TÉCNICAS ARTÍSTICAS

TEMA 1. CONCEPTO Y TEORÍA GENERAL DEL DIBUJO

PROCEDIMIENTOS Y MEDIOS ARTÍSTICOS, ED RAMÓN ARECES, MANUAL DE LA UNED

1.DIBUJO Y SUS TÉCNICAS

1.1. TEORÍA GENERAL EUROPEA

DIAPOSITIVA (GUÍA)
La concisión de la imagen es el Momento creador del trabajo artístico
- El proceso del dibujo: nivel creador (apunte) y nivel de ejecución (dibujo preparatorio)
- Durante el siglo XVI se definen los modos o fases, y siguiendo a Vasari: apunte, perfil, dibujo
acabado y cartón.

La concisión de la imagen es el Momento creador del trabajo artístico. El dibujo es la llave de las
demás artes. Lo que nos rodea ha sido dibujado anteriormente. Antes de llegar a materializar el objeto
ha sido un dibujo. El dibujo es la idea que se va a materializar. Viene desde la Antigüedad y es el
momento intelectual más elevado de la percepción artística porque el dibujo se concibe en el cerebro.
El proceso del dibujo se divide en dos partes: el apunte (nivel creador) y el dibujo preparatorio (nivel
de ejecución). ¿CUÁL ES MEJOR? Hay diferentes teorías.

Dentro de un dibujo ejecutado hay un proceso, pero el apunte es rápido.

EJ: Los Cartones de Goya son un dibujo preparatorio; no son la obra final que se iba a colgar en los
palacios.

En el siglo XVI se definen los modos o fases, el procedimiento. Vasari es una de las principales
fuentes de la historia del arte; vidas de los artistas. En el siglo XVI nos define el procedimiento del
dibujo, las fases de ejecución: apunte (toques ligeros, un esbozo que se hace con cualquier
instrumento (boli, lápiz) sobre un soporte, de materialización rápida, en dimensiones pequeñas), perfil
(dibujo en el que tenemos líneas de contorno, la escala, en él tienes que marcar el principio y fin de la
obra, en el que se define el dibujo), dibujo acabado (interviene el contorno, el color, la luz y la
profundidad) y cartón (no es la obra final).

DIFERENCIAS ENTRE PERFIL Y DIBUJO ACABADO: en el perfil no se definen las

profundidades, la luz y en el dibujo preparatorio interviene el color

DIFERENCIA ENTRE DIBUJO ACABADO Y CARTÓN: el dibujo acabado no es de la misma

dimensión de la obra final, el cartón sí.

DIAPOSITIVA (GUÍA)
- Teorías (dibujo como fundamento del arte): Cennino Cennini, Ghiberti “Comentario” de
1450, Miguel Ángel, Vasari, Federico Zuccaro “Idea del pintor, escultor y arquitecto” 1607
- Teorías (dibujo no fundamento del Arte): Piero de la Francesca, Alberti, Leonardo
- Unión de las teorías anteriores: Lornazzo “Tratado de la pintura” 1584
 TEORÍA (DIBUJO COMO FUNDAMENTO DEL ARTE)

CENNINO CENNINI

Cennino Cennini a finales del siglo XIV en Italia realizó un Tratado de Pintura:
“El fundamento del Arte, el principio de todos estos trabajos de mano, es el diseño y el color”
“La más perfecta guía que pueda tener el artista, y el mejor timón, es la puerta triunfal del dibujar del
natural”

Son importantes tanto el nivel creador como el de ejecución. Para él, el diseño, el dibujo y el color van
de la mano, pero para ellos debemos fijarnos en la naturaleza. Se está empezando a reconocer, a
considerar socialmente, al artista (Quattrocento). Ese trabajo manual no es el único, pues detrás lleva
un trabajo intelectual, por lo que tiene mayor consideración.

GHIBERTI

Ghiberti dice que el dibujo es el fundamento y la técnica de todas las artes. Sin el dibujo no se puede
llevar a cabo la obra artística.

MIGUEL ÁNGEL

“Pintura, escultura y arquitectura culminan en el dibujo. Es la primera fuente y el alma de toda clase
de pintura y la raíz de todas las ciencias.”

Para Miguel Ángel, el dibujo es fundamento del arte y las ciencias.

VASARI

Vasari vivió entre 1511 y 1574. Nos habla en su tratado de que los dibujos se originan en el intelecto,
formándose como una idea, a los que denomina imagen interior. Dice que él tiene una imagen interior
gracias a la contemplación del natural, a la contemplación de la naturaleza. Lo que percibimos por los
sentidos y el pensamiento tienen la misma importancia (idea = práctica ; importante). Para Vasari, lo
fundamental es la mezcla de la idea y la práctica (idea aristotélico-tomista). Equilibrio de abstracción
y experiencia, es la base de todo pensamiento.

Gracias a la contemplación del natural tengo el concepto.

CONTEXTO!!!
Siglo XVI - Saqueo de Roma (Carlos V, no reciben la soldada porque están luchando contra el
Protestantismo), Protestantismo (Lutero), Enrique VIII (divorcio, Iglesia Anglicana), Concilio de
Trento (Contrarreforma). Momento de crisis religiosa (división de la Iglesia). Guerras de poder.
 ZÚCCARO

Zuccaro se sitúa en el periodo del Manierismo. El Manierismo proviene de un alargamiento del Canon
de Miguel Ángel que anteriormente había sido llevado a cabo por Lisipo. El Manierismo pone su
acento en el Neoplatonismo, el cual dice que la experiencia de los sentidos (el conocimiento) se va a ir
olvidando, por lo que el dibujo es una especulación que nace en la mente y una industria del intelecto.
El equilibrio entre experiencia y abstracción espiritual se rompe a favor de la segunda, de la idea. POr
tanto, la idea es más importante que la experiencia.

En “Idea de pintor, escultor y arquitecto” dice que hay un dibujo externo (el que vemos en el soporte)
y uno interno. Zuccaro, siendo platónico, dice que la idea es anterior al conocer, por lo que tenemos
que buscar el origen de la idea, que según él se encuentra en Dios. Si la idea la pone Dios, el dibujo
interno (mental) es divino. Como el dibujo se produce en la mente y lo produce Dios, es el
fundamento del arte. Zuccaro busca la justificación en un ambiente teológico: como la idea es anterior
al conocer.

TEORÍA (DIBUJO NO FUNDAMENTO DEL ARTE)

PIERO DELLA FRANCESCA

ALBERTI
Identifica la línea del contorno como el límite de las cosas, al igual que Piero

LEONARDO
Leonardo también insiste en los contornos de cada objeto pero se tiene que traducir con una buena
diligencia (experiencia). En su tratado dice “Primero has de copiar obras de un buen maestro que las
haya dibujado del natural”

UNIÓN DE LAS TEORÍAS ANTERIORES

LOMAZZO
“Tratado de la pintura”, 1584
Tomó las diferentes teorías

TRATADOS Y TEORÍAS DEL SIGLO XVII

● Concepción florentina (preminencia/primacía del dibujo, supremacía del bello ideal y del
dibujo/diseño interno).

● Concepción veneciana. Rubens. Mayor trascendencia al color y al movimiento.

● Academia francesa. Existió un enfrentamiento entre conceptos abstractos e idealistas y el

sensualismo colorista (práctica)
- Dufresnoy “De arte gráfica” París 1667.
“No permanezcáis tan vinculados a la Naturaleza, que no concedáis nada a los estudios ni a nuestro
Genio; pero no creáis tampoco que nuestro Genio y la memoria de las cosas que habéis visto bastan
solas para hacer un buen cuadro, sin la ayuda de esa incomparable maestra, la Naturaleza, que debéis
tener siempre presente como un testigo de la verdad.” - Idea y experiencia. Nos dice que ambas son
importantes, tanto la concepcion veneciana como la florentina.
 - Felibien “Principios de arquitectura, de la escultura, de la pintura” París, 1676
- Le Brun. El dibujo debe ser la brújula, contraponiéndolo a los peligros del color en los que
muchos se ahogan.

SIGLO XVIII
Se insiste en que el dibujo es la llave de las Bellas Artes, es la organización de los pensamientos.
● Rogier de Piles “Curso de pintura para principiantes”, París 1708. Hay que contemplar el
natural, pero la práctica es fundamental
● Conde Caylus. En la Real Academia en 1732, insistió en la imitación del natural
● Diderot “Ensayo sobre la pintura” 1765. Critica las enseñanzas académicas con largas
sesiones de dibujo propuestas por Leonardo; según Diderot no dan libertad al artista. Rompe
con esas ideas porque dice que es contrario a las enseñanzas porque da mayor valor a la
observación de la naturaleza. Goya decía que tenía dos maestros: Velázquez y la Naturaleza.
● Watelet. Explica que el método de educación tenía que seguir a Leonardo?

SIGLO XIX
El dibujo es importante porque manifiesta la personalidad del artista.
● Ingres. Utiliza el grafito con gran precisión. Dice que el dibujo también comprende el color;
une ambos. Para él tiene importancia el acabado.
● Delacroix. DIce que los apuntes son lo más seguro.
SIGLO XX
Importancia de la valoración global de la opinión personal del artista.
*El almohadón de pluma
IMPLICACIONES TEÓRICAS EN ESPAÑA
El siglo XVI
● Pablo Céspedes. Es un amigo íntimo de Zúccaro y, por tanto, para él es muy importante la
idea frente a la experiencia.
siglo XVII
● Vicente Carducho
● Francisco Pacheco
● Jusepe Martínez
● José García Hidalgo
● Palomino
siglo XVIII
● Mengs

EL DIBUJO Y SUS TÉCNICAS

INTRODUCCIÓN

- EL TÉRMINO GRAFÍA
La modalidad de escritura o dibujo. El término grafía nos habla de dos técnicas distintas. La escritura
no deja de ser dibujos codificados.

En Grecia ya encontrábamos una distinción entre dibujo y pintura.

El dibujo técnicamente se diferencia de las técnicas artísticas por el soporte, la técnica, el tiempo de
ejecución y las dimensiones.
El soporte es cualquier superficie plana: papel, terracota, pergamino, hoja de papiro, de palma,
tablillas egipcias

Sobre estos soportes, la imagen se puede marcar con puntos o dibujar con lápiz, pluma, plumillas…
(técnica)

En cuanto al tiempo de ejecución, es relativamente breve (el apunte es la manifestación inmediata de

la idea.

Generalmente, las dimensiones suelen ser reducidas porque va a ser un instrumento de trabajo, un
apunte, las ideas que estoy llevando a cabo.

NACIMIENTO DEL DIBUJO

El dibujo nace con la necesidad de expresión del hombre. Así pues, tuvo un inicio mágico con los
primeros hombres (hombre prehistórico). Esa necesidad tiene un carácter mágico. En dichas culturas
no hay conocimiento del papel, pues este no llega hasta el siglo XIII a Europa. Así, utilizaron
cualquier material liso y pulido, realizaron signos figurativos y no figurativos y encontraron diversos
soportes: paredes rocosas, huesos, cuerno, marfil, madera y cuero.

La técnica más utilizada fue la más simple: el uso de los dedos de la mano (Cueva de Altamira) y
sobre la arcilla es un buen comportamiento en las incisiones. Así, cada vez es más importante la
delimitación del contorno (el arte del hombre primitivo), la obsesión por la delimitación del contorno
preocupó a los griegos y a partir del siglo IV el interés se centró en el color.

El dibujo sobre pergamino y papel se dio en el Helenístico y en Roma, usando dibujos y cartones
(repertorio iconográfico para los mosaicos y la decoración práctica).

A finales de los primeros siglos de la era cristiana el dibujo se utilizó como ilustración de libros, era
muy importante. La utilización del minio (mineral) da lugar a las miniaturas de los libros.

En el siglo VII d.C encontraremos las hojas de pergamino, papiro y se realizarán dibujos en tinta.
Desde el siglo VII veremos manuscritos ilustrados con dibujos ejecutados en tinta y, a partir del siglo
XI, en la historia del arte vamos a ver diferentes repertorios iconográficos junto a los libros.

El papel tiene su origen en China en el 104 d.C. Los primeros papeles estaban hechos de fibras
vegetales, de pasta de agua y se extendían sobre una tela, dejándolo secar.

Los chinos transmitieron los conocimientos a los árabes e introdujeron el papel en Europa hacia el
1200. El papel europeo se hacía con trapos de lino mezclados con agua y machacados en morteros.
Después, se ponía en un bastidor con la base reticulada de hilos de latón y, más tarde, se pasaban a un
fieltro de lana para tomar la humedad. Se utiliza una prensa manual para que fuera uniforme y se
encolan las hojas con cola animal. Una vez seco, se satinaba dicho papel. Las primeras prensas de
papel fueron:
● 1283 Fabriano (Italia)
● 1338 Troyes (Francia)
● 1389 Nuremberg (Alemania)
Durante el Renacimiento era frecuente que en diferentes ciudades se hiciesen diferentes tipos de
papel: en Venecia se realizaba un papel con tonalidad azul (Jacopo Bassano y Durero). En 1779
Nicholas Roberts patentó la primera máquina de hacer papel. A mediados del siglo XIX se introdujo
la pasta de madera. EL papel blanco de granulado fino y superficie lisa se utiliza para los apuntes y
dibujos a pluma y pincel. El papel coloreado de grano grueso se usa para el dibujo a lápiz, carboncillo
y pastel.

INSTRUMENTOS

● Estilete con punta metálica:

- Plata conocido por los romanos: dibujar en tablillas y pizarras, usado frecuentemente en el
siglo XIV y XV para dibujos en pergaminos y proporciona un trazado delicado y brillante con
efectos de esfumado (Paolo Uccello, Fra Angélico, Leonardo y Durero)
- Plomo: utilizado en papel sin preparar y deja un trazo negro que se hace marrón por la
oxidación.

● Pluma:
- En los primeros siglos de la era cristiana se utilizan plumas de caña.
- A partir del siglo VI se usa la pluma de oca: posee un trazado nítido que fue un éxito hasta el
XIX, pues se sustituyó por el lápiz.

● Tinta:
- Tinta china: negro de humo en suspensión de aceite mezclado con goma y cola de pescado y
es de color negro brillante
- Tinta de bugalla: procede de la agalla de encina o roble mezclada con goma arábiga y sales de
hierro y es de color marrón. Empleada por Goya (dibujos preparatorios) y Fray Luis.
- Tinta de sepia: pigmento natural diluida en agua mezclada con goma arábiga y es de color
pardo oscuro.
- Tinta bistre: carbonización de la madera en sustancia acuosa

● Pincel:
- En el siglo XV se aconsejaba ue fuera de pelo de ardilla
- Se utiliza para la sombra o las luces a las líneas trazadas con el estilete. Las sombras se
obtienen

● Carboncillo: combustión lenta de bastoncillos de madera que se utiliza para los apuntes o para
los esbozos sobre muro y para prolongar la duración se añade goma arábiga (Tintoretto)

● Piedra de Italia: piedra negra procedente del Piamonte, roca metamórfica que da lugar a un
trazado ancho y vigoroso

● Sanguina o lápiz rojo: arcilla ferruginosa, trazado propio de la tiza que es usada para trabajar
a gran escala (trabajos preparatorios sobre el muro). Murillo, Goya, Tiepolo, Fragonard, etc
 ● Grafito: carbono natural, usado en barra desde el siglo XVI, posee tonos grisáceos y
brillantes, a fines del siglos XVIII (1790) Conté lo mezcló con arcilla dando lugar al famoso
lápiz de igual nombre. Utilizado por Ingres y Picasso en los dibujos.

● Yeso: Se utiliza para iluminar los dibujos sustituyendo así al albayalde.

PASTEL: dibujo con color. Los pasteles son tizas de color. Es un pigmento en polvo aglutinado con
agua, con goma arábiga y con jabón de Marsella. Con él se puede pintar y dibujar. Para evitar los
brillos de un pastel hay que fijarse en la proporción. Hay que controlar los toques. En el pastel es
importante la decisión y la seguridad de lo que se va a llevar a cabo. Los retratos que a veces tenían
color eran los que se realizaban con punta de plata sobre pergamino (siglo XV). Uno de los artista que
lo utiliza en el XIV y en el XV es Hans Holbeing?, Rosalba Carriera, quien trabajó en Francia durante
la regencia de Luis XV (Alegoría de la pintura) y Maurice Quentin de la Tour. Colores fríos y
delicados correspondientes al Rococó. La fresvura y espontaneidad del pastel combinada con la idea
de este periodo lo convertirá en uno de los grandes medios del Rococó y que posteriormente aparecerá
tb en el imoresionismo francés. Un pastelista excepcional es Degas? Este renueva los temas,
sacándolos del retrato, y además cambia la técnica (diferentes capas sucesivas). Además utilizó en sus
pasteles otros aglutinantes que a día de hoy desconocemos que le dabam un brillo que parecen haber
hechos hoy mismo. LA LAVANDERA. Preparaba un fijado y evitaba el granulado y conservaba el
brillo del color. Para conseguir eso hacía que las diferentes barras tuviesen una gran carga de
pigmento en vez de aglutinante. Otros impresionistas que lo usaron fueron Renoir y Monet, por
ejemplo.

AERÓGRAFO. Burdy patenta la idea para utilizarla en retoques fotográficos (colorear fotografías en
blanco y negro). Es un instrumento que se utilizaba para los retoques fotográficos y también para
carteles publicitarios. Aerógrafo de precisión, pistola: EL medio que se utiliza es el gouache o color
con cuerpo; es una pintura al agua y opaca. Tiene pigmento molido y se usa como aglutinante la goma
arábiga. Se trabaja de lo oscuro a lo más claro; lo contrario a la acuarela. El gouche se utilizó por los
iluminadores de manuscritos y en el siglo XVIII lo utilizó Sanji?. Se utilizó en la ilastración
comercial. También lo usaron Van dyck y Picasso. Tinta. Soportes: papel, tabla, madera, lienzo,
lámina metálica e incluso la pared. Hay que trabajar con máscaras. Líneas, tonos graduales,
gradaciones tonales.

TEMA 4. RESTAURACIÓN Y CONSERVACIÓN DE LOS DIBUJOS

El pergamino absorbe humedad, por lo que las condiciones de conservación deben estar muy
vigiladas; las de humedad y temperatura deben ser constantes.
CONFERENCIA SALVATORE SETTIS - LA LÍNEA DE PARRASIO, ESTRATEGIAS DEL
DIBUJO I

Prácticas del dibujo en el Renacimiento

Correggio, Amor y Psique - composición original pensada para una pintura nunca realizada, se podría
haber relacionado con Educación de Amor y Júpiter y Antíope

Formación del sistema Renacentista