T2. El teatro isabelino.

Hamlet 2019-20

1.1. EL TEATRO ISABELINO: SHAKESPEARE.

El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras
dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra
(reina desde 1533 hasta 1603), que se extendió durante los reinados de Jacobo I
(1603-1625) y Carlos I (1625-1649), es decir, entre la segunda mitad del s. XVI y
comienzos del s. XVII (hasta 1642, el inicio de la Guerra Civil inglesa que provocó la
clausura de los teatros). Este período no coincide cronológicamente en su totalidad
con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano, mostrando un fuerte acento
manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías.
A finales del siglo XVI, el teatro adquiere en Inglaterra su forma moderna,
proceso muy parecido al ocurrido en España con el teatro barroco: durante la primera
mitad del siglo XVI predominó un teatro religioso que posteriormente daría paso a un
teatro cortesano y un teatro popular. Gracias a la protección de algunos nobles,
surgen los locales estables y el teatro se convierte en espectáculo de masas (todas las
clases sociales tienen cabida1). Como consecuencia de lo anterior, se construyen los
primeros edificios destinados a la representación.
Este teatro aúna la tradición popular con la culta. En este sentido, el teatro
isabelino se caracterizó por los siguientes rasgos:
- se representaba en edificios circulares o hexagonales (al inicio fueron
posadas. En su patio interior, ventanas, aposentos y balconadas se acomodaban los
espectadores alrededor de un escenario. Esto fue el germen de los teatros estables
ingleses)
- las representaciones tenían lugar a primera hora de la tarde y duraban
hasta el anochecer (para aprovechar la luz solar)
- la escenografía era muy básica, todo corría a cargo del movimiento y de la
palabra en escena. El telón no era habitual y el mobiliario adquiría un valor simbólico
- las compañías de actores estaban formadas solo por hombres, no se permitió
actuar a las mujeres hasta los años 70 del siglo XVII.
- las obras se adscribían a tres géneros: la tragedia sangrienta, la comedia de
enredo y el drama histórico, aunque la comedia fue el género preferido. También

1
Mientras el drama renacentista italiano se desarrollaba como una forma de arte elitista, el teatro
isabelino resultaba un gran contenedor que fascinaba a todas las clases, haciendo así de "nivelador"
social. A las representaciones en los teatros acudían príncipes y campesinos, hombres, mujeres y niños,
porque la entrada estaba al alcance de todos, si bien con precios distintos.
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tuvieron éxito los temas históricos y las mascaradas cortesanas que incluían música,
canto, baile, mitología, elementos pastoriles y un vestuario elaborado.
- el público, en función de lo que había pagado, se sentaba en las galerías o
veía la obra de pie en el patio.
- se transgrede la regla de las tres unidades, aunque el influjo de los autores
clásicos fue obvio (Plauto, Terencio o Séneca).
- se mezclan los géneros (tragedia, comedia y representaciones pastoriles) así
como los tipos de personajes (reyes, príncipes, centinelas, plebeyos,
enterradores, etc.). Debido a la variedad de personajes se produjeron varios
registros lingüísticos: culto, coloquial y vulgar.
- las obras se escribían en verso con intercalaciones en prosa
- tuvo influencias de la Comedia del arte italiana y contactos con algunos
actores italianos en Londres

El teatro isabelino era popular, pero tenía mala reputación 2. Este empezó en
escenarios improvisados como los patios de posadas. Todavía en época de Shakespeare
algunos de estos lugares continuaban acogiendo representaciones teatrales, sin embargo,
no resultaban muy adecuados para las representaciones, ya que a veces la actividad de la
posada llegaba a dificultar las representaciones. Además contaban con la oposición de
las autoridades, preocupados por los desórdenes y reyertas que allí se originaban, así
como por las "malvadas prácticas de incontinencia" que allí tenían lugar. Estaba
también en contra el factor de la higiene: la peste era muy frecuente y las reuniones
multitudinarias no fomentaban precisamente la salud.
Por esos motivos fue surgiendo paulatinamente una legislación que regulaba la
actividad teatral, y se fue haciendo más difícil conseguir licencias para realizar
representaciones en las posadas. Esto propició la construcción de teatros fijos, más
salubres, en las afueras de la ciudad, y la consolidación y profesionalización de la
carrera de actor. El primer teatro, denominado simplemente The Theatre, se construyó
en 1576. Más adelante se construyeron otros: The Curtain, The Rose, The Swan y The
Globe3. Este último, construido en 1599 y ubicado, como el resto, fuera de la ciudad,

2
Las autoridades de Londres lo prohibieron en la ciudad, por lo que los teatros se encontraban al otro
lado del río Támesis, en la zona de Southwark o Blackfriars, fuera de la competencia de las autoridades
de la ciudad.
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A finales de siglo XVI Londres poseía al menos ocho teatros, lo que indica la popularidad del teatro.
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para evitar problemas con el Ayuntamiento de Londres, era el más famoso de todos, y
fue el preferido de la compañía de la que formó parte William Shakespeare.
Este teatro se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare
(1564-1616)4. Poco se sabe de su formación académica (abandonó pronto la escuela
para trabajar como aprendiz de algún oficio) así como de su vida. Fue un dramaturgo,
poeta y actor considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los
más célebres de la literatura universal. El cambio de siglo fue un punto de inflexión en
su producción. Su obra abandonó el tono cómico y se adentró en terrenos sombríos. Fue
la etapa de sus más grandes tragedias: Hamlet, Otelo (solo Romeo y Julieta fue anterior
a esta etapa). Pasados unos años volvió a dar un giro su carrera, regresando a la
comedia.
Las obras de Shakespeare (treinta y seis en total) han sido traducidas a las
principales lenguas y sus piezas dramáticas continúan representándose por todo el
mundo. Escribió tragedias (Romeo y Julieta, Hamlet), comedias de enredo de raíz
clásica e italiana donde el autor estudia todas las clases sociales, sus personajes están
perfectamente individualizados y los finales son siempre felices (Mucho ruido y pocas
nueces, El mercader de Venecia) y dramas históricos sobre la propia historia de
Inglaterra donde destacan las ambiciones humanas, relacionadas con el poder (Macbeth,
Ricardo III).
La grandeza de su obra no hay que buscarla en los planteamientos y esquemas,
ni en la originalidad sino en aportaciones como:
- su estilo es muy rico. Domina de forma extraordinaria la lengua inglesa. Juega
con los monólogos y la variedad en los diálogos: lenguaje solemne con el familiar,
exabruptos, etc. Asimismo, el dramaturgo inglés hace uso de un sinfín de recursos
retóricos tales como comparaciones, metáforas, antítesis, enumeraciones, etc.
- aguda capacidad para pulsar los resortes de la emoción
- concepción del personaje cómico (clown o bufón como contrapunto de los
personajes más graves). Este personaje alcanza hondura filosófica, de modo que el

4
La Nueva Enciclopedia Británica señala que "muchos lo consideran el mayor dramaturgo de todos los
tiempos. Sus piezas [...] se representan más veces y en mayor número de naciones que las de cualquier
otro escritor".

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humor es más amargo que burlesco, es decir, no es para poner una nota cómica sino
para reflexionar
- es el iniciador del moderno teatro inglés: conserva los cinco actos del teatro
clásico, pero no así las unidades de lugar, tiempo y acción; puede mezclar prosa y verso
y también elementos trágicos y cómicos. Además conserva la fatalidad o el destino y el
patetismo de la tragedia clásica (retoma la catarsis).
- es un profundo conocedor del alma humana: de las pasiones del hombre y de
sus diferentes sentimientos y emociones.
- la mayoría de sus personajes están dotados de una inconfundible humanidad:
de ahí proviene la intemporalidad de su obra5.
- el teatro dentro del teatro (metateatro). Shakespeare muestra una gran
dedicación a su profesión y por ello se preocupa de verter en la obra una serie de críticas
y opiniones en boca de sus personajes que aluden a la situación real de las compañías de
actores en Inglaterra.
1.2. HAMLET.
Es una de las grandes tragedias de Shakespeare y, probablemente, la obra de
teatro más representada de todos los tiempos. Consta de cinco actos de longitud
similar, divididos en escenas de extensión variada. Todo el primer acto es el
planteamiento, gira en torno a las apariciones del espíritu del padre de Hamlet, que
explica los antecedentes y exige a su hijo la venganza. En los actos siguientes la
tensión se va acumulando (muerte de Polonio, plan para asesinar a Hamlet, etc.), y los
episodios dolorosos van jalonando la obra y conduciéndola hasta la escena final. El
acto central es de especial interés (aquí se encuentra el famoso monólogo de Hamlet
Ser o no ser…). Tanta tensión acumulada desemboca en el desenlace del último acto.
La tragedia de Hamlet, príncipe de Dinamarca (título original de la obra), se
remonta, como ya hemos dicho, a las leyendas nórdicas medievales. Es la obra más
famosa del dramaturgo inglés, escrita hacia 1601 y publicada en 1604. La fuente más
antigua del argumento es una leyenda escrita en latín (Historia Danicae) por el danés
Saxo Gramaticus (siglo XII)6, aunque tenemos otras como la leyenda del príncipe
Amlet, la Gesta Danorum o un Hamlet atribuible a Thomas Kyd.

5
Muchos de ellos han quedado como símbolos de emociones universales: Otelo, de los celos; Macbeth,
de la ambición; Hamlet, de la duda; Romeo y Julieta, del amor prohibido.
6
No es seguro que Shakespeare leyera a Saxo, lo más probable es que conociera la historia de Hamlet a
través de la versión francesa Histories trágiques (1580) de Belleforest.
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La obra se inscribe en un género muy popular del teatro isabelino: la tragedia

de venganza7. Para muchos esta obra es el mejor ejemplo del género. Otros núcleos
temáticos que se entrelazan con el tema central son: la venganza, la duda, la
corrupción, la apariencia y la realidad y la muerte.
Hamlet es la tragedia de la venganza y de la duda. Se plantea el conflicto
interior del protagonista y la venganza como medio para restituir el orden político y
moral. La Providencia le impone el deber de vengar la muerte de su padre, lo que
implica convertirse en asesino y su posterior muerte. En el teatro isabelino las tragedias
nunca acaban antes de que los vengadores mueran, al igual que sus asesinos.
Sin embargo, Hamlet no es el único hijo agraviado. También nos encontramos
con Fortinbrás, Pirro y Laertes, que repiten el mismo esquema pero se enfrentan de
forma muy distinta al momento de ejecutar la venganza. Mientras Hamlet no se da prisa
en vengar la muerte de su padre, perdido en debates internos, Laertes es más decidido,
vengador sin escrúpulos que arriesga todo con tal de vengar a su padre. Pirro, por su
parte, es el vengador consagrado de la violencia sanguinaria, ya que venga a su padre
cortando en pedazos a Príamo delante de su esposa. Por último, Fortinbrás, rebosante de
ímpetu y ardor, emprende su venganza aprovechando el estado de salud de su tío, el rey
de Noruega.
La duda y la indecisión torturan a Hamlet que se debate entre la restauración
del honor familiar y los dictados de su conciencia. En el segundo monólogo se pregunta
si es un cobarde por no vengar a su padre y, a continuación, duda de la autenticidad del
espectro.
La visión tradicional ve a Hamlet como un personaje al que la duda lo vuelve
débil, inseguro, incapaz de decidirse, lo paraliza. Esto se ve magníficamente reflejado
en el monólogo Ser o no ser…, calificado como el monólogo de la duda por la
abundancia de indecisiones que el protagonista expresa. Este muestra el estado de
ofuscación del protagonista, perdido, inmenso en una gran duda, con sus vacilaciones,
sus conflictos, sus reflexiones, el sufrimiento, el desengaño, el pesimismo y sus deseos
de morir. Todo esto marca una diferencia entre Hamlet y el resto de vengadores del
drama isabelino: analiza las consecuencias de sus actos.

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Algunas de las características de este género las vemos en Hamlet: el héroe tiene motivos justificables
para su venganza, el antagonista es igual en fuerza y condición al protagonista o el ambiente debe ser
lúgubre y presentar elementos sobrenaturales.
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La corrupción, como hemos dicho, es otro tema de la obra. También se aprecia

un drama político donde se lucha por el derecho de sucesión al trono. Dada la
inestabilidad política de la época, la corrupción y las ansias de poder, las cortes eran
peligrosas. Se ve ejércitos que avanzan, se espía, se traman confabulaciones e incluso se
produce un intento de rebelión contra el monarca capitaneado por Laertes. La visión de
Elsenor como lugar propicio para la corrupción se aprecia desde el inicio de la obra,
cuando el soldado Marcelo pronuncia una frase muy famosa: Algo prodrido huele en
Dinamarca. En este sentido, se aprecia una atmósfera de desasosiego, desconfianza y
peligro.
Ese estado de corrupción hace que sea peligroso confiar en alguien. Por eso
cobra importancia en la obra la relación entre la apariencia y la realidad. Claudio,
Polonio, Rosencratz y Guildenstern son grandes fingidores. Este fingimiento demuestra
la aceptación del disimulo y la hipocresía como normas de conducta. En este sentido
destaca el comportamiento de Hamlet, que rechaza este comportamiento pero recurre a
aparentar locura de un modo estrafalario para conseguir su objetivo. Pero, ¿finge estar
loco o está trastornado? Por sus acciones no queda claro, lo que nos hace pensar que
este como otros personajes tienen máscaras bajo las que ocultan sus propias intenciones.
Shakespeare contrapone a las falsas apariencias la realidad en los soliloquios,
donde los personajes principales revelan lo que piensan y lo que sienten con sinceridad.
Por último, hay críticos que ven la muerte como el gran tema de la obra,
relacionado con el de la venganza. Para Hamlet, Dinamarca es una cárcel de la que no
puede salir hasta que haya vengado la muerte de su padre. Nos encontramos con
personajes que mueren conforme avanza la trama: Polonio, Ofelia, Rosencratz,
Guilderstern, Laertes, Gertrudis, el rey Claudio y el propio Hamlet.

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