23.03.

2017
“OTRAS” MODERNIDADES
Grupo 7 Italia, Gatcpac España, Tecton Inglaterra, Austral.

Segunda generación de arquitectos (nacen 1900-1905). Asumen el rol de embajadores de la

modernidad, son los promulgadores de esta primera fase de la arquitectura moderna en la que
los maestros pioneros han sentado las bases del movimiento moderno. Se dispersan por el
mundo (evangelizar la buena nueva del modernismo). Sobretodo 3 nacionalidades (España,
Italia e Inglaterra): el movimiento moderno llega de manera destilada y condicionada por los
contextos políticos de cada país: Italia no se puede entender sin el fascismo italiano, y el
movimiento moderno no tiene ningún sentido en España sin la segunda república.
Famosa marcha de Mussolini sobre Roma 1922 acaba cristalizando el movimiento fascista.
Terrible desenlace de Italia a propósito de la IGM, se fragua el monstruo del fascismo en Italia.
España encarna una vanguardia durante la II república, la gente quería venir a España (Mies,
Gropius, Le Corbusier). Dos contextos muy diferentes: extrema derecha y socialismo.
La arquitectura entiende por primera vez que es ideología, la arquitectura es ideología.
Racionalismo, el grupo sette son los herederos de las conquistas de Le Corbusier y adquieren
el compromiso de incorporar la historia de su país.
Dispensorio tubercural del GATPAC por ejemplo, tiene en cuenta el lugar. Hay un patio,
estamos en clima mediterráneo.

GRUPO 7 (Italia)
Giuseppe Terragni (1904-1943): se licencia como arquitecto en Milán 1926, nada más acabar
firma un manifiesto llamado “Arquitectura” con un grupo de 7 amigos que deciden constituirse
como una vanguardia, grupo de los sette
“Reconocemos de la existencia de una tradición de lo nuevo, en ese espíritu nuevo están las
victorias de las vanguardias arquitectónicas” (arranca asumiendo la victoria de la vanguardia)
de la mano de Theo van Doesburg, Rietveld.
Le Corbusier es considerado uno de los maestros de la arquitectura racional. “Entre nuestro
pasado y nuestro presente no existe incompatibilidad (algo común en toda la arquitectura del
racionalismo). Nosotros no deseamos romper con la tradición (la vanguardia sí), nosotros
queremos tender un puente con el pasado. Lejos de la batalla futurista (lo dan por acabado) y
sistemática destrucción del pasado que es un concepto demasiado romántico para nosotros.
Roma con su monumentalidad, formas funcionales, clásicas… Ya construía en serie (es el
punto de arranque)” Manifiesto “Arquitectura”
Tradición de lo nuevo + no incompatibilidad entre pasado y presente + roma ya construía en
serie

Terragni. Apartamentos Novocomum 1926

-­‐ Funcionalidad, estética de la cura naval y aerodinámica. Bloque de viviendas en un
estilo tremendamente funcional.
-­‐ Formas libres conquistan la azotea de manera arbitraria.
-­‐ Fachada libre Lecorbuseriana de hormigón armado, que concentra toda la estética de
la curva dinámica en las escaleras. La curva se traslada a las esquinas del edificio,
(herencia futurista) en la parte del desarrollo del edificio que comprende las plantas 1-4,
la quinta se compacta, se cristaliza, marca la arquitectura posterior de Terragni.
-­‐ Concentrada la herencia futurista, dinámica, atisbos de vanguardia, arista viva
compactada y geometrizada en el cubo.
Alberto Sartoris: explica los dos momentos del edificio, el pasado de Terragni, la deuda con
la vanguardia futurista y el posible futuro de la arquitectura con el giro en esquina.
IIya Golosov Zuyev Workers’ Club 1926 Moscow.
Monumento a Sant'elia. Terragni 1930-33: fragmento a la citá nova. Hormigón armado, su
planta parece una sacristía, monumento funerario que toma prestada la retórica del pasado,
arquitectura monumental, ritmos traducidos en un alzado que podría ser de la citá nova.

Casa Fascio, Terragni, Como 1932-39. Emblema propagandístico. Este edificio se descubre
des del patio (patio pasante).
Casa del gobernador fascista de Como. Se sitúa en
el enclave más importante de la ciudad.
- Unidad orgánica representada, hecha arquitectura.
- Reproducir las ideas de la arquitectura colectiva.
- Como es una población un tanto disgregada: casa
compactada, mira la espalda de los ábsides del
duomo de Como, genera una plaza, un vacío urbano
que nos hace entender que el edificio tendrá una
fachada principal.
En Roma el lugar del foro es el principal con unos pórticos
donde se sitúa la vida principal. Aquí fachada que encuadra un
vacío urbano dando sentido a una plaza. Por ello los primeros
ejemplos de casa del Facio eran los de generar una especie de
filtro homogéneo para la fachada que fuera lo homónimo a la
torre lateral, esquema que es como lo nuevo y lo viejo.

Parte de un esquema (edificio y torre) para luego trabajar a

través de la compactación del volumen. Al final se queda con el
prisma, quita la torre, todo el valor simbólico, transciende al
representativo de la torre, acaba concentrado en el edificio.
(primer diseño 1932) se elimina la torre y queda una fachada
ciega con un trazado modulador que regula la fachada.
Habla de unas directrices que acaban generando la forma de la
parte opaca y la parte más aérea; dos mundos, el de lo rígido,
petreo y lo aéreo.
Trasladar el mundo de lo útil al mundo de lo racional. Argan lo describe como una unidad
formal, indivisible y afuncional.

Búsqueda pura casi de laboratorio basada en la confrontación directa e igualdad de valores

entre lo antiguo y lo moderno.
Forma pura, es un prisma compacto cuya riqueza visual viene generada por el tratamiento de
cada fachada de forma distinta, ni un solo plano igual. Hay que recorrerlo girando, como en un
templo griego que hay que rodear 360 grados para comprender su significado (ver todo el
friso, ahora no hay friso sino un edificio q hay q descubrir). La fachada se enriquece a través
de composiciones que no son inmediatas.
Se define una ventana que se va repitiendo, es un monumento todo el edificio. La
arquitectura es un monumento. (Loos: “la arquitectura es un monumento o tumba”)
Equipara la arquitectura moderna a la de los siglos que la preceden, quiere que sea BELLA.
Hay una funcionalidad intrínseca a la forma, ni técnica ni utilitaria, se revela como el
continuador a la tradición del renacimiento. Es casi un nuevo Alberti. Tiene que equipararse
en igualdad de condiciones a la arquitectura del pasado, para ello entiende que todas las
arquitecturas milanesas son introvertidas, tienen un patio (entras por un pasaje, porche, hasta
un patio). En planta baja es una calle interior, esta perforada, la edificación que sube en altura
tiene forma de patio y se proyecta con la calle interior que atraviesa el edificio.
Retórica transparente o semitransparente de la planta baja.

Plantas casa Faccio: Accedemos a través de un porche y apareces en una galería desde la
que se accede a todos los despachos. La propia estructura va modulando los diferentes
espacios interiores salvo en un punto el q concede más libertad formal a la composición, la
sala de juntas y el despacho del director.
Las particiones interiores siempre tienen una particularidad,
tocan tangencialmente la estructura, salvo en un espacio, el
despacho del director en el que queda una columna vista. La
columna es la huella del hombre, la desnaturalización según
Vitrubio. Queda vista para forrarse de vidrio, la columna se
independiza y es el momento en el que la columna se viste, se
forra de vidrio.
Benito Mussolini “el fascismo es una casa de cristal”: cristal de la mesa de juntas, cristal que
cubre la columna. Presencia obsesiva del cristal. “Quizás un soplo en cualquier momento lo
barrera todo y nosotros saltaremos hacia las constelaciones” Voltempei “todo en la casa del
fascio se nos ha hecho aéreo”

Composiciones Peter Eisenman (monumento Holocausto Berlín): se plantea comprender la

verdad compositiva de un edificio complejo, reduce la edificación a sus huesos y hace unas
casas que son herencia directa de esta manera compleja de hacer arquitectura.
Composiciones Casa Fascio. Mario Radice: trabajar la forma del cuadrado. Un cuadrado en el
que pasan tres cosas que escapan de la rigidez y autonomía del cuadrado.

No hay obstáculo entre la política y el pueblo. Hay una serie de arquitectos de fama en Europa,
pero en Italia aún no, en los otros países ya hay una tradición de lo nuevo. Fachada: la
verdadera arquitectura es la construcción bien hecha del edifico. Renuncia de la
individualidad, dejan aparte la individualidad para hacer algo universal. Normas fundamentales
para la ordenación del núcleo urbano.
Arquitectura racional, monumental que deriva del poder al que representa. Arquitectura que
mira al pasado, a Roma.

Casa asilo Sant’Elia, G. Terragni. Como 1936-39.

- Patio humanizado a través de los esqueletos, los tendales.
Nos está hablando de la arquitectura naval. Tras estos tendales
aparecen los paños de vidrio que contienen las aulas.
- Lo que manda en la escuela es el aula, no la vivienda. Lo
único que tiene que haber en estas aulas son los muebles para
que el niño sea el centro.
-Esqueleto de hormigón que cose este segundo plano, el de los
huesos. Humanizando los parterres de juegos donde los niños se
concentran. La marquesina gira y cose los dos bloques y nos
introduce en el interior del patio.
- Hueso + membrana y en medio textil.

- Planta muy interesante: esquema parecido al de la casa del Fascio.

Dos espacios diferenciados, espacio servidor y espacio servido, y
el patio en medio.
Espacios intermedios: tránsito, membranas. Las aulas se pueden
partir.

GATEPAC (España)
(grupo de arquitectos técnicos españoles para el progreso de la
arquitectura contemporánea)
Nace en Zaragoza y se constituyen como grupo. Grupo como los
futuristas de 1909: tienen su local, sus reuniones, se enrollan con los
políticos para que les hagan encargos, publican cosas, tienen su
revista. GATCPAC (arquitectos técnicos catalanes, nacionalismo).
Existe toda una serie de pioneros que traen la vanguardia poco a poco a España en la época
de la dictadura de Primo de Rivera.

Rincón de Goya Fernando García Mercadal 1928 (1º edificio).

Edificio homenaje en un parque de Zaragoza que conmemora la
muerte de Goya. Axonometría estilo bauhausiano. Marquesina de
hormigón, posible vanguardia que llega de forma tímida.
Vanguardia que viene representada por la generación del 27
(1927): Góngora, Lorca, Ancín, Buyuel…
Manifiesto futurista que le hacen a Góngora. Mezcla de estilos que
convive con esta arquitectura de vanguardia. No gustó a los
conservadores. Mercadal dice que la obra se defiende ella sola.
La arquitectura debía ganar batallas, lucha ideológica, arquitectura
de vanguardia contra arquitectura de dictadura. Mercadal es el
responsable de que Le Corbusier visite España en 1928. Mercadal
participa en los CIAM.
CIAM:
-II vivienda mínima Frankfurt 1929
-III 1930 Bruselas: gran debate sobre si se debe construir en bloque o en hilera ¿Cómo
agrupar las viviendas mínimas?
-IV 1933 Partis II (un barco) Cuidad funcional. Pla Macià. Nuestro origen no es Alemania es la
arquitectura tradicional mediterránea.

Le club nautique et la bahie. San Sebastián. J. M. Aizpurúa y Joaquín Labayen 1896.

 Edificio q es un barco.
Niceto Alcalá Zamora cuando escoge un edificio de fondo
para la foto escoge el club náutico de San Sebastián. Sert y
Torres Clavé entienden que sin política no hacen nada, van a
ver a Macià para que pague unas reuniones de la CIAM
previas al congreso.

Bloque de viviendas plurifamiliar. Jose Luis Sert 1929 Barcelona: bloque

de viviendas dúplex, vacío en fachada, la planta superior es una azotea
con el estudio de Sert. Manifiesto antimiesiano. Descarnar totalmente los
pilares de cruz, sin recubrir, enseñando sus atributos, azotea que mira a
la calle Muntaner.

GATEPAC (Madrid, San Sebastián y BCN): se forma en 1930. Sale la

revista AC, Actividad Contemporánea, se edita en Barcelona por eso en
BCN tiene más fuerza el GATEPAC. Suscritos como Coderch.

1932 Primeros esbozos Pla Macià. Le Corbusier

- Reforma global, rascacielos igual de altos que Montjuic.
- A bordo del Patris II se presentan las ciudades. BARCELONA y
Ámsterdam destacan.
- Ejemplo claro de ciudad funcional, entiende que lo que define la ciudad
es el zooning.
- Los arquitectos del GATCPAC son los primeros en definir las zonas,
entender qué zonas son necesarias: Zona Franca, 2 Puertos (recreo e
industrial), zona industrial que hay que permeabilizar.
- Introducir una dinámica de higienización de Barcelona, pieza que se
coloca en el centro de una ciudad con tuberculosis, enferma.
Dispensario.
- Vivienda: superar la trama de Cerdà. A través de una manzana
agrupada de 3x3, manzanas de 400x400. Zonas industriales. Ronda de
Dalt y Ronda Litoral.

Pabellón de l’Espagne. Sert Exposición de París 1937.

- Bloque que concentra propaganda en su piel. Época de la Guerra civil española.
- Estética similar a la de Lissitzsky, estética constructivista,
todo él es estructura
- Aire en planta baja donde se coloca el Guernica. Fuente de
mercurio en el patio (alegoría a la muerte).
- Hay un patio interior donde hay unos tendales. Hay un
recorrido , las dos plantas son un dispositivo de propaganda
concentrados en un recorrido, finalmente eres expulsado del
edificio.
Casa Bloc, Barcelona, GATCPAC. 1932-39
Proporción entre la altura y la cantidad de espacio verde. Ejemplo
de arquitectura racional. A partir de los CIAM se empiezan a
establecer discusiones sobre el problema de la vivienda.
Con la revista AC intentaban concienciar a la sociedad del tipo de
arquitectura que se debía hacer, de los problemas de la
sobredensificación en el centro de Barcelona y la conciencia de
la necesidad de higienización.
Racionalización y estandarización de la arquitectura, pero no de la forma de vivir por ejemplo.

Le Corbusier: Villa Verte. Da referencias a la casa bloc. Casas en serie, espíritu nuevo, nuevas
herramientas adaptadas a esta nueva época. Nuevo espíritu racionalista. Vivienda racional y
prudente, desprovista de ornamento. Contra la idea de la manzana cerrada, dos patios
abiertos que miran a la ciudad. Genera un discurso humano desde el interior de los patios de
manzana que estaban cerrados a la calle. Loos: si quieres ser moderno vive en un hotel,
ahora: vive en una casa bloc. Higiénica, moderna, económica, se construye para solucionar el
problema de la vivienda obrera. Es ideología pura. Iban a vivir por sorteo público las familias
de los constructores que la hacían y los obreros, los de las fábricas. En contra de la ciudad
jardín, la baja densidad es insostenible en una ciudad.
Walter Gropius: la forma sigue a la función. La Bauhaus. Vivienda en bloque.
Carta de Atenas. Lo económico, lo social… Debate entre lo individual y lo colectivo. La
máquina ha provocado perturbaciones en el comportamiento de los hombres. Se quiere
ordenar ese caos. Es imprescindible utilizar las nuevas tecnologías para conseguir ese orden.

El lenguaje que elige el grupo es el racionalismo. Principios morales del bienestar de las
masas, economía de medios, higiene… Tiene una carga social importante. Importancia de
crear escuelas, acabar con el analfabetismo. Texto de la república: el gobierno quiere conocer
las necesidades del pueblo y su realidad escolar, detectan el problema y quieren construir más
escuelas. Estos grupos se vuelcan en esta causa. Actuaban a modo de vanguardia
(exposiciones…). Elementos de difusión, hay que llegar a la prensa local.
Revistas AC. Son un manifiesto en su conjunto. En cada portada expresa una frase que
empieza a desengranar una ideología. Estética: collage, eslogan, tipografía… Elaboran los
muebles. Se meten en el tema de la pedagogía. Los problemas de la revolución. El manifiesto
del GATEPAC está contenido en estas revistas.

Vivienda obrera. Estructura mixta, acero laminado y bovedilla

cerámicas. Se aligera. El muro es de ladrillo que es solo
cerramiento. Fachada libre. Se usa por primer a vez aislante,
muro doble con cámara de aire y corcho. Célula que es un
dúplex con zona de día abajo y zona de día arriba. Orientado a
sur. Calificativo de casa barata, intenta ir en contra del paro
forzoso. Estructura laminar. Es un monumento moderno
Cuando llega Franco estaba a punto de acabarse. Franco
construye un bloque que lo cierra y que lo mutila y maltrata, el patio dejaba de ser abierto y
exterior. Es la vivienda social más grande de Europa. Sert y Torres Clave se van a ver las
Narkomfin de Rusia, y al volver se dan cuenta de que lo están haciendo bien.

TECTON
Highpoint I-II. 1933-38, Londres
Modern Architectural Theory. Henry Francis Mallgrave. Plantean un plan de remodelación de la
ciudad. Llega a Londres. Depresión, guerra y secuelas.
Benévolo habla de la formación del movimiento moderno en Europa entre las dos guerras
mundiales. El compromiso político y el conflicto con los regímenes autoritarios. Finlandia
grupo Tecton.

Kenneth Frampton. Constructivismo de la época. Edificios revestidos de acotaciones

teatrales. Dicen que durante los tres años que separan los dos edificios han llegado a las
conclusiones diferentes de qué necesita la arquitectura
Dos edificios.
• Highpoint I: Núcleo central de comunicaciones. Bloque cruzado por dos alas. Voluntad
racionalista. Apunta a un objetivo claro, vivienda racional, funcional. (Como la de Sert).
Dos tipos de bloque: las alas cortas y las alas largas. Manifiesto avant la fenetre.
• Higpoint II: Porche. Cariátides. Es la manera que tienen de llegar al movimiento
moderno, pasa de tener las plantas de Luitkiens. Las cariátides son el punto de fuga.
Es como pasar de la estática Roma a la creativa Grecia. De lo racional a lo irracional.
Londres no tiene movimiento moderno. El movimiento moderno llega a los sitios pero
incorpora los discursos, y a veces los discursos chirrían y hay cosas que hay que
interpretar, en este caso las cariátides.
28.03.2017
MIES VAN DER ROHE (II) EN LOS ESTADOS UNIDOS
Nuevos prototipos para una ciudad sin atributos

Caos
1. Orden (uso de la tecnología)
2. Silencio (lenguaje del orden)
3. Belleza (forma de la verdad)
Clásico (Schinkel)
• Forma legible
• Normas proyectuales

Nuevos eventos que influyen en la arquitectura:

Cambian las condiciones generales, las culturales, el contexto, y también las posiciones
arquitectónicas de algunos personajes de la primera parte del programa (maestros de la
arquitectura moderna).
Elemento de separación de la primera parte y la segunda= 2 GM (1939-1945).
Aunque previamente hay una serie de fenómenos políticos que marcan el curso de la historia
(y de la arquitectura)= las dictaduras (italiana en el 22, la alemana (nacismo) y la rusa
(stalinismo) en los años 30)= periodo que se decanta hacia los años 30. Estas marcaran de una
forma potente el curso de la historia de la arquitectura. Cuando el nacismo se hace con el
poder en el 33, de una manera bastante inmediata, provoca emigración de tipo política
sobretodo. Provoca que muchísimos intelectuales, artistas y arquitectos se van hacia otros
territorios mas serenos.

En parte, sucede con Mies. En su biografía nos damos cuenta de que en el 37 se traslada a
EEUU, y a diferencia de otros autores que se tuvieron que ir de manera precipitada, el no pasó
por este trance (estuvo del 33 al 38, no tenia problemas ni peligro de vida que le hicieran irse).
Motivo emigración= económico. Se traslada porque en los últimos años 30, tenia muy poco
trabajo (o ninguno); se presenta en algunos concursos y no sale bien. No tenia ocasiones de
trabajo ni encargos en Alemania.
Recibe una oferta para llevar el instituto de tecnología de Chicago (en el 38), para ser el
decano; un encargo académico y constructivo.
Su emigración es una elección obligada de emergencia económica, para nada política.

Mies Van Der Rohe en la época americana. Marcado por la realidad americana. Que va a
producir? Se da cuenta de que la situación es dominada por un principio de caos (realidad
caótica).
• Busca el orden mediante el uso de la tecnología. Aunque para el la tecnología es una
prioridad no serán proyectos high tech.
• Lenguaje del orden= lenguaje silencioso (menos es mas). Razón por la cual, Mies es
uno de los padres del minimalismo, el lenguaje expresado por la arquitectura de Mies
es un lenguaje que se reduce a los mínimos términos, expresa mucho con menos (falta
retórica, barroquismo, exceso verbal) -> nos acercamos a la metáfora del silencio
(barroquismo habla demasiado, mucho= incontinencia verbal= arquitectura del exceso).
• Persecución de la belleza: no la belleza monumental, sino el momento en el que
llegamos a definir formalmente lo que es la verdad de una arquitectura.
Concepto que recurre en la propia lógica de Mies= estructura (ligamen entre la verdad en la
arquitectura y el concepto de una estructura). La estructura de una arquitectura es la verdad, y
es la propia estructura que define la forma. Estructura= armazón tecnológico= estructura
formal, compositiva.
Elaboración peculiar que culminara Mies en los años norteamericanos.

Se dice muchas veces que es el mas atrevido arquitecto moderno, y se habla de que al fin y al
cabo es también un arquitecto clásico. Además se citará mucho que su maestro es Schinkel
(Arquitecto clasicista alemán del s. XVIII). Moderno pero marcado por el clásico.
Idea de clásico no como algo de lenguaje decorativo (columnas, pilastras…), sino que hace:
• Forma legible= con estructura muy clara: cuando se mira una fachada se entiende
perfectamente su estructura real= se expresa de una manera muy transparente. Forma
clave, legible… la geometría tiene su peso.
• Existencia de unas normas proyectuales= su proceder arquitectónico esta proyectado
por unas normas que se consideran. No aplicación caprichosa.
Arquitectura moderna y arquitectura clásica= lenguaje distinto. Mies tiene una idea de lo
clásico, una actitud clásica, que no tiene que ver con el lenguaje. Aquí comparamos una idea
de modernidad (transformación radical del lenguaje) frente una permanencia de una serie de
valores clásicos.
Síntesis arquitectónica, trabaja con conceptos que provienen de la mística germana, de sus
lecturas donde palabras como orden, silencio y belleza se articulan a través del uso, de la
tecnología. El orden viene dictado por el uso de la tecnología (tecnología: aquello que toma
como herencia la tradición norteamericana y las nuevas oportunidades que brinda este
continente).

Casa Gericke, Berlín 1932: casas (años 30) que entra en crisis= destrucción de la caja.

Bauhauss, Dessau (1933). Llegada del nacismo. La Bauhauss se traslada de Dessau a Berlín
(siendo director Mies). Con su dirección se cerrara la Bauhauss, los nazis imponen cerrar una
escuela que no tenia nada que ver con la idea de cultura de los nazis, con características de
difusión de arte y arquitectura moderna.
Mientras tanto, Mies parece retraerse respecto al optimismo paisajístico (casa de ladrillo...) y
hace proyectos que recuperan una idea de casa patio (1934-35)= contradicción con lo
anterior, ya que la casa patio es la idea de recinto.
Mies utilizara la técnica del collage para ilustrar sus proyectos= cuando da el salto a EEUU,
esta técnica de representación visual (artística= acercamiento a la vanguardia).
Intenta una idea de pabellón alemán para la exposición de Bruselas (añade símbolos nazis=
representación del régimen). Tiene que asumir quien son los nuevos potentes, los que tienen el
poder.

1938. Traslado definitivo a Chicago, EEUU. Es interesante, como se ha comentado, que era
director del IIT (Illinois Institute of Technology). Toma posesión y hace el discurso inaugural a
los estudiantes y profesores de este centro universitario (uno de los únicos textos que
tenemos, no era demasiado político, no era muy dado a discusiones ni textos escritos como
Le Corbusier o Wright).
“El arte de construir se arraiga en sus formalizaciones mas sencillas, pero asciende hasta el
lugar mas alto espiritual….Partimos de lo utilitario, de lo funcional, pero intentemos sublimar
este lado práctico para llegar al anhelo espiritual”.
Otro discurso para el mismo público que aclara lo espiritual: “la tecnología esta arraigada del
pasado, domina el presente y tiende al futuro. Es mucho mas que un método, es un mundo en
si mismo. Es algo en si mismo que tiene una forma significante y poderosa, de hecho tan
poderosa que no es fácil nombrarla. Es aún tecnología o es arquitectura? Espero que
comprendan que la arquitectura es el verdadero campo de batalla del espíritu, es la lenta
presentación de su forma. Por eso tecnología y arquitectura están tan estrechamente ligadas”.
Reconoce como principal capitulo expresivo la tecnología (diferencia hightech y la tecnología
miesiana). No tecnología como fin sino como medio, como instrumento. Medio para algo
mas elevado, una presencia espiritual a la que aspira Mies. Medio mas adecuado para reflejar
el espíritu del tiempo = el tiempo cambia y por eso cambia la arquitectura.

Distinguir entre etapas de Mies:

1. Primera parte: estructura dinámica que permite articular un espacio fluido, expositivo,
donde los paramentos interiores se exhiben a modo de exposición (como la seda y el
terciopelo en el recinto expo Berlín 1927) mediante los pilares (4 perfiles en forma de L)
2. Segunda etapa: estos pilares saltan, se constriñen a otro tipo de estructura, ahora Mies
intenta definir en volumen, confinarlo, cerrarlo, aislarse. Para hacerlo la estructura que
utiliza es el pilar en doble T, formando unas direccionalidades claras y marcadas. La
estructura ya en sí confina y delimita los planos.
Mientras en la 1ª etapa hablamos del espacio como vertebrador de sensaciones espaciales
multidireccionales, en la 2ª etapa hablamos de una arquitectura templaria, con unas reglas de
juego muy estrictas y marcadas.

Proyecto de la Resor house, 1939. No se construye. Palacio paradisíaco. Se trata de construir

una ampliación de una finca. Idea= realizar una casa puente entre las dos orillas. Plantea una
transparencia completa de la casa (podemos traspasar con la mirada los paneles acristalados
que encuentran solo unos momentos de parcial tropiezo
Collage: Mezcla recortes, paisaje del contexto… Relación con el exterior completamente
visual= otro protagonista de la modernidad, Le Corbusier. Realiza perspectivas en el que el
paisaje de los alrededores es tratado como collage, como cartel. Relación visual.
Trata dos puntos clave: el entorno y la naturaleza. Mies
niega la propia tectónica de la arquitectura, plantea que
haya solo un suelo y un techo y unos elementos
verticales que sustentan esta losa. La arquitectura
despejada de cualquier cosa que no sea esta
manifestación de la triada.

Concert Hall Project. 1941-1942: proyecto decisivo para

entender por donde se va a mover la arquitectura de
Mies estos años. Estamos en un pabellón industrial de
un ingeniero americano absolutamente importante
(Albert Kahn) que forma parte de esta cultura ingenieril
del 20, que será muy apreciada por los arquitectos
contemporáneos porque es una arquitectura
ingenieril= ingeniero capaz de diseñar nuevos espacios con estructuras novedosas (cerchas
metálicas) que vacían las plantas bajas para sus usos, soluciones muy funcionales que
permiten uso libre para la planta baja.
Referencias al arte europeo, referencia entre lo contenido y el contenedor. Realidad dentro de
un interior.
Mies propone una sala publica (de asambleas, conciertos..), recuperando el espacio ya
existente del pabellón construido por Albert Kan.
Caja exterior que no tocara, donde en su interior pondrá compartimentaciones (paneles que
flotan, neoplasticistas). Preponderancia de superficies que dominan el espacio y lo definirán.
ACEPTO la caja. Proyecto que dentro de su minimalismo de ideas es decisivo:
1. Acepto la caja
2. La tecnología es la que determina la existencia del volumen
3. Todo esta en la capacidad de luego articular el espacio dentro de la caja (Antes todo
fuera de la caja).
Museum for a small city Project 1943. Establecer el museo como sitio de ocio, no como
encierro. Collage= presenta el proyecto. Usa el collage para explicar que la arquitectura casi
ha desaparecido y aparecen dos esculturas de su artista favorito. Imágenes sugestivas del
desorden de la naturaleza que contraponen con el orden de las naturalezas muertas y en
medio el Guernica (guiño, denuncia el arma desde América de lo que esta ocurriendo en
Europa). Escultura goza de libertad espacial porque la planta le cede espacio. Edificio con
amplia planta= libertad. Todo nos remite a algo verdadero= bello.
Solo 3 elementos básicos, losa del suelo, columnas y techo.
• Completa flexibilidad
• Estructura= malla de acero (uso tecnología).
• Caja que se puede elevar a partir de 3 elementos (losa
de suelo, columnas de acero y placa del techo.

Illinois Institute of Technology (IIT) 1938-58. Facultad

Chicago: Elección definitiva del plano. Caos de facultad=
frente a la malla irregular de Chicago. Plataforma marcada
que levanta del suelo; el pódium que marca una distancia que
permite destacar el campus del caos que le rodea. Suelo
ideal, poéticos donde se disponen una serie de edificios
ordenados, sistema compositivo clásico generando orden,
silencio y belleza frente al desorden, el griterío y su fealdad
(alrededor).
Encontramos el neoplasticismo de las laminas neoplasticistas de la sala de conciertos que
articulaban el espacio. Ahora se han convertido en pastillas, en bloques. Que configuran el
espacio de todo el campus. A partir del elementarismo volumétrico.
Delante de la biblioteca crea un espacio de plaza natural que entra dentro del edificio. Como la
naturaleza entra en la arquitectura= relación con el verde. La biblioteca esta dividida por 8
módulos longitudinales y 12 transversales (al final son 13, lo que cambia).

Crown Hall 1950-56: estamos experimentando en el campus de la IIT la idea de caja.

Elementos básicos= losa de suelo, columnas que se han
trasladado fuera de la envolvente (pórticos de los que cuelga
el edificio) y la placa de cubierta= escuela de arquitectura de
la IIT. Paradigma del trabajo sobre la caja transparente con
estructura metálica= paradigma arquitectura.
La esquina vuela con dos módulos, la estructura son 4
cerchas que definen el edificio, dos niveles (el superior y el sótano iluminado por la cercha).
Elemento de distribución central. Uso de la tecnología que impone el orden. Pórticos de los
que se suspende la estructura secundaria. 8 pilares de doble T salen al exterior. Continuidad
en un eje.

Casa Farnsworth. Illinois 1945.

• Primera etapa: espacio más regulado, pabellones. Geometría sencilla. Inducir a un
determinado uso del espacio en cuanto a su dirección.
• Segunda etapa: cajas de cristal. Influenciado por el neoplasticismo. Mies le da un orden
a esta arquitectura, utiliza la tecnología no como un fin sino como un medio. Orden
dentro del caos, construir un objetivo principal, arquitectura silenciosa. Lo orden y lo
sencillo dan forma a la belleza. Visuales de la ventana: tierra, agua, cielo con
vegetación.
Importancia del entorno: Tonos neutros en los interiores porque fuera tiene todos los demás
colores posibles, en la naturaleza. Se sitúa cerca del río -> requiere elevar la casa. Elevada, en
un terreno inundable, salva casi 2m.
Interior: Diseñó el interior con los muebles. Núcleo central que no toque las paredes exteriores:
planta variable exige elementos cerrados.
-­‐ Caja, hay como un propileo, el templo… espacios interiores diáfanos. Casa que no se
entiende sin la naturaleza, sin el solar.
-­‐ Contenedor espacial. Estructura vista, se ve lo que sostiene los elementos de la casa, y
dentro se crea un volumen. Volumen dibujado dentro de la estructura, los pilares no
están en la esquina. Marca una diferencia entre los planos horizontales (cubierta y
suelo).
“I’ve always wanted to express a building as it really is, I don’t want to hide its construction”
- Planos libres, necesarios para una estructura clara. Permiten una comunicación fluida y una
vista 360º del sitio.
- Esquina en forma de L: idea que se ve en otras de sus obras como el pabellón o el Crown
Hall.
- 3 elementos: plataforma de la entrada y de la casa unidos por un
eje de circulación, las escaleras y que no están alineados. 3r
elemento es la casa donde hay dos ejes de simetrías. Asimetría
en el núcleo central, no está exactamente en el centro.
-Relación con la naturaleza: no perturbarla y utilizarla para la casa
como por ejemplo el árbol. La naturaleza juega un papel y tiene
más importancia que si la casa no estuviera. Adquiere un
significado más profundo.
-Pequeño juego, perversión de sacar las columnas hacia fuera, es
anti estructural, opuesto a la estructura Dom-Ino. Remarca y
refuerza la tectónica de la casa.
Philip Joshon, Glass House, está inspirada en la de Mies. Una quiere destacar, la otra
desaparecer, una es simétrica y la otra no, una está elevada y la otra no, en un caso la esquina
vuela y en la otra está rematada con la estructura, una tiene una estructura de ladrillo con los
servicios dentro que rompe la cubierta e intenta generar un ente cerrado en sí mismo, mientras
la otra es un discurso de planos. En la de Mies solo puedes mirar a tres de las direcciones
desde el interior, en la otra puedes ver todos.

Neue National Gallery Berlin 1962-68, Mies

- 4 columnas en forma de cruz que se colocan
tangenciales al perímetro de una gran losa de
acero.
- Templo roto en dos, con esas dualidades
constantes, entrar de forma lateral (volver al
origen de la tragedia, los templos griegos nunca
se ven de frente). Momento de mirar y encararte. Columnas dóricas del Partenón tienen éntasis
(cambio de sección de la base al entablamento, son 8 columnas) Mies hace lo mismo. Por
dentro el artesonado.

Seagram building: como resuelve la esquina. Construye una plaza, algo que no era tradicional
entre los americanos. Sube en altura y luego se retranquea.
Enfrente de Lever House NY 1950-52. Parte corta hacia Park Avenue, parte larga enfrentada y
prisma que recoge en planta baja la gente de la calle.
Park Avenue Project: por donde pasan las vías del tren, es la cubrición de todas las vías que
llegaban a la estación central, es muy difícil situar un edificio encima de Park Avenue. ¿Cómo lo
hace Mies con el Seagram Building? Divide la parcela en 3: 1/3 para entregarme con la
medianera, otro para la ciudad y otro para el edifico. Lo hizo gracias a Phillip Johnson.
Edificio neoclásico con otro edificio neoclásico delante. Ritmos clásicos 3-5, discurso urbano,
visiones cruzadas.
Mies quería que el edificio tuviese el mismo color que el Seagram’s, la bebida.
Estructura en fachada que explica el montaje. Montar un muro cortina en un rascacielos debe
ser por módulos. Acabado en cobre (hizo la maqueta en cobre). Acero, recubierto de hormigón,
perfilería que recuerda al acero, y acabado en bronce.
Une los dos conceptos de la arquitectura del milenio: gótico + clásico. Pieza elegante con
características de ambas. Construcción austera mediante materiales suntuosos: acero y vidrio.
Encontramos más elementos clásicos: simetría clara, plaza que podría funcionar como el altar
del templo, con tres escalones. Es un espacio cerrado en un espacio infinito (NY) es un espacio
leíble y lo subleva en un pedestal. Es como una columna clásica, como hacía Sullivan.
Estructura de acero, por temas de resistencia al fuego lo recubre de hormigón, pero le
sobrepone una capa de acero. Puerta rotatoria que se
alinea con la verticalidad de la logia del edificio de
enfrente.
Robert Smithson: fotografía el Segram Builiding y
enfoca la parte de atrás. Avenue Park: corredor de
torres. Critica la forma de hacer ciudad de Mies. Se
funde y elogia la manera de hacer americana, dice
que lo que es moderno es alinear el edifico a la calle
como en el Rockefeler Center, y la vida (plaza)
detrás.

Edificio de las Naciones Unidas en Nueva york. O. Niemeyer. Edificio hormigón con un gran
despliege con el tema de acristalamiento de las fachadas. Es como una pastilla en altura (idea
de la lámina, la pastilla, no como una torre).
SOM, Lever House, NY 1950-1953. Construcción metálica= opción miesiana. Variara en el
caso de Mies la relación entre la torre y el suelo. Pastilla horizontal= que hace de transición
entre la calle y las oficinas. El uso se concentra ahí.

Lake Shore Drive Apartemnts de Mies= rascacielos

contemporáneo. Se referenciará en los anteriores. El segundo=
relación al algo. Pastillas reconocibles por un núcleo de
estructura, de servicio y una definición estructural absolutamente
contundente de cara a lo que es la tectónica del edificio y a la
forma (la estructura)= malla metálica hundida en el cemento por
razones de antiincendios. Énfasis estructural que tendrá reflejo
en la construcción final de la forma.
Carpintería metálica que se aplica en los exteriores cita la
estructura adyacente.
Máxima modularidad, regularidad de la imagen. Determinado por
la estructura y la carpintería correspondiente. La articulación de las cortinas= dan la vida=
variación cromática.
Como trata el espacio de planta baja? Respecto del lago la articulación octogonal, a través de
una conexión en planta baja intenta hacer un espacio publico de verde, de relaciones físico-
visuales.
Sensación de vida, de existencia. Normalmente las torres de estructuras metálicas eran torres
destinadas a oficinas (con este lenguaje).
El tema de la tecnología de los materiales es capital para Mies, aunque lo importante es su
uso, para que sirven (énfasis tecnológico, material)
Citas de Mies Van der Rohe:
“Los nuevos materiales por ellos mismos no constatan ninguna superioridad, el valor de ellos
depende de lo que hagamos con ellos. Tenemos que conocerlos, analizarlos. Queremos
conocerlos en su esencia, lo que pueden ser, lo que no pueden hacer…”. Campus IIT campo
de ensayo entre tochos y estructura metálica.
“Uso radical de los materiales. Puntos: orden, espacio y proporción.”
“La estructura determina la forma, y es la propia forma. Ahí donde una estructura verdadera
encuentra un contenido verdadero surgen las grandes obras”.
“No quiero cambiar los tiempos. No quería cambiar los tiempos. Quería expresar los tiempos,
ese era todo mi objetivo. Yo no quería cambiar nada”.
“He intentado hacer arquitectura para una sociedad tecnológica, quería lograr una arquitectura
que cualquiera pueda hacer. Algunos dicen que mi arquitectura es fría, pero es ridículo. La
arquitectura no puede ser fría, pero si aburrida, y lo que yo veo me aburre, carece de lógica y
de lo racional.”

MIES VAN DER ROHE (II) EN LOS ESTADOS UNIDOS.

Illinois Campus (IIT) ǀ Chicago, Ludwig Mies van der Rohe (1938-58)
Farnswoth House ǀ Chicago, Ludwig Mies van der Rohe (1947)
Seagram Building | Nueva York, Ludwig Mies van der Rohe (1954-58)
 

Mies no es minimalista. Estructura retórica.

El no copia, interpreta, es una lectura.
1. Zona de delincuencia para reactivar. Caos de lo que le rodea= ciudad sin atributos, sin
orden. Quería separarse de lo que le rodeaba. Hace una malla totalmente cuadrada y a
partir de allí ira creando los edificios rectangulares.
Crown hall: proporción 5:3. Juega con el modulo (3-5-8-2-3-5…) armónicos. Esta
haciendo una medida perfecta y clásica, proporciones dictadas por la lógica del
clasicismo. Planta libre. Lo único que hay son las instalaciones y las escaleras. La
planta principal de los talleres la eleva. Dualidad= pabellón Barcelona. Abajo cerrado,
los servicios.
Como hace la esquina= rompe la lógica de colocar la estructura de la esquina.
Todo es técnica. La tecnología ordena.
Retórica de la cantonada= altres museum de Schinkel. Tanto en la proporción de la
planta como en la esquina hay un intento de engañar al espectador. Así hace ver que el
edificio esta apoyado por les esquinas únicamente, cuando en verdad es un muro.
Mies lo que querrá hacer es romperla.
Escuela de arquitectura= como acceder a edificios que están levitando?
Teoríca -práctica= movimiento circular neoplatónico (arriba se fan les clases de taller y
abajo las clases teóricas.

2. Engañosas transparencias (muy buen libro). Buscaba arquitectura pura.

Altura 1,6 (esta elevada), no lo parece que sea tanta.
Armazón blanco que hace que las transparencias no se vean= contrastes de los
materiales.
Martin Heidegger “Construir, habitar, pensar”= escrit. “Somos humanos, en la tierra,
bajo el cielo, ante lo divino”.
Desde la casa la naturaleza adquiere un sentido superior.
3. Rascacielos europeo. EEUU había definido la zooning law. Manhatan tiene que
retranquearse, ocupar el máximo volumen en planta i a medida que vas subiendo,
perder volumen y densidad para permitir que entre la luz a las calles. Mies hace todo lo
contrario: base= la planta libre+ fust+ capitel.
Retira el edificio y regala una plaza (en Manhattan no hay plazas)= estrategia europea.
Alarga la plaza al edificio, y el edificio tambien se alarga con un voladizo que rompe.
Hace un podio, per alejarse del caos de la ciudad y construir un espacio ideal de
calma.
Importancia de los materiales: estructura metálica con revestimiento de hormigón (por
el fuego) y lo vuelve a recubrir de bronce (rascacielos de bronce), un material noble.
Vidrio tintado que consigue que la luz sea difusa e intensa.
Relación con el entorno.
Relación con la lógica del edificio de delante (despacho arquitectos).
Relación también con la leber hause de SOM (Skidmor, Owings and Merill).
30.03.2017
ALVAR AALTO (1898-1976)
La utopía afable de un lenguaje “organicista”

-Arquitectura menor maliana (1924)

“Arquitectura” en la “Arquitectura”= edificio como microcosmos
(“Exterior” hacia interior)
Actitud “empírica”
Bauhauss (Dessau) vs. Paimio (arquitectura de la percepción)
Principio del “Standard”- Sistemas biológicos
1. 1923-27 “eclecticismo”
2. 1927-34 “Funcionalismo “
3. 1949 Fase “Aaltiana”

Nos estamos orientando hacia una fase que corresponde a la segunda parte del programa,
posterior a la 2GM= el momento de la reconstrucción.
La 2GM fue una fase catastrófica, una fase de destrucción de las almas, de los espíritus… Una
tragedia. Con sus consecuencias desde un punto de vista físico y psíquico.
Aalto es un maestro representativo de esta segunda parte, de este momento histórico, que es
la posguerra. Hay que construir nuevos parámetros, no solo ciudades. Hay que construir
nuevos valores, cultura, actitudes. Alvar Aalto emergerá como maestro esencial.
Los otros (Le Corbusier, Wright, Mies, Gropius) siguen activos y de manera protagonista, pero
de manera referencial será antes Aalto.
Lo etiquetan o lo reconocen en los manuales de historia de arte como el arquitecto que
introduce, casi de manera prepotente, la arquitectura orgánica en la práctica arquitectónica
(aunque ya la habíamos visto en Wright -el árbol, el suelo, el lugar, la NATURALEZA- y
Sullivan).

Mientras Wright define arquitectura orgánica des de la naturaleza, Alvar Aalto hará algo
parecido. En el momento en el que empieza a trabajar (arquitectónicamente hablando), muy
pronto, tiene una fase de evolución, de progreso, no empieza des del principio a hacer
arquitectura orgánica.
Cual es la versión que da Aalto de la arquitectura orgánica?
Para la Europa de la reconstrucción se convertirá en más maestro que Wright, tendrá mucho
mas éxito en Europa, por razones históricas, de cronología (es mas joven cuando empieza a
representar la arquitectura orgánica), y además Wright es americana (otro continente, otra
cultura…) Alvar esta en Europa, donde tiene que reconstruir ciudades arrasadas por las
bombas de la 2GM.

1950 Historia de la arquitectura moderna. Bruno Zevi. Tiene una historia personal que marcara
su talante. Es hebreo perseguido por el fascismo de Italia y por el nacismo. Tiene que salirse
corriendo de Europa y se refugia en los EEUU perseguido por las leyes raciales. Este se forma
profesionalmente como historiador durante la estancia de EEUU, y es ahí donde escribe. En
esta historia de la arquitectura moderna Aalto será el gran maestro (es uno de los volúmenes
mas importantes, se transforma en biblia).
Será el historiador de la arquitectura, explica al mundo que la arquitectura moderna ya es
historia (todo lo explica en su libro) pero esta historia no tiene su origen en la arquitectura
moderna ni en los arts and crafts sino en el modernismo, el arte de Gaudí. La portada de su
libro es el banco del Parc Güell ondulado.
Promociona a Aalto como la incuestionable verdad.
Zevi lo elogia descaradamente. Defiende una nueva arquitectura democrática, ya que es una
historia muy marcada políticamente. Dice que tiene que servir la arquitectura para definir la
situación democrática de la posguerra.
Arquitectura democrática= arquitectura orgánica. Cual es el segundo paradigma
consecuente? Arquitectura racionalista= arquitectura no democrática (fascista).
Elogio descarado hacia Aalto, y si buscamos a un personaje como Terragni (mejor arquitecto
racionalista italiano de los años 30) prácticamente no sale ni mencionado= ESCÁNDALO.
Determinado por sus condiciones, lleva a hacer estas simplificaciones.
Principios por los que Zevi construye este mito:
1. Modestia en la comunicación. No es una arquitectura activa, ni monumental.
2. Tecnología del usuario. Elabora para cada caso un enfoque nuevo, dependiendo del
usuario real de la arquitectura
3. Esmero a los pormenores de la arquitectura
4. Adhesión a los procesos industriales, no niega la arquitectura
5. Libertad de la sintaxis cubista. Se ha liberado de la rigidez.
6. Nueva conciencia de los espacios interiores. Los racionalistas se habían detenido en la
indagación estereométrica (de fuera a dentro). Distinción entre enfoque funcionalista y
enfoque orgánico.
Arquitectura estereotipada de Alvar Aalto. Plantea los niveles distintos que plantea Aalto.

Quiere expresar lo finlandés, gran importancia de su lugar de nacimiento. “Genius Loci”= el

genio del lugar, el espíritu del lugar. Persigue en su arquitectura el genius loci (la arquitectura
del lugar).
En el año 24 realiza un viaje a Italia, y le servirá simplemente para asimilar una serie de
principios, una serie de motivos de inspiración que luego elabora, metamorfosea, metaboliza
para hacer su propia arquitectura.
Lo que mas le interesa es la arquitectura menor italiana. La arquitectura no monumental, la
arquitectura de las plazas, de los espacios públicos y de la vida social. Le interesa mucho mas
la vida en la calle (de los lugares mediterráneos, a diferencia de Finlandia). Le interesa la trama
de vida social y arquitectura que la cobija (impropio en la arquitectura del norte).

Se puede dividir en diferentes periodos:

1. 1923-27. Eclecticismo. Mezcla, no tiene lenguaje original, va mezclándose. Se debe
sobretodo a la tradición neoclásica de los países nórdicos (1as obras, parecen de
Alberti.
2. 1927-1934. Funcionalismo. Aalto ortodoxo. International Style, se debe a los padres, al
gran manifiesto de la Siedlungen y a la arquitectura internacional.
3. 1949. Posguerra, fase mas original, la “aaltiana”. Padre del organicismo, se da cuenta
que hay que evolucionar.

Principio del “Standard”= hay una norma, dice que el standard para un asiento sea que el
respaldo tenga determinadas características. El proceso de standarizacion es la definición de
una norma que regula un producto. Principio clave para la arquitectura funcionalista.
Aalto dice que le parece bien el standard (no hace falta que cada vez nos inventemos las
puertas o las sillas, pero dice que quiere aplicar algo importante, tenemos que inspirarnos (el
elemento que es fuente del proceso de estandarización) tiene que ser los sistemas biológicos.
Que era antes lo que seria el punto o la génesis del standard, que desencadenaba el
concepto? LA MAQUINA. Ahora será la NATURALEZA.
La maquina, o la cadena de montaje nos hacia hablar de algo que se repetía muchas veces a
partir de un prototipo. Es el punto de arranque de el principio de estandarización. Ahora Aalto
dirá que quiere que sea la naturaleza.
Giedion. Space, Time and Architectura 1949. La arquitectura de Alvar Aalto se inspira
directamente en la naturaleza finlandesa.
Las líneas de la naturaleza sinuosas, de las múltiples bahías entre los ríos, los lagos… la
presencia aquea del paisaje es lo que de alguna forma inspira las líneas curvas de Aalto= dato
que necesita ser explorado, analizado mas a fondo.

Jyvaskyla workers club Alvar Aalto 1924, Finlandia

1ª obra importante de Alvar Aalto. Pasado
neoclásico de la tradición nórdica.
Contenedor hermético, compacto en el que se
inscribe un espacio central redondo que
corresponde a la proyección en planta baja de la
platea del auditorio. Tremendamente clásico, finito, eje de simetría, intercolumnio en planta baja
que marca un ritmo constante.

Biblioteca de Viipuri 1927-1935. Proyecto capital en la propia mentalidad arquitectónica de

Aalto. El proyecto que presentara en el concurso será un edificio de referencia Asplundiana,
una arquitectura bastante clasicista (es como un palacio, con lógica de palacio, con friso
escultórico que quiere dotar de nobleza el edificio, con una secuencia regular de ventanas, una
puerta monumental… La única característica un poco disonante es que esta fuera del eje de
simetría (la puerta). A parte de esta no hay ninguna novedad.
Sin embargo el proyecto evoluciona. Croquis que determinan la evolución proyectual.
Articulo de “la trucha y el torrente de montaña”, publicado en una revista muy importante
(Domus): mediante croquis y dibujos al azar surgirá el proyecto (queda en la cima de la
construcción el punto de control= montaña con diferentes niveles donde hay un punto mas
alto, donde tendrá una relación con la iluminación natural. Mis
dibujos infantiles estaban indirectamente conectados con mi
pensamiento arquitectónico. La naturaleza es la fuente, el sistema
biológico. “ la arquitectura y sus detalles pertenecen de algún
modo a la biología”.

Proyecto final= dos elementos volumétricamente bastante marcados (sala de lectura y

almacén de libros que se le une un espacio de servicio), que además evocan la composición
cruciforme de la iglesia de al lado. La claridad es percebible en las plantas superiores, porque
en la planta baja existe una conexión ortogonal de los dos volúmenes que se deslizan. Sistema
de acceso penetra y perfora los dos volúmenes. Evocan la planta cruciforme de la planta en
cruz de la catedral de Viipuri. Coloca la entrada en la intersección
de los volúmenes; dos crujías muy juntas, tensas. El edificio se
desliza, confrontación, idea principal: crujías demasiado parecidas
y juntas.
Hay un total acristalamiento del bloque de escaleras.
Superficies blancas y lucidos engranajes casi maquínicos de piezas
entre sí.
La construcción del acceso permite un elemento elevado que
conecta entre si las partes de la biblioteca. El punto mas alto,
donde hay la vigilancia (evoca al croquis que había hecho de la
montaña).
Elemento clave= iluminación natural, que coincide con la
iluminación artificial. Idea unas claraboyas que permiten la entrada
de luz cenital, natural y que también incorporaran focos. Atención
hacia el usuario, el lector. Evita sombras.
Auditorio de conferencias: presenta una peculiar solución de revestimiento de forjado= una
superficie ondulada (perfiles lagos Finlandia, curvas orgánicas de la naturaleza…) en realidad
la forma no prescinde de la función. Techo ondulado de lamas de madera= material mas
importante de Finlandia. Esta solución permite la mejor solución
acústica del interior de la salita. Lo que garantiza es que la acústica de
esta sala tiene que ser tal que se oiga perfectamente al que esta
dictando la clase, sino que cualquier usuario tiene que ser
perfectamente escuchado por el conferencial= democracia auditiva,
que será garantizada por la solución funcional y tecnológica. La forma
no prescinde de la función.

Sanatorio de Paimio. Fase de transición. “The Humanizing of

Architecture”. Funcionalismo de los exteriores, marcara diferencias en
los interiores.
-Exterior, una piel de movimiento moderno, International Style el
interior es Genius Loci, orgánico. Sanatorio que se implanta en medio
de la naturaleza, las piezas separadas las unas de las otras de forma
aparentemente aleatoria (como en la acrópolis, orden dentro del
desorden aparente).
- Integran el paisaje sagrado, la montaña que ha de curar a esta gente
enferma. Se dispone el edificio como unos dados que caen al azar
sobre una mesa. El proyecto se articula en función de la topografía,
desviándose de la ortogonalidad. Se distribuye en alas. Los volúmenes
configuran la entrada del edificio.
“No era la racionalización en sí misma lo erróneo del primer período,
ahora concluido de la arquitectura moderna.” Pasa de proyectar de
manera más funcional a tener más en cuenta la persona.
- Recorrido, diferentes bandas programáticas: administración, cocinas,
garaje y habitaciones. Funcionan como una máquina perfecta.
- Visto desde fuera es una estética fabril y abstracta del movimiento
moderno. Balcones con la misma estética de la Bauhaus, barandilla
que proyecta sobras… funciona como un principio de agregación
mecánica.
- Célula mínima, la habitación del enfermo que se repite hasta
desdoblarse en unas bandejas que generan un solárium en altura para
los enfermos, la tuberculosis se cura a través de los baños de sol.
- El enfermo se pasa mucho tiempo mirando al techo y por ello se pinta
de un color más oscuro para relajar la mirada del paciente, sin embargo
se deja blanco en el momento en que la lámpara arroja luz en el techo,
para que la luz se distribuya de forma difusa.

- Diseña hasta la inclinación de las picas para que no salpique el agua.

Concesiones constantes al usuario.

Habitación: pensada en horizontal. “El cuadro ordinario es un cuarto

para gente de pie, un cuarto para pacientes es un cuarto para gente
horizontal, y los colores, la iluminación, la calefacción y todos los
detalles deben estar diseñados con esto en mente”
También diseña la doble ventana, la pica para que no salpique el agua, que no haga ruido el
goteo… “asi mismo se considerá la posición del paciente para el emplazamiento de puertas y
ventanas, para evitar ruidos….”
Se llevan a cabo varios experimentos: la relación entre el individuo y su habitación y a la
protección del individuo de grandes grupos de personas y de la presión de la colectividad. Se
sitúa a unos km de la ciudad para favorecer la curación.
Mirada humanística de la arquitectura. El verdadero funcionalismo es desde el punto de vista
humano.
“La humanización de la arquitectura” 1940 Alvar Aalto, en Architectural Review. Se plantea que
las cosas tienen que cambiar. El hombre tiene que situarse en el centro. La presencia del
hombre es escala y canon de la arquitectura, sin ella no se entiende. En el sanatorio, las chaise
longue son el hombre hecho mobiliario, ellas son casi la propia presencia del hombre. Espacio
común a las habitaciones, el balcón que se convierte en solárium con las tumbonas de Aalto.
Cómo coser, empalmar dos alas con diferentes direcciones,
mediante la curva. En la sala de conferencias diseña otra silla. Una
silla que es madera moldeada, la madera permite trabajarse,
porque está viva. Entiende que una silla son dos laterales y una piel
continua.
Edificio ejemplo de hospital pero con un diseño humanizado, gira en
torno al paciente, combinando la tradición con las necesidades de la
sociedad moderna.
Alvar Aalto estuvo enfermo, varios meses en un hospital, usa su
experiencia como paciente para hacer el sanatorio. Quería que
desde la ventana se pudiese ver el bosque, que no fuesen ventanas
muy altas, para verlo tumbado. Quería recuperar la sensibilidad
hacia el usuario, el que va a disfrutar la arquitectura que hagamos.
3r momento: ORGANICISMO

Pabellón finlandés, exposición universal de Paris, 1937, Aalto. El pabellón alemán no se hace
sensible frente a los nuevos hallazgos de la arquitectura moderna. Aalto (siendo visto como
exponente de arquitectura no dictatorial, democrática). Hace una arquitectura que se aleja de
la rigidez y del absoluto descaro academicista. Arquitectura que plantea un tema que será muy
reiterado en la composición de Aalto. Se vera el principio de la cabeza y de la cola, de más
altura a menos. Intenta coser el edificio como si fuese un abanico, un punto que genera unas
radiales, principio y final. No es el típico edificio de jerarquía sino que estamos en una
complejidad narrativa.
Hace un volumen inicial que luego será ira haciendo mas pequeño= arquitectura menor
italiana. El patio no solo será una organización tipológica, sino un lugar de interacción social.
De que están hechos sus exteriores? Madera. Troncos de madera (tanto en el exterior como
en el interior). La característica del país no será el triunfalismo o el monumentalismo de los
alemanes. Sino los bosques finlandeses (arboles con troncos muy rectos, arquitectónicos).

Villa Mairea, 1937-1939. Casa de alto standing. Ensaya con una serie de
cuestiones arquitectónicas que permite apreciar el camino de la proyección
de Aalto.
La planimetría quiere evidenciar la característica manera de plantear los
diferentes materiales que aparecerán. Cultura tradicional y heterogénea (no
hay un único material).
Tipología= casa es una L.
Cabeza y cola, la cabeza se disloca en dos mitades. La planta no necesita
nada más, nos explica cuáles son los materiales que utiliza. Dibujar para entender. Escala a la
que dibuja la escalera 5:1, para saber exactamente cómo funciona todo. Trenzar los elementos,
bosque en la escalera.

Pabellón finlandés de la exposición de Nueva York. Architecture and

furniture MoMA, NY. 1938
La silla Paimio salta a la pared como si fuera el plano de un edificio, no hay
escala en el modernismo, escala 1:1. Una silla puede ser un edificio y un
edificio una silla. Fotografiado bajo la arquitectura pop.
Hace un pabellón en NY en la expo del 39. Es un pabellón donde la
curvatura es la misma que la de la silla paimio. Dinamismo dado por la
curva que tiene tres escalonamientos en vertical. Paneles verticales de
madera donde se explican los tres procesos de la industria de la madera
finlandesa, del boque a la fábrica a la tienda, lo explica en vertical.
Parece un bosque por el tipo de luz, la atmosfera, el conjunto de luces y
sombras… paneles: boque fábrica y producto. Diseña un jarrón

Sigfried Giedion: Space time and architecture 1942

Perfil de los lagos de Finlandia y masa boscosa, perfil del Finnish Pavilion y perfil del jarrón:
muestra que no hay escala en la obra de Alvar Aalto, si no hay escala hay manierismo, gesto, y
se pregunta ¿Dónde está el Genius Loci si al final para hacer un jarrón uso la forma del perfil de
un lago? Critica el exceso y las concesiones que la forma a veces lleva a la imaginación

M.I.T Baker House, Cambridge (Massachusssets) 1947-1948.

Pabellón finlandés expo NY: aurora boreal
Proyecto de una nueva residencia de estudiantes en un campus universitario muy clásico, tiene
muy en cuenta el emplazamiento.
“Durante las últimas décadas la arquitectura se ha comparado con la ciencia y se han hecho
métodos más científicos. Pero la arquitectura no es una ciencia” La Baker House siempre parte
de la parte humanista.
Sketches de análisis, varias formas hasta llegar al volumen final.

Ayuntamiento de Saynatsalo 1949-52 Proyecto que marca la diferencia en el camino de Alvar

Aalto. Esto ya indica el camino que llevara la proyeccción aaltiana (no hay que olvidar que
Aalto proviene de Finlandia, el estado del bienestar). Es un ayuntamiento realizado para un
pueblo de 3000 habitantes, es también un centro cívico, es decir, el corazón de este pueblo).
El edificio se coloca encima de una colina (elevado respecto del pueblo) + organiza un patio
(interior, externo, de uso relativo (por las condiciones climáticas).
Plan de urbanización, viviendas y la casa del pueblo que es el ayuntamiento que se sitúa en el
lugar más elevado. Como los templos. Funciona como una cabeza y una cola que se rompe en
dos. Juega con las alturas de manera magistral. Dos tipos de escalera en escorzo, de geografía
y de cristalizaciones, la orgánica y la representativa. En el nivel superior el edificio solo tiene
una planta aunque por fuera es más alto, para conservar la idea de humanización de la
arquitectura, con el patio en medio. Escaleras que marcan un desorden dentro del orden,
parecen el acceso a un santuario, unas gradas que son césped y madera,
arquitectura propia de Alvar Aalto.
-El edifico es un teatro, como el de Delfos por fuera es un edificio hermético
únicamente permeable en planta baja, desdoblado a la vida de la calle y
del patio gracias a la articulación de las secciones.
-Composición casi neoplástica de volúmenes, comparación con Theo van
Doesburg pero en ladrillo, con el MET, solo que aquí tiene lugar el Genius
Loci, recoge las necesidades el lugar y genera un mundo propio, es un
edificio que hay que ver en escorzo, es cuando descubrimos cómo se
aguanta, los juegos de volúmenes. Monumental y doméstico en el mismo
edifico, dominio de la escala, articula el discurso casa-ciudad ciudad-casa
lo representativo y lo doméstico.
Esta resuelto con un elemento más alto, es decir la cabeza, que será la
sala, el mini parlamento de este pueblo. El lenguaje que se realiza es un
lenguaje doméstico y una voluntad. No es algo que sea lejano al ciudadano
sino algo que sea de casa en el cual yo me sienta agusto.

Vuoksenniska, Finlandia 1955-58.

Iglesia en una época en la que hay un conflicto de pensamiento, ya no tienen un significado tan
religioso, han pasado a un lugar de reunión, Aalto se da cuenta e intenta volver a su verdadero
significado sin perder su nuevo uso, hacer una síntesis.
“Las iglesias no son ya iglesias”
Planta dividida en tres zonas, para poder reunir diferentes usos. En sección tiene tres partes
también en la cubierta, que responde a un estudio acústico.
DOBLE PIEL: forma interior y exterior, dos paredes, dos techos: esto es fundamental porque
además no se relacionan entre sí.
Iglesia en Finlandia. La iglesia es también un lugar social, la gente participa en actividades
sociales aunque no sea practicante. Aalto cree que antes la actividad estaba en torno a los
lugares públicos y religiosos, y ahora en lugares comerciales. Idea humanista detrás, sin el
ciudadano los edificios no funcionan. Hay que humanizar la esencia mecánica de los elementos
de construcción. Sacar el mejor provecho acústico, rítmico, etc. No somos capaces de construir
sin destruir, él quiere cambiar esto. Diseña el techo con la misma idea de la biblioteca.
Fachada de ladrillo, techo de cobre. Junta lo sagrado y lo profano, subdivide el espacio en 3
con paredes que se pueden correr, cada espacio es para 300 personas. Primera parte: uso
religioso, las otras dos más para obra social. Campanario dominado por el número 3. Hay 5
entradas. Pueden funcionar todas de manera independiente cuando el templo está dividido. La
puerta principal es la que está frente al altar. “Huesos” que hacen de cámara de aire y que
simulan ábsides. Hay una jerarquía dentro de una libertad, no es una imposición jerárquica, el
individuo decide como celebrar. Fachada más institucional: donde está la puerta, fachada más
doméstica: sur. Es como una capilla barroca, no sabemos por donde entra la luz. No vemos la
ventana, vemos el efecto de entrada de luz, la ventana es la estética fabril de fueraàdesdobla
las pieles.
Doble piel tanto en sección como en planta. Parece una fábrica en el exterior, las cruces serian
las chimeneas.
Centro de la ciudad en Sejnajoki 1952-1969.
Se especializara en construir edificios públicos. Intenta aplicar la cultura del espacio público
(inexistente en Finlandia) en la arquitectura de esos años. Intentara llevar desde fuera hacia
dentro la complejidad urbana, así que serán como microcosmos, como pequeñas ciudades.
Dificultad de relacionarse con el exterior y la ciudad; la relación entre las piezas es
incomprensible, no se entiende como pueden dialogar entre si.
Se convierten en pequeñas islas urbanas en la ciudad. Falta una idea de ciudad en la
arquitectura de Aalto.

Biblioteca en Sejnajoki 1963-1965. Desarrollo de la biblioteca de Vipurii. Ha entrado el segundo

edificio dentro del primero.
Biblioteca en Rovaniemi 1963-1968
Obra matérica = obras abstractas pero donde se evidencia el grosor. Casi táctil mas que
visuales. Cercanía con obras de arquitectura. Las manchas también tendrán cercanía.

Conclusión. La gran pregunta que plantea la investigación arquitectónica de Alvar Aalto es:
voluntad de superar el racionalismo, hacer arquitectura del bienestar donde la importancia la
tiene el usuario. Arquitectura de Aalto no tiene conciencia de las escalas. Usa la reiteración
formal que arriesga a ser funcionalismo. Al utilizar esta misma forma para diferente ocasiones
es como si no pensara en la escala.

Ruptura o posición antagónica, en verdad es más un discurso que una realidad.

En les cases de le Corbusier no salían persones, salían coches.
En les obras de la cúspide del orden moderno no tiene personas.
Aalto si que necesita al hombre para explicar el edificio.
4.04.2017
NEOEMPIRISMO; NEORREALISMO Y NUEVA MONUMENTALIDAD
Escandinavia, Italia, Brasil, tras la 2º guerra mundial.

CIAM en la posguerra:
- Proyecto espacio público
- Superación dogmatismos
- Relación entre las artes visuales.
5 puntos (1926):
- Ventana horizontal
- Pilotis circulares
- Techo jardín
- Planta libre
- Fachada libre
“Carta de Atenas” (1933-1942)
- Habitar
- Trabajar
- Circular
- Recrear

CIAM es una organización de la que ya hemos hablado porque como veremos en detalle es un
organismo internacional que se funda en el año 28.
Congreso internacional de arquitectura moderna. Se organizan cada 2 años. Son la
representación institucional de esta arquitectura moderna. Es uno de los pasos importantes
que se realizan para dar a conocer, para discutir y debatir.
Es el centro principal de intercambios donde se intenta hacer publicidad de este tema tan
confuso, tan ambiguo (arquitectura moderna). Es difícil identificar que representaría en
términos lingüísticos esta arquitectura. Hay un protagonista en estas ediciones indiscutible=
Le Corbusier. (Le Corbusier en el VI CIAM, Bridgewater 1947= fotografía)
Es el editor de estos congresos, el “jefe”.
5 puntos= especie de biblia de la arquitectura moderna. Talante dogmático= establece unas
normas. Protagonista absoluta en esta serie de congresos hasta las ediciones que
corresponden a la 2º parte (después 2GM), que va pasando a un segundo plano.
Algunos temas nuevos, novedosos de la posguerra= el tema del espacio público (no había
salido en los congresos anteriores), antes el tema era la vivienda el tema prioritario de atención
a la investigación. También se intentan superar los dogmatismos (mayores discusiones,
reformas…) y la arquitectura se abre hacia las otras artes.

Manifiesto 1943 firmado desde 3 disciplinas por Sert (arquitectura), Fernard Legerd (el tubista
colaborador con Le Corbusier; pintura) y Gidion (secretario, historiador del CIAM). Manifiesto=
Nueve puntos sobre la modernidad. Apelan a los valores simbólicos y temporales que se
encuentran en cualquier monumento. Monumento que se había perdido en la modernidad,
ahora se volverá a debatir, significa apelar a unos valores simbólicos y temporales. Evocación
de unos significados y unos tiempos, el monumento muestra el aura de la arquitectura,
connota, apela estos valores que han sido desterrados. En su manifiesto se hará hincapié la
relación entre las diferentes artes (arquitectura tiene que ser una disciplina mas permeable).
1. Los monumentos son hitos que el hombre ha creado como símbolo de sus ideales, sus
objetivo sus actos. Pretensión de sobrevivir al periodo que los engendro y constituirse
en herencia para generaciones futuras.
 2. La arquitectura es un puente entre pasado y futuro. Nuestros actos serán observados
por las siguientes generaciones y han de rendir cuentas con lo que ya hay y han hecho
otros arquitectos. El arquitecto tiene la tarea de construir este puente.
3. Los monumentos son la expresión de las necesidades culturales mas elevadas del
hombre
4. En los últimos 100 años se ha producido una devaluación del monumentalismo. Esto no
significa que no haya monumentos formales pero hay que superar la decadencia y el
uso erróneo del monumentalismo.

Carta de Atenas= dogmatismo moderno en el sector del urbanismo. Es el fruto del IV CIAM,
donde los catalanes tuvieron gran protagonismo (GATCPAC). Este se desarrolla en un crucero
por el mediterráneo durante 15 días, que hace itinerario entre Marsella y Atenas. Debaten,
discuten cruzando el Mediterráneo. Es un viaje que tendrá bastante importancia en los
desarrollos de la disciplina. Legerd estaba en el crucero y dio una conferencia.
Carta de Atenas en el 42 se publicará (el viaje había sido en el 33). Se publica en una época de
cambios.

Le Corbusier plantea que tenemos que sectorizar los temas. Aplicar lógica moderna= Le
Corbusier dice que para afrontar los problemas urbanísticos tenemos que plantear 4 temas:
- ciudad es un lugar donde hay viviendas (habitar),
- tenemos que tener en cuenta el trabajo (Espacios para el trabajo)
- Circulación (de vehículos, personas…)
- Ciudad donde encontrar espacios de recreación, ocio, tiempo libre.
Dogma urbanístico. Destinar diferentes zonas monotemáticas de intervención.
Paradigmas funcionalistas, donde lo que predomina es el foco en la función que lleva a una
compartimentación sectorizada.
En los CIAM de la posguerra, plantearan una crisis de este dogmatismo, y propende por una
teoría donde se anula la sectorización y se aspira a una fusión, un hibridismo entre las
diferentes funciones. Le Corbusier no durará mucho mas del VI CIAM.

Antes de la guerra:
1928 CIAM I. Declaración de principios (La Sarraz)
1929 CIAM II Vivienda (Frankfurt)
1930 CIAM III Barrio (Bruselas)
1933 CIAM IV Ciudad funcional (Atenas, crucero)
1937 CIAM V Vivienda y tiempo libre (París)

Después de la guerra:
1947 CIAM VI Reconstrucción de las ciudades (Bridgwater)
1949 CIAM VII Arquitectura como arte (Bérgamo)
1951 CIAM VIII (clave también) El corazón de la ciudad. Tema insólito, maltratado por la
arquitectura moderna. Son arquitectos de la periferia, ahora plantear el corazón de la ciudad,
que la arquitectura moderna se tiene que plantear la historia, el pasado es un cambio radical
(Hoddesdon)
1953 CIAM IX Hábitat. Es diferente decir hábitat que vivienda. Vivienda= cuantificación, como
función de residir que tiene que ser cuantificada, estandarizada; mientras hábitat no hablamos
de la función estricta de residir sino que hablamos de todo el contexto. (Aix-en-Provence)
1956 CIAM X Hábitat Humano (Dubrovnik) Último congreso en el que participa Le Corbusier,
donde deja la organización a los jóvenes que ya se habían movilizado (tipo los de la Secesión).
1959 CIAM I(o XI) Team ten= recoge la herencia de los CIAM. Ya no es CIAM; es otra cosa.
Disolución (Otterlo)
1966. CIAM II (Urbino).

Que sucede en el urbanismo de la segunda posguerra?

INGLATERRA= fenómenos importantes que tendrán influencia en Europa.
1942= hipótesis de planificación de Londres en 1942 de M. Fry & MARS. Funcionalista.
Desarrollo urbano= desarrollo lineal. La idea de desarrollo urbano es concebido como un
desarrollo monumental pero donde claramente lo que se percibe es la ausencia de una
jerarquía. No se hizo.
Se llevo a cabo como intervención urbanística y arquitectónica por Howard (con ideología de
la ciudad jardín). Ahora esto vertebra finalmente la idea urbanística de la posguerra.

“Greater London Plan” 1944 los diferentes anillos descentralizan la metrópolis, intentando
descentrificar el centro creando un cinturón verde. Este plan evita la densidad de la ciudad y
plantea la fundación de unas cuantas nuevas ciudades que hay que realizar a distancias
prudenciales (80 km) de Londres.
Las personas que ya no residen en el centro irán ahí= esponjamiento. Que comporta? Se
realizarán nuevas ciudades (new town) des de 0 que recogen la herencia, la tradición de la
ciudad jardín. Ahora estamos con el mismo principio, y se realizan nuevas (Stevenage 1946)
Que se reconocen por baja densidad casi en fila, con espacio privilegiado de jardín particular +
zonas verdes colectivas. Los centros representativos y comerciales son los que
aparentemente requieren mayor compromiso arquitectónico.
Planimétricamente, alude de forma radical todas aquellas pastillas rectas (sidelungen) de la
arquitectura moderna, donde domina la línea recta con perspectivas que pierden el punto de
fuga inabarcable en el fondo. Aquí estamos lejos de esta concepción urbana de bloques
alineados. Ahora ya no estarán alineadas, se generan unos espacios interiores mas
resguardados. Las newtowns se convierten en modelo de tipo urbano y de tipo arquitectónico.

The architectural review hace un articulo sobre un barrio en Rostamradet, Backstrom y

Reinius. “El entusiasmo por los experimentos estructurales esta ya superado y se nota una
vuelta al sentido común. Existe una conciencia de que los edificios están destinados a los que
los habitan, no a una simple teoría”. Modestia en el lenguaje utilizado, reconocimiento de los
materiales autóctonos, espacios mas recogidos y interacción con el entorno verde.

En estos episodios modernos, Bruno Zevi encuentra una vía salvación de la arquitectura
funcionalista en crisis, para poder lanzar una arquitectura de reconstrucción después de la
GM. El dice que las cajitas de los modernos parecen todas iguales y nunca forman una
narración unitaria. Dice que para evitar malentendidos, para no caer en categoría antihistórica
denominamos esta arquitectura orgánica mas que barroca. Esta (la arquitectura de Backstrom
y Reinius), es un ejemplo útil como testimonio de arquitectura orgánica.

Que sucede en ITALIA? Funcionan estos modelos que estamos identificando. Nos
encontramos la reconstrucción en la que tuvo papel decisivo los EEUU (plan Marshall), lucho
contra las dictaduras y libero el país de las formas totalitarias. La intervención militar de EEUU
siguió con una colonización económica= da ayudas, entre ellas a Italia= crean un mercado
europeo muy virgen para colocar sus productos.
Reconstrucción también física para volver a hacer habitable la sociedad masacrada por las
consecuencias de la 2GM. Protagonistas= Bruno Zevi (había escrito la historia de la
arquitectura moderna en EEUU)+ sus referentes (Wright).
Después de la 2GM hay importantes revistas con peso decisivo:
 -­‐ Metron. Zevi 1935 funda una asociación de arquitectos APAO= asociación para la
arquitectura orgánica. Es una defensa de una arquitectura moderna o funcionalista.
Este será el camino que emprende Zevi.
-­‐ Producto de la cultura orgánica es el "Manual del arquitecto” 1946. Justo después de
la 2GM. Parte de los detalles mas elementales para llegar a los temas de planificación
urbanística. También hay atención por las tecnologías constructivas. Es un especie de
síntesis de retraso tecnológico que vivía el país. Hay una referencia sobretodo a
productos y sistemas artesanales que se daban en el país en ese momento (retraso
industrialización).
Se detalla una decisión entre 2 capitales: Milán- Roma. Duplicidad.
Roma centro del poder administrativo. Milán ciudad más burguesa.

Roma M.Fiorentino- G. Perugini. Monumento a los mártires de las

“Fosse Ardeantine”. Roma, 1944-1951. Tema común= monumento
a las victimas de la 2GM. Estos dos edificios son símbolos de la
duplicidad. Los nazis alemanes detuvieron a 300 personas y los
llevaron al lugar donde se coloca el monumento y los mataron a
tiros.
Frente a cualquier retórica lingüística plantea la contundencia del
prisma en granito. Lápidas en el interior del prisma puro impactante. Como impactar? No a
través de sofisticaciones, sino a través de la potencia volumétrica, del impacto contundente,
hasta bruto.

Como responde en Milán BBPR? . Cultura moderna de los años anteriores. Volumen puro que
se ha vaciado, se ha vuelto en esqueleto, en trama, no en forma impositiva; de una escala más
reducida. Podríamos asumir que estamos frente a un esquema abstracto donde se evidencia
la geometría de las líneas (metálicas). Son dos maneras diferentes.
Nos emociona la pobreza de las líneas, y que en el interior hay una
urna con las cenizas de las victimas= referencia ideal que resulta
ser un residuo (antes en el interior del bloque teníamos todos los
nombres y apellidos de las victimas= más directo el impacto
emotivo; aquí estamos frente a una abstracción, no solo de la
forma sino también en el resorte emotivo, no tenemos nombre sino
alusión.

Barrio del Tiburtino, Roma. Mario Ridolfi+ Ludovico Quaroni 1949-54. Arquitectura
neorrealista.
Quaroni, Ludovico “il paese di barrochi”
Postguerra mediados SXX, destrucción del urbanismo de la
ciudad.
Muchas ciudades se amplían, en Italia se generan nuevos
barrios. Contexto en el que los recursos económicos son muy
escasos, los materiales por lo tanto deben ser baratos.
Rompe con la ortogonal generando retranqueos en los edificios.
Rechazo a la jerarquía. 700 viviendas en 17 edificaciones
diferentes, sin seguir ninguna jerarquía.
Este barrio se genera por el estado de ánimo que se vive en la
época, adaptado a la situación. Las calles se retiran de la calle, hacia el interior del edificio. Es
un barrio muy criticado que ha servido para estudiar el barrio a partir de la ciudad, del pueblo.
Término político: reacción. Un régimen reaccionario es un término que se utiliza para los
ultraconservadores que se oponen a cualquier cambio. Reacción es oposición al cambio.
Término ‘tradición’ es pariente cercano de reacción. La frase se refiere a que cuando
analizamos de lleno tradición y reacción no son lo mismo. Aquí está la clave. Ellos se oponen al
movimiento moderno racionalista, al international style. Se salen de la cuadricula, rompen,
generan transiciones, intentan hacer del barrio un pueblecito de montaña, tradicional. Había
mucha inmigración, la gente del campo se iba a la ciudad, este tipo de arquitectura con placitas,
retranqueos, techos inclinados, te recuerda a un pueblecito de montaña. Combinación de
tradición y oposición al movimiento racionalista.
El objetivo era alejarse de la academia y renovar la ciudad después de la guerra. Portada de La
experiencia de la arquitectura de Rogers. Dos pasos para hacer arquitectura: técnicas para
crear un lenguaje que sea real. Conceptos que parecen contradictorios: pasado y presente,
encadenados.

Barrio: La planta es muchos proyectos unidos en uno, mucha variedad tipológica. Quiere
recuperar la tradición cultural, neorrealismo, arquitectura por elementos. Monumentalidad, se
quiere ir a lo de antes de la guerra. Es el primero que intenta introducir un discurso de
urbanidad, la supervivencia. Barrio construido por necesidad. Hubo un momento en el que los
habitantes empezaron a decir que ellos mismos habían construido el barrio, casi
autoconstrucción. Barrio pensado de forma psicológica, va por encima de la forma. El objetivo
principal es racionalizar el habitar, lo social, al final adquiere un poder político-económico
debido a la situación que había en Roma. NEOREALISMO. Es el resultado de un estado de
ánimo. Sentimentalismo para escapar de la ciudad jardín. Un estado de ánimo no puede ser
la base de un trabajo. Hay vida en estos barrios. Dos tipologías de construcción:
1. Casas bajas. Paredes portantes de ladrillo (tradición)
2. Torres de hormigón armado, en la parte de arriba normalmente tenían un cielo raso y
ventilaban a los 4 vientos intentando dialogar con las antiguas construcciones de los
graneros.

Ina Casa. Hicieron varios barrios en roma.

Ridolfi es el arquitecto, publica un manual del arquitecto: dice que Italia está absolutamente
atrasada, no hay industria de la construcción. La arquitectura si quiere sobrevivir debe hacerlo a
través d-e materiales tradicionales, madera, ladrillo… Trabaja por elementos. (Ej: el elemento
ventana). Detalles constructivos a 1:1. El manual era también un manual político social, lo de
los materiales también es para dar trabajo.
Artículo de Casabella. Un estado de ánimo no puede ser la base de un trabajo. En el camino a
la ciudad nos hemos perdido en el pueblo.

Barrio La Martella. De Quaroni 1951-1954. Análogo al barrio Tiburtino. Zona súper degradada
y pobre. Se desarrolla alrededor de una colina que se había escavado unas cuevas donde la
mayoría de la población vivía. Alojaban también animales= condiciones de vida pésimas en el
sur de Italia. Operación de saneamiento con estudios sociológicos y financiación
norteamericana= años de ayudas para la mejoras de condiciones de vida. Finalmente se
decide expulsar a la gente de estas condiciones infrahumanas y construir a las afueras de la
ciudad unos barrios destinados a las familias que trabajaban en el sector de la agricultura.
Barrio la Martella es fruto de esta operación. Tenemos que construir unas casas aisladas,
dispersas en el terreno agrícola (como masías y granjas), tenemos que construir casas de
campo= Quaroni dice que no es planteamiento moderno o eficaz y propone una agrupación de
estas casas construyendo una especie de aldea con una serie de edificios públicos. Las casas
se agregan alrededor de los ejes, casas con pequeño trozo de tierra + establo.
Desde el punto de vista colectivo fue un fracaso (solo se construye la iglesia) y se plantea al
final de cada calle colectivos (punto focal de la vida social del barrio). Lenguaje pobre,
elemental, que evoca a la arquitectura espontanea popular, por el tema de los materiales, de
las tecnologías.

La duplicidad de Milán y Roma. Mientras Roma publica la revista producida por Zevi; en Milán
tendremos a Ernesto Nathan Rogers, director de Domus (1946-1947) y de Casabella (1953-
1965). Los subtítulos nos indican la directriz de Rogers.

Domus= la casa del hombre (es el subtítulo). Casa digna a todos. Lo que plantea es la época
de reconstrucción de la guerra; aquí hay un drama humano, hay muchísima gente sin casa y
sin métodos de subsistencia, por lo tanto yo que dirijo en esta revista de arquitectura, no
quiero que se hable de cuestiones bizantinas sino de estos temas dramáticos que consiste en
proporcionar una casa digna a todos.
Casabella= continuità. Si Zevi busca arquitectura diferente a la arquitectura moderna, nosotros
planteamos continuidad: continuidad de los modernos, pero hay que superar los
dogmatismos de la parte de los años 20-30.
Preexistencias ambientales: pensar en una arquitectura que tenga en alguna consideración la
arquitectura preexistente en un casco antiguo por ejemplo. A diferencia de la moderna que ha
funcionado siempre por prototipos. Lenguaje absolutamente ajeno a un prototipo pero
embebida de referencias indirectas a la arquitectura histórica.

Holyoke center. Harvard, Josep Lluis Sert. 1958

Campus Harvard. Debía situarse en Harvard, universidad más histórica de EEUU y no por ello
Sert se esconde. Cómo generar a escala urbana esta idea de nueva monumentalidad.
Función de coser, articular y unir.
Las viviendas de estudiantes son una obra maestra. Entender el valor de las preexistencias
ambientales.
Edificio administrativo de oficinas. Holyoke, en relación con la calle. La torre se aleja de la calle
para generar filtros visuales, una torre no puede llegar a la calle a lo bestia. Se genera una H y
una calle interior, por donde pasaban los desfiles…
Color que con fuerza sale del interior al exterior, hasta ahora el color solo por dentro. Ya no es
un exterior blanco. Ahora el color sale fuera.
Se compone desde los preceptos: BBPR estudio (racionalismo fascista), torre Velasca (Italia).
Cree necesario combinar arquitectura, pintura y escultura. Trata el edificio de forma clásica e
intenta combinar las diferentes artes en el propio edificio.
Lo que define la monumentalidad de un edificio no es la escala sino la capacidad de pensar en
la arquitectura como un puente.
Arquitectura vernácula: reconoce el lugar donde se sitúa, los aspectos más importantes, que los
enfatiza y potencia.
La casa es la ciudad y la ciudad es la casa. Tratamiento urbano del edificio. Cree que hay
que reflexionar, dar una idea humanística al international style.
Bloque de un campus universitario en el que aplica las ideas del crecimiento urbano, defiende
que la ciudad es una unidad formada por diferentes edificios que forman una unidad. Es un
bloque de hormigón, donde aplica la idea de calle corredor generando relaciones de escala
entre el edificio y las comunicaciones.
La fachada. Para el la composición de la fachada es la expresión de un interior, ‘cuanto más
desarrollada este la fenestración… el arquitecto tendrá que jugar, y aunque no siempre quede
una mejor melodía siempre será más animada.’
Usar el cristal traslucido. Intermedio entre opaco (tintado) y transparente. Esconde actividades
que no quiere que se vean desde el exterior. Modulación y ritmos que se crean en fachada. “a
city full of miesian buildings would be like a museum full of nothing but Mondrians and that
would be a disaster”

Los arquitectos a lo largo de su vida van cambiando y adaptándose, no podemos reducir la

obra de un arquitecto a una sola idea. Sert va evolucionando su lenguaje arquitectónico.
Edificio más alto de todo el campus, lo llamaban el elefante gris. ¿Por qué un edificio tan alto en
un lugar tan tradicional? Relación con el entorno a nivel únicamente de planta baja. Él intenta
trasladar la arquitectura mediterránea a Harvard como su arquitectura. Vende un tipo de
arquitectura. No se relaciona con el entorno mediante la arquitectura. Los tres casos:
arquitectura regionalista. En cada lugar cada arquitecto piensa de una manera u otra. Aquí lo
que hace es trasladar su arquitectura (marcada por los rasgos de sus orígenes mediterráneos).
Movimiento moderno que se intenta ajustar después de la guerra, reniega de la arquitectura fría
del vidrio y acero, y es más sensible a la historia, a la gente.

Torre Velasca, Rogers 1958, Milán BBPR

Torre que su forma se debe a las torres de vigía, las que
defendían las ciudades. Ahora necesitamos una torre que
nos proteja de nosotros mismos, de los que están dentro
de la ciudad. Empieza siendo muy international style, muy
correcta, muy poco gigante, sin cabeza. Poco a poco se va
humanizando y llegando a su forma antropomórfica.
Estructura de hormigón. Se puede ver desde la cubierta del duomo..
Centro histórico de Milán, la torre se alza y origina una plaza. Cinturón o muralla alrededor de
la plaza. PB: Distribuye los flujos de manera funcional. P18 tirantes que aguantan la parte de
viviendas, es más ancha porque se consideraba que se necesitaba más espacio que para
oficinas (cabeza). Cuerpo: parte de acceso + la torre se alza + cabeza. Ellos tienen una manera
de proyectar prueba-error, hacen muchas pruebas. Arriba hay mejores vistas, ventilación e
iluminación, por eso se amplia y se usa para viviendas. Altura de 100 metros. Sobresale sobre
el casco histórico de Milán. Hacen visible una invisibilidad. Dicen que Milán tiene muy pocos
hitos en su skyline. Esto es un episodio aislado, es un monumento. NEOLIBERTY
(liberty=modernismo, es como la secesión o los arts and crafts en Italia). Hay que encontrar un
vínculo con el pasado o una tradición en él para que sea neoliberty. El vínculo es entender que
hay un paréntesis (racionalismo de los años 20 y 30, fascismo). Interiores: lo diseñan todo
(carpinterías, manetas, etc.) como los modernistas. La manera de diferenciar entre viviendas y
oficinas es modernista, para nada funcional.

Monumentality. Louis Kahn 1944.

La monumentalidad, su raíz, ataca cuestiones urbanas, de escala
urbana. ¿Porqué triunfa la catedral gótica? Porque construye plaza,
paisaje… la escala importa pero no en el concepto de tamaño sino
como generador de oportunidades, de discurso a nivel urbano.
Artículo que arranca de la monumentalidad y la escala y la
reinterpreta en un nuevo contexto a través del uso de estructuras y
prefabricados de acero que generan una malla espacial imitando los contrafuertes de las naves
góticas. Nueva sensibilidad de hacer ciudad. No hay que imitar las formas, hay que inspirarse
en las formas.

CIAM VI Brigwater 1947. Cuestiones urbana de ciudad, son replanteadas y puestas en debate.
3 ejemplos para entender la nueva manera de hacer ciudad y de enfrentarse a la historia:
 1. 1948. J. L. Sert Casa propia a Long Island New York
1a casa cuando llega a EEUU. Es de izquierdas pero aristócrata, por lo tanto se tiene que
exiliar a París donde es el responsable de la ejecución del pabellón del gobierno de la
república. Cuando la exposición finaliza se va hasta finales de los 60. Solo vuelve a BCN
clandestinamente cuando muere su madre. Hay que entender la condición de exiliado junto con
esta casa. Drama del exiliado, del que lo pierde todo, sus raíces. En EEUU consigue trabajo en
la TPA, era un despacho que proyectaba ciudades, lo más militares, ir conquistando el mundo a
través de la industria militar. Trabaja con la CIA, les manda proyectos.
- Todo esto se refleja en la actitud de su primera casa, estaba en un hotel al principio. Hay unas
preexistencias, ¿qué había aquí antes de que yo llegase? Reniega de la tabula rasa, el lienzo
en blanco, el arquitecto tiene la sensibilidad suficiente para interpretar las arquitecturas, las
trazas, las huellas de un lugar. Conserva la casa que ya había, que se compra, pero hay una
operación de reformulación, añadirle un cuerpo nuevo, paralelepípedo suspendido a través de
dos muros de ladrillo.
- Conserva la cubierta y los muros preexistentes, lo que hay que hacer es vaciar el interior,
construir un nuevo espacio. Espacio dinámico desde la idea de nueva monumentalidad, el
interior es como una ciudad (no te quitas el sombrero, sigues fuera), el salón es la plaza, en la
plaza hay una escultura, un monumento, aparece el hito vertical (escultura desde una nueva
monumentalidad, del escultor A. Calder). El banco corrido es el ayuntamiento donde se sienta
la gente a leer, la cafetería que es la cocina, office dentro de la gran casa ciudad y la chimenea
como elemento simbólico, arriba está el estudio desde el que vislumbra todos los objetos en el
espacio, arts in space. El pavimento es como el de una plaza, los
objetos de artesanía popular española (la memoria), los cuadros de
Miró. Una ciudad es una casa y una casa es una ciudad (Alberti). El
entiende la casa como ciudad y al saltar a una escala global, la
ciudad como casa. Proyecta a través de las proporciones áuricas.
- Operación de vaciado para construir un espacio para la comunión
de las artes. Mucho antes que Le Corbusier enuncia la necesaria y
vital síntesis de las artes en la arquitectura. La tradición del lugar con
el pavimento, preexistente del lugar (espina Pisher). Esto es
monumentalidad a lo que aspira la síntesis de las artes.

2. The heart of the city, Hoddesdon 1951

¿Cómo hay que hacer ciudad? Cristaliza en el CIAM VIII. The heart of
the city. Superpone un corazón con un rojo sangrante y lo remarca. El
centro de una ciudad es su centro cívico.
En este CIAM aparece Ernesto Rogers. Judío homosexual que
sobrevivió. Entiende perfectamente cómo hay que reformular la
monumentalidad en Italia. El nuevo centro de la ciudad son la plaza y
el centro cívico.
Visión en picado de la plaza del Rokefeller center, Duomo de Milán.
Corazones.
Los corazones están heridos, las plazas han sido invadidas,
destruidas. La plaza tiene un valor simbólico y cotidiano del día a día. Plaza es vida,
cotidianidad.

3. Holyoke center. Sert.

18.04.2017
FRANK LLOYD WRIGHT II
De Broadacre y las Usopian Houses al Guggenheim de New York

Broadacre: Amor por la libertad

Máquina
Democracia
Descentralización + Reintegración en una arquitectura orgánica
“The city that was everywhere and nowhere”.
Elementos de Broadacre:
• Servicios
• Transportes
• Residencia + lamboratorios
CASAS USONIANAS. NO= tejados, garajes, sótanos, molduras
- Calefacción en el pavimento
- Iluminación indirecta.
NO= muebles, barnices, revocado, aleros.

En realidad en el caso de Wright (figura radical en los dos momentos diferenciados por la
2GM). No hay manera de discriminar una fase de la otra. Muchos momentos de cambio, de
transformación.
No solo 1 tipo de arquitectura, sino tienen diferentes maneras de enfocar y de dar solución a
los problemas. No existe un solo Le Corbusier, ni un solo Wright… En el caso de Wright nos
encontramos en un arquitecto que ha trabajado de forma intensa (su vida se confunde con su
trabajo).

Ciclo 1: viviendas unifamiliares en los suburbios de una ciudad como Chicago, territorio que
no esta en el centro ni en el campo aislado (Ciclo de las casas de la pradera)= idea de
doméstico, de casa. Esta se modificara con los años. Casas de la pradera.
Ciclo 2: Casas usonianas.
Actividad totalmente poliédrica. Abarca no solo viviendas sino también otras funciones.

Wright, Taliesin I, Spring Green. Wisconsin 1911. Wright ya ha

pasado un paréntesis de vida extra americana (en Italia, La
Toscana). En este año se cierra el ciclo de las casas de la
pradera. Momento de total sintonía de Oatpark con casa de la
pradera, este se rompe por motivos personales y
profesionales (de agotamiento). Ruptura radical de su
presente, se queda unos meses largos en Europa (en la
Toscana sobretodo). Exposición de Wright en Berlín de gran
importancia y difusión: The Stijl tiene su raíz clara en la
destrucción de la caja de Wright. En esta exposición tuvo gran difusión en Europa a partir del
año 10. Vuelve después de estos meses de intervalo y realiza una interesantísima obra:
Taliesin I, fuera del ambiente urbano (fuera de Chicago, en Wisconsin; donde había nacido
Wright). Formaba parte de sus orígenes ambientales y encuentra un lugar (una especie de
colina o relieve mínimo) y ahí colocara un conjunto, una comunidad wrightiana, que no será
lugar donde vivirá con su familia y tendrá su despacho, sino que por otro lado esta afuera de la
civilización; se convertirá en un lugar de convivencia entre la comunidad (la familia, los
trabajadores que trabajan en el estudio) que vivirán y trabajaran en una comunidad
autosuficiente que producirá no solo muebles (taller laboratorio) sino también producción
agrícola.
Terreno que produce productos para la alimentación, autoabastecimiento. Los campesinos
también viven y trabajan en esta microcomunidad= utopía. Organización anómala con
arquitectura modélica y vida modélica, en contacto directo con la naturaleza, una vida con
fusión armónica entre el momento del trabajo, de la cultura… Muchos momentos de la jornada
se vivían conjuntamente. Habían actividades sociales, fiestas, lecturas de literatura… No solo
modelo de trabajo sino máximo cumplimiento de arquitectura orgánica.

Intenciones del conjunto: no debe estar sobre la colina sino pertenecer a la colina.
Se coloca de forma suave en el desnivel natural y aprovechara los materiales que están ahí.
Hay una mina que prácticamente se explota.
Si nos fijamos en las plantas sucesivas de esta microciudad. Historia trágica a lo largo de los
años alrededor de este núcleo= se quema varias veces (2) y hubo muertes (en la primera
perdió a su mujer). Se construye y deconstruye varias veces (se reanudan las obras para
continuar con la vida en Taliesin). La planimetría así esta en constante transformación. La
arquitectura orgánica debe ser capaz de transformarse, según Wright, debe asimilar la
metamorfosis de la vida (que cambia, se modifica). Las exigencias vitales van cambiando esta,
y lo incorporan con aspecto positivo =antitética de la forma clasicista, totalmente acabada.
En cualquier caso lo que vale es la idea de un plano urbano o macroarquitectura, que al final
es la agregación (o desagregación) de partes, volúmenes y espacios. Acaba siendo una
especie de aldea.
Continuidad natural de los materiales (piedra + madera), de las líneas horizontales= cultura
rústica de tratamiento de los materiales y de los ambientes, con atmósferas donde se
compartían momentos de música, de ocio… Casa al final es un punto de vista sobre el
entorno, no para que sea visto desde la parte mas llana, sino un pto de vista des del paisaje
(ciudad privilegiada de dominio respecto de los alrededores). El espíritu doméstico (de las
casas de la pradera) se vuelve a concretar en este proyecto.

Midway gardens Wright. Chicago 1913.

Diferente Wright. Lugar de ocio, festivo, de restaurantes, de
baile… La estrategia urbana (la ubicación) de esta pastilla
proyectada consiste en un frente que da a la calle (bastante
compacto y cerrado= relación con Chicago de Wright). Patio
principal, con un escenario y terrazas. Cierra (con caja de
servicios) cualquier acceso de la ciudad y genera un espacio
resguardado. El patio será el momento principal de celebración
(dentro de los midway gardens estarán los momentos de
restaurante). Creación de una isla ajardinada dentro de la aglomeración metropolitana+
lenguaje que utiliza, principalmente de muros de cara a la ciudad que sin embargo sufre una
descomposición extrema (fachada calle). Voluntad de disgregar las formas prismáticas
elementales y desarticulación de los elementos volumétricos principales.

Hotel imperial, Tokio, 1915-22. Wright. Cultura japonesa tiene

un gran peso en la arquitectura de Wright. Le impresionaba la
definición espacial. Intención= construir una arquitectura
japonesa, donde se pueda reconocer la cultura japonesa.
Quiere interpretar (genus locci), el espíritu del lugar. Tema del
proyecto= el voladizo (el mas romántico, el mas libre de la
construcción), que se construye en un territorio sísmico. Poco
después de que la obra se llevara a cabo, hubo un terremoto
catastrófico, y en los alrededores no quedo nada excepto el hotel imperial (gran orgullo)=
requisito fundamental del proyecto, construir algo que pueda responder a las solicitaciones.
Se aguanta con el principio de la bandeja del camarero. Tiene un alma constituida por doble
pareja de pilares de hormigón, donde se aguantan las losas de hormigón. Esta estructura
permite una gran flexibilidad (no hay estructura que envuelve y bloquea).
Planta= diseño academicista con eje principal que se convierte en eje monumental, con
perspectiva que acaba en un edificio mas alto, mas monumental. Como sistema compositivo
es academia. Sin embargo, tenemos que ser capaces de encontrarnos con una atmosfera
japonesa (que se encuentra en las soluciones de detalle). En los detalles, a través de este
moldeado de los elementos arquitectónicos (piedra porosa) y de paneles decorados, es donde
deberíamos encontrar la evocación de este clima japonés. Perforación de las superficies=
ambientar en la cultura japonesa.

Proyectos en el entorno de Los Ángeles:

“Hollyhock house”. Casa A. Barnsdall, Olive Hill, Los Angeles, 1917-21. Wright. Época en los
Ángeles, California. Casa para una actriz (también taller= dualidad). Respuesta a las funciones
requeridas: planimetría que podemos intuir que no tiene nada que ver con las de las casas de
la pradera, sino que se retira de la fusión con en el entorno. El núcleo casi se fortifica, se
recoge alrededor de un patio (lugar de los ensayos, igual que el Midway gardens. En la
perspectiva podemos ver una arquitectura de muros, de
paredes bastante impermeables, y que acaba teniendo unas
evocaciones a los poblados indígenas de Méjico.
Instalación dentro de la naturaleza= entorno no urbano,
natural. La interrelación con la naturaleza es totalmente
diferente a la de Taliesin. Vemos referencia al Palenque-
Chiapas, Méjico; veremos diferentes alusiones a las culturas
indígenas americanas.

“La miniatura”, Casa M. Milard, Pasadena, California 1923.

Wright. Casa mucho mas reducida (y mas económica).
Terreno de la vivienda, de lo doméstico. Que dice Wright de la
miniatura? La carcasa como habitación urbana, otra etapa de
la arquitectura orgánica. La elección del interior sale hacia
fuera; con todos los huecos. Aquí el ornamento se convertía en
elemento de construcción. Aquí la elección de Wright esta en
el ladrillo de hormigón, el elemento constructivo. Lo contiene
todo (recurso tecnológico + resuelve otras cuestiones arquitectónicas). Bloque patentado por
Wright, doble estructura con hierro, armada define las paredes; los muros en altura del edificio.
El edificio sin embargo busca una integración con el entorno natural (arquitectura orgánica a
través de este recurso tecnológico manipulado que mantiene la huella del proyectista). Entre
estos bloques se abren huecos de ventanas y rendijas (nuevas entradas de luz), solucionan el
aspecto tecnológico y las aperturas. No es un muro opaco, cerrado. No hay problema de
interior-exterior, sigue vigente con respuestas diferentes. Sigue practicando la transparencia.
Las paredes interiores y las paredes exteriores son iguales, dos caras de este ladrillo de
hormigón. Estas paredes ya no necesitan detalle decorativo.

Broadacre, City, 1931-35. Wirght. Punto culminante de la cultura urbana de Wright. Hemos
hablado de proyectos, ensayos… la relación es de desprecio, el detesta el centro
metropolitano. Gracias a una financiación del mismo cliente de la falling water (el sr. Kaffman),
un rico mecenas. Este pide la construcción de una maqueta gigante que es una especie de
plataforma de estudio, donde va expresando su idea de ciudad (ciudad del acre= medida del
suelo que corresponde a 400 m2). Esta ciudad de entrada es una ciudad concebida como un
conjunto de casas que tiene como propiedad un acre de terreno (casas unifamiliares). Wright
dice que los elementos genéticos de este experimento urbano son el amor por la libertad, la
máquina (estamos ante utopía antimecánica) y la democracia (arquitectura orgánica para
Wright quiere decir arquitectura democrática). Responde a algunos principios, como la
descentralización (sistema de ciudad lineal, con red infraestructural, sin centro)+
reintegración en una arquitectura orgánica (será un modelo de arquitectura orgánica).
La frase que sintetiza, dicha por Wright es: “The city that was everywhere and nowhere”. Es un
estudio totalmente teórico, utópico; el define que es una ciudad que puede estar en cualquier
lugar pero no esta en ningún lugar. Pregunta: esto puede ser arquitectura orgánica? No, sin
embargo sigue siendo uno de los postulados. No hay una contradicción aquí? Va colocando
sus casas (hace maquetas de sus proyectos). Es una plataforma de juego que se van
colocando sus proyectos que se están realizando. Contradicción: como lo colocas en
cualquier sitio como la Ville Savoye? (siempre había criticado a Le Corbusier, sin embargo se
llevaba bien con Mies Van der Rohe).
Es una ciudad dispersa, donde prima la baja densidad (casitas de un acre de terreno). Lo que
será fundamental serán las redes infraestructurales. Wright definirá la tipología como
vivienda para 1,2,3.. coches, no pensamos en personas ni transporte publico, sino como
transporte particular.
Esto es Los Ángeles, no estamos tan lejos de lo que es la ciudad estadounidense (ciudad
americana por excelencia). En este panorama no descarta la hipótesis de utilizar rascacielos;
sin embargo son rascacielos raros que aparecen muy de vez en cuando que se asimilan como
torres, como referencias. La maqueta representaba su idea del mundo urbano. Era un campo
de batalla.
En esta ciudad sin centro donde estarán los teatros, las bibliotecas, los ayuntamientos… No
es un tema a tratar ni sale claramente expuesto. Lo que si que sale definido son las redes
infraestructurales, los encuentros, los cruces… estos definen la complejidad de la malla
urbana.

Falling Water. Casa E. Kaufmann, Bear Run, Pennsylvania 1935. La casa de la cascada.
Siendo una casa de los años 30 (lejos de las casas de la pradera) es la mejor de las casas de
la pradera, como representación de lo que quiere ser la arquitectura orgánica.
Preexiste un riachuelo que hace un poco de cascada. Kaufmann es consciente del entorno
privilegiado y le encarga hacer una casa que fuera capaz de relacionarse con ese entorno. Al
principio lo que propone Wright no le gusta, le parece demasiado exagerado; el decía que la
casa tenia que ser de la cascada, el agua tenia que penetrar la casa, la casa nace del agua=
pertenecer al lugar. La casa empieza des de su definición
planimetrica y altimétrica a adaptarse, se apoya suavemente a
través de un sistema de elementos verticales (la roca=
elemento claro del paisaje; pilares de piedra en el que se
apoyan voladizos) y horizontales (voladizos de hormigón). La
articulación de estos elementos de diferentes direcciones
evocan a los bosques, con laminas de agua horizontales…
Escalera que te lleva abajo a bañarte a la cascada; es el cordón
que conecta la vida interior (salón) con la exterior. Doble juego
entre el material pétreo (como muros de carga) y el hormigón
que explica las bandejas que se lanzan hacia el entorno,
sobretodo el agua. El agua pasa por debajo de la casa.
La chimenea asume un papel protagonista (el fuego= elemento
primario); la roca literalmente sin labrar esta presente; pero el
carácter y la brillantez del tratamiento de la piedra, gracias a la
luz del fuego y de fuera, esta evocando al agua de debajo (hay
una serie de reflejos, significados, evocaciones que son
aspectos que exaltan este naturalismo de la arquitectura). Tratamiento del material en el
exterior es igual que el del interior= casa miniatura.

Wright, Casa para S. Rosenbaun, Florence, Alabama 1939.

Casas usonianas: viene de la palabra usonia= término que se empezó a utilizar en estos años
por parte de una literatura norteamericana. Era un nombre para identificar EEUU. Nombre
nuevo= país nuevo= de la utopía; mucho mas fácil de alcanzarlo.
Los principios nuevos que ensaya en estas casas: estamos a las afueras de grandes centros
urbanos, y los destinatarios de estas son principalmente trabajadores de la metrópolis, que
residen en unas casitas que están fuera del mogollón urbano= trabajadores de la ciudad de la
media burguesía (en la franja media de usuarios).
El presupuesto de estas casas son mucho mas bajos que la casa de la pradera (aportación
mas económica, mas moderada). Estos trabajadores son también representantes de una idea
de familia que no coincide con la familia de la casa de la pradera (tradicional, de una familia
patriarcal con hijos que por su presupuesto también podían vivir los abuelos y empleados de
la casa= casas para ricos). En las cocinas-comedores se podía ver como se reunían las
familias para comer. Ahora se cambiara por la época y por el cambio de lugar y lógica en las
casas usonianas (+pequeñas y reducidas). Familias compuestas por 1, 2 o 3 personas, o
familias que solo se ven por la noche, cuando todos coinciden alrededor de la mesa del
comedor; el estilo de vida no necesita un gran comedor donde se reúne la familia patriarcal.
Los principios de las casas usonianas son: fuera los tejados (no tiene que haber tratamiento
cubierta, sino serán simpleente forjados planos), fuera el garaje (habrá simplemente una
marquesina que da lugar a un espacio mas protegido pero no una habitación), fuera los
sótanos (casas que nacen “del suelo”, se apoyaran con el mínimo de cimentación=
presupuesto bajo para llegar a los máximos clientes posibles) quiere acceder al mayor numero
de personas posible. Fuera molduras, plantea la calefacción en el pavimento (la romana, a
través de un sistema que permite que el aire salga del suelo y que no hayan radiadores en la
casa); iluminación indirecta (no deben
haber lámparas que cuelguen del
techo) y tenemos que eliminar los
muebles (que pueden formar parte de
la estructura de la casa= muebles que
no se mueven). Fuera barnices,
revocados y aleros.

Museum Guggenheim. New York, 1946-59. Señora Guggenheim, mecenas que abrió la galería
de art of this century que acogió a las personas que huían de la guerra y funda el propio
museo encargado a Wright. Proyecto en plena ciudad, en Manhattan, el colmo de la
concentración metropolitana y es un proyecto de museo. Lógica en espiral que puede estar
motivada por el rechazo del entorno y el hecho de volcarse completamente al interior; esto es
difícil hacerlo remontar a una lógica expositiva. Si
nos colocamos desde un punto de vista expositivo,
hay que respectar una serie de postulados básicos
(que se puedan colgar los cuadros). Si es un museo
de cultura, la colocación de los cuadros en las
paredes es importante; pero hay otra cosa
importante= el recorrido (en un museo es +
importante el recorrido que el estar). No quiero
molestias porque es un momento íntimo. El recorrido
es un único ambiente. Denuncia de autonomía (del
mundo del arte) respecto a la agresión urbana.
20.04.2017
LE CORBUSIER (II) Y EL “ESPACIO INDECIBLE”
Ronchamp y Chandigarh

Le Corbusier/Sauina -> 1946 “esculturas acústicas”

“Le Modulor” (1943-1947)

CIAM crucero, encuentro presentación de proyectos.

Son unos años que el tiene papel protagonista, voz cantante. Sin embargo, en este transito a
través del mediterráneo se introducen temas nuevos en la concepción arquitectónica de Le
Corbusier.
Conferencia al llegar a Atenas después del crucero 1933. “Aire, sonido y luz”: asiste F.
Legerd y Molinagui (fotógrafo y director de Patris II CIAM 4 1933= toma de estas sesiones).
Cuando llega para hacer la conferencia, el titulo ya nos dice por donde van los tiros (no
hablara de arquitectura moderna ni de los 5 puntos de la arquitectura, no hablara de cosas
técnicas). Hablara del aire, de los sonidos (que pueden intervenir en la arquitectura= Capilla de
Rochamp). Y la luz mediterránea.
Le Corbusier también estará trabajando con el grupo GATPAC. Viraje hacia tonalidades
mediterráneas que influirán mucho en el cambio de esta segunda parte de su propia
trayectoria profesional.
En la conferencia concluye con objetivos. El siempre ha sido muy dogmático, hace publicidad
siempre de sus ideas. Acaba diciendo que el objetivo de la arquitectura contemporánea es
armonizar los tiempos modernos. Estamos dentro de una arquitectura que quiere ser moderna
(lo más moderno), pero sin embargo no es secundario el verbo armonizar (los tiempos
modernos). Voluntad de la síntesis armónica. Después de este radicalismo de los 5 puntos de
la arquitectura ahora habla de la armonía, habla de sintetizar este radicalismo.

Ya estamos en la época posterior de la 2GM. Muere ahogado en el mar mediterráneo= cultiva

con una práctica real de vida mediterránea: tiene una cabaña en la costa francesa (de madera,
de espacio reducido, sin comodidades) -> contacto muy directo con la naturaleza.
Le Corbusier cultiva su propia imagen, el atuendo, la pose, las gafas… hay un modelo de vestir
o de actitudes que hacen escuela. Muchos le tienen como modelo estético. También tiene
atención extraordinaria por las imágenes de su arquitectura, muchas imágenes serán hechas
por el mismo; es importante como se presenta la arquitectura.
En los años 50 aparecen imágenes de Le Corbusier que no encajan mucho con lo anterior
(fotografías además firmadas). Una firmada por Braset. Son
imágenes no casuales que nos dicen algo novedoso. Le
Corbusier tan arropado por su cultura y sus ticks estéticos,
ahora lo vemos en traje de baño y al lado del querido mar
mediterráneo; y hasta lo vemos desnudo con detrás una de
sus ultimas obras. No son fotos indiscretas, están muy
estudiadas.
Fotografía donde detrás de el tiene una pintura, que no es
purista. Aquí no vemos objetos tipos, vemos una configuración
bastante abstracta, donde evidenciaremos ciertas linealidades
curvas e irregulares= líneas orgánicas que remiten al mundo
de la naturaleza.

En el año 47-48 lo vemos en una playa en NY (participando en el edificio de la ONU). Tiene

ocasión de recorrer las playas de Long island. Ahí se empieza a materializar algo que luego ira
coleccionando= objetos que el encuentra en sus excursiones en las playas, no objetos tipos.
Va recogiendo residuos orgánicos que la playa va recogiendo. No son objetos tipos porque
no son objetos de la industria, no salen de una maquina; sino que son objetos naturales que
llevan las marcas del tiempo (la metamorfosis de la erosion)= objetos de reacción poética.
Valora la poética, la lirica (el mundo de la poesía se abre).

Otro aspecto importante es la idea de Le Modulor (1943-47). El siempre intenta establecer

unos principios, unos dogmas. Seguimos pensando en un mundo de referencias
proporcionales (antes era el numero áureo o los trazados moduladores según Le Corbusier). Él
utiliza estas pautas para enseñar que las proporciones tienen relación. Ahora hará le Modulor y
a partir de las medidas estándar hará elementos de proporción para proyectar mobiliario y la
arquitectura en general, un especie de manual de medidas. El punto de partida ahora es el
hombre, las medidas humanas= interés por el mundo del hombre (antes era el mundo de la
maquina, de la geometría pura, era un mundo abstracto), ahora hacia el antropomorfismo (hay
una dedicación del proyecto le corbuseriano antropomórfico).

Le Corbusier es un artista, y hay una clara proximidad entre el mundo del arte y de la
arquitectura. Antes el hacia purismo pero ira evolucionando. La pintura neoplasticista influirá
mucho en la arquitectura (sobretodo de Mies). Pollock y Potrier harán una obra de
expresionismo abstracto el primero y el segundo el informalismo matérico. Muy sintéticamente
se puede explicar como abstracción de los signos (el primero) y abstracción de la materia (el
segundo). La evolución la vemos en el tacto; un cuadro nos sugiere tocarlo. Se introduce un
carácter mas táctil que la propia visión. En la arquitectura; si vemos una superficie rugosa
incita mas a tocarla. Aquí habrá un cambio del propio le Corbusier hacia una arquitectura mas
táctil, mas brutalista. El subraya el hormigón como le beton brute. Muchos momentos de
este autor preceden de la cultura artística.

Imagen de Le Corbusier. Dividida en dos. En una mitad: figura apolínea,

fruto de la razón, mundo del progreso y de la confianza en el hombre. La
otra: figura dionisíaca, subjetiva, que impone el desorden frente al orden,
nos revela un universo subterráneo, onírico, latente.
Final de los años 20 la arquitectura es capaz de acoger muchas
acepciones que nos conducen al mundo de lo táctil, sensorial,
dionisíaco, no racional.
La unité: edificio síntesis de dos mundo, el de la máquina y el del subconsciente, los
sentimientos, los miedos, los fracasos del hombre a raíz de la 2GM.

Ático Beistegui, París 1929. Le Corbusier. Se lleva por

primera vez al límite el concepto de cubierta ajardinada; es
una especie de lugar imaginario. Presencia del arte surrealista
en la arquitectura de Le Corbusier.
Serie de elementos que conviven en tensión generando
escenarios imposibles, imaginarios, son como la revelación
de un sueño. Los objetos están perdiendo su función utilitaria
de object type. Naturalezas muertas, escaleres, muretes,
chimenea… el hueco de la escalera con el catalejo que no lleva a ningún lugar, naturalezas
muertas recortadas en los cipreses… Se genera una tensión mágica entre el interior y exterior
al subir la escalera y encontrarse el muro a la altura de la vista de 1,30m. Escenario para la
sorpresa, en el que emergen elementos que van más allá de su función, deben ser explicados
desde el subconsciente, no tienen nada que ver con la razón. Los objetos no se explican solo
desde la función apolínea sino desde la dionisíaca también.
El proyecto consiste no tanto en el interior de la planta, donde poco interviene (o poco le
interesa enseñarnos) sino el tratamiento de la terraza. Tratamiento de los bordes que nos deja
pensar una cosa extraña: Estamos en el centro de parís en una altura considerable. Parece
negar esta posibilidad; así como la Ville Savoye es un lugar de contemplación (tanto des de
fuera como dentro donde las ventanas nos permiten contemplar el exterior como un cuadro).
Todo lo que esta montando Le Corbusier es interior. Ha cerrado la vista y coloca un césped y
muebles de un interior anacrónico (diríamos que es exterior pero lo trata como interior). Pone
también una chimenea. Paris ha desaparecido, se reduce a los monumentos mas destacados
(torre Eiffel y arco de triunfo), mas elevados, el no esta aquí para gozar Paris, sino lo esta
inhibiendo.
Toda la vegetación esta esculpida (como una escultura)= presencia surrealista= el surrealismo
surge vinculado a la aventura metafísica. Junta escenarios ilusorios, imposibles, elementos de
realidades lejanas. Chimenea de Le Corbusier no sirve para nada, y la une con un arco de
triunfo (dos realidades). El surrealismo se basa en la sospecha del lenguaje, sospecha de que
el lenguaje no puede capturar el mundo, el mundo siempre lo superará, sospecha de la
representación, de la imagen y de que el lenguaje pueda captar la realidad, se nos queda corto
para expresar el mundo. “Ceci n’est pas une pipe”.

Pabellón suizo 1930-32. Donde vemos en los términos

arquitectónicos el ver actuar. Pabellón universitario. Clara
variación de la estrategia Le corbuseriana des de la
arquitectura. 2 elementos anómalos respecto de la rigurosa
planta y volumetría en el paralelepípedo del edificio de
habitaciones. En la planta podemos ver unos pilares de
formas irregulares entre ellos, de hormigón (ya no es pilotí de
rigurosa sección circular); ahora con líneas curvas.
Aquí también encontraremos el primer muro de piedra de Le
Corbusier (antes no existía la posibilidad de utilizar la piedra
en la arquitectura). Ahora es como un lienzo que se expone
como de forma propagandística.
Dos mundos: el de los rectilíneo, de la máquina, de lo
apolíneo. A base de celdas, células que se montan como una máquina perfecta, casi como en
el tanatorio de Paimio, engranajes mecánicos que articulan las piezas sin discontinuidad. Otro
mundo, la mitad dionisíaca, curva, el objeto tipo de las escaleras sale, generando un cuerpo
autónomo que conquista plásticamente la ciudad. En planta baja esta superficie acoge la piedra
y la deja vista. Planta baja con pilotis, unas L que marcan el tetrástilo de acceso.

Le Corbusier participara con Savina y realizara un prototipo de esculturas acústicas que

llevara a la realización el escultor Savina. Ubu, Escultura Ozon… Presencia importante de
concavidades (de recovecos formales) aluden a la audición (escuchan lo que hay alrededor de
ellos) y esto será decisivo para el proyecto de la capilla de Lochamp.

UBU, 1940: Escultura desgajada donde ya no se confiesa el espacio desde el lenguaje sino
desde la sensación que proviene de una síntesis imposible de las artes. Nos permite entender
la realidad sensorial a la que la unité nos quiere remitir en todo momento. Como las huellas
de los elementos naturales en las fachadas a través de encofrados, de las esculturas
involuntarias, son lo que nos permite entender los viajes y la evolución de un arquitecto que
cambiar en el tiempo. Lo que hace es superpone unas caracolas dibujadas a lápiz como
escultura involuntaria, realidad poética sobre el edificio, son dos realidades cuanto más
alejadas mejor.
Plan Obus, Argel. Otro momento de viraje urbano es el 1932.
Le Corbusier urbanista (de parís por ejemplo); ahora
transformara y en este proyecto del plan Obus, que no se
llevara a cabo, dice que Argel es una ciudad enferma de
forma grave, patológica y que lo que necesita es poesía.
Elemento principal seria una serpiente que se desarrolla de
forma paralela a la línea de costa y alude a las líneas
orgánicas delicadas respecto a la presencia urbanística
histórica de la ciudad de Argel. Referencia Mattè Trucco
(inspirara a Le Corbusier en la serpiente= carretera); de la
planta superior (de la pista) cuelgan unas células. Finalmente
debajo de la carretera habitada hay un eclecticismo total. Y
puede convivir lo mas moderno occidental con la propia
cultura de la tradición. Aceptación de lo que existe, de la
tradición (algo atípico en Le Corbusier).

Casa para fin de semana en La Celle- Saint Cloud 1935. Proyecto que es una casa para fin de
semana en una localidad francesa. Prototipo residencial comparable a la Ville Savoye. Es una
casa en la que la vegetación agrede la cubierta; además tenemos piedra en las paredes y una
visión de conjunto que no es en absoluto la caja pura ni la transparencia entre interior-exterior;
sino que mas bien da una idea de masa; donde la cubierta no es la cubierta plana.
Aparece el color relacionado con la materia, con los materiales que se utilizan.

Unité d’habitation, 1946-52, Marseilla, Le Corbusier

Cicatriz de un pueblo que ha sido ocupado durante 3 años por la ideología nazi. Entiende que
la reconstrucción pasa por la vivienda obrera, social que debe ser colectiva, en bloque.
Sistema estructural constructivo que resuelve la vivienda
obrera, ya que es la forma más económica y estándar:
hormigón. Con el hormigón cuando defines la estructura
defines la piel, por lo tanto te ahorras mucho dinero en
acabados. Surge de una necesidad urgente. Tenia que acoger
1979 habitantes, año del triunfo de la revolución, también es el
periodo del principio del 2º imperio francés (referencias en sus
libros de urbanísmo). Lucha constante entre las instituciones y
el arquitecto. Cuando se acabó nadie quería ir a vivir allí,
consideraban que era un bloque enorme monstruoso, “el
edificio de los locos”
Para entenderla hay que unir el mundo de la razón y de la
sinrazón. Dos mundos que no se pueden obviar.
Los cinco puntos de la arquitectura llevados al extremo, como
la máquina, la razón, define la forma. Se accede en coche,
mediante la máquina.

Fragmento de vivienda que proviene de un masterplan que había ideado para construir
ciudades enteras en Francias, Sant Dieu. 1944. Modelo de este masterplan. Entiende que el
centro es el centro cívico, el corazón de la ciudad. Un corazón que hay que curar. La vivienda
se distribuye en bloques que concentran la densidad edificatoria en altura.
Centro: lleno, acoge equipamientos
La Unité cristaliza el sueño de que el hombre son dos mitades. (enunciadas en La maison des
hommes 1942). Como si su país le hubiera negado al hombre la casa con la ocupación nazi.
Equivalencias entre los hombres y los árboles, diagramas que resumen nuestras polaridades,
el sensible-matemático, el que siente-el que piensa, matemático-ingeniero, económicos-
espirituales… a medio camino hay un punto donde todo se encuentra: tiene que ser la
arquitectura.

Dibuja la sección de la Unité desde las instalaciones y los pasillos.

El mundo de la máquina incluye el coche, es como se entra, hay unos parterres que cortan la
geometría del edificio y definen la entrada del coche. El coche es lo que cose. Para ser más
científico, coloca viviendas y parking, el mundo de la máquina justifica decisiones del proyecto.
Coloca toda la ocupación en el mismo mapa que las viviendas en altura o las viviendas de baja
densidad, lo que ocuparían. La célula mínima es a través de una crujía que se repite. No hay
simetría, 3 núcleos de instalaciones.
Forjado artificial, friso hueco con todas las instalaciones. Hay unas calles interiores, pasillos a
doble altura para acceder a los distintos espacios.
Se elimina el patio de ventilación, ventilación cruzada, estructura de crujías, estandarización
de instalaciones, concentradas en un núcleo. Sección que explica cómo funcionan los
paquebotes: suelo técnico.

Cubierta: paisaje interior traducido en forma de arquitectura. A partir del 1947 se empieza a
usar la expresión “el arte bruto”, el arte sucio encarnado por Jean Dubuffet (Art brut, Galería
René Drouin, Retraro de Fracis Ponge 1947, 1948 París). Junta el arte primitivo, tatuajes,
inscripciones, objetos primitivos…
¿Qué domina en el arte, la línea o el color? Idea o sensación
Miguel Ángel es el pintor de la idea por ejemplo, Alberti del color. Color: sensación (viene
representado por Ingres). Línea: idea (viene representado por Delacroix). En el SXX aparecen
los informalistas y acaban con esta disputa. Ni la idea ni la sensación, sino la materia. La
materia es la base del formalismo.

Esto es lo que le Corbusier quiere hacer con su obra: 1954 Objects de réaction poetique.
Objetos que genera a través de la materia A través de capas de arena y de rascar con una
espátula trabajando capas y extrayendo la forma desde la materia: hay línea, color y materia.
Los objetos tipos llegan a la ciudad, es el objeto de reacción poética. Viene de un mundo
interno. Esos objetos se generan a través de la materia.
La Unité es un edificio trabado, arriba aparece el mundo de lo onírico. Guardería arriba. Barco
que ya no es barco, barco al revés. Empieza a usar el modulor. Celosía proyectada, no es una
barandilla es una barandilla-banco. Enmarcador de paisaje.

1946 cuando arranca la unité, Le Corbusier publica “Lespace inéfable” inefable= indecible, la
sospecha del lenguaje, si no se puede decir se ha de sentir.
“Tu edificio es bello pero está mal ejecutado” le dicen algunos de la unité, pero Picasso le dice:
“no ves arrugas en los hombres, envejecimiento, piedras mal unidas en grandes catedrales, lo
que nos ha de importar no es ir lejos sino llegar cuanto más intensamente mejor al centro de
las cosas” Picasso a Le Corbusier en 1952.

Ronchamp, Capilla Notre dame, 1950-55

Visita Grecia (megarones), el convento EMA. Recuerda también Villa Adriana à las más
primitivas. Primera vez que Le Corbusier permite que salgan los dibujos de sus viajes de
formación. Arquitectura religiosa, mucha expresión dentro de ellos. El arte es la manera de
hacer.
Situado encima de una colina, antiguamente un campamento romano. Tradición de
peregrinación y religiosa. Hace una promenade para llegar, un camino entre árboles, descubre
el edificio al acercarse por la promenade. Fachada sur: muro curvilíneo, arista que se marca.
Fachada este invita a la gente a entrar, es para recibir al culto,
ahí está el coro. Cuando hay grandes peregrinaciones se
convierte en una iglesia al aire libre, el altar aparece como
centro de una celebración cósmica. Fachada oeste, es ciega y
tiene una recogida de aguas, torre más alta.

Interior: se hace por sensaciones sucesivas gracias a los

juegos de luz. Crea espacios opuestos, todo el espacio interior
está organizado para dar centro al altar. Ambiente de
misticismo. Cavidades originadas por paneles ondulatorios. La
masa plástica acoge el espacio indecible. Espacio contenedor
modelado por la acústica.
Uno de las frases que dijo posteriormente: Ronchamp está
directamente ligada con el lugar, de ahí nace todo. Dibujo de la
acrópolis y dibujo del lugar: directamente relacionado. Los
horizontes le ayudaron a configurar el lugar. Vibración con
respecto a las visuales del paisaje.
Alianza entre el arte y la religión con el Concilio Vaticano II 1952
(Picasso, Matisse…) Se reformulan los espacios sagrados
desde el arte moderno. Se entiende que la espiritualidad ha sido
olvidada durante la primera parte de la vanguardia.
Le Corbusier – La jornada de 24h
Hormigón bruto, “yo soy hormigón”

La cubierta se relaciona con un barco, una hora, con las astas de un toro… Colina muy rocosa,
no hay casi aguaàla cubierta debe recogerla de forma simbólica. Tiene un simbolismo de
utilidad. Muros de piedra y cubierta de hormigón. Idea de cueva. Lo que él llama el panel
ondulatorio es una cáscara, tiene unas costillas de hormigón que le dotan de esta superficie de
reverberación, en contraposición con la “cáscara”.

Relación con los 9 puntos: Este templo algunos lo interpretan como una ruptura, otros como
una continuidad. Algunos como un engendro y otros como un posicionamiento más radical. Dos
posiciones de Le Corbusier de hacer arquitectura: interpretación cartesiana y numérica y otra
más sagrada. Para él la arquitectura es una época de reflexión completa, la arquitectura juega
más allá de la máquina.
El espacio indecible del que habla Le Corbusier es el común denominador de todas las artes
plásticas.
Dinamismo, multiplicidad de puntos de vista conforme vas rodeando la capilla. Materiales
nuevos. Busca un efecto de tensiones, inestabilidad. El propio color del materia del techo indica
que tiene un peso frente a las paredes blancas, más frágiles.
Juego de contrastes, ventana como gran foco de entrada de luz. Al construir esta capilla quería
crear un lugar de silencio, de vida interior.

Convento de la Tourette, 1953-60, Éveux, Lyon – Le Corbusier

Referente: Altes Museum. Le Corbusier encarna el lenguaje
moderno, por eso lo escogen a él. Esto no es simplemente una
iglesia, sino un gimnasio para cultivar el espíritu. El encargo lo
hace el Padre Cuturier, le dijo que era como construir la casa
de 100 corazones y 100 cuerpos en silencio. Serie de contrastes
formales sin descuidar la tensión dual, no hay rivalidad, lo llama
el binomio indisoluble, o el binomio ante la colectividad. Están
las celdas y luego los espacios comunes.
Parte muy importante: la Iglesia que se ancla con el suelo
(cripta), es el lugar sagrado, colectivo, lo vertical. Luego están
los dos mundos: la celda y el claustro, lo horizontal. Intentar
generar una unidad harmónica o desharmónica entre volúmenes
individuales y colectivos. Celdas en forma de U + edificio
colectivo. El punto más alto es más bajo y el más bajo es más
alto. Para implantar el monasterio: relación naturaleza y
arquitectura.
Promedade architecturale. Aproximación: opacidad que se ve en primer término, con esos
cañones de luz. Habla de cómo le Corbusier ha construido edificios en volumen sándwich
(Ville Savoye) y volumen megaron (Tokio Museum), este convento quiere ser ambos.
Normalmente en los conventos los paseos se hacían a través del claustro, pero él decide que
se haga en la cubierta. Crea un muro perimetral que permite la vista al horizonte, lo compara
con la acrópolis. Iannis Xenakis le ayuda a construirlo, ingeniero y músico, utilizó la música
para regular las aberturas, su colocación es matemática. Xenakis estaba muy interesado en
los fenómenos perceptibles de lo colectivo ante lo individual.
Referencia palacio de la asamblea: El claustro está ocupado por la presencia del tambor
central. El object troube está dentro. Planta geométrica cuadrada dimensionada de forma
moderna. Interior que es un exterior.
Pórtico de entrada 2,26x2,26 medida del módulos, que la gente entre por el cuadrado perfecto
de la humanidad, para acceder a ese lugar de conocimiento de saber, de estudio del hombre de
manera simbólica.
Racionalidad aun en lo más irracional. Muy importante el intentar llegar al existence mínimum,
conseguir la célula de vivienda mínima más pequeña posible, trabaja para conseguir una célula
lo más pequeña y que a la vez sirva su función y sea cómoda. Condensar todo en un espacio
pequeño. Comprimir al máximo la capacidad de vivir bien.

Chandigarh (India), 1953-1963 – Le Corbusier

1933 Carta de Atenas o ciudad funcional (CIAM). 10 años más
tarde, él adapta este concepto. 5 sectores en función de los usos
y necesidades: habitar, circular, trabajar, vivir y recrear.
1. Escala humana.
2. Los sectores. Cada sector tiene acceso a espacios verdes que
cruzan toda la ciudad.

3. Las vías. Deben ser rectilíneas y se ordenan de la V1 (la más

rápidas) a la V7 (peatonal)
4. Áreas de interés arquitectónico especial. Capitolio. Los 5
puntos están en su arquitectura.
5. Paisaje. La naturaleza cruza toda la ciudad. En india son muy
importantes los animales. Importante la relación entre el interior y
el exterior.
6. No levantar estatuas de personajes. Estatua mano abierta. La
mano abierta se interpreta como la oportunidad de la ciudad.
Mano abierta y mirando hacia arriba: es un axis mundi. Conecta
con el agua, que es la vida en india, momento mágico en la mano,
presencia mística. Mano abierta: distribuir las riquezas.

La esperanza plena en la consistencia de los materiales. El

encofrado está construido por los obreros. Precisiones sobre el estado actual de la arquitectura,
habla de la urbanización, no es gastar dinero.
25.04.2017
CRISIS DE LA MODERNIDAD (I)
“Team X” y New Brutalism: A. Van Eyck, J.H.van den Broek y J.Bakema, A. y P.Smithson

R. Wittkover “Architectural principles in the age of Humanism”

1951- CIAM VIII (Hoddesdom) -> Festival of Britain
1953- CIAM IX (aix en provence). “Parallel of life and art”
Vivienda Casa
Trabajo Calle
Ocio Distrito
Circulación Ciudad
1. Categorias canónicas: teoría funcionalista CIAM IV. La ciudad se puede compartimentar
según las funciones= entra en crisis.
2. Nueva propuesta categorías alternativas.
1956- CIAM X (Dubrovnik). Le Corbusier no participa
“This is tomorrow”
1959- Congreso de Otterlo -> TEAM X

Congresos internacionales de la arquitectura moderno ->

dominio de Le Corbusier.
Sabemos la importancia de cara a la ideología moderna.
Arquitectura que afronta las cuestiones de la actualidad.
Supera la 2GM hasta concluirse en el 1959.
Hoy vamos a analizar el progreso paralelo a los CIAM que
coincide con la 2GM y el terreno que provoca que los CIAM
acaben en crisis= TEAM X.
Foto en el que en el congreso de Otterlo decretan su desaparición y en plan sarcástico
sostienen la lapida de la CIAM (lo sujetan los jóvenes que se deshacen del dogmatismo y serán
los que formaran el Team X). A&P Smithson (Rama británica), Candilis, Josic, Woods,
franceses, se habían conocido en el despacho de Le Corbusier trabajando, Bakema & Van der
Broek (holandés), concepción de estructuras en esta corriente metabolista, Ralph Erskine, Aldo
van Eyke (holandés) Giancarlo de Carlo (Italia). Otros arquitectos como Coderch, Louis Kahn…
se establecen relaciones de correspondencia entre ellos.

1949 CIAM VII. SE publica un libro con gran relevancia, libro referenciado. Ensayo publicado en
el 49. Principios arquitectónicos en la edad del humanismo. Este trata temas de la arquitectura
del renacimiento. Todo lo que tiene que ver con el hombre (humanismo generalizado) es una
constante reivindicación después de la 2GM.
1951 CIAM VIII. Contemporáneo al festival of Britain.
1953 CIAM IX Contemporáneo a una exposición de unos jóvenes arquitectos que propondrán
categorías alternativas a las de la teoría funcionalista.
1956 CIAM X. Le Corbusier decide no participar porque ya no se encuentra a gusto.
1959 en Otterlo. Último congreso del CIAM y bautismo del Team X.

Estamos en plena posguerra, en periodo de reconstrucción.

The architectural review. En la portada pone: Destruction and reconstruction. Reconstrucción,
tanto física como mental (de la vida moral, civil y social). Reconstruir valores sobre los que
crecer= herida dogmática en las conciencias de la humanidad. La arquitectura busca nuevos
valores -> se ve en crisis.
Festival of Britain festival internacional que intenta presentar nuevos productos y modelos
para la reconstrucción.

Propone una arquitectura banal muy comercial, totalmente despreocupada; un diseño de mal
gusto. No remite a las tradiciones, quiere ser moderno, corresponde a cuestiones consumistas.
Sera criticado por arquitectos comprometidos.
Fena= presta atención a los aspectos espectaculares, escenográficos. Critican que donde
aparece la tecnología se trataba de forma despreocupada. Las arquitecturas + comprometidas
criticaban que era demasiado optimista, era una ficción que no respondía a los problemas que
habían en ese momento.
A & P. SMITHSON. 1953. Contraposición.
“Paralelismo entre vida y arte”. Provocación porque pone el dedo en la llaga de algo que ha
formado parte de la discusión, de la problemática entre la vida y el arte= representación de la
realidad, pero no es vida, no es real.
Estos dos conceptos siempre han marchado por canales paralelos, no convergentes=
vanguardias -> eliminamos la bifurcación (Douchamp). Obra bifurcación mundo realidad- arte.
Tema de la exposición= paralelismo vida- arte. Hacer converger los 2 temas.
Imagen banal tratado con nuevo recurso tecnológico (portada del catalogo de la exposición)=
señor que se esta afeitando a través de una radiografia= descontextualizado. Episodio de lo +
ordinario (que artista puede prestar atención)= nuevos medios que se acercan a la realidad
pero que se tiene que introducir algún grado de artisticidad.

Exposición (disposición paneles) -> Novedad= colocan los “cuadros” o paneles de forma
caótica. Algunos paralelos a la pared, otros los apoyamos, otros separados, otros colgados…
Rompemos con convencionalismo expositivo y ocupamos el espacio. Además no se ven
cuadros. Vemos de informalismo. No se ven cuadros, son fotografías de temas muy diversos.
Todos los sujetos están informados debidos a una transformación de su escala real. Proceden
de cualquier realidad pero se encuentran tratados de diferente manera, privilegiando la imagen.
Distorsión de la escala –> provocación acercar foto histórica con una célula; conjunción de la
exposición.
Alison y Peter Smithson= creadores de esta exposición.
Apertura de una visual distinta que quiere romper con los dogmatismos interpretativos. Los que
entran van a interpretar sin ser dirigidos. Es un campo experimental hacia una interpretación de
la realidad distinta.

R. BANHAM. Protagonista crítico de la reformación de la arquitectura de estos años. También

subrayará otro fenómeno importante de este mundo.
1950- Cultura pantacientífica= ciencia ficción= domina los periódicos. Producción vulgar
respecto de las producciones científicas. Valorada por la cultura de la época (y Banham).
Forma parte del mundo científico, es + ordinario… Acercamos a la ciencia el juego -> nos
interesa. Con todos los límites y deformación no se pueden unir la ciencia ficción de la ciencia.
Ahora acercaremos la ciencia a la vida real -> índice que puede llegar a todos el mundo
científico. Iconografía fantástica que tiene que ver con los últimos hallazgos científicos,
futuristas.

Mundo del consumo en la época de reconstrucción (también de mercados)= Plan Marshall.

Se muestra interés a la rama de los coches americanos. En publicidad vemos el mundo de los
coches americanos (en Europa nos estamos recuperando). Mundo ya consolidado= América
(riqueza, consumo, comercio).
EEUU no ha sufrido la guerra -> fábricas han seguido funcionando y la economía también. Los
anuncios se convertirán en inspiración en Europa (con coches…) y proceden de EEUU.

TEAM X Cultura brutalista. “Brut” recibe la cultura de la época (le beton brut, el hormigón de
Le Corbusier). The New Brutalism, articulo de Banham.

EDUARDO PAOLOZZI. Collages= técnica antigua pero los cambia.

Yo era el juguete de un hombre rico. 1947
Dr. Pepper. 1948
Cambio= los diferentes trazos son objetos del consumo. Iconos del
mundo de las revistas, de las mujeres, de las actrices. Revistas de
cotilleo, aparición de la Coca-Cola, del mundo de los coches y de los electrodomésticos (vida
doméstica con sello en EEUU).
Todas las imágenes están sacadas de revistas norteamericanas. Aparece además 1 palabra=
POP! (como ruido de pistola).
Real gold 1949. Iconografia con referencia al mundo del consumismo de masas. El pop
americano que se manifiesta sobretodo en los años 60.
El pop en verdad nace en Europa, no en EEUU, aunque la materia prima, el material es
americano. El primer pop es el pop crítico, Introduce la sociedad de consumo, de masas; la
crítica. En el segundo pop americano desaparece este aspecto crítico. Rentabilizan como
materia física.

R. HAMILTON. ¿Qué es lo que hace el hogar de hoy tan diferente, tan atractivo?
1956. Artista inglés. Aparece la palabra pop.
Sintesis de los tópicos de la época. Personajes de cine de la época
(hombre de gimnasio exhibe sus virtudes corporales físicas) en un
entorno donde encontramos un catálogo de electrodomésticos. Con
imágenes cinematográficas. Es un collage del presente, del mundo
moderno.
Pop art= para publico masivo, popular, pasajero, desechable, de
bajo coste, producido en masa, astuto publicitariamente… postura
desencantada.

N. HENDERSON. Fotografías en Bethnal Green Road. 1950-51

Dia de regata. 1952
Fotografias en un barrio periférico de Londres. Con su mujer que
tiene una beca sociológica y se tiene que someter en barrios
marginales. El le acompaña en la investigación y retrata la vida en
estos entornos. Pero su visión fotográfica será diferente.
Mercado de medias. 1949-52
Escaparate. 1949-52. Nos acerca el arte del pop. Toda la superficie
queda ocupada. Superficie “all-over”. Características de imágenes
(en absoluto monumentales) vulgares. Des del punto iconográfico
también all-over= ocupación generalizada del marco fotográfico sin jerarquías.

The Smithson Parrilla de los CIAM 1953. Aix en provence -> con fotografías de Henderson.
Cambio radical= frente a una introducción de valores entre la antropología y sociología.
Relación entre los habitantes, los ciudadanos. Ocupación del espacio público= debe aspirar
aquí la arquitectura. Los usuarios demuestran una empatía con el espacio. Niños= modelo de
relación con el espacio. Idea de casa, de calle (espacio vivido por los niños) y definidos en
términos funcionalistas.

The new brutalism. Beyner Banham. En la portada sale una obra (que sirve de inspiración
para el brutalismo= la capilla de Ronchamp de Le Corbusier. Relación entre escultura, forma…
importancia de la imagen, de la figura en el edificio. Presencia humana casi aplasta la
arquitectura.

A&P. Smithson. Escuela en Hunstanton. 1950-54. Planimetría clasicista. Espacios

jerarquizados entre ellos. Principio brutalismo= no excluyen nada. Pueden combinar planimetría
palladiana con interior brutalista.

Definición brutalismo según Banham=

• Memorabilidad como imagen= iluminación como edificio.
• Exposición clara estructura. No se esconden ni las instalaciones.
• Valoración de los materiales tal y como los encontramos.
Manera casi basta de exponer todas las instalaciones y todo tal cual. Enseñar las críticas=
voluntad explícita, provocadora.
Cultura pop= importancia extrema a la imagen, al icono.
Banham= memorabilidad como imagen. Como presencia visual es algo contundente, no nos
olvidamos. Imagen del consumismo de masas= por ejemplo el coche= veneración.

ALDO VAN EYCK. Se va a suiza durante la IIGM y en 1999 decide regresar a Holanda,
Amsterdam, donde trabaja para el ayuntamiento. Su primer encargo es hacer patios de juego.
Intentan convertir el horror de la guerra en algo positivo, los solares bombardeados se
transforman.

Playgrounds 1947: muchos solares vacíos debido a la guerra. Diseña más de 700 a lo largo de
su vida. Es un arquitecto singular cuya arquitectura está ligada a la capacidad poética de un
arquitecto. Búsqueda de la filosofía en la arquitectura. Estudiaba mucho, creía que ser
arquitecto iba a la par con escritor, que tenía que poder plasmar sus ideas por escrito antes de
proyectar. Cada una de sus obras es muy singular.
La forma para él era simbólica, tiene un significado detrás, el color también. Hay un juego, una
teoría del color asociada a la arquitectura, al espacio, que va a trabajar a lo largo de su vida. .
No es el arquitecto que más construyó, pero cada una de sus obras es una obra singular.
1. El método configurativo: es un método por el cual a través del término que él
denominaba “el elemento que define la unidad mínima”, “el módulo base”, van Eyck
configura una obra mayor pero la particularidad es que ese elemento mayor siempre va
a tener una forma que le interese, ese módulo debe derivar en una forma concreta. No
solo se basaba en añadir ese módulo indefinidamente, sino que se preocupaba también
de la forma global y lo individual.
2. Fenómeno gemelo: establece que existen unas dualidades muy claras, marcadas que
los arquitectos deben ver y responder a ellas. Por ejemplo: árbol es hoja, hoja es árbol,
casa es ciudad y ciudad es casa. Reciprocidad de dos elementos contrapuestos.
3. La estética de los números: le interesa contar, ver cómo en los templos griegos por
ejemplo hay unas columnas marcadas por un ritmo.

Orfanato en Amsterdam, Aldo van Eyck. 1955-60

Viajó a unos pueblecitos en Mali, de las culturas “dogon”, no
influenciadas por la arquitectura moderna, ancestrales. El hombre
moderno puede recordar lo que ha olvidado por el camino de la
industrialización. Cuando vuelve proyecta la cubierta del orfanato
que recuerda a unas dunas, genera un paisaje muy desértico,
acababa de manera redondeada en los límite. Ejemplifica el método
configurativo, hay un módulo base, un módulo más grande que son
3 pequeños y una forma final. El edificio parece que puede crecer
indefinidamente. Puede crecer pero no de cualquier manera, se
preocupa por la globalidad, esa es la clave de su método
constructivo. Tiene que tener un orden interno a la vez que
mantiene ese modulado interior.
Es una pequeña ciudad, con calles, plazas, cruces. A través de un pasillo central se asimila que
el edificio es una pequeña ciudad. Se centra tanto en la individualidad de cada una de las
soluciones como en el edificio global. Unidades interiores. Superposición perpendicular.
En su esquema hay una diagonal, otra perpendicular a ellaà hay un orden global. También hay
un decalaje por pisos. Sistema modular a través de prefabricados de hormigón.
Hilera de ventanas que separa la cubierta de la parte más baja (vidriada o maciza). Estaba en
contra de edificios en los que todo es vidrio. Se necesita la dualidad opaco, transparente.
Marca una línea horizontal que para van Eyck es el horizonte. De ahí hacia abajo es un mundo,
y hacia arriba es otro mundo. Geometría de los fractales: generar formas a partir de una figura
geométrica inicial. No quiere decir que sus edificios fuesen fractales. Planta baja aulas, plata
superior dormitorios (separadas por esa viga/horizonte)
Van Eyck consideraba que esa tradición se tenía que incorporar a la actualidad. Ambas pueden
converger. Edificios modernos, pero con ese arraigo tradicional.

Los círculos de Otterlo, 1959. La tradición debe integrar a la modernidad, ambas pueden
converger, generar edificios modernos con unas tradiciones vernaculares.

La iglesia de la Haya 1964-69

Personas sentadas en una colina que miran hacia dentro,
concéntricamente. Gente sentada mirando hacia el horizonte. El
hombre está vinculado al centro y al horizonte. Fenómeno dual.
Horizonte y centro son compartidos por todos los que se sientan
y ambos unen y atraen. Valor de comunión y a la vez de
individualidad.
A partir de un rectángulo base se configuran unos círculos. A
través de los círculos y la luz que viene del techo se genera un
gran espacio, una atmósfera única. Esta iglesia es como una
deconstrucción de una iglesia gótica. Elemento central, como la
nave central a la que se accede de lado y al final de la nave no
tienes nada, contradice la lógica gótica del eje central al que va
el altar. Otro eje perpendicular donde sí que está el altar y el
lugar de reunión. Las entradas las remarca con dos círculos, uno
de entrada y uno de salida. Es un cuadrado completamente
cerrado desde fuera: la casa de Dios está cerrada al exterior
pero abierta hacia el cielo, con unos cilindros en cubierta (abierto a la divinidad) y un elemento
más alto, el eje central.
Vigas vierendeel que marcan el camino y te van distribuyendo.
Cilindros de luz que iluminan no solo el altar sino a las personas, es un cambio importante en la
lógica cristiana. Individualizada la luz, puedes estar en tu cilindro de luz y entiendes que Dios te
habla a ti. Singulariza la conexión divina.

Sonsbeek pavilion 1965-66

Zona para colocar una exposición de esculturas. En un pueblo
entre Amsterdam y la Haya, plataforma circular con una serie
de muros rectos + curvos. Consigue múltiples conexiones
visuales, diagonales, riquísimas. La cubierta genera una luz
difusa para que no haya grandes sombras en las esculturas.
Cubierta de vidrio opaco que difumina la luz.

Hubertus house 1973-81. Amsterdam.

Casa para familias monoparentales. Había un edifico existente.
Ahí se ve la teoría del color, gradación del color desde la PB
hasta la planta alta. Bloquea la puerta inicial y genera una
puerta nueva con un umbral entre la calle y la casa. Patio con
una terraza. Sigue existiendo ese método configurativo. Es más
complejo, trabaja muchos aspectos más. La PB tiene un acceso
muy retorcido con muchas situaciones, para van Eyck nada era
inmediato. Paso del lugar público al lugar interior que se podía
producir de manera gradual (escalones, barandillas, terraza,
umbral, recibidor, puerta).

ALISON & PETER SMITHSON.

Se conocieron en Reino Unido. 4 niveles de asociación: vivienda, trabajo, transporte y recreo.
No les vale, ellos dicen: casa, calle, distrito y ciudad. Cambios graduales en los que cada uno
permite pensar las cosas de manera distinta. Los alemanes habían bombardeado Londres,
tenía grandes déficits. Además la industrialización inglesa del S XIX había producido un
estancamiento de polución, ruido…

Gloden Lane 1952, Londres. Acto de apropiación de la calle. Época del Londres de la
postguerra, Inglaterra no tenía mucha ayuda de los americanos,
tenía grandes déficits de construcción de viviendas, problemas
higiene, contaminación y la ciudad había sido bombardeada.
Buscan conexiones a escala de ciudad, no tanto edificio
concretos. Tienes que coger medidas más globales sin olvidar el
edificio.
La calle no solo significa acceso sino que también es un lugar
para expresarse socialmente. En estas calles encontramos la relación casa-calle. Elevan las
calles porque en la propia calle no es posible.
Sus edificios generan unos espacios protegidos del exterior, el ruido, el caos. Mediante
ondulaciones del edificio.
Escriben mucho, Urban structuring. Intentan pensar mucho sobre como hacer la mejor vivienda
pública con la mayor calidad posible.

Robin Hood gardens 1952

Entorno muy hostil, cerca del puerto, centro de Londres, cerCa de
una autopista… Mucha contaminación. Proponen un par de
edificios para generar un espacio central verde. Los posibles
residuos de obra se colocaban en el centro y se cubrió con
hierba. Conseguían que los niños no jugaran a futbol en medio de
forma que quedara libre para descansar en el parque.
Las viviendas están a los lados. Independencia de accesos para los coches y para los
peatones. Segregación de tráfico rodado y peatonal. Sistema de tiras verticales para detener el
ruido, sistema de protección con unas barreras acústicas. Las ventanas se abren de forma
pivotante horizontal: se abren, pero siguen protegiendo del ruido. Las estancias más
importantes de descanso estaban al otro lado, en la zona tranquila. Crítica a la Unité de le
Corbusier: el pasillo se lleva al exterior, con vistas, relación con el exterior que permite un
sistema de comunicaciones muy distinto. El verde lo abraza todo. Crítica: era para vivienda
social, no se cuidó, dejadez en el colectivo. Ahí vivía gente de clase baja. Acabó demacrado.
Actualmente está en peligro de demolición, ya que ahí el suelo es muy caro y se está
apostando por edificios en altura.
Diferencia entre As found y Object Troube: As found es trabajar con lo poco que se tiene.

Influencias del Team 10 en Le Corbusier: sabía cuáles eran sus carencias y hacia donde iba
la arquitectura. Se dejaba influenciar. Esos últimos años de le Corbusier, se ve en sus
proyectos una clara mirada a los del Team 10. Le Corbusier, al final de su vida, ya había
demostrado todo lo que tenía que demostrar, así que empieza a investigar en diferentes
campos y aspectos, y genera esta última etapa. Podemos ver el Hospital de Venecia (1965),
proyecto vasado en el sistema web, patchwork, ventanas en el techo, se coloca en un extremo
de Venecia. A través de un sistema de calles, plazas centrales y celdas para los enfermos.
Completamente cerrado pero abierto por arriba. Elevado sobre los canales. No se pudo
construir. El centro Carpenter. Es un edificio que solo se puede entender a través del
movimiento. Es un paso natural para llegar al campus. La forma misma ya es dinámica. Edificio
Olivetti: Superficies blandas. Planta baja de “cuevas”, lugares cavernosos.

Hospital Venecia Centro Carpenter Edificio Olivetti

25.04.2017
CRISIS DE LA MODERNIDAD (II)
Deriva Situacionista y Utopías Megaestructurales: G.Debord, Constant; K.Tange,
Archigram.

LETTRIST GROUP (París 1946) (arte de las letras)-> Letrist international (París 1952-1957)
+ COBRA (Copenhague, Brussels, Amsterdamm 1948-1950) (artes visuales) -> International
movement for an imaginist Bauhaus (1954-1957)
Estos dos movimientos produciran =
First world Congress of free artists -> situations international 1957-1972
Detournement:
· Técnicamente sencillo
· Anónimo/Expresión colectiva
· Juego
Psicogeografia – Derive – Urbanismo Unitario

Movimientos aversivos que abarcan la década de los 50 y los 60 (el primero deja el legado que
el segundo recibe), contestatarios radicalmente extremistas y mantienen una conducta
polémica frente a lo que es la convección no solo de la arquitectura o del arte sino también de
la ley de vida de las formas.
Características peculiares:
• Se diluyen los límites de la disciplina (no estrictamente arquitectónicos sino
interdisciplinar).
• Rompen los confines perfectos de lo que son las disciplinas.
• Edersivos, extremistas respecto status quo.
• Conducta polémica respecto a la convención.
• Movimientos con actitud revolucionaria- poner en crisis radicalmente el sistema (el
sistema tanto en la disciplina arquitectónica como en la vida en general).
Los dos movimientos que veremos será, SITUACIONISMO – ARCHIGRAM
Detournement= actitud que desvia los comportaminetos diferentes. Excepción como norma,
en contra de todo lo que ya esta definido. Técnicamente sencillo, anónimo (expresión
colectiva), juego.
Psicogeografia= añadir a la geografía algo que tiene que ver con la psicología que remite al
individuo. Deriva= forma de vida ensayada por los situacionistas -> urbanismo unitario.

Francia e Inglaterra: posturas ideológicas opuestas. Los franceses plantean la lucha, la

resistencia y los ingleses se riden, aceptan la derrota.

SITUACIONISMO. Guy Debord es el ideólogo de este movimiento, (cartel de la international

letriste)
Es un cartel que nos orienta de lo que querrá decir, dice que
construimos a nosotros mismos una situación sin futuro, sin
porvenir.
En su ideología el término situación quiere decir que es una
experiencia con cierta procedencia pero tiene que ver con un
particular uso del espacio y del tiempo (rasgos distintivos); estos
le dan identidad.
El arte en ese momento ya ha superada todas las vanguardias,
ya que es un arte nihilista. El arte ya no se puede reconocer en la pintura, en la escultura, en lo
tópico; el arte debe ser la capacidad de vivir conscientemente y unas peculiaridades de
comportamientos en las situaciones colectivas que nos encontramos. (Construimos de nosotros
mismos una pequeña situación por venir).
La otra peculiaridad que tendrá es sin por venir, no nos interesa hacer arte para el futuro, hay
que explotar al máximo el momento, la situación que enriquece a los que participan y sin
proyección hacia el futuro. La situación no tiene nada que ver con la idea tópica que tenemos
de proyecto (de vida también). Remite al dadaísmo y al surrealismo: separación entre arte y
vida, entre representación y presentación.
Debord dice que superamos a estos dos. Estos dos marcan el final del arte moderno. No
somos seguidores de un arte y menos moderno.
Dadaismo y surrealismo tienen sus peros (según Debord). La supresión y la realización del arte
son aspectos inseparables para apirar al arte. Performance= situaciónn
El dadaísmo a querido suprimir al arte pero se ha desprovisto de la capacidad de realizar algo,
y por otro lado el surrealismo ha querido realizar el arte sin suprimirlo.

Ch. Dotremont toma las medidas de Composición X 1924 de Van Doesburg en casa de Van
eyck en el montaje de la exposición COBRA en Amsterdam. El arte ahora se tiene que medir?
Salen los cuadros de Van Doesburg; la broma que hace es Dotremont es medir las formas
geométricas del cuadro, ya que ahora parece que vamos a medir el arte. Un protagonista
relevante en el grupo COBRA será Asger Jorn

Asger Jorn, Guillaume Apollinaire. 1956: Una masa, que se mueve entre surrealismo e
informalismo matérico. Es una pintura de corriente postexpresionista (expresionismo histórico).
Con una deformación de la figuración y un fuerte impacto de las masas cromáticas.
Hace una evolución y llegamos a Grande beso al cardenal de America, 1962. Una obra que son
restos de un cuadro probablemente histórico que ha sido manipulado y transformado, es decir
ha sido desviado.
La vanguardia no se rinde, también ha sido desviado. Si teneis pintura histórica no desesperéis,
desviarla, modernizarlo, ponerlo al dia y desviarlo a estos tiempos. Yo quiero rejuvenecer la
cultura, empezaré con el arte. Solo el que es capaz de desvalorizar será capaz de crear
valores..
Deutornement es la desvalorización para crear nuevos valores. Actitud de total distorsión del
pasado (no es arrasar, es desviarlos).

Manifiesto de la internacional situacioncita (1959) en este diagrama podemos ver un

diagrama que conecta conceptos y que quieren dar las coordenadas de la formamentis que
adoptaría este grupo de las situacioncitas. Nos habla entre relaciones de diferentes conceptos:
juego permanente, psicoecografia, arquitectura situacionista… Conceptos conectdos que
quieren dar la forma de este grupo de situacionistas.
Idea de juego como forma de pensamiento: Home Fabens es la columna del movimiento
contemporáneo del capitalismo (sistema de producción industrial), y debería ser substituido por
el Homo Ludens, es el juego al que damos valor ahora en contra de la producción. La
producción es lo que nos ha llevado a la lógica capitalista, por eso cuando hacemos hincapié
en el juego es por su valor productivo.

Manifestaciones que no tienen que ver con la pintura tradicional:

Pinot Galizio 1959 Caverna dell’antimateria. Espacio transformado con telas, pintura, varnices,
pintado de negro para eliminar luz natural… donde se realizaban performances (actuación
indefinible). La performance, es un experimento absoluto de transversalidad entre disciplinas,
no es ni pintura, ni arte, ni teatro, ni danza.
1958 La sirena e il pirata
Son rollos que quieren ser una actitud polémica, a partir del unicidad de la obra, él va pintando
cosas fuera de la figuración casi como si fuera una máquina de pintar, encima de un rollo que
se va desenrollando y luego cortare un trozo de un metro y lo pondré a la venta en galerias.
Esto es la vulgarización, la parodia de lo que es el sistema del mercado del arte.

A. Debord- A.Jorn. Guide psychogeograpgiue de Paris: discours

sur les passions de l’amour, 1956. Pasar de un barrio a otro
contempla una intensidad, un bajón de la situación emotiva ligada a
la pasión de amor, estos autores decían. Trabajan sobre la ciudad
histórica, París. Realizan guías psicográficas de atmosferas
psíquicas.Situaciones emotivas deberían ser levantadas en una
planimetría. Partes de la ciudades conectadas con vectores de
diferentes intensidades. La experiencia del amor hará las diferentes intensidades; y pasar de un
barrio a otro será un bajón de la embriaga del amor. de Recorrido que sigue la deriva=
vagabundeo sin meta que tiene sus relaciones con el flaneur Baudelaire. Ahora, pero prestara
atención a las deformaciones mentales. Busca estímulos que le pueda generar alucinaciones.
Deriva situacioncita: lo maravillosos está en la realidad no en la surrealidad, lo maravilloso está
aquí, en la ciudad, en la calle.

La sociedad del espectáculo (anticapitalista). Debord en el librito viene a decirnos que todo lo
que forma parte de la vida contemporánea viene formar parte de un circo, del espectáculo que
enriquece a los capitalistas, es un libro de denuncia y que sin embargo es profético ya que
nosotros ya sabemos que todo eso es un circo pero en los años 60 eso no era tan normal.
Era un grupo minoritario que tuvo un efecto destructivo en los jóvenes de aquel entonces, de
allí salió todo el movimiento del 68 y desde el punto de vista teórico que cuenta Debord es de
una gran actualidad respeto al sistema que vivimos.

New Babylon, Constant Nieuwenrings, 1959-74

Constant se plantea una ciudad (New Babilon) sectores
separados del suelo. El hombre puede hacer que la fuerza bruta
sea la máquina, y los sectores son algo independiente. Vida que
se genera con relaciones, no alienantes, no productivas.
Sectorización, geografía autónoma que se impone sobre el
terreno a modo de laberinto para poder extraer de este terreno lo
poco que le queda de la vida. Entre este laberinto de Constant y la
primera propuesta del cluster de los Smithson ha habido 10 años
de evolución.
Constant se funda en el 1957. Urbanismo, crítica del arte y vida
plena. La vida en la sociedad ha quedado como una
reprensentacion, es necesario una teoría y una práctica contra el
capitalismo. Nueva arquitectura y nueva ciudad hecha por medio
de la misma representación (collage…) El arte es importante en
este proyecto, es un proyecto vital, dura muchos años (hasta el
74). Constituye la idea de nuevo hombre, o un espacio social que acoge al nuevo hombre.
Plantea solucionar los problemas sociales. La concepción de la ciudad está basada en un
extremo funcionalismo, los encuentros son muy importantes, se plantea un suelo fértil.

Cualquier lugar es accesible a todos, la vida nace sin límites a través de un mundo que se
transforma.
“La sociedad del espectáculo” Libro que expresa su idea del mundo. Todo el mundo tiene la
misma voluntad y expectativas, quiere cambiar eso.
Estructura muy técnica que es esa época no se podía hacer.
Constant dice que el sector es la unidad mínima. La escala de
estos elementos depende de las relaciones sociales
(neobabilonios). Se puede ir modificando y adaptando según
las necesidades de cada habitante. Un espacio lúdico: no puede
existir la configuración estática de los desplazamientos de la
ciudad. Estos laberintos ya no son estáticos como el laberinto
clásico, se conforman a través del pensamiento del colectivo, no
del individuo, sino serían imposibles de crear. No tiene sentido la organización convencional.
Los sectores están elevados, eso le llevaba a pensar diferentes soluciones acústicas, hablaba
mucho de los procesos tecnológicos para construir la ciudad. En ese momento no existen los
medios para hacerlo, pero ya empieza a hablar de titanios suspendidos, etc. Los núcleos
verticales cosen los niveles horizontales donde se cose la ciudad y la vida. La vida es la que
conquista el espacio y no al revés.
Proyectando y teorizando sobre el New Babylon 20 años. A principios de los 70 se desilusiona
por la crisis y se da cuenta de que dar rienda suelta a la imaginación no le llevara a ningún sitio
y empieza a plasmar el apocalipsis. Abandona el proyecto y lo retoma 10 años más tarde
cuando ya se han hecho progresos. Proyecto muy polémico en la escuela de arquitectura y de
bellas artes. Gracias a estas discusiones se fue gestando una nueva idea de urbanismo y en
como plantear los proyectos docentes.
Hay un momento en el que Constant pinta la ciudad y le parece algo muerto, lo que no es nada,
“Terrene Vagué”

Enric Miralles plasma el alzado de los Smithson con letras. Suelo Gàground. I vigas en I. H
chimenea y tronco. T tree… Ambos expresan las plantas de sus edificios con caligramas.
“Nueva Babilonia es el trabajo de los nuevos elamitas por separado, el producto de su cultura.
Por eso, es solo un modelo de reflexión y un juego” Constant era holandés, una zona muy
castigada por la IIGM. Acercamiento al tema social.
Sistema que no se puede materializar pero que puede ser que algunas partes concretas,
barrios se acaben haciendo con estas ideas.
Replantearse el cómo vivir, el pasear por la ciudad y descubrir cosas, las variaciones de la vida
cotidiana se convierten en proyectos muy complejos. El módulo se rompe, se magnifica y
aumenta su tamaño a escalas enormes.
Metabolismo: a través de estas megaestructuras, desde la arquitectura se intenta cambiar la
sociedad. Aparecen nuevas corrientes también filosóficas como el situacionismo.

ARCHIGRAM: Años 60. Estamos en otra época y en otro país (Inglaterra), está compuesto por
Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crampton, David Greene, Ron Herron y Michael Webb.
El grupo archigram quería ser un grupo en que todos los componentes tenían el mismo poder
dentro del grupo, y se llamara así porque no es ni más ni menos que la conjunción de dos
palabras que componen entre ellas arquitectura y telegrama, una arquitectura que en cierta
medida que quiere ser una arquitectura de la velocidad del tiempo contemporánea y que tenga
una comunicación instantánea.
Ellos no realizarán nada, no hay ningún arquitectura construida, será muy importante la
contribución que harán al mundo de la arquitectura y concebir la arquitectura como un medio de
comunicación, algo que comunicaba y de forma no profesional.
Este grupo aspira a comunicar la arquitectura a través de los medios visuales que sean
comprensibles también a nivel popular, el ideólogo de este grupo es Reyner Banham
(imágenes él en bicicleta y caricatura)
El será el que nos pone en alerta respeto a lo que podemos ir encontrando en la propia postura
de los archigram, en opinión propia, frente al extremismo existencial situacionista, nos puede
parecer un poco más superficiales, más frívolos.
Archigram 4 1964. La revista es un tema importante de identificación del grupo que será una
apertura a arte visual que se quiere introducir a la arquitectura, al mundo de los comics, el
mundo del POP art, que son los cimientos de la cultura visual que tiene el grupo archigram.
Capacidad de representación mucho más valida que la arquitectura.

Fun Palace, 1959-61, Cedric Price, London: centro comercial,

uno de los grandes edificios de la archigram. Estética radical
que recuerda al Pompidou. La idea de museo se quiere
transformar en el gran supermercado del arte, diversión+ arte
(centro pompidou). Ya no es de cristal, es de ocio. Su propia
configuración nos remite a una época post-industrial Consideran
que hay un sistema nervioso (conectores, estímulos, luces,
sonidos, pantallas), sistema vascular (circulación, cintas
mecánicas, ascensores), esqueleto, sistema óseo (estructura).
Estructura que lo coordina todo. Genera un espacio adaptable
a cualquier situación posible. Gran contenedor que a partir de
diferentes elementos (escaleras mecánicas, ascensores…) se cose. En una misma escena se
pueden producir diferentes actividades. Diversidad, que no haya límite y que esté limitado a su
vez. Que no haya un área para cada cosa, la gente determina el área, genera esa área al estar
y desplazarse. Se da importancia a la gente. Con la máquina se llega a la máquina.

Como no hay encargo tampoco hay un emplazamiento. Hay unas ciertas condiciones: cerca del
rio, cerca de una zona comercial grande, una zona verde, que tenga la capacidad de
evolucionar más…àemplazamiento estratégico. Plantean como emplazamiento la orilla del Lea
River.
Idea principal: núcleos de servicios que unen los espacios. Hay unos elementos pivotantes que
van fraccionando el espacio. Malla estructural donde las cosas cuelgan, y el núcleo de
comunicaciones esta embebido. En planta hay dos costillas laterales (malla), se conectan con
puentes y pasarelas pivotantes.
No triunfó porque nadie confió en este proyecto. Se publicó mucho.
Es una mega estructura que es capaz de absorber las comunicaciones tanto de instalaciones
como de personas. Hay un discurso de la espacialidad. Se reconocen bien las células, es el
más arquitectónico de todos.

Warren chalk y Ron Herron, City Interchang 1963-64. Walking

city.
Respecto de la idea de una casa y de cómo representar una
casa con términos adecuados forma.
Cuando la casa contiene un conjunto de tuberías, válvulas,
desagües… cuando contiene tantos servicios que su entramado
se aguantaría por si solo sin ayuda del edifico qué sentido tiene
acudir a una casa para sostenerlos?
Nos hablan de ciudades vagabundas, de ciudades que andan, en la imagen vemos unas
capsulas que andan que se mueves y que parecen contenedores urbanos.
A nivel de capsulas individuales, la capacidad de archigram avanza, el propio ámbito de la
cáscara individual, en condiciones para individualizar, la arquitectura es algo que cubre
literalmente el habitante, que se adapta a sus exigencias más individuales ya que define un
envolvente mucho más físico y orgánico respeto lo que es la unidad estandarizada de la célula
propia.

Idea de la Plug-in City typical section Peter Cook 1964

Capsulas colgadas individuales o colectivas, no es una ciudad proyectada para todos sino que
es una idea de acampamientos turísticos, es decir que sea una estructura que tiene una
instalación básica y después se conecta todo allí.
Recursos publicitarios donde encontramos herencia de la cultura situacionista.
Las ciudades deberían reflejar y situar la vida, deberían incrementar movimientos, los
happening, el transitorio mundo de usar y tirar de la gente son tan importante o más
importantes que el contexto edificado.
Todo este mundo que hemos estado visualizando ahora es la primera vez que se está
incorporando dentro del mundo de la arquitectura.
Es un mundo bastante complaciente con la sociedad el momento como los Beatles, es un
mundo que acepta el consumismo de la época, que acepta un relativo optimismo que
naturalmente nace de esta actitud de complicidad con lo que son las claves de la época, con lo
que es la iconografía, es un movimiento que delata cierto optimismo frente con lo que sucede
con los situacioncitas, que son radicalmente contestatarios, y como en el caso de Debord son
pesimistas con las situación del presente. Personaje herido casi machacado por el sufrimiento,
por la complejidad del sufrimiento, de angustia de vida de no encontrarse a su gusto, de este
mundo capitalista y acabo suicida después de esta época pero podemos incluso entenderlo
como una desadaptación de la ideología de Debord, no se encuentra bien en este mundo y
quiere destruirlo para poderlo cambiar, demostrando un talante que es opuesto a esta
arquitectura que encarna los archigram.

Plan para la bahía de Tokio. Kenzo Tange. 1960.

Arquitecto y urbanista japonés. Forma
parte de la corriente del metabolismo.
Tratar las ciudades como seres vivos
cambiantes que crece en relación a las
necesidades de los habitantes. Influido
por planes urbanistas anteriores a Le
Corbusier.
Como aparecen los vehículos, la escala de la ciudad varía, varían las distancias. El automóvil
transforma las relaciones entre calles y edificios. Propone un eje enorme para organizar por
niveles el tipo de vía. Autopistas y autovías, calles para peatones, coches… cuanto más
pequeño, menos velocidad.
Jane Jacobs dice que se etiqueta al automóvil como el villano, que los urbanistas modernos no
saben que hacer con ellos porque tampoco saben urbanizar una ciudad: crítica.
La idea de ciudad, de metrópolis se ha traspasado, es una ciudad territorio, que se extiende y
no sabes donde acaba. Todo esta antropormorficado, tocado por el hombre, ya no hay una
diferencia clara entre lo que es campo y lo que es ciudad.
Descongestionar la ciudad. No centraliza, crea un eje y a partir de él distribuye las viviendas.
Es un sistema lineal. Descongestiona a través de la superposición vertical del tráfico, es un
tráfico que se va jerarquizando. Hay plazas, zonas administrativas… Se presenta al CIAM XI
Otterlo 1959. Otro proyecto suyo: Urbanización del puerto de Boston. Costillas en forma de A
que funcionan como un puente que se colocan sobre el agua. Viviendas en la planta alta.
Herencia de la Cità Nova de Antonio Sant’Elia (1915) y de la Wohnberg (montaña de
viviendas) de Gropius (1928)
Reyner Banham reflexiona al final de su carrera,
las megaestructuras ya existen desde hacía
tiempo. Cuando tiene que defender algo tan
maquínico como una megaestructura, acude a
las megaestructuras del pasado. Habla del
Puente Vecchio. Puente + Viviendas + Galeria de
los Ufficci: agua, gente, comercio y finalmente un
corredor que comunica la zona de museo y la del
palacio. También acude al London Bridge. Puente que tiene cosas encima, funciona como una
megaestructura. Zona de aduana, casas, industrias… También palacios del S XIX que parecen
palacios y por dentro son simples estaciones de tren. O las petrolíferas, que tienen una
estructura y unas cápsulas y conectores que van haciendo relaciones complejas entre unas y
otras. De los avances que se realizan para los materiales de la guerra, nacen estas
megaestructuras.  
04.05.2017
CIUDAD Y ARQUITECTURA: ENTRE HISTORIA Y POP ART.
A. Rossi y R. Venturi

ROBERT VENTURI  
1955- American academy in Rome  
1966- Complexity and contradiction in architecture.

ALDO ROSSI- Casabella

1955- Architetura della città
1962- Cuneo Monument
1966- Barrio Gallaratesse (Milano)
1976

Las posturas de Robert Venturi y las de Aldo Rossi son casi puntos de vista o visiones
confrontadas pero complementarias y necesarias.
Importante los tiempos y los contextos
Venturi cultura americana, pop (años 40-50 en Inglaterra).
Rossi: heredero de la preexistencia ambiental (en la revista casabella) Italia.
Dos posturas reciprocas que tienen que ver con sus contextos y los tiempos históricos. La
confrontación sobretodo se ve en los dos libros que acaban produciendo ambos (arriba).
Ambos comparten la misma fecha de publicación 1966. Ambos van construyendo la historia en
el centro y ambos van definiendo sus posturas ideológicas.
Parten de una misma necesidad, recurrir a la historia, crisis, es lo único a lo que se pueden
agarrar, surgen dos ramas: el racionalismo arquitectónico, ciencia, razón (Aldo Rossi), entiende
que el movimiento moderno debe continuar, continuación de Rogers. Venturi al contrario
plantea jugar con el lenguje y atender a los momentos de la historia en los que el lenguaje
había sufrido, después de la monumentalización, acaba derivando en el pop art, el
postmodernismo.

ROBERT VENTURI. Primera imagen proviene de la cultura cinematográfica (un americano en

Roma). Riqueza cultural que se ve complementada con el título. Venturi estancia en Roma en
el 55 becado por la academia estadounidense. Necesidad de ir a Europa, como Louis Kahn,
por que consideran que se ha estancado. Estancia en Roma que le permite viajar. La mayoría
de los apuntes incluye también el final de la bota, y acudiendo al limite de expansión de
Grecia. Además es una situación política. Estrategias ideológicas que hacen mover a estados
unidos para tener alianza con Roma e Italia= los aliados han liberado roma de las tropas
fascistas. Roma es un interés norteamericana en la inmediata posguerra (guerra fría, europa
dividida en dos). Origen de la comunidad económica europea con el tratado de Roma. La
única potencia que estaba claramente del lado de los americanos eran Inglaterra. Roma era la
cuna del partido comunista y podía ser que pasaran al otro bando. Entonces Roma y Francia
eran importantes para que luego diera lugar al Plan Marshall. Bolcheviques y democracia
cristiana.
American Academy in Rome (en construcción 1912-1914). McKim, Mead & White.
En el año 46 vuelven a poner en formación a nuestra academia y llevar a nuestros mejores
arquitectos y al volver se metían en la CIA y empezaban a construir embajadas (embajada USA
en Rio de Janeiro Harrison & Abramovitz (1948-1952); Embajada USA en Angola de Louis
I.Kahn; embajada USA en Frankfurt (SOM, Owings & Marris).

Formación de Venturi: se gradua en la escuela de Pensylvania y es becado para ir a Roma. En

1955 reside en la academia americana de Roma. Había pasado por ahí Louis Kahn que marcó
a todos los americanos que iban a Roma a aprender. El aprendizaje de Venturi pasa por la
herencia de lo que ha dejado Kahn en las aulas. La importancia de arquetipo, entender la
arquitectura como el final de un proceso, una ruina y la historia como non finito. Venturi se fija
en el barroco y en el manierismo. Donde el lenguaje alcanza su penitud.

Esto es importante para entender la voluntad de un libro que parece muy visual; pero es un
ensayo político, económico y de intereses económicos muy importantes. Solamente cita a
un poeta, a Elliot, el gran poeta americano. El único con derecho propio a aparecer en la
introducción. Y el único poeta que también sale fotografiado en el discurso de Marshall
(pronunciado en Harvard, en una Universidad) es Elliot otra vez. Poeta que legitima el mensaje
que quiere explicar Venturi en su introducción.
Espíritu de complejidad y contradicción= querer asumir que la arquitectura es un lenguaje y
que como tal puede ser analizado y criticado con las mismas herramientas con las que puede
serlo el lenguaje con sus formas (sintagmas verbales, nominales, que es un sintagma, un
predicado…).
La arquitectura es un documento que hay que interpretar.
No podemos seguir haciendo lo que hacen los arquitectos modernos. Venturi ira en contra
de le Corbusier, de Mies, y de los 5 puntos de la arquitecturas (la propia Ville Savoye esta llena
de contradicciones.

Prefiero lo hibrido a lo puro, lo ambiguo a lo articulados, los distorsionados a los obvios, los
tergiversados que a la vez son impersonales a los aburridos que a su vez son “interesantes”, los
convencionales a los “diseñados, los que buscan el acuerdo a los excluyentes; los redundantes
a los sencillos, los que hablan del pasado a los que son innovadores, los irregulares y
equívocos a los directos y claros. Me manifiesto en pro del non sequitur y proclamo la
dualidad. Estoy a favor de la riqueza de significados frente a la claridad de significados; de las
funciones implícitas frente a las explicitas.
Manifiesto político (uso de cualquier esfera cultural del lenguaje). Como la arquitectura
transmite mensajes. Si renuncio al lenguaje la arquitectura se queda huérfana.

Roma es el espacio cívico, sus plazas. Vives la ciudad a escala albertiana. La ciudad es una
casa, la casa es una ciudad. Este espacio cívico, vivido es algo que experimenta Venturi, que
no conocía un Americano.
Edward Steichen (MoMA 1955). The family of Man. Comisario de la exposición fotográfica
más importante del momento. Casi 1000 fotos de 88 fotógrafos. Fotografías que sitúan el
hombre en el centro. Exposición que reúne a todos los fotógrafos del s. XX. Pero el único
requisito es que sitúen al hombre en primer plano (la familia del hombre, el hombre es el centro
del mundo). La vida vuelve a ser el centro (centro que busca también Venturi en sus fotos).
Todas las fotos de su viaje tienen que aparecer gente. Ensayo visual, secuencia de fotografías
que Venturi ira acumulando.
1972 manifiesto. Learning from las Vegas. Salda su deuda con Italia, con Roma. El libro que
habla de Las Vegas, la idea de trama urbana es Roma también. “Para nosotros los jóvenes
arquitectos americanos de los años 40, familiarizados con el automóvil, sus ciudades “rejilla” y
las teorías antiurbanas de sus generaciones predecesoras, los espacios de tradición urbana, la
escala humana y sus mezclas de estilos presentes en las plazas italianas fueron una importante
revelación. Redescubrimos la plaza”.
La plaza es la riqueza de estilos, el poder leer en sus fachadas el tiempo.

Plaza mas grande, la proyectada por Bernini, plaza San pedro. Esta plaza también es una
casa que cobra sentido en las celebraciones de por ejemplo la Semana santa. El pudo asistir.
Cuando entra a la plaza y luego a San Pedro, y escribe que es como Broadway, es americana,
es un espectáculo (quiere ver el interior de la basílica como una calle). Vaticano, el gran
espacio público, cerrado y abierto a la vez. Ve el baldaquino de Bernini (barroco, aire, nada), lo
compara con las stiler girls de Great Ziegfeld.
El quiere ver América claramente en el centro de la misma roma.
El cine recurre también a este escenario, buscan Roma como escenario que quieren
conquistar.
1. política
2. urbanismo
3. arquitectura.
Arquitectura. Foto hecha por Denis (se conocen en Roma, esta haciendo un stage en Roma).
Des de entonces no se separaran jamás y le acompañara en sus viajes. El manifiesto hay que
situar a Denis en el origen del libro.
En una misma lámina Venturi se atreve a juntar obras muy diferentes. Mezcla todo para
construir un nuevo lenguaje. Las imágenes son el soporte narrativo de un mensaje articulado
des del lenguaje. Operación previa= método con las que las universidades americanas están
aprendiendo a analizar la historia.

1947. Colin Rowe. “The mathematics of the Ideal Villa”. Architectural Review. Aquí encuentra
la estructuras internas de las obras de arquitectura; la diagramación. En este artículo Rowe
compara dos obras que distan 500 años de diferencia; destruyen el tiempo. Da igual cuando
se hacen; no hay contexto. Venturi nunca hablara del contexto, hay forma, imagen. El
arquitecto construye arquitectura de nuevo.
Reduce la idea matemática. La idea es número. Cuando encontramos la estructura de la ville
Savoye, los ritmos, la matemática de detrás es la misma que en una villa de Andrea Palladio.
Esta matemática conecta la arquitectura en el tiempo.
Collin Rowe nos enseña a descubrir la complejidad imposible de la arquitectura.

Philip Johnson. House in New Canaan- Connecticut. Todo acaba en un pabellón que ya toca
el suelo, rompe la caja con un cilindro de ladrillo de instalaciones, que rompe también la
contundencia volumétrico de la casa Farnsworth; situando la estructura en la esquina; pero
que es una estructura que esta ya rota de por si.

Los americanos suben a la cubierta del panteón y lo utilizan de plaza. El panteón también es
un exterior.
A su regreso pasa a dar clases en la academia de Fine Arts de Philadelphia donde también
esta Kahn (comparten su idea de la historia).

1962. Vanna House (chesnut Hill). Robert Venturi. Es un guiño al campidolio, tanto por la torre
como por el frontón, que acaba en la base con la escalera.
Learning from (actitud critica para enfrentarnos a la historia
con ojos nuevos). La casa que es volumen o fachada? No se
sabe. La fachada principal es arco o dintel? Las dos cosas a la
vez. Cubierta plana o inclinada? Depende del momento.
Chimenea elemento de doble función (chimenea, lucernario,
escalera, lo es todo) . Que domina en el espacio central; un
espacio cristalino o curvo? Las dos cosas.

Ultimo libro: Learning from las Vegas= el que mas fortuna tuvo. Capaz de diagramar las vegas
como si fuera una estructura urbana clásica, dibujando las plazas, la superficie de asfalto…
clasifica los parkings, los frente, los caminos peatonales, los oasis, las fuentes…
Conclusión = como intentar restituir el contenido, el mensaje, el significado de la arquitectura.
Solo hay dos maneras de hacerlo:
• Con el edificio pato. Edificio que asume la forma de la función que asume en su
interior. El sintagma se metamorfosea para que el significado este contenido en la
propia forma del edificio.
• El tinglado; el decorated shed. El letrero (I’m a monument). Dejemos la arquitectura
tranquila, descansar y démosle la fuerza al dispositivo publicitario como los títulos de
los arcos romanos. dejemos la forma abstracta y guiémonos de los títulos, del mensaje.
Las vegas es la ciudad tinglado.

Ala Sainsbury, National Gallery 1991

Diseñada por William Wilkins. Paseo peatonal que los traspasa. 4
fachadas diferentes. Entrada al sur. Lo que quería conseguir era una
aproximación entre ambos edificios, lo hace con los elementos clásicos.
Lo combinan con grandes aberturas, cristaleras, perfiles metálicos. A
medida que el edifico se acerca al preexistente, se amontonan los
elementos, y a medida que se alejan, se va haciendo autónomo.
Planta sótanos: galerías de exposición temporales. PB: Vestíbulo + cortafríos. En los pisos
superiores, hay una espina dorsal central que perfora todas las paredes y crea una visual. Las
galerías de los lados se conectan espacialmente pero no visualmente.
Iluminación: combinación entre artificial y natural. Claristorios que filtran la luz, que es la bonita,
la que varía. Ventanas que dan al espacio exterior para que desde dentro te puedas orientar.
Materiales: los coloca teniendo en cuenta las pinturas permanentes. El suelo de madera lo
coloca con paredes de color claro. Para la humedad y la temperatura coloca una serie de
computadoras para regularlo.
Inspiraciones: su sección es la misma que la de la galería de John Soane y San Lorenzo.

ALDO ROSSI. Milán, futurismo, industria, renacimiento fracasado de la mano de Bramante,

operación de Sforza, Bramante, Miguelangel, centro del mundo, fuente de riquezas…
Rossi nace en esta cultura, cultura con el peso de una historia fracasada. Herencia de
futurismo, de la maquina, del racionalismo arquitectónico del grupo sette (Terragni…). Cuando
acaba la carrera su primer paso importante es formar parte de la redacción de Casabella.
Rogers le regala dos volúmenes, dos números en los que podía elegir
los temas. Uno dedicado a Loos (arquitectura como monumento
tumba) y el otro a la arquitectura de la ilustración (arquitectura
revolucionaria). Dos manifiestos intelectuales como redactor+ cientos
de artículos en prensa. Necesidad de escribir, opinar, generar la
arquitectura como documento moral (pequeña escala Oriol Bohigas).
Recopilación de todos los artículos en un libro.
La primera obra que no esta construida donde tenia que estar, ahora
es un monumento a los caídos. Contra el avance de las tropas nazis;
les hace un homenaje. “monumento a la resistencia, CUNEO. 1962. Es
un cubo escenográfico (no un cubo hermético sino que se entra, como
una obra de teatro). Es un cubo que se accede por una boca; hay un
momento en el que el espectador pierde de vista el exterior; tu eres
interior junto al monumento . Cuando sales, lo único que se te abre es
el cielo. Y también hay un punto de vista que es el lugar donde puedes
ver las montañas donde lucharon. Entro- cielo- montaña; memoria-
esperanza- presente.
También empieza con urbanística, a escala global.
Concurso para el centro direccional de Torino. Locomotiva 2. 1963. Cuadrado.
Plaza del Ayuntamiento de La Segrate, Milano. 1965. El foro imposible que ya no tendrá
ninguna ciudad italiana.
Rossi viaja a España en la primavera de 1964. Cartografía y fotografía los monumentos, el
acueducto de Segovia, el convento de las Pelayas (de Santiago de Compostela)…
Todo esto acaba formulando en un tratado científico, donde todo el mundo vaya a
comprender la arquitectura y la ciudad. El titulo es la arquitectura de la ciudad (aquello que
define la ciudad es la arquitectura); no le llama la arquitectura y la ciudad. Tenemos que
entender las ciudades a partir de la arquitectura (arquitectura que se agrupa en dos grandes
clasificaciones, y que son las dos grandes clasificaciones del tiempo (la permanencia y la
transformación). Cuando vamos a una ciudad siempre somos capaces de ver las cosas que
han permanecido en el tiempo y las que se van transformando (permanencia y
transformación).
Estudiando la permanencia, el monumento, se da cuenta de cosas maravillosas. La alhambra
es el monumento (ha sido palacio de los nazaríes, palacio de Carlos V, y luego grandes
transformaciones del s. XIX, XX. Es un manifiesto del tiempo, ha podido asumir todas las
transformaciones y ha permanecido. Ha podido a asumir infinidad de funciones. En el
monumento esta la posibilidad de contener las funciones.

En la tensión de la permanencia y la transformación, se ve encajada la arquitectura de

Rossi. Obra maestra de Milán, bloque de viviendas; bloque que asume ser tipología bloque
lineal. Herencia del movimiento moderno; introduce el monumento, que esto vibre, la
permanencia. El quiere que la relectura del racionalismo tenga un tono. Discontinuidad que
impone los elementos técnicos= brecha.
Ventana cuadrada que recorta el paisaje industrial. Porche.

Gallaratesse: repetición de un tipo, pero a una repetición

siempre hay que añadirle una excepción, el momento de
interferencia (las dos columnas cilindricas). Hay algo
maravilloso en la repetición que es la excepción.

Cementerio Modena 1975 La ultima casa del hombre de la

tierra, la casa del muerto= tensión de la transformación de la
casa y la permanencia del muerto contenida en la propia idea.
“El cementerio se entiende como una casa, como la casa de
los muertos” La relación entre la permanencia y el cambio,
venia de su lugar de nacimiento. En el proyecto del
cementerio se ve, incluye su vida. Como los egipcios, casa
después de la muerte. Ambigüedad entre casa y tumba.
El concepto que propone consiste en un edifico perimetral, el volumen principal es un volumen
ortogonal, cubo, con muchas aberturas. Conexión entre el cielo y la tierra. Dentro están los
osarios, es como un hotel. Secuencia de perspectivas que se
van abriendo y cerrando y que van creciendo y acabaran en
la pirámide.
Funciona como un edificio (ascensor, escaleras...) Proyecto
residencial de muertos.
Elemento troncocónico: La altura crece a medida que la
anchura disminuye, cuando entras parece que se te echa
encima, cuando estas en medio no puedes ver nada de lo
que tienes como cono de visión, luego se va abriendo (teatro).
Cuando estas en las plantas bajas genera fugas.
Rossi que mira a Loos (cubo) al arte egipcio y a Voulé.
Es un planteamiento comunista: el que tiene más dinero al nicho, el que tiene menos al
monumento (osarios).

En 1940 Cabrero y Aburto colocan un edifico delante del Prado de Madrid, es casi como el
bloque del cemeterio. El edifico de nuevos ministerios.
Edifico Bankinter, la planta recuerda a la de la Habanna House. (Rafael Moneo). El único
capaz de conjugar a Rossi y a Venturi a la vez.
Poyecto 100% simbólico, únicamente simbolismo, las formas generan esta idea.
¿Por qué es importante Rossi para la historia de la arquitectura? Porque tiene en cuenta el
componente histórico. De ahí salen la idea de tipología, la ciudad se basa en tipos edificatorios,
generados a través del tiempo. Otra rama sería el postmodernismo, como dotar de una cierta
lectura a los elementos arquitectónicos. Se acaban generando unas formas. Componente
histórico y componente simbólico.
En el movimiento moderno en Mies vemos la simplicidad, la abstracción máxima, hay otros
arquitectos como Venturi que buscan la complejidad. Intenta aportar capas de significados a su
arquitectura (historia, simbolismo…)

Transforma arquitectura en teatro, se da cuenta de que ya lo ha hecho todo y entonces jugara

con su arquitectura.
Año 76 viaja a EEUU, invitado a hacer conferencias. Institute of Architecture and Urban
Design. Le piden que explique su arquitectura. Se va a la conferencia solo con pequeños
apuntes. El segundo rossi, afectado por el olvido que sintió en la primera etapa. Quiere
encontrar la verdadera esencia, la de las cosas invisibles. Acaba con una ciudad análoga.
1978. Teatro científico. Sitúa su escenografía en el momento de un llanto. A las 5 de la tarde, la
muerte del torero, (poema de Lorca). Dentro no hay ruedo, hay su arquitectura transformado a
objeto. Escenografías.
02.05.2017
LOUIS I. KAHN
De la dialéctica entre forma y design a la sublimación de la luz

Institución vs. Consumismo

-Forma [vs.Tipo (A.Rossi)]
- Orden:
1. Formal (geometría)
2. Funcional (espacios sirvientes/servidos)
3. Tectónico (estructura material)
-Design
“Structure is the maker of light”

1901-1974. A pesar de que no es un personaje contemporáneo al nacimiento de los grandes

maestros canónicos, su obra se prolonga hasta finales del siglo XX. Evolución en su obra,
portador de conocimiento empírico, de conocimientos que plantean el futuro de la arquitectura.

1928-1929. Viaja por Italia. Cuando acaba sus estudios el movimiento moderno está en su
punto inicial. Kahn tiene una necesidad de atravesar Europa y de seguir estudiando y
aprendiendo. La primera parte de su aprendizaje es parecida a la de Le Corbusier. Hay unos
viajes a un pasado clásico monumental, contacto con la arquitectura del movimiento moderno
en Filadelphia, sobretodo a través del urbanismo.
1950-51 Residencia a la Academia Norteamericana de Roma. Grecia y Egipto es su 2º viaje a
Europa con una nueva mirada de aprendizaje, ya ha tenido una experiencia con la historia. En
Egipto entra en contacto con este presente eterno de la arquitectura. Aparecen nuevos
concepto en su arquitectura.
1959 Albi, Carcassone y Ronchamp. Punto y final, nuevo viaje que emprende a Europa con
el único pretexto de ver Ronchamp. Visita otros dos sitios.

1. Viaje a Italia 1928-29. American Academy in Rome. Su mirada va

cambiando, no somos los mismos a lo largo del tiempo. Lo que podemos
descubrir es que plantea una interpretación directa a través de trazo, de
una mirada pintoresca. Empieza a tomar conciencia de que existe en el
mediterráneo una arquitectura popular, común a todos los pueblos, sin
estilo ni arquitecto solo tradicional, popular, los pescadores…. Ya lo
habían enunciado los arquitectos del GATPAC. Se manifiesta en sus
aproximaciones visuales a través de luces y sombras, representa la
naturaleza amenazante frete a la tranquilidad de la arquitectura, de los
sólidos de revolución. Interpreta las arquitecturas tradicionales de la costa de Italia. Arquitectura
de los sólidos Platónicos. Remanso de paz que ofrecen esos cubos en primera línea.

2. Grecia, Delfos. Muestra la arquitectura como ruina,

contraste radical entre luces y sombras,
monumentalidad. Del silencio a la luz, aquello que no se
nombra, que no tiene forma pero donde realmente se
manifiesta la materia. Lo vemos en su aproximación a la
acrópolis. Visita Delfos en Grecia en vez de Atenas. El
paisaje es el lugar del desorden, la masa informe sobretodo para un neoplatónico como
Kahn. Crea el paisaje, los recorridos, las interacciones entre el dentro y el fuera. Dibujos de las
montañas escarpadas del Delfos. Entender el mundo a través de un orden y un desorden y el
arquitecto que media entre ambas realidades.
3. Romchamp, Albi, Carcassone. Catedral de Albi. Le cambia la mirada. Sus catedrales
funcionaban tectónica y visualmente como ciudades amuralladas, presencia muy importante de
la masa pétrea. Él la interpreta como sólidos de revolución que incitan a la mirada, hay que
mirarla de abajo arriba, recorrido como si fuera humo, una espiral de abajo arriba. Parece una
fábrica herencia de la ciencia, del empirismo entendida como una máquina perfecta. Otro
dibujo: diálogo entre la casa muralla sobre el río y al fondo la catedral de Carcassone.

Contradicción extraña al ser norteamericano. Referencia a los clásicos.

Referente principal en el arte norteamericano= naturaleza.
Locke: expresionismo abstracto forma expresiva que hace hincapié en una forma de extrema
subjetivación de la forma expresiva.
Arquitectura de Kahn: se marca con el carácter subjetivo. No es una arquitectura que se
pierde en las cuestiones tipológicas, de la estandarización. Protagonismo individualista,
subjetivo.
• Relación con el pasado.
• Importancia de la teoría y aproximación a la materia.
Para el la idea arquitectónica es mas importante que la arquitectura (el detalle, el proyecto, son
mas importantes). Lo más importante es la idea del proyecto.
Algunas palabras o conceptos son básicos, fundamentales:
1. Institución. Vida pública. Para el no quiere presentar tanto el aspecto administrativo
sino un valor cultural teórico. Lo que hay que ser capaces de construir es la idea de la
escuela, redescubrir mas allá de la función.
2. Consumismo.
Batalla para dar valor a las instituciones tiene como contrincante el mundo del consumismo que
elimina valores, porque todo se desprecia; lo único que se precia es su precio. Proceso de
alienación que nos lleva el capitalismo.
Esquema autógrafo de Kahn. Cuando hay que hacer un proyecto hay que pasar por 3 niveles:
1) La forma= no el momento expresivo, sino un momento previo que corresponde a la idea
inicial de un proyecto. Cuando pensamos en la idea de forma se puede contraponer a la
idea de tipo de A. Rossi (los dos son deudores de la historia). Louis Kahn va a una historia
arquetipa, de las formas, intemporal; que ha permitido identificar unas formas primarias.
2) Orden= tripartición (formal, funcional y tectónico).
• Forma
• Funcional= no es funcionalista, pero diferencia entre espacios sirvientes y espacios
servidos.
• Tectónico (estructura y materiales. No es lo mismo la estructura de hormigón que la
estructura de ladrillo.
3) Design= el proyecto.

“Structure is the maker of light”. Estructura de la forma, la arquitectura tiene que ver con la
forma. La forma se relaciona directamente con la estructura propia de la arquitectura.
Busqueda del fenómeno de la luz.

Forma es el que. La forma es impersonal.

Design es el como
Primario, los arquetipos.
Lo importante es el entender que es la casa antes que el proyecto de la casa.

La lección de la historia: Sus primeros pasos son herencia del movimiento moderno hasta
que se pregunta el porqué de una arquitectura fea, de hojalata, sin valores (no sirve todo lo que
se ha luchado por la vivienda obrera por ejemplo). Porqué el movimiento moderno no ha sido
capaz de parar todo esto. Marca un antes y un después. Realiza un giro radical, se adentra en
la historia para encontrar respuesta a cómo vencer al presente. Cuando regresa de Europa (1er
viaje) realiza una de sus obras más importantes. 3 lecciones que aprende en Roma:
1. Las cosas no se acaban. El arte como algo finito que satisface los deseos del hombre
es algo innecesario, las verdaderas obras de arte son las inacabadas, el tiempo hará el
arte. Los finales pueden ser también inicios, está influenciado por Miguel Ángel “il non
finito” sus esculturas de piedra inacabadas, la lucha de la materia contra la idea, el
esclavo esculpido sale del bloque de mármol (en la tumba de Guiulio II, debía haber 12
esclavos). La forma surge del bloque de mármol, la forma incial neoplatónica sin idea se
transforma en idea a través del tiempo, el tiempo intelectual. Il non finito es la forma de
que el tiempo quede en nuestras obras, los buenos arquitectos son los que tienen en
cuenta el tiempo. Uno es capaz de jugar con él, construir su discurso en función al
tiempo. El tiempo no se puede negar, hay que enfrentarse a él.
2. El tiempo destruye. Cuando ya no actúa como potencia creadora sino que destruye.
Villa Adriana, con el tiempo se pierde la arquitectura y solo queda la estructura. Lo
destruye todo en términos reales y en términos metafísicos. Ruinas del Bank of
England, uno de los lugares más poderosos del mundo, el edificio más poderoso se
convierte en una ruina, ha acabado un ciclo, se representa un final. El final de lo clásico
encarnado en la ruina.
3. El arquetipo. Campo Marcio de Piranessi, Roma. Se puede imaginar cualquier forma,
pero cualquier forma que un arquitecto llegue a imaginar está contenida en esa planta.
“Definitions on architecture”.

Definición de la arquitectura: Concepto de institución en el sentido sagrado. “La arquitectura

siempre responde a las instituciones, el parthenon, el foro romano simbolizan civilizaciones
enteras” es ese lugar colectivo que ha de expresar en términos metafísicos su tiempo, cómo
vivía aquella gente, qué significa Grecia, Roma… su arquitectura debe explicar a la gente que
viene después, qué es el SXX, cómo se ha vivido. La ciudad, la calle y la arquitectura, 3
escalas. Desde la habitación (la institución mínima) hasta la ciudad “architecture comes from
the making of a room” aparece entonces la calle de forma espontánea “the Street is a room by
agreement” y cuando aglutina diferentes edificios hablamos de ciudad “the city from a simple
settlement became the place of the assembled institutions”. La ciudad proviene de la unión de
instituciones que llegan a un consenso. Una habitación es un lugar de la mente, la calle cuando
hace comunidad la reconocemos como algo propio.

Galeria de arte en Yale. New Haven. 1951-53

Enric Miralles dice que es su mejor obra. Marca
el inicio de una etapa. El propio Kahn en una
conferencia en Colorado en 1968 para animar a
sus estudiantes dijo: Adoro los inicios, es donde
está todo, donde hay que dejarse la piel.
Empieza a aplicar la herencia y la lección de la
historia (il non finito, la idea de la ruina y la idea
del arquetipo) manifiesta con su obra como él entiende el proceso de diseño, aquello que
contiene la matriz de la idea de la creación. Diseñar es aquello que media creativamente entre
la forma y el orden. Entre forma y orden hay 3 consideraciones
1) Forma entendida como geometría, un orden formal que se manifiesta a través de
sólidos platónicos (esferas, cilindros, cubos…) siempre hay un orden formal en sus
obras. La geometría beaux arts (libre y rica) es el punto de arranque.
 2) Orden funcional: función que opera en el diseño, un orden funcional entre espacios el
espacio servidor (circulaciones, escaleras, núcleos húmedos…), y el servido los
anexos, salas laterales al núcleo central.
3) La estructura, el orden tectónico. Enseguida vemos en sus obras qué es estructura y
qué es cerramiento, nunca nos engaña, se entiende al instante. Las juntas nos indican
qué es lo verdadero, lo estructural, aquello que resistiría la paso del tiempo y qué es
cerramiento, lo que acabará pereciendo, que desaparecerá pero jamás afectará al
edificio. Se genera una sombra entre ambos.
Cuando forma, función y estructura se unen estamos diseñando.

Ampliación de un edifico de la universidad de Yale para una

galería de arte, espacio expositivo. Kahn plantea una rretícula de
hormigón armado que define 3 vanos, el edificio arranca en este
punto en el que se anexiona al edificio preexistente donde
aparece una grieta, una sombra.
La relación con respecto a la calle es autónoma, hay dos muros
ciegos que no quieren mirar a la calle, niegan la ciudad
profundamente pero que con la junta de los forjados nos explica
que es un edificio que tiene 3 plantas.
Es un edificio non finito, es un fragmento , cuando vemos como
acaba la fachada y la vemos desde una posición frontal parece
que se ha realizado un corte limpio. Es una operación muy
intensa. Está cortado. El non finito y la ruina en esta fachada
descarnada, sin atributos que se revela solo como estructura.
Sección por la parte derecha. El edificio se abre a un patio
interior, dando sentido al muro ciego de la fachada. Intuimos en la
sección como funciona el forjado, vemos el artesonado dibujado,
un encofrado de hormigón en una serie de pirámides.
Crujía servidora: ciega, servida: transparencia. Es capaz de dar
sentido unitario al patio. Una vez dentro descubrimos que el techo
está trabajado como en el panteón, con la misma nobleza, se
acabó el proyectar cielos rasos, edificios de hojalata, peso de la
frialdad, luces colgando, salidas de humo… se acabó, hace un
forjado registrable desde el suelo. Es un techo de hormigón noble
como los que nunca más volveremos a tener, se registra todo
desde el suelo, los techos no son residuos, se proyectan también.
Eso no quiere decir que no pueda tener instalaciones, luces… es
un orden tectónico y un orden funcional, el hormigón explica cual
es la estructura, cual es la función (techo registrable) y un orden
clásico (orden formal+ funcional+ tectónico)

Añadido, ampliación de una vieja estructura preexistente, que

debe ser completada por ese nexo que tiene como función ser un
espacio expositivo.
Terminación del edificio preexistente= relación con el pasado.
Como responde la cultura de Louis Kahn?
Planimetricamente es bastante contundente. Genera un espacio
de transición, nuevo acceso a la ala del museo (encuentro entre lo nuevo y lo antiguo. Solución
contundente, rigor geométrico, compartimentación entre espacios servidores y espacios
servidos .
Lección expresiva= neutralidad de la nueva arquitectura contemporánea respecto a la anterior.
Anonimato expresivo de la nueva estructura. La entrada se oculta. La otra fachada no alineada
es un espacio de otra característica que se abre completamente al entorno urbano
(acristalado).
Proximidad de un muro romano y el muro de la yale galery. En los términos de que estamos
viendo una ruina en lugar de un muro. Lo que nos evidencia es la materia; de que esta hecho el
edificio, o las murallas. Reconocemos la composición matérica. El propio muro nuevo del centro
expositivo a través de esta tectónica de los materiales y de marcar estas tiras horizontales,
evoca las tiras de materiales distintos en las murallas romana que dejaban visible la
estratificación de la muralla.
En el interior= testimonio de la cultura brutalista, precedente. Deja todo visto en el interior.
Techo formado por tetraedros. No se oculta nada, se ve los sistemas de conducciones,
instalaciones… y los materiales (hormigón, o ladrillo) quedan vistos.

Trenton Kewish Community Center. 1954-59. Remite a las

iglesias de planta central. Forma bastante canónica que evoca
una planimetría central. Organiza esta cruz que servirá para
otorgar unos espacios, unos baños que necesitaran una serie
de servicios básicos. Kahn idea que los pilares huecos se
autodefinen como espacios sirvientes. Cubierta primitiva para el

lugar de reunión. Los pasos pasan a través de los grandes

pilares huecos (Espacios servidores). Grandes salas=
Espacios servidos.
Piscinas para la comunidad de Trenton. Lo realiza junto Sue
Ann Kahn, una de sus tres mujeres.
Orden formal: se plantea una especie de iglesia con planta de
cruz griega.
Orden funcional clarísimo: un pabellón de baños, zona de
hombres, de mujeres, espacios funcionales, servidores y servidos. Comparación de la planta
con la de San Marcos en Venecia.
Idea tectónica: Pirámides de cubrición que buscan apoyarse en un único punto de su arista
para transmitir la idea de verdad, de fragilidad, como si en cualquier momento pudieran alzar el
vuelo. Zonas semiinteriores, semiexteriores abiertas por arriba en un punto para iluminarse. El
centro siempre esta vació. Como en el Panteón. Es una cubierta que se coloca en la estructura
murria que en función de los usos de abre o se cierra.

Midtown plan, 1951-56 Philadelphia

Ciudad que había sido urbanizada en 1600. Ciudad con desorden, Kahn intenta recuperar un
centro. En Europa había descubierto como la arquitectura clásica y el paso del tiempo dejan su
huella en la arquitectura. Valora también la verdad del material, no hay que revestir la
arquitectura sino mostrarla sinceramente. Propone un plan enfrentándose a dos problemas: la
circulación y la falta de centro.
El rojo son los ríos, el marrón los canales y el amarillo las vías más libres de tránsito y unos
puntos que son los muelles de carga, estacionamiento, el verde los peatonales. La centralidad
en una ciudad para él es donde se produce una comunión entre ciudadanos, se desarrollan
unas relaciones, una cultura, es el corazón de la ciudad. Sostiene una idea de ciudad con una
jerarquía de volúmenes neoplatónicos que configuran este espacio. Entiende que la base de
nuestra civilización es este centro que además debe estar libre de tráfico.

Nuevo centro direccional, 1959-64 Philadelphia

Hay que operar en los mismos términos en la escala
ciudad. Philadelphia era una ciudad con problemas de
tráfico que solo habían estado abordados por técnicos.
Kahn dice que ha de volver a tener un lugar en la historia.
Se plantea que el centro direccional ha de reunir los

principios del movimiento moderno, los puntos de la carta

de Atenas.
Aparece una torre inmensa, maravillosa, metabolista y
unos grandes cilindros, los lugares de parking. Dispersión
del tráfico. Regulación desde las vías rojas (más rápidas)
amarillas (peatonales intermedias) negro (puntos
representativos). Se arranca desde una malla con demasiado rojo. Parecido a las siete vías de
Chandigard. Poco a poco va quitando rojo en su plan en el que se monumentaliza el centro
direccional.

Las rutas automovilísticas son como los ríos que necesitan puertos, no deben atascarse, se
necesitan canales que desembocan en muelles (garajes), el canal es el punto intermedio entre
el ríos y el puerto (parking). Metáfora de fluir.

Torre del ayuntamiento: malla triangular, vuelve a tener los 3 puntos

→Forma: Parte del hexágono y su estructura es un triángulo.
→Función: Punto donde se distribuyen las instalaciones del edificio. Por los enconfrados se
distribuyen lo núcleos verticales.
→Existe también un orden tectónico, todo el edificio es estructura, todo es verdad.
Esta trabajando en esa época con un ingeniero, Robert le Nicolás, que quiere descubrir una
relación entre la estructura biológica de las células y la estructura arquitectónica. Es un edificio
que puede crecer indefinidamente (il non finito), el arquetipo es la forma que puede repetirse
hasta el infinito. El espacio comunitario es un espacio de tensión, dialéctica entre el pasado y
en presente. Como en la plaza de Siena. Una plaza es una conexión mental entre elementos,
se tiene que construir la plaza.

Richards Buildings. Philadelphia 1957-65. Laboratorios médicos. Evocan

torres, murallas; evocaciones históricas. Arquitectura de muros,
impermeable, estructura romana. Espacios sirvientes= escaleras,
ascensores…. Y donde pasan las conducciones. Combinación de 6 torres,
igual que en san Gimignano. Plantea estas 6 torres trabajandas desde la
idea del cuadrado. El orden tectónico estructural viene dado por 8 pilares
de hormigón prefabricados. Marcan una direccionalidad en planta, unas
líneas de carga, de estructura que van articulando todo el sistema de la
planta. Hay unas torres ciegas. Es un proyecto resuelto desde la rotundidad, el hormigón
explica cual es la estructura. Se construye una piel de ladrillo y de vidrio. Las torres están
obsorbidas por los núcleos. Monumentalidad.
Salk Biological Research Institute, La Jolla. California. 1959-65. Patio= lugar de relaciones.
Estamos inspirando la institución. Se tiene que generar una calidad de vida. Hau que ser
cpaces de crear la escuela como lugar de relación, de intercambio…
Importancia de este espacio que tendrá una dirección hacia el interior, y otra hacia el mar (con
espacios verdes de transición o de agua).
La plaza la constituye las personas, no son los edificios, sino las personas que la albergan.
Hormigón structural combinado con madera. Eje central
que culmina en un vacío, no sabe qué hacer con él.
“Déjalo así, no pongas nada”. Dejo una fachada al cielo,
es una de las experiencias más increíbles como
arquitecto, vas caminando al mar, al cielo. Hay un
riachuelo en este eje central, genera unas oscilaciones de
temperatura… Se abre hacía el mar, es como la imagen
de una ciudad renacentista ideal. Espacio arquetípico y
eterno.

Consulado USA, Luanda 1959-61. Doble pantalla que constituye los muros= Aislar el edificio de
la lluvia y del sol, conjunción de diferentes elementos arquitectónicos.
Ruinas= belleza de ser estructur apura, de ser necesarias.

Iglesia Unitariana, Rochester 1959-67. Croquis que concentra la idea de forma= esquema dnde
se determina donde se colocara el ambulatorio, donde estarán los elementos escolares (las
aulas).. define un arquetipo de planta circular

Kimbell Art Museum. 1966. Recuerda a la ciudad de

Pompeya. Arco= principio básico de la arquitectura romana.
Como no hay nada, Kahn lo plantea todo. Está vacío. Este
museo es dotar de la grandeza romana un lugar que no es
nada. El edifico se plantea como una resistencia, arranca de
la estructura arquetípica de la bóveda de cañón. Con llenos,
vacíos, promenades, patios… A veces plantea dos patios, a
veces uno, a veces espacios puentes… va experimentando.
Finamente plantea tres crujías que deben articular dos niveles, sótano y la planta noble. Hay un
punto en que que hay doble altura, en los patios. El sótano dialoga con la planta noble con los
patios. Los espacios servidores son cuadrados colocados en medio de la planta. Escaleras
colocadas justo en el nervio de una bóveda con otra. Son costillas independientes, no como en
Roma que se plantea como una piel continua. El punto donde se unen, es una gran jácena que
recorre todo el espacio central. Verdad estructural: sobra. Referencia: Villa Adriana. La luz
natural llega por en punto medio de las bóvedas.

Exeter Library, 1967-72 New Hampshire

Primero se tiene que enfrentar a otros arquitectos, al dinero, la universidad quiebra por lo tanto
tiene que hacer el edificio más económico. La evolución duró casi 15 años. Se hicieron al
menos 3 proyectos. Busca un ambiente cálido, que favorezca la lectura. Edificio altamente
funcional.
Non finito: cuadrado con las aristas/esquinas rotas
Arquetipo: planta cuadrada con las esquinas rotas a las que se accede a través de una llotga
perimetral
Ruina: construido de ladrillo, un material noble.
No empieza el edifico por el programa ni por las referencias, sino por lo
que significa biblioteca. Muy importante el recorrido entre la entrada, la
elección del libro y el momento de sentarse a leer, eso se explica con
la arquitectura. Considera una variedad de ventanas en el este que se
explica con la función del interior, según la cantidad de luz que dejes
pasar habrá una función u otra. Muestra la verdad de los materiales.
Es importante que el acceso muestre el refugio de la lluvia desde
cualquier punto.
En la planta de arriba el ladrillo deja de ser estructural en algunos
puntos y se convierte en una barandilla, sin embargo, coloca unas
franjas verticales para distinguir lo que es estructura y lo que es
barandilla. Verdad estructural.
Se accede por todos los puntos por igual, como se accede al Coloseo, como se accede en la
monumentalidad museo. Espacio central con la escalera. A llegar ya tienes la visión de los
libros, ya invita a leer. EN el hall el bibliotecario ya deja unos libros para seducir al lector. El
pilar va cambiando de sección y se va estrechando.
Esta girado ligeramente, generando una tensión, esto lo hace realemtne moderno. Líneas
sutiles a 45º, el muro de ladrillo y luego una piel interior que son 4 cajas de hormigón como una
inmensa cruz, una aspa encubierta. La planta noble, del silencio a la luz. Tiene un gran vacío
central. Se complementa con unas pequeñas extremidades de lectura.
Corona constreñida al espacio servidor. Espacio central de luz servido, el conocimiento,
espacio servidor donde están las estanterías, luz artificial, no hay conocimiento, no hay verdad
ya que es luz producida por el hombre.
Corona que es donde se lee y donde se recibe de nuevo luz natural, a doble altura. Inscribe
unos nichos de lectura inscritos entre los machones de ladrillo estructurales donde se produce
de nuevo el conocimiento verdadero. Cerebro como en toda cabeza, arriba de todo con las
salas del director, administración. Esta de nuevo hablando del Panteón, pero ya no es una
esfera inscrita en un cubo sino una esfera proyectada en un cubo. Juego de luz, todo es luz y
sombra combinados con un sentido, un significado.
Intersección entre dos elementos en el techo que están juntos (vivir y morir es lo mismo, aspirar
a conocer y ser ignorantes es lo mismo). No tenemos nada pero podemos aspirar a todo. Nos
queda una celda al fin y al cabo (metáfora de la zona de lectura) tenia en mente a Miguel Ángel
y la biblioteca Laurenciana. Quiere explicar que la arquitectura es un mueble transportable que
nos podemos llevar a cualquier sitio.

Parlamento de Dacca
Le dieron un proyecto: parlamento de x
metros cuadrados, pero luego le hacían
añadir una mezquita etc. Programa muy
cerrado y muy abierto por otro lado.
Nave central con brazos que se extienden.
Espacios servidores alrededor (de geometrías
puras) y espacio servido central circular. Espacio de asamblea debía ser un espacio central y
único sin estar supeditado a otras formas. Formas geométricas puras en la fachada, crean
pozos de luz. Crean un diálogo entre las culturas antiguas y la nueva.
Kahn tuvo mucho en cuenta el espacio de la ciudadela, de alrededor.
Dos materiales principales: hormigón vertido in situ y ladrillo (se vio obligado a usarlo). También
mármol blanco.