriedade privada. Após lembro-me de seu antônimo, uma refe-
rência importante nos procedimentos em poéticas visuais. Ou seja, lem-
bro-me da noção de apropriação, principalmente tal como Hélio Oiticica
a ela se refere em seu texto escrito em julho de 1966:

Na minha experiência tenho um programa e já iniciei o que chamo
de “apropriações”: acho um “objeto” ou “conjunto-objeto” formado
de partes ou não, e dele tomo posse como algo que possui para mim
um significado qualquer, isto é, transformo-o em obra: uma lata con-
tendo óleo, ao qual é posto fogo (uma pira rudimentar, se o quiser-
mos): declaro-a obra, dela tomo posse: para mim adquiriu o objeto
uma estrutura autônoma - acho nele algo fixo, um significado que
quero expor à participação; esta obra vai adquirir depois n signifi-
cados que se acrescentam, que se somam pela participação geral -
essa compreensão da maleabilidade significativa de cada obra é que
cancela a pretensão de querer dar à mesma premissas de diversas
ordens: morais, estéticas, etc. (OITICICA, 1986, p. 77-78).
Através das apropriações Oiticica dá continuidade ao seu processo

de “propor uma atitude também criadora” (OITICICA, 1986, p. 78), no qual
a concepção de artista seria compreendida como a de um “motivador
para a criação” (OITICICA, 1986, p. 78). O crítico Frederico Morais nos diz
que essa noção de apropriação “tem um sentido mais amplo ou diver-
so que o conceito de ready-made de Duchamp - aproxima-se da idéia de
obra total”. Oiticica não se apropriou somente de objetos, mas “de áreas
inteiras, como o Campo de Santana, o Morro de Mangueira, o bairro do
Cajú. Apropriações: relação entre ambiente e disponibilidade criadora”
(MORAIS, 1986, p.3).
Entendo que essa aproximação inicial com Duchamp feita por Mo-
rais para falar da noção e do sentido de apropriação em Oiticica tem uma
implicação sobre a qual seria importante determo-nos um instante. Há
pelo menos um aspecto em comum compartilhado entre os dois artistas
(mas também com Guilherme Vaz): é o ato de escolher elementos pré-
-existentes (objetos, lugares ou situações) no processo do fazer artístico.
Esse ato para Duchamp reveste-se de uma importância fundamental,
pois, para ele, aquilo que define o fazer artístico, antes de qualquer coisa,

é o ato de escolha. Numa entrevista com o crítico Georges Charbonnier,
realizada em 1961, ele diz:
A palavra “arte”, etimologicamente, significa fazer, simplesmente fa-

zer... O que é fazer? Fazer alguma coisa é escolher um tubo de tinta
azul, um tubo de vermelho, colocar um pouco sobre sua paleta, e
sempre escolher a qualidade do azul, a qualidade do vermelho, e
sempre escolher o local em que vamos colocá-la na tela, é sempre
uma escolha. Então, para escolher, podemos usar tubos de cores,
podemos usar pincéis, mas também podemos usar uma coisa já
pronta, que foi feita, ou mecanicamente, ou pela mão de outra pes-
soa, mesmo, se você quiser, e apropriá-la, já que foi você quem a
escolheu. A escolha é a coisa principal, na pintura, mesmo na pintura
normal. (DUCHAMP, In: DE DUVE, 1989, p. 142-143).
A entrevista é citada pelo crítico Thierry de Duve em seu livro Ré-

sonances du Readymade, o qual comenta desta maneira o trecho acima
transcrito: “Se a palavra “arte” significa fazer, e se fazer significa escolher,
nada mais temos senão tirar a conclusão mais geral possível: a palavra
“arte” significa escolher” (DE DUVE, 1989, p.143).
O ato de escolher é também fundamental no processo de Guilher-
me Vaz, pois estamos face a uma proposta que não utiliza os materiais e
procedimentos tradicionais das artes plásticas e que opera com outros
saberes e outras áreas do conhecimento. Apesar das noções de “apropria-
ção” e “desapropriação” reenviarem a significados contrários, podemos
observar aspectos muito próximos nos processos criativos de Oiticica e
Vaz. Esse também escolhe elementos já existentes para a realização de
sua proposta e os declara obras. Mas não se trata aqui de tubos de tinta
ou um secador de garrafas, nem de uma lata ou um parque. O que é que
Guilherme Vaz escolhe? Trata-se de algo mais abstrato, que envolve nú-
meros e medições. Ao observarmos sua proposta, pode-se dizer que mais

do que escolher séculos ou segundos, Vaz escolhe sistemas de medição
de tempo, deixando em aberto as combinatórias infinitas para que ou-
tros as experimentem. Quer dizer, ele se utiliza do sistema de medição e
contagem de tempo dos relógios e calendários e declara obras a série de
datas e frações de tempo escolhidas que já ocorreram ou que poderiam
ocorrer na lógica desse sistema. Mas ele também deixa implícito um con-
vite aos leitores, motivando-os a desapropriarem outras datas quando diz
que “quaisquer outras desapropriações são livres”. Aqui também estamos
próximos de uma concepção de artista compreendida como a de um
“motivador para a criação”.
Temos também as diferenças que emergem na poética dos dois ar-
tistas. As apropriações de Oiticica se utilizam materialmente de objetos,
situações e lugares, quer dizer, de elementos que implicam o espaço. A
proposta de Vaz implica o tempo, num distanciamento e abandono do
objeto. Em entrevista concedida em 2013 a Franz Manata e Saulo Lauda-
res, o artista nos diz:
O que tem me mobilizado muito é a possibilidade de fazer uma arte

que seja inteiramente do sujeito e não do objeto. Esse é um assunto
espinhoso, desde 68 que venho enfrentando algumas feras. Então
o que eu estou pensando agora ainda é muito estranho até para o
sistema de arte contemporânea, acredito que nós ainda não nos li-
bertamos do moderno a tal ponto de que o código seja mais fraco
do que o ato. (VAZ, In: MANATA, 2016, p. 162).
Em entrevista posterior, em 2015, ao se referir à concepção geral de

suas propostas para a exposição Agnus Dei, e sobre ter cogitado incluir um
espelho na mostra - o que não foi feito à época - declara:

O espelho é porque eu não vejo até o momento uma maneira de re-
presentar (mais) o fim da metáfora proposta pela arte conceitual. O
fim da metáfora é trazido da arte para a realidade primal. O espelho
é, ao mesmo tempo, a metáfora e o fim dela. A existência virtual da
arte passa a ser concreta. (VAZ, In: MANATA, 2016, p. 37).
Nessas circunstâncias, como Guilherme Vaz concretiza sua proposta

do Ato de desapropriação de datas (área/tempo)? Ali, a busca por uma arte
distanciada do objeto e que se efetive no sujeito é potencializada e me-
diada pelo seu uso da escrita.
O período histórico, no qual se situa a arte Conceitual e que vai do
início dos anos 60 até o fim da década de 70, vivenciou a emergência de
poéticas conceituais ou conceitualistas em diversos países; muitos artistas
começaram a utilizar o texto como um meio para proposições artísticas.
Eles desconectaram a escrita de sua vinculação ou de seu uso na pintura e
nos meios tradicionalmente atribuídos às artes plásticas ou visuais. Entre
outros aspectos, a arte Conceitual enfatizou as possibilidades de inves-
tigar e utilizar a realidade da linguagem e de interrogar seus efeitos no
mundo real. Bem anteriormente, algumas práticas das vanguardas do sé-
culo XX - pensemos por exemplo, na escultura e no design Construtivista,
ou nas caminhadas Dadaístas -, já manifestavam seu interesse pela inscri-
ção da arte diretamente na realidade e fora do espaço da representação.
O campo da arte conceitual, ao qual a obra de Vaz se relaciona, vai
operar a partir da diversidade e da heterogeneidade das práticas, segui-
damente efêmeras ou precárias, num processo crítico e reflexivo. A pes-
quisadora e curadora Cristina Freire, em seu livro “Poéticas do Processo
- Arte Conceitual no Museu”, nos esclarece também que:
Se há distinções nos conteúdos programáticos dos artistas que

se propuseram a definir arte conceitual nos anos 1960 e 1970, há

também importantes pontos comuns que pretendemos indicar ao
longo deste trabalho. A existência da aura (ou sua ausência), o signi-
ficado do contexto (no caso a exposição e/ou museu) assim como o
papel reservado ao artista se formulam em novas bases nessas poé-
ticas conceituais. A obra Conceitual quebra expectativas arraigadas
e cria, muitas vezes, um desconforto intelectual ou em alguns casos
até mesmo físico para o espectador. Freqüentemente, a participa-
ção a que nos referimos é a atividade resultante desse incômodo. De
qualquer maneira, seja através de intervenções no ambiente, (dan-
do a ver o contexto), seja através de projetos envolvendo a consciên-
cia do corpo, ou seja ainda nos trabalhos envolvendo palavras (que
têm o potencial de mesclar as proposições artísticas a outros e mais
amplos contextos), o que importa ressaltar é o predomínio da idéia
sobre o objeto. (FREIRE, 1999, p. 30).
Em relação ainda à especificidade da escrita utilizada por Guilherme

Vaz, a artista e pesquisadora Maria Ivone dos Santos em seu artigo “Situa-
ções de leitura na arte contemporânea: práticas no trânsito entre o visível
e o legível e algumas considerações expositivas” nos diz que, nesse tipo
de poética:
Não mais veríamos o artista se ocupando estritamente das espe-

cificidades da prática do âmbito do que está posto e visível, mas
agindo no entrelaçamento, completando, desenvolvendo estraté-
gias de encontro. O observador, ou participante, passa a ser muitas
vezes enviado para o que está em torno ou fora da proposição, tal
como se observa nas noções de Non-Site problematizadas por Ro-
bert Smithson.
Poder-se-ia dizer também que os objetos, textos ou imagens e docu-

mentos resultantes destas formas de arte serviriam de mediação para
as questões enunciadas por cada uma das propostas e estas se dariam
também num plano mais mental e invisível. (DOS SANTOS, 2009, p. 127).

Ela sublinha a prática da leitura na mudança de comportamentos per-
ceptivos implicados nesse tipo de proposta: “O uso do texto, seus modos
narrativos e as diferentes funções que cumprem, criam tempos de aprecia-
ção que convidam a performances e atitudes distintas da que temos diante
de uma obra puramente visual ou plástica” (DOS SANTOS, 2009, p. 130).
Outra diferença ainda a ser considerada entre as poéticas de Hélio
Oiticica e Guilherme Vaz diz respeito aos significados atribuídos e às al-
terações de significado pelos quais passam os elementos escolhidos no
interior dos processos de criação das respectivas proposições. Oiticica se
utiliza de objetos ou ambientes que já possuem uma carga de significa-
dos. Ele ressignifica esses elementos apropriados, abrindo-os para cone-
xões com outros significados. A lata com o óleo queimando era utilizada à
época como um sinalizador nas ruas e nas estradas para trechos em obra,
por exemplo. Neste sentido, ela já possuía e acumulava significados atri-
buídos a ela, como o de ser uma lata de tinta ou de conserva, a de ter
sido reutilizada, a de ser um sinalizador e o de significar “atenção”, mas
também “perigo”.
Os períodos de tempo selecionados por Guilherme Vaz estão vazios
de um significado inicial, pois não há a menção a um evento ou dado
concreto. Não foram escolhidas datas de fatos ocorridos ou imaginados,
como uma revolução, um dia de festa ou uma comemoração religiosa, um
fenômeno físico ou um filme. As datas escolhidas pertencem a uma tem-
poralidade oriunda de um sistema homogêneo, mecânico e puramente
quantitativo. Vaz retirou as datas e frações de tempo de sua inscrição no
interior de um hipotético calendário ou relógio, isto é, retirou-as de suas
posições numa sucessão temporal abstrata. A sua quantificação numérica
corresponde a um sistema de contagem e medição de tempo, no qual
elas estão vazias do significado de eventos concretos, sem conexões iden-
tificadas e estabelecidas com fatos históricos, físicos ou ficcionais.

Além disso, é importante observar que, no Ato de desapropriação
de datas (área/tempo), a escrita é utilizada de tal forma por Guilherme
Vaz que ela simultaneamente comunica e instaura uma ação, a desapro-
priação, e pode ser identificada com uma das formas do performativo tal
como enunciada pelo filósofo J. L. Austin:
Batizar um navio é dizer (nas circunstâncias apropriadas) as palavras

“Batizo, etc.”. Quando digo, diante do juiz ou no altar, etc., “Aceito”,
não estou relatando um casamento, estou me casando.
Que nome daríamos a uma sentença ou a um proferimento deste

tipo? Proponho denominá-la sentença performativa ou proferimento
performativo, ou, de forma abreviada, “um performativo”. O termo
“performativo” será usado em uma variedade de formas e constru-
ções cognatas, assim como se dá com o termo “imperativo”. Eviden-
temente que este nome é derivado do verbo inglês to perform, verbo
correlato do substantivo “ação”, e indica que ao se emitir o proferi-
mento está-se realizando uma ação, não sendo, consequentemente,
considerado um mero equivalente a dizer algo. (AUSTIN, 1990, p.25).
Ao se constituir, a escrita de Vaz efetua uma ação, é uma escrita per-

formativa que efetua um ato de desapropriação, um ato com conotações
legislativas e jurídicas. Outro sistema reverbera aqui e reenvia ao da lin-
guagem legal. Por exemplo, a desapropriação de bens e direitos patrimo-
niais está prevista na Constituição Brasileira. Ela pode ser assim definida:
“Desapropriação é a transferência compulsória da propriedade para o
poder público com fundamento em utilidade pública, necessidade públi-
ca ou interesse social, mediante prévia e justa indenização...” (DE SOUZA,
2017, p. 3). Esses bens e direitos visados numa desapropriação são bens
móveis ou imóveis, em geral, áreas ou terrenos urbanos, propriedades ru-
rais, casas, apartamentos, assim como seus usos e direitos.

Diante disso, é necessário considerarmos a natureza linguística dos con-
ceitos empregados na esfera legal - e também na escrita da proposta artística:
Os conceitos que constroem e sustentam os sistemas legais não

existem fora de sua expressão lingüística. Direito e língua, ainda que
dois fenômenos sociais distintos, estão ligados de tal maneira que
podemos dizer como Gibbons que a língua constrói a lei. (MACIEL,
2008, p.5).
Para concluir, a singularidade da escrita performativa de Vaz é que

ela desapropria tempo. Isso torna o seu gesto inesperado e insólito, no
sentido de algo extraordinário, totalmente inabitual, fora do convencio-
nal. O que é desapropriado são as datas sem outros significados que os
de sua própria contagem num sistema de medição. Como está escrito
no enunciado, as datas são “contidas pelos seus limites quantitativos”. A
desapropriação refere-se então a períodos literais de tempo. Mas o que
ocorre com eles nesse processo? Os períodos de tempo ficam em suspen-
são - sem aderência à ordem linear, mecânica e contínua -, em suspensão
de função e sentido.
Não conheço leis que desapropriem tempo. Contudo, a linguagem
legal e seus conceitos são utilizados por Guilherme Vaz na escrita do Ato
de desapropriação, mesmo que de forma sucinta e mínima. Entendo que
há aqui outra desapropriação, não enunciada desta vez. Vaz desapropria
a linguagem legal, no sentido em que a retira do sistema que a articula, a
deixa fora desse mundo que lhe é próprio.
O Ato institui uma linguagem que mostra o artifício da linguagem
e simultaneamente inventa um mundo com outras leis. O Ato deixa em
suspenso os tempos, mas também a linguagem que o veicula.

Notas
1 O presente trabalho foi realizado com apoio do CNPq, Conselho Nacional de Desenvolvi-
mento Científico e Tecnológico – Brasil.
2 Na transcrição, tentei manter as grafias, sequências, quebras de linhas e a mesma distri-
buição espacial que se encontra no texto reproduzido no livro.
3 Como é possível ver nesta passagem do livro “Uma breve história do tempo”, de Stephen
Hawking (2015, p.35): “Para todos os efeitos, o metro é definido como a distância percorrida
pela luz em 0,000000003335640952 segundo, conforme medido por um relógio de césio”.
Será que percebemos um tempo tão breve como esse? Além de definir o metro, o que
poderia significar a existência de um tempo tão breve como esse? Algo que nos escapa?
Uma impossibilidade?
4 Disponível em: <https://revistapesquisa.fapesp.br/2001/10/01/o-proton-em-transforma-
cao/>. Acesso em: 19 mai 2020.
5 Débora Danowski e Eduardo Viveiros de Castro no livro “Há mundo por vir?” (2014) abor-
dam o tema do fim do mundo. Eles desenvolvem seu pensamento através do imaginário
das produções de diferentes culturas humanas. Nesses discursos, livros e filmes, tais como
os filmes The Day After Tomorrow (2004), de Roland Emmerich, Melancholia (2011), de Lars
von Trier, o romance The Road, de Cormac McCarthy, ou ainda a ficção ensaística de Gabriel
Tarde, Fragment d’histoire future, surge a possibilidade de uma extinção de toda a vida na
terra, ou do fim da espécie humana devida a um supervírus mortífero, a explosões nuclea-
res, a desastres naturais ou a crimes ambientais de alcance planetário.
6 Disponível em: <http://www.marjolijndijkman.com/?rd_project=164&lang=en>. Acesso
em: 19 maio 2020.
7 Idem.
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Hélio Fervenza
Artista visual, professor titular do Instituto de Artes da UFRGS (DAV e PP-

GAV) e pesquisador do CNPq. Sua produção textual integra publicações
nacionais e internacionais, e é autor do livro O + é deserto, Escrituras Edi-
tora. Exposições em diversos países desde o início dos anos oitenta, entre
elas: Bienal de Veneza (Itália), Bienal de São Paulo (sala retrospectiva 1990-
2012), Bienal de Yakutsk – BY14 (Rússia) em parceria com Maria Ivone dos
Santos, Bienal do Mercosul. Contato: [email protected]

REFLETINDO SOBRE ARTE, CIDADANIA,
PARTICIPAÇÃO E ESPAÇO PÚBLICO EM
MEIO À PANDEMIA
REFLETINDO SOBRE ARTE, CIDADANIA, PARTICIPAÇÃO

E ESPAÇO PÚBLICO EM MEIO À PANDEMIA
Cláudia Zanatta / UFRGS
Márcia Braga / UFRGS
INTRODUÇÃO
(...) lembro que o problema hoje é ético.
Lygia Pape, 1972
As considerações tecidas no presente artigo partem de um grupo de pes-

quisa chamado Poéticas da Participação: Cidadania e Arte1, o qual tem em

sua denominação termos controversos, de difícil definição e que estão
sendo fortemente tensionados neste período de pandemia. Como pensar
sobre participação, cidadania e arte em meio à urgência e à emergência
do acirramento de uma crise ambiental e da desestruturação das instân-
cias democráticas? Que tipo de escrita pode aflorar em um momento de
suspensão como o que estamos vivenciando devido ao Covid-19?
É a partir da condição de isolamento social em que nos encontra-
mos que vamos nos deter em algumas das dimensões do presente e
em perguntas incômodas que nos acompanham e que se intensificaram
durante a pandemia. Escrever esse artigo serve para pensarmos, antes
de tudo e ante tudo o que se desmanchou ou se refez, ante a perda do
espaço público, ante a impossibilidade do abraço. No grupo de pesquisa
“Cidadania e Arte”, cuja prática emerge do espaço das ruas da cidade,
entendemos que a escrita desse artigo é o trabalho poético possível
nesse momento de suspensão.
Caetano Veloso e Gilberto Gil, na canção “Haiti”, de 1993, advertiram
que, em um contexto de crise, cuja base são a desigualdade social e a
violência, “Ninguém, ninguém é cidadão”. (VELOSO; GIL, 1993, s.p). Poderí-
amos afirmar que as injustiças que marcam nossa sociedade se tornaram
mais visíveis nesse momento de pandemia. Em tal cenário, do que fala-
mos quando nos referimos à cidadania, participação, ao espaço público
e à democracia?
Embora não tenhamos uma resposta objetiva para essa pergunta e
esses conceitos, não nos eximimos de fazê-la, assumindo que habitamos
o espaço da dúvida, e nos propomos a analisar como tais noções podem
ser relacionadas às práticas artísticas participativas, tendo como referên-
cia, a ação “Divisor”, de Lygia Pape.

Cidadania, participação, espaço público e democracia
como conceitos fluídos
No Brasil, estamos há mais de oitenta dias confinados em casa a fim de

evitar o avanço exponencial de uma doença letal que afeta o mundo todo.
Abdicamos da cidade devido a uma crise pandêmica, algo absolutamente
violento e novo com o qual estamos tentando aprender a lidar. Durante
esse período, nos distanciamos do espaço público para nos protegermos
e protegermos o outro, enquanto presente e futuro encontram-se em
suspensão (Figuras 1 e 2).
Figura 1. Nome das autoras, Espaço público de Porto Alegre durante o período de
pandemia, bairro centro, 2020. Foto Cláudia Zanatta.

Figura 2. Nome das autoras, Espaço público de Porto Alegre durante o período de
pandemia, bairro Floresta, 2020. Foto Márcia Braga.
Para pensar sobre o cidadão e sua participação no espaço público

nesse panorama, retomamos o conceito de “modernidade líquida”, de-
senvolvido por Zygmunt Bauman (2000), para nos auxiliar a refletir sobre
o que se constitui, talvez, como a mudança social mais repentina e ve-
loz que já tenhamos experimentado desde a segunda metade do século
XX. Nos últimos meses, a vida pareceu perder sua forma como algo que
pode esvair-se a qualquer momento. Fomos tomadas pela perda total
de qualquer tipo de controle e predomina a sensação de de vazio rela-
cionada com a acentuada liquefação das formas: o trabalho, a família, o
engajamento político. O medo toma conta de nós na “sociedade líquida”

(BAUMAN,2008b) diante das incertezas relacionadas ao futuro e à incapa-
cidade de nos adaptarmos ao novo mundo.
Como pensar os conceitos de cidadania, democracia e participação,
no espaço público, nesse momento, em que o Covid-19 obriga a nos fo-
carmos no espaço do habitar, na casa? A pandemia acentuou de forma
dramática o que já estava visível na sociedade contemporânea: que há
um contingente imenso de seres vivos que não pode se proteger ou con-
tar com qualquer tipo de cuidado.
Bauman (2008a), resgatando o pensamento aristotélico, fala da exis-
tência de três espaços da vida cidadã: o privado, o público e a ágora. O
privado (o oikos) seria o espaço diário e familiar onde “falamos e nego-
ciamos as formas de compartilhar nossas vidas”. (BAUMAN, 2008a, p.180).
O público (ou ecclesia) representaria o domínio das leis, “aquele domínio
distante, que raras vezes visitamos pessoalmente, mas onde as questões
públicas, as matérias que afetam as vidas de cada um de nós, são estabe-
lecidas”. (BAUMAN, 2008a, p.180). Para o autor, a democracia se localiza-
ria justamente no trânsito entre essas duas instâncias que se dá em uma
terceira: a ágora. “A ágora é a terra natal da democracia”. (...) “É na ágora
que ‘o público’ e ‘o privado’ se encontram, são apresentados um ao outro,
passam a se conhecer e aprendem, por tentativa e erro, a difícil (e útil) arte
da coabitação pacífica”. (BAUMAN, 2008a, p.180)
Assim, o fluxo entre essas duas instâncias é absolutamente neces-
sário para a sobrevivência da democracia e, talvez, a precariedade desse
trânsito na contemporaneidade seja um dos fatores pelos quais nossa de-
mocracia agonize. Somos conscientes de que não há uma preocupação
por parte dos poderes instituídos com “o bem-estar do oikos e as reuni-
ões na ágora para negociar interesses comuns e os meios de promovê-los
e protegê-los parece ser cada vez mais uma perda de tempo e esforço”.
(BAUMAN, 2008a, p.81)

Nossos desejos manifestados nas assembleias públicas não são
atendidos e parte da população sofre as consequências da falta de uma
política pública efetiva. Sem contar aqueles que nem são considerados
cidadãos, aqueles que não desenvolvem, segundo Bauman
(...) uma função que possa ser vista como “útil”, muito menos indis-
pensável, para o suave e lucrativo funcionamento da economia. Não
são necessários como os supostos produtores; mas numa sociedade
em que os consumidores, e não os produtores, são considerados
a força propulsora da prosperidade econômica (esperamos que a
recuperação “guiada pelo consumidor” nos tire dos problemas eco-
nômicos), os pobres também são inúteis como consumidores: não
serão seduzidos por lisonjas do mercado, não possuem cartões de
crédito, não podem contar com cheque especial nos bancos e as
mercadorias que mais precisam trazem pouco ou nenhum lucro
para os comerciantes. Não é de admirar que eles estejam sendo re-
classificados como “subclasse”: não mais uma anormalidade tempo-
rária esperando ser retificada e posta outra vez na linha, mas uma
classe fora das classes, uma categoria colocada permanentemente
fora dos limites do “sistema social”, uma categoria a que o resto de
nós prefere não pertencer. E todos estariam mais confortáveis se ela
não existisse. (BAUMAN, 2008a, p.72).
Judith Butler, no livro Corpos em aliança e política das ruas - notas

para uma teoria performativa de assembléia (2015), ao refletir sobre o que
chama de populações descartáveis, pergunta: “De quem são as vidas
que importam? … quais vidas são passíveis de luto e quais não são? ”.
(BUTLER, 2015, pp.216-217). Agora, em 2020, parte expressiva do campo
social afirma explícita e publicamente que idosos, negros, não heterosse-
xuais, pobres, plantas e animais podem (e para muitos, devem) morrer2 e
mostrou em escala global que grande parte do contingente de humanos
não é tratado como cidadão.

Nesse sentido, no contexto brasileiro, o sociólogo Jessé Souza, ao
olhar para seres humanos reduzidos a meros corpos, cunhou o termo “ralé
brasileira”, a qual estaria
(...) desprovida de qualquer valoração positiva dentro do contexto

da hierarquia valorativa opaca do mercado competitivo avançado
que os relega a sub-empregos, à sub-cidadania sem direitos e ao
destino de serem meros números nas estatísticas policiais. (SOUZA,
2005, p.94).
A pandemia sublinhou que o objetivo de integração, de inclusão so-

cial e de preservação do planeta não foi atingido. Está mais que evidente
que a vida humana não pode ser separada do meio que dá condições a sua
existência e que tais condições não estão dadas, mas estão sendo constan-
temente elaboradas, produzidas, impulsionadas por fatores humanos ou
ambientais; que fazemos parte de uma teia de relações que se caracteriza
pela interdependência entre todos os que a compõe. (CAPRA, 1996)
Se, abruptamente, fomos confrontados com a máquina terrível que
produzimos como humanidade e não queremos mais considerar “normal”
e “natural” um modelo de vida de base exploratória, tal decisão certamen-
te terá influência direta em nossa prática artística. Sempre fomos cons-
cientes de que tal modelo se baseava na exploração, tanto de seres vivos
quanto de seres considerados não vivos: os chamados “recursos naturais”,
mas o que o momento atual nos mostrou de forma crua é que a ideia de
solução ou de gestão de crises, tendo a vida como prioridade, é frágil e,
muitas vezes, falaciosa3.
O quê um grupo de pesquisa, que realiza proposições e reflexões
a partir de processos participativos que envolvem a relação entre arte e
cidadania (que ocorre predominantemente no espaço público das ruas),
pode propor em tal cenário? Até o momento, nossas práticas falavam em

contra-hegemonia, na produção de narrativas e de visibilidades descolo-
nizadas, em re-existência, em desnaturalização de tempos e de espaços.
Tais palavras se calaram sob o impacto das imagens de um espaço públi-
co urbano que, momentaneamente, assumiu as funções de um cemitério.
Vimos corpos sendo queimados nas ruas em Guaiaquil, fossas co-
muns nas periferias de Nova York, pista de patinação na Espanha ar-
mazenando cadáveres, somente para citarmos exemplos do que foram
algumas das imagens com as quais fomos confrontadas nesse período.
No Brasil, similar ao que ocorreu nos EUA, as ruas foram ocupadas pelo
mandante da nação e por seus apoiadores, os quais, estimularam a po-
pulação a sair do espaço privado. Desafiando a morte, desconsideraram a
ciência e exigiram, a partir de ações espetaculares, a circulação de pesso-
as no espaço público, possibilitando o livre acesso ao trabalho presencial
e participação em cultos religiosos, os quais foram considerados como
atividades essenciais.
Neste cenário, a web vem sendo apontada por alguns autores como
a nova esfera pública digitalizada, típica do capitalismo neoliberal (ARAN-
TES, 2020). Para Bauman:
O “privado” invadiu a cena-destinada-a-ser-pública, mas não para inte-

ragir com o “público”. Mesmo quando está sendo enxovalhado na fren-
te do público, o “privado” não adquire uma nova qualidade; quando
muito, é reforçado em sua privacidade. (BAUMAN, 2008a, p.183).
Em sintonia com esse pensamento, entendemos que internet não

constituiu o “novo espaço público” por razões que envolvem, por exemplo,
o cibercontrole4, mas, principalmente, pela ausência do corpo físico neste
“suposto” novo espaço público. Seja de modo individual ou em coletivida-
de, a presença do corpo é um dos aspectos fundamentais da constituição
do espaço público, basta vermos que os protestos presenciais nas ruas têm,

historicamente, sido uma das forças de maior potência no embate pela luta
dos direitos sociais, de reivindicação de liberdade e de cidadania.
O Divisor no espaço público
O “Divisor”, ação da artista brasileira Lygia Pape, realizada pela primeira

vez na favela da Maré, no Rio de Janeiro, permite estabelecermos uma
série de relações com o momento atual. Proposta no final dos anos 60,
a ação permanece ainda sendo realizada em distintas partes do mundo,
tanto vinculada a iniciativas de espaços privados quanto públicos5 (Figu-
ras 3, 4, 5, 6). “Divisor” se constitui em um grande tecido branco, com fen-
das regularmente espaçadas pelas quais cada participante pode passar
sua cabeça. As figuras mostram o “Divisor”, ganhando vida pela ação cola-
borativa de várias pessoas em diferentes contextos geográficos.
Figura 3. Lygia Pape, Fotogramas do vídeo em super 8 Divisor, 1967. Fonte: Lygia
Pape Espaço Imantado [catálogo de exposição], 2012.

Figura 4. Lygia Pape, Divisor, 1968-1990. Performance no Museu de Arte Moderna,
Rio de Janeiro, 1990. Pano de algodão com fendas 200cm x 200cm. Fonte: https://
lygiapape.com/obras/decada-60/

Figura 5. Lygia Pape, Divisor (1968-2013). Ação realizada em Hong Kong. Fonte:
Revista Pivô: https://www.pivo.org.br/eventos/palestra-a-journal-of-the-plague-year/
Figura 6. Lygia Pape, Divisor Ação realizada em Lisboa, 2014. Fonte: https://www.
fernandomota.art/?lightbox=dataItem-jiexfahb

O final dos anos 60 foi marcado por ações e teorizações voltadas à
retomada das ruas, basta pensarmos em maio de 68, na França, e no livro
“O Direito à Cidade”, de Henry Lefebvre, publicado no mesmo ano. No Bra-
sil, em 1968, temos a histórica Passeata dos Cem Mil, no RJ, considerada a
maior manifestação contra a ditadura militar desde 1964 (Figuras 7 e 8).
Lygia Pape, junto a outros intelectuais e artistas, participou ativamente
desse protesto. Foi em meio a esse período de lutas pela democracia e
pela apropriação do espaço público urbano que a artista gestou a ideia
do “Divisor”. Paulo Herkenhoff, em texto sobre a obra de Pape, afirma que
“o grande plano branco do Divisor é comparável a uma passeata política,
pois atua como situação móvel na favela inicialmente e depois passou
para as ruas da cidade”. (HERKENHOFF, 2011, p.51)
Figura 7. Passeata dos Cem Mil, 1968. Fonte: https://www.culturagenial.com/

musicas-famosas-ditadura-militar-brasileira/ARTISTAS/

Figura 8. Passeata dos Cem Mil, 1968. Fonte: https://www.revistaogrito.com/critica-
livro-obra-de-roberto-sander-sobre-o-maio-de-68-reflete-passado-e-futuro-do-
movimento/
A ação de Pape se insere nas práticas dos anos 60 e 70, marcados

pela desmaterialização do objeto, com diminuição da ênfase na materia-
lidade da obra e foco em relações processuais e conceituais. Dentre as
neovanguardas atuantes nesse contexto, temos os neoconcretistas brasi-
leiros como Lygia Pape, Lygia Clark e Hélio Oiticica. Em suas trajetórias, os
três artistas vão se distanciando da produção de objetos, ligada ao con-
cretismo, e caminhando na direção da construção de obras participativas,
vinculadas a contextos específicos, no caso de Pape e Oiticica, em alguns
momentos, relacionadas às favelas do Rio de Janeiro e a espaços públicos.
O “Divisor” nos provoca a pensar a relação do corpo com o espa-
ço público como produtora de tensionamentos, pois pressupõe a ação
coletiva na qual os participantes precisam caminhar em sintonia, caso

queiram que a estrutura do tecido não se rompa. Se alguém decidir ficar
parado, por exemplo, o sistema pode se desestruturar, rasgar. Os movi-
mentos dos participantes, ao serem negociados coletivamente no senti-
do de agirem como um corpo único, preservam a estrutura. Há uma certa
homogeneização nessa participação a um mesmo ritmo e Pape afirmava
que o “Divisor” comentava a sociedade massificada (MATTAR, 2003, p.74
apud MACHADO, 2014).
A proposta de Pape, portanto, ainda que constituída por indivídu-
os, forma um corpo coletivo que oscila entre a ação coletiva e individual,
criando uma aliança precária. Guy Brett escreve que a ação aponta para
“Uma ética da comunidade, uma vez que os movimentos de cada indi-
víduo têm um efeito direto sobre os movimentos dos outros, de todo o
grupo”. (BRETT, 2012, p.260)
“Divisor” nos auxilia a pensar o espaço público e as noções de ci-
dadania e de democracia vinculadas a um corpo social contemporâneo
que, embora tenha todas suas partes absolutamente inter-relacionadas,
não se constitui como único, posto que esfacelado, altamente polarizado
e em disputa, em um momento em que todas as certezas parecem “se
desmanchar no ar”.
Segundo Bauman (2000), a modernidade esteve empenhada em
produzir sólidos que substituíssem os sólidos da tradição, que não se-
riam, assim, tão sólidos, ou suficientemente sólidos para representar a
modernidade que se queria construir. A época que estamos vivendo
estaria, segundo o autor, vinculada à modernidade líquida, entendida
como aquela que desfaz os sólidos que chegam até este período, as for-
mas de vida, relacionadas a estruturas políticas, sociais e econômicas.
Atualmente, tudo é tão veloz que já não há tempo de solidificar-se e o
incerto, o indeterminado, o impreciso, é líquido. A fluidez, portanto, seria
a principal metáfora para o estágio presente da era moderna.

(...) os líquidos diferentemente dos sólidos, não mantêm sua forma
com facilidade. Os fluidos por assim dizer não fixam o espaço nem
prendem o tempo. Enquanto sólidos tem dimensões espaciais cla-
ras, mas neutralizam e impacto e portanto diminuem a significação
do tempo (resistem efetivamente ao seu fluxo ou tornam irrelevan-
te), os fluidos não se atém muito a qualquer forma e estão constan-
temente prontos e propensos a mudá-la; assim para eles o que con-
ta é o tempo mais do que o espaço que lhes toca ocupar o espaço
que, afinal, preenchem apenas entre aspas por um momento” ponto
em certo sentido, o sólido suprimem o tempo para os líquidos ao
contrário, o tempo é o que importa ao descrever os sólidos pode-
mos ignorar inteiramente o tempo ao descrever os fluidos, deixar o
tempo de fora seria um grave erro ponto descrições de líquidos são
fotos instantâneas que precisam ser datadas. (BAUMAN, 2000, p.7).
As proposições, não só de Pape, Oiticica ou Clark, mas de artistas

atuantes em outros contextos geográficos, de certo modo, liquefazem os
códigos estabelecidos da arte pelo caráter experimental, efêmero e radical
de muitas de suas proposições. Neste contexto, propostas como happenin-
gs, performances e instalações que se desfazem no cotidiano, evidenciam
o aspecto de “liquidez” presente, tanto no campo da arte como no campo
social ampliado. Nesse sentido, o “Divisor” também se esvai: “(...) de súbito
tudo se dissolve, displicentemente: no ato”. (PAPE, 2012, p. 244)
Esse âmbito da performatividade do “Divisor” é um aspecto que nos
remete a considerações de Judith Butler, ao salientar a importância da
presença do corpo físico, tanto individual como coletivo no espaço das
ruas, um corpo que teria um rosto, não genérico. Butler discorre sobre
uma “esfera do aparecimento”, considerando a noção de assembleia,
de corpo político, no qual cada pessoa teria o direito a ter visibilidade,
de existir. A teórica vai questionar quais as condições dessa aparição e
quando e quem é apagado nessa esfera de aparecimento, bem como
quem a regula. (BUTLER, 2018)

O “Divisor”, ao surgir como uma onda de pessoas que se apresentam
espaço público mediante uma imagem que tem grande impacto visual,
demonstra a potência desse aparecimento mesmo no século XXI, posto
que tem sido realizado em distintos contextos, ligado a reivindicações nas
ruas. Em 2016, por exemplo, em Belo Horizonte, uma revisitação do traba-
lho de Pape acontece por iniciativa de estudantes de artes e foi intitulada
de “Mar de Gente” (Figuras 7 e 8), mesclando o “Divisor” e a obra Painting
Reality, do coletivo alemão IEPE, dentro do contexto dos protestos contra
os cortes em Educação e Previdência Social. Segundo a estudante Débora
Lemos, que participou da ação:
A ideia do Mar surge no intuito de levar às ruas uma manifestação

imageticamente potente, que conseguisse simbolizar o caráter co-
letivo e pacífico do movimento, e que marcasse a cidade – até então
mal informada sobre a magnitude da ocupação em todo território
nacional de escolas secundaristas, universidades e institutos fede-
rais, secretarias de educação, dentre outros – com as milhares de
pegadas de manifestantes que iam às ruas em defesa da Saúde e
da educação. Enquanto obra, é um acontecimento que permite aos
96 voluntários que abrem seu tecido e o sustentam por todo o ato,
a experiência de compor um corpo coletivo. O Mar de Gente é, antes
de tudo, uma experiência cidadã, que aciona e predispõe o corpo-
-sujeito, individual, assolado pela competitividade capitalista, a uma
possibilidade coletiva de existência e ação. (LEMOS, 2019, s/p).

Figuras 7. Mar de Gente, Belo Horizonte, 2016. Foto: https://apubh.org.br/
Figuras 8. Mar de Gente, Brasília, 2016. Foto: https://apubh.org.br/acontece/um-mar-

de-manifestantes-professores-estudantes-e-tecnico-administrativos-emprestam-
seus-corpos-para-a-politica-e-a-arte-ocuparem-bh/

Devemos lembrar que “Divisor” é uma obra aberta, permeável a uma
participação passível de considerar diferentes velocidades e de gerar ou-
tras formas, ou até mesmo ter sua estrutura completamente desfeita, caso
submetida a forças de direções contrárias, não harmônicas. Paulo Herke-
nhoff sublinha bem esse caráter de que o corpo coletivo pode também
ser constituído de forças em conflito:
(...) forças internas do divisor devem se organizar para uma unidade

produtiva do esforço. Antagonismos são dissolvidos na dinâmica in-
terna da comunidade de participantes ou se revelam na direção da
entropia do circuito. Pulsões desagregadoras levam o grande plano
geométrico ao colapso, à queda dos participantes e frustra a pos-
sível harmonia social. O Divisor admite, portanto, a experiência da
violência. (HERKENHOFF, 2012, p.51).
Talvez a advertência de Herkenhoff seja a que mais possa aproximar

o “Divisor” da experiência de um momento como o que atravessamos em
2020, no qual o espaço público brasileiro tem se caracterizado por forças
em disputa e por ênfase em normativas de regramento. Provavelmente,
no atual contexto das ruas o “Divisor” seria rasgado, decomposto ao ir
para as ruas. Todavia, nesse momento, parecem fazer muito sentido as
palavras que se referem à obra como “... sementes de significado que nos
impulsionam a questionar e a mudar o mundo. Não a ratificá-lo”. (BOR-
JA-VILLEL; VELÁZQUEZ, 2012, p. 16) (...) Um mundo do qual não temos a
chave”. (MERLEAU-PONTY, 1980 apud OSORIO, 2012, p.106)
CONSIDERAÇÕES FINAIS
Trabalhar com arte sempre foi lidar com incertezas. Períodos de crises são
oportunidades para reconsideramos nossas ações e a responsabilidade

que temos como produtores de regimes de visibilidade, de espaços de
fala e de silêncio; de espaços de participação. Refletir e observar alguns
caminhos possíveis para nossa prática é o que nos propusemos a fazer
por meio desta escrita que se institui no nosso entendimento, também,
como instância poética.
Voltar à normalidade, depois de tudo o que estamos vivendo, não é
algo possível. Mesmo que o fosse, a que normalidade voltaríamos? Que
outras narrativas e formas de viver serão inventadas individual e coletiva-
mente? Como criar formas de sociabilidade e subjetivação pós Covid-19?
Quais as questões que iremos enfocar a partir das tensões que as dinâmi-
cas do campo social e biopolítico trouxeram com a pandemia?
A prática artística não está desvinculada dos conflitos e dinâmicas
do âmbito social e não tem sido indiferente às questões que o consti-
tuem, muito pelo contrário, artistas têm trabalhado continuamente no
campo do sensível, criando e imaginando inúmeras formas de se rela-
cionar com o mundo.
Assim, o que permanece em nossa prática é a perspectiva da arte de
que, mesmo em cenários de controle nos quais se converteram os espa-
ços públicos e de precarização e de desconsideração pela vida humana,
permanece algo que talvez o músico Tom Zé tenha indicado como “defei-
tos de fabricação” (ZÉ, 1998). Assim vai chamar o músico os sujeitos que
habitam a “periferia da civilização”, caracterizada por uma condição de to-
tal precariedade. A denominação usada por Tom Zé dialoga com alguns
dos termos dos autores citados no presente texto, como Bauman que no-
meou esses indivíduos de “classe fora de classes” e Butler que os indicou
como sendo “descartáveis”; ou ainda “a ralé brasileira”, na denominação
de Souza, em nosso contexto.
Segundo Tom Zé, os humanos, mesmo em condições muito adversas,
“revelam alguns defeitos inatos, como criar, pensar, dançar, sonhar”. (ZÉ,

1998, s/p). Entendemos que esses “defeitos” são inerentes a todos nós e são
eles que nos ajudam a pensar e imaginar outros mundos diferentes deste
que temos construído. Para o filósofo Vladmir Safatle, arguto analista deste
período de suspensão causado pela pandemia, a imaginação coletiva de
um outro horizonte possível nunca se fez tão necessária como nesse mo-
mento. A arte tem um importante papel nesse sentido. (SAFATLE, 2020).
Como vamos retomar nossa prática artística no espaço público? Em
que condições vamos imaginar o espaço público de outro modo? O que
significa nos comprometermos com a vida do outro, próximo ou distante?
O que uma prática artística que se volta para a participação e a cidada-
nia pode aportar a partir do ponto de ruptura trazido pela pandemia, são
perguntas que permanecem a nos inquietar e para as quais não temos
respostas no momento.
O que a pandemia deixa claro é que é impossível vivermos sozinhos,
todos dependemos uns dos outros, de algum modo. Fora e dentro, público
e privado são instâncias cujas fronteiras se misturam, contaminam-se, e “...
viver juntos, por mais difícil que possa ser, permanece um imperativo éti-
co e político”. (BUTLER, 2018, p.34).
Notas
1
Cidadania e Arte é um grupo originado no Instituto e Artes da Universidade Federal do Rio
Grande do Sul, em 2014 e vincula-se à linha de pesquisa “Arte pública participativa: articu-
lação entre poética e cidadania”. Para mais informações consultar: https://cidadaniaearte.
wordpress.com/
2
A decisão entre a saúde e o trabalho, a vida ou a sobrevivência, parece ser o novo parâme-
tro social. Não há emprego formal para todos, mas se a pessoa não tiver trabalho, ela não
vale nada. À parte disso, muito do trabalho contemporâneo é praticamente servil, precário,
destituído de todos os tipos de garantias, de proteções sociais.

3
A intensificação da destruição das últimas florestas de nosso país está ocorrendo em meio
à pandemia, bem como o aumento brutal do uso de venenos agrícolas têm se intensificado
nos primeiros meses de 2020.
4
A partir de 2016 Cambridge Analithics desvela o colonialismo de dados informacionais
e como os algoritmos influenciam na escolha de representantes em processos eleitorais.
5
Remontagens da ação foram realizadas em exibições em Hong Kong, 2013, na mostra: A
Journal of the Plague Year. Fear, ghosts, rebels. SARS, Leslie and the Hong Kong story e em Nova
York, em 2017, na mostra Lygia Pape: A multitude of Forms.
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ASPECTOS BIOLÓGICOS E TECNOLÓGICOS
DAS IMAGENS EM PRÁTICAS ARTÍSTICAS1
BIOLOGICAL AND TECHNOLOGICAL ASPECTS

OF IMAGES IN ARTISTIC PRACTICES
Andréia Machado Oliveira
O presente artigo aborda alguns aspectos biológicos e tecnológicos pre-

sentes nas imagens em práticas artísticas, principalmente as direciona-
das à arte e tecnologia. Entendemos, com base teórica no filósofo francês
Gilbert Simondon (2013), que as imagens conjugam aspectos biológicos
(endógenos – estruturas orgânicas) e tecnológicos (exógenos –objetos
tecno-estéticos compartilhados socialmente). Nesse sentido, Simondon
coloca que a imagem não se reduz ao fenômeno como consciência de
algo, e sim como ação, como experiência biológica, tecnológica e estética2.
Ao abordar o conceito de imagem, ele parte de um pensamento pro-
cessual, sistêmico e não antropocêntrico, com foco não nos entes indivi-
duados, mas nos processos de individuação que se constituem a partir das
realidades física, vital, psíquica e coletiva, ligando o biológico ao psicoso-
cial. A partir de uma abordagem ontogenética, quer saber como as coisas
surgem, tomam forma, agem, se relacionam, se afectam, se concretizam.

Simondon nos fala de uma imagem que não privilegia o humano
sobre os outros seres, uma vez que sua concepção não é antropocêntrica,
afirmando que todos os seres produzem imagens, humanos e não hu-
manos; imagem que não privilegia o sentido da visão sobre os demais
sentidos, visto que cada sentido do organismo produz seu próprio tipo
de imagem; imagem que não privilegia a consciência sobre outras facul-
dades do pensamento, pois a razão não está acima do orgânico vital e
dos afectos dos corpos; imagem que não privilegia a representação sobre
a experiência, uma vez que não podemos dissociar o discurso das ações;
imagem que não privilegia o indivíduo sobre o meio ambiente, ao colocar
a imagem como realidade intermediária entre indivíduo e meio; imagem
que não privilegia o sujeito (interioridade) sobre o coletivo (exteriorida-
de), ou vice-versa, pois o físico, o vital, a psique e o social são fases de um
mesmo processo de individuação do sujeito coletivo, ou seja, pertence a
um processo transindividual.
Produzidas por humanos, animais, máquinas, minerais, células, as
imagens, que aportam memórias, não se restringem ao visual, podendo
ser também sonoras, gestuais, táteis, olfativas, degustativas (OLIVEIRA,
2018). Jean Nancy (2005), corroborando com Simondon (2013), coloca
que “a imagem não é somente visual: ela é também musical, poética, mes-
mo táctil, olfativa ou degustativa, sinestésica, e mais” (NANCY, 2005, p.10).
Tudo o que se produz em nível sensorial, uma vez que “todos os sentidos
têm suas imagens” (SIMONDON, 2013, p. 22).
Simondon propõe um vínculo ontogenético entre organismo,
símbolo e objeto (científico, artístico, técnico), a partir de estudos re-
alizados em embriologia, zoologia e etologia. Ele concebe a imagem
como um ciclo que se desdobra em diferentes fases de uma mesma
atividade. Fases de crescimento, desenvolvimento e saturação de ativi-
dades orgânica e mental, que não se limitam ao sujeito que as carrega,

uma vez que partem de experiências corporais biológicas e retornam
ao corpo nas experiências coletivas através dos objetos tecno-estéticos
compartilhados culturalmente.
A produção de imagens decorre de uma complexidade de relações:
indivíduo e meio (relações motoras); indivíduo, meio e objeto (relações
perceptivas); indivíduo, meio, objeto e memória (relações mentais); indi-
víduo, meio, objeto, memória e coletivo (relações inventivas). Brevemen-
te, apontamos características que diferenciam as fases motoras, percepti-
vas, mentais e inventivas no processo imagético simondoniano.
As imagens-motoras são ricas em elementos motores endógenos,
são imagens a priori à experiência sensorial, pois “a motricidade precede
a sensorialidade” (SIMONDON, 2013). Presente em um processo biológico
e vital em que preexistem coordenadas hereditárias de atos instintivos,
implicando a participação de todo o organismo como meio de atualiza-
ção (SIMONDON, 2013, p. 29). Com a imagem-motora estão criadas as
condições para uma futura adaptação ao meio e percepção dos objetos
(OLIVEIRA, 2018), pela antecipação de comportamentos gravados na me-
mória orgânica. As condições endógenas do organismo determinam sua
iteração com o meio exógeno, contudo, não há um determinismo do or-
ganismo, uma vez que este encontra-se sempre se atualizando via obje-
tos tecno-estéticos emergentes.
Podemos pensar em alguns artistas que explicitam esse fator bio-
lógico atrelado ao tecnológico. O artista australiano Stelarc1 trabalha
radicalmente na incorporação da tecnologia computacional no corpo
1
Stelarc (1946 - ), artista australiano, usa próteses, robôs, sistema de realidade virtual, inter-
net e biotecnologia para explorar alternativas de interfaces para o corpo. Ele se interessa
pela arquitetura evolucionária do corpo e maneiras possíveis de reconfigurá-lo através de
implantes e exoesqueletos. http://web.stelarc.org/

humano. Ele busca a extensão do corpo humano via sua artificialização,
colocando que este corpo que temos tornou-se obsoleto diante da reali-
dade tecnológica contemporânea. Como no trabalho Corpo Amplificado,
Braço Automático e Terceira Mão (1992), performance em três sequencias
de 15 min, que pode ser entendida
Como uma interface e interação entre humano e sistema maquínico

– de músculos e motor de movimento. O braço esquerdo é ativa-
do por simulações musculares, ele empurra para cima e para baixo
involuntariamente, enquanto o lado direito controla a terceira mão
incorporada. Os sinais corporais amplificados relacionam a fisiologia
interna para emitir um movimento (LOVERY, 2008, p. 82).
O aparato tecnológico utilizado altera os próprios sinais corporais, in-

duzindo a ações que partem de estímulos artificiais, assim como é a fisiolo-
gia corporal que aciona o próprio aparato. Stelarc explicita que as máquinas
não são simples ferramentas disponíveis ao uso humano, mas que elas se
acoplam ao corpo, alterando sua própria fisiologia natural, ou seja, o corpo
passa por processos de artificialização na sua constituição natural.
Em Ear on Arm (2006-07), implantou um ouvido em seu braço es-
querdo e, em futuras cirurgias, irá introduzir um micro-microfone que vai
habilitar o ouvido ao acesso à internet, tornando-se um órgão com aces-
so público a outros lugares. Poderá não somente escutar, mas também
transmitir sons, por exemplo: uma pessoa que mora em Nova York poderá
escutar algo que se passa na Espanha, possibilitando uma extensão da
memória para além do espaço físico geográfico.
Quando Stelarc implanta um ouvido em seu braço, está aumentan-
do a velocidade de seu corpo ligado à internet, produzindo um outro cor-
po analógico/digital. É um disparate colocar que o meio digital negaria o
corpo, ao contrário, ele requer outras relações entre as partes dos corpos

(OLIVEIRA, 2010). O corpo é visto a partir da era pós-biológica, conforme
Giannetti: “atualmente o que tem sentido já não é a liberdade de ideias,
mas a liberdade de formas: a liberdade de modificar e mudar o corpo. As
pessoas montadas por fragmentos – comenta Stelarc – são experiências
pós-evolutivas” (GIANNETTI, 2006, p. 13). O corpo muda por necessidade
de transformação biológica e tecnológica.
Com isso se pretende superar definitivamente o conceito antropo-

cêntrico tradicional baseado na crença de que a técnica (ou a bio-
técnica) deve ser desenvolvida unicamente como prolongamento
externo dos órgãos humanos ou com o fim de ampliar suas capaci-
dades físicas (próteses, ferramentas, etc). A criação de novas interfa-
ces diretas entre ser humano e máquina permitirá uma síntese entre
ambos os sistemas [...] Da relação externa ser humano-máquina,
passa-se a uma simbiose mais profunda entre o natural e o artificial
(GIANNETTI, 2006, p. 13).
Na simbiose natural e artificial, o artista catalão Marcel-lí Antúnez

Roca2 realiza performances mecatrônicas, sendo seus elementos: carne,
biologia, organismos e máquina. Como Marcel-lí coloca:
Para mim não há diferença entre o corpo e a mente, quer dizer, não
se trata de coisas distintas, são uma coisa só. A consciência humana
é resultado de um processo biológico e cultural que tem como su-
porte o próprio corpo e sem ele não existe nenhuma possibilidade
individual de consciência (ROCA, 2006).
2
Marcel-lí Antúnez Roca (1959 - ), artista catalão que parte de performances no anos 1980
e 90, com foco na atualidade em performances mecatrônicas.

Nas produções El Robot JoAn e Transpermia (2005) está oculta uma
natureza mecânica atrás de uma forma humanoide (OLIVEIRA, 2010).
Roca, ao não separar corpo e consciência, orgânico e máquina, questiona
que talvez as máquinas representem um novo estágio da evolução bio-
lógica. Stelarc e Marcel-lí, entre outros artistas, não estão preocupados
somente na construção de objetos, mas na alteração orgânica do corpo
que propicia as condições para que os novos objetos apareçam.
Supridas as necessidades orgânicas complexas para o surgimento
dos objetos, temos a fase perceptiva decorrente de atividades locais. A
percepção, em seu estado presente, surge a partir da estimulação das va-
riações e das diferenças do meio, da qualificação diferencial fina dos sinais
incidentes (SIMONDON, 2013). “A imagem serve aqui de instrumento de
adaptação ao objeto” (SIMONDON, 2013, p. 29), um modo cognitivo de
reconhecimento dos objetos no meio onde se encontram. Nesse sentido,
pode-se dizer que o objeto surge juntamente com o observador.
São imagens a praesenti à experiência e interdependentes ao meio
externo, através das atividades perceptivas sensoriais. “Tal aprendizagem
envolve o desenvolvimento de esquemas que ajudam organizar respos-
tas ao meio via experiência” (MILLS, 2016, p. 92). A percepção não é uma
ação do sujeito sobre o meio que contém objetos, todavia, um efeito de
relações sistêmicas que incluem sujeitos, objetos e meios sem qualquer
hierarquia, “a percepção existe entre quem percebe e o percebido” (SI-
MONDON, 2013, p. 86) em relações diferenciais com o meio.
O artista mexicano-canadense Rafael Lozano-Hemmer3, em seu tra-
balho Pulse Room (2006), propõe que as pulsações dos batimentos
3 Rafael Lozano-Hemmer (1967 - ), artista mexicano-canadense, reside em Montreal e é

conhecido pelos seus inúmeros projetos em espaços urbanos e galerias com o uso de tec-
nologias analógicas e digitais.

cardíacos do corpo do interator ocasionem a construção da arquitetura
do meio. De acordo com Lozano-Hemmer: “a mensagem é que o sujeito e
a tecnologia são inseparáveis, ocupam o mesmo espaço, não se trata de
instruções senão de campos de co-presença” (LOZANO-HEMMER, 2007,
p. 139). As paisagens são constituídas pelas intensidades dos corpos e o
trabalho, literalmente, somente existe a partir da presença do corpo do
interator. O corpo se mistura de tal modo com esse outro corpo-objeto
que produz algo, como efeito de uma arquitetura relacional (LOZANO-
-HEMMER, 2007). Em Pulse Room, o diferencial de cada organismo, seu
batimento cardíaco, trás o singular para cada paisagem, para cada meio
que habitamos, o teor afetivo da experiência parte da percepção da sin-
gularidade de cada corpo, da contribuição singular que cada sujeito trás
ao seu meio.
Quando na relação corpo, meio e objeto, as imagens permanecem
presentes, mesmo com a ausência do objeto capturado pela percepção,
nos referimos à imagem-mental do ciclo imagético simondoniano. Há
uma experiência temporal da imagem em um processo que parte de uma
fixação rápida perceptiva a uma de longa duração na memória. A ima-
gem-mental surge de um modo análogo com o meio externo.
Imagens mentais são posteriori à experiência, constituindo mundos
mentais. A partir da síntese do movimento endógeno da antecipação e da
pluralidade heterogênea das informações percebidas no meio, a densi-
dade emocional e matizes qualitativas das sistematizações se conservam
nas imagens-recordações na memória. A memória é constituída de ima-
gens-mentais que vão desde imagens-lembranças a imagens-símbolos.
A memória surge como uma função que permeia as fases biológica e psí-
quica até chegar ao objeto tecno-estético. Sendo intermediária entre as
imagens perceptivas e as imagens objetos, a imagem-mental tem o papel
de sistematização espaço-temporal com o meio.

As imagens motoras e perceptivas são, progressivamente, organi-
zadas mentalmente e sistematizadas de acordo com uma ressonância
afetivo-emocional com o meio externo (OLIVEIRA, 2018). A percepção dá
lugar às ressonâncias afectivo-emocional, que quando fortes, intensas e
sistematizadas, resultam em lembranças e símbolos. São imagens que
criam sistemas com o meio “segundo uma topologia afectivo-emotiva”
(SIMONDON, 2013, p. 31), ou seja, ocasionam processos de sistematização
e organização do sujeito com o meio, que, posteriormente, acarretam no
surgimento da atividade psíquica e afetiva.
Em Last Breath (2012), Rafael Lozano-Hemmer, armazena e circula a
respiração de uma pessoa por um período longo e indeterminado através
de um aparelho respiratório (LOZANO-HEMMER, 2012). O artista, a partir
de uma visão pós-humanista, entende as máquinas como colaboradoras
nas relações híbridas entre humanos e não humanos. Na referida produ-
ção, uma pessoa sopra em uma bolsa de papel na extremidade de um
aparelho respiratório e seu ar circula entre a máquina e o saco de papel,
em um movimento marcado por um contador que se ativa 10.000 vezes
diariamente, fazendo alusão ao número médio da respiração humana
(LOZANO-HEMMER, 2012).
Na 11a Bienal de Havana, juntamente com a instalação robótica, foi
apresentado um vídeo da cantora cubana Omara Portuondo soprando
no saco de papel, tornando a sua respiração seu retrato biométrico, que
será conservado mesmo após sua morte. A memória afetiva da cantora
é ativa não apenas por sua imagem registrada no vídeo, todavia, por sua
respiração que continua ativa, uma memória orgânica que se mantém
pela máquina e que carrega uma carga afetiva da presença de quem está
ausente. Guardar a respiração de uma pessoa querida que faleceu tem
um sentido afetivo íntimo mantido pela máquina, não sendo apenas um
movimento mecânico produzido por um aparelho (LOZANO-HEMMER,

2012). As memórias afetivas consistem em imagens que foram fixadas em
experiências emotivas-afetivas e retidas quando a situação e a experiên-
cia já não existem mais (SIMONDON, 2013).
Em um nível coletivo, surge o símbolo como algo concreto da re-
lação sistematizada entre sujeito e meio a partir de experiências emoti-
vas-afetivas. O símbolo quando satura a memória e adquire intensidade,
produz o objeto-símbolo e, posteriormente, torna-se instrumento para
a imagem-invenção (SIMONDON, 2013). Memórias, e posteriormente,
símbolos, constituem a base imagética para a produção inventiva de ob-
jetos-imagens, como práticas artísticas. Agimos coletivamente pela me-
diação simbólica.
A imagem-invenção produz um deslocamento espaço-temporal
dentro do meio. Ela está diretamente relacionada com a invenção técnica
e estética, onde a imaginação criativa é a capacidade de inventar obje-
tos tecno-estéticos, uma capacidade de comunicação (OLIVEIRA, 2018). O
objeto é um efeito da atividade da invenção, mas, principalmente, é uma
abertura para realidades primitivas imprevistas.
Ao pensar em uma imagem por vir, Eduardo Kac cria Telescópio Inte-
rior (2017), junto a uma agência espacial francesa, durante uma residência
artística de 10 anos, sendo uma proposta artística para fora do espaço
terrestre, para o espaço sideral. Produções alienígenas concebidas para
gravidade zero, para uma cultura que virá com o habitar fora da terra. A
história da arte e da escrita estão sujeitas a força gravitacional, diferente-
mente, ele cria uma escultura de papel que flutua na gravidade zero, po-
dendo ser vista de diversos ângulos, como figura ou palavra (moi/eu). Kac
está preocupado com a produção de elementos para uma cultura sideral,
com a construção de uma memória por vir que pertencerá ao espaço fora
da Terra, que se torna cada vez mais habitável (KAC, 2012).

Portanto, investigamos, em arte e tecnologia, com sustentação em
Gilbert Simondon, a imagem como uma ação complexa que se produz si-
multaneamente no passado, presente e futuro, no indivíduo e no coletivo
a partir de agenciamentos humanos e não-humanos, analógicos e digitais,
com os meios naturais e tecnológicos em que nos encontramos associados.
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COLHERES: OBJETOS SENSORIAIS
INFORMULÁVEIS
SPOONS: IMPOSSIBLE SENSORY OBJECTS
Luisa Paraguai / PUC Campinas
Introdução: Tecnologias da forma
O homem vem estruturando sua existência a partir da relação estabe-

lecida com as tecnologias, mobilizando espaços e tempos do cotidiano
através de distintos sistemas (escrita, imagem, som) e linguagens (visual,
audiovisual, verbal, computacional), constituindo configurações e hierar-
quias, que hoje se ampliam potencialmente em rede, em conexão. Desta
condição de viver, entendemos a contemporaneidade como composi-
ções de métodos e linguagens, que também validam as operações poéti-
cas, pois como afirma Valéry (apud CASTELLANI, 2014, p. 195) articulam
“de uma parte o estudo da invenção e da composição, o papel do acaso,
da reflexão, da imitação, da cultura e do meio, de outra parte o exame
e análise das técnicas, procedimentos, instrumentos, materiais, meios e
suportes para a ação”.

Entendemos que os artistas operacionalizam conceitos e ideias,
questionam procedimentos e conformam linguagens, validando técnicas
e tecnologias que lhe permitam criar uma visão de mundo singular. Mit-
cham (1994 apud CUPANI, 2016) aborda
‘técnica’ quando o relevante é a ação humana (por exemplo, tocar o

piano), fazer algo singular, e quando a atividade repousa menos em
regras do que em intuição e saber-fazer. Já ‘tecnologia’ deveria apli-
car-se a casos em que o relevante é o artefato (por exemplo, o uso
ou a manutenção de uma máquina), quando se produz em massa, e
quando se seguem regras, procedimentos conscientemente articu-
lados e padrões (MITCHAM, 1994 apud CUPANI, 2016, p. 21).
Para o autor, enquanto processo da cultura, a tecnologia é compre-

endida como sistema de objetos e usos, processos e modos de fazer, dis-
positivos de poder, manifestação de saberes, que mobilizam atitudes e in-
tenções do homem na constituição das relações de poder. A técnica como
parte do sistema sócio-técnico global, é planejada e construída pelo ho-
mem que, ao utilizá-la, apropria-se, interpretando e reconstruindo. Nesta
interdependência com os objetos, técnica e tecnologia diferenciam-se na
medida em que formulam e encadeiam distintos níveis de abstração, or-
ganizando demandas e forças oriundas da percepção e da ação humana
em uma dada situação histórica-social.
Assim, a tecnologia e seus respectivos distintos objetos técnicos são
instâncias de uma condição sócio-histórica e cultural que derivam de um
movimento inventivo, iterativo e dinâmico: criação, uso e transformação,
indefinidamente, e que terminam por modelizar a produção e nossa per-
cepção espaciotemporal. E deste caráter potente de transformação e diá-
logo, assume-se a tecnologia como dimensão constitutiva da humanida-
de como Simondon (1980) observou,

o objeto técnico individualizado corresponde mais diretamente
à dimensão humana. O indivíduo humano não é dominado por
ele, em uma condição de exploração ou de controle por qualquer
outra rede. Ele também não o domina, tornando-o uma extensão
de suas mãos ou um dispositivo protético, como acontece com os
componentes tecnológicos. Ele não domina nem é dominado, mas
apresenta-se como uma espécie de dialética (SIMONDON, 1980, p.
9, nossa tradução1).
O autor, ao abordar a relação sujeito/objeto, nos sugere referenciar-

mos o termo funcionalidade, compreendido como um aspecto da atuação
do homem no ambiente, e que se valida na/pela modelização de compor-
tamentos, construção de distinções sociais e criação de representações
simbólicas. O conceito atravessa as produções artísticas e sem a intenção
de qualificar, importa-nos contextualizar o argumento de Miller (2010, p.
50, nossa tradução) sobre o que chama de “a humildade das coisas2”, com
referências em Goffman (1986) e Gombrich (1979). Deixando de lado as
evidentes e reconhecidas contingências das relações sujeito/objeto, o au-
tor afirma que nossa constituição e a própria existência cultural dão-se na
medida em que os objetos apresentam-se familiares, integram-nos sem
serem percebidos – tornam-se um hábito, e portanto, invisíveis. É sobre
e a partir desta invisibilidade que se pretende investigar materialidades e
temporalidades para constituição do fazer artístico.
A arte visa conferir forma e peso aos mais invisíveis processos. Quan-
do partes inteiras da nossa vida caem na abstração devido à mu-
dança de escala da globalização, quando funções básicas do nosso
cotidiano são gradualmente transformadas em produtos de consu-
mo […], parece muito lógico que os artistas procurem rematerializar
essas funções e esses processos, e devolver concretude ao que se
furta à nossa vista. […] como suportes de experiências: a arte, ao

tentar romper a lógica do espetáculo, restitui-nos o mundo como
experiência a ser vivida (BOURRIAUD, 2009, p. 31-32).
Neste sentido, considerando a experiência humana como uma

construção cultural dos sentidos, na perspectiva da fenomenologia, Mills
(apud NOË, 2012, p. 79) afirma que os objetos são “possibilidades perma-
nentes de sensação” – construções lógicas de “sense data”, que dependem
de uma exploração espaciotemporal das pessoas – modos de movimen-
tar-se e comportar-se.
Como afirma Baudrillard (2002, p. 94) “todo objeto tem desta forma
duas funções: uma que é a de ser utilizado, a outra a de ser possuído”, que
atuam como articuladoras de mundos distintos, atuando entre o visível
e o invisível, concreto e simbólico, material e imaterial, enquanto deslo-
cam as narrativas oriundas do cotidiano para então definirem lugares de
memória e constituírem vínculos afetivos. Sem a preocupação do valor
funcional ou utilitário dos objetos, na relação com os objetos, as pesso-
as guardam indícios, marcas, sinais do que foi vivido. Neste contexto da
experiência, indicamos o objeto colher, como elemento de pesquisa para
compreensão de uma dada condição tecnológica e construção históri-
co-social e poder contextualizar a produção dos artistas, pois conforme
Wilson (2014) afirma,
As colheres são - ao lado de seus companheiros e rivais, o fachi e

o garfo – decididamente uma forma de tecnologia. Suas funções
incluem servir, medir e levar o alimento do prato à boca, sem falar
nas colheres culinárias para mexer, raspar, escumar, levantar e retirar
como concha (WILSON, 2014, p. 213).
Historicamente, a colher acompanhou transformações culturais,

quando, por exemplo, o monarca Carlos II, rei da Inglaterra, Escócia e

Irlanda em 1660, instaurou mudanças para apagar qualquer lembrança
dos Cabeças Redondas Puritanos3, desde a abertura de teatros até ideias
sobre a maneira de estar à mesa, criando um conjunto novo de colheres e
garfos. A colher trífida, com concavidade oval e funda, apresentava cabo
plano com uma ampliação na ponta para conter o desenho em forma de
trifólio. Esta forma trouxe mudanças na maneira de segurá-las.
As colheres servem de espelho da cultura circundante. […] A forma

particular que elas assumem, portanto, é muito reveladora – uma
bela colher azul e branca de porcelana chinesa, para tomar sopa
de wontons, faz parte de uma cultura diferente da que usa colheres
russas para comer conservas pegajosas, ou das colheres de pau se-
melhantes a conchas usadas nas casas pobres europeias para tomar
uma sopa numa panela comunal, passando a colher de boca em
boca (WILSON, 2014, p. 216).
Assim, em vários períodos históricos, a colher definiu-se a partir de

comidas e refeições específicas – rituais, ganhando materiais, formatos e
tamanhos diferentes, como a colher de chá, que além de levar comida à
boca, era usada para misturar – leite e o açúcar na xícara de chá, e medir
– pequenas quantidades de condimentos. Mas a partir do século XIX, os
produtos do processo industrial foram responsáveis por transformações
nos padrões de comportamento e do estilo de vida das pessoas “[...] pe-
las novas investidas na mecanização dos trabalhos domésticos, principal-
mente no âmbito da cozinha, que veio a funcionar como um verdadeiro
centro de testes para os novos produtos industriais” (MORAES, 1999, p.
31). Desta maneira, entendemos que os costumes sociais incorporam a
existência de talheres para cozinhar e comer, ainda que a preferência cul-
tural por comer com as mãos não implique em ausência de higiene ou
necessariamente defina classe social.

Colher: objeto sensorial
Os objetos, enquanto atividade processual, tem se apresentado interconec-

tados em um contínuo exercício de especialização para responder deman-
das, buscar inovações e promover consumo, que implicam uma multipli-
cidade de formas. Na busca destas formas mais desejáveis, originalidade e
utilidade tornam-se premissas dos projetistas – engenheiros e designers,
que passam a escolher materiais, combinar soluções e criar novas técnicas.
A especificidade da função vem padronizando nosso cotidiano e
como questiona Baudrillard (2002) pode implicar uma contradição: a gera-
ção de inúmeros objetos estéticos, que não possuem uma função técnica,
como as máquinas de Picabia4, para além da experiência estética.
Isto significa, em primeiro lugar, que o objeto estético só se realiza

na percepção, uma percepção que esteja atenta a lhe fazer justiça:
diante do béocio que só lhe concede um olhar indiferente, a obra
de arte ainda não existe como objeto estético. O espectador não é
somente testemunha que consagra a obra, ele é, à sua maneira, o
executante que a realiza (DUFRENNE, 1998, p. 82).
Desta maneira, inferir o objeto do cotidiano enquanto obra impli-

ca essencialmente uma intenção poética e ser percebido como tal pelo
fruidor, para além da dicotomia entre sujeito e objeto, este deixa de fazer
referências a um repertório de categorias fixas e institucionalizadas para
constituir uma experiência estética. Para os artistas interessa esta inco-
erência, seja estrutural, de uso ou consumo, para questionar os modos
de operação estabelecidos, pois os deslocamentos conceitual e prático
fazem parte do processo de criação, fabulação, e invenção.
É fundamental apontar que os processos do fazer indicados não
buscam por padrões conhecidos, mas antes operacionalizam “um tal fazer

que, enquanto faz, inventa o por fazer e o modo de fazer” (PAREYSON,
2001, p. 25). Assim, entendemos a operação poética enquanto um evento
que reconhece, institui e hierarquiza atributos diversos, evocando cone-
xões, procedimentos incomuns e consequentes redes semânticas – alter-
nativas que reestruturam nossos modelos de linguagem, de representa-
ção e de percepção de mundo.
Vale assim retomar Meret Oppenheim, em 1936, e sua atitude deso-
bediente quando cria a partir de uma piada durante o almoço em um café
de Paris. Ao notar seu bracelete de metal polido revestido de pele, Picasso
brincou dizendo que qualquer coisa poderia ser coberta com pelo, o que
ela respondeu: “Até esta xícara e pires”, e gritou: “Garçom, um pouco mais
de pêlo!” Após essa conversa, Oppenheim comprou uma xícara de chá
branca, pires e colher, e os envolveu em pêlo marrom, intitulando esse
conjunto de “Objeto” (figura 1). Com esta ação, a artista transforma itens
tradicionalmente associados ao decoro e ao refinamento feminino em
um objeto inusitado, que evoca certa confusão e até aversão enquanto
estimula outros modos de manusear e de questionar a funcionalidade.
Lembra-se que esta oposição ideologicamente anti-industrial ecoou com
maior ênfase a partir dos anos 60 com a vanguarda como Pop Art, o grupo
Archigram5 e Hans Hollein6 com seu manifesto anti-funcionalista, entre
outros, que faziam das críticas às representações de poder (o status em-
butido nos objetos e seus prefigurados modelos burgueses) o argumen-
to do fazer (MORAES, 1999). Estes movimentos entendiam suas práticas
emancipatórias e promotoras de resistências ao caráter normalizador de
processos culturais hegemônicos.

Figura 1: ”Object” (1936) de Meret Oppenheim. Fonte: <http://www.moma.org/learn/
moma_learning/meret-oppenheim-object-paris-1936>. Acesso em jun. 2020.
A intenção de não conformar o objeto em padrões implica dei-

xar de representar (ou seja nomear) para os artistas, que sugerem não
mais o preexistente ou o formulável, mas invocam uma outra experiên-
cia objeto-sujeito para significar e potencializar relações. Toma-se esta
condição de possíveis desvios do uso como o interesse deste texto, que
apontados por Certeau (2008, p. 92) como “formalidades das práticas”
explicitam a intenção poética dos artistas. Estes, na medida em que con-
tradizem as normalizações tensionam as relações de poder estabeleci-
das pelos lugares institucionais e modos de consumo, que legitimam
comportamentos e valores. Este campo político, social e cultural de uso

modeliza as funcionalidades dos objetos indicados neste texto, que são
então destituídas pelas ações abstrata e operativa dos artistas. Estas
apresentam-se como “frases imprevisíveis num lugar ordenado pelas
técnicas organizadoras de sistemas” (CERTEAU, 2008, p. 97), enunciados
não coerentes com a configuração instituída/institucionalizada e que
potencializam outros fazeres.
Assim, entendemos as provocações das ações poéticas sobre as prá-
ticas do cotidiano, como Baudrillard (2002, p. 102) escreve sobre o hábito
enquanto “descontinuidade e repetição (e não continuidade como o em-
prego sugere). É pela divisão do tempo em nossos esquemas ‘habituais’ que
solucionamos o que pode ter de angustiante sua continuidade e a singu-
laridade absoluta dos eventos”. Na medida em que estas ações comuns do
dia-a-dia operam na/pela linguagem, isto é, formalizam uma sintaxe – códi-
gos, que implicam invariavelmente uma visibilidade social e se apresentam
mobilizadas nos/pelos dispositivos da cultura (CERTEAU, 2009).
Uma artista contemporânea de interesse é Gabi Veit [http://www.
gabiveit.it/] na sua produção específica de colheres, quando evoca outras
associações entre sujeito/objeto e até inventa realidades de existência.
Na série “Laster und Löffel Spoons” () a artista nomeia os sete pecados ca-
pitais (luxúria, gula, inveja, avareza, preguiça, ira, orgulho) para configurar
seus objetos (figura 2). As partes côncavas, que se multiplicam, estendem,
alongam, bem como as pegas (cabos), que se achatam, encurtam, trazem
outras dimensões e proporções, texturas e formatos, para as colheres e
terminam por evocar atenção e cuidado antes do pegar.

Figura 2: Laster und Löffel Spoons: luxuria, gula, invidia, avaritia, acedia, ira, superbia.
Fonte: <http://ww`w.gabiveit.it/machen/spoons/laster-und-loffel/laster-und-loffel/>.
Acesso em: jun. 2020.
Outro projeto da mesma artista, “Creature” (2017) (figura 3) apresen-

ta formas inspiradas no universo da botânica e elementos marinhos para
criar colheres, que transfiguram seus usos reconhecidos do medir, cozi-
nhar, servir e comer, ainda que os elementos estruturais (parte côncava
e pega) guardem certa semelhança formal. Esta ação artística aponta a
possibilidade de uso não mais como “síntese de uma operação cabível no
mundo linear, lógico, sequencial”, mas como “lampejos e intuições que
não se encadeiam numa relação de antecedente e consequente, causa
e efeito, condição e condicionado” (FERRARA, 1986, p. 120), e portanto
diretamente vinculado à experiência do usuário.

As formas informam sobre o estado vigente de valores e neste traba-
lho artístico formulam narrativas singulares que desordenam as atividades
domésticas (por exemplo o preparo e o consumo de alimentos) e são com-
preendidas como construção potencial para criar outras ordens culturais e
sociais. Neste sentido, referenciamos Filiod (2004, apud SEGAUD, 2016, p.
103) que “aborda o habitar (e o coabitar) pela desordem doméstica”.
Figura 3: “Creature” (2017) spoon, bronze and iron. Fonte: <http://www.gabiveit.it/

machen/spoons/creatura/creatura-geschopf>. Acesso em: jun. 2020.
Outro artista e silversmith David Clarke [https://misterclarke.wor-

dpress.com/], na coleção “Feed Me” (2010) (figura 4), reconfigura as colheres
antigas de Sheffield7 a partir de seus materiais (zinco e estanho), combinan-
do e ampliando partes, de maneira a criar objetos incomuns, que perdem
a função primeira de alimentar. São objetos informuláveis, que questionam

contingências físicas e simbólicas na medida em que a forma impede o ri-
tual convencional de comer e sugerem rastros das maneiras vigentes de
usar. Nesta proposta as formas também são imperfeitas e impertinentes,
desafiando o reconhecimento e o senso comum.
Figura 4: Coleção “Feed Me”. Fonte: <http://misterclarke.files.wordpress.

com/2010/09/sheff-1.jpg>. Acesso em: jun. 2020.
Estes objetos atuam como articuladores entre dimensões distintas –

visível e invisível, concreto e simbólico, material e imaterial, deslocam as
narrativas comuns oriundas do cotidiano para então definirem outros luga-
res imaginários. Sem a preocupação do valor funcional ou utilitário dos ob-
jetos, promovem experiências, ainda que guardem indícios do conhecido.

A colher é reconhecidamente uma ferramenta cultural de manuseio no

cotidiano, que os artistas nestas experimentações descritas interferem,
instaurando novas conformações – configurações reveladoras de incon-
gruências quanto aos formatos e modos de uso. Os trabalhos artísticos
apresentam uma coexistência entre estruturas plásticas e formulações
simbólicas, ambas não possíveis para os padrões funcionais de consumo
e as convenções de comportamento.
Assim, esta impossibilidade e descontinuidade de modelos culturais
é assumido como um fenômeno perceptivo que provoca transgressões
ao criar uma condição inventiva também por parte do usuário. Este, a par-
tir destes novos princípios implícitos, pode exercitar outras condutas e a
possibilidade de criar novos hábitos – “habitus”, que retomado por Bour-
dieu (1972 apud SEGAUD, 2016, p. 127), afirma-se como um sistema indi-
vidual, adquirido nas e pelas experiências práticas sociais, que se organiza
para funções e nas ações do cotidiano.
Desta maneira, os artistas, enquanto criam, desestabilizam as su-
perfícies-limites, potencializando outros modos de compreender e de
instituir relações com o mundo. Ordenações de si e do espaço. Destas
ações resultam objetos informuláveis, porque escapam à ordem: questio-
nam contingências físicas e relações simbólicas, enquanto evocam novos
comportamentos e usos. Na/pela materialidade da forma é proposta uma
ação desviante que implica uma formulação da forma. Assim, a operação
poética apresenta-se como uma modalidade de ação, de prática, que in-
voca a partir da regularidade dos gestos e do cotidiano, uma condição
instável de outra natureza – um movimento subjetivo de transfiguração.
Neste processo, o artista escolhe e modula, configurando uma convivên-
cia entre a ordem e a desordem, entre organizar e dispersar.

Notas
1
“The individualized technical object corresponds most directly to the human dimension.
The human individual is not dominated by it as he is in the mining or any other network.
Nor does he dominate it, making it an extension of his hands or prosthetic device, as ha-
ppens in component technology. He neither dominates nor is dominated but enters into a
kind of dialectic” (SIMONDON, 1980, p. 9).
2
“The humility of things” (MILLER, 2010, p. 50).
3
Os Cabeças Redondas (Roundhead) eram a oposição parlamentar ao governo de Carlos I
(1625-1649) na Inglaterra. Eram em sua maioria puritanos burgueses e camponeses revol-
tados com o abuso do rei e liderados por Oliver Cromwell. Eles recusavam a usar as perucas
brancas, com seus comuns volteios, repletos de cachos (MACAULAY, 1856).
4
“As formas industriais de Picabia, inspiradas em parte por seu entusiasmo por manuais e
diagramas técnicos, contextualizam a era da mecânica, mas no entanto, sugerem disfunção
e, esvaziam qualquer orgulho exagerado que geralmente resulta da conquista tecnológica.
A máquina anunciada por Picabia não tem um objetivo conhecido, mas aponta um pensa-
mento radical do status da arte no início do século XX, quando mostraram um potencial de
substituir a mão do artista no processo criativo” (CHADWICK, 2017).
5
O grupo formado inicialmente por Peter Cook, Ron Herron, Warren Chalk, Dennis Crompton,
David Greene e Mike Webb, compartilhava a ideia de que era possível e necessário trans-
formar por meio das tecnologias emergentes a arquitetura e o urbanismo. Suas propostas
tinham sempre um caráter de ruptura com a tradição e as convenções formais, buscando
articular os projetos com os sistemas de transporte e os de comunicação.
6
“Architects have to stop thinking in terms of buildings only. Built and physical architectu-
re, freed from the technological limitations of the past, will more intensely work with spatial
qualities as well as the psychological ones. The process of erection will get a new meaning;
spaces will more consciously have haptic, optic and acoustic properties. A true architecture
of our time will have to redefine itself and to expand its means. Many areas outside traditional
building will enter the realm of architecture, as architecture and ‘architects’ will have to enter
new fields. All are architects. Everything is architecture” (HOLLEIN apud Lucarelli, 2013).
7
Na idade média, a cidade de Sheffield já se destacava na fabricação de talheres. No século
XIV foi famosa pela fabricação de facas de qualidade e no século XV liderou a fabricação de
talheres e objetos de cutelaria.

Referências
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PAREYSON, Luigi. Os problemas da estética. São Paulo: Martins Fontes, 2001.
PETROSKI, Henry. A evolução das coisas úteis: clipes, garfos, latas, zíperes e
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SEGAUD, Marion. Antropologia do espaço: habitar, fundar, distribuir,

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SIMONDON, Gilbert. On the mode of existence of technical objects.

London, Canada: University of Western Ontario, 1980.

WILSON, Bee. Pense no grafo! Uma história da cozinha e de como comemos.
Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editora, 2014.
Agradecimentos à Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo

(FAPESP) pelo auxílio à pesquisa (Processo n. 2018/05363-8) e ao CNPq
(Bolsista de Produtividade em Pesquisa do CNPq - Nível 2).
Luisa Paraguai
Docente e pesquisadora na Faculdade de Artes Visuais, da PUC Campinas, e

artista nas interlocuções entre arte, design e tecnologia. Graduada em En-
genharia Civil pela USP, com Mestrado e Doutorado em Multimeios pela
Unicamp, e Pós-doutorado no Planetary Collegium, Milão. Atualmente em
estágio Pós-doutoral no Media Lab / UFG. Consultora Ad Hoc da CAPES e
FAPESP. Colaboradora da Leonardo Digital Review. Bolsista de Produtivida-
de em Pesquisa do CNPq. Contato: [email protected].

SONHO DE QUARENTENA: PROCESSOS
DE CRIAÇÃO EM REDE EM TEMPOS DE
DISPERSÃO E PANDEMIA
DREAM OF QUARANTINE: NETWORKED

CREATION PROCESSES IN DISPERSION AND PANDEMIC TIMES
Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues / UFG
Manuela Thayse Costa Silva
Introdução
Em março de 2020, profissionais, empresas e instituições dos três setores da

economia brasileira foram obrigados a alterar seu ritmo de trabalho ou sus-
pender suas atividades em decorrência da pandemia de COVID-191. Quan-
do a situação se tornou emergencial em nosso país, a população brasileira
se viu diante do desafio de escapar das aglomerações e entrar em regime
de isolamento social. Toda forma de interação presencial passou a oferecer

riscos de contaminação e disseminação do vírus Sars-CoV-2. A dispersão
dos grupos nos quais os nossos corpos estavam imersos tornou-se condi-
ção para a manutenção da vida humana, ao menos até que uma vacina
eficaz contra a doença seja produzida e possa estar em circulação.
No calor desses acontecimentos, as professoras Adriana Hoffmann
e Adriana Bruno iniciaram uma movimentação para a formação de uma
rede de docentes e discentes na Universidade Federal do Estado do Rio
de Janeiro (UNIRIO). Um dos principais objetivos da rede seria a criação
de ações – pedagógicas, culturais, artísticas e outras – que pudessem mo-
bilizar e unir pessoas em espaços virtuais para que as trocas e os diálogos
acadêmicos se mantivessem. Com o passar das semanas, a rede ganhou
novos adeptos e, atualmente, é formada por cerca de 50 pessoas distri-
buídas entre 20 instituições de ensino localizadas em quatro regiões do
Brasil e em outros países da América Latina, tais como Colômbia, Uruguai
e Argentina. Foi assim que nasceu a Rede Interinstitucional de Ações Co-
letivas de Universidades do Brasil e América Latina – RIA 40tena2.
Neste artigo, apresentamos a ação Sonho de Quarentena3, criada es-
pecialmente para a rede RIA 40tena no início de abril de 2020 no âmbito
do nosso grupo de pesquisa Núcleo de Práticas Artísticas Autobiográficas
– NuPAA4. Para a construção deste texto, buscamos apoio nas abordagens
da autobiogeografia (RODRIGUES, 2017) e da autoetnografia colaborativa
(CHANG et. al., 2013, p. 17). Sendo assim, escrevemos a quatro mãos, ora
na primeira pessoa do plural ora na primeira pessoa do singular, a partir
de nossas experiências individuais e do nosso interesse comum pelo so-
nho como processo de criação.
O artigo está dividido em três partes. Em No sonho da noite passada,
Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues parte de alguns refereciais artísti-
cos que a inspiraram na criação da proposta Sonho de Quarentena. Em
seguida, em Caramujo Sonhador, Manuela Thayse Costa Silva delineia os

meandros de seus processos de criação que vieram a habitar e mover a
ação a partir do momento em que aceitou o convite para integrar pro-
posta. Na terceira parte, Sonho de Quarentena, apresentamos a ação em si
bem como seus desdobramentos.
No sonho da noite passada
No sonho da noite passada, eu estava entre artistas. Meu amigo

escultor, que já me apareceu em outros sonhos, tinha uma barba
e cabelos que cobriam quase toda a sua cabeça. Para ocultar ainda
mais a sua face, usava óculos escuros. Apresentei-lhe uma colega
pesquisadora que produzia gravuras e esculturas. Deixei-os a sós, a
conversar. Fui para uma outra sala onde eu deveria tabalhar nuns
desenhos. Minha função era fechar os olhos abertos de todos os re-
tratos que estavam numa imensa pilha de esboços. Enquanto eu tra-
balhava, explicava a alguém: - Veja, não é incrível? Você faz um traço
curvo assim, insere alguns riscos curtos na parte convexa e pronto!
Temos um olho fechado. Agora, olha-se para dentro. (Manoela dos
Anjos Afonso Rodrigues, relato de sonho, 5 de outubro de 2019).
Os sonhos e o sonhar me fascinam, pois são inerentes a todos os

seres humanos. Há mais de uma década compartilho, nas redes sociais,
pequenos textos originados a partir de meus sonhos. Sinto prazer em ar-
ticular tais narrativas, bem como em compartilhá-las com outras pessoas
para, assim, iniciarmos conversas descompromissadas sobre o que nos
aproxima como criaturas criadoras. À noite fecho os olhos no anseio de
sonhar para ver mais e melhor. Pela manhã, recapitulo mentalmente os
lugares por onde andei e, após fisgar elementos e enredos nas derivas
oníricas, sento-me na cama e escrevo (Figura 1).

Figura 1. Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues, Sonho, 2009. Gravura em linóleo.
Dimensão da mancha gráfica: 10 x 10,5 cm. Fonte: Arquivo pessoal.
Sidarta Ribeiro afirma que “o mergulho nas múltiplas dimensões do

sonho, arte quase completamente esquecida no mundo contemporâneo,
pode e deve reativar o hábito ancestral de sonhar e narrar” (RIBEIRO, 2019,
p. 36). O sonho tem ocupado lugar especial nos processos de criação de
diversos artistas através dos séculos, direta ou indiretamente, muito em-
bora nem sempre a dimensão onírica da criação artística tenha sido devi-
damente reconhecida e valorizada ao longo da história.
Albrecht Dürer (1471 - 1528), por exemplo, “deixou registrada a
utilização de sonhos para obter valiosas imagens pictóricas” (RIBEIRO,
2019, p. 227). Ele valorizava as vivências oníricas, embora admitisse que
as lembranças das imagens maravilhosas vistas em sonho costumavam

se esvair logo ao acordar (MASSING, 1986). Um de seus sonhos mais fa-
mosos é um pesadelo apocalíptico de junho de 1525 (Figura 2). Nesse
sonho, uma enorme coluna d’água inunda a terra, como se fosse o dilúvio
bíblico. Segundo Massing (1986), a aquarela foi feita logo ao acordar, an-
tes que a imagem do sonho pudesse desaparecer da memória do artista:
“Sua descrição5 com a impressionante ilustração em aquarela constitui
um documento único entre os escritos renascentistas sobre sonhos - tão
dominados pelo peso da tradição – em sua reflexão sobre uma experiên-
cia pessoal imediata” (MASSING, 1986, p. 241, tradução nossa).
Figura 2. Albrecht Dürer, Visão de Sonho, 1525. Aquarela sobre papel, 30 x 43 cm.
Kunsthistorisches Museum, Viena, Áustria. Fonte: http://warburg.chaa-unicamp.com.
br/obras/view/489.

Outro artista que demonstrou interesse direto pelo assunto foi o
pintor suíço Henry Fuseli (1741 – 1825). Ele ficou conhecido no movi-
mento Romântico por pintar os sonhos e o sobrenatural (BURWICK, 2012)
e declarou em seu 231º aforismo que, até aquele momento da história,
pouco se sabia sobre o sonho na arte: “uma das regiões mais inexplora-
das da arte são os sonhos e o que pode ser chamado de personificação
do sentimento [...]” (KNOWLES, 1831, p. 145 apud BURWICK, 2012, p. 488,
tradução nossa).
Segundo Burwick (2012), o relato de sonhos na obra pictórica de Fu-
seli funciona como um vínculo que o artista estabeleceu entre a literatura
e a prática da pintura. A partir dessa ligação, Fuseli criou um repertório
onírico que pode ser observado em pinturas como Príncipe Arthur e a Rai-
nha das Fadas (Figura 3), baseada no poema A Rainha das Fadas, do escri-
tor inglês Edmund Spenser, ou em O Sonho do Pastor, inspirada no poema
épico O Paraíso Perdido, de John Milton, ou ainda em O Sonho da Rainha
Catarina, pintura criada a partir da cena 2 do ato IV da peça Henrique VIII,
de Shakespeare (BURWICK, 2012).

Figura 3. Henry Fuseli, Príncipe Arthur e a Rainha das Fadas, 1785-1788. Óleo sobre
tela, 100,5 x 106,9 cm. Kunstmuseum Basileia, Suíça. Fonte: http://sammlungonline.
kunstmuseumbasel.ch.
O artista inglês William Blake (1757 - 1827) também retratou o sonho

da rainha Catarina (Figura 4). Para ele, o sonho era algo muito presente
em seus processos de criação, pois o conectava à verdade, sabedoria, pro-
fecia, visão e à inspiração artística (KAUVAR, 1984). Kauvar (1984) observa
que, no primeiro capítulo do poema Jerusalem, William Blake declara que
tanto sua inspiração mitológica quanto os temas presentes no seu traba-
lho mais consolidado são gerados no processo do sonhar. A autora chama
a atenção para o quão moderna já era a psicologia do sonho de Blake
para aquele período, sugerindo inclusive que o artista antecipou algumas
ideias de Freud:

Proponho mostrar que, como a concepção de Blake e Freud da di-
nâmica da psique são tão notavelmente semelhantes, eles devem
ser lidos juntos, pois a explicação rigorosa de Freud sobre como a
mente funciona é especificamente pertinente ao modo como a arte
de Blake funciona. (KAUVAR, 1984, p. 21, tradução nossa).
Figura 4. William Blake, O sonho da Rainha Catarina (Série Henrique VIII de

Shakespeare), 1825. Nanquim e aquarela intensificados com branco e ouro sobre
grafite, 41,2 x 34,6 cm. Rosenwald Collection, National Gallery of Art, Washington.
Fonte: https://www.nga.gov/collection/art-object-page.11638.html.

Maria Walsh (2013) destaca que o discurso sobre o inconsciente é,
sim, anterior a Freud, remontando ao século XVII. No entanto, foi Freud
quem formalizou o conceito no despontar do século XX. Blake e outros
artistas românticos vislumbraram conexões entre sonho e arte pela via
da percepção, inspiração e das visões místicas que, de alguma forma, re-
metiam ao “olho interior” (CAMPBELL, 2013). Porém, embora ainda hoje
“exista a visão romântica de que a arte decorre das erupções de um in-
consciente mágico e inspirador” (WALSH, 2013, p. 2, tradução nossa), foi
após a sistematização do conhecimento sobre o inconsciente que muitos
artistas do século XX – pelo menos desde o surrealismo – e do século XXI
passaram a se interessar pelo “trabalho do sonho” (FREUD, 2019).
O trabalho do sonho é aquele que transforma o pensamento laten-
te em pensamento manifesto, não como uma tradução, mas como um
processo que gera algo novo, de um estágio a outro. Ou seja, o trabalho
do sonho é aquele que se debruça em compreender “como as imagens
do sonho aparecem e, por sua vez, são distorcidas ao se contar o sonho”
(WALSH, 2013, p. 11, tradução nossa). Segundo Freud (2019), o trabalho
do sonho envolve os trabalhos de condensação e deslocamento, para:
[...] pesquisar as relações entre o conteúdo manifesto do sonho e os

pensamentos latentes e investigar os processos pelos quais estes se
transformam naqueles. Pensamentos oníricos e conteúdo onírico se
apresentam a nós como duas versões do mesmo conteúdo em duas
linguagens diferentes, ou melhor, o conteúdo do sonho nos aparece
como uma transposição dos pensamentos oníricos para outro modo
de expressão, cujos signos e regras sintáticas devemos conhecer
pela comparação do original com a tradução. (FREUD, 2019, p. 318).
Walsh (2013) sugere que o trabalho artístico tomado como traba-

lho do sonho pode ser considerado como uma espécie de escrita criativa

ou mapa poético, o que nos inspira a considerar os processos de criação
na arte contemporânea “a partir do encontro entre diferentes registros
de significação, em vez de simplesmente ser uma tradução ilustrativa de
desejos e sentimentos” (WALSH, 2013, p. 12, tradução nossa). Nesse senti-
do, tanto o trabalho do sonho quanto o trabalho do artista são instâncias
processuais de criação.
Susan Hiller (1940 – 2019), artista reconhecida pela sua investigação
dos sonhos e das visões, é uma das inspirações para a criação da ação
Sonho de Quarentena. Detenho-me em seu trabalho Dream Mapping, de
1974, pois assim como na proposta Sonho de Quarentena, ele também
parte dos processos individuais para, em seguida, expandir-se para o
espaço comum, coletivo, de compartilhamento de narrativas e imagens
provenientes do sonho e do sonhar.
Dream Mapping foi um evento artístico resultado de um longo pro-
cesso que envolveu diversas etapas, desde a sua concepção até os encon-
tros que envolveram participações de outras pessoas. Seu ponto culmi-
nante foram as três noites em que participantes dormiram ao ar livre numa
fazenda em Hampshire, na Inglaterra, com o objetivo de sonhar e, depois,
mapear os sonhos por meio de desenhos. Todos esses processos geraram
diversos mapas oníricos individuais (Figura 5) que, mais tarde, foram reuni-
dos e sobrepostos por Hiller, resultando num único mapa (Figura 6). Como
Gallagher (2011) destaca, essa proposição gerou a consciência de uma co-
munidade orgânica a partir do compartilhamento dos sonhos.

Figura 5. Susan Hiller, Dream Mapping, 1974. Evento. Mapas oníricos individuais dos
participantes. Fonte: http://www.susanhiller.org.

Figura 6. Susan Hiller, Dream Mapping, 1974. Evento. Sobreposição dos mapas
oníricos individuais dos participantes. Fonte: GALLAGHER, 2011, p. 51.

Segundo Walsh, em Dream Mapping, Susan Hiller buscou “mudar o
sentido moderno ocidental do sonho como algo particular e individual
para explorar a natureza coletiva do sonho e sua relação com a tecnolo-
gia” (WALSH, 2013, p. 12, tradução nossa). Neste trabalho artístico, Hiller
“explora a proximidade do sonho com forças ocultas como a telepatia e é
um desafio ao individualismo da abordagem de Freud” (WALSH, 2013, p.
13, tradução nossa).
A seguir, Manuela Thayse Costa Silva apresenta sua pesquisa e os
processos de criação onírico-poéticos que foram pontos de partida para
a integração do seu trabalho artístico à proposta Sonho de Quarentena.
A partir do seu reposicionamento da esfera individual para a coletiva, im-
portantes sentidos foram agregados pela artista à proposta por intermé-
dio do conceito Caramujo-Sonhador.
Caramujo-Sonhador
Os sonhos que até então ocupavam apenas o cenário noturno da minha

vida, passaram a ser o objeto de estudo do meu Trabalho de Conclusão
de Curso6 (TCC), pesquisa na qual me propus investigar diálogos entre os
meus sonhos e a minha prática artística. A pesquisa voltou-se para a ques-
tão do sonho como processo onírico de criação, consistindo inicialmen-
te na implementação metodológica de um diário de sonhos intitulado
Sonhário e na fundamentação teórica calcada na Psicologia Analítica de
Carl G. Jung (2001). Com as primeiras leituras, logo percebi que os sonhos
tinham grande importância no funcionamento da psique humana e mi-
nha pesquisa, consequentemente, estendeu-se para buscar a compreen-
são de termos como símbolo, inconsciente pessoal, inconsciente coletivo,
arquétipos, Self (ou Si-mesmo) e processo de individuação, tendo em vis-
ta a estrutura interdependente na qual os sonhos estão engendrados na

dinâmica psíquica. Tais conceitos passaram a integrar minha percepção
do mundo interior e, até certo ponto, definiram meus objetivos na pes-
quisa de graduação.
O referencial teórico em psicologia foi determinante também para a
minha vivência da própria experiência onírica. Ao acolher as narrativas oní-
ricas em uma escuta interessada, similar a como se davam os diálogos a
partir de uma linguagem simbólica de imagens na arte, a cada noite viven-
ciava um envolvimento crescente com os sonhos. Apesar da profunda influ-
ência da psicologia analítica nos processos iniciais de vivência e de registro
dos sonhos, o desenvolvimento da pesquisa, no entanto, passou a buscar
processos de criação com objetivos prospectivos em arte. Busquei, então,
compreender como os processos criativos poderiam mediar passagens do
campo onírico ao campo poético. As conclusões se mostraram muito mais
ricas e profundas do que supus inicialmente, tendo em vista os cruzamen-
tos complementares estabelecidos entre as funções e processos da psique
junguiana e a imaginação material bachelardiana que, por fim, culminaram
num exercer criativo conduzido por um “onirismo poético”.
Ao reposicionar a minha prática, busco materializar a ponte que os
sonhos lançam entre interior e exterior para, assim, conduzir meus pro-
cessos de autoconexão em criação artística e poética. Somadas ao viés
psíquico, minhas referências também se nutrem da imaginação material
que, dotada da “faculdade de formar imagens que ultrapassam a realida-
de, que cantam a realidade” (BACHELARD, 1998, p. 18), pôde aprofundar
e expandir meus processos criativos com os sonhos. Rompendo, então,
com a postura meramente contemplativa da abordagem tradicional da
imaginação formal - que concebe a imaginação como um desqualificante
da imagem sempre reduzida à cópia ou representação, Bachelard propõe
a ideia de imaginação material como processo dinâmico de transforma-
ção visual da realidade (CARVALHO, 2013). Assim, Bachelard nos convida

a um embate na profundidade da matéria, onde a imaginação atua como
uma “oportunidade de realização pessoal, de expansão do universo inte-
rior” (PESSANHA, 1985 apud CARVALHO, 2013, p. 109).
Voltada às substâncias, a imaginação material é munida das forças
imaginantes dos quatro elementos fundamentais – água, ar, terra e fogo –
que geram seivas de sonhos que nutrem e acionam sua poética específica
(BACHELARD, 1998). Como pude experenciar e comprovar em meu TCC,
meus inúmeros sonhos com rios, mares, lagos e tsunamis indicavam que
a minha seiva onírica é a das águas. Este elemento possui uma dialética
própria e reconduz o ser a um grande envolvimento “com as forças cós-
micas, ocasião para a revelação de um si mesmo mais íntimo e profundo
[...] a água simboliza o elemento psíquico capaz de nutrir de significados
as muitas dobras da personalidade humana” (CARVALHO, 2013, p. 113).
Esta seiva de natureza aquática, manifestada em meus sonhos, re-
velou-me um imaginário onírico com o qual me identifiquei e no qual
procurei me aprofundar. Ao me nutrir e submergir nas imagens poéticas
das águas, passei a incorporar também as faculdades transformadoras da
imaginação material exercendo uma percepção onírica-poética na minha
prática artística. Ao enunciar o que há de poético no onírico e o que de
onírico há no poético, cunho um processo de criação que dá continuida-
de ao sonho, sonhando no seu fazer. A cada pesquisa, meus processos de
criação geram percepções sobre o fazer artístico e o autoconhecimento
que naturalmente me conduzem às investigações seguintes. Assim, é da
seiva onírica que me nutre que surgem as conchas e os caramujos como
desdobramentos da minha pesquisa acerca dos elementos da cosmogo-
nia das águas (ELIADE, 1991).

É noite, uso um vestido branco e sinto algo redondo e duro preen-
cher minha barriga. De alguma forma consigo ver nas minhas en-
tranhas um ovo branco e grande me preencher. Não entendo como
sendo mamífera eu estaria grávida de um ovo e, ao olhar minha
barriga de novo, vejo que não se trata de um ovo de pássaro, mas
de um caramujo branco. Desconcertada, não sabia como aquilo ti-
nha acontecido comigo e, entre as fortes contrações em que minha
barriga se enrijecia, confesso ter sentido nojo de ter um caramujo
na minha barriga. Mas isso não chegava a me tirar o senso materno
de cuidar e proteger. As dores ficaram mais fortes, o bebê caramujo
queria nascer, mas eu estava sozinha em um parque cheio de lagos
e piscinas, bem longe de um hospital. Uma mulher vestida de bran-
co percebeu meu sofrimento e se ofereceu para me ajudar. Ela me
instrui a fazer o parto dentro de uma das piscinas. Entro na água,
mas não alcanço o fundo. Toda vez que faço força para o ovo sair, eu
afundo cada vez mais, ficando sem fôlego e força para fazê-lo nascer.
Eu já estava preocupada em causar algum mal ao bebê caramujo e
ele nascer morto, mas eu não conseguia tirar ele de mim. Ele não
chegou a ter tempo de nascer. (Manuela Thayse Costa Silva, relato
de sonho, 31 de dezembro de 2019).
Quando tive o sonho mencionado acima, debruçava-me sobre uma

prática artística em ateliê na qual desenhava e pintava diariamente várias
espécies de conchas univalves, marinhas e terrestres (Figura 7).

Figura 7. Manuela Thayse Costa Silva, Estudos de concha, 2020. Pastel e aquarela
sobre papel Kraft. Dimensões variáveis. Fonte: Arquivo pessoal.
Os valores de morada das conchas, em A poética do Espaço (BA-

CHELARD, 1974), inspiraram uma necessidade de incorporação psíqui-
ca e emocional destes objetos de estudo em meu processo criativo. À
medida que desenhava as conchas, ao estudar suas formas e matéria,
uma dupla travessia se realizava. Enquanto eu mergulhava em direção à
profundidade dos vãos espiróides, naturalmente me via tecendo inter-
namente aquele espaço espiralado em mim também. Neste processo,
acessando as conchas por dentro, enraizei-me em sonhos mais profun-
dos de acolhimento e restauração. Sonhos estes que logo se estende-
ram para os seres que já a haviam habitado. Os caracóis e caramujos
me inspiravam sonhos marcantes devido aos seus corpos úmidos que

instauram rios por onde passam. Através de uma curiosidade afetiva e
sensível, fruto de um devaneio de habitar conchas, passei a me posicio-
nar a partir da perspectiva do molusco para pensar, ou melhor, sonhar,
um organismo vivo detentor de um metabolismo poético. Sonhando
pela mão, criando imagens, passei a habitar as dimensões psíquicas da
concha, no que compreendo assim tê-la fecundado oniricamente, dan-
do ínicio a uma gestação simbólica de um caramujo.
O parto que não se realizou no meu sonho veio a ocorrer por meio
da minha prática artística em devaneio. Em sua concha sonolenta, nas-
ce o Caramujo-Sonhador. Ele cresce para dentro à medida que sonha e
metaboliza autoconexões em manifestações poéticas. Na ação Sonho de
Quarentena, fui convidada a criar um espaço para o Caramujo-Sonhador
se manifestar e se desenvolver semanalmente, por meio das chamadas
públicas feitas a participantes da ação nas redes sociais. O desafio de
transitar da esfera individual à coletiva ativou conotações e significados
mais amplos em meu processo artístico pessoal. Assim, foi colocando o
Caramujo-Sonhador diante da experiência coletiva que ele passou a atuar
como um porta-voz que, ao propagar sua natureza sonhadora nas redes
sociais, teve por missão despertar as pessoas para seus próprios sonhos e
conchas interiores num momento de fragilidade e isolamento, ao longo
da ação Sonho de Quarentena (Figura 8), sobre a qual trataremos na pró-
xima parte deste texto.

Figura 8. Manuela Thayse Costa Silva, Caramujo-Sonhador, 2020. Desenho número 1
feito para as chamadas on-line semanais da ação Sonho de Quarentena. Dimensões
variáveis. Fonte: Arquivo pessoal.
Sonho de Quarentena
Cavernas ao redor do mundo eram pintadas por homens e mulheres na

pré-história (Figura 9) e, “não havendo registro seguro de sonho antes do
advento da escrita, é legítimo especular que os ícones rupestres criados
por nossos antepassados representam seres tão presentes na vida deles
que decerto ocorriam também em sua vida onírica” (RIBEIRO, 2019, p. 39).

Do mesmo modo, Ailton Krenak (2019) afirma que, para alguns po-
vos tradicionais, sonhar não é abdicar da realidade. Sonhar é viver sendo
informado pelos sonhos, nos quais uma pessoa pode “buscar os cantos,
a cura, a inspiração e mesmo a resolução de questões práticas que não
consegue discernir, cujas escolhas não consegue fazer fora do sonho, mas
que ali estão abertas como possibilidades” (KRENAK, 2019, p. 52).
Figura 9. Pintura rupestre, 9.300 anos, Cueva de las manos, Argentina. Fonte:
https://www.cuevadelasmanos.org/foto-arte-rupestre.html.
Kaká Werá Jecupe também nos conta7 sobre o costume do povo

Krahô de se reunir pela manhã, antes do início dos afazeres do dia, para
compartilhar os sonhos da noite passada. Assim como para os Xavantes
e outras etnias indígenas, Kaká afirma que esse momento se chama Roda

do Sonho e tem como objetivo criar um espaço de escuta para as nar-
rativas oníricas que, ao serem contadas, vão ficando mais claras para o
próprio sonhador ou sonhadora.
Entre os krahôs, que são um povo muito celebrativo, tem um que é o

sonhador da tribo. Se está havendo uma reunião, uma dança em vol-
ta do fogo, ele deita com a cabeça voltada para a fogueira e dorme.
Depois ele narra o sonho, no dia seguinte. Os povos lidam com o so-
nho como um momento de liberdade do espírito, quando o espírito
vê tudo por todos os ângulos (JECUPE, 1999, p. 11).
Lima (2015), ao estudar a obra A terra dos mil povos, de Kaká Werá,
chama a nossa atenção para a função da Roda do Sonho também como
um momento de se encontrar orientações para as situações em pauta na
aldeia. Neste caso, o sonho:
[...] não é visto como fruto do subconsciente, da imaginação, fruto de

desejos reprimidos, de reflexos de nossa memória ou uma espécie
de sintoma provocado por fatores externos ao ser, como pode enten-
der a ciência tradicional; mas algo que vai além: momento em que
estamos sem as vestimentas da razão, em que o espírito viaja e nos
apresenta múltiplas dimensões, tornando isso parte da realidade. O
sonho, assim, influencia, orienta, esclarece. (LIMA, 2015, p. 201).
É com este espírito de escuta e partilha de sonhos, com o objetivo

de agregar pessoas em tempos de dispersão e, assim, gerar um momento
coletivo para o vislumbre de caminhos, que propusemos a ação Sonho de
Quarentena à rede RIA 40tena. Vivemos um momento crítico para a vida
humana neste planeta e, assim como muitas pessoas, vimo-nos obrigadas
a aderir ao isolamento emergencial, a habitar nossas casas e conchas, a
olhar para os nossos interiores. Ao receber o convite para criar uma ação

artística para a rede8, Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues percebeu que
poderia testar o espaço virtual como lugar para compartilhar sonhos de
modo mais amplo, criando uma Rede dos Sonhos movida pela ideia de
mobilidade entre a janela que se abre para dentro (o sonho)9 e a janela
que se abre para fora na quarentena (a tela do computador). Quando Ma-
noela convidou Manuela Thayse Costa Silva para participar da ação, am-
bas deram início a uma trajetória permeada por experiências individuais
e interesses comuns focados nas relações entre sonho e arte. Buscaram,
assim, criar um lugar on-line, intermediado pelo conceito de Caramujo-
-Sonhador, para desenvolver uma escuta atenta dos sentimentos e sen-
sações que estão a rondar as pessoas neste momento de tensões sociais,
emocionais, políticas e econômicas.
A ação teve início no dia 18 de abril de 2020, na rede social Insta-
gram (Figura 10), e foi encerrada em 27 de junho do mesmo ano. Aos
poucos, um sonhário coletivo on-line foi tomando forma e se tornou es-
tímulo para conversas, trocas, criações e compartilhamento de textos e
imagens gerados a partir dos sonhos das pessoas participantes. O convite
para participar da ação foi feito a uma gama ampla de pessoas, artistas ou
não, nas redes sociais da RIA 40tena no Facebook, Instagram e em redes
derivadas. À medida que as pessoas foram enviando sonhos para as pos-
tagens, fomos percebendo as potencialidades do próprio espaço virtual
como Roda do Sonho. Entusiasmadas, descobrimos uma série de iniciati-
vas similares10 que se espalharam rapidamente pela internet assim que o
isolamento social começou no Brasil e no mundo.
Notamos que a pandemia, de certa forma, despertou um número
considerável de pessoas para a dimensão interior do existir. Como desdo-
bramento promissor desta ação, iniciamos conexões com outros estudio-
sos do sonho e estamos nos movendo na direção da criação de uma Rede
dos Sonhos composta por ações artísticas, grupo de estudos, grupos de

compartilhamento de conteúdo online11, projetos de extensão, pesquisa
e iniciação científica12 a serem desenvolvidos no âmbito do grupo de pes-
quisa Núcleo de Práticas Artísticas Autobiográficas - NuPAA.
Figura 10. Sonho de Quarentena, 2020. Instagram. Fonte: Arquivo pessoal.
Por meio da ação Sonho de Quarentena percebemos que as narra-

tivas oníricas exercem um papel fundamental na re/conexão entre razão
e emoção na produção de auto/saberes e auto/conhecimento. A arte li-
gada ao sonho e ao sonhar, como a nossa experiência de confinamento
tem nos revelado, pode contribuir não só para a nossa sobrevivência num
presente inóspito, mas também para o aumento da nossa capacidade de

aprender com o passado e de imaginar outros futuros possíveis, criando
relações mais profundas com a vida e o viver, individual e coletivamente.
Notas
1
Em 11 de março de 2020, a Organização Mundial da Saúde reconheceu a COVID-19 como
uma pandemia: https://www.who.int/dg/speeches/detail/who-director-general-s-openin-
g-remarks-at-the-media-briefing-on-covid-19---11-march-2020
2
Website da rede RIA 40tena: https://ria40tena.wixsite.com/ria40tena
3
Sonho de Quarentena: https://www.instagram.com/sonho.ria40tena
4
Endereço do grupo de pesquisa NuPAA no Diretório dos Grupos de Pesquisa no Brasil -
CNPq: http://dgp.cnpq.br/dgp/espelhogrupo/6237544308757036
5
“In the night between Wednesday and Thursday after Whitsunday I saw the appearance
in my sleep – how many great waters fell from heaven. The first struck the earth about 4
miles away from me with terrific force and tremendous noise, and t broke up and drowned
the whole land. I was so sore afraid that I awoke from it. Then the other waters fell and as
they fell they were very powerful and there were many of them, some further away, some
nearer. And they came down from so great a height that they all seemed to fall with an
equal slowness. But then the first water that touched the earth had very nearly reached it,
it fell with such swiftness, with wind and roaring, and I was so sore afraid that when I awoke
my whole body trembled and for a long while I could not recover myself. So when I arose
in the morning I painted it above here as I saw it. God turns all things to the best”. Texto de
Albrecht Dürer situado abaixo da imagem do sonho (MASSING, 1986, p. 241).
6
COSTA SILVA, Manuela Thayse. Mar de Dentro: do onírico ao poético. 2017. 103 f. Traba-
lho de Conclusão de Curso – Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de Goiás,
Goiânia, 2017.
7
Informação verbal passada na primeira aula do curso O Poder do Sonho, em 2 de junho de
2020. Kaká Werá: https://www.kakawera.com
8
Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues foi convidada a participar da rede RIA 40tena pela

professora Gabriela Canale Miola, do Instituto Latino-Americano de Arte, Cultura e História
da Universidade Federal da Integração Latino Americana – UNILA.
9
Ao reconhecer a importância da pesquisa de Freud sobre os sonhos, Sidarta Ribeiro expli-
ca que: “[...] a prática de voltar-se para si e apenas falar livremente, a narração em voz alta da
própria vida, exercida com naturalidade em tantas culturas mas violentamente reprimida
no patriarcal Império Austro-Húngaro do século XIX, tomariam o mundo de assalto no sé-
culo XX. A reabertura dessa janela da alma foi um grande acontecimento científico e social”
(RIBEIRO, 2019, p. 30).
10
Ações similares e conteúdo sobre o sonho encontrados na internet desde o início da
pandemia de COVID-19:
Eu sonhei na quarentena: https://www.instagram.com/eusonheinaquarentena/
Onironauta: https://www.instagram.com/p/CAOL-HFJHu9/
Sonhos confinados: https://www.instagram.com/sonhosconfinados/
Sonhos de uma quarentena: https://www.instagram.com/sonhos_de_uma_quarentena/
Pesquisa UFRGS: https://www.ufrgs.br/coronavirus/base/o-que-voce-esta-sonhando-du-
rante-a-pandemia/
I dream of covid: https://www.instagram.com/idreamofcovid/
Reves en confinement: https://www.instagram.com/revesenconfinement/
Pandemic Dream Archive: https://archivedream.wordpress.com/
Sonhos para adiar o fim do mundo: https://www.youtube.com/watch?v=95tOtpk4Bnw
Sonhos no Terceiro Reich: https://www.youtube.com/watch?v=dC3JSEIYWzQ
Oráculo GNT sobre Sonhos: https://www.instagram.com/tv/B_3NQeZl_5v/?igshid=119k-
7fkoul5jc
https://www.bbc.com/portuguese/geral-52704871
https://www.cnnbrasil.com.br/saude/2020/04/11/o-significado-por-tras-dos-sonhos-es-
tranhos-durante-a-pandemia-do-coronavirus
https://www.metropoles.com/saude/coronavirus-pesquisa-diz-que-estamos-sonhando-
-parecido-durante-pandemia
https://www.uol.com.br/vivabem/noticias/redacao/2020/04/25/tem-tido-sonhos-estra-
nhos-na-quarentena-especialistas-explicam-o-porque.htm
11
Rede dos Sonhos: um sonhário coletivo. Disponível em https://www.facebook.com/
groups/sonhariocoletivo

12
O projeto de iniciação científica Oniropoética: o sonho na criação artística foi aprovado
pelo edital PRPI Nº 01/2020, da Pró-Reitoria de Pesquisa e Inovação da UFG, com vigência
de agosto de 2020 a julho de 2021, acolhendo uma estudante do curso Artes Visuais Ba-
charelado da Faculdade de Artes Visuais da UFG, sob supervisão da professora Manoela dos
Anjos Afonso Rodrigues.
Referências
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BACHELARD, Gaston. A água e os sonhos: ensaios sobre a imaginação da

matéria. São Paulo: Martins Fontes, 1998.
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Blackwell Publishing Ltd, 2012, p. 486-490.
CAMPBELL, Mary Baine. The inner eye: early modern dreaming and
disembodied sight. In: PLANE, Ann Marie e TUTTLE, Leslie (eds.). Dreams,
dreamers, and visions: the early modern Atlantic world. Philadelphia:
University of Pennsylvania Press, 2013, p. 33-48.
CARVALHO, Marcelo de. Conhecimento e Devaneio. Rio de Janeiro: Mauad,

2013
CHANG, Heewon; NGUNJIRI, Faith Wambura; HERNANDEZ, Kathy-Ann C.

Collaborative Autoethnography. California: Left Coast Press Inc., 2013.
ELIADE, Mircea. Imagens e símbolos. São Paulo: Martins Fontes, 1991.
FREUD, Sigmund. Obras completas, volume 4: a interpretação dos sonhos

(1900). Tradução: Paulo César de Souza. São Paulo: Companhia das Letras, 2019.
GALLAGHER, Ann (ed.). Susan Hiller. London: Tate Publishing, 2011.

JECUPE, Kaká Werá. 500 anos de desencontros. [Entrevista concedida a]
Ademir Assunção. ISTOÉ, São Paulo, n. 1555, p. 7-11, 21 jul. 1999.
JUNG, Carl Gustav. Fundamentos de Psicologia Analítica. Petrópolis: Editora

Vozes, 2001.
KAUVAR, Elaine M. Blake’s Interpretation of Dreams: “Mental Forms Creating”.

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KRENAK, Ailton. Ideias para adiar o fim do mundo. São Paulo: Companhia
das Letras, 2019.
LIMA, Tarsila de Andrade Ribeiro. A terra dos mil povos: história indígena do
Brasil contada por um índio e a questão do real-maravilhoso. In: SANTOS, Ana
Cristina dos; DIOGO, Rita (org.) O fantástico em Ibero-América: literatura
e cinema. Rio de Janeiro: Dialogarts, 2015, p. 192-207. Disponível em:
http://www.dialogarts.uerj.br/admin/arquivos_tfc_literatura/LIVRO_Ibero-
America_22-01-2015.pdf. Acesso em: 10 jun. 2020.
MASSING, Jean Michel. Dürer’s Dreams. Journal of the Warburg and

Courtauld Institutes, v. 49, p. 238-244, 1986. Disponível em: https://www.
jstor.org/stable/751303. Acesso em: 10 jun. 2020.
RIBEIRO, Sidarta. O oráculo da noite: a história e a ciência do sonho. São

Paulo: Companhia das Letras, 2019.
RODRIGUES, Manoela dos Anjos Afonso. Autobiogeografia como metodologia

decolonial, In: ENCONTRO DA ASSOCIAÇÃO NACIONAL DEPESQUISADORES
EM ARTES PLÁSTICAS, 26, Memórias e Inventações, 2017, Campinas. Anais
[...] Campinas: ANPAP/Pontifícia Universidade Católica de Campinas, 2017.
p.3148-3163.
WALSH, Maria. Art & psychoanalysis. London: I. B. Tauris, 2013.

Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues
Professora Adjunto da Faculdade de Artes Visuais (FAV) da Universidade

Federal de Goiás (UFG). Professora Permanente do Programa de Pós-Gra-
duação em Arte e Cultura Visual da FAV/UFG, vinculada à linha de pesqui-
sa Poéticas Artísticas e Processos de Criação. Líder do grupo de pesquisa
Núcleo de Práticas Artísticas Autobiográficas (NuPAA). Coordenadora do
Grupo de Estudos de Metodologias, Métodos e Abordagens da Pesquisa
em Arte (GEMMA). Contato: [email protected]
Manuela Thayse Costa Silva
Artista visual. Bacharel em Artes Visuais pela Faculdade de Artes Visuais

(FAV) da Universidade Federal de Goiás (UFG). Integrante do Núcleo de
Práticas Artísticas Autobiográficas (NuPAA). Investiga a dimensão interior
do ser humano, materializando diálogos com o inconsciente por meio da
prática artística com os sonhos. Contato: [email protected]

CORPALMA: TAROT E ORÁCULO
Paola Zordan / UFRGS
Liana Keller / UFRGS
Conjuntos de imagens impressas, de fácil manuseio, que podemos mo-

ver e demover em múltiplas combinações, as quais, ao serem observadas
abrem “espaços ao pensamento”(WARBURG, 2010, p.165), são o que, dis-
postas em 79 painéis, compõem o que Aby Warburg chamou Atlas men-
mosyne. Este dispositivo de análises infinitas, apresenta, nas pranchas 51
e 50, cartas dos tarocchi, naipes italianos, os quais constituiam efetivas
mnemotécnicas da estrutura social e dos valores europeus dos séculos XV
e XVI. Chamado hoje de tarot1, trata-se de um conjunto de imagens pas-
síveis de diversas investigações históricas (KAPLAN, 1977; COUSTÉ, 1983;
FARLEY, 2009), encontrados, com recorrências figurativas e ornamentais,
em variações estilísticas e temáticas em Iluminuras desde o século XIV.
A iconografia que populariza essas imagens tem os baralhos nomea-
dos como Tarot de Marselha, primeiramente xilogravuras e posteriormen-
te gravuras em metal, a maior recorrência, popularizada por sua ampla

propagação desde o século XVIII. As multiplicidades combinatórias e a
contingência dos traçados de baralhos, especialmente via o contraste dos
ricos baralhos manufaturados e os de impressão barata, vira matéria lite-
rária (CALVINO, 1991; COLOMBO, 2013). Diferente das alegorias clássicas,
ainda que delas aproximadas, tais imagens possibilitam leituras nunca
submisssas a um significado único e fechado, de modo que, por sua in-
terpretação ser misteriosa e nunca circunscrita ao simbolismo canônico,
comumente passam a ser chamadas de arcanos.
O presente trabalho apresenta uma proposta poética em torno dos
arcanos de tarot e arcanos criados a partir de vínculos, intuições e situa-
ções cotidianas. Arcanos como Leitora, Ébrio, Mosca, Gás, Dor, entre ou-
tros, são criados num baralho que, como qualquer imagem passível de
leituras combinatórias abertas à intuição, apresenta caráter oracular. Em
seu aspecto mais amplo, a pesquisa na qual se inclui o trabalho aqui apre-
sentado, pensa oráculos como dispositivos relacionais, os quais, em sua
diversidade de signos, permitem, via diálogos e leituras, compreensão de
sentimentos, visualização de afectos, racionalização de fatos e apreensão
de forças nem sempre fáceis de serem discernidas. Produto dos sincretis-
mos medievos, o tarot pode ser compreendido como “sistema sintético
de pensamento” (COUSTÉ, 1977, p.12), cujo vitalismo opera de acordo
com tendências contingentes e analogias referênciais.
Imaginação, jogo, aventura pessoal. O tarô conta a história de al-

guém que está procurando escrever a história do que não sabe.
Obra-prima do pensamento analógico, a leitura dessa história é in-
terminável: não só por seu caráter perpetuamente referencial, mas
também porque cada leitor a transforma em outro livro cada vez que

a consulta. Esta talvez é a razão fundamental para que se aproxime,
na atualidade, deste livro que pode ser todos os livros. (…) mesmo
quando o consideramos apenas uma coleção de estampas orga-
nizadas segundo um modelo caprichoso, o poder sugestivo desse
modelo tão apaixonante justifica a existência de todos os discursos
e teses variadas que o seu mistério produziu (COUSTÉ, 1977, p. 16).
Junto aos estudos do cineasta Alejandro Jodorowsky, o tarot é pen-

sando enquanto efetivo jogo da vida, no qual se apresenta um caminho a
ser trilhado. Compreendido como “instrumento essencialmente projetivo”
(JODOROWSKY, 2016, p.37) sem forma final, sem uma unicidade perfeita,
trata-se de uma combinatória que não apresenta significações definitivas.
Defendendo que o tarot nos ensina a ver segredos existenciais que estão
diante de nós, o autor mostra que nenhuma carta é superior ou melhor
que a outra. O arcano figura linhas de força e subjetivações num conjunto
enunciativo, imanente ao que a imagem apresenta, como dispositivo e
nunca como “verdade” sobre algo.
Com a filosofia da Diferença, um dispositivo pode ser compreendi-
do como “conjunto multilinear” (DELEUZE, 1996, p.83) que traz entrelaça-
mentos de processos subjetivos, os quais implicam saberes e embates en-
tre poderes. Ao produzirem um jogo, os arcanos dispostos aos leitores se
desviam dos significados perenes e eternos das figuras conhecidas, per-
mitindo a criação de singularidades que, ao invés de instaurar destinos e
verdades, demonstram forças que atravessam os corpos e os territórios
por eles percorridos.

Fig 1. Liana Keller, baralhos de tarô (acima) e oráculo (abaixo) junto às respectivas
embalagens. 2014-2020. Fotografia de Paola Zordan
Os baralhos corpalma2, cujo nome afirma a imanência psíquica das

imagens, partem de proposições lúdicas e pedagógicas, nas quais artistas,
estudantes, pesquisadores e convidados interpretam/performam arcanos.
Inicia em 2014, tendo como principal referência imagens do Tarot de Mar-
selha, mas não esse baralho apenas. As fotografias, registradas por uma
câmera de aparelho telemóvel, são trabalhadas para comporem o projeto
gráfico dos baralhos impressos. A captura das imagens é da artista, e, quan-
do esta performa, a captura é feita por terceiros. Entre várias fotos tiradas
em cada sessão, uma, escolhida juntamente com quem encena o arcano, é
editada, com cortes e filtros, para obtenção da imagem final. Por vezes, as

cenas performativas implicam figurinos, adereços e outros elementos que
fortuitamente estiverem ao alcance. Algumas vezes, registros fotográficos
com pouca produção são suficientes para figurarem uma carta.
O projeto encontra ressonâncias na pesquisa de Fernanda Viana,
sendo a referência mais recorrente a fotográfa belga Alice Smeets com o
Tarot Rider-Waite, desenhado por Pamela Smith no início do século XX.
Cem anos depois da edição do referido baralho, a série The Ghetto Taro,
faz moradores de Porto Príncipe, capital do Haiti, se transformaram em
arcanos. Com a intenção de mostrar a criatividade dos participantes as
condições de vida dos haitianos, a fotógrafa utilizou materiais encontra-
dos e reciclados para caracterizar seus personagens.
Fig 2. Arcano Maior XIII- A Morte. Fotografia de Alice Smeets.

Enquanto registro de experimentações performáticas e usos do cor-
po, temos um tipo de fotoperformance, ainda que se evidenciem fotogra-
fias encenadas, tendo em vista a produção de figurinos (mesmo improvi-
sados) e a encenação de gestos. Como Trabalho de Conclusão de Curso de
Licenciatura em Artes Visuais, a proposta também organizou oficinas es-
pecíficas e um projeto de ensino para a escola básica (KELLER, 2018). Nes-
tas proposições de caráter pedagógico, assuntos pertinentes ao universo
da fotografia, como enquadramento, composição, iluminação, foram tra-
tados em sala de aula. No entanto, esse trabalho, por meio de produções
fotográficas em dispositivos móveis, preza pela inventividade momentâ-
nea, sem grandes planejamentos. As encenações acontecem em lugares
do cotidiano dos participantes, sendo nestes espaços colhido o material
para as fotografias. A relação entre artista que captura o arcano encenado
e quem o performa possibilita a fala e a escuta dos envolvidos. Em todas
as circunstâncias, após todos serem fotografados, há compartilhamento
de imagens, apreciação conjunta e diálogo acerca dos resultados, sendo
escolhida uma imagem entre as várias obtidas. Essa conversa, a qual de-
fine elementos e tratamentos da imagem no produto final, pode se dar
por meio de projeção, impressão das imagens ou até mesmo exibição nos
próprios aparelhos fotográficos.

Fig. 3 Liana Keller, Arcano Maior do Tarot XIII - A Morte. Fotografia de Daniel Gustavo
Desde o dadaísmo encontramos obras que se utilizam de baralhos

e tarôs em suas poéticas, cujas edições exprimem estilos, contextos e
movimentos artísticos. Ao pesquisarmos a diversificada produção gráfica
em torno destes materiais, novos tarôs e oráculos são criados. Além do
trabalho de Liana Keller, em destaque devido a todo tratamento plástico
do projeto e o uso profissional que a artista-tarológa faz da própria pro-
dução oracular, há mais estudantes desenhando seus arcanos. O projeto
de pesquisa, que se vale das constelações de Aby Warburg para pensar

coleções de imagens temáticas e iconografias específicas relacionadas a
produções poéticas, se desenvolve em diversos braços, sendo o tarot, em
especial os tarôs com o panteão afrobrasileiro, o desdobramento numa
nova pesquisa. Todavia, independente de suas características visuais e
elementos iconográficos, desenvolvidos nos baralhos criados individual-
mente por membros do grupo, começa-se a investigar artefatos oracula-
res enquanto práticas colaborativas. Tratam-se de dispositivos relacionais,
advindos de todos os povos e continentes, tais como o Ifá iorubano, as
runas, o I Ching, as cartas celestes, as árvores cabalísticas, entre outros.
Todos estes glifos e ícones, suas combinatórias e esquemas, configuram
as psicomaquias que respondem às formas pelas quais o pensamento se
constrói para dar sentido à existência.
Fig.4 O Louco, arcano O, encenado por Daniel Gustavo. Foto Liana Keller

Fig.5 Deck completo Tarot Corpalma. Montagem Liana Keller, 2018
Notas
1
Seguindo a grafia internacional, adotada nas traduções de Jodorowsky, a artista opta usar
o T mudo e não a palavra tarô tal como é recorrente nas edições brasileiras.
2
Os resultados visuais do projeto corpalma e demais trabalhos de Liana Keller podem ser
visualizados em:
https://www.facebook.com/kellerliana/photos/
https://www.flickr.com/photos/lianatrapo/albums/72157641647658804
https://www.instagram.com/lianakeller_arte_tarot/?hl=pt-br
Acessos em julho de 2020.
Referências
CALVINO, Italo. O castelo dos Destinos Cruzados. São Paulo: Companhia das
Letras, 1991.

COLOMBO, Gisela. El juego del colgado. Santa Rosa/AR: Ameríndia Nexo, 2013.
COUSTÉ, Alberto. Tarô ou a Máquina de imaginar. São Paulo: Editora Global.

1983.
DELEUZE, Gilles. O que é um dispositivo. In: O mistério de Ariana. Trad.

Edmundo Cordeiro. Lisboa: Vega, 1996.
FARLEY, Helen. A Cultural History of Tarot: From Entertainment to

Esotericism. New York: I.B.Tauris, 2009.
JODOROWSKY, Alejandro; COSTA, Marianne. La vía del Tarot. Sexta edição.

Editora Siruela. Espanha, 2014.
______. Trad. Alexandre Barbosa de Souza. O caminho do Tarot. São Paulo:

Campos, 2016. (Selo Chave)
JODOROWSKY, Alejandro. Yo, el Tarot. Editora Siruela. Argentina. 2006.
KAPLAN, Stuart R. Tarô Clássico. São Paulo: Editora Pensamento,1977.
KELLER, Liana Lacerda. O tarot e a fotografia encenada: (re)construir

significados. Porto Alegre: IA/UFRGS, 2018. 70f. Trabalho de Conclusão de
Curso (Licenciatura em Artes Visuais), 2018.
Disponível em: https://www.lume.ufrgs.br/handle/10183/190182, acesso

julho de 2020.
SMEETS, Alice. The Ghetto Tarot. Disponível em: http://www.ghettotarot.de

acesso em maio de 2020.
VIANA, Fernanda. Arcanos Performáticos: Ressignificações Fotográficas do

Tarot de Marselha. Tese de Mestrado. Faculdade de Belas Artes Universidade
do Porto. Disponível em: http://docplayer.com.br/26870188-Arcanos-
performaticosressignificacoes-fotograficas-do-tarot-de-marselha-fernanda-
figueiredo-figueiredo-demelo-viana.html acesso maio de 2020.

WARBURG, Aby. Atlas Mnemosyne. Madrid: Akal, 2010.
_______. Histórias de Fantasma para Gente Grande: escritos, esboços e

conferências. São Paulo: Editora Schwarcz, 2015.
Paola Zordan
Bacharel em Desenho, Licenciada em Educação Artística, Doutora em

Educação pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS). Pro-
fessora do Departamento de Artes Visuais e programa de Pós-Graduação
em Educação da UFRGS, coordena o grupo de pesquisa Arte, Corpo, en-
sino (ARCOE/CNPq), desenvolvendo produções transversais entre artes
visuais, poesia e esquizoanálise. Contato: [email protected]
Liana Keller
Arte Educadora, Artista Visual, Performer e Taróloga. É licenciada em Ar-

tes Visuais pela UFRGS- Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Em
2002 cria sua marca autoral de artes em diversos suportes, a Trapolândia.
E no ano de 2012 inicia trabalhos na área da Arte Educaçã. Contato: liana-
[email protected]

MEMÓRIAS DE UMA LAMPARINA:
POÉTICAS DE LIBERTAÇÃO
Lucélia Maciel de Souza / UFG
Introdução
Tudo começou com as dores daqui, acessando as de lá. Nesta noite, en-
quanto tomava banho, visitei o Alívio1. Ao dormir, acordei embaixo de um
pé-de-pau2, o flamboyant vermelho que fica em frente à casa de iaiá e
ioiô3. Dormi aqui e acordei lá para lembrar do tempo que adormecia, não
embaixo, mas em cima do flamboyant, árvore de tronco forte, que veio
da África, assim como os meus ancestrais. Era o melhor lugar que eu tinha
para estudar. Lá do alto eu observava todos os que estavam à minha volta.
Era possível ver a casa de farinha onde ficavam os meus desenhos. Nes-
sas idas e vindas, entre o processo de recordar e desenhar, entendo que
cada linha que traço hoje é um pedaço de história que escrevo. Passado e
presente se misturam e eu já não sei mais em que tempo vejo. Com a lam-
parina em punho, sigo iluminando, acompanho as linhas do meu traçado
que começou ainda na infância. Percebo que cada parte que se alumia, no
meu trabalho, é um pedaço da minha história que se acende.

A fuligem que me sufocava lá, é a mesma que sufoca cá. Lembro-me
bem da parede marcada, onde a lamparina era pendurada. Então, sob a
luz da arte e da lamparina, retomo o passado e revivo as memórias para
revelar no presente, através da minha produção artística, experiências de
uma época de criança que ainda são recorrentes.
Arrodeando por esses caminhos, neste trabalho chamo para perto
os artistas Rosana Paulino e Dalton Paula, pois vou tratar aqui das opres-
sões ligadas à violência dos silenciamentos. E como a minha experiência
é o que me define, eu mulher não branca, nordestina, nascida na Fazenda
Alívio, localizada na Chapada Diamantina, no interior da Bahia, penso que
falar de mim, através de minhas produções, é um ato político. Assim, vou
instaurando minhas poéticas de libertação.
Sendo assim, nesta pesquisa em arte desenvolvida em nível de
graduação, utilizo como abordagem metodológica a autobiogeografia
(RODRIGUES, 2017), pois considero que o lugar onde nasci e os desloca-
mentos geográficos que depois vivenciei influenciam profundamente a
minha forma de lembrar, narrar e criar.
Poéticas de libertação
Minha poética é uma poética de libertação. No trabalho Sentimento (Fi-

gura 1), busquei imprimir a fuligem em algum suporte para materializar
a agonia que sentia, transportando-a para algum outro lugar de forma
que eu pudesse livrar-me desse sentimento. Construí uma lamparina com
uma pequena garrafa de vidro e comecei a testá-la. Aproximei a chama
de uma lona, impregnando assim tal superfície com as marcas negras dos
resíduos pulverosos e espessos emitidos no processo. A impressão da fu-
ligem produzida pela lamparina através da queima do querosene sobre
o tecido de algodão faz-me ver esse sentimento de outro ponto de vista.

Assim, crio um espaço de agenciamento para refletir criticamente sobre
as experiências.
Conhecer, perceber, sentir e apreciar outras poéticas de libertação,
como o trabalho de Rosana Paulino, fez-me entender que a arte está além
do que o que eu aprendi nas aulas de história da arte. Entendi que exis-
tem artistas com vivências parecidas com as minhas, mas que não estão
presentes nos livros que nos são apresentados na academia. O encontro
com o trabalho Bastidores (Figura 2) me fez entender que era essa a arte
que fazia sentido para mim.
Rosana Paulino (2011) ressalta justamente a importância de nos
atentarmos para a nossa verdade na produção artística para não cairmos
no superficial. Neste sentido, a artista afirma que:
Devemos observar que na construção de sua poética é importante

que o/a artista procure atender às necessidades profundas que o/a
levaram a investir na fatura de uma obra, evitando assim o risco de
se tornar superficial. Aquele que cria deve sempre estar atento para
as coisas que lhe tocam profundamente, procurando nunca fugir ao
desafio de lidar com estes assuntos, independentes de quais sejam
suas escolhas, pois é este laborar que irá ajudar a compor sua poéti-
ca, sua individualidade (PAULINO, 2011, p. 20).

Figura 1. Lucélia Maciel, Sentimento, 2018. Fuligem sobre lona, 100 x 70 cm. Foto:
Paulo Resende. Fonte: Arquivo pessoal.
Figura 2. Rosana Paulino, série Bastidores, 1997. Xerox transferido para tecido,
bastidor de madeira e linha. Dimensão: 30 cm de diâmetro. Fonte: http://www.
rosanapaulino.com.br
Na figura 2, podemos ver tecidos esticados nos bastidores, que além

de remeterem aos afazeres domésticos femininos como a feitura do bor-
dado, são imagens de mulheres negras em preto e branco. Elas aparecem

com as bocas costuradas de forma bastante agressiva, caladas à força, su-
turadas violentamente, silenciadas em um gesto de interdição da palavra,
do grito, do som. Ao olhar pela primeira vez para esta produção artística
me emocionei e pensei como alguém pode descrever tão bem o que sin-
to? Entendi o poder que a arte tem. Com a força desses trabalhos, des-
cobri que não estava sozinha com as minhas dores, que existiam Rosana
Paulino e tantas outras mulheres negras artistas. Nesse contexto, desta-
co também o trabalho Corpo Indivíduo, do artista Dalton Paula (Figura 3),
que exibe dois corpos impedidos de se comunicarem devido ao uso da
máscara de ferro que cobre toda a cabeça, sufocando-os, forçando-os ao
silêncio, tornando-os corpos apenas receptores.
Figura 3. Dalton Paula, Corpo Indivíduo A, 2011. Fotografia 60 x 180 cm. Foto: Vinícius
de Castro. Edição: Heloá Fernandes. Fonte: https://www.daltonpaula.com.
Na infância, sempre tive medo das sombras que me acompanhavam

enquanto conduzia a lamparina acesa, mas a luz sempre me protegia e eu
sabia que era só alumiá-las que, assim, as sombras fugiam. Por mais que
chegassem próximo não me alcançavam. Porém, o temor tomava conta
quando a luz da lamparina se apagava. Assim como descreve Conceição
Evaristo na sua escrevivência:

Quando a luz da lamparina era apagada, a escuridão do pequeno
cômodo, em que dormíamos, me doía. Ao apagar das luzes, minhas
irmãs logo adormeciam, confrontadas com as lembranças de nossas
falantes brincadeiras, em que, muitas vezes, a mãe era protagonista.
Aí, sim, as noites e seus mistérios se abatiam sobre mim. E tudo pare-
cia vazio a pedir algum gesto de preenchimento. Escutava ainda os
passos de minha mãe se afastando. (EVARISTO, 2017, p. 77).
Mesmo estando hoje em Goiânia, longe do interior, foram vários os

momentos em que os espaços que habitei ficaram vazios, sem luz. E, ao
contrário de lá, eu não tinha as minhas irmãs deitadas ao meu lado, nem
era possível ouvir os passos de minha mãe. Entretanto, no final de 2018,
em uma conversa com o artista Dalton Paula, ganhei dele uma lampari-
na. Com ela em mãos, comecei a desenhá-la. Esse encontro se estendeu
em visitas ao ateliê do artista onde, no ano seguinte, realizei as discipli-
nas Estágio I e Estágio II, obrigatórias em minha graduação. Este foi um
encontro extremamente importante na minha vida, pois além de todo o
aprendizado técnico proposto, foi no ateliê que o meu coração recebeu a
primeira fagulha, começou a ser iluminado e, em meio à muita luz e afeto,
essa feitura se desenvolveu. A fagulha foi alimentando as minhas memó-
rias e, sob a luz da lamparina, fui revivendo essa história.
O trabalho, Memórias (Figura 4) foi desenvolvido no decorrer do
ano 2019. São lamparinas que estão rasgadas, amassadas, quebradas,
colocadas lado a lado umas das outras, cada uma com suas marcas, com
suas especificidades, mas juntas. São corpos individuais unidos, forman-
do um todo. O trabalho é composto por 35 desenhos, feitos com nan-
quim sobre papel kraft. Quando criança, eu tinha o hábito de desenhar
nas paredes da casa de farinha de ioiô, e é pela semelhança das paredes
presentes nas minhas memórias que opto por este tipo de papel. O de-
senho era o meu refúgio, pois enquanto desenhava saía do mundo real,

imergia em uma realidade imaginária, onde os perrengues não me alcan-
çavam, onde eu tomava as minhas próprias decisões, onde viver não era
estar sob a vontade do outro.
Figura 4. Lucélia Maciel, Memórias, 2019. Nanquim sobre papel kraft, 224 x 200 cm.
Foto: Paulo Rezende. Fonte: Arquivo pessoal
Penso nesse passado que ainda é presente, já que as opressões

continuam. Neste sentido, a artista Grada Kilomba (2019) pontua que,
“às vezes, eu sinto que vivo num espaço onde o passado interrompe o
meu presente, e onde o presente é vivenciado como se eu estivesse no
passado” (KILOMBA, 2019, p. 18).
Articulando essas conexões entre passado e presente, elaborei o tra-
balho Tenor (Figura 5). Ele é composto por dez peças que são taças de
vidro quebradas e servem como suporte para as lamparinas, construídas
com lâmpadas incandescentes.

Figura 5. Lucélia Maciel, Tenor, 2019. Instalação. Vidro, algodão e álcool. Foto: Paulo
Rezende. Fonte: Arquivo pessoal.
A palavra “tenor” é um substantivo masculino e refere-se à mais agu-

da das vozes masculinas. Sua extensão normal é de cerca de duas oita-
vas. O dicionário explica que existem duas espécies de tenor: o lírico e
o dramático. O tenor lírico tem uma voz aguda e mais leve que o tenor
dramático, cuja voz é mais volumosa, mais possante e um pouco mais
grave. Através da física é possível comprovar que tanto o lírico quanto o
dramático são capazes de quebrar uma taça de vidro com o próprio grito,
basta intensificar a voz no ponto de vibração ideal. Utilizando essa ideia
como uma metáfora de poder, eu só consigo imaginar o quão opressor
esse tenor pode ser e quantas de nós temos os nossos corpos quebra-
dos e silenciados diariamente com o elevar dessa voz. Cada vez que isso

ocorre nossa voz é subjugada. Então, neste trabalho penso na fragilidade
e na delicadeza desse vidro, mas também no poder de todas essas extre-
midades pontiagudas quebradas e, principalmente, na potência do fogo
que pode brotar do interior desses corpos (Figura 6).
Figura 6. Lucélia Maciel, Tenor, 2019. Instalação. Vidro, algodão e álcool. Foto: Paulo
Rezende. Fonte: Arquivo pessoal.
Nesse exercício de explorar poeticamente vozes e silêncios, como afirma

o artista Dalton Paula, “desloco o discurso do silêncio ao tratar as questões
relacionadas à invisibilidade e a supressão da voz e utilizo essa produ-
ção artística para o enfrentamento daquilo que considero mais doloroso,

porque faz parte de mim, são minhas experiências cotidianas” (PAULA,
2011, p. 19). Dessa forma, ao direcionar a luz da lamparina para a minha
própria história, através de um modus operandi autobiogeográfico, busco
compreender a minha prática artística como lugar de enunciação de ou-
tras histórias e confrontar as opressões cotidianas que se constituem na
intersecção do machismo e do racismo. É assim que vou instaurando as
minhas poéticas de libertação.
Notas
1
Lugar onde nasci, na Chapada Diamantina, Bahia.
2
Pé-de-pau, no nordeste do Brasil, é um termo popular usado para nos referirmos a qual-
quer árvore.
3
Iaiá é o tratamento usado em alguns lugares do interior da Bahia para avó. Ioiô é a forma
masculina.
Referências
EVARISTO, Conceição. Poemas de recordação e outros movimentos. Rio de

Janeiro: Malê, 2017.
KILOMBA, Grada: desobediências poéticas. In: VOLZ, Jochen; PICCOLI,

Valéria. São Paulo: Pinacoteca de São Paulo, 2019.
PAULA, Dalton Oliveira de, Corpo Silenciado, 2011, 60 f. Trabalho de

Conclusão de Curso – Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de
Goiás, Goiânia, 2011.
PAULINO, Rosana. Imagens de sombras. 2011. 98 f. Tese (Doutorado) - Escola

de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo, São Paulo, 2011.
Disponível em: https://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-
05072011-125442/publico/tese.pdf. Acesso em: 22 mai. 2020.

RODRIGUES, Manoela dos Anjos Afonso. Autobiogeografia como metodologia
decolonial, In: ENCONTRO DA ASSOCIAÇÃO NACIONAL DE PESQUISADORES
EM ARTES PLÁSTICAS, 26, Memórias e Inventações, 2017, Campinas. Anais
[...] Campinas: ANPAP/Pontifícia Universidade Católica de Campinas, 2017.
p.3148-3163.
Lucélia Maciel de Souza
Mora e trabalha em Goiânia, Goiás. É graduanda do curso Artes Visuais

Bacharelado na Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de
Goiás (FAV/UFG). A partir de memórias de infância, desenvolve pesquisa
artística usando o objeto lamparina como metáfora para discutir ques-
tões étnicas, sociais e de gênero. Contato: [email protected]

Comite
Patrimônio,
Conservação e
Restauro

ESTRATÉGIAS POLÍTICAS E RISCOS:
O CASO DO ESPAÇO CULTURAL
CASA DAS ONZE JANELAS
POLITICAL STRATEGIES AND RISKS:

THE CASE THE CULTURAL SPACE CASA DAS ONZE JANELAS
Rosangela Marques de Britto
Marisa de Oliveira Mokarzel
Entremeios
Como pensar as tramas históricas, os tempos atuais e os acontecimentos

que possam muitas vezes se assemelhar aos que ocorrem em diferentes
cidades, países e continentes? Realidades próximas ou distantes cons-
tituem-se em redes, criam similaridades, ressonâncias e se fazem reco-
nhecer em ações da gestão governamental, da qual emergem decisões
políticas, econômicas e sociais que afetam distintos lugares e histórias.
Na verdade, fazem parte de uma narrativa contextual que se constrói
há muito tempo. Percursos de dominação têm dimensão secular, e nós,
latino-americanos, brasileiros, amazônidas, experimentamos essa domi-
nação desde a nossa formação. Walter Mignolo (2017, p. 2) considera a

“colonialidade” – conceito introduzido pelo sociólogo peruano Anibal
Quijano – como a face escura da modernidade. Trata-se de uma lógica de
dominação e, para o autor, “a ‘modernidade’ é uma narrativa complexa,
cujo ponto de origem foi a Europa, uma narrativa que constrói a civiliza-
ção ocidental ao celebrar as suas conquistas enquanto esconde, ao mes-
mo tempo, o seu lado mais escuro, a ‘colonialidade’”. Esse processo tem
uma trajetória que vai do Renascimento até os dias atuais, perpassando
por dois cenários mais evidentes – o do século XVI e outro que abrange
o século XXI, configurado-se como um mundo interconectado, ordenado
pelo capitalismo.
O cerne do argumento de Mignolo (2017) é a existência de uma ma-
triz colonial de poder (MCP), que opera sob uma série de nós histórico-
-estruturais; e um desses nós diz respeito à hierarquia estética, na qual se
inclui a arte e as instituições que podem administrar os sentidos e moldar
as sensibilidades, estabelecendo normas “do que é arte e do que não é,
do que será incluído e do que será excluído, do que será premiado e do
que será ignorado” (MIGNOLO, 2017, p.11). A Amazônia, mais especifica-
mente a cidade de Belém, foi fundada sob o domínio dessa matriz colo-
nial e, como outras cidades brasileiras, teve a sua formação delineada por
pensamentos e ações imperialistas, constituindo o seu legado cultural e
artístico a partir de normas dominantes, que fizeram prevalecer a herança
europeia. O prédio que abriga o Espaço Cultural Casa das Onze Janelas é
um dos patrimônios culturais herdados da colonização portuguesa. Foi
construído em 1768 por Domingos da Costa Bacelar, a princípio, com o
propósito de ser uma residência, mas depois foi adaptado pelo arquite-
to italiano Antonio José Landi para sediar o Hospital Real, que funcionou
até 1870. Somente em 2001 deixou a função militar que havia assumido
anteriormente e passou para a administração do governo do estado. A
Casa das Onze Janelas, desde que foi criada em 2002, firmou-se como um
museu de referência em arte contemporânea na Região Norte do país.

Nos entremeios de sua história, a Casa das Onze Janelas e, tempos
depois, a sala expositiva Ruy Meira, de natureza educativa, também vol-
tada para medidas de conservação preventiva para as obras de arte em
papel, vêm a ser palco de disputas políticas e econômicas. O processo
colonizador, o jogo imperialista de interesses e poder, em pleno século
XXI, continua a rondar as manifestações culturais e artísticas. Em um novo
contexto, persiste na tentativa de exercer o seu controle após séculos do
enganoso artifício civilizatório de domínio colonial.
Casa das Onze Janelas: pequeno histórico e as ameaças
A Casa das Onze Janelas integra o Núcleo Cultural Feliz Lusitânia (Fig. 1)
que está associado ao projeto de restauração do núcleo urbano que deu
origem à cidade de Belém. O projeto assume os vestígios colonialistas
em sua própria denominação, visto que o Núcleo Feliz Lusitânia refere-se
à área do entorno do Forte do Presépio, onde foi construído o primeiro
agrupamento de casas de Belém. A primeira etapa do projeto foi concluí-
da quatro anos antes da criação da Casa das Onze Janelas, em 1998, com
a inauguração do Museu de Arte Sacra do Pará (MAS) e implantação do
Sistema Integrado de Museus e Memoriais (SIM).

Figura 1. Casa das Onze Janelas, no espaço do Núcleo Cultural Feliz Lusitânia.
Foto: acervo Casa das Onze Janelas.
Dois anos antes da inauguração da Casa das Onze Janelas (2002), na

perspectiva instalar o museu de arte arte contemporânea em um prédio
do século XVIII, uma equipe interdisciplinar elaborou o projeto de adapta-
ção do prédio para sediar o espaço museológico, enquanto outra equipe
curatorial projetava a exposição que abriria o espaço. A intenção era propor
uma convivência harmônica entre tempos distintos, pois o acervo moder-
no/contemporâneo e o prédio tinham histórias diferentes. O cerne do pen-
samento curatorial pautava-se no respeito às especificidades da edificação
e, ao mesmo tempo, pretendia promover um diálogo tanto com o espaço
arquitetônico quanto com o seu entorno. A grande exposição que inaugura
a Casa já apresentava uma concepção que iria se firmar no decorrer dos
anos: o projeto de ir além das salas expositivas, incluindo o jardim, a relação
com a paisagem urbana e ribeirinha do entorno. Outra proposta relevante
foi realizar uma exposição sem hierarquia, na qual os artistas locais e os mais

reconhecidos no campo da arte contemporânea brasileira coabitariam um
mesmo espaço e seriam articulados em função de suas propostas e não por
valores distintivos de mercado ou de outra natureza.
O cuidado com a criação do museu ficou também referendado pelas
consultorias, que contribuíram com ideias para a sua concepção. Uma das
mais significativas foi de Ana Mae Barbosa, que visitou a equipe curatorial
quando o projeto ainda estava sendo elaborado, assim como Franciza To-
ledo1, que orientou a equipe de conservadores acerca das medidas para
minimizar os efeitos maléficos do clima quente e úmido de Belém e da
intermitência do sistema de ar condicionado sobre as obras de arte ex-
postas nas salas expositivas do museu.
Os procedimentos gerenciais, preventivos, curatoriais e educativos
foram fundamentais para gerar uma credibilidade em relação ao museu.
A partir de 2002, a Casa das Onze Janelas passou a receber propostas de
curadores e de artistas locais e nacionais que pretediam expor no museu.
O espaço foi ganhando grande repercussão e cumprindo o seu papel mu-
seológico e de difusão tanto do acervo quanto do museu, estabelecendo
também uma troca entre artistas locais e de outros estados.
Tempos depois, outra preocupação da equipe do SIM acerca da re-
estruturação da mostra inaugural da Casa, na Sala Ruy Meira, foi a criação
do Gabinete de Papéis, em 2006. Esta sala situa-se no andar térreo da Casa
e foi concebida como um espaço que prepara o visitante para as salas de
exposições no andar superior, onde continuam sendo realizadas mostras
experimentais.
O Gabinete de Papéis foi implantado com a função de conservação
das obras expostas. Este equipamento expográfico era composto por um
mobiliário que possibilitava a proteção e as condições estáveis às obras de
arte, constituído de uma série de gavetas e trainéis, que, por sua vez, abri-
gavam painéis expositores para guarda de obras de arte, que poderiam

ser retiradas e/ou substituídas periodicamente. A realização do projeto do
Gabinete de Papéis, iniciado em 2005, contou com o apoio financeiro da
Fundação Vitae e a consultoria de Franciza Toledo, que orientou a criação
de molduras-caixas, como método de controle microclimático passivo. A
equipe do SIM, ao executar as referidas molduras-caixas, tomou as pre-
cauções e os cuidados devidos quanto à secagem, esterilização e com-
pleta vedação do microclima criado nas caixas. Para feitura dos móveis
do Gabinete (Fig. 2), foi escolhido o aço como sustentação do mobiliário
e nos painéis expositores foram utilizadas chapas de alumínio (verso) e
vidro antirreflexo (frente), justificando-se a seleção desses materiais para
evitar a biodeterioração (TOLEDO et al., 2006).
Figura 2. Trainéis expositores e a moldura-caixa, ao lado, painel com imagens dos

processos de execução. Foto: Armando Queiroz, acervo Casa das Onze Janelas.
Com a criação do Gabinete de Papéis e com todos esses cuidados pre-

ventidos e de conservação, a Casa das Onze Janelas foi adquirindo cada vez

mais credibilidade, servindo de referência não apenas para o Norte do país,
mas também para outros estados. Todavia, depois de conquistar o devido
respeito da população e da comunidade artística nacional, após 14 anos de
existência, em 2016 foi decretada a extinção do museu. O motivo da sua
extinção deve-se à criação de um Polo Gastronômico, que ocuparia todo o
prédio do museu para implantação do projeto. Quem, de fato, estava à fren-
te da criação do Polo nunca foi revelado com clareza, nem mesmo quando
o governo do estado, pretendendo acalmar as vozes que se posicionaram
contra o projeto, chamou alguns representantes do meio artístico, com o
propósito de esclarecer a situação, que jamais foi esclarecida.
Soube-se, no entanto, através de informações, inclusive veiculadas
em jornais, que a proposta provinha de grupos nacionais e internacionais
com grandes interesses econômicos e turísticos na região. Dos escusos ca-
minhos colonialistas contemporâneos, que seguem os fluxos globais e vão
se impondo com o aval de governos locais. Em decorrência deste processo
da Casa das Onze Janelas, uma das ações governo foi publicação do Decre-
to 1.568, de 17 de junho de 2016, determinando que o museu e seu acervo
permanecem sob a gestão da Secretaria de Cultura no local atual até o iní-
cio das obras do Polo Gastronômico “quando então serão transferidos para
novo espaço a ser definido pela Secult”. A gastronomia em compatibilidade
com um consumismo em moda, pretende ocupar, não outro lugar disponí-
vel, mas o lugar de um museu que criou uma história e se fez presente no
circuito da arte brasileira, e que logo se viu condenado à extinção.
Sala Ruy Meira: Gabinete de Papéis e a

exposição educativa, novas ameaças
O Decreto n. 1.568/2016, que dispõe sobre o acervo da Casa das Onze

Janelas não chegou a ser colocado em prática, sendo revogado pelo

Decreto n. 1.987/2018, que determina a continuidade do museu no lugar
onde sempre funcionou e a transferência do Polo Gastronômico para o
Parque do Utinga. Vale citar, que o partido político do representante do
governo que propôs a sua extinção, paradoxalmente, foi o mesmo que
criou a Casa das Onze Janelas e o Sistema de Museus. Em 2019, quando o
governante de outro partido foi eleito, surgiram novas ameaças. Os me-
andros do poder, agora dentro de outro projeto, repetem a forma obs-
cura de atuar, de fornecer informações e comunicar decisões. Desta vez,
as ameaças estão voltadas para o Gabinete de Papéis e a sala educativa
Ruy Meira, idealizada para trabalhar apenas com o acervo, privilegiando
o processo educativo e a conservação preventiva das obras expostas em
papel. O intento dos novos governantes é desmontar todo esquema con-
ceitual da sala, para dar lugar a um memorial da alimentação.
Assim, os fantasmas concernentes à cultura gastronômica retornam
e o museu permanece em estado de vulnerabilidade. Toda intenção de
desmonte encontra-se novamente envolta em camadas de comunicados
intrincados e imprecisos. Se a modernidade tem sua face obscura, o mun-
do contemporâneo segue a mesma trilha. Reconhece-se que a gastrono-
mia é importante e pode representar uma das forças turísticas e culturais
de uma cidade. É bom lembrar que o mundo contemporâneo testemunha
uma série de mudanças, seja da ordem econômica, seja da ordem tecno-
nológica. Paula Sibilia (2015, p.29), pesquisadora das tecnologias digitais,
comenta que “[...] foi se delineando, nos últimos anos, o surgimento de
um novo regime de poder e saber, ligado ao capitalismo pós-industrial,
que alguns denominam ‘imaterial’”. Neste novo regime, surgiu o proces-
so de “gourmetização” dos alimentos – desde produtos comestíveis mais
simples com roupagem sofisticada até produtos mais refinados.
Gilles Lipovetsky e Jean Serroy (2015) consideram que a lógica es-
tética conquistou as áreas do beber e do comer, o item culinária ocupa

um grande espaço nos meios de comunicação, impressos e digitais. Para
os autores, “cada vez mais, o beber e o comer são pensados, exibidos, são
postos em cena nas mídias: tornaram-se objetos midiáticos ao mesmo
tempo que objetos de interesse sanitário, cultural e de curiosidade es-
tética” (LIPOVETSKY; SERROY, 2015, p. 345). Por isso, confirmam que “na
era hipermoderna a cozinha desfruta de um reconhecimento cultural sem
precedentes” (Ibid., p. 347). Desta feita, não se pode aceitar, mas entender
porque um museu legitimado pelo sistema de arte no Brasil, num período
de três anos sofre duas ameaças em função de interesses gastronômicos.
Para entender o absurdo da segunda ameaça, em 2019, seria importante
conhecer o breve histórico da Sala Ruy Meira, observar como foi conce-
bida a opção para ser um lugar privilegiado da educação e conservação
preventiva de obras de arte em papel no museu.
A Casa das Onze Janelas foi inaugurada com a exposição de longa
duração “Traços e Transições”. Quatro anos depois, a Sala Ruy Meira, que
fazia parte da exposição inaugural, foi repensada em 2006, para tornar-
-se um lugar articulado com as exposições temporárias de natureza mais
contemporâneas: as das salas expositivas do segundo andar da Casa. O
objetivo de manter o olhar voltado para o aspecto panorâmico da traje-
tória da arte contemporânea permanecia, todavia, o princípio norteador
da mostra iria mudar. O nome escolhido para a exposição inaugural dessa
segunda fase foi: “Traços e Transições Revisitada”. A ideia era manter uma
exposição de longa duração, com possibilidade de renovações periódi-
cas. O diferencial é que havia a pretensão de privilegiar as obras em pa-
péis, criar um Gabinete de Papéis e, para a sua criação, foram realizadas
visitas a museus de outras cidades brasileiras que já haviam lançado mão
desse procedimento. A intenção era manter o uso constante do acervo,
tendo três eixos conceituais para serem colocados em prática de forma
articulada, visando o processo educativo de pensar e fazer arte.

O primeiro eixo relacionava-se à história da arte brasileira, contada
através de obras do acervo, por isso tecida e prevendo lacunas, todavia,
com a possibilidade de inúmeros recortes e abordagens que facilitassem
o entendimento do público sobre o que estava sendo narrado. O proces-
so educativo tinha um campo vasto para atuação, a partir de várias en-
tradas pela história da arte. Essa exposição, que inaugura a segunda fase,
segue o princípio dos núcleos já existentes na primeira mostra: Transições
(modernistas), Heranças Construtivas e Traços Contemporâneos I. Como
dito, privilegia-se obras em papéis, ao mesmo tempo em que se integra,
através da história da arte, os processos de conservação e educação. Tra-
ta-se de uma mostra didática em que a arte/educação é o foco principal,
mantendo-se o objetivo de difundir um conhecimento que diz respeito
ao processo educativo e à preservação da obra de arte, o que, na pers-
pectiva da Museologia, compreende-se como as ações de preservação
ligadas aos processos de salvaguarda do bem, que envolve a pesquisa, a
documentação, a guarda em reserva técnica, a conservação e o restauro.
Assim como nos processos de comunicação museológica, temos as ações
socioeducativas e as exposições.
O segundo eixo centrava-se ao campo da Preservação, e formava o
Gabinete de Papéis (Fig. 2) em si, localizado no centro da exposição. O
acervo em papel ficava acondicionado em trainéis e mapotecas que po-
diam ser manuseados pelo público (Fig. 3). O objetivo era mostrar tam-
bém, de forma didática, obras não expostas nas salas e desvelar como
funciona uma reserva técnica. Os processos educativo e de preservação
se entrelaçavam, destacando-se a conservação preventiva, compreendi-
da como procedimentos “relacionados à adequação das condições am-
bientais, físico-quimicas, sob as quais uma coleção se encontra” (FRONER;
SOUZA, 2008, p.9).

Figura 3. Gabinete de Papéis localizado na exposição.
Foto: Acervo Casa das Onze Janelas.
O terceiro eixo – o Educativo –, tinha não somente a responsabilida-

de de pensar a mediação, os procedimentos educacionais e o conteúdo
a ser trabalhado, como também funcionava como uma espécie de timo-
neiro que conduzia os entrelaçamentos dos três eixos. Por todas essas
atribuições e importância, ocupava um espaço físico integrado à própria
exposição, que se situava em uma das salas expositivas (Fig. 4) quase no
final da mostra, onde havia uma mesa, bancos e uma mini biblioteca para
o visitante consultar à vontade. Em frente havia um painel com a linha
do tempo, associando, por décadas, os principais movimentos históricos
e artísticos locais, nacionais e internacionais. Próximo à linha do tempo,
havia um computador com dados sobre a exposição, sendo possível

consultar como a mostra foi concebida, obter informações sobre as obras
de arte e sobre a biografia dos artistas. Continha ainda dados sobre o
acervo de todos os museus e memoriais gerenciados pelo Sistema Inte-
grado de Museus (SIM), para que o público conhecesse não só a Casa, mas
outros museus do SIM. Esses equipamentos educativos ainda dispunham
de outra mapoteca, diferente da existente no Gabinete, com pranchas de
imagens reproduzindo obras pertencentes ou não ao museu, que podiam
ser consultadas livremente ou conforme o trabalho educativo proposto.
Com essa ênfase ao setor educativo, havia a intenção de suprir as lacunas
do acervo, possibilitando ao espectador montar visualmente aspectos
históricos contínuos ou recortes específicos da história da arte.
Figura 4. O espaço educativo integrado à exposição Traços e Transições Revisitada.

Foto: Acervo Casa das Onze Janelas.

Os princípios educativos que possibilitaram a criação dessa sala no
térreo da Casa das Onze Janelas, previam um trabalho educativo intenso
e funcionavam como um anteparo para entender as diferentes lingua-
gens contemporâneas da arte que iriam ocupar as salas expositivas do
segundo andar, voltadas para outra dinâmica discursiva. A estratégia era
fazer a transição para o que seria exposto no andar superior e entender as
propostas vigentes da arte contemporânea.
Fazendo uma relação entre a arte moderna e o que está por vir, no
mundo atual, Arthur Danto (2006, p.149) comenta que: “a arte não estaria
se movendo lentamente, mas o próprio conceito de história em que ela se
movia, lenta ou rapidamente, tinha ele próprio desaparecido do mundo
da arte, e nós, agora, estaríamos vivendo o que tenho chamado de tem-
pos ‘pós-históricos’.” E, nestes novos tempos, para este autor:
No nível da prática artística, contudo, não havia mais o imperativo

histórico de entender os trilhos até o desconhecido estético. Na fase
pós-histórica, existem incontáveis direções a serem tomadas para a
prática da arte, nenhuma delas mais privilegiada, pelo menos histo-
ricamente, do que as demais (DANTO, 2006, p.150).
Os tempos pós-históricos seriam, portanto, mais complexos e sem

hierarquias, pois uma categoria de arte não se sobrepõe à outra. Não se
pode deixar de pensar também que muitas vezes as obras se tornam hí-
bridas. Tudo isso dificulta a compreensão da arte contemporânea, exigin-
do um entendimento mais elaborado por parte do público, já que não há
regras claras pelas quais se pautar. Por essa razão, está mais do que justi-
ficada a manutenção da Sala Ruy Meira, como um espaço privilegiado do
processo educativo e de conservação preventiva. Tem-se ciência de que
alguns problemas ocorreram, como a falta de renovação das obras no es-
paço expositivo. Apesar da mostra Traços e Transições Revisitada ter sido

concebida com perspectiva de alterações periódicas, a exposição mante-
ve-se quase intacta durante todos esses anos, o que significa um engessa-
mento no levantamento de questões que poderiam ter sido atualizadas.
Outro descuido ,no que concerne aos procedimentos educativos, foi a re-
tirada do computador da sala e assim não se teve mais acesso aos dados
museológicos tanto referentes ao acervo exposto quanto aos pertinentes
à Casa e aos outros museus do Sistema. Quanto à preservação, mantive-
ram-se os aparelhos desumidificadores, o controle do ar condicionado e
a observação por parte da equipe de conservação2 das molduras-caixas,
para observar o surgimento de mofo e outros agentes.
Os problemas aqui apresentados, no entanto, não seriam motivo
para se criar estratégias de desmonte de conceitos curatoriais sedimen-
tados no campo da história da arte, da preservação e da educação, para
pôr em prática estratégias políticas e econômicas, com o intuito de ins-
talar, no lugar do Gabinete de Papéis, um memorial da alimentação. Em
2019, sob essa mesma nova gestão3 que propôs implantar o memorial
da alimentação, foi iniciado um novo projeto curatorial para os espaços
expositivos do museu, incluindo-se a Sala Ruy Meira. O memorial só não
foi implantado porque foi divulgado, por meio digital, a denúncia de “des-
monte” do Gabinete de Papéis. A Secretaria de Cultura e o SIM receberam
severas críticas advindas de um grupo de grande resistência da sociedade
civil, representado pelo Movimento Casa das Onze Janelas4, que logo se
posicionou sobre esta situação.
Neste sentido de bucar um diálogo entre os representantes do sis-
tema da arte e a gestão cultural do museu, houve uma audiência pública
convocada pela Secretaria de Cultura do Estado, a partir da demanda do
Movimento Casa das Onze Janelas, realizada no dia 3 de junho de 20195,
com a presença do titular da SECULT e do Diretor do SIM e sua equipe.
Naquela ocasião, foi explicado ao público os princípios curatoriais, de

preservação e educativo adotados para a criação da nova exposição e o
seu respectivo equipamento expográfico. Em 9 de outubro de 20196, após
as reformas no museu, este espaço foi reaberto ao público e a mostra “Per-
cursos na Arte Brasileira”, na sala Ruy Meira, com curadoria da atual equipe
do SIM. No final do circuito expostivo, em um canto da sala, foi alocado o
mobiliário do Gabinete de Papéis, pintado em outra cor, com as mesmas
obras da versão incial, mas sem as informações sobre seus processos de
execução e sua finalidade preservacionaista para acervo em papéis. O es-
paço educativo, também foi totalmente desmontado.
Considerações sobre um pensamento imperialista
A Casa das Onze Janelas possui em seu acervo obras de artistas como Adria-
na Varejão, Alex Flemming, Amilcar de Castro, Armando Queiroz, entre ou-
tros. A possibilidade de trabalhar com obras desses artistas e de tantos ou-
tros pertencentes a diferentes coleções do museu, já demonstra a força do
acervo e o potencial educativo, que pode tramar ações, reflexões e formular
propostas, visando à difusão do conhecimento e estimular a sensibilidade
e percepção do mundo por via da arte. A Sala Ruy Meira, com o seu Gabi-
nete de Papéis, nesta última versão ainda doinibiliza ao público gravuras e
desenhos de artistas renomados, como Tarsila do Amaral, Volpi e Manoel
Pastana, com suas pranchas preenchidas de arte decorativa, que apontam
para o que conheceríamos, tempos depois, como design.
Questiona-se novamente: Como a lógica de dominação criada e mi-
nada por uma Matriz Colonial de poder pode ameaçar duas vezes, em tão
pouco tempo, um museu de arte contemporânea, representativo para a
Região Norte? Por que decretar o fim de uma potência educativa e de pre-
servação, que podem ser trabalhadas no campo da arte e da cultura, disse-
minando conhecimentos, ativando subjetividades e sensibilidades? Walter

Mignolo (2017, p.14) acredita que “muito precisa ser feito, mas a crescente
sociedade política global indica que as opções decoloniais aumentarão ex-
ponencialmente, e assim contribuirão para remapear o fim da estrada para
a qual a civilização ocidental e a matriz colonial de poder nos levaram.”
A opção decolonial, neste caso, é não silenciar, ativar um pensamen-
to que possa construir argumentos e denunciar situações como esta, em
que em plena Amazônia, uma potente riqueza cultural e artística se vê
em situação de risco, primeiramente devido ao projeto do Polo Gastro-
nômico proposto por grupos nacionais e internacionais, com o apoio do
Governo do Estado; depois, em outra gestão do governo, devido ao pro-
pósito de levar adiante a criação de um memorial da alimentação, teve-se
como consequência a desmontagem do Gabinete de Papéis. Nas impreci-
sas e obscuras informações, a certeza do futuro da Casa das Onze Janelas
e do destino do Gabinete de Papéis da Sala Ruy Meira se dilui, ficando
registrado apenas este relato da crença na força do processo decolonial,
que traça novas cartografias e permite ouvir o som das vozes que habitam
territórios silenciados.
Notas
1
Franciza Toledo faleceu precocemente, em 12 de outubro de 2010. Ela era arquiteta/
conservadora especialista em conservação de museus de Pernambuco; dedicou-se aos
estudos acerca das estratégias de conservação de acervos em museus em locais de clima
quente e úmido, bem como em sistemas alternativos de controle ambiental em condições
tropicais. Esteve em Belém prestando consultoria em dois momentos – um em 2001/2002,
no processo de implantação dos museus; e depois em 2005, para orientações do projeto
do Gabinete de Papéis.
2
Por orientação de Toledo foi feita a inserção de algumas “fitas medidoras, cuja leitura visu-
al em uma escala de cores (tons de azul e rosa) não é muito precisa” (TOLEDO et al., 2016).
3
Referimo-nos à Secretaria de Cultura do Estado, ao SIM e à direção do museu.

4
Movimento da Casa das Onze Janelas, criado em 2016, composto por artistas, produtores
culturais, dentre outros; e um núcleo organizador que mobilizou a participação da socie-
dade local, com ações e manifestações defendendo a permanência do museu, através da
realização de várias ocupações artísticas no Jardim, de dois abraços no museu, aulas públi-
cas e oficinas.
5
AGÊNCIA PARÁ: PORTAL DO ESTADO. Atualizada em 9 de outubro de 2019. Disponível em:
<https://agenciapara.com.br/noticia/15518/> Acesso em: 28 fev. 2020.
AGÊNCIA PARÁ: PORTAL DO ESTADO. Espaço Cultural Casa das Onze Janelas será reaber-
to com quatro exposições. Atualizada em 9 de outubro de 2019. Disponível em: <https://
agenciapara.com.br/noticia/15518/> Acesso em: 28 fev. 2020.
Referências
DANTO, Arthur C. Após o fim da arte: a arte contemporânea e os limites da

história. São Paulo: Odysseus; Edusp, 2006.
DIÁRIO OFICAL DO ESTADO. Decreto nº 1.568, de 17 de junho de 2016.

Cria o Polo Gastronômico e dá outras providências. Belém: Diário Oficial do
Estado, 20 de junho de 2016.
DIÁRIO OFICAL DO ESTADO. Decreto nº 1.987. Extingue o Polo Gastronômico.

Belém, publicado em 21 de fevereiro de 2018.
FRONER, Yacy-Ara; SOUZA, Luiz Antônio. Preservação de bens patrimoniais:

Conceitos e Critérios. Belo Horizonte: Lacicor/EBA/UFMG, 2008.
LIPOVETSKY, Gilles; SERROY, Jean. A estetização do mundo: viver na era do

capitalismo artista. São Paulo: Companhia das Letras, 2015.
MIGNOLO, Walter D. Colonialidade: o lado mais escuro da modernidade.

Revista Brasileira de Ciências Sociais, São Paulo, v. 32, n. 94,
2017. Disponível em: <http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_
arttext&pid=S010269092017000200507&lng=en&nrm=iso>. Acesso em: 15
abr., 2019.

SIBILIA, Paula. O homem pós-orgânico: a alquimia dos corpos e das almas à
luz das tecnologias digitais. Rio de Janeiro: Contraponto, 2015.
TOLEDO, Franciza; BRITTO, Rosangela; MAUÉS, Renata; VELOSO, Tânia. O

gabinete de Papéis do Espaço Cultural Casa das Onze Janelas e a Conservação
de Obras de Arte. In: CONGRESSO DA ASSOCIAÇÃO BRASILEIRA DE
CONSERVADORES-RESTAURADORES DE BENS CULTURAIS, 12. 2016, Fortaleza.
Anais... Fortaleza: ABRACOR, 2016. p. 1-8.

PROJETO ARQUIVO BARRIO
DESAFIOS ARQUIVÍSTICOS
Barbara Carneiro Drummond Alves / UERJ
Fernando Goffredo Rocha Braga / UERJ
Orientações Gerais
O Projeto Barrio tem como principal atividade a organização de um ar-

quivo digital a partir de documentos físicos acumulados pela professora
Sheila Cabo acerca do trabalho de Artur Barrio ao longo dos anos. São
cartas, fotografias, recortes de jornal, textos críticos e convites para expo-
sições, divididos em pastas e listados em planilhas.
Além do trabalho imediato de arquivologia, catalogação, pesquisa
por fontes, datas, localizações virtuais e geográficas, peças de quebra
cabeça faltando, o projeto também levanta e amplia discussões sobre

o poder do registro, a hierarquia e autoridade de ser porta voz, onde e
como, quais critérios utilizados na escrita de uma história. O autor é sem-
pre influenciado pelo seu próprio tempo, seu próprio registro ocular, seu
próprio referencial, que implica nas escolhas de palavras e metodologia
quando imprime um registro. Em nossa bibliografia, O Mal de arquivo, de
Jacques Derrida, aborda os aspectos psicológicos, a partir de Freud, do
arquivamento, este que também se dá na vida pessoal. Judeu, Derrida usa
do seu conhecimento a respeito da vida de Sigmund Freud para dissertar
a respeito do conceito de impressão associado ao registro.
Em vinte de abril de 1970, quando os policiais chegaram ao Parque
Municipal de Belo Horizonte para averiguar as quatorze Trouxas Ensan-
guentadas dispostas num rio, os próprios habitantes curiosos, assistindo
e interagindo junto à cena que poderia ser considerada a de um crime,
especularam que fosse aquilo obra do Esquadrão da Morte. Tratava-se,
na verdade, da segunda parte da obra Situação T/T, do artista português
Artur Barrio. Tomava lugar o evento “Do Corpo à Terra”, que reuniu ali du-
rante três dias artistas cariocas e mineiros. A primeira parte deste trabalho
consiste nas preparações das Trouxas, na noite do dia 19 ao 20 de abril.
O material utilizado foi carne, ossos, sangue, barro, espuma de borracha,
pano, cabos, facas, cinzel e sacos.
As Trouxas Ensanguentadas aparecem pela primeira vez na obra SI-
TUAÇÃO.................ORHHHHHH....................................................OU............................
...... .....5.000 .....T.E. .......EM ......N.Y. .....CITY ........ .........................................................
...........1969, que também é dividida em fases, como Situação T/T. A primei-
ra fase, chamada fase interna, consistiu na exposição das Trouxas no Salão
da Bússola, no Museu de Arte do Rio. Em seu blog/ portfólio, Barrio docu-
menta a interação do público com sua obra ao longo do mês de duração
da exposição: “em que os visitantes participaram ativamente neste traba-
lho, ora jogando mais detritos sobre as T.E. (Trouxas ensanguentadas) e o

lixo, ora dinheiro, ora escrevendo sobre o tecido das T.E. palavrões. Após,
meti um pedaço de carne nas T.E.” (BARRIO, 2008, http://arturbarrio-traba-
lhos.blogspot.com/2008/10/2.html).
A fase externa consistiu no transporte da obra, a qual o artista, em
seu blog, se refere como lixo, para a base de concreto que seria reservada
a uma obra consagrada adquirida pelo MAM, de novo, segundo Barrio em
seu texto documento. As Trouxas foram deixadas pelo artista no local às
18h que, na manhã seguinte, ao retornar, foi informado que, porque as
Trouxas chamaram a atenção de uma rádio-patrulha que fazia a ronda pe-
riódica durante a noite, houve transtornos entre os seguranças do museu
a respeito do que fazer em relação à obra. A burocracia do MAM impediu
qualquer ação imediata até o momento em que o trabalho foi recolhido e
levado ao depósito de lixo, às 13h.
O significado atribuído ao gesto de profanar é o de restituir o uso do
sagrado aos homens. A obra de duas partes de Barrio, que conta com o
“lixo”, uma obra de arte feita de material pouco nobre, insalubre, dentro
do salão de exposições e, em seguida, a sua retirada do pedestal de uma
escultura para o depósito de lixo, levanta a provocação do artista quanto
à profanação da obra de arte e sua aura. Além disso, há uma subversão do
caráter mercadológico da Obra de Arte, visto que as Trouxas Ensanguen-
tadas são tratadas como lixo; tanto como material quanto como trabalho
são descartáveis. A obra, se recusando a ser bem de consumo, não contri-
bui com o sistema de arte.
Contemporâneo ao momento de produção das Trouxas Ensanguen-
tadas, Barrio escreve:
Manifesto:
contra as categorias de arte
contra os salões

contra as premiações
contra os júris
contra a crítica de arte
Fevereiro de 1970 – Rio de Janeiro (FERREIRA e COTRIM, 2006, p.262)
O artista acredita que os materiais utilizados em seus trabalhos e

sua proposta de criar situações momentâneas antes de objetos, registros
que, se não feitos por filme ou fotografia, que fossem pela retina ou pelos
sentidos, são suficientes para provocar a contestação do sistema de arte.
Acredita, assim, estar subvertendo a lógica de uma estética elitista que
opera de cima para baixo lançando o confronto de sua matéria prima pe-
recível de baixo para cima.
O exemplo de registro que se torna trabalho se deu no formato dos
CadernosLivros, os quais Barrio enfatiza não serem livros de artista. Em
visita autorizada ao acervo do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro,
examinei sete CadernosLivros originais, um dos quais, referente ao traba-
lho performático 4 dias e 4 noites estava lacrado pelo próprio artista. Os
exemplares têm datas que variam entre os anos da década de 1970. Al-
guns contêm estudos, ensaios, roteiros, esboços para trabalhos que mais
tarde foram executados em galerias ou na rua. Há escritas e esquemati-
zações que podem ser consideradas teorias do artista sobre seu próprio
trabalho. Em alguns CadernosLivros, há páginas preenchidas com tintas,
recortes colados, anedotas, anotações que não parecem se referir dire-
tamente a nenhum trabalho. Minha curiosidade aparece em relação ao
ato do registro e de que forma estes cadernos intitulados CadernosLivros
se tornam objetos de arte, quão coerente é a institucionalização de seus
cadernos com o discurso político do artista, por qual razão pertencem ao
acervo de um museu, por que não são livros de artista?

Mesmo depois de um histórico de múltiplas profanações, a obra de
Artur Barrio perpassa por mais um sacrifício, parte de um ritual, também
chamado de jogo por Giorgio Agamben. Enquanto Barrio provoca o mer-
cado e o sistema de arte, discute a aura e a morte da mesma com sua
obra de arte feita de “lixo”, que profana a própria profanação da morte, o
mercado de arte, fruto do Capitalismo _ considerado religião por Walter
Benjamin, citado por Agamben _ é capaz de se apropriar daquilo que não
tem uso e consagrá-lo. Mesmo consagrado, retirado do uso dos homens,
o Capitalismo torna possível o consumo do sagrado, como é o caso de
Artur Barrio e sua obra. Hoje, seus CadernosLivros, registros de suas práti-
cas e desenvolvimentos, são artigos de acervo de museu, obedecendo à
Instituição e ao Mercado.
O objetivo da pesquisa é a estruturação mínima de uma metodo-
logia por meio da qual abordaremos a complexa relação entre, de um
lado, os objetos perecíveis e situações mínimas produzidos pelo artista
luso-brasileiro Artur Barrio, e de outro, o registro do circunstancial, do efê-
mero e do perecível. Regist(r)os, a propósito, é o nome da exposição re-
trospectiva sobre a obra do artista na Fundação Serralves, Porto-Portugal,
realizada entre 14 de outubro a 24 de dezembro de 2000.
Partindo dos conceitos de presença da obra e o contraste deste fenô-
meno com a recordação, tanto assim os de reunião (institucional) e ausên-
cia, enunciados por André Malraux em seu museu imaginário, recorreremos
ao desvendamento dos mecanismos da recordação e o conceito de memó-
ria encobridora evidenciados por Freud e do mal de arquivo de Derrida, que
nos adverte acerca do poder instituidor do arquivo e que recordar se dá por
ato, pela reprodução da ação, e não pela marca gráfica (pela palavra).
Alguns dos resultados desta pesquisa em que estamos formalmente
engajados foi a produção de um texto em que, pela observância estrita
da relação dialética entre o objeto do estudo (documentos do arquivo do

pessoal do artista) e o método inspirado nas leituras acima, nos conduziu
à conclusão consoante a qual o registro da ação (das situações), em Barrio,
não se conformaria aos parâmetros estritos do registro de performance,
mas que seria de outra natureza. Os documentos seriam o registro, mas
teriam autonomia e se constituiriam em outra obra, sem, por óbvio, ex-
cluir aquela que lhe servira de substrato.
Por se esquivar do registro fiel de uma Situação (esta irrepetível), o
registro seria lembrança encobridora que não nega os eventos, mas que
não pode ser admitida como memória pura.
Referências
AGAMBEN, Giorgio. Profanações. São Paulo: Boitempo, 2012
BARRIO, Artur. Manifesto, 1969. In: FERREIRA, Glória e COTRIM, Cecilia (Orgs.),
Escritos de Artista: Anos 60/70. Rio de Janeiro: Zahar, 2006, pp.262-263.
DERRIDA, Jacques. Mal d’Archive. Edition Galilée, 1995. Mal de Arquivo,

uma impressão freudiana. Rio de Janeiro: Relume Dumará, 2001.
FREUD, Sigmund. (1899). Lembranças Encobridoras. In: ______. Edição

Standard Brasileira das Obras Completas de Sigmund Freud. Rio de
Janeiro: Imago, vol. III, 1976, pp. 333-354.
MALRAUX, André. Le Musée Imaginaire. [Paris]: Gallimard, imp. 2008.

Publicação original :1947.
ARTUR BARRIO E CRISTINA MOTTA. Artur Barrio, 2008. Disponível em: <http://
arturbarrio-trabalhos.blogspot.com/>. Acesso em 10 de julho de 2020.

Barbara Carneiro Drummond Alves
UERJ, Rio de Janeiro/RJ. Email: [email protected]
Fernando Goffredo Rocha Braga.
Bacharel em Direito pela Universidade Federal Fluminense em 2007, Gra-

duando em História da Arte pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro,
bolsista (modalidade Iniciação Científica - Voluntário) do Projeto Políticas
da memória: estudos sobre o colonialismo e pós-colonialismo na América
Latina (Brasil, Argentina e Chile), orientadora Drª SHEILA CABO GERALDO.

REALIZAÇÃO
ASSOCIAÇÃO NACIONAL DE PESQUISADORES EM ARTES PLÁSTICAS
ANPAP / Biênio 2019–2020

Presidente: Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues – PPGACV/FAV/UFG
Vice-Presidente: Cleomar de Sousa Rocha – PPGACV/FAV/UFG
1ª Secretária: Vera Lucia Didonet Thomaz – CPA/ANPAP
2ª Secretária: Lêda Maria de Barros Guimarães – PPGACV/FAV/UFG
1º Tesoureiro: Hermes Renato Hildebrand – PPGAV/IAR/UNICAMP
2ª Tesoureira: Lara Lima Satler – PPGIPC/FCS/UFG
UNIVERSIDADE FEDERAL DE GOIÁS
REITOR
Prof. Dr. Edward Madureira Brasil
VICE-REITORA
Profa. Dra. Sandramara Matias Chaves
PRÓ-REITOR DE PESQUISA E INOVAÇÃO
Prof. Dr. Jesiel Freitas Carvalho
PRÓ-REITORA DE EXTENSÃO E CULTURA
Profa. Dra. Lucilene Maria de Sousa
PRÓ-REITOR DE ADMINISTRAÇÃO E FINANÇAS
Prof. Dr. Robson Maia Geraldine
PRÓ-REITOR DE PÓS-GRADUAÇÃO
Prof. Dr. Laerte Guimarães Ferreira Júnior

PRÓ-REITORA DE GRADUAÇÃO
Profa. Dra. Jaqueline Araujo Civardi
DIREÇÃO DA FACULDADE DE ARTES VISUAIS
Prof. Dr. Bráulio Vinicius Ferreira / Profa. Dra. Eliane Maria Chaud
COORDENAÇÃO DO PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM ARTE
E CULTURA VISUAL
Profa. Dra. Leda Maria de Barros Guimarães / Prof. Dr. Samuel José
Gilbert de Jesus
COORDENAÇÃO DO PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO INTER-
DISCIPLINAR EM PERFORMANCES CULTURAIS
Prof. Dr. Sebastião Rios Corrêa Júnior / Profa. Dra. Renata de Lima Silva
COORDENAÇÃO DO MEDIA LAB
Prof. Dr. Cleomar de Sousa Rocha
APOIO
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico -

CNPq, chamada CNPq/MCTIC nº 04/2020 - Linha 2: Eventos Nacio-
nais ou Internacionais
ORGANIZAÇÃO
Coordenação Geral
Profa. Dra. Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues. FAV/UFG
Prof. Dr. Cleomar de Sousa Rocha. FAV/UFG

Secretaria
Profa. Dra. Vera Lucia Didonet Thomaz. CPA/ANPAP
Profa. Dra. Lêda Maria de Barros Guimarães. FAV/UFG
Tesouraria
Prof. Dr. Hermes Renato Hildebrand. IAR/UNICAMP
Profa. Dra. Lara Lima Satler. FIC/UFG
Assessoria
Anna Beatryz R. Cardoso. MEDIA LAB/UFG
Julia Mariano. MEDIA LAB/UFG
Reuben Lago. MEDIA LAB/UFG
Design
Eloá Augusta Ribeiro.
Daniel Barros Moreira.
Sistema de Informação
Prof. Dr. Daniel Paz de Araújo. CEATEC/PUC-Campinas
Coordenação da Monitoria
Cleomar de Sousa Rocha
Hermes Renato Hildebrand
Leda Maria de Barros Guimarães
Monitores
Amauri Batista de Souza
Anna Carolina Mendes Ramos
Aurisberg Leite Matutino

Brenda Christine Figueira Pettirini
Carolina Brandão Piva
Daniela corrêa da silva pinheiro
Débora Marques Moraes
Frederico Carvalho Felipe
Helder Amorim Silva Borges de Deus
Monike Cardoso de Sousa
Paula Barbosa da Silva
Rosane Andrade de Carvalho
Wagner Falcão Carlos
Wallace Rodrigues dos Santos
Yasmin Marques de Freitas
CONSELHO EDITORIAL
Comitê de Curadoria
Ana Maria Albani de Carvalho. PPGAV/IA/UFRGS
Francisco Eduardo Coser Dalcol. PPGAV/IA/UFRGS
Franciele Filipini dos Santos. PPGARTE/IdA/UnB. (Suplente)
Comitê de Educação em Artes Visuais
Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva. PPGAV/CEAD/UDESC
Robson Xavier da Costa. PPGAV/CCHLA/UFPB
Ana Luiza Ruschel Nunes. PPGE/SCHLA/UEPG. (Suplente)

Comitê de História, Teoria, Crítica de Arte
Regilene Aparecida Sarzi Ribeiro. PPGMiT/FAAC/UNESP.
Carlos Henrique Romeu Cabral. PPGAV/CAC/UFPE.
Tatiana da Costa Martins. PPGAV/EBA/UFRJ. (Suplente).
Comitê de Poéticas Artísticas

Luisa Angélica Paraguai Donati. PPGINTERDISCIPLINAR/CLC/PUC
Campinas
Maria Luiza Pinheiro Guimarães Fragoso. PPGAV/EBA/UFRJ
Claudia Vicari Zanatta. PPGAV/IA/UFRGS. (Suplente)
Comitê de Patrimônio, Conservação e Restauro

Maria Herminia Olivera Hernández. PPGAV/EBA/UFBA
Luiza Fabiana Luiza Neitzke de Carvalho. ICH/UFPEL
Rosangela Marques de Britto. PPGARTES/ICA/UFPA. (Suplente).
COMISSÃO CIENTÍFICA
Adriana Rodrigues Suarez [UEPG]
Agda Regina de Carvalho [Instituto Mauá de Tecnologia]
Alexandra Cristina Moreira Caetano [NDNP]
Alice Jean Monsell [UFPEL]
Ana Cavalcanti [UFRJ]
Ana Fabíola Pedrosa de Vasconcelos [USP]
Ana Luiza Ruschel Nunes [UEPG]
Ana Maria Albani de Carvalho [UFRGS]
Andréa Brächer [UFRGS]

Andréia Machado Oliveira [UFSM]
Angélica D’Avila Tasquetto [UFSC]
Ariane Daniela Cole [Universidade Presbiteriana Mackenzie]
Beatriz Rauscher [UFU]
Carlos Alberto Barbosa [USP]
Carlos Augusto Moreira da Nóbrega [UFRJ]
Carlos Henrique Romeu Cabral [UFPE]
Caroline Alciones de Oliveira Leite [UFF]
Cesar Augusto Baio Santos [UNICAMP]
Cíntia Mariza do Amaral Moreira [UFRJ]
Clarissa Ribeiro Pereira De Almeida [UNIFOR]
Claudia Zanatta [UFRGS]
Cleomar de Sousa Rocha [UFG]
Consuelo Alcioni Borba Duarte Schlichta [UFPR]
Daniela Kern [UFRGS]
Daniely Meireles do Rosário [UFPA]
Dilson Rodrigues Midlej [UFBA]
Donizeti Pessi [UEPG]
Edgar Franco [UFG]
Eduarda Azevedo Gonçalves [UFPEL]
Erinaldo Alves do Nascimento [UFPB]
Fabiana Vidal [UFPE]
Fabio Nunes [UNESP]
Fabiola Cristina Alves [UFPB]
Felipe Bernardes Caldas [UFRGS]

Fernando Oliva [MASP]
Flavya Mutran Pereira [UFRGS]
Francisco Angelo Meyer Ferreira [IFPE]
Francisco Eduardo Coser Dalcol [UFRGS]
Gerda Margit Schütz Foerste [UFES]
Gil Costa [UNIFESSPA]
Guilhermina Pereira da Silva [Universidade do Porto]
Gustavo Henrique Torrezan [SESC]
Helena Kanaan [UFRGS]
Helio Custodio Fervenza [UFRGS]
Henrique Lima Assis [CEPCA/SEDUC-GO]
Hermes Renato Hildebrand [UNICAMP]
Hugo Fernando Salinas Fortes Júnior [USP]
Idanise Sant'ana Azevedo Hamoy [UFPA]
Isis de Melo Molinari Antunes [UFPA]
Janice Martins Sitya Appel [UFRGS]
Janilson Lopes de Lima [IFPB]
José Eliézer Mikosz [UNESPAR]
Julia Rocha Pinto [UFES]
Karine Gomes Perez Vieira [UFSM]
Katiucya Perigo [UNESPAR]
Laurita Ricardo De Salles [UFRN]
Lêda Maria de Barros Guimarães [UFG]
Luciana Borre Nunes [UFPB]
Luciano Vinhosa Simão [UFF]

Luisa Angelica Paraguai Donati [PUC Campinas]
Luiz Alberto Ribeiro Freire [UFBA]
Luiz Sergio da Cruz de Oliveira [UFF]
Luiza Fabiana Neitzke de Carvalho [UFPEL]
Lurdi Blauth [Universidade Feevale]
Madalena De Fatima Pequeno Zaccara [UFPE]
Manoela dos Anjos Afonso Rodrigues [UFG]
Marcos Martins [UFES]
Maria Beatriz de Medeiros [UnB]
Maria Betânia Silva [UFPE]
Maria Cristina da Rosa Fonseca da Silva [UDESC]
Maria Cristina Mendes [UEPG]
Maria das Vitórias Negreiros do Amaral [UFPE]
Maria de Fatima da Silva Costa Garcia de Mattos [Centro Universitá-
rio Moura Lacerda]
María del Rosario Tatiana Fernández Méndez [UNB]
Marisa de Oliveira Mokarzel [UNAMA]
Maria Herminia Hernández [UFBA]
Maria Luiza Pinheiro Guimarães Fragoso [UFRJ]
Maristela Salvatori [UFRGS]
Milton Sogabe [UNESP, Anhembi Morumbi]
Mirtes Oliveira [Anhembi Morumbi]
Moema Martins Rebouças [UFES]
Monique Marie Allain e Palomino [ANPAP]
Nara Cristina Santos [UFSM]

Natasha Marzliak [PUC Campinas]
Nathália Vieira Serrano [Fundação Oswaldo Cruz]
Nelson Silva Junior [UEPG]
Nivalda Assunção de Araújo [UNB]
Orlando Franco Maneschy [UFPA]
Pablo Alexandre Gobira De Souza-Ricardo [UEMG]
Patrícia Dias Franca-Huchet [UFMG]
Paula Almozara [PUC Campinas]
Paulo Antonio de Menezes Pereira da Silveira [UFRGS]
Paulo Roberto de Oliveira Reis [UFPR]
Rafaelle Rabello [UFPA]
Raphael do Sacramento Fonseca [CPII]
Regilene Aparecida Sarzi Ribeiro [UNESP]
Renata La Rocca [UNIMEP]
Renato Torres [UEPG]
Ricardo Roclaw Basbaum [UERJ]
Robson Xavier da Costa [UFPB]
Rodrigo Montandon Born [UFRN]
Rosa María Blanca Cedilho [UFRGS]
Rosana Pereira de Freitas [UFRJ]
Rosana Soares [UFRB]
Roseli Amado da Silva Garcia [UFRB]
Sandra Borsoi Minetto [UEPG]
Sandro Ouriques Cardoso [UFRGS]
Shannon Figueiredo de Souza Botelho [CPII]

Silvio Perini Zamboni [UNB]
Suzete Venturelli [Anhembi Morumbi]
Tatiana Martins [UFRJ]
Thiane Nunes [UFRGS]
Valter Frank de Mesquita Lopes [UFAM]
Vera Lucia Didonet Thomaz [ANPAP]
Yiftah Peled [UFES]


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Dispersões

Dispersões [livro eletrônico] / organização

1. Artes visuais I. Rodrigues, Manoela dos Anjos

ÍNDICES PARA CATÁLOGO SISTEMÁTICO:

1. Artes visuais 700

Este e-book contou com o apoio financeiro do

Manoela Afonso Rodrigues

UMA EXPOSIÇÃO DE MANUEL DE ARAÚJO PORTO-ALEGRE........................14

“INVERSA PERSPECTIVA”: SOBRE A POÉTICA ARQUITETÔNICA

FACTORS 6.0: A CURADORIA E A MEDIAÇÃO EM EXPOSIÇÕES DE ARTE,

DE VOLTA AO PASSADO: RECRIAÇÕES E REMONTAGENS

MULHERES NO ACERVO: ANÁLISE DA PRESENÇA DE ARTISTAS

A DISPERSÃO DO COMPONENTE CURRICULAR ARTE NO

OBJETOS PARA O ENSINO DE ARTE:

CONTRIBUIÇÕES DE GYORGY LUKACS E THEODOR ADORNO AO

DISPERSÕES OU PAUSAS PARA RESSIGNIFICAR NOSSAS RELAÇÕES

DISPERSAR SABERES: INVESTIGAÇÃO SOBRE O ENSINO DE DESENHO NO

O LIVRO DE ARTISTA COMO CONSTRUÇÃO IDENTITÁRIA...........................196

DISPERSÃO E CONCENTRAÇÃO NO FAZER HISTÓRIA DA ARTE:

NOMADISMO, TECNO-IMAGEM E EXPERIENCIA ESPAÇO-TEMPO NA ARTE

PANORAMA DE ARTE ATUAL BRASILEIRA-1971/SÃO PAULO: FILTRO E

DESLOCAMENTOS TRANSATLANTICOS. VICENTE DO REGO

DO CORPO PARA O MUNDO: O RISO EM RIO OIR

CINESIAS DA IMAGEM DO ATOR NO CINEMA..................................................300

SERTÃO SURREALISTA: A CONSTRUÇÃO DE UM OLHAR SURREALISTA

UMA POÉTICA DA DESAPROPRIAÇÃO DO TEMPO

REFLETINDO SOBRE ARTE, CIDADANIA, PARTICIPAÇÃO

ASPECTOS BIOLÓGICOS E TECNOLÓGICOS DAS IMAGENS

COLHERES: OBJETOS SENSORIAIS

SONHO DE QUARENTENA: PROCESSOS DE CRIAÇÃO

CORPALMA: TAROT E ORÁCULO............................................................................414

MEMÓRIAS DE UMA LAMPARINA: POÉTICAS DE LIBERTAÇÃO..................425

ESTRATÉGIAS POLÍTICAS E RISCOS: O CASO DO ESPAÇO CULTURAL

PROJETO ARQUIVO BARRIO DESAFIOS ARQUIVÍSTICOS..............................455

AN EXHIBITION BY MANUEL DE ARAÚJO PORTO-ALEGRE

Se houve um gaúcho ausente dos

Este texto1 é um relato sobre a curadoria para a exposição “O Barão no

A presença de Manuel de Araújo Porto-Alegre no Rio Grande do Sul é pra-

Uma curadoria pode ter muitos começos: um tema, um assunto, as obras

Sobre algumas obras e seu conhecimento5

Destacaremos, a seguir, aspectos pontuais sobre algumas das obras ex-

De acordo com o Livro Registro da Exposição de Arte Sacra Antiga

A imponente tela é praticamente desconhecida do público e dos es-

A pequena aguada do acervo do Museu Júlio de Castilhos, uma Pie-

pormos que é um desenho preparatório para uma composição de maior

O Croquis para um cenário11 [Imagem 4] é uma das peças mais co-

Vista do cárcere do Santo Ofício; uma escada no fundo. Antônio José

De Paranhos Antunes (1943, p. 97 segs.) informa que

Porto-Alegre largava os seus trabalhos para lhe (Gonçalves de Ma-

A referência à escada ao fundo e à pilastra de sustentação reforçam

Uma das peças que exemplifica os problemas de titulagem a que

Figura 6. Autorretrato, de Manuel de Araújo Porto-Alegre, 1823. Óleo sobre painel, 29

Do conjunto intitulado Retratos, o mais importante é o Autorretrato13

Esta exposição16 [Figura 8], independente da expectativa de seu alcance, foi

Figura 8. Exposição “O Barão no Paço”, Pinacoteca Aldo Locatelli. Paço Municipal de

“O Barão no Paço: Obras de Manuel de Araújo Porto-Alegre em coleções locais”

CARDOSO, Rafael Cardoso. “A vingança de Pinta-Monos: sátiras contra Manuel

DE PARANHOS ANTUNES, Deoclécio. O pintor do romantismo: vida e obra

SQUEFF, Letícia. O Brasil nas letras de um pintor: Manuel de Araújo Porto-

“INVERSE PERSPECTIVE”: ABOUT WELLINGTON