Livro Performances Urbanas

Urbano Palco
Diretor da série:
Herlon Alves Bezerra
Comitê Científico e Editorial:
Caroline Farias Leal Mendonça; Leandro de Proença Lopes

Universidade da Integração Internacional da Lusofonia Afro-Brasileira – Redenção/CE, Brasil
Helder Manuel Guerra Henriques

Instituto Politécnico de Portalegre, Escola Superior de Educação e Ciências Sociais – Portalegre, Portugal
Bernadete de Lourdes Ramos Beserra; Léo Barbosa Nepomuceno; Mariana Tavares Cavalcanti Liberato
Universidade Federal do Ceará – Fortaleza/CE, Brasil
Carlos Alberto Batista Santos; Juracy Marques

Universidade do Estado da Bahia – Brasil
Aline Lima da Silveira Lage

Instituto Nacional de Educação de Surdos – Rio de Janeiro/RJ, Brasil
Carlos César Leal Xavier; Pablo Dias Fortes

Escola Nacional de Saúde Pública/Fiocruz – Rio de Janeiro/RJ, Brasil
Ana Carmen de Souza Santana; Dilsilene Maria Ayres de Santana; Francisco Gilson Rebouças Porto Júnior
Universidade Federal do Tocantins – Palmas/TO, Brasil
Carlos Eduardo Panosso

Instituto Federal do Tocantins – Palmas/TO, Brasil
Edson Hely Silva

Universidade Federal de Pernambuco – Recife/PE, Brasil
Alexandre Franca Barreto, Eliana de Barros Monteiro, Marcelo Silva de Souza Ribeiro
Universidade Federal do Vale do São Francisco – Petrolina/PE, Brasil
Ana Patrícia Frederico Silveira, Ana Patrícia Vargas Borges, André Ricardo Dias Santos, Antônio Marcos da Conceição Uchôa,
Bartolomeu Lins de Barros Júnior, Clécia Simone Gonçalves Rosa Pacheco, Cristiano Dias da Silva, Edivânia Granja da Silva
Oliveira, Eduardo Barbosa Vergolino, Francisco Kelsen de Oliveira, Gabriel Kafure da Rocha, Juliano Varela de Oliveira, Márcia
Farias de Oliveira Sá, Maria Alcione Gonçalves da Costa, Matheus Henrique da Fonseca Barros, Rodolfo Rodrigo Santos Feitosa,
Sebastião Francisco de Almeida Filho, Tito Eugênio Santos Souza, Valter Cezar Andrade Júnior
Instituto Federal do Sertão Pernambucano – Petrolina/PE, Brasil
Urbano Palco
Estudos de performances urbanas
Organizadoras:
Genilda Alexandria
Vânia Dolores Estevam de Oliveira
φ
Diagramação: Marcelo A. S. Alves
Capa: Genilda Alexandria
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e exclusiva responsabilidade de seu respectivo autor.
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Série Diálogos Transdisciplinares em Educação – 24
Dados Internacionais de Catalogação na Publicação (CIP)

ALEXANDRIA, Genilda; OLIVEIRA, Vânia Dolores Estevam de (Orgs.)
Urbano Palco: estudos de performances urbanas [recurso eletrônico] / Genilda Alexandria; Vânia Dolores
Estevam de Oliveira (Orgs.) -- Porto Alegre, RS: Editora Fi, 2018.
183 p.
ISBN - 978-85-5696-467-0
Disponível em: http://www.editorafi.org
1. Cultura; 2. Performances; 3. Arte; 4. Estudos; 5. Teatro; I. Título
CDD: 306
Índices para catálogo sistemático:
1. Cultura e instituições 306
Sumário
Introdução ...................................................................................... 9
Visualidades Urbanas
1 .................................................................................................. 17
Aspectos da construção de Brasília em letras de canções
Luciano Pontes; Sebastião Rios
2 ................................................................................................. 51
Uma cartografia dos protestos: performance e sensibilidades nas imagens
das manifestações públicas na luta contra a extinção da Fundação Piratini
(rádio e televisão)
Nádia Maria Weber Santos; Newton Pinto da Silva
3.................................................................................................. 79
O inusitado pela cidade – performances culturais do Beco da Codorna
Genilda Alexandria; Vânia Dolores Estevam de Oliveira
4 ............................................................................................... 107
Paisagem é invenção do olhar em ações performativas
Sainy C. B. Veloso
Cidade e Linguagens Artísticas
5................................................................................................ 133
Performances e transgressão no Teatro Experimental do Negro
Luciene de Oliveira Dias; Jackson Douglas Leal Silva
6 ............................................................................................... 151
A Expressão do Artista de Rua Através das Imagens no X Encontro Goiano
de Malabares e Circo
Lua Barreto; Vânia Dolores Estevam de Oliveira
7 ................................................................................................ 165
Um cinema entre as performances Desenleando conceitos
Wertem Nunes Faleiro; Lisandro Nogueira
Introdução
O Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em

Performances Culturais oferece em seu núcleo de optativas, a
disciplina Performances Urbanas, que tem como escopo perscrutar os
mistérios das performances nos espaços das cidades. O difuso conceito
de performances culturais abarca uma gama quase infinita de
possibilidades temáticas, como nos ensina Richard Schechner (2006)
ao pontuar que nem tudo que acontece é performance, mas quase
todas as atividades humanas podem ser analisadas enquanto
performances culturais. Por sua vez, as cidades em suas múltiplas
formas e dimensões, comportam um cenário que envolve os
elementos urbanísticos, como ruas, praças, avenidas, mas em verdade,
é fruto de muitos outros detalhes e componentes. A urbe, como nos
diz Kevin Lynch (1960), “não é apenas um objeto perceptível (e talvez
apreciado) por milhões de pessoas das mais variadas classes sociais e
pelos mais variados tipos de personalidades, mas é o produto de
muitos construtores que constantemente modificam a estrutura por
razões particulares” (p. 12). Constitui-se assim um organismo vivo,
em constante devir, composta de corpos que a produzem, alteram e
sofrem suas interferências; composta também de instituições e
organizações formais e informais que causam nela outro tanto de
modificações. Nessa perspectiva, o espaço urbano, tanto de grandes
metrópoles quanto de pequenos núcleos urbanos próximos ao espaço
rural, é analisado como palco, cenário e contexto de performances
culturais, na perspectiva da teoria e da história da arte, da teoria e da
história da arquitetura e do urbanismo, da sociologia urbana, da
antropologia, da história cultural, e também do patrimônio, da
memória social e da museologia.
10 | Urbano Palco: estudos de performances urbanas
Nesse sentido, na disciplina Performances Urbanas, são vistas

as relações entre paisagem, práticas espaciais, significado,
simbolismo, identidade, conflitos socioespaciais; enfim, os
problemas, virtudes e questionamentos urbanos. O Programa de
Pós-Graduação em Performances Culturais, interdisciplinar tanto
em sua proposta e vocação, como na composição de seu corpo
docente, também o é na procura e seleção de discentes em busca do
Mestrado e Doutorado. As quatro turmas que cursaram a disciplina
até a edição deste livro foram integradas por estudantes das mais
diversas formações: professores e professoras de educação física,
historiadores, artistas circenses, designers, músicos, atores e atrizes,
dançarinos e dançarinas, arte educadores, produtores e produtoras
culturais e também museólogas.
Os projetos de pesquisa desses discentes trouxeram temas
ainda mais diversificados, versando sobre os artistas circenses de
rua, as quadrilhas juninas, sobre Mercedes Baptista – a primeira
bailarina negra do corpo de baile do Teatro Municipal do Rio de
Janeiro -, sobre as performances excludentes dos museus, o design
e patrimônio urbanos, as folias de Reis de Goiânia e tantos outros.
Essa diversidade apareceu nas discussões e debates em sala de aula
e, sobretudo, nos trabalhos finais da disciplina que, quase sempre,
contribuíram para aprofundamento das discussões a serem
realizadas em seus respectivos textos de dissertações e teses.
Surge agora o momento de trazer a público alguns dos artigos
produzidos ao longo das quatro primeiras edições da disciplina, as
contribuições que trouxeram para o campo das Performances
Culturais e para cada área de conhecimento específica de onde seus
autores eram oriundos. Este livro que ora se apresenta é fruto desses
exercícios de entrelaçamentos inter e transdisciplinares e reúne
artigos elaborados entre 2013 e 2017 por alguns discentes, bem
como por docentes do Programa que enfocam questões urbanas em
suas pesquisas e que atenderam ao convite para contribuir com este
trabalho.
Introdução | 11
Embora todos tragam o fenômeno urbano como fio condutor

que os agrega, os textos aqui reunidos foram agrupados em dois
eixos temáticos. O primeiro eixo – VISUALIDADES URBANAS -
composto por quatro textos, enfoca a paisagem e a imagem urbana
em suas múltiplas facetas. O segundo, que reúne três textos –
CIDADE E LINGUAGENS ARTÍSTICAS - aborda as convergências
entre a questão urbana e as diversas linguagens artísticas, seja pelo
viés da música, do cinema, do teatro ou da cultura popular.
Já no primeiro eixo temático, o texto do Professor Luciano
Pontes - doutorando e professor da Escola de Música e Artes Cênicas
da UFG -, em coautoria com o seu orientador, Professor Dr.
Sebastião Rios, e identifica aspectos da construção de Brasília em
letras de canções, partindo do pressuposto de que a arte não é uma
prática isolada, sendo, antes, construída pelo ser humano a partir da
relação entre o artista e seu espaço. As letras foram analisadas sob a
luz das performances culturais, por meio da discussão de conceitos
como ritual, memória, identidade e espaço. A pesquisa comprovou
que a música acompanha lado a lado o processo de urbanização
pesquisado, dando voz a conflitos, interesses políticos, disputas de
poder, sentimentos e até mesmo estados liminares.
O artigo da Profa. Dra. Nádia Weber, em parceria com o
jornalista Newton Pinto da Silva, parte de imagens tomadas ao vivo
e nas redes sociais, em atos de protestos dos servidores da Fundação
Piratini (fundação estadual de comunicação pública do Rio Grande
do Sul, gestora da TVE e rádio FM Cultura 107.7), que está em vias
de extinção pelo governo do Estado, intentando estudar os processos
pelos quais as performances dos gestos, dos corpos e das atitudes
dos cidadãos nas referidas manifestações públicas relacionam-se a
expressões humanas de luta e de embates e representam, num
contexto contemporâneo de combate à onda reacionária que assola
o país, rituais [culturais e sociais] de passagem.
O terceiro artigo, assinado pelas organizadoras deste livro,
trata-se de um exercício de pensar o inusitado como performance
urbana, observando processos de agenciamentos e atravessamentos
na cidade de Goiânia, pelo protagonismo do chamado Beco da

Codorna, “que pode ser descrito como um espaço público, no limite
do privado, plural, inconstante e desafiador da imobilidade que seria
natural e correspondente aos artefatos imóveis”.
O artigo da Profa. Sainy Veloso, que completa o primeiro bloco
temático deste livro, traz o tema da paisagem como invenção do
olhar de seu criador; assim, as paisagens são frutos de olhares
díspares de seus criadores, em diferentes temporalidades, não
satisfeitos com as concepções instituídas e a concretude do mundo.
Veloso sustenta sua afirmação analisando três obras de diferentes
espacialidades e temporalidades: uma iluminura do Livro das Horas
do Duque de Berry, da Idade Média, a obra Caixas, de Alexandre
Liah, e a obra Horizonte pessoal de Odinaldo Costa.
O segundo eixo temático traz três artigos que abordam as
questões urbanas a partir de diferentes proposituras e enfoques
artísticos. O artigo, assinado pela Profa. Dra. Luciene Dias e pelo
Professor Ms. Jackson Douglas Leal Silva, pontua que o habitar as
cidades demanda a compreensão de corpos e espaços urbanos e em
sua polifonia, multiplicidade e as escritas intertextuais há muitas
‘performatividades possíveis’. Os autores enfocam o Teatro
Experimental do Negro (TEN como um fomentador de
performances negras urbanas e, a partir de sua trajetória, defendem
que a sua pedagogia foi transgressora na medida em que construiu
verdadeiras comunidades de aprendizado. Seu texto recupera o
papel do corpo negro na construção espacial e simbólica das cidades,
constituindo-se também em uma tentativa de romper com o lugar
imposto pelo racismo às pessoas negras no Brasil.
O artigo assinado pela Profa. Ms. Lua Barreto e pela Profa. Dra.
Vânia de Oliveira, avalia de que modo os artistas de rua que
participaram do X Encontro Goiano de Malabares e Circo, realizado
em 2017, deixam transparecer nas imagens tanto suas visões de
mundo quanto seus discursos artísticos. Nesse artigo, as imagens
foram confrontadas com a fala dos artistas colhidas em entrevistas
Introdução | 13
semiestruturadas, feitas nas atividades de campo para a dissertação de

mestrado em Performances Culturais, defendida em maio de 20171.
O texto seguinte vem da parceria entre o Prof. Dr. Lisandro
Nogueira e seu orientando, Wertem Nunes Faleiro, mestrando do
Programa de Pós-Graduação em Performances Culturais, e a partir da
pesquisa sobre a vigência da “imaginação melodramática” no Cinema
contemporâneo de Narrativa Clássica, sob o viés interdisciplinar das
Performances Culturais, elencou as origens, a etimologia bem como os
caminhos teóricos e práticos pelos quais o conceito de performances
se desdobrou. Buscou desenlear o conceito e oferecer um
esclarecimento que permita discernir como abrigar os estudos do
Cinema de Narrativa Clássica entre as Performances.
Os sete artigos aqui agrupados oferecem um breve panorama
das possibilidades temáticas oferecidas pela junção entre os estudos
das performances culturais em consonância com fenômenos urbanos.
Coexistem nas cidades as forças das temporalidades, das experiências
vividas que gestam memórias palpáveis e ausências sentidas, da
alteridade que se exprime em fronteiras visíveis ou invisíveis,
ampliando sobremaneira os entendimentos possíveis dos sentidos dos
territórios. Da mesma forma, nos estudos que se debruçam por sobre
o espaço citadino, deixa-se esmaecer as bordas da disciplinaridade e,
sob o guarda-chuva das performances urbanas, vemos a projeção e os
desdobramentos do pensar urbano possível, indistinto, plural e
diverso. Acreditamos que, sob esse espectro, muitas outras
combinações são possíveis ao caminhar atento pelos espaços das
cidades. Entremeio a narrativas da experiência urbana, esperamos que
a leitura deste livro – como a metáfora do caminhar do flanneur - sirva
de inspiração e motivação para percorrer, desbravar ou deflagrar
outras tantas trilhas de conhecimento.
Bom passeio!
1
Publicada em 2018 sob o título Saltimbancos Contemporâneos: seu aprendizado, suas escolhas e
expectativas, pela Editora Espaço Acadêmico.
Visualidades Urbanas
1
Aspectos da construção de Brasília

em letras de canções
Luciano Pontes1
Sebastião Rios2
Introdução
Os espaços urbanos são constituídos de características plurais,

e segundo Lynch (1960, p. 11) ''todo o cidadão possui numerosas
relações com algumas partes da sua cidade […]''. Cada sujeito traz
para esta relação seus próprios signos e significados que entram em
contato com a subjetividade de outros indivíduos.
Segundo Santos (2007, p.33), as pessoas atribuem ao contexto
espacial ''significados, representações, desejos, sonhos que dão um
sentido ao espaço para quem nele habita'', ou seja, toda ação
humana é carregada de subjetividade e significados que interferem
diretamente no espaço. Não se pode negar a presença de memórias
e identidades na relação dos múltiplos sujeitos com o espaço, e a
identidade está diretamente ligada à construção das memórias, que
1
Bacharel em Música com habilitação em Violino pela UFG (2005), mestre em Música pela UFG (2012),
doutorando em Performances Culturais pela UFG. Professor assistente da Universidade Federal de
Goiás /Escola de Música e Artes Cênicas. Violista do Quarteto Henrique Oswald. Membro da
Associação Brasileira de Violistas.
2
Bacharel em História, mestre em Literatura pela UnB. Doutor em Sociologia (UnB / Universidade de
Innsbruck – Áustria. Professor da Faculdade de Ciências Sociais e do Programa de Pós-graduação
Interdisciplinar em Performances Culturais / UFG.
por sua vez legitima a identidade (FREITAS BORGES; CAVALCANTE

JUNIOR, 2010).
O espaço geográfico constitui-se então como parte
imprescindível no processo de identidade que não ocorre apenas
historicamente, mas dentro de um contexto temporal e espacial,
envolvendo dados materiais e simbólicos (MONDARDO, 2009).
Esta relação do ser humano com seu espaço nem sempre
acontece de forma amistosa, mas muitas vezes de forma turbulenta
e carregada de conflitos, disputas de poder, sentimentos,
mobilizações, atos de silenciamento, afirmações, infrações de
normas e até mesmo quebrando a unidade social dentro do espaço
urbano. Assim, buscando entender como esses conflitos, disputas e
rupturas comparecem em algumas letras de música, relacionadas
com a construção de Brasília, buscamos apoio na teoria do drama
social de Victor Turner (2015) para orientar este ensaio, tentando
identificar os processos de rupturas, crises e restaurações que
permeiam as ações humanas dentro do contexto espacial.
Com a mesma intenção, buscamos o conceito de ritual
trabalhado por Schechner para ajudar a esclarecer o tema abordado.
Segundo este autor, apesar de rituais acontecerem ''em espaços
especiais, muitas vezes lugares isolados'' (SCHECHNER, 2012, p.
70), espaços cotidianos podem se tornar espaços rituais, ganhando
sentido na medida em que empregamos sobre eles nossas
significações e sentidos construídos nas nossas relações
interpessoais.
Nossa análise do contexto da construção de Brasília está
focada na discussão das representações construídas em algumas
letras de músicas produzidas neste período. A música pode oferecer
importantes informações quanto às práticas humanas dentro dos
espaços urbanos, como por exemplo: sobre o entendimento sócio-
cultural a respeito das manifestações dramáticas relativas a um
determinado espaço, sobre as imagens e memórias que configuram
certos espaços, sejam rurais, urbanos, religiosos, entre outros.
Luciano Pontes; Sebastião Rios | 19
Este ensaio objetiva, assim, identificar aspectos da construção

e transferência da capital para Brasília em letras de canções
brasileiras, partindo do pressuposto de que a arte é fruto de toda
uma trama social carregada de significações que compõem os
espaços onde está a sociedade (FISCHER, 1987).
Tomaremos o conceito de espaço como sendo aquele onde
ocorrem as relações socioculturais e onde os sentidos das ações
humanas são produzidos; o que envolve igualmente as mudanças no
próprio espaço. Além disso, a noção de espaço é construída a partir
do diálogo entre o objeto e o não objeto, o material e o imaterial,
resultado da não separação entre ações e objetos. Neste sentido, não
podemos desconsiderar a relação entre lugar e espaço, onde o
primeiro orienta a compreensão da “forma pela qual o espaço se
torna objetivo e visível” (MENEZES, 2000, p. 172).
Lily Kong (1995) enumerou cinco tendências principais de
pesquisas que envolvem música e geografia. Castro (2009, p. 14)
observa que a primeira estaria ligada à ''distribuição espacial das
formas musicais, atividades, artistas e personalidades''. A segunda
visaria ''a exploração dos locais de origem musical e sua difusão,
usando conceitos como contágio, relocação e difusão hierárquica''. A
terceira estaria associada à busca de se ''delimitar áreas que
partilham certos traços musicais, sendo que essa delimitação ocorre
em várias escalas, tais como global e regional''. A quarta tendência
investigaria as especificidades identitárias de certos lugares a partir
de letras de músicas e a quinta propõe possibilidades de estudo dos
processos de identidade de um compositor relacionado com seu
espaço. Neste ensaio, concentraremos nossos esforços na elucidação
das duas últimas tendências.
A nossa intenção não é citar todos os aspectos que
compuseram os processos de urbanização no Brasil, mas relatar
apenas alguns que consideramos relevantes a fim de ilustrar
imagens deste processo em letras de 11 canções brasileiras.
Concentraremos esforços em informações relacionadas à segunda
metade do século XX, pois consideramos que boa parte dos
acontecimentos mais marcantes neste processo convergem para este

momento, quando se efetiva a transferência da capital. Procuramos
identificar canções, cujas letras pudessem nos fornecer informações
que se conectassem de alguma forma com o assunto ora discutido.
Aspectos das relações dos indivíduos com o espaço
Lynch (1960, p. 11) cita que ''todo o cidadão possui numerosas

relações com algumas partes da sua cidade e sua imagem está
impregnada de memórias e significações''. As memórias dentro do
espaço urbano são construídas pela ação do cidadão frente àquilo
que o cerca, seja transformando ou construindo. O autor ainda
observa:
A cidade não é apenas um objecto perceptível (e talvez apreciado)

por milhões de pessoas das mais variadas classes sociais e pelos
mais variados tipos de personalidade, mas é o produto de muitos
construtores que constantemente modificam a estrutura por
razões particulares (LYNCH, 1960, p. 12).
As pessoas que vivem dentro do espaço urbano não são

simplesmente espectadores, conforme observa Lynch (1960), mas
atribuem ao contexto ''significados, representações, desejos, sonhos
que dão um sentido ao espaço para quem nele habita'' (SANTOS,
2007, p. 33). Estes significados são diferentes, pois os indivíduos são
dissemelhantes nas suas percepções e formas de compreender e
atuar no espaço:
Cada um constrói individualmente e coletivamente um significado

do seu espaço conforme sua imagem e experiência cotidiana. Esses
significados podem ser positivos ou negativos do urbano, que vão
delineando o espaço social e concreto no qual vive hoje grande
parte da sociedade. (SANTOS, 2007, p. 34).
Toda ação humana é carregada de subjetividade e significados

que interferem diretamente no espaço. Neste processo bilateral de
relação do ser humano com a cidade, Lynch (1960) observa:
Os elementos móveis de uma cidade, especialmente as pessoas e

suas atividades, são tão importantes como as suas partes físicas e
imóveis. Não somos apenas observadores deste espetáculo, mas
sim uma parte activa dele, participando com os outros num
mesmo palco. Na maior parte das vezes, a nossa percepção da
cidade não é íntegra, mas sim bastante parcial, fragmentária,
envolvida noutras referências. Quase todos os sentidos estão
envolvidos e a imagem é composto resultante de todos eles
(LYNCH, 1960 , p. 12).
A percepção íntegra da cidade torna-se complexa, pois cada

indivíduo traz para a relação com o espaço urbano suas próprias
significações, além da presença da mídia, dos gestores, dos três
poderes que influenciam neste processo e, consequentemente, na
forma com que o espaço é construído e percebido.
A partir do ponto de vista dos autores aqui discutidos, não
podemos desvincular as memórias e identidades que se formam
durante este processo de relação do homem com seu contexto. A
identidade é um dos fatores primordiais para que um objeto tenha
sentido na sua relação com o espaço, pois por ela é possível gerar
imagens e memórias que produzem significados afetivos e
emocionais ao observador. Raffestin (1993) citado por Silva (2013, p.
198) relata que ''as relações de identidade e pertencimento ao lugar
são desenvolvidas no processo de apropriação e territorialização do
espaço, ou seja, quando se desenvolvem, neste local, valores ligados
aos sentimentos e a sua identidade cultural e simbólica […]''. Adiante
discutiremos mais sobre a relação de pertencimento do indivíduo
com seu espaço.
A identidade está diretamente ligada à construção das
memórias, que, por sua vez, legitima a identidade (FREITAS
BORGES; CAVALCANTE JUNIOR, 2011). Não se pode negar a
presença de memórias e identidades na relação dos múltiplos
sujeitos com o espaço, afinal ''a cidade não está construída apenas
para um indivíduo, mas para grandes quantidades de pessoas, com
antecedentes altamente variados, com temperamentos diversos, de
diferentes classes, como diferentes ocupações'' (LYNCH, 1967, p.
123).
Dourado e Vargas (2013, p. 3) relatam que as identidades são
responsáveis pela organização dos significados, pois dão a eles
sentido, portanto, constituem-se ''como fonte de mudanças,
traduzindo anseios, lutas, novas rotas, outros rumos''. Percebamos
que as relações de poder estão presentes neste processo de
construção da identidade dentro do espaço, manifestando-se na
forma de conflitos e disputas, ações e sentimentos, mobilizações,
silêncios, afirmações, etc.
Haesbaert (2007) observa que todas as relações de poder
mediatizadas em um espaço produzem identidade pela sua condição
de controlar ações dentro do contexto urbano, onde acontecem as
experiências sociais que organizam o espaço.
O espaço de referência identitária refere-se ao recorte espaço-

temporal, é onde se realiza a experiência social e cultural, onde se
desdobram as práticas materiais (uso, formas de organização do
espaço, produção, consumo, circulação) e as representações
espaciais (simbolização, formas de significação) (DOURADO;
VARGAS, 2013, p. 6).
Nota-se que as autoras consideram o espaço como o campo

das relações humanas onde desenvolve-se toda a trama
sociocultural. Considerando que os espaços são ocupados,
construídos e transformados pelo homem, não se pode negar que a
identidade promove um sentimento de pertencimento do indivíduo
em relação a determinado espaço, conforme apontam Dourado e
Vargas (2013):
A consciência socioespacial de pertencimento diz respeito ao

sentido de pertença, dos laços de solidariedade, ao sentido de
pertencer e de se reconhecer como ator/sujeito ou grupo em
relação a uma comunidade, a um lugar, a um território. Esse

sentimento não é algo natural, mas é uma construção
humana/social e, portanto, histórica, que se desenvolve a partir
das práticas que são estabelecidas no território e das
representações espaciais (DOURADO; VARGAS, 2013, p. 6).
O espaço geográfico constitui-se, então, como parte

imprescindível no processo de construção da identidade que ocorre
historicamente, dentro de um contexto espaço-temporal,
envolvendo dados materiais e simbólicos, tornando, então, a
identidade ''aberta, múltipla, relacional, […] um processo de
produção, um ato performático e político, discursivo e narrativo, que
pode produzir consentimento e ação'' (MONDARDO, 2009, p. 134).
Neste processo de construção da identidade em um contexto
espaço-temporal, a memória ocupa papel de destaque,
especialmente por comparecer como elemento legitimador da
identidade. Vejamos o que Nora (1993) escreve sobre memória:
[…] a memória não se acomoda a detalhes que a confortam; ela se

alimenta de lembranças vagas, telescópicas, globais ou flutuantes,
particulares ou simbólicas, sensível a todas as transferências,
cenas, censura ou projeções. […] A memória instala a lembrança
no sagrado […]. A memória se enraíza no concreto, no espaço, no
gesto, na imagem, no objeto (NORA, 1993, p. 9).
Notamos que tanto objetos materiais como bens imateriais

podem ancorar memórias. Nora (1993, p. 21) considera que um
lugar somente é ''de memória se a imaginação o investe de uma aura
simbólica. Mesmo um lugar puramente funcional, como um manual
de aula, um testamento, uma associação de antigos combatentes, só
entra na categoria [de lugar de memória] se for objeto de um ritual''.
Segundo o autor, este tipo de memória pode emergir de lugares
considerados ''mistos, híbridos e mutantes, intimamente enlaçados
de vida e de morte, de tempo e de eternidade; numa espiral do
coletivo e do individual, do prosaico e do sagrado, do imóvel e do
móvel'' (p. 22).
Neste contexto, Halbwachs (1990, p. 131) cita que memórias

vão além do plano individual e não podem ser atribuídas
unicamente ao sujeito, mas são frutos da sua relação com a
sociedade, onde ''as imagens habituais do mundo exterior são
inseparáveis do nosso eu'' e o ''nosso entorno material leva ao
mesmo tempo nossa marca e a dos outros''. O autor ainda observa
que ''não há memória coletiva que não se desenvolva num quadro
espacial […]'', é no espaço ''que nosso pensamento deve se fixar,
para que reapareça esta ou aquela categoria de lembranças'' (p. 143).
As imagens produzidas no mundo exterior – espacial – estão
incrustadas no indivíduo e a memória individual está enraizada em
diferentes contextos. Ela se transpõe de sua condição individual para
''se converter num conjunto de acontecimentos partilhados por um
grupo, passando de uma memória individual para uma memória
coletiva” (LEAL, 2012, p. 3).
A memória individual é então construída a partir da relação
do sujeito com grupos, e, posteriormente, atua dentro do próprio
grupo na construção de uma memória coletiva; ''não é o indivíduo
isolado, é o indivíduo como membro do grupo, é o próprio grupo
que, dessa maneira, permanece submetido à influência da natureza
material e participa de seu equilíbrio'' (HALBWACHS, 1990, p. 133).
Notamos que a relação do ser humano com seu espaço constitui-se
de forma dialética, onde ele interfere, mas também sofre
interferências.
A constituição da identidade e da memória passa pelo
contexto no qual o indivíduo está inserido. Em cada contexto
específico, os espaços são dotados de objetos materiais que podem
ser quantificados e observados em um determinado período. Há de
se destacar ainda, que os processos de construção de identidade em
um determinado espaço e tempo também estão carregados de
manifestações imateriais.
Além disso, a construção das memórias e identidades na relação
ser humano x espaço nem sempre acontece de forma amistosa, mas,
muita vezes, de forma turbulenta e carregada de conflitos, disputas de
poder, sentimentos diversos, mobilizações, atos de silenciamento,

afirmações, infrações de normas e até mesmo quebrando a unidade
social dentro do espaço urbano. Neste enquadramento, o conceito de
drama social de Victor Turner (2015) poderá nos auxiliar a
compreender alguns aspectos da conjuntura de urbanização ocorrida
no Brasil, principalmente a partir do século XX.
Ritual, lugar e memória
Turner (2015) observa que toda experiência social é carregada

de significações, trazendo consigo muitas rupturas e fricções em
relação a passado e presente. Contextos de atritos e rupturas são
alguns dos sinais do drama de Turner que emerge da ação social na
tentativa de separação ou junção entre dados do presente com
alguns do passado. Ao longo da vida, todo o indivíduo já passou por
processos de transformações provocados por eventos de ordem
externa ou interna, que interferiram nos modos cotidianos de vida,
como por exemplo, casamentos, funerais, entrada na escola, entrada
no exército, formaturas, entre tantos outros.
Conforme demonstra Turner (2015), o indivíduo em todas as
culturas necessariamente toma lugar de pertencimento em grupos,
e muitos deles são considerados pelo autor como institucionalizados,
por exemplo, a escola, a empresa, a família, a faixa etária entre
outros. Alguns grupos são obrigatórios para o indivíduo, já outros
são escolhidos por cada sujeito segundo seus gostos e interesses.
Esta necessidade de organização humana em grupos gera conflitos,
que são a base para o conceito de drama social do autor:
As pessoas tomam partido, formam facções, e a menos que o

conflito possa ser isolado rapidamente dentro de uma área
limitada de interação social, a tendência é a ruptura aumentar até
coincidir com algum cisma dominante no conjunto maior de
relações sociais relevantes ao qual os partidos em conflito
pertencem (TURNER, 2015, p. 98).
Dentre os vários grupos que o indivíduo participa, seja de

caráter social, político ou religioso, Turner (2015, p. 97) cita 'o(s)
grupo(s) estrela' como sendo um dos principais na vida do sujeito,
lugar onde o indivíduo geralmente ''procura amor, reconhecimento,
prestígio, autoridade e outros benefícios e compensações tangíveis e
intangíveis''. São estes grupos que também contribuem para que o
sentimento de pertencimento a determinado espaço seja construído
no indivíduo.
Nota-se que a experiência social é o grande fundamento da
teoria de Turner, justamente por ser muito subjetiva e caracterizar-se
por um campo passível de profundas reflexões. Ainda destacamos que
a experiência vivida no drama pode modificar permanentemente o
sujeito e até mesmo comunidades, instituições e grupos.
''O drama social se manifesta inicialmente com a ruptura com
a norma, a infração de uma regra de moralidade, lei, costume ou
etiqueta em alguma arena pública'' (TURNER, 2015, p. 97). O drama
surge justamente a partir de problemas e conflitos gerados pela falta
de unidade, onde sistemas socioculturais manifestam-se cheios de
contradições e embates em sua estrutura; Turner (2015) divide o
drama em quatro fases: ruptura, crise, reparação e integração ou
reconhecimento do cisma.
O drama se inicia com a ruptura a alguma norma, lei, costume
ou regra que ameace a ordem social de indivíduos que fazem parte
de um mesmo grupo, família ou comunidade, violando algum
'protocolo' que normatiza a relação entre os envolvidos. Então,
instaura-se a segunda fase denominada de crise, expondo o conflito
entre as partes incursas no processo. A ruptura tende a ampliar-se
caso não seja utilizado na terceira fase, intitulada remediação da
crise, certos mecanismos de ajuste e reparação, que podem variar de
acordo com a profundidade e significado da crise. A última fase
depende de como os líderes conduzirão o processo de pacificação e
quais ferramentas serão utilizadas, podendo promover a
reintegração do grupo envolvido ou consolidar-se a crise instalada
entre os envolvidos de forma irremediável; estas ferramentas podem
incluir inclusive segundo Turner (2015, p. 99) a ''performance de

rituais públicos''.
Nos interessa neste processo a fase liminar por ser
provavelmente aquela que oferece mais possibilidades
transformadoras para um indivíduo ou grupo, e consequentemente
mais significações dentro do processo. A fase liminar, segundo
Schechner (2012, p. 63), constitui ''uma fase criativa para o ritual,
podendo abrir caminho para novas situações, identidades e
realidades sociais''. Ainda sobre esta fase o autor reconhece:
O trabalho da fase liminar é duplo: primeiro, reduzir aqueles que

adentram no ritual a um estado de vulnerabilidade, de forma que
estejam abertos à mudança. As pessoas são despojadas de suas
antigas identidades e lugares determinados no mundo social; elas
entram num tempo-espaço onde não são nem-isso-nem-aquilo,
nem aqui nem lá […]. Durante este tempo elas estão literalmente
desprovidas de poder e, muitas vezes de identidade. […] durante a
fase liminar, as pessoas internalizam suas novas identidades e
iniciam-se em seus novos poderes (SCHECHNER, 2012, p. 63).
A fase liminar fica mais evidente em rituais de passagem,

onde o indivíduo é tirado de uma condição social anterior e inserido
em uma fase de transição em que ele se sente entre dois papéis, nem
parte da conjuntura passada e nem da presente, ficando desprovido
da sua identidade que o identificava como pertencente a uma
família, grupo ou comunidade. Nota-se que os rituais ganham
importância dentro do drama social, principalmente por requerer
dos envolvidos valores relacionados a sua forma de ver, sentir e se
posicionar no mundo.
Schechner (2012, p. 70) relata que rituais acontecem ''em
espaços especiais, muitas vezes lugares isolados’'. Porém, espaços
cotidianos podem se tornar espaços rituais, principalmente se
considerarmos que ritualizamos diariamente ações carregadas de
sentidos e significações, que simbolizam transições entre várias
atividades diárias desempenhadas por nós enquanto indivíduos. Os
lugares tendem a sair da condição de meramente cotidianos na
medida em que são empregados sobre eles as significações e

sentidos construídos nas nossas relações interpessoais.
Segundo Costa (2015, p. 103), quando determinados lugares,
como igrejas, templos, entre outros, são submetidos a realizações
rituais constantes, acontece sobre eles a construção de uma
liminaridade. ''Já quando se tratam de lugares com outras
configurações cotidianas ocorre a ressignificação e o transporte
destes que se transfiguram em lugares rituais'', sendo que este
transporte temporário ocorre apenas durante o ato ritual. Podemos
afirmar que as significações empregadas sobre o espaço certamente
retiram-no da condição de espaço meramente físico, onde eles
passam a posicionar-se ''na margem e no centro da sociedade. São
periféricos e descolados da realidade cotidiana e por outro lado se
colocam no centro das práticas simbólicas (p. 104)''.
Não podemos ignorar a relação entre lugar e espaço, onde o
primeiro oferece importantes informações sobre as ações praticadas
no segundo. Ainda que uma ação ritual aconteça em determinado
lugar, o espaço acaba ecoando sobre o indivíduo as marcas do ritual
ali realizado, sendo ''constituído por um ambiente integral onde
todos os elementos estão conectados e tem uma razão de ser e estar''
(p.104). O lugar ritual pode posicionar-se na contramão da estrutura
social, revelando inclusive uma condição de antiestrutura em relação
ao contexto.
A memória é outro componente que está imbricado no
processo ritual que, por sua vez, pode criar, reforçar ou apagar
memórias. Schechner (2012, p. 49) observa que ''rituais são uma
forma de as pessoas lembrarem. Rituais são memórias em ação,
codificadas em ações''. Não seriam apenas memórias superficiais,
mas, segundo Costa (2015, p. 114), estariam no ''corpo, nos objetos,
nos símbolos ou códigos utilizados ao longo do ritual'' e se
manifestariam em ''todos e em cada um dos elementos simbólicos,
materiais e imateriais do ritual''.
Na fase liminar, as memórias podem causar no indivíduo um
sentimento de estranhamento em relação a determinado espaço e às
ações que lá acontecem, bem como promover uma condição de

reconhecimento ou simplesmente as duas coisas, onde o sujeito não
se sentiria pertencente ao seu lugar presente e nem àquele de
origem. Segundo Costa (2015, p. 117), ''a memória pode ser
entendida como os ecos das ações rituais e que ressoam antes,
durante e depois dos próprios rituais''.
Essas reflexões de Turner e Schechner podem ser úteis na
análise de fenômenos rituais que, de alguma forma, tem na sua base
a execução e audição de música. Vilela (2011, p. 203) observa que
''quase sempre a música está ligada a um ritual, seja ele sagrado ou
profano''. Neste contexto de rituais, dramas, memórias e espaço, a
música pode nos orientar a obter informações em relação ao
entendimento sociocultural de determinado espaço e a questões
dramáticas que integram as relações entre grupos. A música como
mediadora das relações humanas é fruto de uma construção social
em contexto espaçotemporal.
A música e sua necessidade dentro dos espaços
Fischer (1987) cita que a arte nunca foi uma prática

construída apenas pelo ser humano individualmente, mas é fruto de
toda uma integração social, carregada de significações, que compõe
os espaços da sociedade. As funções sociais desempenhadas pela arte
ao longo dos tempos estão de alguma maneira presentes no âmbito
social e são moldadas pelas relações que ocorrem dentro dos
contextos socioculturais de cada época.
As inúmeras possibilidades e formas de expressão da arte e a
sua capacidade de moldar as pessoas e se transformar, juntamente
com o indivíduo no tempo e espaço, provavelmente se deve ao fato
de ela estar incrustada nas ações da sociedade. ''A arte [entretanto]
não serve apenas para questões socioeconômicas e lazer, mas
também pode instigar as pessoas a conheceram a si mesmas, e a
sociedade, para propor, ou não, mudanças'' (CHAVES, 2011, p. 14).
O artista não é um ser desconectado do mundo ou passivo em
relação aos seus acontecimentos, mas um espectador assíduo,

participante, que observa e interage com os sujeitos nas suas
relações com o mundo (MEDEIROS, 2005).
Neste contexto, entendemos que a música, mesmo com suas
altas doses de subjetividade, pode reproduzir, a partir da relação do
seu criador com a trama social que o cerca, questões extra sonoras
como lembranças do espaço urbano ou rural, do passado, de
pessoas, de ambientes, de situações rituais etc.
A música tende a acompanhar os processos de transformações
presentes nos espaços, sendo produto da relação do seu criador com o
contexto que o cerca, e ''cada ritmo desenvolve uma dinâmica
específica na relação entre distintos grupos sociais e seus interesses na
formação de suas práticas e representações'' (COELHO, 2004, p. 81).
Há de se observar que muitas vezes as sonoridades citadinas
estão ligadas a questões visuais, como por exemplo a TV, o cinema,
a internet, entre outros. Em linhas gerais, podemos afirmar que a
dimensão sonora está ligada às ações que ocorrem no plano urbano:
[..] a dimensão sonora aparece muitas vezes em função da

imagem, o que favorece um certo grau de dependência do som em
relação à imagem. E isso nos leva a uma segunda situação, que é o
fato de a música, na vida, aparecer sempre integrada a outras
linguagens, seja a visual, seja a verbal, seja a da cena, seja a dos
movimentos. Em suma, além da abstração inerente à linguagem
musical em si, nosso meio social tende a colocar a música em
espaços nos quais ela acontece em cumplicidade com outras
linguagens e não de modo autônomo (NASSIF; SCHROEDER,
2014, p. 104)
Nota-se que a música pode ser produzida a partir de uma

imagem, ou seja, determinado compositor pode sentir-se
influenciado ou motivado para compor, inspirado em imagens que
podem ser produzidas em outras formas de manifestações, seja
visual, através de gestos ou movimentos. Torres (2010) cita que:
Os sons de um lugar, assim como a música, representam a

paisagem e a cultura nela presente. A música retrata o lugar e seus
valores, com sonoridades peculiares e elementos culturais,
harmonizando e compondo parte da paisagem sonora (TORRES,
2010, p. 124).
Torres e Kozel (2010, p. 129) observam que ''cada cidade, cada

lugar tem sua identidade sonora, numa variação de sons entre um
lugar e outro e também entre tempos e as culturas'', sendo a
identidade sonora construída a partir da matéria-prima
sociocultural oferecida pelo espaço urbano. O compositor se
posiciona dentro da sociedade de uma forma capaz de evocar,
descrever, imitar e narrar seu contexto através dos sons.
O compositor com a 'pena esferográfica' em mãos consegue
responder de várias formas as representações de identidades,
memórias e imagens que compõem o espaço urbano, conseguindo
retratar com notas musicais manifestações extramusicais inerentes
ao cenário que o cerca. Desta forma, um compositor não tem como
fonte inspiradora apenas suas próprias experiências individuais,
mas também a ''memória coletiva de sua comunidade ou seu povo''
(CASTRO, 2009, p. 13).
Conforme discutido anteriormente, no espaço urbano
ocorrem intensas trocas simbólicas entre indivíduos e objetos,
fazendo emergir memórias passadas que atuam diretamente na
construção identitária. Todos esses estímulos e trocas são
compartilhados entre os sujeitos por meio de relações sociais,
gerando signos e significados que interferem na construção da
imagem citadina. Neste contexto, ''a cultura, a paisagem e o lugar
concedem as bases para a construção musical, que em diferentes
contextos assimilou os sons presentes no espaço […] (TORRES;
KOZEL, 2010, p. 128).
Ao analisar determinada composição, não se deve deixar à
margem o contexto em que ela foi composta, bem como as questões
que constituem a trama social na qual ela está inserida,
principalmente se levarmos em consideração o que escrevem Torres

e Kozel (2010):
A música de um lugar pode oferecer ao estudo geográfico

elementos para a leitura do compartilhamento e da construção da
memória e dos símbolos nele existentes, visto que ela, segundo
Carney (2007, p. 145), tanto reflete quanto influencia as imagens
que as pessoas possuem de lugares e a forma como essas imagens
mudaram significativamente as atitudes das pessoas para com
esses lugares (TORRES; KOZEL, 2010, p. 128).
Nota-se, na passagem citada, como a música atua nas relações

das pessoas com os lugares. Ela não está presente apenas como uma
moldura, mas atua dentro da paisagem oferecendo elementos
importantes que podem orientar análises de como as pessoas se
relacionam com determinados lugares. Deste modo, a música
oferece dados que podem orientar o estudo da identidade de
determinado local.
Retomando as últimas duas tendências da relação entre a
Música e Geografia citadas por Lily Kong, cumpre lembrar que
Castro (2009, p. 14) relata que a quarta tendência estaria ligada à
investigação do caráter e da identidade dos lugares a partir das letras
das canções e a quinta, à exploração da ''relação de identidade dos
compositores com seu espaço'', sendo que esta última estaria
conectada às características da percepção de mundo do compositor,
expressas através da melodia, da instrumentação, das letras, e às
sensações ou impactos sensoriais transmitidos pela música.
A partir dessas sugestões analíticas, apresentaremos alguns
aspectos socio-históricos e geográficos presentes em letras de
canções que tematizam a construção de Brasília.
Aspectos do processo da construção de Brasília em letras de

canções
O projeto de transferência da capital brasileira do Rio de

Janeiro para o Planalto Central foi fundamentado em justificativas
diversas, que vão desde a tentativa de “resgate do 'Brasil esquecido'
até as propostas de modernização da infraestrutura (produção de
energia e indústrias de bens de capital) do país e de industrialização
do setor produtivo de bens de consumo” (OLIVEIRA, 2006, p. 487).
A ideia de transferência da capital – aventada desde os escritos de
José Bonifácio, nos primórdios da independência política, passando
pela constituição republicana de 1891 e o lançamento da pedra
fundamental, em 1922, nos 100 anos da independência – começa a
ganhar contornos mais nítidos nos idos de 1940, momento em que
a questão da identidade da nação brasileira era um tema central no
debate público.
Embora o então deputado federal Juscelino Kubitschek tenha
votado pela transferência da capital para Araxá, no Triângulo
Mineiro, na Assembleia Constituinte de 1946, a construção de
Brasília comparece como meta síntese de sua plataforma
desenvolvimentista durante a campanha presidencial de 1955,
tornando-se um emblema do governo JK (1956 – 1960).
Em que pese o apoio de amplos setores da sociedade, a
construção de Brasília teve também uma oposição barulhenta, na
qual destaca-se a atividade do então deputado federal Carlos Lacerda
– futuro governador da Guanabara (1960 – 1965) – e de seu jornal
Tribuna da Imprensa3. Para os defensores da transferência da
capital, no entanto, a construção de Brasília era vista como símbolo
de planejamento e modernidade, significando, nesta ótica, ''um ato
de fundação do novo Brasil'' (OLIVEIRA, 2006, p. 489,). O tipo de
nacionalismo que o governo JK ''queria construir e consolidar ''na
3
A apresentação dos distintos discursos de modernidade envolvidos na transferência da capital extrapola o
escopo do presente ensaio. Aos interessados, ver Magalhães (2011), Moreira (1998), Silva (1997).
sociedade – ''nacionalismo patriótico'' e ''internacionalista'' –

encontrava em Brasília um emblema perfeito'' (RODRIGUES, 1990,
p. 39).
''A nova capital como que daria materialidade, anunciaria, por
si só, o advento de uma nova era, de um ''Brasil novo'', como diria
Juscelino ainda candidato a presidência'' (RODRIGUES, 1990, p. 41).
Os ideais de ocupação do interior do Brasil, bem como as propostas
de trazer a modernização para o Planalto Central, considerada até
então como uma região atrasada, comparecem na letra da canção
‘Rojão de Brasília’, de Jackson do Pandeiro (1919-1982) e João do Vale
(1934-1966)4: […] Está ficando povoado / Todo o meu Brasil central
/ Riqueza, progresso e glória / Trouxe a nova capital.
O discurso de modernizar o Brasil passava ainda pelos
convites feitos para que famílias e operários não apenas viessem
ocupar e trabalhar na construção de Brasília, mas indiretamente era
um chamado para as pessoas se juntarem ideologicamente ao
projeto de modernização do país, que naquele momento subentende
ter a nova capital como o maior símbolo. Na letra da canção ‘Rojão
de Brasília’ percebemos também esta mensagem convidativa e
incentivadora para quem desejar ir para Brasília: […] Quem tiver de
malas prontas / Pode ir que se dá bem […]. E os autores, sinceros,
deixam ainda um aviso aos homens: mas levem seu xodó, porque
mulher lá não tem.
O engajamento no discurso modernizador representado pela
participação na construção da nova capital tinha como
contrapartida, para quem aderisse ao projeto, a promessa de uma
melhora de sua situação econômica; promessa efetivada mais para
os funcionários públicos que se mudaram do Rio de Janeiro para
Brasília do que propriamente para os operários da construção civil.
Esta promessa aparece em versos da marchinha carnavalesca
'Vamos pra Brasília’, de Átila Bezerra (s.d.), Sebastião Gomes (s.d.) e
4
Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=nKO9rO6YoRk, acesso em 15 de outubro de
2018. Próximo do coco e do baião, o rojão é um ritmo dançante muito praticado no nordeste. Seu
andamento faz lembrar também do maxixe.
Valdir Ribeiro (s.d.)5, gravado por Jorge Veiga, em 1958, que soava
como um convite: Está na hora Emília / É agora Emília / Deixa o Rio
/ Vem comigo pra Brasília / A ideia não é má / Nasceu de JK / Então
vamos pra lá / Que vai ser um chuá.
Com uma arquitetura que incluía superquadras, prédios
homogêneos, parques, ruas largas e arborizadas, Brasília tornava-se
um grande atrativo para imigrantes que lá se instalaram vindo de
várias partes do país. Esta forma arquitetônica, considerada
'futurista' para a época, era também uma forma do governo começar
a produzir novas imagens e memórias sobre os espaços urbanos
brasileiros, que em muitos aspectos eram considerados carentes de
modernização. Esta construção de imagens e memórias não
estariam apenas no discurso ideológico, mas na prática, em todos os
elementos simbólicos, materiais e imateriais na construção da nova
capital. A intenção era que as marcas daquele processo ritualizador
da construção de Brasília ecoassem sobre os indivíduos.
Há de se destacar também que foram empregados muitos
significados e sentidos neste processo, tornando os espaços de
Brasília um contraponto à realidade cotidiana da região Centro-
Oeste, que era de não desenvolvimento. A transferência da capital do
Rio de Janeiro para Goiás pode ser percebida como um processo
liminar, cheio de dúvidas e indagações. A construção e transferência
da nova capital se posicionava na contramão da estrutura social da
região, constituindo o que Turner (2015) chama de antiestrutura em
relação ao contexto sócio-histórico do Planalto Central, considerado
por muitos habitantes da antiga capital – litorânea e sede da corte –
5
Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=O2wO3LjPtXQ, acesso em 15 de outubro de
2018. Lembrando o estilo musical das marchas tocadas pelas fanfarras militares, as marchinhas se
popularizaram a partir do segundo quartel do século XX, especialmente nos salões de baile e nos
desfiles de rua no carnaval. De melodias e letras simples, de modo a permitir o rápido aprendizado e
reprodução, o estilo foi bastante utilizado para comentar acontecimentos cotidianos, tanto em sentido
apologético como crítico, constituindo recurso artístico para a manifestação contra crises, problemas
sociais e políticos.
um local pouco habitado e desenvolvido, dotado em grande medida

de vegetação virgem inviolada e mesmo de índios selvagens6.
Observar a construção de Brasília como um ritual, nos faz
perceber a divisão liminar de opiniões sobre a transferência da
capital. alinhados com o discurso de Carlos Lacerda, alguns cariocas
clamavam contra a transferência, conforme percebe-se no samba
'Não vou pra Brasília' de Billy Blanco (1924-2011)7: Eu não sou índio
nem nada / Não tenho orelha furada / Nem uso argola / Pendurada
no nariz / Não uso tanga de pena / E a minha pele é morena / Do
sol da praia onde nasci / E me criei feliz / Não vou, não vou pra
Brasília / Nem eu nem minha família / Mesmo que seja / Pra ficar
cheio da grana / A vida não se compara / Mesmo difícil, tão cara /
Eu caio duro / Mas fico em Copacabana.
Neste processo de disputa de poder simbólico sobre a
localização da capital, o Samba não fica de fora. Há que notar,
entretanto, que embora o samba já fosse identificado como estilo
nacional por excelência na época da construção de Brasília, a
gravação de Billy Blanco, – com voz e violão e o recurso dos acordes
alterados – se aproxima da bossa nova, que tem seu epicentro
justamente nas praias de Copacabana e Ipanema; o que ajuda a
compreender a recusa a abandonar o modo carioca – classe média /
bossa nova / Copacabana-Ipanema – de vida, mesmo com a
promessa de ganhos financeiros.
A imagem do planalto central que comparece na letra de Billy
Blanco é a de um local atrasado, terra de índios e aldeias, de pouco
desenvolvimento e nenhum conforto. Tal imagem foi enfatizada
pelos opositores ao projeto de JK, de modo a criar uma percepção da
região Centro-Oeste como um local inapropriado e incapaz de
receber a nova capital federal. Percebe-se na letra que a recusa de
6
Esta percepção estereotipada condiz pouco com a realidade sócio-histórica de ocupação do Brasil
Central desde o século XVIII e ignora, especialmente, a presença das fazendas na região e dos núcleos
urbanos preexistentes à transferência da capital: Formosa, Planaltina, Luziânia e Santo Antônio do
Descoberto. A este respeito cf. Bertran (2011), Magalhães (2011), Magalhães & Eleutério (2008).
7
Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=nJsBRTnZ-50, acesso em 15 de outubrode 2018.
alguns cariocas em vir para Brasília também estaria ligada às

memórias dos espaços cariocas, associadas ao seu sentimento de
pertencimento à ‘civilização’ e à ‘corte’, o que implica o
reconhecimento do sujeito carioca em constante relacionamento
com seu espaço. Este tipo de sentimento é construído e estabelecido,
como vimos, de acordo com as práticas diárias do sujeito em seu
cotidiano. Nota-se em uma parte da letra, forte ligação do carioca
com os espaços praianos: E a minha pele é morena / Do sol da praia
onde nasci. A antítese litoral desenvolvido / sertão atrasado serve
ainda de véu para encobrir um tema desagradável aos cariocas, que
não queriam perder o status de moradores da capital do Brasil
(VIDAL, 2012). Desta forma, muitos compositores recalcavam esta
perda expressando seu preconceito contra o sertão.
A preocupação do carioca em perder uma parte significativa
de sua identidade, associada ao carnaval, comparece na marchinha
'Nova Capital’8, de Aldacir Louro, Sebastião Mota e Edgard
Cavalcanti: […] Dizem, é voz corrente / Que em Goiás será a nova
capital / Leve tudo pra lá, seu presidente / Mas deixe aqui o nosso
carnaval / O carioca chora da lágrima cair / Se o reinado de momo
/ Também se transferir.
Este receio do carioca em perder o carnaval mostra como as
manifestações culturais dentro de um espaço podem influenciar
diretamente na sua identidade, pois é a relação do homem com os
dados materiais e imateriais do contexto espacial que legitima
determinada manifestação cultural.
A identidade carioca foi uma das questões fundamentais para
que não houvesse uma identificação da parte de muitos cariocas com
Brasília. Os sentidos que foram dados pelos opositores da construção
e transferência da capital, geraram a percepção de um local
inapropriado para receber a nova capital; local que muitos cariocas
só conheciam pelas imagens e outros nem isso.
8
Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=JwSFV5cpBoo, acesso em 15 de outubro de
2018.
Há de se destacar que o samba e a marchinha, como

elementos musicais mais marcantes do carnaval carioca, faziam
parte da paisagem sonora que representava a identidade daquele
local. Tentar tirar o carnaval do Rio de Janeiro seria o mesmo que
tentar apagar imagens e memórias que davam formas e contornos
à cidade. Este grande clamor em torno da não saída da capital do Rio
de Janeiro reflete as memórias individuais e coletivas que havia nos
compositores em relação a sua terra – natal ou adotiva –,
construídas não de forma isolada, mas dentro de um grupo
''submetido à influência da natureza material [...]'' (HALBWACHS,
1990, p. 133).
Já em Goiás, o espírito era o inverso, prevalecendo a
receptividade da nova capital. É o que se percebe na canção de Zé
Micuim, Goiá e Goiazinho (Trio da Amizade) intitulada 'Brasília'9:
Um dia um engenheiro / Teve um grande ideal / Trazer para o
planalto / A capital federal / E foi então que surgiu / a Rádio Brasil
Central / Fundação Coimbra Bueno / pela nova capital / O
engenheiro Coimbra Bueno / Que tanto já tem lutado / Pra realizar
este sonho / Que os goianos têm sonhado / O Palácio do Catete / Pra
Goiás ser transportado / Será um feito de glória / Para este grande
estado / Brasília, Brasília / O teu nome está guardado no coração /
Brasília, Brasília / Quer dizer progresso e grandeza de uma nação /
Brasília, Brasília / Tu és o sonho e a esperança de um povo bão /
Brasília, seu nome é sonhado / por todos esperado / com grande
emoção.
Esta guarânia, gravada em 1955, não apenas profetiza a
transferência da capital para o estado de Goiás, como mostra a
grande expectativa local pelo crescimento e desenvolvimento – um
feito de glória que representaria o progresso e a grandeza de uma
nação – e o engajamento de parte significativa dos goianos no
movimento pela transferência da capital durante a campanha
9
Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=7Mamy3vI8ZE, acesso em 15 de outubro de
2018. A guarânia é um ritmo ternário de origem paraguaia, prontamente incorporado no repertório
tradicional do cancioneiro caipira a partir de sua introdução na virada da década de 1930 para 1940.
presidencial de JK; movimento que teve justamente na Rádio Brasil

Central um de seus fortes pontos de apoio.
Na comparação entre as canções, fica claro que a possibilidade
da transferência da capital federal instaura uma diferença de
perspectiva na construção das memórias de goianos e cariocas. De
um lado, o ‘Rojão de Brasília’, a marchinha ‘Vamos para Brasília’ e a
guarânia ‘Brasília’ se alinham com a defesa da transferência da
capital e seus benefícios relativos ao desenvolvimento econômico do
Brasil Central e da possibilidade de melhora de vida para os
pioneiros. No lado oposto, a marchinha ‘Nova capital’ e o samba –
bossa ‘Não vou para Brasília’ expressam os receios do carioca de
perderem sua identidade ligada ao carnaval e suas desconfianças em
trocar a civilização do litoral pelo atraso do sertão. Nos extremos
dessa polaridade, a guarânia do Trio da Amizade traz uma percepção
relativa ao passado, presente e futuro do Centro-Oeste
diametralmente oposta daquela expressa na letra do samba / bossa
nova 'Não vou pra Brasília', de Billy Blanco.
Aqui vemos em plena operação como os processos de
construção das identidades configuram-se como responsáveis pela
organização dos significados das crenças e ações de indivíduos e
grupos, dando a eles forma e sentido.
Pensando a construção da nova capital e a transferência do
poder político da nação para o planalto central no enquadramento
teórico de um drama social, podemos perceber este momento como
uma fase liminar de um ritual que envolve disputas políticas em
torno da ideia da nação. Neste drama, o sentimento de
estranhamento e não pertencimento a certo contexto é comum a
cariocas e goianos. No caso dos cariocas, é notório que se ressentiam
quanto a uma transformação – indesejada – da sua identidade e de
sua forma de ser como ‘cariocas’, habitantes da corte, da sede do
poder e da cidade paradigma dos valores e confortos da civilização.
No outro polo, os goianos percebem também a transferência da
capital como uma mudança – desejada – de sua identidade e veem a
transferência da capital como uma possibilidade de participarem de

um modo central no processo de modernização do país.
A liminaridade, por ser um processo ambíguo, onde o sujeito
não se sente nem 'lá e nem cá', costuma promover também um novo
reconhecimento e uma nova identificação do sujeito com certo
espaço urbano onde ocorrem determinados rituais. E isso fica
evidente no empenho consciente dos goianos para sediar a
construção de Brasília, identificada com o “progresso e a grandeza
de uma nação”.
A disputa de poder é algo imanente ao drama social, conforme
a formulação de Turner (2015):
Dramas sociais são, em grande medida, processos políticos, ou seja,

envolvem concorrência por fins escassos – poder, dignidade,
prestígio, honra, pureza – através de meios específicos e da
utilização de recursos também escassos – bens, território, dinheiro,
homens e mulheres'' (TURNER, 2015, p. 100).
No caso em que o drama gira em torno das disputas pela sede

do poder político da nação, esse aspecto se torna ainda mais
evidente. O Rio de Janeiro não queria perder o prestígio e a honra de
ser o território sede da capital federal e Goiás, por sua vez, não
desejava abdicar da chance de galgar à dignidade de lugar
desenvolvido, próspero e atrativo, que adquiriria como sede do
poder nacional e pedra angular da fundação de uma nova era.
Essa perspectiva de uma refundação do país evidencia-se nos
ideais exaltados por JK em seus discursos em 'A voz do Brasil’
relacionados à construção de Brasília':
Fundação de uma nova era; benefício de todos, conquista dos

nossos imensos espaços interiores e de suas inexploradas riquezas,
ocupação do imensurável e até aqui vazio interior do nosso
território, ponte de comando de nossa viagem de conquista do
oeste brasileiro e Brasília: fundamento da era industrial do nosso
país [...] (RODRIGUES, 1990, p. 43).
Há de se considerar que a inserção dessas ideias no imaginário

popular foi um processo progressivo que se deu ao longo do tempo.
JK, dentro desse ritual transformador, posiciona-se na condição do
que Turner (2015) chama de membros estrelas, que seriam:
[...] ''os protagonistas, os líderes das facções, os defensores da fé, a

vanguarda revolucionária, os arquirreformistas'' […] que seriam
responsáveis por persuadir, influenciar e utilizar a força de
convencimento nos processos de dramas sociais (TURNER, 2015,
p. 101).
JK pode também ser visto neste processo como o que

Schechner (2011) chama de um performer bem treinado para
executar a performance que naquele instante objetivava transportar
o povo brasileiro a uma nova e possível realidade; expert na
manipulação da simbologia do poder, o presidente vai
paulatinamente incutindo na mente da população a ideologia do
nacional desenvolvimentismo, que se pautava pela necessidade de
reformulação econômica e social, através da formação de uma
imagem material e imaterial das grandes e rápidas transformações
rumo ao progresso – rodovias, hidrelétricas, fábrica de automóveis
–, que tem Brasília como símbolo e meta síntese do programa /
slogan '50 anos em 5'. A impressão que nos dá é que, quando JK
convoca as pessoas para construírem e ocuparem Brasília, ele sabia
exatamente que elas atribuiriam ao espaço urbano brasiliense
''significados, representações, desejos, sonhos'' (SANTOS, 2007, p.
33) que dariam um sentido àquele local. E suas imagens pessoais
revelam a convicção de que esse sentido seria justamente aquele
proposto pelo presidente, o grande comandante daquela epopeia.
Não somente os moradores e operários que lá se instalaram
foram importantes para a construção das primeiras imagens
citadinas de Brasília, mas ainda os demais simpatizantes da ideia
que contribuíram para criar uma percepção daquele projeto que
atendesse os propósitos de JK. Filmada e fotografada por pessoas de
renome internacional, durante o período da construção e em seus
primeiros anos como capital federal, esse esforço de divulgação

dessa imagem envolve também inúmeras pessoas que não a
conheciam diretamente.
Um objeto, ainda que não seja familiar para determinado
sujeito, pode vir a sê-lo por, provavelmente, relacionar-se com
algum estereótipo conhecido pelo observador (LYNCH, 1960). E as
imagens produzidas da construção e da inauguração de Brasília
propagaram, por todas as partes do país e também no exterior, uma
representação capaz de familiarizar a nova imagem com o
estereótipo desenvolvimentista que se formava naquele momento.
A partir do momento em que JK apropria-se de ideais que
culminaram em um ritual de transformações dentro do território
brasileiro, ele também interfere na identidade do país construída até
aquele momento. Como essa identidade é fortemente ancorada na
relação do sujeito com o seu espaço urbano, Brasília comparece
como matriz geradora de um novo país: um novo homem em um
novo espaço urbano.
Paralelamente à afirmação desta nova identidade, ocorre
então uma tentativa de se apagar memórias e identidades ligadas a
imagens territoriais formadas anteriormente: de uma nação
atrasada, arcaica, rural e subdesenvolvida. Nesse contexto, a música
seguiu seu caminho acompanhando como trilha sonora a
transferência e implantação da nova capital, enfatizando, apagando,
recriando, negando ou fortalecendo memórias, e descrevendo e
dando voz e sentido às ações que compuseram o processo de
construção e transferência da capital brasileira do Rio de Janeiro
para Brasília.
Considerações finais
O processo de construção e transferência da capital para

Brasília constitui uma fonte de produção de memórias. A grande
'floresta de concreto' que hoje compõe os espaços brasilienses,
apesar de serem dotadas de objetos imóveis, foi resultante da ação
humana dentro daquele contexto, projetando sobre os indivíduos da

época marcas e sinais que se transformaram em memórias que,
consequentemente, construíram neles um sentimento de
pertencimento ou estranhamento em relação à nova capital.
Memória e ritual se entrecruzaram no processo da construção
de Brasília. As memórias passaram por uma fase liminar no contexto
de um ritual de refundação do país; ritual especialmente evidente
para cariocas e goianos que tiveram suas identidades diretamente
alteradas pelas mudanças em seus espaços urbanos e nas relações
com os objetos materiais e simbólicos da cidade que deixou de ser a
capital, no caso dos primeiros, e da que foi construída no Planalto
Central, no caso dos segundos.
As memórias não são resultado da ação de um único
indivíduo, mas é o produto da relação do indivíduo com os outros,
com o contexto da sociedade, com o espaço urbano que projeta
continuamente imagens do mundo exterior sobre o 'eu'. Nesse
sentido, os espaços geográficos mineiro e goiano constituíram
elementos primordiais no processo de construção da identidade das
pessoas que viriam ali habitar. Confrontando as memórias de seus
locais de origem, o espaço urbano escolhido para a construção da
nova capital influenciou fortemente essas pessoas em relação à
aceitação ou não do novo local.
Temos, entretanto, que considerar que a percepção de uma
cidade é extremamente complexa e cada indivíduo pode apresentar
sua ótica particular, pois cada um traz consigo suas próprias
significações produzidas na relação com seu espaço de origem.
Afinal, os significados produzidos sobre uma cidade podem ser
positivos ou negativos e as percepções do indivíduo quanto a
determinado espaço urbano podem ser múltiplas e, eventualmente,
contraditórias.
Quanto à forma de abordagem do tema, defendemos que a
teoria do drama social de Victor Turner pode nortear trabalhos que
desejem investigar questões relativas à sociabilidade nos espaços
urbanos, entendendo as atividades das pessoas como performances
urbanas cotidianas. As relações sociais acontecem normalmente em

um tempo e espaço ritualizados. E a teoria de Turner pode facilitar
a percepção de como os efeitos ritualísticos e performáticos atuam
sobre determinado espaço e sobre quem o compõe10.
A teoria do drama social nos orientou na compreensão de
alguns aspectos relativos à construção da nova capital, ajudando-nos
a perceber de que forma ocorreram as experiências sociais neste
contexto e seus eventuais processos liminares. A partir dos dados
levantados sobre a transferência da capital, constatamos que a
música permeou este processo de mudança da sede de governo,
revelando imagens dos espaços goiano e carioca e atuando, em
muitos momentos, como porta-voz de grupos sociais, expressando
expectativas, insatisfações e descontentamentos nesse transcurso.
A identidade sonora de determinado cenário varia de acordo
com o contexto sócio-histórico. A formação dos sons depende do que
o espaço urbano oferece para o compositor, como se pode notar no
ecletismo das músicas utilizadas neste trabalho. ''Cada ritmo
desenvolve uma dinâmica específica na relação entre distintos
grupos sociais e seus interesses na formação de suas práticas e
representações'' (COELHO, 2004, p. 81). A grande variação da
paisagem sonora de um espaço para outro faz emergir uma
pluralidade de estilos, composições e letras. E a música atuou
decisivamente nesses processos de (re)construção de identidades,
trazendo à tona memórias antigas – apagando-as, modificando-as
ou reafirmando-as – e trazendo elementos para construção de novas
memórias e identidades.
As músicas e letras das canções oferecem valiosas informações
sobre determinados contextos urbanos, principalmente se
considerarmos que a música pode dar voz a conflitos, interesses
políticos, disputas de poder, sentimentos, estados liminares rituais,
rupturas, ou até mesmo a recomposição da unidade em determinada
10
No escopo deste ensaio, evitamos aprofundar distinções conceituais sobre ‘ritual’ e ‘performance’. A
este respeito ver Peirano (2006).
estrutura social. Nesse sentido, o estudo da música e das letras pode

ajudar a entender o sentido das ações humanas, desempenhadas em
determinado tempo e espaço, abrindo espaço para uma abordagem
metodológica interdisciplinar que envolve música e performances
urbanas.
No caso específico que nos ocupou neste ensaio, vimos que,
no processo de construção e instalação da nova capital, a música
comparece como um fio condutor, revelando o tom e o ritmo das
práticas socioculturais nesses locais, bem como realizando a leitura
da realidade por meio da lente do compositor e do intérprete, que
participam das ações sociais no tempo e no espaço.
A comparação entre as canções selecionadas para análise
mostrou que a mudança da sede do poder político da nação
instaurou uma marcante diferença de perspectiva entre elas. De um
lado, temos as canções alinhadas com a defesa da transferência da
capital e dos benefícios gerais relativos ao desenvolvimento
econômico do interior do país, além de apontarem as vantagens
individuais que se apresentavam como promessas para os pioneiros.
De outro, sobressai um sentimento de não pertencimento e certo
repúdio em relação ao processo de construção da nova capital da
parte de muitos cariocas que temem perder uma parte importante
de sua identidade de habitantes da corte instalada no litoral
“civilizado”.
Visto com certa distância histórica, passados sessenta anos do
início da construção da capital, a queda patente que parte dos receios
dos cariocas era infundada, uma vez que algo de sua alma ligada à
tradição do choro, do samba e das marchinhas de carnaval, com seu
espírito irreverente, migraram para Brasília, onde entraram em
contato também com outras tradições do país. Por outro lado, nem
todas as promessas se cumpriram para os pioneiros que buscavam
uma melhora de vida, notadamente para os candangos
trabalhadores da construção civil, que logo foram alijados das
benesses do novo espaço urbano do plano piloto. Além disso, o
projeto modernizador preconizado pelos goianos não se mostrou
exatamente idêntico ao da sociedade central que se movia do litoral

para o sertão e também muitos goianos foram alijados das benesses
da modernidade que se instalou no Planalto Central. Tendência que
é acirrada com a predominância da modernização conservadora que
se acentua após o golpe militar de 1964. Mas isso já é outro
movimento da sinfonia tragicômica da história.
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2
Uma cartografia dos protestos:

performance e sensibilidades nas imagens das
manifestações públicas na luta contra a extinção
da Fundação Piratini (rádio e televisão)1
Nádia Maria Weber Santos2

Newton Pinto da Silva3
Avant-propos
Partindo de imagens tomadas ao vivo e nas redes sociais, em

atos de protestos dos servidores da Fundação Piratini (fundação
estadual de comunicação pública do Rio Grande do Sul, gestora da
TVE e rádio FM Cultura 107.7), a qual está em vias de extinção pelo
governo do Estado, intenta-se estudar os processos pelos quais as
performances dos gestos, dos corpos e das atitudes dos cidadãos nas
1
Este texto é uma reflexão a partir do projeto de pesquisa homônimo que a primeira autora desenvolve
no âmbito do Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Performances Culturais, da UFG, onde
atua desde maio de 2018 como professora visitante. O segundo autor do texto é jornalista, Mestre em
Artes Cênicas pela UFRGS e é servidor concursado da TVE-RS há 19 anos, sendo convidado para
escrever o artigo na qualidade também de depoente de uma das pesquisas que a autora desenvolve na
Fundação Piratini, como Bolsista de Produtividade do CNPq. Sua colaboração como intelectual, mas
também como peça fundamental da luta pela comunicação pública no Rio Grande do Sul, enriquece
nossa escrita.
2
Doutora em História pela UFRGS, Pós-doutora pela Université Laval, Quebec/Canadá. Bolsista de
Produtividade do CNPq. Atualmente é professora visitante do PPGIPC da UFG.
3
Jornalista e Mestre em Artes Cênicas pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGAC)
da UFRGS. Servidor concursado no cargo de Repórter de Televisão da Fundação Piratini.
referidas manifestações públicas relacionam-se a expressões

humanas de luta e de embates e representam, num contexto
contemporâneo de combate à onda reacionária que assola o país,
rituais [culturais e sociais] de passagem. Também será utilizado o
depoimento de um servidor, que é o segundo autor deste texto, e
que corrobora nossas análises, fazendo-se importante no contexto
do Movimento dos servidores e em seus atos performáticos.
Enquanto funcionário concursado da Fundação Piratini (FP),
jornalista e repórter de televisão, ele vem acompanhando há anos as
dificuldades para implantação do sistema público de comunicação,
em seus entraves nos sucessivos governos estaduais. São reveses
que envolvem desde a falta de recursos para a inovação tecnológica
(característica constante dos meios de comunicação) até as
armadilhas impostas pelos executivos estaduais na tentativa de
transformar a comunicação de caráter público em meros veículos
reprodutores do discurso oficial e estatal.
Figura 1
Movimento dos servidores da Fundação Piratini. Ângulo lateral. 26-12-2016
Fonte: Autoria e acervo da pesquisadora Nádia Maria Weber Santos
Nádia Maria Weber Santos; Newton Pinto da Silva | 53
Figura 2
Movimento dos servidores da Fundação Piratini. Ângulo frontal. 26-12-2016
Fonte: Autoria e acervo da pesquisadora Nádia Maria Weber Santos
As figuras acima, 1 e 2, foram tomadas pela autora, em 26 de

dezembro de 2016, no dia em que os servidores da Fundação
Piratini foram impedidos de entrar para trabalhar no prédio das
emissoras TVE e Rádio FM Cultura 107.7, após a votação na
Assembleia Legislativa, do projeto de lei (PL 246) que autoriza a
extinção da fundação, depois de 42 anos de funcionamento da
televisão e 27 anos da rádio (completados em 2016). Eles estão com
mordaças, no pórtico de entrada das emissoras e reivindicam poder
ingressar em seu ambiente de trabalho, uma vez que, até aquele
momento, tanto as demissões dos funcionários quanto a extinção
efetiva da Fundação Piratini, previstas na lei então aprovada, teriam
prazo de 180 dias para serem concretizadas e dependeriam dos
trâmites burocráticos e trabalhistas que envolvem uma proposta
como esta. A imagem desse ato de protesto é carregada de
significados e demonstra, em sua materialidade performática, uma
práxis de luta que atualiza dinâmicas coletivas e representa, no
tempo presente, memórias de outras lutas.
Neste texto, intentamos pensar as imagens das pessoas
(servidores e cidadãos da urbe) nas manifestações de luta contra as
intransigências do governo, tomadas, aqui, enquanto performances
paradigmáticas de situações de lutas, que têm seus antecedentes em

alguns mitos universais e rituais da humanidade. As imagens serão
examinadas e analisadas pelos parâmetros teóricos e metodológicos
apontados mais adiante, relacionados ao campo das Performances
Culturais.
A Fundação Piratini como objeto de pesquisa acadêmica
Em 2014, a TVE – emissora inaugurada em 1974 e que deu

origem à Fundação Piratini – completou 40 anos4. Este foi o mote
principal para iniciar a senda de pesquisar a TVE-RS em diversas
instâncias, que constituiu dois projetos de pesquisa anteriores:
exame das fitas do acervo, que revelam a memória imagética e o
patrimônio da sociedade gaúcha e brasileira – projeto da autora,
com financiamento FAPERGS, já finalizado; e entrevistas (história
oral) com pessoas direta ou indiretamente ligadas à emissora
pública e depoimentos da população em geral em redes sociais, a fim
de identificar as sensibilidades que este dispositivo de cultura
proporciona às pessoas da cidade e do Estado – projeto da bolsa
produtividade CNPq, em andamento5. Em ambos, foram
4
A emissora de rádio FM Cultura 107.7 Mhz foi inaugurada em 1989. O site oficial da fundação é:
<http://www.fundacaopiratini.rs.gov.br/>. Já os sites das emissoras são encontrados nos seguintes
links: <http://www.tve.com.br/> e <http://www.fmcultura.com.br/>.
5
O projeto de pesquisa Uma cartografia dos protestos: performance, sensibilidades e arquétipos
nas imagens das manifestações públicas na luta contra a extinção da Fundação Piratini (rádio e
televisão), do qual extrai-se este primeiro artigo, é um desdobramento do projeto em andamento A
importância da TVE da Fundação Piratini como dispositivo de cultura e de sensibilidades para
a memória da sociedade, que foi apresentado ao edital PQ 2015/CNPQ e foi aprovado para receber
BOLSA de Produtividade em Pesquisa (PQ), com vigência de 01-03-2016 a 28-02-2019 (36 meses),
onde se trabalha com fontes orais (depoimentos) e fontes da mídia social (rede sociais, Facebook e
Instagram). Este, por sua vez, foi articulado com um outro projeto já finalizado, do qual a autora foi
coordenadora, Memória e Patrimônio da Fundação Cultural Piratini: o acervo audiovisual da
TVE, com financiamento Fapergs (edital PQG gaúcho 2014), também relativo à memória da TVE da
Fundação Piratini, onde foram coletados dados nas fitas de imagens produzidas nos 42 anos de
existência da emissora, que constituem o acervo audiovisual da TVE. Os produtos finais deste projeto,
custeados pela FAPERGS, foram: um livro sobre a TV Pública no Brasil (TVs Públicas: Memória de
arquivos audiovisuais, organizado por mim e por professora do PPG em Comunicação da Faculdade
Cásper Líbero de São Paulo, Dra. Ana Luiza Coiro Moraes, São Leopoldo: editora OIKOS, 2016), que
conta com a colaboração de 38 pesquisadores experts na temática de IES brasileiras, totalizando 22
evidenciados e trabalhados aspectos da memória social e cultural da

emissora, na sua relação com a comunicação pública, enfatizando a
importância de seu acervo audiovisual como patrimônio da
sociedade, bem como do papel de cidadania que exerce junto à
comunidade de telespectadores gaúchos. O que foi feito até então em
termos de pesquisa serve de referencial de contingência e base
empírica para atual pesquisa, sendo que, neste artigo, dar-se-á
ênfase ao campo das performances, analisando as imagens de
protestos e de lutas que constituem o atual momento pelo qual passa
a Fundação e suas emissoras de rádio e televisão públicas.
Explica-se: neste meio tempo das pesquisas acadêmicas
citadas, desde 2015, surgiram boatos cada vez mais fortes sobre a
possível extinção da Fundação Piratini, o que fez surgir um
movimento capitaneado pelos servidores, chamado Movimento dos
Servidores da TVE e FM Cultura. No atual governo estadual, existiu,
desde seu início, uma ‘sombra’ em relação aos instrumentos de
cultura de nosso Estado, tendo o atual governador Ivo Sartori, do
PMDB, logo no início de seu mandato, em 2015, ameaçado extinguir
alguns órgãos de cultura, bem como seus financiamentos, incluindo
a TVE-RS e a FM Cultura 107,7. Além disto, não foram admitidos
profissionais concursados recentemente, etc. Assim, desde o início
de 2015, eclodiram vários movimentos dos cidadãos porto-
alegrenses (a capital do RS, Porto Alegre, é a sede do Governo e
também da emissora Fundação Piratini) em redes sociais e em
manifestações públicas. Há muitas documentações disto em jornais
do Estado, bem como em redes sociais.6 Note-se, também, que a TVE
capítulos; um DVD (documentário) de imagens da pesquisa (making off) e do material coletado (DVD
O acervo audiovisual da TVE-RS – memórias de uma pesquisa em emissora pública).
6
Por exemplo, há no Facebook (rede social amplamente utilizada no Brasil para manifestações de toda
ordem, incluindo aquelas que são sérias reivindicações) um grupo aberto em prol da preservação da
TVE, ameaçada de fechamento pelo governador do RS, Sr. Sartori, chamado Movimento para
preservação da TVE e FM Cultura (grupo criado por artistas, intelectuais e defensores da comunicação
pública), cujos conteúdos podem ser acessados no seguinte link
https://www.facebook.com/groups/793536650682242/, acesso em 15 de outubro de 2018. Outra
página que trata do tema foi criada pelos empregados públicos concursados, que atuam na Fundação
tem sua transmissão veiculada para as principais cidades gaúchas,

não somente para a capital. É com esta luta e as imagens produzidas
por ela que este artigo ocupar-se-á.
Remontando, brevemente, ao início da emissora, para poder
compreender melhor o que hoje acontece e a importância de
pesquisas acadêmicas no âmbito da História, da memória, do
Patrimônio e outras áreas do saber, como Performances Culturais,
afirma-se que foram várias as lutas travadas para que ela
permanecesse ativa e atuante na comunicação pública do Estado.
O início da TV brasileira remonta a 18 de setembro de 1950,
quando a TV Tupi de São Paulo, PRF-3 TV, canal 3, foi inaugurada.
Era a concretização do sonho de um pioneiro da comunicação no
Brasil, Francisco de Assis Chateaubriand Bandeira de Melo, o
“Chatô”, que já controlava uma cadeia de jornais e emissoras de
rádio, o grupo Diários e Emissoras Associados. A TV Piratini foi ao
ar no dia 20 de dezembro de 1959, com sede em Porto Alegre, como
uma das emissoras integrantes do grupo que ao longo da década de
1950 também inaugurou estações em Curitiba, Salvador, Recife,
Campina Grande, Fortaleza, São Luís, Belém e Goiânia (STRELOW,
2009) e durou até 1980.
A TVE-RS atualmente está situada no mesmo prédio em que
a TV Piratini fora instalada. Algumas lutas travaram-se, entre
grupos e governo (principalmente nas décadas de 1960-70 do
período ditatorial) para que as emissoras pudessem ter seus espaços
de concessão garantidos pelo Governo.
A TVE foi criada em 1974 na Faculdade dos Meios de
Comunicação Social da Pontifícia Universidade Católica do Rio
Grande do Sul (FAMECOS/PUCRS), a partir de um acordo do
Governo do Estado com a instituição de ensino. Sua programação
era voltada para a educação e servia de laboratório aos alunos do
curso de Jornalismo (SILVA, 2008). Tendo ocorrido um incêndio nas
Piratini, e chama-se Movimento dos servidores da TVE e FM Cultura. A página pode ser acessada no
link https://www.facebook.com/MSTVEFMCultura/, acesso em 15 de outubro de 2018.
instalações da TVE na Famecos em 1980, a administração da

emissora reivindicou o espaço pertencente à extinta TV Piratini, no
Morro Santa Teresa (Avenida Corrêa Lima), local em que
permanece até hoje. A TVE herdou da TV Piratini acervos
filmográficos, torre e equipamentos. Mas em 1983, após uma
reformulação e modernização tecnológica, um novo incêndio
destruiu algumas instalações da TVE e todo seu arquivo de imagens,
composto por “documentos produzidos pela emissora e por toda
herança filmográfica da extinta TV Piratini” (SILVA, 2008, p. 26).
Segundo este autor, a maioria das latas de filme foi queimada e o
restante foi depositado nos porões do prédio principal da TVE, onde
permaneceram até a década de 1990, quando então, num repasse,
os equipamentos, filmes e fitas do incêndio foram levados para o
Museu de Comunicação Social Hypólito José da Costa, onde
permanecem até hoje, muitos em precário estado de conservação. O
acervo atual de fitas da TVE data, portanto, do início dos anos 80 e
é constituído por 16 mil fitas em formatos diversos (U-Matic,
DVCpro, VHS e DVD, entre outras mais antigas, como as
Quadruplex, mas que não há equipamentos para visualização).
Muitas outras transformações aconteceram na TVE, como a
transmissão a cores em 1983, a interiorização do sinal para outros
municípios do Estado, a reformulação (nos anos 1990) da estrutura
organizacional (passando a chamar-se Fundação Rádio e Televisão
Educativa) e a realização de um acordo de cooperação técnica com a
Fundação Padre Anchieta de São Paulo – TV Cultura, que propiciou
a troca de programas entre as grades de programação (SILVA, 2008,
p. 28) e, mais recentemente, a migração para o sinal digital em 2015.
Seu percurso histórico é, assim, permeado por lutas políticas,
entraves institucionais, incêndios, inúmeras mudanças de grades de
programação, passagem do sinal analógico para digital (muito
recentemente) e presidências que trocam a cada 4 anos com os
governos eleitos – e, portanto, está em constante altos e baixos,
conforme os governos, que indicam os presidentes (‘trocas’ políticas,
como todos sabem) e os cargos comissionados (CCs), estes nem
sempre ligados às áreas da comunicação ou cultura. Há um

Conselho Deliberativo7, criado em 1995, formado por representantes
da sociedade civil e entidades, mas que nem sempre consegue ter
voz ativa em determinadas deliberações. Foi a partir da criação deste
conselho que a TVE-RS passou a se denominar televisão pública
(TORVES, 2006). Há, também visivelmente, um constante conflito
entre os servidores concursados e os funcionários CCs, pois estes
últimos exercem cargos importantes, como direção de
programação, direção de projetos especiais, setor de Marketing,
entre outros e nem sempre tem o conhecimento do métier.
Mais recentemente, em novembro de 2016, o governador
Sartori (PMDB) enviou para votação na Assembleia Legislativa (AL) os
projetos-lei (PLs 246, 240 e 301) de extinção de nove fundações
públicas do RS (ligadas à cultura, ciência, pesquisa, saúde e
tecnologia8), alegando necessidade de enxugamento de gastos no
Estado (dentro de uma votação maior, do pacote de ajustes fiscais) - e
prevê a demissão de aproximadamente 1200 funcionários, entre
servidores e cargos de comissão. O PL 246 (que incluía a Fundação
Piratini) foi aprovado por 30 a 23 votos na AL. Este processo ocasionou
uma grande disputa entre os servidores, a sociedade e o Estado e seus
governantes, culminando em dias de guerra na Praça da Matriz em
Porto Alegre, dias estes que antecederam a noite da votação do pacote
na AL, 21 de dezembro. Desde os meados do segundo semestre de
2016, foram criados movimentos para preservação da Fundação
7
O Conselho Deliberativo é um órgão colegiado representativo da sociedade civil envolvido com a
gestão cultural e comunicação pública, regulamentado no Estatuto da Fundação Piratini. O Conselho
Deliberativo mantém uma página na rede social Facebook para divulgar suas ações e deliberações aos
telespectadores e sociedade, através do seguinte link: <https://www.facebook.com/
Conselhofundacaopiratini/>, acesso em 15 de outubro de 2018.
8
Fundação de Ciência e Tecnologia (Cientec); Fundação Piratini (que mantém a TVE e a FM Cultura);
Fundação para o Desenvolvimento de Recursos Humanos (FDRH); Fundação de Economia e Estatística
(FEE); Fundação Estadual de Pesquisa Agropecuária (Fepagro); Fundação Estadual de Produção e
Pesquisa em Saúde (Fepps); Fundação Instituto Gaúcho de Tradição e Folclore (FIGTF); Fundação de
Zoobotânica (FZB); Fundação Estadual de Planejamento Metropolitano e Regional (Metroplan). Ver
detalhes em <http://g1.globo.com/rs/rio-grande-do-sul/noticia/2016/11/governo-extinge-nove-
fundacoes-e-reduz-numero-de-secretarias-no-rs.html>. Acesso em 16/07/2017.
Piratini por parte dos servidores e as redes sociais (principalmente

Facebook) ficaram repletas de imagens, depoimentos, notícias, gritos
de embates – a grande maioria contra a extinção da Fundação Piratini.
Alguns atos-shows-debates foram organizados pelos artistas e
intelectuais da capital, principalmente em duas praças públicas
relevantes da cidade (Parque Farroupilha/Redenção e Praça da Matriz,
onde ficam as sedes dos poderes Legislativo, Executivo e Judiciário) e
mobilizaram milhares de pessoas.
O foco do artigo ora apresentado são as manifestações
públicas desta luta travada entre os servidores e a sociedade gaúcha
(com seus artistas, intelectuais e população em geral) contra os
desmandos do governo e a possível extinção, porém privilegiando a
produção e a leitura de imagens em seus aspectos performáticos,
arquetípicos e atuais.
Cabe ressaltar, ainda, que os servidores das Fundações em vias
de extinção utilizaram seus direitos de cidadãos e de profissionais e
acionaram várias instâncias do judiciário gaúcho (TRT, MPT, MPC,
TRF, MPF), as quais deram pareceres e sentenças favoráveis a eles e
foram contrárias ao governo em relação às extinções e às demissões.
Portanto, as Fundações ainda existem e seus servidores foram
recolocados em seus cargos desde janeiro de 2017, não tendo ocorrido
a demissão em massa, conforme planejavam os PLs, apesar da
intenção do governo manifesta em sucessivos recursos judiciais e
rodadas de negociação com sindicatos mediadas pelo TRT. Mas a luta
não parou e os movimentos seguem atuantes e em frequentes atos de
protestos e de manifestações públicas, veiculadas pela internet e suas
redes sociais e realizadas, no concreto, em praças públicas da capital
gaúcha, em frente a órgãos públicos do judiciário, em eventos coletivos
da cidade, entre outros.
Partimos do seguinte questionamento: de que forma a luta
dos servidores da Fundação Piratini (FP) - TVE e Rádio Cultura FM
- cria imagens de embates coletivos e se tornam práticas simbólicas
de resistência? Tentamos compreender se as práticas empreendidas
pelos movimentos de protesto dos servidores da FP e suas
performances têm influenciado a opinião pública e, mais, as

estratégias de poder do governo. E, ao final, refletimos sobre como
as teorias das Performances Culturais poderiam colaborar para
pensar as lutas sociais do momento.
Performances e imagens – Algumas discussões teóricas
O objetivo geral deste texto é expor uma primeira

aproximação com o tema das Performances Culturais na sua relação
com os atos de protestos, que podem ser identificados como
performances coletivas de atos de resistência e ou como rituais
sociais e culturais de passagem na sociedade contemporânea.
A noção de representação permeia este artigo no que tange ao
estudo de imagens de performances. Imagens são narrativas que se
prestam à decifração e atestam/representam a passagem do homem
através das épocas, re-apresentam o ausente (CHARTIER, 1998).
Neste sentido, as imagens fornecem rastros do presente ou do
passado e, fixas ou em movimento, são um tipo de linguagem cuja
finalidade é comunicar. Dotadas de sentido e produzidas por ações
humanas intencionais, as imagens partilham com outras formas de
linguagem a condição de serem simbólicas e dotadas de sentido, são
ações humanas dotadas de significação. “Imagens são
representações da realidade que se colocam no lugar das coisas, dos
seres, dos acontecimentos do mundo. É da natureza da imagem
oferecer-se à contemplação, dando-se a ver.” (PESAVENTO, 2008,
p. 100). Na função de representação do real, contudo, uma imagem
porta significados somente quando nela incide o olhar humano, que
já traz consigo outras imagens, do “arquivo da memória”, de seu
“museu imaginário”.
O estatuto da imagem enquanto “acontecimento visual”,
qualquer que seja ela, transforma-a em “vestígio ou fragmento de
verdade” (DIDI-HUBERMAN, 2012, p.58). E este é o motivo pelo
qual uma imagem, mesmo deteriorada “devido ao seu contato com
o real (como testemunho ou imagem de arquivos), e por pouco que
se tenha tornado possível conhecê-la ao relacioná-la com outras

fontes (como montagem ou imagem construída), ‘salva a honra’,
isto é, salva pelo menos do esquecimento, um real histórico
ameaçado pela indiferença”. (p.226).
Ainda, seguimos Didi-Huberman (2010) quando refere que
uma imagem autêntica deveria dar-se como uma imagem crítica,
uma imagem ‘em crise’, que critica a própria imagem e nossa
maneira de vê-la. Remontando ao aspecto da ‘aura’ em Walter
Benjamin, afirma também que o ‘tesouro simbólico’ surge no
momento da visão da imagem que nos olha a cada momento do ver.
“Quando o trabalho do simbólico consegue tecer essa trama de
repente ‘singular’ a partir de um objeto visível, por um lado ela o faz
literalmente ‘aparecer’ como um acontecimento visual único, por
outro, o transforma literalmente.” (DIDI-HUBERMAN, 2010, p. 150)
Assim, será a partir deste estatuto da imagem como
“acontecimento visual”, e na dialética da
representação/vestígio/fragmento com um real histórico, que
tomaremos as imagens dos atos de protestos e resistência dos
servidores e da população porto-alegrense na oposição aos atos
governamentais como imagens críticas.
E, na medida em que as imagens são tidas como testemunhos
imediatos da memória, neste caminho é que buscaremos estudar a
sensibilidade a partir do ponto de vista de quem trabalha na
emissora que está sensibilizada com a possibilidade de fechamento
da Fundação Piratini.
No que tange às sensibilidades dos envolvidos, em relação à
comunicação pública, principalmente nestes momentos de embates,
uma passagem do texto de Pesavento (2005)9, sobre o trabalho com
as sensibilidades na História, vem ao encontro do que se pretende
dizer: “[...] mesmo as sensibilidades mais finas, as emoções e os
sentimentos, devem ser expressos e materializados em alguma
9
Referência na web, sem página. PESAVENTO, Sandra Jatahy. Sensibilidades no tempo, tempo das
sensibilidades, Nuevo Mundo Mundos Nuevos [En línea], Coloquios, Puesto en línea el 04 febrero
2005, consultado el 14 abril 2013. Disponível em : <http://nuevomundo.revues.org/229>.
forma de registro passível de ser resgatado pelo historiador”. Para

esse último, assim, a narrativa – aqui, no caso, a narrativa dos atos
de protesto enquanto performances - deve se fundamentar nas
“marcas de historicidade”, deixadas pelas fontes ou pelos registros
de algo que aconteceu um dia “e que, organizados e interpretados,
darão prova e legitimidade ao discurso historiográfico”.
Como enfatizam Bauman e Briggs (2006) é importante ao
campo das Performances dar atenção ao contexto sociocultural da
performance examinada, salientando como a organização poética
(diríamos ‘sensível’ do ‘evento’) “extrai discursos de certos eventos
de fala e explora sua relação com uma diversidade de contextos
sociais”. (BAUMANN E BRIGGS, 2006, p. 190)
A poética dos corpos, em seus atos/estados de luta, como
evidenciam as imagens aqui analisadas, permitem que os vejamos
em seu caráter vivo e mutante como suportes das imagens dialéticas
que possuem, intrinsecamente, um saber. (ROYO, 2015)
Em uma sociedade contemporânea caracterizada por
discursos esgotados em seus cenários espetaculares e midiáticos, a
extinção da Fundação Piratini – responsável por dois veículos de
comunicação pública, a TVE e a FM Cultura (que propõem a
discussão de temas que não estão presentes nas emissoras privadas)
– configura-se no silenciamento de um importante espaço
emancipatório de comunicação da sociedade gaúcha. Assim,
entendemos as manifestações e os atos de protestos dos servidores
como meios de expressão e organização performativa que dão voz à
opinião pública contrária à extinção. Interessa-nos visualizar tais
manifestações como rituais coletivos de participação cidadã e
práticas simbólicas de resistência (DIÉGUEZ CABALLERO, 2007).
Cartografando os protestos: Os primórdios da luta10
O dia 21 de dezembro de 2016 foi um divisor de águas para o

movimento dos servidores da TVE e FM Cultura e das demais oito
fundações atingidas pela votação, na AL, das leis que autorizaram a
extinção das instituições, com base na proposta apresentada pelo
executivo estadual do governo de José Ivo Sartori. Durante toda
daquela quarta-feira, nós, os funcionários concursados das
fundações estaduais, acompanhávamos perplexos o desenrolar dos
tristes acontecimentos. Há quase um mês, estávamos acampados na
Praça da Matriz de Porto Alegre para denunciar o desmantelamento
de importantes instituições que prestam serviços essenciais à
sociedade gaúcha nas áreas da cultura, comunicação, ciência e
tecnologia.
Especificamente, na Fundação Piratini, começamos a articular
e tornar públicas nossas preocupações sobre o futuro das emissoras
de comunicação (TVE e FM Cultura) a partir de maio daquele ano,
quando criamos e colocamos no ar nossa página oficial na rede social
Facebook. Naquele momento, já havia rumores extraoficiais de que
o governo Sartori planejava tomar medidas para modificar o caráter
público das emissoras, fato que preocupou o conjunto de
funcionários e respectivos sindicatos dos jornalistas e radialistas.
Curiosamente, no final de março do ano anterior (2015),
durante as festividades de 41 anos da TVE e 26 anos da FM Cultura,
o governador Sartori compareceu ao estúdio da emissora, em um
concerto especial de aniversário oferecido pela Orquestra Sinfônica
de Porto Alegre, e desejou “vida longa à TVE e à FM Cultura”. Pouco
mais de um ano depois, o mesmo governador anunciou em uma
entrevista coletiva o pacote de medidas e projetos de lei que
propunham a extinção das nove fundações estaduais já citadas neste
10
Especialmente o conteúdo desta seção configura-se, também, em um depoimento do segundo autor
deste artigo que, além de intelectual na área do Teatro e das Performances, é, como já referenciado
acima, jornalista e servidor concursado da TVE-RS e que teve participação ativa na luta a que nos
referimos.
artigo. Como se não bastasse a incongruência entre o prometido

anteriormente (“vida longa à TVE e à FM Cultura”) e o novo discurso
(o projeto de extinguir as emissoras), o absurdo da situação ganhou
pinceladas que beiram o sadismo quando o governo solicita à
direção da Fundação (formada por cargos de confiança - CCs) que a
coletiva de imprensa fosse transmitida ao vivo pela TVE. Com isso,
os próprios servidores concursados das emissoras tiveram que
cobrir o anúncio da intenção do governo de extinguir a fundação na
qual trabalhavam e, o mais grave do ponto de vista pessoal, a futura
demissão do quadro funcional (mais de 1.200 pessoas em todas as
instituições atingidas pelo pacote).
De maio de 2016 até o final de dezembro do mesmo ano, o
movimento dos servidores e dos sindicatos saiu à luta. Tal
movimento buscou mobilizar todos os setores da sociedade e
recebeu apoio institucional de dezenas de entidades de todas as
áreas (professores, universidades, associações de classe, artistas,
intelectuais e abaixo-assinado da população em geral). Para dar
conta do trabalho que se fazia necessário, informar à população
sobre a importância das emissoras (função educativa, registro da
memória cultural, tradução de sensibilidades, alteridade, da
diferença e de identidades, etc.), os servidores se dividiram em
diversas frentes e grupos de ação: político, comunicação, produção
e realização de eventos, entre outros.
Artistas e intelectuais gaúchos e de todo o país enviaram
vídeos, publicados na página do movimento, com depoimentos
defendendo a continuidade das atividades desenvolvidas pela
Fundação Piratini. Os funcionários responsáveis pela articulação
política, com o apoio de artistas e intelectuais de destaque do RS,
visitaram o gabinete de cada deputado estadual, apresentando a
farsa dos números divulgados pelo governo sobre a economia nas
contas públicas, a inexistência de estudos prévios que sustentassem
as extinções e a falta de planejamento sobre como seriam executadas
as funções das referidas fundações após o seu fechamento, caso

aprovado pelo Legislativo.11
Os servidores do grupo de comunicação, com o apoio dos
funcionários envolvidos com a realização de eventos, ainda no
primeiro semestre de 2016, lançaram o slogan “Salve Salve TVE e
FM Cultura” em eventos públicos, shows e redes sociais. O slogan
imediatamente conquistou cidadãos e entidades contrários ao
projeto de lei que previa o encerramento das entidades. O setor de
produção confeccionou camisetas, pirulitos, informativos, folders e
outros materiais de divulgação que foram distribuídos à população
ao longo do ano. Enquanto isto, a página do Movimento dos
servidores da TV e FM Cultura (que na data da realização deste
artigo tem cerca de 11.500 seguidores) publicou notícias,
informativos, fotos, vídeos e manifestos que foram compartilhados
sucessivamente pelos seguidores, gerando um envolvimento de
público que garantiu a visibilidade das ações.
No entanto, a participação massiva da comunidade gaúcha
que se comprometia com a continuidade das atividades da Fundação
Piratini, mantendo o caráter público e constitucional das emissoras,
não sensibilizou a maioria dos deputados que compõem a base do
governo e que votou pela extinção das instituições. Em oposição ao
que demonstrava a opinião pública naquele momento, os deputados
que integravam as bancadas de apoio ao executivo decidiram seguir
a orientação dos líderes partidários. O lamentável resultado frustrou
a todos nós que passamos aquela madrugada do dia 21 na Praça da
Matriz e que, durante a semana de votação, protestamos em frente
às sedes dos poderes executivo, legislativo e judiciário estaduais,
enfrentando a repressão policial e bombas de efeito moral, apesar
do caráter pacífico das manifestações.
Toda esta situação e a reprovável vitória dos projetos de lei do
governo Sartori obrigaram a uma mudança de rumo das ações do
11
A página onde podem ser acessados depoimentos, vídeos e manifestos em defesa da Fundação Piratini
está disponível em: https://www.facebook.com/MSTVEFMCultura/, acesso em 15 de outubro de 2018.
movimento. Se até então os atos buscavam a conscientização da

população das intenções obscuras do governo (conscientização que
se mostrou crescente e efetiva) e pressão dos deputados para que
entendessem e votassem contrários às leis (parcialmente inócua na
medida em que o voto seguiu as orientações partidárias), buscou-se
planejar e implementar outros caminhos (em especial, a
judicialização) que trouxessem garantias efetivas para atrasar,
estancar e, se possível, impedir a concretização das extinções
aprovadas pelo legislativo estadual.
Poucos dias antes daquela semana fatídica, nós, servidores da
Fundação Piratini, decretamos greve de 19 a 23 de dezembro de
2016, com o objetivo de manifestar nosso protesto contra as
extinções e para poder atuar livremente nas manifestações públicas
na Praça da Matriz, durante o período no qual se concentrava a
votação do pacote do governo. Ocorre que na segunda-feira, dia 26
de dezembro daquele ano, quando iríamos voltar ao trabalho,
encerrada a greve, encontramos os portões fechados na sede da
Fundação Piratini no Morro Santa Tereza, por ordem da direção da
instituição, além de presenciar o policiamento militar ostensivo que
ali se encontrava a pedido do governo.
Impedidos de ingressar no nosso local de trabalho, ficamos
perplexos com a situação e a forma com a qual fomos recebidos, que
nos retirava o direito ao exercício de nossas funções públicas como
servidores concursados. Diante da arbitrariedade da decisão da
direção das emissoras, permanecemos durante todo o dia na frente
do prédio em protesto contra o abusivo e autoritário ato do governo.
Não satisfeito com a aprovação da lei que autorizava as extinções e
possíveis demissões, o governo parecia dar sinais de que os
funcionários da emissora (que, ressalta-se, ainda não tinham sido
demitidos) não eram mais bem-vindos no local em que
desempenhavam suas funções. É sobre essas imagens, dos protestos
daquele dia, que debruçamos o olhar a partir de agora. Optamos em
fazer este recorte, devido ao simbolismo que ele suscita em suas
imagens.
Imagens e sensibilidades dos protestos
As fotografias das imagens a seguir (3, 4 e 5), de autoria do

fotógrafo jornalístico do periódico online Sul21, Guilherme Santos,
tomadas no dia 26 de dezembro de 2016 e publicadas no mesmo dia,
representam ações de um dia de protesto em frente ao portão
principal das emissoras, em uma manhã de sol e cercada por um
aparato policial da Brigada Militar de Choque do Estado (figura 6).12
O que mais chama a atenção nestas imagens, sucedâneas das
imagens 1 e 2, colocadas ao início do texto, é a utilização das
mordaças, pretas ou brancas, ou feitas pela própria camisa usada
(foto da figura 3), simbolizando o fato de serem impedidos de
falarem, de se manifestarem, de serem calados – o que remonta a
momentos ditatoriais pelo mundo todo ou momentos repressivos
(vide mais recentemente as mulheres que usaram mordaças no
centro do Rio de Janeiro em protesto à morte da vereadora Marielle
Franco e explicaram que se sentiam representadas por ela e, com
seu assassinato, calaram sua voz e sua representatividade).
De fato, todos esses servidores trabalham em emissoras de
comunicação pública (rádio FM Cultura e TVE), as quais têm voz
ativa na comunidade porto-alegrense e, também, sul-rio-grandense.
A voz que é calada é a voz de cada um deles, comunicadores, mas
também é a voz da própria comunicação pública.
A mordaça é uma imagem que se utiliza para representar tudo
aquilo que não pode ter mais voz. Mais um exemplo contemporâneo,
é a Lei da Mordaça, como acabou por ser conhecida a lei do PL
193/2016, que inclui o “Projeto Escola sem partido”, pois entende-se
que os professores e os alunos têm o direito de se manifestarem em
sala de aula, neste binômio que se constitui o ensino e a
aprendizagem da realidade em que vivemos, e que, se forem
12
Optou-se em manter as imagens em sequência, a seguir, sem serem entremeadas por texto, para
afirmar seu poder crítico e simbólico quando tomadas em conjunto pelo olhar de quem as observa.
amordaçados, o debate crítico, que condiz com a verdadeira

educação, será eliminado.
Há várias representações, através das épocas, de mordaças
conotando castigo, submissão, ausência de cidadania. Por exemplo,
algumas representações pictóricas da época da escravidão no Brasil
mostram os negros com espécies de mordaças nas bocas, que
conotam castigos impostos pelos seus ‘senhores’. Atualmente,
algumas religiões africanas no Brasil também mostram imagens de
orixás e entidades afrodescendentes com mordaças, simbolizando as
agressões que a religião e seus seguidores têm sofrido atualmente.
A teatralidade que emerge dos corpos, aqui nessas imagens,
denuncia o aniquilamento do sistema de comunicação pública. Ao
ritualizar a metáfora do silenciamento de suas vozes, o movimento
criou situações performativas que potencializaram as imagens que
seriam difundidas na imprensa e nas redes sociais sobre o absurdo
daquele momento. O espaço que ocupavam (a frente do prédio da
FP) foi transformado em piquete, ambiente de resistência e de
protesto dos cidadãos/servidores. O drama social que estavam
vivendo foi traduzido em mordaças (impossibilidade de falar) para
tornar público um discurso revelador: um cenário às avessas no qual
as emissoras deixariam de se expressar como principal instrumento
de informação e cultura da maioria da população.
Ao ocupar o pórtico com seu “grito mudo”, os manifestantes
transformaram a realidade em discurso não verbal (metáfora que
simbolizava a crise). A aprovação da lei das extinções, que poderia
ter sido naturalizada pela mídia como ato que seguiu os ritos da
legalidade na AL, recebeu uma energia extra cotidiana por meio da
teatralidade dos gestos dos servidores. O roubo oficial da voz, da fala
e da opinião da sociedade, foi representado através de um texto
único: o coro silencioso de jornalistas e radialistas que
transformaram a sua indignação em um vigoroso acontecimento de
linguagem. Com suas mordaças, punhos erguidos e postura
corporal de guerreiros, os protestantes reivindicavam o
prosseguimento das atividades da FP e de suas emissoras
(responsáveis por espaços midiáticos emancipatórios, informação

independente e consciência cidadã). Uma imagem crítica que, ao ser
olhada por nós, revela-se crítica deste olhar, simbolizando de súbito
a memória da luta já travada há alguns anos e a reivindicação de seu
oposto: que a comunicação pública não seja calada. Um grito mudo,
mas que é um grito. “É assim que se entrelaçam, na aura, a
onipotência do olhar e a de uma memória que se percorre como
quem se perde numa “floresta de símbolos”. (DIDI-HUBERMAN,
2010, p.150)
A resposta política dos servidores ante a desconstrução do
ideal de comunicação pública e a crueldade instalada em suas vidas
pessoais, com o fantasma do desemprego iminente, convidava a
sociedade a repensar as medidas aprovadas pelos parlamentares.
Para tornar ainda mais visíveis a situação, as pessoas portavam
cartazes e faixas que aludiam ao slogan do movimento “Salve, Salve,
TVE e FM Cultura” ou frases de protesto como “O que será do acervo
da TVE?” e “Governo Sartori demite servidores concursados, mas
mantém CCs #ForaSartori”.
Figura 3 – Movimento dos servidores da Fundação Piratini. Ângulo lateral. 26-

12-2016 13
Figura 4
Movimento dos servidores da Fundação Piratini. Ângulo lateral. 26-12-2016 14
Figura 5
13
Fonte: Sul21. Autoria Guilherme Santos.
14
Movimento dos servidores da Fundação Piratini. Ângulo frontal. 26-12-2016 15
Figura 6
Viaturas da Brigada Militar do Estado do Rio Grande do Sul. 26-12-2016 16
Figura 7
15
16
Manifestantes conversam com policiais militares. Ângulo frontal. 26-12-2016. 17
A censura é aqui também representada pela imagem da polícia

de choque instalada com suas viaturas à frente dos manifestantes
(Figura 6), porém, ao mesmo tempo, observamos que os policiais
estão voltados para a vista da paisagem (imagens do Rio Guaíba de
Porto Alegre) e de costas para a manifestação (que, como vimos estão
no portão principal das emissoras de rádio de televisão da FP (Figuras
1 e 2). Em outra imagem (Figura 7), um dos policiais encontra-se
conversando pacificamente com os manifestantes, e estes sem as
mordaças, ou seja, ali suas vozes, com os ‘representantes da ordem’ do
Estado, pareciam ser ouvidas. A situação é bem diferente do que
ocorrera dias antes, durante a semana de votação do pacote do
governo, na Praça da Matriz, quando servidores e manifestantes foram
reprimidos com violência pela Brigada Militar. Já na mobilização do
dia 26-12-2016, na qual ambos autores estavam presentes, podemos
afirmar que tudo transcorreu sem incidentes e de forma pacífica.
O fato de os policiais estarem de costas para os manifestantes,
na Imagem 6, denota que os atos performáticos de luta tinham a
repressão militar presente, mas não atuante. No entanto, tal
possibilidade iminente de repressão configura-se como gesto
simbólico de força e poder autoritários do governo Sartori. Aqui, a
imagem ‘sabe’ (ROYO, 2015), ela é ‘autêntica’; na relação dialética
do que ela representa com o olhar daquele que a percebe, ela que,
num momento é inócua (os policiais militares conversando
pacificamente com os manifestantes ou então de costas para eles), e
em outro está a dar-se como risco, risco de repressão, risco de
silenciamento. “...esta imagen dialéctica, que plantea una crisis en
las operaciones que realiza, capaz de una eficácia teórica y que obliga
a mirarla y a observar sus mecanismos de construcción y aparición,
es una imagen auténtica.” (ROYO, 2015)
17
As sensibilidades dos envolvidos, de servidores e cidadãos, em

sua forma mais marcante, deram-se, ao nosso olhar, no momento em
que seu grito de luta, “Salve, Salve, TVE e FM Cultura”, ecoava pela rua
e chegava às pessoas que assistiam, contagiando a todos, incluindo
funcionários de estabelecimentos próximos. Este slogan, que se tornou
ícone do movimento, estampado tanto nas faixas de mão, nas imagens
veiculadas coletivamente, nos cartazes, nas camisetas e nos sites de
redes sociais, como na voz e gritos das inúmeras manifestações, toma
uma força performática sensível e torna a memória compartilhada do
movimento um paradigma do contexto histórico social. “Salve, Salve”
também ecoou nas vozes dos servidores das outras fundações em via
de extinção, contagiados que foram pelos colegas da FP. E “Salve,
Salve” também retrata uma dialética performática, em sua linguagem
(BAUMAN e BRIGGS, 2006): salvar a comunicação pública mas
também saudar - saudar os únicos veículos públicos cidadãos de nosso
estado, para os quais a população precisava ser sensibilizada em
respeito ao que estava acontecendo.
Os corpos, os gestos, os discursos nestes momentos de
protestos foram além de sua concretude para se tornarem imagens
críticas de um movimento, cuja extinção é iminente. Ficam na
memória da sociedade e reatualizam o passado nesta luta do
presente, com mordaças e punho erguido.
Os estudos no campo das Performances Culturais, na sua

interdisciplinaridade inerente, proporcionam dar um significado
mais abrangente e profundo aos movimentos sociais de nossa
atualidade e os fazem ganhar força e sentido histórico, seja por suas
possibilidades de atualizar um imaginário coletivo – que tem força
simbólica por si só –, seja por construir imagens críticas que serão
testemunhos, no futuro, de lutas por justiça e por um mundo
democrático. A memória do Movimento dos servidores da TVE e FM
Cultura em prol da Comunicação Pública e cidadã do Rio Grande do
Sul ficará registrada nas inúmeras imagens produzidas e veiculadas

nas redes sociais contemporâneas, as quais se configuram como
novas fontes para historiadores e pesquisadores da memória. As
diversas sensibilidades que o movimento acarreta na população,
desde sentimento de indignação, passando por impotência diante de
um governo autoritário, e indo até os sentimentos de esperança e
nobre luta, por estarem fazendo o que é certo em relação ao bem
público e coletivo, são manifestas nos comentários da Web e
demonstram não somente solidariedade como também o despertar
de algo maior entre todos: a necessidade urgente de uma cooperação
democrática entre as várias instâncias sociais e culturais.
No exato momento de finalização deste texto, último dia de
maio de 2018, a situação tornou-se absolutamente crítica, exatos
dois anos após a primeira manifestação de protesto dos servidores.
Desde as primeiras notícias, no primeiro semestre de 2016, de
que o governo José Ivo Sartori pretendia fazer mudanças estruturais
na política de comunicação pública do Estado do Rio Grande do Sul,
o movimento organizado dos servidores da Fundação Piratini
começou uma intensa mobilização política e na sociedade para
denunciar o processo que estava por se instaurar. Já em maio
daquele ano, o movimento lançou sua página na rede social
Facebook e, no final do mesmo mês, precisamente no dia 30,
deflagrou uma paralisação das atividades como protesto às
intenções do governo. De lá para cá, foram muitas lutas,
manifestações, batalhas jurídicas, negociações coletivas e liminares
a favor dos interesses dos servidores. Houve também reveses que
garantiram ao executivo estadual implantar parte de seus objetivos,
inclusive, com a demissão de alguns funcionários não garantidos por
liminar do Tribunal Regional do Trabalho da 4ª Região (TRT), a
promoção de um Plano de Demissão Voluntária e a realocação de
servidores concursados em outras instituições do Estado.
Fazendo um balanço especificamente do quadro funcional até
novembro de 2017, quando se iniciaram o PDV e os atos potestativos
que resultaram em demissões, a Fundação Piratini tinha 226
servidores do quadro, 18 CCs e 6 diretores (incluindo o presidente).

Depois houve 27 adesões ao PDV, 19 atos potestativos, um
falecimento, um pedido de demissão e outros seis pedidos de
aposentadoria com proventos, restando 172 servidores no quadro.
Por uma trágica ironia do destino, exatamente dois anos após
a primeira paralisação, no dia 30 de maio de 2018, os servidores
foram novamente surpreendidos. Depois de derrubar a liminar do
Tribunal de Contas do Estado que impedia a extinção e aproveitando
a brecha jurídica, o governo Sartori publicou decreto no Diário
Oficial do Estado, anunciando o fim das atividades da Fundação
Piratini. Com isto, a TVE e FM Cultura passam a estar diretamente
vinculadas à Secretaria de Comunicação e seus funcionários foram
realocados em um “Quadro Especial” da SECOM. A decisão, segundo
o movimento dos servidores, ameaça “os princípios da autonomia e
independência – requisitos mínimos para qualificar uma emissora
como pública de fato”. O decreto extinguiu ainda o Conselho
Deliberativo e criou um Conselho Consultivo da Programação que
não teria poder de decisão, segundo os servidores: “o número de
membros caiu de 26 para 11, mas as 3 cadeiras do governo estão
mantidas. Não haverá representação sindical, e os representantes da
sociedade civil serão indicados pelo governador” 18. Além disso,
foram demitidos outros seis servidores em ato potestativo e 15 CCs,
restando no quadro da fundação apenas 3 diretores que serão
responsáveis pela extinção completa.
Nessa data, os servidores foram dispensados de suas funções
por quatro dias. No entanto, parte do grupo compareceu ao pórtico da
Fundação Piratini para mais um ato de protesto que resultou em um
vídeo postado na página do movimento. No vídeo, enquanto os
servidores exibem seus crachás para a câmera, uma jornalista fala em
nome do coletivo de funcionários, manifestando indignação e protesto
contra o ato do governo: “Nós, funcionários concursados da TVE e da
18
Postagem do Movimento dos servidores da TVE e FM Cultura em 30 de maio de 2018 com o título
“Governo encerra atividades da Fundação Piratini”. Disponível em: <https://www.facebook.com/
MSTVEFMCultura/videos/2127847147473825/>. Acesso em: 30 de maio de 2018.
FM Cultura, estamos aqui em frente do prédio da Fundação Piratini,

viemos trabalhar apesar da greve dos caminhoneiros e fomos
surpreendidos por uma decisão da presidência que nos dispensou das
atividades hoje. E isso por quê? Porque hoje foi publicado no Diário
Oficial um decreto encerrando as atividades da Fundação Piratini. Sabe
o que isso significa? Significa o fim da comunicação pública aqui no
Estado. Significa que a partir de agora, nós, que somos funcionários de
uma fundação, que é para ter autonomia, vamos ficar ligados à
Secretaria de Comunicação do governo. E com isso, o governo do
Estado, o governador Sartori vai ter uma televisão para chamar de sua
em pleno ano eleitoral, para fazer propaganda política com
funcionários que são concursados e que recebem para fazer a
comunicação pública que é uma obrigação do Estado. Comunicação
pública livre de interesses comerciais, livre de pressões de anunciantes
e para mostrar os públicos e os temas que não aparecem nas TVs
comerciais que recebem muito dinheiro, muitos impostos do governo.
Pois, essa comunicação pública foi enterrada hoje com o decreto do
governador e nós que somos funcionários públicos estamos aqui
protestando contra isso. Salve, salve, TVE, salve, salve, FM Cultura.
Diga não à extinção”.19
Referências
BAUMAN, Richard; BRIGGS, Charles. Poética e Performance como perspectivas

críticas sobre a linguagem e a vida social. Ilha Revista de Antropologia,
Florianópolis, v. 8, n. 1,2, p. 185-229, jan. 2006. ISSN 2175-8034. Disponível
em: <https://periodicos.ufsc.br/index.php/ilha/article/view/18230>.
Acesso em: 31 maio de 2018. doi:https://doi.org/10.5007/%x.
CHARTIER, Roger. A História Cultural – entre práticas e representações. Lisboa:

DIFEL, 1998.
19
No momento em que este artigo está sendo finalizado, o vídeo em questão aparece com 11 mil
visualizações e 470 compartilhamentos no Facebook. Disponível em: <https://www.facebook.com/
MSTVEFMCultura/videos/2127847147473825/?hc_ref=ARR2mvKSPEWTvfECumm4KbNHu5fgF3g3a_G
Ng4jlHwLLqD_NH8-tM52Y6VLuWVVdYtg&fref=nf>. Acesso em 31 de maio de 2018.
DIDI-HUBERMAN, Georges. O que vemos, o que nos olha. 2 ed. São Paulo:
editora 34, 2010.
DIDI-HUBERMAN, Georges. Imagens apesar de tudo. Lisboa: KKYM, 2012.
DIÉGUES CABALLERO, Ileana. Escenarios liminales : teatralidades,

performances y política. – 1a. Ed. – Buenos Aires: Atuel, 2007.
GOMES, Luís Eduardo (texto); SANTOS, Guilherme (fotos). Impedidos de

trabalhar, jornalistas da TVE e FM Cultura protestam contra extinção
e demissões. Sul 21, Porto Alegre, 26 dez. 2016. Disponível em <
https://www.sul21.com.br/areazero/2016/12/impedidos-de-trabalhar-
jornalistas-da-tve-e-fm-cultura-protestam-contra-extincao-e-demissoes/
>. Acesso em: 27 de maio de 2018.
MARTÍN-BARBERO, Jesús. Dos meios às mediações: comunicação, cultura e

hegemonia. Rio de Janeiro: UFRJ, 1997 [1987].
PESAVENTO, S. J. O mundo da imagem: território da história cultural. In:

PESAVENTO, S. J.; SANTOS, N. M. W.; ROSSINI, M. (Orgs). Narrativas,
imagens e práticas sociais: percursos em História Cultural. Porto Alegre:
Asterisco, 2008.
SANTOS, N.M.W., COIRO-MORAES, A.L. TVs Públicas – memórias de arquivos

audiovisuais. São Leopoldo: OIKOS, 2016.
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Porto Alegre nos anos 1980 / Newton Pinto da Silva; orientador: Clóvis Dias
Massa. Porto Alegre, 2010. Disponível em: < http://www.lume.ufrgs.br/
handle/10183/26199 >. Acesso em: 27 de maio de 2018.
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Curso de Arquivologia. 2008. Disponível em: < http://www.lume.ufrgs.br/
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STRELOW, Aline. A televisão chega ao Rio Grande do Sul: breve histórico da TV

Piratini. Anais do IX Encontro dos Grupos/Núcleos de Pesquisas em
Comunicação, GP História do Jornalismo, evento componente do XXXII
Congresso Brasileiro de Ciências da Comunicação. Curitiba, 2009.
Disponível em < http://www.bocc.ubi.pt/pag/strelow-aline-a-televisao-

chega-ao-rio-grande-do-sul.pdf >. Acesso em: 30 de abril de 2014.
ROYO, Victoria Pérez. Imagen dialéctica y cuerpo en escena hacia una nueva
comprensión de la fidelidad al passado. Pausa 37 (2015). Disponível em:
http://www.revistapausa.cat/imagen-dialectica-y-cuerpo-en-escena-
hacia-una-nueva-comprension-de-la-fidelidad-al-pasado/ Acesso em: 31
de maio de 2018.
3
O inusitado pela cidade – performances

culturais do Beco da Codorna
Genilda Alexandria1
Vânia Dolores Estevam de Oliveira2
Introdução
Produto da criação humana, para a geografia, a cidade é uma

área urbanizada, que em conformação física se opõe ao campo. Mas
o que há pela cidade quando se percorre as suas ruas ou calçadas
ladeadas de construções, quando se supera as quebras lineares da
continuidade do caminhar, quando notam-se as mudanças da
paisagem, abruptamente ou não, quando o senso de se localizar
estabelece pra si referências, orienta e demarca, quando os espaços
tornam-se únicos e/ou memoráveis?
Para Kevin Lynch (1980 [1960]), são elementos que
estruturam a imagem da cidade; caminhos, limites, bairros, pontos
nodais e marcos. E, como imagem, o conteúdo e as reverberações do
levantamento da pesquisa desse urbanista americano nos ajudam a
perceber e a identificar a cidade, em sua morfologia e peculiaridades
1
Designer, especialista em Patrimônio Cultural, mestre em Cultura Visual e doutoranda em
Performances Culturais pela Faculdade de Ciências Sociais – UFG. Atualmente, é professora e
coordenadora do curso de Design da PUC Goiás.
2
Museóloga, com mestrado e doutorado em Memória Social (UNIRIO) e pós-doutorado em Artes (UERJ).
Docente permanente do Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Performances Culturais e do
Bacharelado em Museologia, na Faculdade Ciências Sociais da Universidade Federal de Goiás.
do contexto urbano material, com conteúdo simbólico à medida que

se resvala em nossas experiências próprias. Lynch se debruçou pelo
reconhecimento da cidade enquanto singularidades para seus
habitantes, desenvolveu a ideia de que cada pessoa se identifica com
alguns elementos norteadores na cidade e usa deles para fazer
associações impregnadas de lembranças. Sua pesquisa foi pautada
pela experimentação e por entrevistas com habitantes de algumas
cidades norte-americanas e, por fim, não se torna relevante apenas
pelo caráter do registro da relação entre as pessoas e as cidades, mas
pela forma como seus estudos inspiram o pensar, planejar e
construir a cidade legível e portadora de identidades significativas.
Ainda em percurso, sem precisar de muita ousadia, é possível
dizer que há mais pela cidade. Há, por exemplo, o imaginário pela
cidade por entre ou no atravessar de seus elementos. Como um
receptáculo de cultura que extrapola a configuração física pela
densidade e heterogeneidade dos sentidos do urbano. O imaginário
tratado aqui pode ser lido como um espectro amplo, composto de
memórias, criações e impressões que não necessariamente devem
ser vistas em campos distintos, mas como um universo poroso
construído pelo eu. Por assim ser, ao mesmo tempo que se dá uma
organização, coexiste a inconstância, a mutação e a tensão na
paisagem urbanizada que é tomada para si, por cada um de nós.
Nesse sentido, o antropólogo argentino que se debruça sobre
as questões da cultura e da pós-modernidade, Néstor García
Canclini (2008, p.17) é categórico em afirmar que “nenhuma análise
abarca a totalidade dos processos urbanos e dos imaginários que ela
engendra. Ao contrário: sustentaremos que é próprio das cidades,
sobretudo das megalópoles, nos proporcionarem experiências de
desconhecimento”.
Há mais a saber sobre as cidades e suas relações e ainda delas
esperar do que o que se pode ler, ou do que se pode entender como
um texto – conjunto do já escrito, fazendo referência a aspectos do
próprio urbanismo ou da etnografia clássica que se debruça por
sobre os ombros da cultura (GEERTZ, 1989) que muitas vezes é
Genilda Alexandria; Vânia Dolores Estevam de Oliveira | 81
alheia ao pesquisador, assim como ele procura lhe ser estéril.

Contudo, talvez exista mais o que se viver em uma imersão de
campo, não apenas esforçar-se para traduzir o que vê o outro, mas
deixar-se ver e ser visto (SCHECHNER, 2011). Interessa notar o
percurso que o imaginário traça pela cidade, pondo em destaque a
complexidade e a fragmentação, conectando-se não apenas a
representações simbólicas, mas a desejos e necessidades inerentes
de quem frequenta e habita a cidade.
Não há como passar incólume pelo conceito da memória no
contexto que se discute aqui, no universo da cidade. Acessando o
trabalho do sociólogo francês Maurice Halbwachs, alinha-se a cidade
para com o coletivo, para com a memória coletiva. Para Halbwachs,
a memória é um perfazer de construção e sua análise não deve se
desprender de dois pontos em destaque: a sua característica não
linear ou o entendimento de que não se trata de uma simples
recuperação dos acontecimentos vividos para o contexto atual e que
a memória se diferencia do vivido que pode ser evocado de um
tempo e espaço definidos, mas que reflete o convívio social do
indivíduo, conectando a memória individual ao grupo de influência
e inserção desse mesmo. Pelas palavras do autor,
Nossas lembranças permanecem coletivas e nos são lembradas por

outros, ainda que trate de eventos em que somente nós estivemos
envolvidos e objetos que somente nós vimos. Isso acontece porque
jamais estamos sós. Não é preciso que outros estejam presentes,
materialmente distintos de nós, porque sempre levamos conosco e
em nós certa quantidade de pessoas que não se confundem. Chego
a Londres pela primeira vez e por ali passeio em muitas ocasiões,
ora com um companheiro, ora com outro. Ora, um arquiteto, que
atrai minha atenção para as edificações, suas proposições, sua
disposição. Ora com um historiador, de quem fico sabendo que
essa rua foi traçada em tal época, que essa casa viu nascer uma
personalidade conhecida (...). Contudo, mesmo não tendo
caminhado ao lado de alguém, bastaria que eu houvesse lido as
descrições da cidade, compostas por todos esses variados pontos
de vista, bastaria que alguém tivesse me aconselhado a ver tais ou
quais aspectos dela ou, ainda mais simplesmente, que eu houvesse
estudado seu mapa. Suponhamos que eu passeie sozinho. Será que

se poderá dizer que deste passeio guardarei apenas lembranças
individuais, só minhas? (HALBWACHS, 2013, p. 30).
Memória e imaginário estão tão intrinsecamente amparados

e residentes no percurso pela cidade que norteiam nosso
entendimento e sentimentos dispensados a ela, todo o tempo. O
contexto espacial desperta a memória e não nos desvinculamos dela
quando vivemos a cidade. Como numa escala crescente, avançamos,
então, da materialidade para a projeção do devir, do vir a ser; a
cidade como um artefato capaz de alterar seu significado
continuamente e assim alterar também sua forma, função e
visualidade3.
O que foi feito aqui como um exercício introdutório, se
assemelha a camadas de acesso fronteiriças das relações que se pode
estabelecer com a cidade. Um pensar sobre o que há pela cidade que
poderia seguir, talvez infinitamente, listando outras possibilidades.
Contudo, nos interessa para essa lista restrita em sua seleção, ainda
um outro ponto de contato – o inusitado, como uma performance
urbana. Na sequência de suas características formais, de seu
pensamento projetual, de suas imaterialidades permeadas pela
memória e pelos desejos do imaginário, o inusitado liga-se à
ação/intervenção sobre o espaço, permitindo uma análise plural e
que busca dar conta das relações sujeito-objeto no mundo
contemporâneo, para além do voltar os olhos para o objeto
enclausurado em si. Segundo o etnógrafo canadense Dwight
Conquergood (2002, p.145), atento aos Estudos das Performances,
Para acompanhar esse mundo, agora pensamos em "lugar" como

um cruzamento de forte tráfego, um porto de escala e troca, em
vez de um território circunscrito. Um limite é mais como uma
membrana do que uma parede. Na teoria cultural atual, a
3
O sentido de visualidade que se deseja aplicar aqui se aproxima da propriedade da imagem
socializada, não excluindo a perspectiva de influência política e as relações de poder que podem se
estabelecer no campo da cultura visual.
"localização" é imaginada como um itinerário ao invés de um

ponto fixo. Nossa compreensão do "contexto local" se expande
para abranger os movimentos históricos, dinâmicos, muitas vezes
traumáticos, de ideias, imagens, commodities e capital. Não é mais
fácil classificar o local do global: as circulações transnacionais de
imagens são retrabalhadas na base e redistribuídas para o local,
lutas táticas. E os fluxos globais simultaneamente são engrossados
e energizados por essas reformas locais. Estamos agora
conscientes de que o "local" é uma construção com vazamento e
contingente, e que as forças globais são ocupadas, lutadas e
refratadas para propósitos do lugar-específico.4
Considerando esse aspecto fluido do lugar na

contemporaneidade e apresentando a linha de raciocínio que
compõe essa proposta de artigo, interessa olhar para a cidade em
metamorfose, plena de mudanças para atender a seus habitantes ao
mesmo tempo em que esses mesmos são a mudança em exercício,
isso sem desconsiderar os aspectos formais e simbólicos do
ambiente materializado. Esse movimento dinâmico que se busca
pode ser interpretado, analisado ou vivido como uma performance,
na medida em que as Performances Culturais estão no olhar crítico
que se volta para as ações sociais da experiência humana, na
analogia ou na metáfora da linha que se traça entre teatro e ritual.
Dessa forma, essa breve incursão pela cidade encontra o rumo
amparando-se nos sentidos desse campo de estudo:
Performances culturais são exames dos atos simbólicos da vida

humana, que em si explicam a própria vida e são a própria vida, e
que devem ser experenciados, vividos, registrados e construídos
4
O trecho em questão é uma tradução livre das autoras a partir da seguinte versão original: “In order to
keep pace with such a world, we now think of “place” as a heavily trafficked intersection, a port of call and
exchange, instead of a circumscribed territory. A boundary is more like a membrane than a wall. In current
cultural theory, “location” is imagined as an itinerary instead of a fixed point. Our understanding of “local
context” expands to encompass the historical, dynamic, often traumatic, movements of people, ideas,
images, commodities, and capital. It is no longer easy to sort out the local from the global: transnational
circulations of images get reworked on the ground and redeployed for local, tactical struggles. And global
flows simultaneously are encumbered and energized by these local makeovers. We now are keenly aware
that the “local” is a leaky, contingent construction, and that global forces are taken up, struggled over, and
refracted for site-specific purposes.” (CONQUERGOOD, 2002, p. 145)
em processo múltiplo de análise, em sua história, em sua

pedagogia, comparativamente insertados na sociedade que as
contém (CAMARGO, CUNHA, PETRONILIO, 2015, p.13).
Como lugar de observação e ao mesmo tempo de imersão na

experiência humana citadina, elegeu-se aqui a cidade de Goiânia e,
com um foco um pouco mais ajustado, o chamado Beco da Codorna,
que pode ser descrito como um espaço público, no limite do privado,
plural, inconstante e desafiador da imobilidade que seria natural e
correspondente aos artefatos imóveis. Esse espaço, então, vem a ser
um palco ou a própria representação do inusitado, exercício cerne
que é proposto por essas linhas de texto que pretendem iniciar, sem
esgotar, um passeio pelo que há de surpreendente na cidade.
O inusitado
A palavra inusitado é sempre inserida nesse texto em itálico,

com um propósito de destaque intencional, isso porque o seu
sentido e suas provocações são a coluna dorsal do que aqui se
escreve. Na investigação de seu significado ou como resultado de
uma simples busca no dicionário, descobre-se que inusitado é aquilo
que não é usual. Assim, é feita a proposta de aderir a uma categoria
de pensamento que parece ser adequada para análises aqui: aquilo
que causa surpresa.
A semântica da palavra sugere aquilo que “não é corrente, que
não se usa ou emprega com frequência, que foge a padrões
costumeiros; incomum, insólito, estranho; inabitual”5. Em sua
etimologia, o termo vem de uso – usual – não usual = *inusual –
inusitado, do latim inusitātus. O prefixo in corresponde à privação,
negação e a palavra usitātus ao sentido já mencionado de usual,
corrente, empregado com frequência.
5
Verbete retirado do Dicionário Houaiss, versão online. Disponível em:
<https://houaiss.uol.com.br/pub/apps/www/v3-2/html/index.php#1.> Acesso em: 12 de julho de 2017.
A decisão de lançar os olhos para a palavra permite uma certa

atemporalidade de fala ou mesmo um deslizar desimpedido pelo
tempo, o que é demonstrado nas percepções contemporâneas do uso
e do sentido de inusitado, bem como ao explorar suas origens e
intenções originais advindas de sua etimologia. Nesse caso, ver a
forma como o pensamento antigo se exerce na contemporaneidade
é um exercício reflexivo diacrônico, que permite ainda encontrar fios
na meada do que se pretende explorar – a cidade em processos
culturais.
O inusitado tem uma ligação muito forte com o rompimento
de padrões, quebra da linearidade ou estabilidade, na medida em
que irrompe o hábito. Contudo, não se elimina o inusitado do
cotidiano, necessitando entender que há uma ligação desse sentido
para com a noção de estratégia, de tática. O que não é usual vem
muito da vontade ou necessidade da mudança, que é, por vezes,
planejada taticamente. O historiador francês Michel de Certeau
(1998 [1980], p.47) exemplifica esse esforço de raciocínio ao falar
sobre a invenção do cotidiano:
Muitas práticas cotidianas (falar, ler, circular, fazer compras ou

preparar refeições, etc.) são do tipo tática. E também, de modo mais
geral, uma grande parte das ‘maneiras de fazer’: vitórias do ‘fraco’
sobre o mais ‘forte’ (os poderosos, a doença, a violência das coisas ou
de uma ordem, etc.) pequenos sucessos, artes de dar golpes, astúcia
de ‘caçadores’, mobilidades da mão-de-obra, simulações polimorfas,
achados que provocam euforia, tanto poéticos quanto bélicos. Essas
performances operacionais dependem de saberes muito antigos. Os
gregos as designavam pela métis.
A métis grega remete à mitologia, à Deusa Métis que é

conhecida como a Deusa da prudência, mas também como a Deusa
da astúcia. Métis teria o poder de assumir qualquer forma que
desejasse, o poder de metamorfosear-se. Segundo os estudos dos
professores franceses Detienne e Vernant, citados em nota por
Certeau (1998 [1980], p.320) e que estão dispostos na obra Les ruses
de l’intelligence: La mètis des Grecs (1993), a métis grega é também
um conceito complexo, que envolve a ideia de um tipo particular de

inteligência ou habilidade que é feito de artifícios, truques,
estratagemas e até mesmo de dissimulação. A inteligência,
entendida nesse sentido específico, é indissociável da capacidade de
sobrevivência no cotidiano, sendo isso um fazer antológico. Como
performances, essas ações envolvem sim a tática, contudo mais
ainda: envolvem o que as pessoas pensam sobre o que lhes é posto,
determinado e desejam transformar a partir do que as envolve como
grupo; e virá à tona o inusitado.
Nesse processo do agir, representar e significar a vida
cotidiana, figuram em cena emoções, interesses, valores e atitudes
em contextos sociais – expressão do conceito de “drama social”,
desenvolvido pelo antropólogo britânico Victor Turner. Para Turner
(1996 [1957]), o cerne do conceito se estabelece na metáfora que
compara a estrutura do contexto social para com o drama no palco,
processos com atos e cenas em que ambos, peculiarmente, vão
culminar em um ápice. Também de Turner, a obra O Processo
Ritual, traz em sua introdução a declaração que explicita e faz
convergir as ações e tensões dos sistemas de relações e status sociais
e culturais na cidade:
O drama da estrutura e antiestrura termina no palco da cultura.

Este fato me animou a passar do estudo das culturas tribais para
as que possuíam grandes tradições no campo das letras. As pessoas
da floresta, do deserto e da tundra reagem aos mesmos processos
como as pessoas das cidades, das cortes e dos mercados. As
revoluções e reformas podem ser estudadas empregando-se a
mesma terminologia que se usa para o estudo dos produtos
(outputs) culturais das grandes e estáveis civilizações. O Processo
Ritual é uma tentativa de compreender algo desse processo social
total de interação e interdependência, bem como das disjunções,
às vezes frutuosas, entre acontecimentos ordenados donde se
origina o pensamento independente (TURNER, 1974, p.6).
O drama social de Turner é a revelação de pontos fora da

curva. E, se pensarmos na relação estrutura – antiestrutura como
uma analogia para uma série de repercussões do que é estabelecido

e do que irrompe com esse, é possível ter frutíferas reflexões sobre
formações sociais, culturais, políticas e até mesmo artísticas.
A arte, em sua concepção clássica, aproxima-se bastante de
uma estrutura convencionada para assim ser aceita. Em uma
revisão de processos cronológicos da história da arte, a inserção do
objeto como arte é uma representação inusitada da antiestrutura,
cuja estrutura estabelecia até então um modelo limitado de arte em
padrões e categorias (pintura, gravura, escultura) aceitos. Desde o
Renascimento até Pablo Picasso, as evoluções artísticas foram
acontecendo em relação à sua linguagem pictórica, a partir de
concepções históricas da forma e da obra de arte. Com Marcel
Duchamp, no início do século XX, essa trajetória se alterou e tomou
rumos que mudaram completamente a concepção de arte atual. Essa
alteração significativa e a raiz do inusitado na arte estão alinhadas
com o perceber que tentar ler um sentido único do que é exposto
como objeto artístico. Trata-se da grande vontade de encontrar
sentido na arte, enquanto sua maior qualidade seria desobedecer à
estrutura vigente da experiência comum.
Quando Duchamp age inusitadamente para colocar a vontade
do artista soberana a suas técnicas, há uma rachadura estrutural no
modo como se faria e se pensaria a arte pós-moderna e
contemporânea após a obra Fonte – o mictório de porcelana
assinado e datado por R. Mutt, pseudônimo utilizado por Duchamp.
A Fonte fora censurada da maior mostra de arte dos Estados Unidos
até então, em 1917, mas Duchamp e alguns amigos artistas tornaram
pública a polêmica por meio de um artigo na revista The Blind Man,
também assinado por Mutt, que contém o seguinte trecho:
Se Mutt fez ou não com suas próprias mãos a fonte, isso não tem
importância. Ele escolheu-a. Ele pegou um objeto comum do dia-
a-dia, situou-o de modo que seu significado utilitário
desaparecesse sob um título e um ponto de vista novos – criou um
novo pensamento para o objeto (apud TOMKINS, 2004, p. 209).
O objeto na arte, o ready-made é inusitado em sua essência

por ser propositivo e questionador, o objeto do inusitado em outros
contextos também será. Mas a ideia de inusitado traz ainda uma
outra qualidade que seria a de ser efêmero, ainda sendo ambivalente
para a arte e outros contextos. Isso porque, rapidamente, há a
estruturação do que inicialmente foi antiestrutural, uma tendência
pela qual o inusitado é sorvido pela rotina, pelo instituído e
possivelmente replicado como forma estabelecida e conhecida.
Contudo, parece não haver muitos limites ou entraves para o
inusitado, quando sua expressão já nega a essência e se torna usual,
o inusitado tende a emergir em outras formas, em outras brechas,
como o verde que brota da rachadura da parede.
Ainda com o olhar sobre as artes, numa sequência de evolução
temporal, mas ainda bem demarcada pelo século XX, algumas
expressões da arte contemporânea mantêm fortes relações com a
perspectiva do inusitado – a Arte Pop, o Minimalismo, a Land Art, a
Arte Conceitual, a Op Art e o Happening, por exemplo. A estesia, o
apelo sensorial, as experimentações que transitam pelos diferentes
materiais, pelo estímulo, pelo choque, a alegoria e a ilusão conectam
essa estética de vários estilos a uma relação com o psicodelismo.
O entendimento vem da psicologia. A ideia da psicodelia como
um revelador da mente, passa pelas drogas para experimentar
realidades múltiplas, pelas artes, teatro e música. Nessa linha, o
underground e a contracultura se organizam como movimentos
expressivos daquilo que não se quer usual e expressa-se em
manifestações inusitadas que vão marcar com grande efeito, e
mundialmente, os anos 60.
Importante lembrar que os anos 60 vão se expandir no contexto
temporal e projetar-se também por pelo menos duas décadas
seguintes. É nesse contexto que os chamados Performance Studies
começam a se organizar com um campo científico. Richard Schechner,
professor, diretor e pesquisador em teatro e precursor para os estudos
das Performances Culturais, cita em uma entrevista que:
Os anos sessenta mais do que uma época são um conceito.

(...) Dito de outra forma: é um período marcado por um certo tipo de
pensamento utópico, um sentimento de que as coisas podiam mesmo
mudar e ser melhores; e por uma explosão de cultura juvenil.
(...) E, nas artes havia uma revolução semelhante e correlacionada:
a oposição aos cânones estéticos; a Aristóteles, às leis do drama, a
que se tivessem de levar à cena dramas escritos por autores
dramáticos; a oposição às leis que diziam que o teatro tinha de
acontecer sempre em palcos, ou que a música era apenas aquilo
que era tocado com instrumentos. Resumindo, opúnhamo-nos
veementemente a todos os tipos de autoridade. Mas não éramos
propriamente anarquistas, inclinávamo-nos mais para uma
espécie de socialismo democrático (apud LIGIÉRO, 2012, p. 23).
Schechner é dotado de uma característica multifacetada.

Define a ele próprio como quem não deixa de integrar prática e
teoria em seu trabalho, unindo a prática do teatro com o rigor
observador, analítico e reflexivo do cientista. É peculiar, inusitado e
singular em sua forma epistemológica de abordar o mundo e a arte.
Todo esse contexto e influências em que os estudos das
Performances Culturais se consolidam reforçam a ideia da
fertilidade de suas produções interdisciplinares, somadas às
possibilidades abertas, aos deslocamentos, aos caminhos
fronteiriços e liminares, não tão comuns em outros lugares de
estudo. Décadas depois dos tais sixties, pensar o urbano
contemporâneo pelo viés das performances traz ainda um aroma
fresco da análise que considera a experiência, como diz Schechner
(apud LIGIÉRO, 2012, p.25) “o mundo não se repete, mas gira sobre
si mesmo, como num cone rotativo, ou numa espiral – em que gira
sobre si mesmo, embora não exatamente da mesma maneira”.
Com o olhar das performances, pode-se dizer que o inusitado
é ação e um resultado da experiência que incita a expressão, a arte,
a produção, a mudança, o senso de ímpeto no cotidiano. A cidade
contemporânea, por vezes território hostil e inóspito é palco para
essa expressão que abriga vontades e desejos daqueles que ali vivem,
precisam viver e fazem do espaço parte integrante de si mesmos.
Algumas páginas atrás, falava-se da obra de Detienne e

Vernant – Les ruses de l’intelligence: La mètis des Grecs (1993) para
uma reflexão acerca da métis grega. Pois bem, se também nos
atentarmos para a palavra ruses, haverá conexões possíveis para
pensar algumas das mais astutas e cotidianas performances
urbanas. Como numa transfiguração da obra desses autores, a
Professora da École d’Architecture de Paris-Belleville e co-diretora
do Laboratorire Architecture/Anthropologie e da rede LIEU da École
d’Architecture de Paris-La-Villette; Alessia de Biasi, escreve sobre
Ruses urbanas como saber (2006).
Em uma tradução livre do francês para o português, a palavra
ruses significa truque. Em uma nota de tradução do texto de Alessia,
consta o que pode ser entendido por ruses urbanas: “uma forma
peculiar de se apropriar, conhecer e circular por determinados
espaços urbanos, mistura de astúcia e experiência” (JACQUES;
JEUDY, 2006, p.9). Pelo caminho percorrido até aqui, com a
associação de palavras, significados, conceitos, campos de estudo,
contextos e experiências desmitificadas, o que se propõe é
justamente vislumbrar essas formas peculiares de apropriação
como prováveis performances do inusitado na cidade. Alessia de
Biasi (2006, p.105) descreve a experiência particular de acompanhar
alguns habitantes de uma área marginal de um bairro em Paris, para
uma investigação da possibilidade de implantação de políticas
culturais. Ainda que francesa, a autora era uma estrangeira ali,
incapaz de percorrer as passagens como ruses.
A ruse urbana não está estritamente ligada ao fato de se poder

enganar a polícia a fim de escapar pelas vielas que terminam em ruas
sem saída mas que, se são bem conhecidas, na verdade têm sempre
uma janela que leva ao corredor do primeiro andar da construção ao
lado, que por sua vez tem um pátio com uma grande árvore fácil de
escalar, que dá num outro pátio de um edifício que tem um porão
aberto, que se comunica com os esgotos... Tudo isso surgiu de um
profundo e capilar conhecimento dos lugares, mas continua sendo,
mesmo assim, um saber utilitário. A ruse urbana que propomos aqui
designa, por outro lado, uma poética do habitar surgida de um
procedimento hábil nascido de um profundo saber local (no sentido

espaço-sócio-temporal), que permite aos habitantes poder se
“desviar” das arquiteturas e os espaços urbanos, assim como inventar
artifícios para se apropriar e reinventar seus espaços.
Acredita-se que a poética do habitar se expressa

inusitadamente não pela forma de ruses, mas por apropriações
libertadoras do significado da vivência do lugar. Seguimos, então,
com a observação de uma dessas apropriações inusitadas no espaço
urbano central de Goiânia.
Goiânia
Falar sobre a cidade, como aqui proposto, é conhecê-la como

locus de interações sociais e trajetórias singulares de grupos e/ou
indivíduos cujo cotidiano se refere a formações culturais que as
transcendem.
Goiânia, citada por alguns autores como cidade coração do
Brasil Central, nasce com a missão de ser moderna e ressoa, em seu
percurso no tempo, muitas vozes, mas também silêncios. É presente
uma dualidade de entendimento quando se volta o olhar para sua
intenção original. Há um discurso político forte, elitista, de uma
cidade construída para ser apresentada ao mundo, símbolo do
progresso, do desenvolvimento, uma cidade monumental que surge
num Estado que três décadas antes se mantinha como o terceiro
Estado mais pobre do Brasil (Manso, 2004). Suas intenções
arquitetônicas e urbanísticas iniciais dão conta de espaços livres
generosos, largas e convergentes avenidas principais, setorização de
serviços e privilégios aos espaços administrativos com
representativa monumentalidade da gestão denotada pela
arquitetura, além de uma abundância de praças e parques. O que
não se pode afirmar, por outro lado, é que essas intenções iniciais
tenham sido mantidas em pouco mais de oito décadas de sua
configuração como cidade. Se pudermos melhorar um pouco essa
última conjectura... talvez seus habitantes não tenham se
apropriado das intenções originais dos pioneiros pensadores de

Goiânia como se imaginava ser nas pranchetas de projeto.
Em 2002, Goiânia tem parte de seu acervo arquitetônico art
déco reconhecido como patrimônio nacional, estilo este presente na
construção dos prédios oficiais da administração pioneira, no
próprio traçado da cidade e em alguns exemplares da arquitetura
popular. A poligonal do tombamento gera agrupamentos, um
conjunto – um centro histórico? O (re)conhecimento deste por parte
dos moradores de Goiânia, até os dias atuais, é por vezes inexistente
numa demonstração complexa da heterogeneidade da intenção e da
apropriação urbana daqueles que de fato ocuparam a cidade, como
pontua Silva e Veloso (2016, p.48):
(...) a identidade – performática que se evidencia na ‘apresentação

do eu’ no seu viver cotidiano dos goianienses é expressa em sua
performance cultural, marcada por representações simbólicas
postas em signos ideológicos, ou seja, termina por existir uma
associação direta entre a pessoa e o que essa pessoa consome.
Há que se considerar ainda condições contraditórias no

próprio planejamento da cidade, ao longo de suas décadas, fazendo
colidir com a tradição e modernidade e provocando sobretudo o
declínio do espaço público. Um texto dos arquitetos Ivan Oliveira de
Grande e Deusa Maria Rodrigues Boaventura, professores em
Goiânia, levanta e descreve contradições no espaço central da
cidade, indicando que o conflito entre propostas e usos remontam
de fato aos momentos iniciais da cidade;
Assim sendo, o desenho proposto para a cidade, com os seus novos

arranjos espaciais se mostrava estranho para uma população que
acabava de chegar à nova capital, vinda de um passado de raízes
coloniais. A “nova” praça cívica assemelhava-se a um grande
cenário que havia sido pensado segundo princípios estético-
culturais europeus. Mas, por outro lado, ela era um sinal de uma
nova vida de sonho, promessas e oportunidades que o cidadão local
ainda não conhecia (BOAVENTURA; GRANDE, 2015, p.78)
Há um apontamento (BOAVENTURA; GRANDE, 2015) de que

a especulação imobiliária tenha provocado um crescente
esvaziamento do centro da cidade do final da década de 40 até os
anos 80, com a exploração de bairros recém-criados no entorno
central e com a transferência de atividades antes exclusivas do
centro para esses bairros. Uma transferência da vida urbana para
novos espaços, provocando um gradual esvaziamento do centro e
uma expansão notável da cidade, principalmente no período pós-
Brasília, na década de 60, quando Goiânia recebe um considerável
fluxo de novos moradores. Nas imagens abaixo, é possível observar
o cartaz de divulgação de venda de terrenos da capital recém-
construída, exaltando as facilidades de acesso, a monumentalidade
e a boa estrutura de serviços disponíveis e, na sequência, o plano
urbanístico de 1947 que revela expressiva expansão urbana.
Figura 1: Peça gráfica de divulgação da venda de lotes na capital recém-construída. 6
6
Disponível em: < https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Cartaz_ Construcao_de_Goiania.JPG
>. Acesso em: 24 de outubro de 2017.
Figura 2
Goiânia, planta geral de urbanização, 1947 / E.P. Marques Lopes, Eng. Civil. 7
Com esse panorama, a região central se preenche de espaços

residuais, enquanto a expansão urbana marcada pela desigualdade
social se ocupa de espaços antes pensados como áreas livres. Em
alguns lugares, a sensação é de que a cidade já não vive ali.
A Praça Cívica citada aqui, simbólica e representativa para o
centro da cidade, teve importância seminal no projeto pioneiro, sendo
planejada como centro cívico e como espaço acolhedor das funções
administrativas e gestoras da cidade. Durante sua trajetória temporal,
esse espaço perde sua conexão do caminhar contemplativo e da
ocupação cívica para abrigar os carros, funcionando como
estacionamento em seu espaço interno e como estrutura de circulação
e parada de ônibus de transporte público em seus anéis circulares.
Essa mudança drástica – associada ao deficitário sistema de transporte
7
Disponível em: < https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Cartaz_ Construcao_de_Goiania.JPG
>. Acesso em: 24 de outubro de 2017.
público - reflete o exacerbado uso de carros na capital, preterindo de

forma castradora os hábitos de se percorrer as distâncias urbanas
caminhando, sobretudo em seus assim planejados bulevares.
Recentemente a Praça Cívica foi foco de investimento do programa de
aceleração do crescimento do Governo Federal, tendo seu espaço
requalificado e o estacionamento interno proibido. Uma manobra
institucional e política para devolver à praça a sua intenção de
convivência social e cultural. Resta-nos esperar, aos poucos, o processo
de apropriação próprio das pessoas, já que o movimento político
estruturante não tem um sincronismo exato para com as ações
particulares dos habitantes da cidade.
A implantação de shopping centers na cidade de Goiânia
representou marcos comerciais significativos, mudou hábitos da
população, ao mesmo tempo em que reforçou a fragmentação dos
espaços urbanos, valorizando os hábitos individualistas e de
consumo e negando a coletividade. Pouco a pouco, os espaços
urbanos vão priorizando e sendo desenvolvidos para os carros e a
própria rua torna-se um resíduo. O declínio do espaço público e da
convivência popular se vê também na verticalização acelerada da
cidade, que perde suas conexões históricas e culturais sem nem
mesmo ter essa percepção, deixa de lado as vivências singulares e a
experiência como que se esvazia de sentido.
As intervenções contemporâneas sobre os territórios culturais, as

que são planejadas (ao contrário das ruses* e apropriações
inesperadas do espaço urbano) parecem cada vez mais
desprovidas de corporalidade ou sem consistência. Obedecem a
um ritmo de produção de exibicionismo cultural promovido pelas
cidades. Como se transformam então as relações entre urbanismo
e corpo, entre imagem e corpo, e entre o corpo urbano e o corpo
do cidadão? A experiência corporal da cidade é o exato oposto da
imagem urbana fixada por um logotipo publicitário. Pois uma
experiência corporal singular não se deixaria reduzir a uma
simples imagem de marca. Essa experiência da cidade feita pelo
cidadão lhe dá um corpo, às vezes imaginário, um outro corpo
“urbano” que se move de maneira enigmática conforme a

superabundância dos cenários (JACQUES; JEUDY, 2006, p.9).
Beco da Codorna
Há, na configuração das áreas comerciais do centro de

Goiânia, corredores de serviços, pátios internos que têm seus
acessos feitos por estreitos becos. Em sua intenção original, existia
a proposta de servirem a usos de serviço dos estabelecimentos
comerciais, como carga e descarga, retirada de lixos e etc., reduzindo
essa movimentação das áreas frontais desses estabelecimentos e
também do urbano que se contempla. Contudo, não tardou o
momento em que os carros passaram a ocupar também esses
espaços, como estacionamentos, em virtude da verticalização da
cidade e do aumento vertiginoso do número de carros frente à queda
do hábito de se fazer os percursos a pé e ao transporte público
deficitário.
Por um olhar que observa as inconstâncias e as performances
do inusitado no urbano, chama a atenção um desses becos em
específico, e sua trajetória de usos e apropriações ao longo do tempo.
O Beco da Codorna situa-se num dos pontos mais emblemáticos do
centro da cidade, tendo sua saída única nos dias de hoje para a
Avenida Anhanguera. Serve aos espaços comerciais de todo um
extenso quarteirão que é circunscrito também pela Avenida
Tocantins, rua 3 e rua 9. Curiosamente, hoje, a maioria dos
estabelecimentos comerciais que poderiam fazer uso do serviço
desse espaço fecharam seus acessos ali, o que torna a praça interna
um grande e verdadeiro vazio.
Como se vê na imagem a seguir, espacialmente o Beco da
Codorna se desenvolve longilíneo e estreito, quase despercebido,
para ecoar num amplo espaço, mas contido, recuado, sem saída. A
contenção e o recuo dizem muito para a cidade, ou talvez seja a
própria cidade dizendo para o beco que é mais seguro mantê-lo
beco, e perspicaz poder ainda assim provocar um bem medido
deslumbramento. As imagens a seguir mostram o Beco em sua

projeção urbana. A figura 3 é uma vista aérea e a figura 4 um
panorama que se esforça em mostrar toda extensão leste do Beco e
sua amplitude interna.
Figura 3
Vista aérea do Beco da Codorna, reprodução do
Google Maps com demarcação da autora 8
Figura 4
Foto em panorama tomada no dia 13 de agosto de 2017,
8
Fonte disponível em: <https://www.google.com.br/maps/place/Beco+da+Codorna/@-
16.6759232,-49.2604471,112m/data=!3m1!1e3!4m5!3m4!1s0x935ef161c6df04f5:0x79105d6ce87cdf
d9!8m2!3d-16.6757494!4d-49.2606475>. Acesso em: 4 de junho de 2017.
domingo, por volta das 16 horas.

Fonte: Fotografia da autora
Ainda sobre a figura 4, o detalhe 1 mostra, na mesma cena,

pessoas utilizando os murais grafitados como cenário de fotos e um
carro que acabara de chegar estacionando em uma garagem
aparentemente privada, o que denota a ocupação sem uma
necessária preocupação com tipologias de uso. Contudo, seria
necessária uma investigação mais profunda para gerar conclusões.
O detalhe 2 tem seu foco no estabelecimento comercial Upoint, que
funciona como uma loja de arte e como sede da Associação dos
Grafiteiros de Goiás.
Seria o beco então um espaço para uso público? Pensar o
espaço público vai além de verificar setorizações e planos diretores
que determinam a divisão da cidade em zonas e usos específicos, o
espaço público é uma conquista democrática, ainda que seja um
direito que o citadino detém.
A grande questão é que, para a cidade contemporânea e seus
desafios, a apropriação do espaço público não se apresenta como
algo natural. As assimetrias sociais provocam uma desmedida
criminalização do excluído com reflexos diretos na sociedade e nos
espaços urbanos, atingindo em cheio os espaços públicos. O
movimento que se observa é de renúncia desses espaços,
especialmente pelas classes mais favorecidas, com o receio de sua
segurança. As implicações desse pensamento e ações decorrentes
são desastrosas, pois o medo e o abandono do uso amplificam a
exclusão e a inércia. A dimensão que esse problema toma assola a
vida urbana, com o risco de reduzi-la a um simulacro ou a um
espetáculo, como pontuou o situacionista9 francês Guy Debord (1997
[1967], p.13); “toda a vida das sociedades nas quais reinam as
9
Refere-se a participantes do movimento que se convencionou chamar de Situacionismo,
caracterizado por contundentes críticas sociais, culturais e políticas, reunindo poetas, arquitetos,
cineastas, artistas plásticos e outros profissionais, de uma forma geral europeus. Tem como marco a
fundação da Internacional Situacionista, em Cosio d'Aroscia, Itália, em 1957.
condições modernas de produção se anuncia como uma imensa

acumulação de espetáculos. Tudo que era diretamente vivido se
esvai na fumaça da representação”.
Numa tentativa de compreender como o Beco da Codorna se
comporta frente a essas implicações urbanas contemporâneas, foi
realizado um levantamento de reportagens sobre ele que figuraram
no jornal goiano O Popular10 durante as últimas décadas. Em
pesquisa no acervo do jornal, a mais antiga citação ao Beco da
Codorna aparece na seção de classificados de 1989, página 11:
DODGE POLARA/80 - Vermelho,

bem conservado. Tr. Av. Anhanguera. (Viela da Star Chic). Bar
Beco da Codorna. Com Neusa.
Despretensiosa, a citação do Beco aqui mostra que, já no final

da década de 80, o uso original não estava necessariamente
corrente, dando lugar ao uso comercial pleno, um bar em atividade
no beco! Ainda que se sabendo marginalizado e segregado, há uma
performance do espaço que incita à participação e circulação de
pessoas ali, naquele contexto temporal.
A próxima citação do Beco da Codorna nesse veículo de
comunicação se dá apenas em 2014, agosto mais precisamente. A
reportagem, já disponível em versão digital e online, convida para a
mostra de música acústica Offsina, a chamada segue:
Domingo de muita programação da Mostra Acústica Offsina. Hoje

(3), a programação do Festival segue no Beco da Codorna, com o
som da banda Pó de Ser, a cantora Tati Ribeiro e Daniel Melo, a
partir das 17 horas. O Beco da Codorna fica atrás do Centro
Cultural Goiânia Ouro (Rua 3, esquina com a Rua 9, Centro).11
10
O Jornal O Popular tem expressivo posicionamento como veículo de informação local, sendo um dos
primeiros jornais a circular em todo o Estado de Goiás, com início em 1938.
11
Disponível em: < http://www.opopular.com.br/editorias/magazine/offsina-e-sons-de-mercado-
movimentam-o-domingo-em-goi%C3%A2nia-1.624275>. Acesso em: 7 de agosto de 2017.
Há, no entanto, um fato a tratar que foge aos registros de

reportagens levantadas. Por meio de depoimentos de pessoas que
participaram da ação, descobre-se que, em maio de 2014, um
movimento inusitado muda a forma como as pessoas se
apropriavam, usavam e viam o Beco da Codorna e o faz se
aproximar do que ele é hoje. Atualmente, as informações que dão
conta da primeira intervenção de caráter artístico no Beco está
também disponível em alguns endereços da internet, mas não foi
encontrada uma publicação que registrasse ou documentasse o que
será tratado aqui como uma performance urbana do inusitado.
O começo da apropriação inusitada do Beco se deu de forma
quase casual. Com planos de se utilizar de espaços culturais da
cidade, um grupo de estudantes planejou um evento – Encontro
Cena Urbana; que reuniria música e arte numa perspectiva
underground. Dentro do que se planejava, o local para a realização
seria o Centro Cultural Goiânia Ouro12, que tinha uma ligação, uma
passagem para o beco. Hoje, essa passagem foi fechada, mas em
2014, foi por ela que esse grupo de estudantes descobriu a
possibilidade de utilizar o beco. A esse grupo se uniram artistas
plásticos, grafiteiros, fotógrafos, skatistas e músicos que
conversaram com moradores informais do beco e o desocuparam
com autorização da Prefeitura Municipal. Em pouco tempo, as
paredes estavam cobertas de desenhos e mensagens em cores
vibrantes do grafite contemporâneo.
O Beco da Codorna é, agora, tomado por grafite, de grandes e
pequenas proporções. Com cuidado, observa-se que as imagens
chegam a lugares inusitados também: cantos, chão e grandes
alturas, por exemplo. Pelo levantamento realizado, os registros, em
reportagens do Jornal O Popular, são inúmeros, desde então até o
presente ano. Contraditório é pensar que a intenção primeira do
grafite é desenhar em lugar impróprio, o pixo, sua forma menos
12
Ampliado em 2005/6, o Centro Cultural Goiânia Ouro é um complexo que abriga um cinema, teatro,
bar, espaço de apresentações culturais e sala de leitura e está localizado no Setor Central de Goiânia.
glamourosa, tem ainda a intenção de sujar, marcar e às vezes até

conspurcar um monumento, um marco, dando ao seu autor uma
sensação de apropriação, uma transgressão estimada pela autoria.
A dualidade do picho e do grafite é complexa, limítrofe e, talvez,
um pouco difícil de definir nos limites deste artigo, contudo, o que
impressiona no Beco da Codorna não se desvincula desses
entrelaçamentos. Para refletir sobre, basta pensar na ocupação do
espaço, em sua performance, anterior e posterior ao grafite e como as
pessoas se propõem, nesses momentos, a se relacionarem com esse
espaço. Marcelo Peralta, um arquiteto e urbanista, interventor urbano
pela imagem, que participou do processo de ocupação do beco em
2014, relata que antes do grafite, o Beco da Codorna se reduzia a um
grande estacionamento durante o dia e um local de consumo de drogas
à noite, e que, com o grafite, o espaço não deixa de ser o fundo, mas já
abriga intenções voltadas para ele mesmo, há movimentação,
contemplação e festa de tempos em tempos. A performance do
inusitado se desdobrou na tática de ocupação e valorização urbana,
aproximando as pessoas do espaço por meio da imagem, ainda que em
uma aplicação que traz em seu ínterim muitas questões de um
território polêmico que envolve, inclusive, a arte.
Com o tempo, foram surgindo e sendo percebidos os

desdobramentos vários das ações culturais que reverteram o uso e
a história recente do Beco da Codorna. Essa percepção pode ser
conferida, por exemplo, em registros midiáticos e ao observar
também o grande número de eventos acontecendo no local
frequentemente, somados às visitas ocasionais e turísticas. Todo
esse panorama parece configurar o Beco como um ponto turístico,
um cartão-postal bastante contemporâneo da cidade. Isso acende ao
inusitado sua característica efêmera e, ao mesmo tempo, à
performance, molda-se a estruturação do que antes não seguia uma
forma usual ou comum ao cotidiano. Já nos meses que se seguiram
àquele maio de 2014, o Jornal o Popular registrou uma reportagem

em que um evento no Beco da Codorna seria promovido pela
Prefeitura, parte do texto dizia:
Domingo no Beco movimenta centro de Goiânia

É com o apoio da Prefeitura de Goiânia, por meio da Secretaria
Municipal de Cultura, que a Produtora Nós realiza mais uma
edição do Projeto Domingo no Beco. Ação surgiu com a proposta
de levar cultura e arte para o Centro de Goiânia, em um dia
relativamente pacato, o domingo.
O palco, montado no Beco da Codorna, receberá shows de bandas
independentes, intercalados com sarau aberto. O espaço também
é livre para que as pessoas possam vender, trocar e expor o que
quiserem.
A reocupação dos becos, antes mal utilizados e dominados pelas
drogas, reafirmam a intenção da prefeitura de revitalizar o centro
da capital, levando programações culturais gratuitas e de
qualidade para a população. Esta edição faz parte da programação
especial em comemoração aos 81 anos de Goiânia.13
É no mínimo curioso a Prefeitura, em seu papel institucional,

qualificar o beco planejado em sua intenção original como mal
utilizado, ainda que os usuários dele não o tivessem apropriado para
aqueles fins. O jogo aparente de relações que são travadas na cidade
com sua gestão, seus habitantes, seus pichos, grafites e autores,
quando da visibilidade exacerbada, corrobora o discurso debordiano
já no momento em que ele define espetáculo, em sua Tese 4: “O
espetáculo não é um conjunto de imagens, mas uma relação social
entre pessoas, mediada por imagens” (DEBORD, 1997, p.14).
Altamente crítico ao capitalismo, Guy Debord considera que a
teatralidade e a representação dominaram a sociedade. Falar do
grafite para o beco e suas repercussões posteriores, nessa
perspectiva, é bastante propício ao considerar que a transgressão do
13
Disponível em: < http://www.opopular.com.br/editorias/magazine/domingo-no-beco-movimenta-
centro-de-goi%C3%A2nia-1.687958>. Acesso em: 7 de agosto de 2017.
pichador e a arte do grafiteiro são ambas materializadas em imagens

que se fundem à paisagem urbana e a (re)qualificam.
As performances do inusitado pela cidade parecem
efetivamente conseguir modificá-la, mas é preciso cautela ao cogitar
que “a idealização da cidade como território de exibição cultural
pretenderia ultrapassar os limites da ‘sociedade do espetáculo’ criando
a ficção simulada de uma utopia” (JACQUES; JEUDY, 2006, p.9).
Cabe o foco à experiência que alcança o íntimo do ser, põe em
metamorfose o que parece imóvel – a cidade, e transforma o
humano, revigora. A rua é o palco, como lembra Schechner (apud
LIGIÉRO, 2011, p.159),
Se existe uma tradição (e não somente no Ocidente) de construir

grandes monumentos especificamente para apresentar
performances – arenas, estádios e teatros –, então, existe também
uma longa história de performances não-oficiais ‘tomando lugar’
em (capturando bem como usando) locais que não foram
arquitetonicamente imaginados, como teatros (...). Uma grande
parte da celebração está experimentando a transformação do
espaço de trabalho, ou espaço de trânsito, ou algum tipo de espaço
oficial em um campo de jogos. Nos últimos 30 anos,
experimentadores da performance, um ramo da arte da cultura
não-oficial, têm se utilizado de espaços ao ar livre – pátios, ruas,
muros, praias, lagos, topos de telhados, praças e encostas de
montanha – para um número de propostas que se encaixa,
estética, pessoal, ritual e politicamente.
Há, então, que continuar, pela vida e pelos becos no urbano.
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4
Paisagem é invenção do olhar

em ações performativas
Sainy C. B. Veloso1
Paisagens são invenções de olhares díspares de criadores, em

diferentes temporalidades, não satisfeitos com as concepções
instituídas e concretude do mundo. Afora o obscuro mundo das
pestes, dos demônios da Idade Média, a paisagem é, nas Artes, a
conquista do artifício de um saber que anuncia um espaço mais
além: de interposição entre o olhar e o olhado, descortinado sob a
luz de uma janela aberta.
Olhar implica uma experiência única, individual e, ao mesmo
tempo, coletiva, uma vez que depende de espaços correlatos e de
suas “condições de possibilidade” (FOUCAULT, 1995), a saber, de
suas relações com acontecimentos de ordem técnica, política,
econômica e social. Entre os séculos XII e XIV, a economia medieval
vivenciou uma época de ascensão com oferta de gêneros agrícolas, o
desenvolvimento das cidades, a monetarização da economia e a
consolidação de uma nova classe social pela burguesia (HUIZINGA,
2013). O estatuto da imagem é, nesses longínquos tempos, a
validação de uma apresentação mimética de sua verdade.
1
Doutora em História Cultural pela Universidade de Brasília (2008), com pós-doutorado em Cultura
e Sociedade pelo Instituto de Altos Estudios Sociales (DAES), da Universidade de San Martín (UNSAM),
em Buenos Aires (2014). Atualmente, é professora associada, da Universidade Federal de Goiás –
Faculdade de Artes Visuais e no Programa Interdisciplinar em Performances Culturais.
Na iluminura do Livro das horas do Duque de Berry”2 (fig. 1),

produto da Alta Idade Média e uma das primeiras apresentações da
paisagem, a natureza, com suas montanhas, vales, rios, árvores, é
concebida para mostrar um mundo além do visível, paradoxalmente
nele apresentado. As florestas, os campos, as colheitas estão em uma
rudimentar perspectiva – como se o observador olhasse do interior
de sua residência –, em espaço topográfico que se desdobra à frente
de sua janela. As iluminuras são de um naturalismo ingênuo que
parece crer na paisagem existente por si mesma.
Figura 1 – Livros das horas. Setembro. Duque de Berry. Iluminura, 1979. 3
O tempo é, então, o elemento da composição. É invisível na

sensação da conquistada ilusão de profundidade dos planos, mas
2
Calendário litúrgico, criado ao longo do século XIV, que tornava acessível aos leigos certos elementos
do breviário utilizado pelos padres. Vários livros foram produzidos entre os séculos XII e XV, entre
eles e o mais célebre As Riquíssimas Horas, pintadas pelos três irmãos Limbourg – Paul, Hermann e
Jean –, artistas flamengos contratados pelo duque de Berry por volta de 1405.
3
Disponível em: <http://www.escritoriodolivro.com.br/historias/setembro.php>. Acesso em: 18 de julho
de 2018.
Sainy C. B. Veloso | 109
visivelmente representado como tempo cronológico, na parte

superior das iluminuras, em horas, dias, meses, ano (fig. 2).
No Livro das horas, as imagens – assim como as demais outras
usadas nesse texto – têm um funcionamento próprio como símbolos e
não se restringem a limitações balizadas pelas restrições lineares e
limitações sequenciais da escrita discursiva. Cada símbolo é um
caminho para conceituação de ideias sobre as realidades aparentes e
meio de comunicação com os demais outros. Dessa maneira, o símbolo
funciona performativamente na inter-relação entre o corpo daquele
que olha e a imagem projetada em performance (HASEMAN, 2015, p.
46). Como tais, “são envolvidas em
Figura 2 – Detalhe. Livros das horas. Duque de Berry. Iluminura, 1979. 4
uma simultânea e integral apresentação” (LANGER, 1971, p. 97),

constituindo, assim, um texto visual, com função comunicativa, que
encena uma ação performativa.
O olhar depende do pensamento/conhecimento para fazer
inteligíveis as sutilezas e nuances nos fenômenos performativos.
Mesmo os olhares mais dispostos a pensarem as realidades de modo
diferente não prescindem da compreensão das tradições e convenções,
para reconhecê-las e/ou alterá-las. A emissão de um enunciado com
4
Disponível em: <http://www.escritoriodolivro.com.br/historias/setembro.php>. Acesso em: 18 de
julho de 2018.
função comunicativa como um desenho, uma pintura, uma fotografia

ou qualquer outra forma material expressiva implica realizar algo,
uma ação performativa,5 tanto quanto sua recepção, tais como os “atos
de fala” de John Langshaw Austin (2003). Elas possuem uma função
expressiva, poética, que se encontra no modo de expressão da
mensagem, em circunstâncias adequadas.
Por certo que a lógica anunciada na ação performativa das
iluminuras dos “Livros das horas” encontra, nas paisagens, a
Verdade na Natureza apresentada. Ademais, o que está em questão
é o princípio divino em “todas as coisas” do mundo. Assim posta, a
natureza é transcendental, princípio divino; portanto, essência
invisível de uma presença ideal.
O termo paisagem já existia na Idade Média, em várias línguas,
mas com um significado comum, referindo-se à ideia de país
(AQUINO, 2012). Contudo, sabemos, por meio de Michel de Foucault
(1995), que o saber que circunscreve os conceitos e as ações
expressivas define-os em um espaço epistêmico singular, datado e
analisado em sua historicidade, considerando as emergências
discursivas com base em condições históricas associadas ao seu
surgimento e legitimação. Assim, temos a ideia fundada em pays, país,
que originará o termo francês paysage, como regiões de ocupação
humana que documentam a história e possuem certa homogeneidade
física (CARNEIRO, 2011). No século XVI, o termo alemão Landschaft,
em seu enunciado performativo, abre-se para a estética associada ao
território e contempla as pinturas de paisagem. Na língua italiana, o
conceito de paesaggio, desenvolvido durante o Renascimento, é, até
hoje, relacionado com características estéticas e, segundo Antônio Vitte
(2007), contempla o contexto moderno de paisagem.6
5
Do verbo inglês to perform = realizar.
6
Do belo e/ou sublime.
Paisagens, o olhar/pensamento e sua enunciação em contexto

legitimador
Hoje, paisagens são compreendidas por meio da experiência e

da percepção do olhar, pois é – a um só tempo – vista pelo observador
e age determinando seu olhar. Sendo assim, é marca e matriz: “A
paisagem é uma marca, pois expressa uma civilização, mas é também
matriz porque participa dos esquemas de percepção, de concepção e
de ação [...]” (BERQUE, 2008, p. 84). Nessa perspectiva, deixa de ser
somente espaço externo apreendido pelo olhar, para abalizar o olhar
como um fenômeno sensível, partilhado com outros.
A fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty (2002) prioriza a
percepção como encarnação sensível do indivíduo no mundo. O
autor afirma a paisagem como prosa do mundo. O mote
contemporâneo é posto no diálogo que criamos com os objetos e na
própria organização espaço-temporal, produzida mediante a
interpretação dos signos e sentidos. A paisagem não mais fala por si
própria. Conversa com o mundo. A questão seria, então, realizar
rupturas com os significados instituídos pela opressão cultural e
viabilizar a apreensão sensível da paisagem por meio do corpo,
como expressa Merleau-Ponty (2004).
No pensamento do filósofo, o corpo não é mera ferramenta para
acesso à realidade como na ciência positivista. Ele é fronteira, linha do
horizonte, entre mundo externo e mundo interno, e a percepção é a
troca ambígua de sentidos com o mundo, portanto é afetar e ser
afetado. O corpo merleau-pontyano “não age como causa separada
para introduzir distorções no pensamento, mas sim produzir
percepções da qual o pensamento se serve" (CARMO, 2002, p. 81).
Desse modo, se constroem subjetividades para outras percepções.
Figura 3 - Caixas. Alexandre Liah, 2018. Fonte: Foto: Sainy Veloso.
Nesse seguimento, Alexandre Liah,7 em Caixas8 (fig. 3),

constrói uma poética das paisagens grafadas pelo desenho do
artista, nas tábuas de madeira das caixas usadas em
estabelecimentos populares de abastecimento para transporte de
hortifrutigranjeiros (fig. 4). Nelas, a noção tradicional da
Figura 4 - Detalhe. Caixas. Alexandre Liah, 2018. Fonte: Foto: Sainy Veloso.
paisagem é invertida. O artista imaginou a grafia das paisagens na

pele/madeira delas, por onde passavam em seus percursos. Liah
(2018) tece uma correlação com o viajante que olha a paisagem da
7
Artista autodidata. Atualmente, coordena a Escola de Artes Visuais – EAV – da Secretaria de Estado
de Educação, Cultura e Esporte de Goiás – SEDUCE-GO – e conclui o curso de Licenciatura em Artes
Visuais na Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de Goiás – FAV-UFG. Já participou de
várias exposições individuais e coletivas, nacionais e internacionais, com premiações no Brasil.
8
As caixas fizeram parte da exposição coletiva intitulada “Intrínseco: 33,5x51”, realizada na galeria da
EXPOLAB, na FAV-UFG, em 25 de junho de 2018.
janela do carro em movimento com “uma caixa na carroceria do

caminhão que vai plasmando todas as paisagens possíveis e
imagináveis ao longo do trajeto”.
Os intervalos, os vazios e as ausências poderão ser inscritos
pela imaginação e/ou pelo que o olhar consegue apreender. Para
Liah (2018), o “irreal se completa no suporte seguinte. No suporte
cheio se arvora o desenho, no vazio se desfaz a linha. E a vida segue
numa constante viagem, de vazios, ausências e presenças. Tal ação
performativa, poética, de Liah, mediada pelo seu olhar, continua
seguindo o pensamento de Merleau-Ponty (2002, p. 79), quando
afirma que “aquele que pinta e aquele que olha o quadro são
superiores ao mundo, como o dominam, como o abarcam com o
olhar”. O filósofo ainda prossegue afirmando que “jamais veríamos
uma paisagem nova se não tivéssemos, com nossos olhos, o meio de
surpreender, de interrogar e de dar forma a configurações de espaço
e cor jamais vistas até então” (MERLEAU-PONTY, 2002, p. 119).
Diferentemente de Caixas, a obra Horizonte pessoal (fig. 5) de
Odinaldo Costa9 pensa a natureza da paisagem (2018). Sua ação
performativa cria uma
Figura 5 - Horizonte Pessoal. Odinaldo Costa, 2018. Fonte: Fotografias do artista.
linha do horizonte reta, com a extensão de 2 metros e 85

centímetros, uma montagem com fotos de 8, 5 centímetros de altura,
retratando seu corpo fragmentado, nu. Nas fotos, há três sequências
de posições conforme se mostra a figura 5. Essa é sua paisagem, um
9
Fotógrafo e doutor em Artes pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro – UERJ. Atualmente, é
professor no curso de Artes Visuais da UFG.
horizonte demarcado pelo seu corpo, limite de seu entendimento e

trocas como mundo e vice-versa. A introspecção do artista diante
daquilo que o toca e o faz tocar diante da urgência da ação do mundo
parece exemplificar o que Merleau-Ponty (2002, p. 119) afirma: “nosso
corpo só pode se reconhecer entre as coisas e frequentá-las à condição
de renunciarmos analisá-lo – o mundo – para simplesmente usá-lo”.
Em seu ato de fala, o artista enuncia: “Fiz-me paisagem” – e
continua explicando que sua criação se embasou
[no] conceito de paisagem como um engendramento do que se vê,

mas também do que não se vê. A essa invenção, ainda acrescento
o que imagino e os meus sonhos. Não estou interessado em um
olhar panorâmico, que tudo vê. Articulo paisagens no recorte da
intimidade, aprofundando o olhar rotineiro do cotidiano. (COSTA,
2018, p. 61-62).
Percebemos que ambas, iluminuras e fotografias – apesar da

dessemelhança de suas ações performativas, em temporalidades
diferentes – apontam para enunciados em constante transformação
no espaço e tempo, bem como mudanças de entendimento na
referência pessoal e coletiva. Desse modo, a imagem de Horizonte
pessoal é apreendida pela tentativa de organização sensível do
artista, um conjunto organizado de valores ordenados, próprios de
seu íntimo, na qual a paisagem deixa de ser espaço para ser lugar,
território. Lugar de afetos, afecções e intimidades. Cada fotografia
de seu corpo seriado é única, mas passível de se repetir ao gosto do
artista (fig. 6), indefinidamente. Espaço e tempo flexíveis, alterados
e redimensionados pela subjetividade do artista.
Há uma cisão do olhar entre as iluminuras dos Livros das horas
e Horizonte pessoal? Uma ruptura com a ideia de paisagem clássica e
a atual? Ambas são mantidas na e pela experiência ordinária basilar
para seus enunciados e se sustentam na natureza. A primeira na
paisagem-natureza e a segunda na natureza da paisagem. Há uma
temporalidade de existir, de coexistir juntas, uma vez que a imagem
adquire sua legibilidade no olhar do outro, dos outros, das culturas.
Costa interpela o tempo cronológico. Cada fotografia é única
Figura 6 - Detalhe Horizonte Pessoal. Odinaldo Costa, 2018.

Fonte: Fotografias do artista.
e emoldurada como tal. Entretanto, juntas, criam temporalidades

seriadas, como as marcações de um relógio horizontal, delineadoras
de paisagens íntimas, subjetivas e profanas. O corpo em Horizonte
pessoal encarna o divino em si, naquilo que apresenta: a decadência
de narciso ao tocar o reflexo de seu corpo na superfície do espelho,
e vê-lo se desintegrar no momento em que se quer capturá-lo em
imagem? Conquanto fragmentado, as partes não suprimem a
relação entre elas e, para tanto, o artista usa a retórica para sua ação
performativa visual, persuasiva e eficaz. Ao problematizar o corpo,
aborda-o com uma nova forma de pensamento e apresentação.
As fotografias esquiz(as),10 ao contrário do que pressupõem,
asseguram proximidade e inteireza de um corpo que se desdobra em
grades, mas não mais como representação. A fotografia perde seu
status de analogon perfeito, deixa de ser imagem sem código para
ser questionadamente codificada (BARTHES, 2009, p. 13). Anne
Cauquelin (2007, p. 31) pergunta se a transfiguração da paisagem
nos remete não mais ao que se encontra na paisagem, mas no que
nela se encontra ausente. Dessa maneira, mesmo remetendo-nos a
uma memória do corpo e, parcialmente, sendo reconhecido,
Horizonte pessoal não é mais a representação dele. O artista “fala”
de outro lugar, do que consegue perceber e circunscrever de si
mesmo, como vastidão da paisagem.
Ambos, Liah e Costa, têm suas recepções em um público e
contextos legitimadores da arte: especialistas, historiadores,
professores e críticos capacitados e todos aqueles dispostos a
10
Palavra do germânico skhízein (esquizo), que significa dividido, dual, diferente, relacionado à divisão
do todo em partes.
transcenderem a familiaridade das formas culturais, de maneira

sensível. Liah expôs suas caixas na galeria da Faculdade de Artes
Visuais da Universidade Federal de Goiás e Costa pensa sua obra na
tese de doutorado (2018) que desenvolveu na Universidade do
Estado do Rio de Janeiro. Afinal, como afirmou Marcel Duchamp, no
início do século XX: “são os espectadores que realizam a obra”, e,
posteriormente, Carlo Giulio Argan, "a arte existe para ser
percepcionada" (apud FRAYZE-PEREIRA, 1994, p. 5, 60).
A transformação da paisagem: da natureza contemplada à

celebração do poder da criação humana
Ao discutir a alteração da paisagem para o que nela se

encontra ausente, Cauquelin (2007, p. 71) assegura que, para que
haja relação, “é necessária a esquiz(o), separação, do que é
posteriormente reunido”. Nesse sentido, a autora reafirma a forma
simbólica da paisagem, a respeito da distinção entre uma imagem
natural e uma artificial, entre eídolon e eikon, retórica e simulacro
respectivamente (CAUQUELIN, 2007, p. 69). São ações
performativas visuais que podem optar para o “semelhante a”, ou
pode indiciar a imagem “produzida para”.11 Eidólon diz respeito a
uma imagem-visão, gravada e impressa nos olhos, ou a um
fantasma de algum daimon. Eikon é simulacro, designa a qualidade
de algo semelhante, análogo àquilo com o que parece. Em a Entrega
das chaves a São Pedro, um afresco do século XV, de Pietro Perugino
(cerca de 1448-1523), a paisagem citadina (fig. 7) é um acordo dúbio
da ação performativa do artista que transita entre eidólon e eikon,
convocando a unidade.
Como se estivesse em um sonho, Perugino enuncia o reino de
Deus, em uma cidade inexistente, imaginada, fruto de seu desejo de
ordenar o caos dos instintos humanos e os ímpetos agressivos deles.
Há a promessa de um acordo psíquico entre as pulsões, entre a razão
11
Termos usados por Anne Cauquelin (2007, p. 69-70).
Figura 7 - Entrega das Chaves a São Pedro.

Pietro Perugino. Afresco, 1481–1482, Capela Sistina, Roma. 12
e os desejos. Lembramos que arte é metáfora: por detrás do que

aparenta ser, de suas formas e cores, há um não pintado, não
apresentado visualmente, que se insinua, paradoxalmente, por
entre os elementos da imagem e que dependem da proximidade do
outro para arder.13
Na pintura simétrica da paisagem citadina de Perugino,
somente uma ligeira linha no horizonte14 se interpõe entre o
desenrolar da vida cotidiana da cidade e a natureza. O ideal da cidade,
enunciado no protótipo da perspectiva artificial brunelleschiana, está
mergulhado na espacialidade atmosférica e é a paisagem perfeita para
a glória de Deus. Reafirmação da promessa de outra Jerusalém
Celestial,15 não mais resplandecente no brilho de suas pedras
preciosas, pérolas, ouro, mas perfeita em sua ordem, simetria e
12
Disponível em: <http://www.arte.it/opera/consegna-delle-chiavi-a-san-pietro-4813>. Acesso em
18 de julho de 2018.
13
Referência ao pensamento de Georges Didi-Huberman (2012).
14
No céu, as nuvens são reduzidas a traços brancos sobre fundo azul, prenúncio dos estudos
meteorológicos do século XIX (PEIXOTO, 1996).
15
Nome dado à cidade que Deus fará para os fiéis (BÍBLIA, 2008).
racionalidade? A cidade que se descortina em Entrega das chaves a São

Pedro é limpa e luminosa. Os edifícios com seus arcos de voltas
perfeitas, frontões, linhas horizontais se correspondem em suas
distribuições compositórias, tanto quanto na ordenação dos indivíduos
ali representados. Mas nada no afresco indica a miséria humana.
No afresco, o meio ambiente destitui o status da natureza,
pois a cidade é o artifício da paisagem que ilustrará a
presença/ausência do desejo. O vestígio que a circunscreve instaura
outro paradoxo ao olhar por meio da disjunção: separa-a
racionalmente de seu modelo divino, desejante, mas, ao mesmo
tempo, chama-o à reunificação. O tempo, no afresco de Perugino,
não é mais uma abstração que carece da interferência humana,
como nos Livros das horas, para aferi-lo como tempo de Deus.
Diferentemente da aparência sensível da paisagem captada pelo
aparelho perceptivo dos Livros das horas, a paisagem em Perugino
é uma ação performativa racional, produto da cognição, da busca
pela beleza e perfeição das formas.
A dimensão espaço-temporal da paisagem citadina da Entrega
das chaves a São Pedro situa o observador no centro do afresco e
tem seu olhar direcionado para um único ponto de vista que não se
sustenta unicamente na religião. O espaço é produto de uma ação
performativa mental. Lugar de possibilidades de deslocamentos. O
tempo da “performance de interação social” (GOFFMAN, 2011) dos
homens de boa vontade no cenário citadino do século XV conta com
a presença de Deus e de seus representantes, no mesmo espaço-
temporal dos mecenas, reis, príncipes, condes, duques, bispos,
nobres e da emergente burguesia. Desse modo, o afresco de
Perugino encontra reconhecimento e legitimidade na visão
materialista e antropocêntrica de seus contemporâneos.
O que está presente e o que se encontra ausente nas paisagens

fotográficas de Eugène Atget?
O que escapa e o que se encontra intimamente relacionado

com as fotografias de paisagens urbanas de Paris, dos séculos XIX e
XX, de Eugène Atget?16 Primeiramente, segundo Walter Benjamin
(1994, p. 84), “a natureza que fala à câmara não é a mesma que fala
ao olhar”. O autor refere-se à reprodutibilidade técnica da fotografia
e à crise do “original único” como objeto de culto e ritual estético,
segundo a tradição artística burguesa.
Em a Pequena história da fotografia, Benjamin (1994, p. 101)
formula o conceito de aura como “[...] uma figura singular,
composta de elementos espaciais e temporais: a aparição única de
uma coisa distante, por mais próxima que ela esteja”. Assim, a aura
identificava-se com o objeto de culto mediador do encontro com a
divindade, a saber, com a experiência do sagrado. Mas logo depois,
Benjamin saudará o novo olhar revolucionário à cidade de Paris,
presente na fotografia de Atget. O autor vislumbra no fotógrafo a
possibilidade artística quando “a unicidade se reconcilia com a
reprodução múltipla” (GROJNOWSKI, 2003, p.162).
Precursor da fotografia moderna em Paris, no período de
entresséculos, Atget teve uma ação performativa solitária em
relação aos demais fotógrafos de retratos de sua época. Ele
inaugurou a fotografia urbana de uma cidade vazia e triste, na
suspensão do furor e do espetáculo da cidade-luz. Paris captada pela
lente reversa da máquina do fotógrafo, na Rue des Barres (Fig. 8),
incita as perguntas: O que aconteceu com a cidade? Para onde foram
ou onde estão os humanos que a construíram? Onde estão o
espetacular divertimento, o show de luzes e o movimento da cidade?
As paisagens da cidade são desérticas, surreais. O tempo paira
pesado, denso e opressor sobre tudo, em um só compasso: o da
tensão do incomensurável real à espreita. Há um silêncio sem as
horas, dias, meses, ano, tão bem-postos no Livro das horas do Duque
de Berry. Não há a dinâmica do movimento e racionalidade como na
cidade ideal de Perugino. O olhar de Atget embrenha-se pelo vazio
16
Nascido em 1857, em Paris, é um dos mais importantes fotógrafos da história.
das ruas e edifícios parisienses, sem referência à escala humana.

Entre sombras e luzes, as materialidades das cidades erguem-se
oníricas, libertas de suas auras tradicionais, sem movimento ou
vestígio do humano.
Figura 8 - Boulevard de Strasbourg, 1912. Eugène Atget. Fotografia de albumina,

George Eastman House, Museu Internacional de fotografia e cinema, Rochester.
17
Não obstante Benjamin responsabilizar a fotografia pela

destruição da aura ao desconectar fotografia e realidade, o autor
percebe nas fotografias de Atget a revitalização da fotografia
aurática. O autor afirma que o fotógrafo buscava “as coisas perdidas
e transviadas, e, por isso, tais imagens se voltam contra a
ressonância exótica, majestosa, romântica, dos nomes das cidades;
elas sugam a aura da realidade como uma bomba suga a água de um
navio que afunda” (BENJAMIN, 1994, p.100-101).
Adget retoma a aura artística negando-se ao fascínio a ser o
fotógrafo de retratos, tão comuns e populares no final no século XIX,
17
Disponível em: <https://www.artgallery.nsw.gov.au/exhibitions/eugene-atget/>. Acesso em 18 de
julho de 2018.
em uma nova e rica burguesia parisiense. Suas paisagens urbanas

indiciam provas de um acontecimento, um crime, tanto quanto o
afresco de Perudino. Em Rue des Barres a singularidade do fotógrafo
está articulada à ligação simbólica entre os outros seres humanos,
ausentes na fotografia. Portanto, a violência reside na falta da
paisagem e do humano. Na cena teatral da Entrega das chaves a São
Pedro, produto do renascimento do século XV, o delito é a ausência
do humano nos indivíduos ali representados. O afresco é uma
insígnia que ocupa o lugar da marca, traço unário com Deus,
imagem de identificação ideal com a perfeição.
Gênero pictórico no século XVII: a invenção da paisagem como

ação performativa da pintura
Figura 09 - Vista de Deventer, desde o noroeste, 1657.

Óleo sobre carvalho, 52 x 76 cm. National Gallery, London. 18
Não obstante os planos secundários dos retábulos e iluminuras

medievais, as paisagens citadinas representadas em planos terciários
18
Disponível em: <https://fineartamerica.com/featured/a-view-of-deventer-seen-from-the-north-west-
salomon-van-ruysdael.html>. Acesso em: 18 de julho de 2018.
do renascimento, a paisagem somente se afirmou como gênero

pictórico no século XVII. De fato, intencionalmente, a pintura de
paisagens surge como uma especialidade da ação performativa
artística, dos pintores flamengos como Salomon von Ruysdael (1602-
1670). Em Vista de Deventer, desde o noroeste (fig. 9), a paisagem
delineia a cidade e aponta o surgimento de uma mentalidade
burguesa, posterior à Reforma protestante, voltada para o comércio e
mercado da arte. A vida cotidiana, com suas tradições e comércio, é,
nessa época, o foco dos artistas. O olhar prioriza a observação, a
similitude, eikon, do mundo natural, e o valor material da imagem
substitui as formas transcendentais para com a Natureza. A “pintura
de vista”, assim chamada pelos pintores do norte da Europa, segundo
Claudia Mattos (2004), encontra um ponto comum, de síntese, com a
pintura ideal.
Ainda que a vista continue a se descortinar à frente de uma
janela no século XIX, John Constable (1776-1837) olha o mundo de
outra maneira e sua ação performativa pictórica dá a transparecer
uma mudança. Em a Catedral de Salisbury do Jardim dos Bispos (fig.
10), há uma justaposição de planos heterogêneos que, ao contrário
da perspectiva artificial renascentista, não converge o olhar para um
único ponto. Suas pinturas nos levam para dentro do quadro, ao
mesmo tempo em que nos trazem de volta à superfície, para que o
olhar percorra em todas as direções, seduzido pelos brilhos, texturas
e cores.
Não sem razão, John Ruskin e Charles Bauderlaire (2010)
apontaram a pintura de paisagem do século XIX, inglesa, como baliza
da modernidade. A composição de Constable já anuncia a
representação em uma rede que alarga o espaço e o tempo. “A
paisagem deixa de ser aquilo que se oferece lá no fundo para se
converter no campo, plano e extenso, em que se articulam todas as
coisas” (PEIXOTO, 1996, p. 10). Constable foi um pintor pioneiro na
percepção e estudo da mudança das condições atmosféricas e fez da
natureza seu tema secundário, não obstante elas ganharem destaque
no primeiro plano. Pintou poesia em suas nuvens, e seus efeitos
técnicos capturaram detalhes da natureza: a umidade e o sereno das

folhas, o brilho da luz que apreende e reflete sem ser subserviente ao
mundo concreto, como no caso da “pintura de vista” de origem
nórdica.
Figura 10 – Catedral de Salisbury do Jardim dos Bispos, 1821-1822. John

Constable. Òleo sobre tela. 19
Se Constable abriu os olhos para melhor olhar e retratar seu

mundo em diferentes possibilidades, Joseph M. W. Turner (1775-
1851) cerrou os seus, para se entregar ao caos das pulsões psíquicas.
Em Tempestade de neve (fig. 11), o romantismo de Turner rendeu-
se às forças da natureza. Repetidas vezes, suas pinturas de
paisagens, quase abstrações, abarcam a desenfreada fúria dos
desejos, correlatas às forças da natureza, muito maiores do que
supõe a racionalidade humana. Fato é que, não obstante outros
olhares, pensamentos, e ações performativas artísticas sobre a
paisagem, o século XIX a elegeu como gênero pictórico, associado,
19
Disponível em: <https://pt.aliexpress.com/item/Salisbury-Cathedral-From-The-Bishops-Garden-
John-Constable/32717019084.html>. Acesso em: 18 de julho de 2018.
segundo Mattos (2004), a novas concepções da natureza e à ideia do

sublime,20 tão cara ao movimento romântico.
Figura 11 – Barco a vapor em uma tempestade de neve, 1842. William Turner.

Óleo sobre tela. 21
Na França, no final do século XIX, novas mudanças se

descortinaram para o entendimento da paisagem. Os artistas
impressionistas buscaram a luz para entender a cor e essa última
para representar a interferência da primeira, na paisagem. Os
artistas já desconfiam do olhar. Vemos o que de fato existe, ou
somente o que nosso limitado aparelho físico e perceptivo nos
permite? Com pinceladas rápidas e livres, sem muitas misturas de
pigmentos, a ação performativa do artista consegue seu intento: a
pintura com a impressão do que é, em que a nitidez e o contorno
das formas se diluem em massas de tintas, rompendo, assim, com
antigos padrões performativos renascentistas de representar a
paisagem. A impressão e sensação atmosférica predominam na
20
Do latim sublimis, o termo entrou em uso no século XVIII, para indicar uma nova categoria estética.
O sublime provoca reações estéticas na qual a sensibilidade se volta para aspectos extraordinários e
grandiosos da natureza, percebida como hostil e misteriosa. De tal modo, desenvolve no indivíduo um
sentido de solidão. Edmund Burke (2016), anterior a Emmanuel Kant, defendeu que o belo não era o
único valor estético, pois mais do que a beleza de uma pintura, uma sinfonia, há uma categoria estética
– o sublime –, que contempla um sentimento de inacessibilidade diante do incomensurável.
21
Disponível em: <https://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/2016/11/1832146-pinturas-de-william-
turner-inspiram-instalacao-audiovisual-tempestade.shtml>. Acesso em: 18 de julho de 2018.
performatividade – modo como os elementos pictóricos se

constituem e se expressam – da pintura, tal como no quadro de
Claude Monet Impressão: nascer do sol (fig. 12). Nele, o artista
representa o porto de Havre. Podemos, então, perceber a paisagem
imersa em uma bruma fria úmida.
Figura 12 – Impressão: nascer do sol, 1872. Claude Monet. Óleo sobre tela. 22
Vitrines-paisagens: paisagens humanas em vitrines?
Mas a paisagem não só vive da pintura. O poeta Charles

Baudelaire (1821-1867) era um admirador de “paisagens humanas”
(1976) e elogia quem sabe transitar por diferentes multidões
espalhadas pelo mundo, sem se deixar se arrastar por elas. A
paisagem urbana é, pois, o lugar para essa interação. Para o poeta,
a marca do moderno é o cosmopolitismo: a presença simultânea em
um mesmo espaço de produtos das mais diversas origens, de
pessoas dos mais diversos países, em um espetáculo refletido nas
transparências dos vidros das vitrines (fig. 13).
O século XX desponta com o furor econômico e a velocidade dos
meios de transportes, o avanço dos meios de comunicação e fixação de
22
Disponível em: <https://www.tudoquadros.pt/monet/impressao-nascer-sol.htm>. Acesso em: 18
de julho de 2018.
imagens como a fotografia, e de grandes descobertas científicas como

a teoria quântica, em 1926. As cidades do início do século XX,
principalmente as grandes metrópoles como Paris, pululam de vida
cultural, artística. No entanto, o grande protagonista do espetáculo de
cores, luzes, movimento e novidades é o consumo. A paisagem
natureza entra em declínio. Os estilos de vida da sociedade parisiense
se orientam de forma muito significativa por valores e
comportamentos – performance cultural – ligados ao consumo de
bens, serviços e símbolos.
Figura 13 – The Daily Muse. Eugène Atget. Fotografia. 23
As vitrines compõem o cenário da teatralidade das ruas e o vidro

é o maior mágico. Pois é uma fronteira móvel que se interpõe entre o
que olha e o olhado, mas ao mesmo tempo, delimita o espaço
encantado do palco e o público, atraindo o observador para o interior
23
Disponível em: <http://lounge.obviousmag.org/f64_straight_writing/2012/11/as-vitrines-de-
eugene-atget-a-cidade-o-fotografo-e-seus-simulacros.html>. Acesso em: 18. de julho de 2018.
da cena representada, devolvendo-o ao mundo. O olhar é desejoso,

encantado, libidinoso e antecede à ação performativa da aquisição.
Mais uma vez, a fotografia The Daily Muse de Atget (Fig. 13)
denuncia a ausência do humano, mas não mais como cidade
abandonada por eles, mas antecipa o que vivemos no século XXI.
Trata-se da vitrificação dos reflexos de corpos, meras aparências,
vultos espectrais, na oferta de bens e consumo. A fotografia leva-nos
às perguntas: o que está refletido na vitrine? São indivíduos,
manequins, produtos, preços, edifícios, ou são eles próprios
ornamentos, decorações das vitrines?
Atget registrou ações performativas que hoje se atualizam em
maior potência na descorporificação da paisagem, sejam elas
naturais ou humanas, em que predominam os valores de mercado,
econômicos, sobre a vida social. Valores que são impostos pelo
espetáculo do consumo que determinam imagens aprisionadas em
um registro especular, imaginário, onde o mercado é o Outro, a sede
da alienação. Não distinguimos mais os limites entre falso e
verdadeiro e o simulacro é garantido pela aparência como em The
Daily Muse, de Atget.
Haverá no futuro alguma testemunha silenciosa do outro lado
da imagem para reconhecê-la?
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Cidade e Linguagens Artísticas
5
Performances e transgressão no Teatro

Experimental do Negro
Luciene de Oliveira Dias1

Jackson Douglas Leal Silva2
Afirmar a multiplicidade de formas de se habitar as cidades é

um ato que deve, necessariamente, trazer consigo a compreensão
acerca da diversidade de corpos e espaços que compõem a própria
urbe. Caminhando na contramão do que Agamben (2004) chama de
ordenamento urbano excludente e de exceção, é nas cidades que
localizamos a polifonia, a multiplicidade, as escritas intertextuais de
corpos e cores que se configuram como constituintes deste espaço
de afirmação da pluralidade. Nossas cidades são fundamentalmente
marcadas pela polifonia e, como nos propõe Canevacci (1993), a
melhor forma de conhecer uma cidade é deixar-se perder nela. A
partir deste contexto de urbanidade, polifonia e exclusão é que
emerge, em meados do século 20, o Teatro Experimental do Negro
(TEN), como desafio para se atualizar a própria categorização de
teatro em um país recentemente saído do regime escravagista e
sedento pela formação de seus centros urbanos.
1
Doutora em Antropologia. Professora da Universidade Federal de Goiás, vinculada ao Programa de
Pós-Graduação em Comunicação e ao Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Performances
Culturais. Coordenadora do Núcleo de Pesquisa em Comunicação e Diferença (Pindoba). E-mail:
[email protected].
2
Mestre em Comunicação Social. Professor da Escola Estadual de Tempo Integral Francisco Maria
Dantas. E-mail: [email protected].
A dificuldade em categorizar movimentos emergentes nos

permite diagnosticar mutações características da
interdisciplinaridade, conforme já colocado por Roland Barthes
(1977). Para ele, parece óbvio perceber que a interdisciplinaridade
não aconteça por trocas seguras entre disciplinas, mas também a
partir de choques. São estes atritos entre ciências e artes que nos
aproximam da busca por novas linguagens e transformam o mundo
em que vivemos. A interdisciplinaridade poderia ser então
compreendida como um movimento contrário, posterior ou mesmo
destituído de disciplinas. Sem o mergulho na interdisciplinaridade,
dificilmente, qualificamo-nos para pensar performances urbanas e
a própria existência do TEN.
Trazer a discussão de forma interdisciplinar nos remete ao
modo como o próprio Schechner (1985) apresenta a intersecção que
marca as ciências humanas, a estética e a biologia. Para pensar teatro,
performances e performatividades urbanas é fundamental ampliar o
espectro de teorias e, no texto aqui apresentado, consideramos tanto a
Antropologia e o Teatro, como também a Comunicação e as Ciências
Sociais e Humanas. Diante da polifonia que marca as performances
urbanas, Schechner (2002) explora as relações entre rituais, jogos e
performances. Por este empenho, ele nos apresenta, didaticamente,
uma pluralidade teórica e metodológica.
Transgressora no sentido de não aceitar o modelo de
subordinação imposto pelo racismo, lançamos mão de bell hooks
(2013) em nossos argumentos para sugerir que as
performatividades do Teatro Experimental do Negro conduzem à
formação do que a autora chama de comunidades de aprendizado.
De acordo com ela, ações como amar, ensinar e aprender
coletivamente, são absolutamente transgressoras, na medida em
que as pessoas negras, lidas a partir do projeto de dominação
colonial, não tiveram condições de acessar esses padrões. Enquanto
vítimas centrais do racismo, tais pessoas não estariam habilitadas
para o amor e, por isso, devem superar obstáculos imensos quando
se propõem a seguir por este caminho.
Luciene de Oliveira Dias; Jackson Douglas Leal Silva | 135
Em termos de produção do conhecimento, transgredir as

fronteiras das disciplinas, dos conteúdos, dos métodos e dos
procedimentos constitui-se enquanto movimento convergente
como a atuação do Teatro Experimental do Negro, conduzido
marcadamente por um homem negro em um espaço urbano que
ignorava a existência da negritude. Falamos aqui de Abdias
Nascimento, que nasceu em Franca, oeste do estado de São Paulo,
em 1914. Filho de uma doceira que, quando nascia uma nova criança
se transformava em ama-de-leite dos rebentos de plantadores de
café. Nascimento (2002) relata que foi assim que conheceu de perto
os grandes cafezais e os imigrantes que lá trabalhavam o “ouro
negro”. Tanta pluralidade converge para a interseccionalidade que
marca basicamente todos os corpos negros no Brasil.
Antes de sua morte, já em 2011, Abdias Nascimento ainda
evocava a imagem do pai, sapateiro “frequentemente angustiado,
sofrido, tentando obter um precário e mal pago trabalho em alguma
fábrica de calçados” (NASCIMENTO, 2002, p. 27). Ele era o segundo
filho de uma família de seis irmãos e uma irmã. Desde muito cedo,
devido à escassez de recursos, se viu obrigado a trabalhar, assim
como o irmão mais velho.
Ele, aprendiz de alfaiate; eu, entregando leite e carne às portas das

casas burguesas da cidade, isto bem cedinho [...] Ganhava alguns
tostões nessas tarefas e outros tantos no período da tarde,
limpando o consultório de um médico ou lavando vidros vazios e
entregando remédios para a freguesia de uma farmácia
(NASCIMENTO, 2002, p. 27).
Passou a conciliar o trabalho e os estudos durante a infância e

adolescência. Período em que também recebia muito estímulo de
sua mãe para que se dedicasse aos estudos. À mãe, Abdias
Nascimento, atribui ainda a lição de autodefesa que teve desde muito
cedo em sua vida, o fato dela estar sempre pronta para sair em
defesa dos filhos em situações de injustiça e discriminação. “Essas
coisas me marcaram, porque eu via que nós devíamos estar sempre
numa atitude beligerante contra as injustiças.” (NASCIMENTO,

2002, p. 28). Foi também graças à intervenção da mãe junto ao
prefeito da cidade que Abdias Nascimento entrou no curso de
contabilidade do Colégio Ateneu Francano.
Há uma lembrança que remonta à infância de Abdias
Nascimento, protagonizada por sua mãe em sua cidade natal. Pelas
entrevistas e relatos em livros, esta passagem pode ser considerada
o estopim de sua consciência racial:
Certa vez assisti minha mãe tomar a defesa de um garoto negro e

órfão, colega meu de grupo e chamado Felisbino, a quem uma
nossa vizinha branca surrava sem piedade. Minha mãe,
invariavelmente tão tranquila, entrou em luta corporal e arrancou
Felisbino das mãos da vizinha (NASCIMENTO, 2002, p. 28).
A imagem da mãe saindo em defesa do garoto negro, sua

conduta diante das situações de injustiça vivenciadas na escola
“emerge e cresce como sua primeira lição de solidariedade racial”
(NASCIMENTO, 2002, p. 28). Esses acontecimentos, que o próprio
autor testemunha, constituem-se como fatores que o instigam a
lançar um olhar diferenciado ilustrando para ele a dificuldade de ser
uma pessoa negra, mesmo em um país onde a maioria descende de
africanos. Assim, essa compreensão racial irá refletir nos anos a
seguir quando Abdias Nascimento idealiza o TEN, articulando sua
trajetória pessoal com a coletividade.
Sinalizamos neste trabalho que a interseccionalidade é
pensada para nos ajudar a perceber o caminho carregado de
marcadores sociais da diferença. Colocamo-nos a partir de Patricia
Hill Collins (2000), para quem a interseccionalidade constitui-se
enquanto “um projeto de conhecimento” e uma arma política,
tornando-se instrumento eficaz no combate às opressões.
Articulamos essa compreensão às ideias de bell hooks (2013) e
Angela Davis (2016), que revelam muitas tensões e conflitos no
estudo dos movimentos feministas sufragistas e dos movimentos
abolicionistas nos Estados Unidos. Tudo com o empenho de
perceber corpos negros como profundamente interseccionados na

organização social brasileira.
Percorremos nesta escrita algumas ações implementadas pelo
TEN, que tem seu embrião quando Abdias Nascimento é preso e,
juntamente com outros encarcerados, criam o Teatro do
Sentenciado. Toda a concepção do TEN volta-se para o
fortalecimento da cidadania e do combate ao racismo, sendo que
este conta com um elenco de pessoas negras, propondo novas
performatividades na imensa polifonia que marca a cidade. Foram
muitos espetáculos, trabalhando com textos brasileiros e
estrangeiros, e ações que visavam sempre o combate ao racismo pela
atuação política, a exemplo da criação da Associação das
Empregadas Domésticas e do Conselho Nacional de Mulheres
Negras, além da alfabetização de gente de dentro e de fora do TEN.
Assim é que o Teatro Experimental do Negro emerge no Rio
de Janeiro nos anos de 1940, mas reverbera nas décadas seguintes
pelas mais extensas regiões do Brasil e no exterior. Composto,
majoritariamente, por pessoas negras, o TEN busca possibilitar a
valorização e a visibilidade da negritude, além de fortalecer suas
pautas no Brasil, usando como plataforma de engajamento
dramaturgias e atividades pedagógicas. Essas são lidas hoje como
bases performativas sólidas de constituição da própria cidade plural
e diversa.
Desse engajamento na luta pelo combate ao racismo no Brasil,
e sempre fazendo um paralelo com a arte teatral, a atuação do
Teatro Experimental do Negro é lida agora como um fenômeno de
transgressão3 e subversão. Esta, por sua vez, já foi sinônimo de
marginalidade, mas também serviu para denunciar fatos sociais,
culturais e socioeconômicos em vários contextos e realidades. No
3
Esta transgressão é visualizada pela adesão exclusiva de atores negros e atrizes negras ao núcleo do
TEN. Composição que possibilita um teatro que apresentou as complexidades e inquietações das
pessoas negras. De acordo com Jacob Guinsburg (2007), o teatro talvez faça o que todas as outras artes
almejariam fazer, sem dispensar o seu público e, como consequência, o seu ideal.
Brasil, por exemplo, de acordo com Débora Pitaluga de Assunção

(2009), como profissionais negros e negras continuavam sem
espaço nas telenovelas brasileiras, o teatro se tornou uma via
alternativa de atuação. Uma de nossas hipóteses é que pelo teatro é
possível denunciar o racismo e ainda, de forma positiva, trazer para
o campo da compreensão social as qualidades profissionais das
pessoas negras.
O TEN se organiza especificamente em 1944, no Rio de
Janeiro, como forma de resistência a um sistema opressor,
hierárquico e racista, projetando para o cenário nacional a figura de
Abdias Nascimento. Sua emergência possibilita um espaço-teatro
onde o povo negro se expressa, é valorizado e insere-se enquanto
protagonista no processo de rearticulação dos fios de uma memória
histórica e coletiva, até então, totalmente subalternizada pelo
racismo. O que equivale afirmar a performance urbana reorientada
pelas pautas proposta pelo TEN.
Armado com sonhos forjados na nossa herança ancestral,

atualizados por um ideário contundente e bem fundamentado, que
não se dava ao luxo de pequenas utopias, o pessoal do TEN iniciou
uma série de ações que extrapolavam a função teatral, para
estabelecer novos paradigmas àquela massa de negros e negras,
jovens em sua maioria, que eram mobilizados ou que aderiam à
proposta. Não se buscava apenas um bom lugar dentro da
sociedade racista. Tratava-se da construção de um novo modo de
ser e de estar, incólume a qualquer aversão. Tratava-se de sair dos
esgotos e respirar o ar público. Tratava-se de expor a cor da pele
na sua plenitude, e não como um meio de resignação aos
infortúnios. Tratava-se de refazer a dignidade e a vontade de
pertencer a um povo estigmatizado, por séculos, pela inclemência
e a perversão da cínica e imponderável hegemonia da lógica branca
reinante (SEMOG; NASCIMENTO, 2006, p. 141).
Sem ter uma sede fixa, os membros do TEN ocupam um

espaço na sede da União Nacional dos Estudantes (UNE) que lhes
era disponibilizado após a finalização das atividades da unidade. Os
ensaios são realizados no restaurante, que se transforma em um
grande palco por onde atuam os representantes da população negra

no teatro. Uma conjuntura que marca toda a existência desta
proposta de ação.
Nessa oportunidade o TEN toma outras proporções, deixando
de ser simplesmente um grupo de teatro para ser uma verdadeira
frente de combate ao racismo. A comunicação acontecia das várias
formas possíveis, assim como, as mediações sociais possibilitadas
pela arte teatral:
Nesse começo de existência do teatro, houve muita atividade

cultural aberta. Mas o mais emocionante foi o movimento das
empregadas domésticas. Foi a maior mobilização, uma falava para
a outra de nossas aulas de alfabetização. Uma militante muito ativa
nessa época foi a Arinda Serafim. Ela era amiga de todas as
domésticas e passava de casa em casa chamando, divulgando. O
Teatro Experimental do Negro se tornou o grande inimigo das
donas-de-casa burguesas. Mais tarde, criamos um departamento
para estudar os direitos das empregadas domésticas. O TEN nunca
foi só um grupo de teatro – era uma verdadeira frente de luta
(SEMOG; NASCIMENTO, 2006, p. 128).
As redes de solidariedade e os apoios mútuos são construídos

no TEN por todas as instâncias, em função da importância de se ter
uma organização político-estética que enfrente o racismo brasileiro.
Esta é a marca da militância negra, inclusive pelas artes, em todas
as décadas de atuação do Teatro Experimental do Negro.
Destacamos ainda que, de acordo com apreensão de Ligiéro (2011),
a centralidade da performance negra está no corpo. Sem esta
abordagem dificilmente alcançaremos a complexidade do que
estamos aqui propondo.
Então, no projeto do Museu de Arte Negra (1950), Rapsódia
Negra (1952), Cristo de Cor (1955) e Sortilégio (1957), a estética
hegemônica é colocada na superfície do debate por um olhar
subversivo de artistas plásticos, atrizes e atores que compunham o
TEN. Também está à frente deste movimento quem se solidariza
com a proposta do Teatro Experimental do Negro. De acordo com
Elisa Larkin Nascimento (2014), “o sentido didático desse trabalho

dirigia-se à construção de alicerces de autoestima para a população
negra e, também, à ‘reeducação do branco’ no desafio de repensar
as implicações racistas e excludentes dos padrões de estética
vigentes” (NASCIMENTO, 2014, p. 162 - grifos da autora).
Essa afirmação se mostra contundente com a criação do
Museu de Arte Negra (MAN), fundado em 1950, quando o 1º
Congresso do Negro Brasileiro propôs a necessidade de se criar um
museu, voltado para as obras artísticas, produzidas por esta
população nacional. Assim, o TEN “trabalhando com artistas
negros/as, buscava ajudar a libertá-los/as dos confinamentos
impostos por classificações como ‘arte primitiva’, ‘ingênua’,
‘folclórica’” (NASCIMENTO, 2014, p. 164 - grifos da autora).
Com ações voltadas para as artes plásticas, o TEN “procurava
levantar a consciência e discussão na teoria da estética sobre a
origem da arte moderna ocidental no encontro do olhar da
vanguarda europeia com a estética africana” (NASCIMENTO, 2014,
p. 164). Com curadoria de Abdias Nascimento e com direção de
Joaquim Ribeiro, o projeto Museu de Arte Negra incentiva e envolve
a população negra.
A primeira exposição das obras recebidas no projeto
aconteceu somente em 1968 no Museu da Imagem e do Som, na
cidade do Rio de Janeiro. A exposição foi precedida por um curso
sobre Arte Negra, ministrado por Abdias Nascimento no Auditório
do Museu Nacional de Belas-Artes, também no Rio de Janeiro. A
coleção das obras doadas ao projeto MAN está hoje sob a guarda do
Instituto de Pesquisas e Estudos Afro-Brasileiros.
A grande contribuição de Abdias Nascimento no cenário
dramatúrgico brasileiro é a capacidade de evidenciar que a pessoa
negra permeia toda a estética artística teatral, literária e plástica. Em
1952, o fundador do TEN estreia como dramaturgo com a revista4
4
Teatro de revista é um gênero teatral que teve sua importância marcada nas artes cênicas do século
XIX até meados do século XX. Esse gênero caracteriza-se pela sátira social e política.
teatral Rapsódia Negra – também espetáculo de estreia da atriz Léa

Garcia. Com coreografia de Mercedes Batista e Joãozinho, a revista
tomou forma e sua estreia se deu em 24 e 25 de agosto de 1952 no
Teatro Recreio do Rio de Janeiro. Entre os principais quadros,
destacam-se África, Noturno em Harlem, Cuba, Imagem do Recife,
Ritmos Haitianos e Candomblé.
Trazemos aqui o quadro Candomblé, de Rapsódia Negra, pelo
fato de ele nos oferecer a dimensão da expressão performatizada a
partir de corpos negros que ocupam espaços antes inimagináveis, e
com uma narrativa também totalmente inovadora para o cenário
urbano da época. A ocupação deste espaço acontece de forma plena
e representativa, como podemos ver na imagem que segue.
Figura 1: Candomblé, do teatro de revista Rapsódia Negra. 5
Já a segunda peça teatral de Abdias Nascimento é lida como o

ponto mais forte de subversão no teatro nacional. Sortilégio
questiona efetivamente o papel da pessoa negra na cena teatral. A
figura do criado, do moleque, da mulata gostosa, da cozinheira em
cena ainda tão recorrente é criticada pelo TEN. Essa crítica é
5
Fonte: Ipeafro (2018)
sustentada na necessidade de se romper com a reprodução do papel

subalternizado que a sociedade brasileira reserva à população negra
na vida cotidiana. Romper com este modelo de prática teatral,
significa admitir que “antes da abolição da escravatura, ou depois
dela, a situação só muda de aparência e varia o grau. Mas, no fundo
o mesmo desrespeito, igual desprezo, idêntica usurpação da sua
humanidade” (NASCIMENTO, 2002, p. 134) se mantém nas relações
corriqueiras da sociedade nacional.
Para Abdias Nascimento, o racismo estrutural e
institucionalizado tem levado as pessoas negras a uma espécie de
dureza humana causada por “um estado de inanição espiritual de
difícil, porém não impossível, recuperação. O candomblé tem
desempenhado um papel básico na sustentação do espírito, das
energias da resistência e das esperanças da população afro-brasileira”
(NASCIMENTO, 2002, p. 134). Uma performance negra histórica,
fortalecida pelo tem, a ponto de constituir a própria cidade.
A história do teatro negro brasileiro registra, em 1957, a
estreia do espetáculo Sortilégio. Espetáculo esse que enfrenta a
censura ainda em 1951, mas que seis anos depois levaria o TEN pela
segunda vez aos palcos do Teatro Municipal do Rio de Janeiro e
também no Municipal de São Paulo. Essa projeção contraria a
branquitude elitista que tentava cortar as conexões da pessoa negra
com sua cultura africana.
O espetáculo teve direção de Léo Jusi, cenários de Enrico
Bianco, figurinos e máscaras (Omolu)6 de Julya Von Rogger, ídolos
africanos (Exus)7 de Cláudio Moura, danças rituais de Ítalo de
Oliveira, música de Abigail Moura, executada sob sua regência pela
Orquestra Afro-Brasileira, sonoplastia de Marcus Vinicius e elenco
composto por Abdias Nascimento, Léa Garcia, Helba Nogueira, Ítalo
6
Orixá que cuida das doenças, da renovação espiritual. Senhor dos mortos e regente dos cemitérios.
Fonte: <www.raizesespirituais.com.br>. Acesso em 04 de agosto de 2017.
7
Orixá da comunicação, da ordem e da disciplina. Fonte: <www.raizesespirituais.com.br>. Acesso em
04 de agosto de 2017.
de Oliveira, Heloisa Hertã, Stela Delfino, Matilde Gomes, Amoa, Ana

Peluci, Edi dos Santos, Marlene Barbosa, Conceição do Nascimento.
Em Sortilégio, as personagens são assim elencadas: Filha de
Santo I, II e III (Coro de negras); Orixá (Espírito das divindades);
Doutor Emanuel (Negro advogado); Efigênia (Negra prostituta);
Margarida (Branca esposa do Dr. Emanuel); Teoria das Iaôs
(Noviças de Iemanjá); Teoria dos Omolus (Cavalos de Omolu) e
Coro interno de tamboristas, cantores, filhas, filhos e pai de santo.
Na imagem que se segue, podemos ver a atuação de Abdias
Nascimento (Emanuel) e Léa Garcia (Efigênia) em Sortilégio.
Figura 2: Abdias Nascimento e Léa Garcia interpretam em Sortilégio 8
A dramaturgia de Sortilégio conta a história de Emanuel,

homem negro que recusa o amor da mulher negra Efigênia e casa-
8
se com Margarida, uma mulher branca. Emanuel desconfia que sua

esposa o traiu, pelo fato de não ser virgem – um fato ainda grave na
sociedade do pós-guerra. Em um lapso momentâneo, ao querer
examinar a fidelidade de sua esposa, Emanuel pensa em assustá-la,
porém, ao passar do limite, ele acaba por dar fim à vida dela.
No primeiro ato da peça, Emanuel, após fugir dos policiais
pelo assassinato de Efigênia, encontra-se desesperado aos pés de um
pejí9. Nesse momento, também se depara com as três filhas de santo
que iniciam um ritual. Emanuel, ao ver tamanho mistério questiona
a si próprio, assim como a sua formação cristã e branca. A peça foge
da linearidade temporal e dedica atenção às narrativas de Emanuel
e das intervenções de Margarida.
EMANUEL – Desta vez não me pegam. Não sou mais aquele

estudante idiota que vocês meteram no carro. Aos bofetões. Preso por
quê? O carro não pode regressar vazio à delegacia. Me racharam a
cabeça com socos e cassetetes. Me obrigaram a cumprir sentença por
crimes que jamais pensei cometer. Não matei. Não roubei. Agora
nunca mais hão de me agarrar. (volta-se para continuar a fuga). Deve
haver um jeito de escapulir. (o Orixá desce do segundo para o
primeiro plano e desaparece magicamente no trono da gameleira)
Jesus! Que é isso? Assombração? (aproxima-se do trono; vê o
despacho; toca medrosamente com a ponta do pé). Ah, é um
despacho. Até galo preto. Então é para Exu. Quanta porcaria,
(observa o pegí) Aquilo é o pegí... (volta-se para a grande árvore)... a
gameleira sagrada. O terreiro deve estar por aí. (preocupado). Mas...
como foi que vim parar neste lugar? Isso aqui é perigoso. Que
imprudência. A polícia costuma dar batidas nos “terreiros”. Prendem
tambores sagrados, filhas e pais de santo [...] (NASCIMENTO, 1961,
p. 166 - grifos do autor).
Essa peça pode ser tida como um modelo de narrativa

dramatúrgica que o Teatro Experimental do Negro busca
desenvolver com o intuito de provocar novos olhares sobre a
9
No candomblé, peji é o local onde são colocadas as comidas dos Orixás. O peji pode estar do lado de
fora, sob árvores sagradas, ou dentro do Ilê. A pessoa que cuida do peji tem o título de pejigã e é
escolhida entre os ogãs.
performatividade negra. Além de ser escrita exclusivamente para o

TEN, faz emergir para o campo da reflexão a pessoa negra, levando
em consideração a sua humanidade. Assim, podemos perceber um
exemplo de consciência negra libertadora dos fantasmas da
branquitude, “limpa dos falsos valores de uma cultura e de uma
religião imposta” (NASCIMENTO, 2002, p. 134). Também
percebemos o que podemos chamar aqui de verdadeiras
dramaturgias negras, constituindo-se como instrumento de luta
contra o racismo.
A trama é delineada pelas relações sociais e étnicas que
marcavam o Brasil e ainda pela influência das divindades africanas,
o que trazia à tona a preocupação de Abdias Nascimento com o
resgate da cultura africana e afro-brasileira. Ao declarar ao jornal O
Globo, em 1957, que escreveu Sortilégio: “com a paixão e
honestidade de quem executa um gesto vital”, Abdias Nascimento
afirma sua necessidade de comunicar ao povo negro que o chamou
de “a visão de um outro mundo".
A convivência com a insatisfação gerada por uma estética
hegemônica ronda a percepção de todas as pessoas envolvidas com
o Teatro Experimental do Negro e desperta uma consciência do que
seja ser uma pessoa negra na sociedade brasileira que racializou
somente uma parcela de sua população, composta por negros e
indígenas, deixando aos brancos a universalidade da humanidade.
Foram estas reflexões que motivaram a realização do concurso de
artes plásticas, intitulado Cristo Negro.
O concurso realçava de forma crítica a retratação de Cristo como

louro de olhos azuis, o que – além de não corresponder ao registro
histórico –, no Brasil “reflete uma alienação estética, um
autodesprezo, uma atitude de subserviência, na qual renunciamos
a um critério comunitário e imediato do belo e do excelso em favor
de um critério estranho à vida nacional” (NASCIMENTO, 2014, p.
162 - grifos da autora).
Figura 3: Xangô Crucificado ou Martírio, de Malcom. 10
Este concurso mostra-nos como Abdias Nascimento,

Guerreiro Ramos e Ironildes Rodrigues subvertem a estética
hegemônica e, numa atitude categorizada por muitas pessoas como
anticolonialista, apresenta o diálogo com a negritude como uma
referência libertadora. Na imagem Xangô Crucificado ou Martírio,
de Malcom, exposta a seguir, visualizamos o que era uma verdadeira
ressignificação do cristianismo.
O concurso Cristo Negro foi realizado por ocasião do 36º
Congresso Eucarístico Internacional, realizado no Rio de Janeiro, em
1955. Com apoio da revista Forma e de religiosos como Augusto
Frederico Schmidt, Dinah Silveira de Queiroz, Dom Hélder Câmara
e Quirino Campofiorito, o desafio do Teatro Experimental do Negro
foi conquistar uma estética que já existia no vivido das cidades, mas
ainda não havia alcançado o campo da percepção estética quando
falamos em artes plásticas.
10
A tomada da estética por esta performance negra é

apresentada em uma conjuntura de racismo e intolerância e, por
isso, as reações falam de atentado ao cristianismo e à sociedade
brasileira. O Jornal do Brasil de 1955 atacou a iniciativa do TEN e
seus idealizadores, clamando inclusive que autoridades civis e
eclesiásticas impedissem a ação.
Pelo seu exemplo de abnegação, de renúncia, de bondade, a Mãe

Negra, que nos embalou o sono, que nos deu seu leite, foi a grade
formadora do nosso coração. (...) essa exposição que se anuncia
deveria ser proibida como altamente subversiva. Tal
acontecimento, realizado às vésperas do Congresso Eucarístico, foi
preparado adrede para servir de pedra de escândalo e motivo de
repulsa. O nosso descontrole moral, a nossa grande falta de
respeito e de bom gosto, o nosso triste estado d’alma, não podem
ser dados em espetáculos aos que nos visitam. Damos daqui nosso
brado de alarma. As autoridades eclesiásticas devem, quanto antes,
tomar providências para impedir a realização desse atentado feito
à religião e às Artes. O próprio povo brasileiro se sentirá chocado
pela afronta feita (NASCIMENTO, 2002, p. 118).
Em uma sociedade nacional racista, a tentativa de romper

com o lugar destinado às pessoas negras, soa como uma subversão.
Mesmo compreendendo que os “dogmas dos estratos dominantes
querem abarcar todos os aspectos existenciais, inclusive aqueles
referidos à estética e à criação artística” (NASCIMENTO, 2002, p.
117), o TEN segue com sua proposta e pauta as discussões.
Ainda que contando com apoios declarados – tanto da Revista
Forma quanto dos Cardeais – muitas pessoas não conferem
credibilidade à iniciativa. Dados da plataforma digital do Instituto de
Pesquisas e Estudos Afro-Brasileiros (Ipeafro) dão conta de que
participaram do concurso 106 artistas. As informações são de que a
artista Djanira11 foi a grande vencedora do concurso com a obra
Cristo na Coluna.
11
Não encontramos a obra da artista em nenhuma plataforma digital. Enviamos e-mail ao Ipeafro
solicitando, mas não obtivemos resposta.
Considerações
Ao propormos uma leitura de algumas das ações do Teatro

Experimental do Negro como performatividades capazes de
reorientar a organização social e étnica no Brasil e no exterior,
provocando um questionamento do racismo e sugerindo uma nova
estrutura, alcançamos a compreensão acerca da importância do
protagonismo na constituição dos espaços coletivos, especialmente
nas grandes cidades. Acessar produção teatral realizada por pessoas
negras e para pessoas negras “é um imperativo que vem de nossa
experiência histórica”, conforme defende Nascimento (2002, p.
135), e tem uma dimensão totalmente prospectiva e potencialmente
transformadora.
Ao trabalhar algumas ações do TEN, acionamos os próprios
estudos da memória e, assim, possibilitamos uma abordagem
engajada e que apresenta uma outra estética do teatro. Falar de
performances negras nas cidades implica em necessariamente
abordar o corpo negro e sua existência nestes espaços.
Compreendemos que, “nas performances de origem africana hoje
podemos observar: o corpo é o centro de tudo. Ele se move em
direções múltiplas, ondula o torso e se deixa impregnar pelo ritmo
percussivo” (LIGIÉRO, 2011, p. 133). Tratar o corpo negro e sua
performatividade é falar da dança que nasce de dentro para fora e
se espalha pelas cidades.
Ao revisitar os trabalhos e ações do Teatro Experimental do
Negro, é possível perceber “uma tática sociológica e um instrumento
pedagógico” (NASCIMENTO, 2002, p. 145) que provocam,
ressignificam e reorientam o olhar sobre a cultura afro-brasileira, o
racismo e a representatividade das performances negras no cenário
brasileiro.
Assim é que perder-nos na cidade polifônica e excludente tem
se tornado cada vez mais uma estratégia de vida. Transgredir os
limites e fronteiras impostos pela ordem racista vigente tem
garantido performances negras que reorientam a própria cidade. Se

os movimentos sociais organizados demandam um mergulhar cada
vez mais profundo em questões que as pessoas trazem
interseccionadas em seus corpos, as performances urbanas
assumem uma importância ímpar que vem para selar acordos
fundamentais para a conquista de qualidade de vida. Tomar a
palavra a agir a partir de nossos afetos é o grande desafio.
Referências
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Paulo: Boitempo, 2016.
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________________, O quilombismo: documentos de uma militância pan-

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SEMOG, Éle; NASCIMENTO, Abdias. Abdias Nascimento: o griot e as muralhas.

Ed. Pallas, Rio de Janeiro, 2006.
6
A Expressão do Artista de Rua Através

das Imagens no X Encontro Goiano
de Malabares e Circo
Lua Barreto1
Vânia Dolores Estevam de Oliveira2
Introdução
Esta pesquisa localiza-se na área das Performances Culturais.

Esta área de conhecimento surge dos pontos de contato entre o
teatro e a antropologia (SCHECHNER, 2011) e hoje possui um
campo vasto de investigação. Assim como o teatro apresenta pontos
de contato com a antropologia, o circo, por sua vez, possui relações
estreitas tanto com as performances quanto com os rituais
(BARRETO, 2018). Os encontros entre artistas, em todas as suas
variações (festivais, mostras, treinamentos) são espaços expressivos
onde estes rituais se desvelam, por promoverem a troca de
conhecimento, a mútua afetação e o exercício do debate e dos
1
Doutoranda em Educação Física pela UNICAMP, com ingresso em 2018, Mestre em Performances
Culturais pela Universidade Federal de Goiás (2017). Pós-graduada em Docência Universitária pela
Universidade Católica de Goiás (2006). Possui graduação em interpretação teatral pela Universidade
Estácio de Sá (2005). Formada pela Escola Nacional de Circo (1996).
2
Museóloga, com mestrado e doutorado em Memória Social (UNIRIO) e pós-doutorado em Artes (UERJ).
Docente permanente do Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Performances Culturais e do
Bacharelado em Museologia, na Faculdade Ciências Sociais da Universidade Federal de Goiás.
questionamentos na área. E foi nesta perspectiva que foi

acompanhado o X Encontro Goiano de Malabares e Circo.
Uma pesquisa está sempre impregnada do olhar do
pesquisador. Desde a escolha do tema, a determinação dos recortes,
nada disso pode ser considerado aleatório. Da mesma forma, a
expressão artística envolve uma série de escolhas que se impõem
desde o surgimento da primeira ideia até a apresentação do trabalho
ao público. Cada uma destas escolhas está impregnada da visão de
mundo dos artistas envolvidos no trabalho.
No momento em que vai a campo, o pesquisador leva consigo
toda uma concepção de vida, uma visão de mundo. Por mais objetiva
que seja a observação, é impossível desvincular o olhar do observador
do objeto observado. O trabalho de campo é uma intrincada rede de
avaliações e interpretações que está sujeita, a cada momento, a erros e
falhas. Assim como as anotações em cadernos de campo, a fotografia
é instrumento de registro. Os celulares e as redes sociais têm prestado
grandes serviços à ciência como instrumentos de registro e
compartilhamento de informações e ideias. Pode-se considerar que “o
telefone celular é a ferramenta mais importante de convergência
midiática hoje (LEMOS, 2007, p. 25).”
A fotografia tem sido já, há muito, fonte de estudos e
pesquisas, embora ainda seja tratada de maneira secundária e sofra
preconceitos a respeito de sua utilização no trabalho histórico
(KOSSOY, 2001, p.19). Os estudos sobre o que as pessoas postam em
suas redes sociais têm surgido cada vez com maior frequência. As
pesquisas acadêmicas estão repletas de metáforas que remetem ao
campo da fotografia: olhar através das lentes, fechar o foco, utilizar
o filtro são expressões utilizadas sempre que se fala sobre a forma
como o olhar do pesquisador é lançado sobre seu objeto de pesquisa.
O que se pretende fazer aqui é tratar as fotografias feitas no X
Encontro Goiano de Malabares e Circo3, como expressões da
3
Observação realizada durante a pesquisa de mestrado sob a orientação da Profa Dra. Vânia Dolores
Estevam de Oliveira, pesquisa esta submetida ao Comitê de Ética em Pesquisa da Universidade Federal
Lua Barreto; Vânia Dolores Estevam de Oliveira | 153
interlocução do artista com seu público e com o espaço de

apresentações, ou seja, as ruas da cidade, e tecer considerações,
tanto sobre as escolhas dos caminhos da pesquisa, quanto sobre as
escolhas dos artistas ao longo do Encontro.
A principal característica do Encontro é reunir artistas de rua
e promover um intercâmbio, tanto entre artistas de diversas cidades
e países, quanto com a comunidade, oferecendo apresentações e
oficinas gratuitas em espaços públicos como ruas, praças, quadras
abertas. No ano de 2017, o Encontro também ofereceu espetáculos
em escolas públicas, promovendo a comunicação entre a arte das
ruas e as salas de aula.
Este trabalho tem, portanto, enfoques diferenciados. Em
alguns momentos, são analisadas imagens colhidas pela
pesquisadora em campo. É o olhar da pesquisadora sobre seu objeto
de pesquisa, travando um diálogo com as entrevistas realizadas.
Procurou-se confrontar os discursos dos sujeitos entrevistados e as
imagens colhidas. Além disso, foram analisadas imagens postadas
pelos próprios artistas e pela organização do evento nas redes
sociais. O que o artista que participou dos encontros julgou digno de
registro? O que a escolha deste ou daquele momento para ser
compartilhado nas redes pode dizer sobre sua visão de mundo?
Ao longo da pesquisa a respeito dos artistas de circo que
atuam nas ruas foi possível perceber a importância dos encontros e
convenções, tanto como momentos de aprendizado e troca de
experiências quanto como um fator de articulação, em que os
artistas debatem questões pertinentes à arte de rua, ao circo em
geral e ao circo de rua em particular. Seus registros não são isentos
de um posicionamento a respeito das questões que estão sendo
debatidas entre os artistas.
Também o olhar da pesquisadora não é um olhar externo, já
que antes de ser pesquisadora já era artista e participante dos
de Goiás-UFG. Dessa dissertação resultou o livro Saltimbancos Contemporâneos: seu aprendizado,

suas escolhas e expectativas.
encontros. Ao mesmo tempo em que este envolvimento traz

implicações e riscos, por outro lado também traz uma certa
facilidade de compreensão, que pode, tomados os devidos cuidados,
ajudar na interpretação de manifestações que a um bosquímano
australiano (PANOFSKY, 1991, p. 48) ou a alguém exterior ao
convívio dos artistas de rua passariam despercebidas.
As Imagens e suas Palavras
Ao se dirigir para o local do Encontro, a primeira coisa com a

qual o público se depara é a placa anunciando o evento:
Figura 1: Placa colocada na entrada principal do bairro Itatiaia, onde se realizou

o Encontro. Fonte: Foto da autora.
Totalmente pintada à mão pelo artista plástico e malabarista

de rua Bulacha, o que chama a atenção na placa, além da evidente
artesania, é a referência aos antigos anúncios dos circos de lona.
Além das informações básicas, como data e local, a placa traz
também o desenho de um chapéu, com a inscrição ‘arte é trabalho’.
Esta imagem evidencia a importância, para o artista, de ter sua arte

reconhecida de modo que seja possível dela tirar o seu sustento.
Mais do que isso, o artista mostra que o meio de tornar sua
sobrevivência viável não é a venda de ingressos, nem o patrocínio,
mas sim a contribuição no chapéu. Para não deixar dúvidas, a placa
também traz as expressões ‘contribuição livre espontânea’ e, do
outro lado, ‘no chapéu’.
Figura 2: Bulacha em atuação. Fonte: Acervo do artista.
Especificamente no X Encontro Goiano de Malabares e Circo

uma questão fundamental, frequentemente colocada por
organizadores, oficineiros e participantes, era o reconhecimento da
arte de rua junto ao público. Além das atividades formativas
voltadas para os artistas de rua e para a comunidade, como as
oficinas de malabares, tecido acrobático, entre outras, pela primeira
vez o encontro ofereceu apresentações em escolas públicas, sempre
tendo como contrapartida a contribuição espontânea no chapéu.
Essa preocupação com a relação entre o artista e o público já foi
observada pela pesquisadora anteriormente na Jornada ELRECA4,

mas, no X Encontro Goiano de Malabares e Circo, essa preocupação
está refletida claramente na programação do evento. De acordo com
Saracura do Brejo5, um dos organizadores do evento, com exceção
do grupo As Martas, que foi convidado, todos os outros participaram
sem receber cachê, apenas em troca do valor que fosse doado pelo
público no chapéu, que é passado pelos artistas ao final de cada
apresentação.
Figura 3: Placas pintadas pelo artista Bulacha.

Fonte: Foto da autora.
A contribuição no chapéu é vista por muitos artistas de rua

como uma possibilidade de autonomia, de liberdade. Este desejo é
4
Jornada ELRECA: a ocupação do espaço urbano pelos artistas de rua, apresentado no VI Seminário
da REM-Goiás.
5
Cito de memória.
expresso pelo próprio artista: “Não quis mais trabalhar para os

outros e resolvi demitir o meu patrão” (BARRETO, 2017, p.166). Na
imagem acima, o artista deixa claro seu ponto de vista sobre a
característica democrática da arte de rua, que também permeia seu
discurso na entrevista: “Eu descobri o teatro de rua, que era uma
outra linguagem, era uma outra história, uma outra forma de afetar,
é um outro tipo de discurso. Na verdade, você tem a oportunidade
de ter um discurso mais ácido, em que você vai se identificar
enquanto povo, enquanto pessoa” (BARRETO, 2017, p.173).
A preocupação do artista com seu entorno, com as questões
sociais, estão presentes por toda parte. Desde a barraca de trocas,
onde cada um pode pegar e deixar o que quiser, passando pela feira,
chamada de Circomércio, onde são oferecidos produtos naturais,
comida vegana e artesanatos, até a coleta seletiva feita em lixeiras
recicladas e artesanais.
Figura 4: Lixeiras feitas com material reciclado. Fonte: Foto da autora.
Em sua entrevista, o artista Kadu Oliviê explica o porquê

dessa preocupação: “Para melhorar a vida do artista de rua tem que
melhorar a vida da população, porque é um reflexo. O artista de rua

recebe toda a realidade da população, como o ruim, o que a pessoa
tá passando na vida, as problemáticas, ele encara de frente tudo
isso” (BARRETO, 2017, p.145-146).
Toda a organização do Encontro parece se pautar nessa ideia,
de que o artista e seu público formam um todo que é corresponsável
pelo funcionamento do evento. Desde a organização, todos
participam da maneira que podem. Larissa de Paula, uma das
organizadoras, corrobora com Barreto (2017), quando afirma que o
Encontro é
feito por gente que trabalha na rua, que vem de outros lugares, de
outros países, que também trabalham na rua e mostrando que é
possível fazer as coisas, com muito esforço, muita garra, porque
não é fácil. A gente põe dinheiro do bolso, mesmo. (p.192)
Figura 5: Público retirando as cadeiras ao final do espetáculo. Fonte: Foto da autora.
Mas não são só os artistas que contribuem. O público colabora

o tempo todo, como se vê na foto acima: a cada final de espetáculo a
plateia ajuda a retirar as cadeiras e arrumá-las no local da próxima

apresentação.
A questão da coletividade permeia o Encontro, marcando
presença de várias formas. Além da arrumação das cadeiras, a
montagem dos cenários, arrumação do espaço para as oficinas,
buscar o lanche para os artistas que irão se apresentar, tudo isso é
feito com a ajuda de quem estiver por perto e se disponibilizar.
Figura 6: Conscientização de que o Encontro Goiano de Malabares e Circo é um

evento coletivo. Fonte: Foto Layza Vasconcelos (fotógrafa do evento)
Como não podia deixar de ser, o ponto alto de um encontro

de artistas de rua é quando o artista encontra o seu público lá
mesmo, na rua. A Palhaceata é esperada com expectativa por todos
os participantes do evento. É o momento em que todos, vestidos e
paramentados, vão às ruas convidar as pessoas a participarem do
evento.
Figura 7: Participantes do Encontro desfilando pelas ruas do Parque Itatiaia.

Fonte: Foto Layza Vasconcelos.
O momento é de festa. Palhaços, malabaristas, músicos, todos

reunidos para o desfile. A concentração acontece na quadra pública
do bairro e de lá a Palhaceata toma as ruas. O contato direto com o
público é uma oportunidade de divulgar sua arte, de levar à
sociedade a mensagem explícita desde a placa na entrada do bairro:
arte é trabalho. Podemos ver, na plaquinha carregada pela artista na
foto acima, mais uma vez, o quanto o artista de rua luta pela
valorização do seu trabalho: ‘valorize a arte de rua!’ é a mensagem
que a palhaça carrega junto ao corpo.
Figura 8: Os artistas e a comunidade. Fonte: Fotos Layza Vasconcelos.
A Palhaceata é um momento de alegria e descontração que

carrega consigo todos os tipos de contrastes: o carinho do abraço e
o olhar desconfiado de quem prefere ficar de longe; a surpresa de
quem ainda está no início da infância e a alegria de quem há muito
já a deixou para trás; o sorriso de quem se diverte e o susto de quem
ainda não sabe muito bem o que está acontecendo. Reações as mais
diversas registradas pela câmera, cristalizando o momento efêmero
do encontro.
Na próxima foto, a lente da fotógrafa enfatiza o contraste
entre a liberdade da rua e a prisão do dia-a-dia.
Figura 9: Moradora do bairro assiste à Palhaceata de dentro de casa. Fonte: Foto

Layza Vasconcelos.
A escolha não é aleatória. Ao escolher registrar este recorte de

realidade, a artista-fotógrafa nos leva a pensar. Quem sabe não
estamos, ainda hoje, presos na caverna platônica, alheios à realidade
urbana, a observar sombras projetadas pelos urbanistas, pela mídia
e pelas demais instituições, acreditando que é esta a nossa realidade.
Fica aqui a reflexão...
Figura 10: Sombras Fonte: Foto Layza Vasconcelos.

Referências
BARRETO, Lua. As Performances do Circo na Rua: Escolhas, expectativas e

aprendizado do saltimbanco contemporâneo. 2017. 215 páginas. Dissertação
de Mestrado pela Universidade Federal de Goiás - UFG, Goiânia, 2017.
CASSIRER, Ernst. Ensaio sobre o Homem. Lisboa: Guimarães Editores, 1995.
KOSSOY, Boris. Fotografia e História. São Paulo: Ateliê Editorial, 2001.
LEMOS, André. Comunicação e práticas sociais no espaço urbano: as

características dos Dispositivos Híbridos Móveis de Conexão Multirredes
(DHMCM). In: Comunicação, Mídia e Consumo. São Paulo: ESPM, 2007.
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1985.
------------Pontos de Contato entre o pensamento Antropológico e o Teatral.

In Cadernos de Campo nº 20. São Paulo, [s.n.], 2011. Disponível em:
<http://www.performancesculturais.emac.ufg.br/pages/38092> Acesso
em: 28 de abril de 2015.
----------- O que é performance?, em Performance studies: an introduccion,

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Renascimento. In: ______. Significado nas Artes Visuais. São Paulo:
Perspectiva, 1991.
PIFANO, Raquel Quinet. História da Arte Como História das Imagens: a

iconologia de Erwin Panofsky. In: Revista Fênix nº3, 2010.
7
Um cinema entre as performances

Desenleando conceitos
Wertem Nunes Faleiro1

Lisandro Nogueira2
Introdução
Este artigo tem origem na pesquisa que propõe um estudo do

Melodrama no Cinema de Narrativa Clássica, sob a perspectiva
interdisciplinar das Performances Culturais, buscando
compreender seus mecanismos e verificar sua vigência em filmes
contemporâneos. Mais precisamente, verificar se o Melodrama,
gênero subvalorizado pela crítica, persiste contemporaneamente
como um dos principais modos de representação narrativa
audiovisual na forma de “Imaginação melodramática” (Brooks,
1995). Que ele foi fundamental para a construção e consolidação da
Narrativa clássica do Cinema, já foi amplamente demonstrado por
estudiosos como HUPPEZ (2000), OROZ (1992), XAVIER (2003),
que por sinal, fazem parte do referencial teórico que embasa este
artigo e a pesquisa da qual ele de desdobra. Esta, interessa-se em
1
Mestrando do Programa Interdisciplinar de Pós-Graduação em Performances Culturais,
Universidade Federal de Goiás, 2017. E-mail: [email protected].
2
Professor de Cinema na Faculdade de Informação e Comunicação (FIC) da Universidade Federal de
Goiás, onde ingressou em 1989. Mestre em Cinema e Televisão pela ECA/USP. Doutor em Cinema e
Jornalismo pela PUC/SP, professor do Programa de Pós-Graduação em Performances Culturais da
Faculdade de Ciências Sociais da UFG. E-mail: [email protected].
investigar se o Melodrama ainda influencia na cinematografia

contemporânea mesmo depois do declínio da Narrativa clássica após
o Cinema moderno com suas vanguardas dos anos 60 em diante.
Ainda que o Melodrama tenha sido um gênero que acompanhou
o Cinema desde o início da consolidação de sua linguagem canônica,
trata-se de um aspecto subvalorizado no âmbito dos estudos sobre
Cinema, qual seja: a permanência do Melodrama como modo de
representação preeminente e sua sobrevivência como “imaginação
melodramática” nos filmes da cinematografia contemporânea. Ainda
mais escassa, é a produção científica que alie dois campos tão
instigantes, e no entanto, difíceis de confrontar, como o Cinema e as
Performances. Ainda que haja estudos de Cinema nas Performances,
muitos deles privilegiam um enfoque na recepção, em detrimento da
abordagem estética como a que propomos para esta pesquisa. Alguns
trabalhos até seguiram caminho semelhante ao que propomos, mas
relegaram uma apresentação mais detida em explicar à qual
performance se referiam ao empreender seus estudos de Cinema,
como se essa amálgama entre esses dois campos estivesse
implicitamente estabelecida. Outros, percorreram caminhos mais
diretos ao delimitarem certos tipos de cinema bem específicos que por
isso já trariam relações mais diretas com as performances, como é o
caso de documentários, cinema experimental, cinema ensaio ou
filmografias de autores intimamente ligados a esse movimento
artístico. Este artigo empreende um primeiro esforço no sentido de
oferecer um breve mapeamento acerca dos conceitos relevantes em
torno das Performances, sem a pretensão de conter o que se quer
inesgotável por natureza. De forma indireta, pretende reacender os
estudos do Melodrama como forma de análise e crítica
cinematográfica, além de deslocar práticas de pesquisa e de análise do
Cinema que estiveram tradicionalmente ligadas à Comunicação e situa
no das Performances, o que pode resultar em novas metodologias para
apreensão do Cinema, além de contribuir para a consolidação de seus
estudos nesse novo campo interdisciplinar das Performances
culturais.
Wertem Nunes Faleiro; Lisandro Nogueira | 167
Este artigo apresenta um destrinçar do termo performances

que permita sua maior compreensão para os estudos em cinema.
Dessa maneira, o presente trabalho serviu para a pesquisa a qual
sustenta, como uma base esclarecedora do termo e nesse sentido
pode também servir como ponto de partida para outros trabalhos
que venham a se enveredar pelos estudos do Cinema a partir das
Performances. A partir da linha argumentativa apresentada,
constatou-se que a viabilidade e potencialidade do estudo proposto
está vinculada a compreensão do termo e à clareza das diversas
sendas que as Performances possibilitam enquanto categoria
metodológica. Aliado a isso, está a definição de qual domínio do
Cinema será submetido como objeto de estudos.
Para que se possa viabilizar de maneira mais profícua os
estudos do Cinema sob o viés interdisciplinar das Performances, é
de fundamental importância o esmero em desembaraçar este termo
em seus vários significados, conceitos e linhas de pesquisa, para que
se possa discernir qual ou quais são os mais adequados. Como o
Cinema comporta quatro grandes domínios, sejam eles: Cinema de
Ficção, Cinema Documentário, Cinema Experimental e mais
recentemente, Cinema Ensaio, é preciso que se delimite qual desses
domínios se quer trabalhar em cada pesquisa, para que se relacione
mais precisamente cada conceito de performances. Mais que fazer
essa delimitação de uma determinada pesquisa em Cinema, o
presente trabalho pretendeu desenlear o termo performance em
diversos desdobramentos para que sirva de um esclarecimento
introdutório para aqueles que pretendem implementar pesquisa
envolvendo as duas áreas.
A que tipo de cinema estamos nos referindo
Assim como as Performances, o Cinema é uma manifestação

artística, híbrida e moderna, além de um dispositivo tecnológico
fruto de uma série de experiências desenvolvidas desde a
antiguidade até os experimentos físico-químicos que na segunda
metade do séc. XIX culminaram na Fotografia. Em torno de 1895,

“não possuía um código próprio e estava misturado a outras formas
culturais, como os espetáculos de lanterna mágica, o teatro popular,
os cartuns, as revistas ilustradas e os cartões-postais” (COSTA,
2006, in MASCARELLO, 2006, p.17). Como espetáculo de massas,
desde seus primórdios, passando pelo seu apogeu até hoje, sempre
esteve ligado ao capital e suas formas de comunicação e
segmentação do grande público. Daí talvez, essa dificuldade em
enquadrá-lo como, arte, tecnologia, entretenimento ou como meio
de comunicação.
O Cinema de Narrativa Clássica
Em diversos campos da arte como na música, literatura ou

teatro, existem formas de representação que, devido a convenções
socioculturais de determinadas épocas, foram consideradas como
paradigmas perfeitos e intemporais. Por isso mesmo, tais formas de
representação são recorrentemente chamadas de clássicas. No cinema,
não foi diferente, temos uma forma peculiar de espetáculo
cinematográfico, que de forma geral se enquadra numa categoria bem
definida, no entanto problemática, e que surgiu no início do séc. XX,
mais precisamente entre 1908 e 1919, nos Estados Unidos; “estabiliza-
se nos anos 20 e mantém-se como estilo de narração privilegiado pela
indústria cinematográfica até o final dos anos 50” (ISMAIL, 2003,
p.60), tendo seu declínio nos anos 60 em decorrência do advento da
televisão e de novas cinematografias como as nouvelle vagues na
França e os Cinemas Novos em outros países, como é o caso do Brasil
com “Vidas secas” (1963) de Nelson Pereira dos Santos e “Deus e o
diabo na terra do sol” (1964) de Glauber Rocha.
Fruto de um ideal antigo do homem, esse cinema de narrativa
ficcional busca uma excelência numa certa representação da
realidade. Esse ideal é perseguido pelo homem ocidental desde a
antiguidade na Grécia, com a representação artística do Classicismo,
e foi retomado pelos renascentistas com suas regras de
representação pictórica, baseada na perspectiva geométrica. Esse

naturalismo foi a característica principal que o cinema buscou desde
o princípio, e o respeito às normas que assim o definem vigoram
ainda hoje. Assim, o desenvolvimento da linguagem cinematográfica
clássica foi cunhando aos poucos
uma teoria que foi incisiva na demanda por aquela forma de

mimese que o cinema narrativo clássico estava a revigorar como
lugar por excelência da potencialização do olhar e da busca da
‘impressão de realidade’ que tanto empenhou o teatro burguês em
seu projeto ilusionista” ( ISMAIL, 2003, p.16-17).
A estrutura clássica herdou essa busca pelo naturalismo e se

formou com fortes influências do teatro naturalista e de convenções
literárias vindas do Melodrama, caracterizando-se basicamente
“pelo veio narrativo-ficcional de viés melodramático, construído a
partir de regras e técnicas claras como as da montagem/decupagem,
e de características como o star/system, o studio/system e a
expressividade da câmera, tudo com o objetivo de deflagrar o
mecanismo de identificação” (XAVIER, 2005, p.41). Essas
convenções formais foram tão bem cristalizadas no imaginário do
público, que conforme Xavier (2005) a ausência de suas convenções
causa estranheza, porém quando estas são adequadamente
respeitadas, são imperceptíveis, encaradas como lógicas e naturais.
O vínculo com o Melodrama
Seu conteúdo está embasado no drama sério burguês do séc.

XIII, em que segundo Xavier (2003), Diderot ao escrever suas peças
e reformular uma teoria renovadora do teatro, criticou o teatro
vinculado aos gêneros clássicos, principalmente as tragédias
francesas do séc. XII.
O Melodrama tal como se apresentava no momento de sua
consolidação no séc. XVIII, entrou em declínio pouco antes da 1º
Guerra Mundial e seu rendimento econômico como espetáculo
artístico entrou em colapso. No séc. XX, o Melodrama cedeu espaço

para outras formas dramáticas. A cena que ocupou sozinho no gosto
das multidões, na época de seu apogeu, foi sendo dividida com
outras modalidades de entretenimento. Seu público migrou para
outras formas de espetáculo como o teatro cômico e o music hall e
em pouco tempo esse gênero de forte apelo junto ao público popular
“emigrou para o Cinema, e a relação entre ambos configura a teia
da gênese da estruturação da linguagem cinematográfica” (OROZ,
1992, p.25). O Melodrama poderia trazer uma plateia maior e por
meio de suas características, conquistá-la, como também poderia
servir perfeitamente para a construção da “impressão de realidade”
que estava sendo desenvolvida pelos elementos estruturais do
Cinema Clássico.
O melodrama possui uma necessidade econômica de criar uma

convenção linguística que alcance um público amplo e homogêneo,
criando uma sintaxe imperceptível que produz a ilusão de que tudo
acontece naturalmente, essa foi a grande contribuição de
Hollywood, e a chave para a estruturação da linguagem
cinematográfica. (OROZ, 1992, p. 76-77).
Se o cinema já estava estabelecendo seus meios técnicos como

a montagem/decupagem e outras regras como ritmo, e
continuidade, faltava uma forma dramática que preenchesse e dessa
forma ao conteúdo do espetáculo do Cinema Clássico. A partir de
então, o Melodrama, junto com a decupagem, montagem,
continuidade e ritmo, passaram a fazer parte de um ideal de
“impressão de realidade”, que acabaria estabelecendo o cânone do
Cinema Narrativo Clássico.
Performances: Etimologia do termo
Na busca por um breve mapeamento dos conceitos do que

venha a ser performances, partimos de um referencial que talvez
seja uma base mais comum que possa servir como um ponto de
ancoragem para essa instável jornada. Um procedimento bastante

empregado quando procuramos descobrir do que se trata algo em
qualquer idioma seria descobrir seu significado denotativo, para o
qual Camargo (2016) levanta definições de três distintos dicionários:
O dicionário de língua inglesa Macmillan (HALSEY, 1979) anota

três significados para performance: o de uma apresentação
pública; a forma de se apresentar, o da coisa performada, e o de
uma ação. O Oxford Advanced Learners's Dicionary of Current
English (HORNBY, 1974), por outro lado, anota os seguintes
sentidos: 1. a performance dos deveres; 2. uma conquista; 3. a
performance no teatro, e também o de um comportamento
chocante, em sentido negativo. (…) O Brazilian English -
Portuguese Dictionary, de Antonio Houaiss e Catherine B. Avery
(HOUAISS e AVERY, 1987), a traduz como atuação, execução,
cumprimento, desempenho, funcionamento, ação, proeza e, no
sentido teatral costumeiro de representação e espetáculo”
(CAMARGO, 2016, p.16).
Apesar de conter indicações pelas quais tomamos a palavra

performance em nosso dia a dia e abordar palavras como “ação”,
“desempenho”, “funcionamento”, “apresentação”, “comportamento”
que, de certa forma, adiantam algumas definições conceituais com as
quais nos confrontaremos, elas dizem muito pouco quando pensamos
na performance de uma forma mais ampla, como um evento, um
fenômeno, uma atividade humana. Ainda assim, vemos que estas
traduções, sinônimos, já delineiam campos semânticos sobre os quais
diversas áreas do saber puderam se debruçar.
Conforme Jorge Glusberg, que escreveu o livro “A arte da
performance”(2005), obra basilar para quem pretende
compreender a história da arte da Performance Art, é interessante
fazer essa recuperação da etimologia desse vocábulo que pode
significar “execução, desempenho, preenchimento, realização,
atuação, acompanhamento, ação, ato, explosão, capacidade ou
habilidade, uma cerimônia, um rito, um espetáculo, a execução de
uma peça de música, uma representação teatral ou um feito
acrobático” (GLUSBERG, 2005, p.72). Ainda que possa parecer

demasiado ampla e que soe apenas como uma coleção de palavras
sinônimas, essa definição de Glusberg elenca alguns termos (e pares
de termos) como “ação”, “execução/desempenho”,
“capacidade/habilidade”, “rito/espetáculo” que são valiosos para
entender os diversos conceitos chave para a diversidade de campos
práticos e teóricos que a performance, numa acepção ampla do
termo, deu suporte.
Grande parte da dificuldade que temos ao trabalhar com essa
palavra, talvez advenha do fato de tratar-se de um termo estrangeiro
à nossa língua portuguesa. Como explica Camargo (2015, p.2), trata-
se de um termo inglês que teve um processo de formação complexo
e passou por diversos outros idiomas, desde os gregos, passando
pelo francês, até que chegasse ao português da maneira como o
conhecemos. Sobre a formação da palavra, trata-se de um processo
de justaposição do latim per(através) e fournir (prover, fornecer).
Palmer apresenta perform como resultante de per + formare,

formare sendo apresentado como uma forma corrompida do inglês
perfourn ou parfourn, mas formare, se corrompido no inglês.
(CAMARGO, 2016, p.15)
Esse processo de justaposição de partes, atravessando

diversos idiomas até sua forma mais estável, a qual conhecemos
hoje, pode talvez ser um indício de sua complexidade e de como ele
pode ser tão polivalente quanto a variedade de significados. Talvez,
por isso, ele sirva tão bem a um uso indiscriminado que fazemos,
aplicando-o em diversos contextos, sentidos e funções. Soubemos de
forma muito natural encontrar diversas situações em que esse
estrangeirismo se encaixasse como “um canivete de mil e uma
utilidades a ser prontamente tirado do bolso, lego para todas as
montagens, resultando num estranho amálgama que iguala
diferentes em situações muitas vezes opostas” (CAMARGO, 2016,
p.16), engrandecendo a cada novo uso a extensão de sua definição e
significado. Ainda que isso possa deixar o termo pleno de
potencialidades, conferindo a ele grande poder significativo, isso

dificulta sobremaneira as tentativas de definir em apenas um
conceito o que venha a ser performance, tornando ainda mais
complexo seus estudos.
Desenleando o termo: Performance Art / Performances

Culturais/ Estudos das Performances/performatividade
Quando empregamos a palavra performance, o senso comum

em geral nos leva primeiramente a relacionar esse termo ao
desempenho de alguma atividade/habilidade. Afunilando um pouco
mais sua aplicação em um contexto, geralmente o relacionamos a
um determinado movimento artístico. Conforme Taylor (2012,
p.09), performance é uma palavra ampla e indefinida que da
maneira como é utilizada na América Latina se refere à Performance
Art. Aqui encontra-se grande parte das confusões.
Como não há em português e espanhol uma palavra que
traduza satisfatoriamente o termo performance, a mesma palavra
acaba servindo para designar ao mesmo tempo o movimento
artístico e o campo metodológico das Performances Culturais. Com
isso, o contexto em que se encontra o termo irá determinar qual o
seu uso e significação. Ainda que aceitemos essa indeterminação do
termo, ao adentrarmos no terreno dos Estudos das performances
enquanto campo metodológico, no qual situamos este trabalho por
exemplo, é preciso ter essa diferenciação bem clara. Como explica
Robson Corrêa de Camargo em seu artigo “Per-formance e
performance art: superando velhas tradições”, (2016) existe a “‘arte
da performance’, ou ‘performance arte’ ou, no original,
‘performance art’, que é um movimento artístico, como foi o
futurismo, o surrealismo, a pop art, o dadaísmo, o
cubismo”(CAMARGO, 2016, P. 17). Por outro lado, existem também
os “Estudos das performances” (geralmente no plural, justamente
para facilitar a diferenciação), também chamados de “Performances
Culturais” (também no plural pela mesma razão). Para cada uma
dessas correntes, houve um contexto diferente para o seu

surgimento e consolidação, que não abordaremos por sua amplitude
e complexidade extrapolar, em muito, o espaço e as pretensões deste
artigo. Como bem apontou Camargo (2015, p.2), “Carlson separa a
arte da performance das performances culturais ao falar do
"microcosmo" da "performance art" e do "macrocosmo" da
performance cultural e social”. Ele, ainda ressalta a maneira como o
uso indiscriminado do termo sem o cuidado de especificar a que
exatamente ele está se referindo pode levar a inúmeras confusões.
Dessa maneira, dependendo do contexto, há que se perceber que a
palavra performance pode estar sendo usada de uma forma mais
ampla para se referir aos Estudos das Performances ou
Performances Culturais, ou se a intenção é referir-se ao movimento
artístico da Performance art. Há que se considerar ainda, que a
Performance Art está contida nas Performances Culturais, já que,
sendo manifestações artísticas, são também expressões culturais
pelas quais se estruturam determinadas comunidades.
Essa diferenciação é importante não apenas por possibilitar
identificar mais facilmente a que estamos nos referindo, como
também para nos afastar da indeterminação inerente a palavra, já
que performances “no son universales ni transparentes; su sentido
cambia según el momento ye\ contexto (TAYLOR, 2012, p.32). Há
que se identificar, portanto, o momento e contexto a que se refere a
palavra performance em cada situação.
Mesmo ao referir-se especificamente ao movimento artístico,
o uso da palavra performance não foi consenso e seguiu um curso
instável, já que nem todos os artistas da Performance art,
reconheceram ou usaram o termo para falar de suas produções.
Conforme Taylor (2012, p.32), alguns artistas recorreram ao termo
representação para substituir performance, mas segundo ela, o
termo é ligado ao verbo representar, e por isso, traz uma carga que
evoca noções de mimesis, referente à separação platônica entre a
ideia e a coisa - sua representação. Dessa forma, Taylor defende que
este termo não substitui com exatidão a palavra performance, que
neste caso, se adequa mais apropriadamente às manifestações que

designa, ainda que de uma maneira indefinida. Alguns artistas,
conforme ela, ainda recorreram a termos como ação e intervenção,
que conseguem ir além de representação, mas não conseguiram
consolidar-se como consenso para substituir o termo performance
como designação de manifestações que em vez de opor real/fictício,
real/representação (mimesis), “borram a linha entre o fictício e o
verdadeiro” (TAYLOR, 2012, p.43).
Com a intenção de demarcar como esse tipo de manifestação
artística impactou e trouxe novas sendas para o fazer artístico no
séc. XX, com uma leitura crítica que evidenciasse as implicações
sociais, econômicas e políticas envolvidas no fazer artístico, tentou-
se usar termos como espetáculo pós-industrial que, conforme Taylor
(2012, p.47), além de parecer mais normativo, menos “teatral”,
chamou-nos a atenção para a ideia de que os seres humanos vivem
numa espécie de maquinaria de visibilidade movida por forças como
o consumismo, a vigilância e a globalização. Ainda que não seja
obrigatório eleger um único termo, a autora ressalta que a palavra
performance é mais completa por referir-se tanto a hipervisibilidade
da teatralidade, como ao sistema de mediação do espetáculo, além
de dar conta da ação ativa da resistência humana. Não somos,
segundo ela, apenas espectadores, mas atores sociais com o
potencial de intervir e responder às instituições. Enquanto
espetáculo e teatralidade não são verbos, a palavra performance
contém e pode desdobrar-se no verbo performar e no adjetivo que
designa o ator social performer usando a mesma palavra.
É comum encontrarmos situações e contextos em que a
performance tem sido confundida com o teatro de forma simplista.
Talvez essa associação venha da história da Performance Art ser
complexa e cheia de intersecções com outras linguagens, entre elas
o teatro. Para alguns, “el concepto de arte de performance surge del
campo de las artes visuales. Otros lo sitúan en relación al teatro. (...)
Las trayectorias históricas son muchas y los âmbitos de circulación
son distintos.” (TAYLOR, 2012, p.61).
Existem ainda, outros desdobramentos do termo performance

que frequentemente pode confundir quem está adentrando os
estudos na área. É comum depararmos com o termo não apenas em
diversas aplicações, mas em diferentes derivações da palavra. É o
caso de performático, referente àquilo que tem características ou
elementos da performance, no sentido de um adjetivo. No entanto,
outras derivações podem passar despercebidas àqueles iniciantes no
assunto. O termo performativo, por exemplo, pode parecer
sinônimo de performático, e em algumas ocasiões realmente é.
Entretanto, está mais alinhado ao termo performatividade, que por
sua vez, também pode parecer um sinônimo de performance, mas
que está mais especificamente relacionado a uma corrente de
estudos das performances surgida a partir dos estudos em teoria
linguística moderna relacionada à contextualização social dos
eventos da fala. Referimos ao conceito “Atos de fala”,
implementados pelo filósofo britânico da linguagem John Austin e
John R. Searle.
Os fundamentos da teoria elo ato de fala foram lançados na série

de palestras sobre William James feita por Austin em Harvard, em
1995, e publicadas em How to Do things with W'ords [como
realizar coisas com as palavras]. Nessas palestras, Austin chamou
a atenção para um tipo especial de fala, que ele denominou de
“performativa”. Ao emitir um “performativo”, simplesmente não
se faz uma afirmação (o foco tradicional da análise linguística que
Austin rotula de "constativo''), mas performa-se uma ação como,
por exemplo, quando alguém batiza um navio ou realiza um
casamento. (CARLSON, 2010, p.73)
A partir disso, o termo performatividade apareceria também

nos escritos de Judith Butlher (2003) que desenvolveu ampla teoria
a respeito da performatividade e refletiu acerca da construção dos
gêneros como uma performance. Estas duas correntes são vastas e
deram origens a diversos estudos que extravasam o escopo desse
artigo. Fizemos tais referências apenas para apontar outros
caminhos que as performances possibilitaram.
Retomando o que vimos até aqui, o termo performance pode

estar atrelado ao que ficou conhecido como Performance Art,
movimento artístico que surgiu nos anos 60 e 70 (ainda que remeta
a raízes anteriores) com histórico e desdobramentos de teorias e
práticas muito próprias que fogem ao objetivo deste trabalho.
Também pode referir-se aos Estudos das performances, ou
Performances Culturais, que por sua vez abrigou estudos
interdisciplinares na Linguística, na Antropologia, na Sociologia,
Psicologia e demais áreas que se interessaram por esse campo tão
promissor.
Conceito indefinido, “Essencialmente contestado”
O interesse pelas Performances tem crescido de forma

proporcional à dificuldade de definir suas fronteiras conceituais.
Vários autores fornecem amplos estudos, sem, contudo, oferecer uma
definição que possa conter totalmente a complexidade de sua
abrangência. O motivo talvez seja que “a performance, por própria
natureza, resiste a conclusões assim como resiste a definições,
fronteiras e limites tão úteis à escrita acadêmica tradicional e às
estruturas acadêmicas” (CARLSON, 2015, p.213). Em lugar de um
conceito, temos uma profusão de manifestações de diversas atividades
e estudos a que chamamos performances e este ambiente polivalente
e ambíguo, no qual o termo se articula, dificulta bastante a busca por
um conceito unificador que dê conta de sua complexidade, já que,
quanto mais adentramos na análise e compreensão de sua natureza,
mais “percebemos que existem vários paradigmas de performance, e
não um só” (LANGDON, 2007, p. 165).
Toda essa dificuldade em observar, enumerar, compreender de
que se trata essa atividade humana, como um conceito, deve ser
absorvida como uma espécie de reconhecimento da amplitude que este
conceito nos proporciona. Há que se compreender, portanto, as
performances como um conceito avesso a definições muito restritas.
Talvez a melhor estratégia seja, em vez de buscar por uma definição,
fazer um levantamento das diversas maneiras com que o conceito já

tenha sido abordado por diferentes campos epistemológicos. É o que
Marvin Carlson implementou em seu livro Performance: uma
introdução crítica (2010), em que fez alguns levantamentos acerca do
termo e, logo no primeiro capítulo, deixou claro que não pretendeu
esgotar suas possibilidades, já que “as manifestações recentes de
performance, tanto na teoria como na prática, são tantas e tão variadas
que um completo mapeamento delas é quase impossível”(CARLSON,
2010, p.12). Dessa maneira, ao encontrar como as performances se
comportam nas diversas áreas a que serviu de fundamento como na
psicologia, sociologia, antropologia e linguística, pode-se ter uma
melhor compreensão de como adequar satisfatoriamente o que se
pretende implementar como estudo, em nosso caso – o Cinema de
Narrativa Clássica. Portanto, o sucesso dessa amálgama se encontra
em definir que tipo de Cinema e assunto se pretende, para assim,
escolher qual ou quais conceitos de Performances mais se adequa(m)
a cada tipo de pesquisa, livrando-se de uma busca incessante e
frustrada por um conceito único, disciplinar e totalizador do que venha
a ser performance.
Quanto a essa ambiguidade e contradições internas dos
conceitos de performances, Carlson (LONG e HOPKINS, 1990, in
GALLIE, 1964 in CARLSON, 2010, p.11) traz um pensamento que nos
auxilia bastante a aceitar essa diversidade, qual seja - a percepção de
que performance é “um conceito essencialmente contestado”. Esse
caminho nos conduz à ideia de que “reconhecer um dado conceito
como essencialmente questionado implica reconhecer os usos rivais
desse conceito como os que ele mesmo repudia” (CARLSON, 2009.
p.11). Daí a importância de buscarmos as diversas pesquisas que
foram feitas em torno da performance, incluindo não apenas
aqueles campos que se sobrepõem, mas também aqueles que
divergem em alguns casos. Isso parece contrariar a tradição
acadêmica, mas faz parte da natureza interdisciplinar do conceito, o
que nos força a nos adaptarmos a essa esfera de discussão.
Strine, Long e Hopkins discutem que performance se tomou esse

conceito, desenvolvido numa atmosfera de “desentendimento
sofisticado”, por participantes que “não esperam derrotar ou
silenciar posições opostas, mas que, em vez disso, por meio de
diálogo contínuo, chegam a uma articulação mais precisa de todas
as posições e, em consequência, a uma compreensão mais
completa da riqueza conceitual de performance”. (STRINE, LONG
e HOPKINS, 1990, apud CARLSON 2010, p. 12)
Mas se não há um conceito único, como avançar no estudo das

performances? Um caminho talvez seja seguir as diferentes disciplinas
que se lançaram no estudo da performance. Nesse sentido, Carlson
(2010) parece corroborar com o pensamento de Langdon (2007, p.
165), de que a quantidade de usos do termo “performance” varia de
acordo com a variedade de conotações dadas pelos diversos
pesquisadores e como eles a empregam em suas pesquisas. Segundo
ela, no artigo “Poetics and Performance as Critical Perspectives on
Language and Social Life”, Bauman e Briggs ressaltam “os significados
múltiplos do conceito e criticam o uso de ‘Performance’ como um
termo único ou como jargão, desprovido de sua complexidade de
influências crítico-teóricas” (BAUMAN e BRIGGS, 1990, in LANGDON,
2007, p. 165). Retomando a ideia supracitada de “conceito
essencialmente questionado”, sentiremo-nos mais à vontade para
compreender que não devemos procurar um único conceito que inclua
de forma abrangente a gama de estudos (muitas vezes divergentes
inclusive) sobre as performances e suas manifestações. Desistir de
tentar definir o que é por natureza indefinível e que abarca
manifestações tão próximas e ao mesmo tempo tão distintas como o
desempenho de um ator, de um garçom ou de um xamã.
Conclusão
Com o intuito de compreender as performances para além do

senso comum do termo, e além disso, tirá-lo do lugar indeterminado
do “tudo pode ser performance”, buscamos partir de seus significados
denotativos, suas origens no grego, francês e inglês, de sua etimologia

para demonstrar que se trata de uma palavra estrangeira sem
tradução equivalente para o português e espanhol, e que tem por
natureza ser abrangente e indefinida. Pode abarcar diferentes
significados como ação, execução/desempenho, capacidade/habilidade,
rito/espetáculo, que por sua vez apontam para diversas linhas teóricas
e práticas no campo artístico, científico e cotidiano. Essa variedade
semântica possibilitou uma diversidade de aplicações teóricas e
práticas, fazendo com que o termo fosse desenvolvido
interdisciplinarmente num ambiente de “desenvolvimento
sofisticado”, tornando-se um “conceito essencialmente contestado”.
Como resultado, uma melhor compreensão do que venha a ser
Performances passa necessariamente pelo reconhecimento de que se
trata de um conceito que tem por natureza a indefinição, a fronteira, a
contestação, a ambiguidade. Por isso mesmo é improdutivo tentar
encontrar um único significado que possa abranger satisfatoriamente
toda sua potencialidade, o melhor seria reconhecer sua polivalência e
discernir que conceito melhor se adequa, conforme o tipo de pesquisa
que se objetiva empreender, em nosso caso – a “imaginação
melodramática no Cinema de Narrativa Clássica.
Por isso, o que mais nos interessa aqui, é a compreensão de que
o termo performances pode denominar o “microcosmo” do
movimento artístico da Performance art, surgida nos anos 70 (que
remonta a origens anteriores como o Futurismo, Dadaísmo), e/ou o
“macrocosmo” das Performances Culturais, ou Estudos das
Performances como um campo metodológico interdisciplinar que
envolve estudos em diversas áreas como Psicologia, Antropologia,
Sociologia e Linguística. Respondendo a indagação motriz deste
trabalho, verificamos que é possível estudar o Cinema sob o viés das
Performances, com a ressalva de que há de se delimitar qual domínio
do Cinema e o assunto com o qual pretende-se estudar para daí
discernir da melhor maneira qual conceito de performance relacionar.
Portanto, a viabilidade e potencialidade do estudo proposto estão
vinculadas à clareza das diversas sendas que as Performances
possibilitam enquanto categoria metodológica e da definição de qual

domínio do Cinema será submetido como objeto de estudos.
Oferecemos uma breve introdução para quem pretende
desenlear os conceitos em torno das Performances, elencando
autores caros aos estudos da Performance Art como, Taylor (2012),
Goldberg (2007), Glusberg(2005), bem como Camargo(2013, 2016),
e o supracitado livro do Carlson(2010), que apresenta uma
introdução e mapeamento crítico das Performances em suas
inúmeras possibilidades. Não pretendíamos um aprofundamento
histórico e conceitual de Performance Art e Performances culturais,
pois esse não era a natureza deste artigo, ainda que isso esteja
contemplado em nossa pesquisa de mestrado a qual ele se refere. A
intenção principal deste artigo limitou-se a desembaraçar conceitos
de performance, e dessa maneira subsidiar futuras tomadas de
decisões embasadas por um melhor discernimento sobre qual seria
o conceito mais adequado para situar um estudo sobre a vigência do
Melodrama como “imaginação melodramática” nos filmes
contemporâneos do Cinema de Narrativa Clássica. Consideramos
que o presente artigo foi um estudo válido por servir de ponto de
partida para aqueles que pretendam aliar o estudo do Cinema
narrativo às Performances.
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Cidade e Linguagens Artísticas

O Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em

Nesse sentido, na disciplina Performances Urbanas, são vistas

Embora todos tragam o fenômeno urbano como fio condutor

na cidade de Goiânia, pelo protagonismo do chamado Beco da

semiestruturadas, feitas nas atividades de campo para a dissertação de

Aspectos da construção de Brasília

Os espaços urbanos são constituídos de características plurais,

por sua vez legitima a identidade (FREITAS BORGES; CAVALCANTE

Este ensaio objetiva, assim, identificar aspectos da construção

acontecimentos mais marcantes neste processo convergem para este

Aspectos das relações dos indivíduos com o espaço

Lynch (1960, p. 11) cita que ''todo o cidadão possui numerosas

A cidade não é apenas um objecto perceptível (e talvez apreciado)

As pessoas que vivem dentro do espaço urbano não são

Cada um constrói individualmente e coletivamente um significado

Toda ação humana é carregada de subjetividade e significados

Os elementos móveis de uma cidade, especialmente as pessoas e

A percepção íntegra da cidade torna-se complexa, pois cada

O espaço de referência identitária refere-se ao recorte espaço-

Nota-se que as autoras consideram o espaço como o campo

A consciência socioespacial de pertencimento diz respeito ao

relação a uma comunidade, a um lugar, a um território. Esse

O espaço geográfico constitui-se, então, como parte

[…] a memória não se acomoda a detalhes que a confortam; ela se

Notamos que tanto objetos materiais como bens imateriais

Neste contexto, Halbwachs (1990, p. 131) cita que memórias

poder, sentimentos diversos, mobilizações, atos de silenciamento,

Ritual, lugar e memória

Turner (2015) observa que toda experiência social é carregada

As pessoas tomam partido, formam facções, e a menos que o

Dentre os vários grupos que o indivíduo participa, seja de

incluir inclusive segundo Turner (2015, p. 99) a ''performance de

O trabalho da fase liminar é duplo: primeiro, reduzir aqueles que

A fase liminar fica mais evidente em rituais de passagem,

medida em que são empregados sobre eles as significações e

ações que lá acontecem, bem como promover uma condição de

A música e sua necessidade dentro dos espaços

Fischer (1987) cita que a arte nunca foi uma prática

relação aos seus acontecimentos, mas um espectador assíduo,

[..] a dimensão sonora aparece muitas vezes em função da

Nota-se que a música pode ser produzida a partir de uma

Os sons de um lugar, assim como a música, representam a