Andy Warhol

“En el futuro todos serán mundialmente famosos por

15 minutos”.
Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, nació
el 6 de agosto de 1928, siendo el tercer hijo; su
infancia estuvo marcada por una rara enfermedad
neurológica, la cual le provocaba convulsiones involuntarias y unas manchas rosadas
en su piel.
Hijo de emigrantes eslovacos, sufrió abusos sexuales de su padre y tuvo una vida
marcada por la pobreza, desde muy pequeño estuvo obligado a pasar mucho tiempo
recluido en el hospital o en su casa, por lo que empezó a dibujar y coleccionar fotos de
los protagonistas de cortometrajes más famosos de su momento.
Inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949.
En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante
publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New
Yorker.
(Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido
representante del pop art, corriente artística durante las décadas de 1950 y 1960 que
se inspiró en la cultura de masas.
Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen
del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en
diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo
expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular
procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de
comunicación.
Dicha evolución alcanzó su máxima despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar
como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual
reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos
más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley,
Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa
Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de
públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se
convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En
otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas
callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, “Electric chair” es una de sus
obras más significativas.
Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se
extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael Sanzio,
Giorgio de Chirico, Edvard Munch o Leonardo da Vinci. Se caracterizan las obras de
esta época por su manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto
por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en
todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y,
a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los
fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en
iconos estereotipados con mero sentido decorativo.
Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte
procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963
creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la
cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su
modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria
vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo
característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.
A pesar de su gran éxito, Andy sufrió mucho desde su infancia hasta su adultez, el 3 de
junio de 1968, Valerie Solanas descargó tres disparos sobre Andy Warhol y su nombre
salía de la sombra del anonimato, Andy sobrevivió a este suceso, más sin embargo
tuvo que usar un corsé quirúrgico de por vida, hasta su muerte el 22 de febrero de
1987; Warhol marco un antes y un después de la cultura artística del siglo XX.
Corriente artística:
Andy Warhol desempeño un papel muy importante en el nacimiento y desarrollo del
Pop Art. (El Pop Art se centra en la representación de la cultura popular y la vida
cotidiana. Los artistas toman elementos de la cultura de masas, como anuncios
publicitarios, productos de consumo, cómics, celebridades y objetos comunes, y los
incorporan en sus obras de arte). Considerado el creador del pop art, en el que muestra
su exploración por la cultura popular de las grandes urbes, que en ese momento sufría
cambios, tras atravesar dos guerras mundiales.
Además, de la relación de la expresión artística con el crecimiento de fenómenos como
la publicidad y las celebridades; a través de la serigrafía, la fotografía y las películas, lo
colocaron en una posición privilegiada, durante los años 60, cuando las grandes
revoluciones culturales se gestaron.

Aportes:
Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con
objetivos autopromociónales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación,
adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más.
En 1963 inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su
obra plástica (como la reiteración visual), en ocasiones de fuerte contenido sexual y
erótico: Kiss (1963), Empire (1964), Chelsea girls (1966). En una última etapa retornó a
un formato más tradicional y rodó The loves of Ondine (1967) y Women in revolt (1970).
Andy Warhol, considerado por muchos como el más importante y emblemático artista
estadounidense, sigue despertando, a más de 20 años de su muerte, un renovado
interés interpretativo, acompañado de no pocas polémicas que evidencian criterios
encontrados y lecturas diversas. Siendo el principal representante del Pop Art, Warhol
concentró en sí mismo y en su obra los atributos fundamentales de toda una nueva
etapa del desarrollo del arte, caracterizada por una especie de salto mortal desde lo
que había sido hasta los años cincuenta del siglo XX el paradigma por excelencia del
buen arte y del gusto refinado, sobre todo en los medios artísticos estadounidenses:
el expresionismo abstracto. El arte pop le devolvía un contenido figurativo al arte, pero,
a diferencia de épocas anteriores, extraía ese contenido de los objetos más comunes
de la cultura de masas de la sociedad de su tiempo.
Un primer gran ejemplo de una composición serigráfica fue la pintura sobre la actriz
Marilyn Monroe, una obra sobre lienzo y con grandes dimensiones: 2,05 por 1,44
metros. Esta composición sobrepone los procedimientos tanto de Antes y Después, al
dividir la superficie en dos mitades. La primera mitad, la derecha, contiene veinticinco
fotos serigrafiadas estilizadas, cinco hileras y cinco columnas, donde se resaltan
algunos contrastes en negro y blanco, pero las superficies de cada foto están pintadas:
el rostro de Marilyn con un rosa suave, la ropa y los párpados en celeste, el cabello en
amarillo, los labios rojos y el fondo naranja. La mitad izquierda es toda blanco negro,
pero mucho más irregulares que en la mitad derecha, que presenta pocas variaciones
en términos de intensidad de la tinta en cada serigrafía. En la segunda columna Marilyn
aparece casi tachada por la aplicación exagerada de la tinta; en otras aparece muy
clara, por falta de tinta. Es como si Warhol sugiriese una metáfora de la trayectoria
breve de Marilyn de la gloria hacia su ocaso. En los años siguientes las estilizaciones
de colores en las serigrafías volverían a pintar en infinitas combinaciones de colores y
tamaños no sólo a Marilyn, sino además a muchas otras personas famosas o que
aspiraban a serlo. Con la serigrafía, Warhol había logrado una marca estética original:
que esa reproductibilidad mecánica-artesanal fuera lo “original”. El “aura” estaba en la
reproductibilidad.
Pocos años después la Factory hizo cuadros de latas de sopa Campbell’s serigrafiadas
en los que las latas sufrían algún tipo de accidente en razón de su uso: eran perforadas
por un abrelatas, o aplastadas, o desolladas arrancando la etiqueta. Muchas personas
creyendo que era alguna clase de rechazo a las personas homosexuales, porque Andy
nunca oculto que formaba parte de aquella comunidad.
Aunque Andy tenía obras claramente críticas del contexto actual, como el cuadro de
Nixon verde en la época de la campaña presidencial, en 1972, buscar un significado
“determinante” y “excluyente” para una obra de Warhol es un error. Las obras juegan
con su condición de significante, no son un significado explícito.
¿Qué quiso transmitir Andy Warhol?
Warhol pintó, filmó películas y buscó una notoriedad próxima a la de las celebridades.
Declaró que quería ser una máquina capaz de hacer productos industriales en lugar de
pinturas. Su lenguaje pictórico se nutre de lugares comunes y de objetos impersonales
producidos a máquina propios de los sesenta.

Reflexión personal:
Andy Warhol fue un ícono del arte contemporáneo, dejó un legado que va más allá de
sus obras de arte. Él quería hacer un cambio único hacia la creación artística y su
visión innovadora sobre la cultura de masas han dejado una huella que hizo historia en
el mundo del arte y la sociedad en general.
Reflexionar sobre el trabajo y las contribuciones de Andy Warhol es pensar en un
mundo de querer cambiar pensamientos y redefinir lo que consideramos arte. Warhol
quiso hacer las cosas de diferente manera, algo que no fuera igual al resto. Al elevar
objetos cotidianos y personas comunes a la categoría de arte, nos enseñó a encontrar
belleza en todo lo común de nuestro al rededor y a cuestionar los valores tradicionales
del arte.
Su obra, marcada por la repetición, la saturación de colores y la utilización de técnicas
como la serigrafía, me lleva a reflexionar sobre la naturaleza misma, de como la
producción artística pudo haber sido de una forma que actualmente se sigue utilizando
para muchas cosas de nuestro día a día.
Warhol nos mostró que el arte puede ser reproducible en masa sin perder su valor,
desafiando así la noción de autenticidad y originalidad.
Además de su contribución artística, Warhol fue un participo en términos de cultura y
sociedad. En su famosa frase "En el futuro, todos serán famosos durante quince
minutos" resuena en nuestra era con las celebridades y las redes sociales, donde la
fama es solo un pequeño momento, pues vivimos en una generación donde todos
vivimos muy rápido y muy fácil se puede olvidar a alguien y su acción; Warhol entendió
la naturaleza de la fama y la cultura popular, mucho antes de que estas ideas se
convirtieran en las reglas de como vivimos actualmente.
Personalmente, el trabajo de Andy Warhol me gusta y me pone a cuestionar como
estamos viviendo la vida de rápido, como es importante ver a nuestro alrededor, el ser
originales y no dejarse hacer menos por nadie ni nada, como también en tener una
perspectiva más abierta y experimental hacia el arte y la vida misma. Su capacidad
para desafiar las adversidades que vivió y más en los años en los que estuvo presente
y seguir eligiendo la creatividad, me inspiran a explorar nuevas formas de expresión y a
encontrar belleza en lo aparentemente ordinario.
Como estudiante de diseño gráfico es uno de los exponentes más importantes y sobre
salientes de la carrera que triunfo y gracias a todo esto ahora podemos hacer más fácil
los métodos, haciéndolos ver como un arte y que no es cualquier cosa simple, que
cualquier persona puede hacerlo y no vale el esfuerzo ni dedicación, al contrario, vale
muchísimo la pena aprender cómo están hechas las cosas que usamos día con día.
En resumen, el trabajo y las contribuciones de Andy Warhol van más allá de las
fronteras del arte para convertirse en una reflexión sobre la naturaleza misma de la
sociedad y la cultura contemporáneas. Su legado sigue siendo relevante en la
actualidad, invitándonos a ver siempre a nuestro alrededor y ver lo bello de las cosas
cotidianas, a repensar nuestras concepciones de arte, fama y autenticidad en un
mundo en constante cambio.

Imágenes del trabajo de Andy Warhol: