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Curso 2019-2020
LECCIÓN: 2.1. Cómo rodar un producto audiovisual

A. ¿Dónde poner la cámara y qué planos hacer?

Antes de ponerse a grabar está bien tener claros los siguientes conceptos:
 Encuadre (o cuadro).
 Plano.
 Toma.
 Fotograma.
 Regla de los tercios.
 Tipos de plano:
o Planos descriptivos.
o Planos narrativos.
o Planos expresivos.

1. Encuadre (o cuadro).
El encuadre es el fragmento del espacio que capta el objetivo de una cámara. Es decir, es
la acotación del espacio. Es delimitar lo que entrará y lo que no entrará en la imagen que
estamos grabando. Para definir el tamaño del encuadre se usan los tamaños de plano.

2. Plano.
Es la unidad básica del lenguaje audiovisual. Un plano puede tener diferentes encuadres si
movemos la cámara durante la grabación o mantenerse fijo si no se mueve.

3. Toma.
Es todo lo que grabamos con la cámara desde que iniciamos la grabación pulsando Rec
hasta que pulsamos el botón de Stop.

De cada plano, generalmente, se graban varias tomas, y se van numerando en la claqueta.

En esta se suelen anotar:

 Secuencia (se le llama secuencia, pero se refiere a la escena del guion) que estamos
grabando.
 Número de plano del storyboard o guión técnico.
 Número de toma. Este número irá aumentando conforme vayamos repitiendo la
toma.

Algunos directores tienen fama de grabar muchas tomas como Stanley

Kubrick, director de La naranja mecánica y Espartaco, y David Fincher,
director de La red social y Perdida, llegando casi a las 100 en algún
caso. La persona encargada de hacer la claqueta, la mostrará delante
de la cámara (cuando esta esté grabando) y “cantará” el número de
secuencia, plano y toma antes de que los actores se pongan a actuar,
para que quede registrado qué hemos grabado exactamente y facilite
posteriormente la labor de montaje. El sonido que hace la claqueta al
chocar una tablilla con otra y su registro en cámara, ayudan a
sincronizar imagen y sonido (que se suelen grabar por separado) en la
fase de montaje.
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4. Fotograma.
En vídeo, para conseguir la ilusión de movimiento, se usan 25 imágenes estáticas. Que al
verlas una tras otra en un solo segundo nos da la sensación de estar en movimiento por una
propiedad del ojo que es la Persistencia retiniana. En Europa y algunos países como
Argentina se consigue esta ilusión a 25 fps (fotogramas -frames- por segundo). Y en
Estados Unidos y México 30fps. Tradicionalmente en cine se rueda a 24 fps. Aunque con
Youtube hay vídeos de todo tipo con diferentes fps, lo normal es que tu teléfono o tu cámara
grabe a 30 o 25 fps.

5. Regla de los tercios.

Esta regla tiene sus amantes y detractores. Hay artistas que opinan que esta regla no
existe, y otros la defienden en todas sus creaciones. Aun así, creemos que es interesante
conocerla. Consiste en dividir el cuadro con 2 líneas equidistantes horizontales y otras 2
líneas equidistantes verticales. Por lo que el encuadre nos quedará dividido en 9 partes
iguales.

Los puntos de intersección entre estas líneas son los centros de interés de la imagen. ¿Qué
quiere decir esto? Que esos puntos son atractivos para los espectadores y ahí es hacia
donde solemos mirar cuando contemplamos una imagen.

Si vamos a encuadrar el rostro de una persona, quizás sea interesante colocar su mirada en
los 2 puntos de arriba. Si vamos a hacer un plano mucho más abierto donde mostremos un
horizonte, también podremos tener en cuenta esta regla para colocar este horizonte en la
línea horizontal de arriba o en la de abajo.

Casi todas las cámaras, incluidos los móviles, se pueden configurar para que aparezcan
estas líneas y facilitarnos el encuadre de lo que queramos fotografiar o grabar.

Estas reglas y las siguientes que se verán más adelante, está bien conocerlas para poder
saltárselas cuando deseemos. En el siguiente vídeo del canal de Youtube Little_rh, se
muestran algunos encuadres pasando por el filtro de la regla de los tercios:

 https://www.youtube.com/watch?v=bl283c3NXlc
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Vale, digamos que ya sabes cuáles son los puntos de interés cuando vayas a grabar tu
vídeo, pero aún no sabes qué planos utilizar y cuándo. Vamos a ver esto con detalle.

6. Tipos de PLANO.

 Planos Descriptivos: Son planos que muestran el entorno, ubican al espectador

para que sepan dónde está transcurriendo la acción o la historia. Se suele utilizar
mucho para comenzar o finalizar escenas. Dependiendo del tamaño del personaje en
el encuadre puede ser:
o Gran Plano General (GPG): Se le da más importancia al entorno, al contexto y
al paisaje que al personaje. Suele ser descriptivo y se le suele llamar también
Plano Panorámico.

Fotograma de "12 días de mierda"

o Plano General (PG): Muestran tanto al personaje de cuerpo entero como el

entorno en el que se mueve.

Fotograma de "Semiprofesionales"
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o Plano Entero (PE): Es cuando los límites inferiores y superiores coinciden con
la cabeza y los pies del sujeto.

Fotograma de "Salpicados por el desastre" Fotograma de "Semiprofesionales"

 Planos Narrativos: Se utilizan para darle más importancia a la acción que al

entorno. La figura humana tiene más presencia e interés, aunque también seguimos
viendo algo del entorno.
o Plano Americano (PA) o Plano Medio Largo (PML): Se le llama así porque era
el más utilizado en los westerns porque llegaba hasta las rodillas y permitía
mostrar cómo desenfundaban los vaqueros sus pistolas. También se le llama
Plano ¾. Permite, por tanto, mostrar toda la acción del cuerpo excepto los
pies.

Fotograma de "Semiprofesionales" Fotograma de"Peatones"

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o Plano Medio (PM): Corta a la altura de la cintura y podemos ver cómo se

expresa el personaje con sus manos. En entrevistas es muy utilizado porque
podemos ver cómo se mueve el personaje y, a la vez, ver sus gestos.

Fotograma de "Semiprofesionales"

 Planos Expresivos: Están más centrados en las emociones y sentimientos. Se

centran, por tanto, en la cara de los personajes y nos permiten descubrir el lenguaje
verbal y no verbal.
o Plano Medio Corto (PMC): Va desde la cabeza hasta justo debajo del pecho.
Aísla al personaje del entorno para centrarnos más en lo que dice, cómo lo
dice y su expresión.

Fotograma de "Semiprofesionales"
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o Primer Plano (PP): Recoge cara y hombros. Muestra las emociones y ya el

entorno deja de ser importante.

Fotograma de "Peatones"

o Primerísimo Primer Plano (PPP): Va desde la frente a la base de la boca,

cortando la barbilla. También se utiliza mucho en westerns, durante los duelos.
Aquí la emoción y los sentimientos del personaje son muy importantes.
o

Fotograma de "Salpicados por el desastre"

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o Plano Detalle (PD) o inserto: Sólo muestra un objeto o una parte de una
persona, o de cualquier ser vivo. Sirve para darle importancia a ese elemento.
Es muy utilizado como bisagra o transición entre 2 escenas o para enlazar 2
planos difíciles de montar juntos.

Fotograma de "Un tipo con clase"

7. Algunos TRUCOS.

Truco 1: Un truco para saber qué tamaño de plano utilizar suele ser, mientras leemos el
guion, tratar de subrayar aquello que es realmente importante y que requiere, a nuestro
entender, de un determinado tamaño de plano. Después, si alguien puede leerte el guion
mientras observas a tus actores/actrices, puedes dejarte llevar por el impulso de acercarte o
alejarte para observar sus emociones, o, todo lo contrario, observar el entorno y cómo se
desenvuelven en él. Se trata, en definitiva, de utilizar tu ojo como una cámara, y así podrás
observar qué es lo realmente importante y desde dónde te gustaría ver la acción que
transcurre delante de ti. Eso te dará pistas para abordar tu planificación.

Tradicionalmente los primeros planos se reservaban para el clímax de la película y potenciar

así el momento de mayor intensidad y dramatismo.

Truco 2: Grabar a una persona de frente genera más empatía que cuando se graba de
perfil.. Depende de lo que queramos transmitir en cada momento de cada escena. Esto
ocurre porque es algo similar a lo que pasa cuando una persona nos mira directamente (o
mira lo más frontal posible al objetivo de la cámara), ya que en los ojos de la persona,
podemos “verla/verlo” y entrar en sus sentimientos. Cuanto menos vemos sus ojos, menos
entendemos lo que le pasa por dentro.

Para saber más: Tipos de plano cinematográfico del cine de Martin Scorsese elaborado por
el Youtuber Alberto Mazuecos:

https://www.youtube.com/watch?v=KSlw60PFcfc&t=30s
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B. ¿Y si quiero darle un toque más a lo Tarantino o Scorsese?

Para darle un toque más singular a tus películas, puedes tener en cuenta:
 Angulaciones.
 Movimientos de cámara.
 Ópticas

Angulaciones.
Una vez que sabemos qué plano queremos hacer, podemos jugar a darle más importancia o
menos a algunos personajes.
 Ángulo normal o plano a la altura de los ojos: Es el más habitual. Como su
nombre indica se sitúa a la altura de los ojos de los personajes. Adoptamos una
posición neutral.

 Ángulo de cámara picado o plano picado: La cámara graba a una altura superior a
los ojos. Es como si mirásemos al personaje desde arriba. Esto transmite inferioridad
e inocencia al personaje. También puede transmitir debilidad, fragilidad, o un aspecto
inofensivo.
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 Ángulo contrapicado o plano contrapicado: La cámara graba por debajo de los

ojos. Es como si mirásemos al personaje desde abajo. Es el opuesto al picado. Se
usa para que parezca más grande, más fuerte, más poderoso, para ensalzarlo y
magnificarlo.

 Ángulo de cámara cenital o plano cenital: La cámara graba la acción desde arriba.
Hay algunos directores que lo usan como la visión de Dios o bien porque puede
recoger la acción desde un ángulo que rompe con lo que está a nuestro alcance.
También puede ser la visión de alguien que observa desde arriba lo que está
ocurriendo.
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 Ángulo de cámara nadir o plano nadir: Es el opuesto al cenital. Grabamos desde

abajo. Se puede usar para mostrar la visión de alguien que está mirando hacia arriba,
para mostrar lo alto que es un edificio, la caída de alguien o algo, etc.

 Otros tipos de ángulos de cámara:

o Plano aberrante o plano holandés: La cámara bascula hacia un lado, es
decir, no está encuadrada de forma horizontal, se inclina para obtener una
sensación de inestabilidad o para reforzar la idea de que lo que está
ocurriendo en la escena es extraño. La película El 3º hombre, de Carol Reed
está rodada a base de este tipo de planos.
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o Plano subjetivo o POV (Point Of View): El Plano subjetivo es cuando se

trata de simular la mirada del personaje. La cámara, actúa como los ojos del
personaje. Veríamos lo que está viendo. La película Hardcore, de Ilya
Naishuller, está rodada íntegramente con este concepto.

También hay veces que la cámara se sitúa de tal forma que trata de mostrar la visión
subjetiva de objetos. La serie Braking Bad los usaba con mucha frecuencia, situando la
cámara dentro de lugares insospechados como un contenedor, un frigorífico, una puerta,
etc.
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o Ángulo gusano o plano gusano: Se llama así al plano que se graba

desde abajo, es decir, la cámara está en el suelo. Y puede grabar unos
pies, un personaje tumbado, un objeto de la carretera que sea relevante, etc.

Movimientos de cámara.

Por simplificar, se puede decir que hay 2 tipos de movimientos: físicos y ópticas.

 Físicos: La cámara se mueve físicamente de alguna manera. Dentro de ellos

estarían:
o Panorámica o paneo: Sobre trípode o cámara en mano. Movemos la cámara
de un lado a otro. Suele tener un comienzo y un fin. Puede ser:
 Panorámica Descriptiva: La cámara se mueve de un lado a otro
para mostrar o descubrir un entorno, una habitación o un
espacio.
 Panorámica de Seguimiento: Sigue una acción. La cámara sigue
a un personaje u objeto moverse de un lado a otro.
 Panorámica de Relación: Trata de unir o relacionar dos cosas.
Puede ir de una persona a otra. De un objeto a una persona o
viceversa.
 Panorámica de Barrido: es una panorámica rápida que produce
imágenes borrosas. Se usa como transición entre escenas o
para provocar un efecto.

El Youtuber Simone Spoladori recopila todas panorámicas de las películas de Wes

Anderson:
https://www.youtube.com/watch?v=RK4NNe3zHbc

o Travelling: La cámara se mueve o desplaza montada sobre raíles (o llevada en

mano, en steadycam, dron, etc).
 Travelling In: Si la cámara avanza hacia delante. Se usa,
generalmente para centrar la atención en algo. Es como si
estuviéramos físicamente en el sitio y pudiéramos acercarnos
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para ver algo. También se usa para seguir a un personaje

mostrando su espalda.
 Travelling Out: Si la cámara va hacia atrás. La cámara se aleja
para permitir al espectador ver o percibir más del entorno.
También puede acompañar a algunos personajes que estén
caminando y, de esta manera, podemos mostrarlos de frente.
 Travelling Lateral: La cámara se desplaza lateralmente. También
puede usarse para acompañar a un personaje al que se le
encuadaría de perfil mientras camina.

Al igual que las panorámicas, puede ser:

 Travelling Descriptivo
 Travelling de Seguimiento
 Travelling de Relación

 Ópticos: La cámara, a través de las lentes, nos permite alejamos o

acercamos (zoom). El zoom es un teleobjetivo que posee una distancia focal variable
y permite ser ajustada en función del propósito del que lo utilice. Permite, en
definitiva, alejar la imagen hacia delante (zoom in) o hacia atrás (zoom out). En el
travelling, el ángulo de visión siempre es el mismo, y en el zoom, el ángulo de visión
se estrecha cuando "metemos zoom", es decir, cuando hacemos zoom in. Y se
agranda cuando hacemos zoom out.

La diferencia entre utilizar un zoom y un travelling suele ser, en muchos casos una cuestión
económica. Es más caro hacer un travelling, que suele requerir de más dispositivos (raíles,
steady, dron, etc.) que un zoom. Este último suele ser más antinatural. El travelling es lo
más parecido a acercarse o alejarse físicamente. El zoom es más artificial aunque hoy en
día estamos muy familiarizados con él. En el zoom se suele utilizar un objetivo de distancia
focal variable que nos permite simular desplazamientos de cámara, pero lo único que hace
es estrechar o agrandar el ángulo de visión a través del desplazamiento de las lentes.

Cuando se combina zoom y travelling suele generar un efecto llamado Efecto Vértigo. Se
llama así porque Hitchcock fue el primero en usarlo para la película Vértigo, y crear en el
espectador la misma sensación que le genera el protagonista subir al campanario. Al
asomarse y ver todas las escaleras que ha subido, parece que estas se alargan al combinar
el Zoom out con travelling in. En cine es muy utilizado para enfatizar un momento importante
para el personaje o centrar la atención.

Aquí algunos ejemplos que el Youtuber Vashi Nedomansky ha recogido en un video:

https://www.youtube.com/watch?v=WIpMtL68G8w&t=378s
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Ópticas.

Las lentes y objetivos son cruciales para contar una historia y poder realizar los
planos que tenemos en mente. Básicamente se dividen en 3: normal, angular y
teleobjetivo

o Normal: Es lo más parecido a la visión de nuestro ojo. Suele ir desde un 50

mm hasta un 35mm. ¿Qué quiere decir esto? Los milímetros indican
la distancia focal, es decir, la distancia que hay desde el centro óptico de la
lente hasta el sensor de la cámara.

Se usan para:
-Transmitir sensación realista o naturalista, por simular el ojo humano.
-Sumergir al espectador de forma más objetiva en la historia, porque no deforma la imagen.

o Angular: Proporcionan un mayor ángulo de visión. Suele ir desde un 18mm

hasta un 35mm. Si queremos hacer un Plano General (PG) necesitaremos
usar un Angular. Si se usa para grabar a personas cerca del objetivo, suele
deformar o crear una sensación extraña.

Su versión más amplia es el Ojo de Pez, que crea el mismo efecto que cuando miramos por
la mirilla de las puertas de nuestras viviendas y deforma, por tanto las líneas rectas. El
angular se usa para:

-Situar al espectador y mostrar el paisaje en los planos descriptivos.

-Dar aire de irrealidad o fantasía al deformar la cara de los personajes.
-Dar sensación de que el espacio sea más grande.
-Mostrar casi todo el encuadre enfocado ya que la profundidad de campo es mayor.
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Kubrick rodó "La Naranja Mecánica" con angulares para generar una sensación
determinada. Sabiendo el efecto que causa cada lente podemos usarlas para generar el
efecto que pretendamos causar en nuestra audiencia.

o Teleobjetivo: Se usan para grabar cosas que tenemos lejos, o para aislar al
personaje del fondo debido a su reducida profundidad de campo. Suele ir
desde un 70mm en adelante. Se suelen usar para:

-Aislar al personaje/objeto del fondo

-Grabar primeros planos
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Si por ejemplo vamos a grabar a un personaje corriendo hacia la cámara y queremos

transmitir la sensación de que avanza muy rápido, usaremos un Gran angular. Pero si
queremos dar la sensación de que avanza lento, usaremos un teleobjetivo. Aun así, lo mejor
es hacer pruebas y experimentar libremente con la cámara que tengas a tu alcance.

Para observar el efecto que genera con cada óptica mira este hipnótico ejemplo:

https://giphy.com/gifs/interesting-portraits-lenses-YQ1fKZiT4B4rK

C. ¿Qué más puedo aprender?

Si eres de directores(as) más europeos(as), puedes tener en cuenta:
 Eje de acción.
 Formas de saltarse el eje.

Eje de acción.
Es una línea imaginaria que se establece cuando dos personajes o más se miran o
interactúan entre ellos. También se establece cuando hay un movimiento de un personaje o
un vehículo.

Cuando se establece esta línea, el espectador tiene clara la geografía del espacio, pero si
nos lo saltamos, puede desconcertar el seguimiento de lo que ocurre en la escena porque
puede desconcertar.
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Para evitar el salto de eje hay que tener en cuenta la regla de los 180º. Cuando se
establece la línea entre dos o más personajes que se miran, se crea el eje. Pues una vez
establecido podemos escoger una de los dos espacios que se crean para poner la cámara.
Una vez escogido ese lado, podremos posicionar la cámara en cualquier posición, pero
siempre del mismo eje.

¿No podemos irnos nunca al otro lado del eje? Sí, pero hay que saber hacerlo de tal forma
que no se desoriente al espectador.

Formas de saltarse el eje.

 Insertando un plano detalle: Estamos en un lado del eje / Insertamos plano detalle /
Ponemos la cámara en el otro lado del eje. Esto se puede hacer porque en un plano
detalle ya no hay eje, por lo que después de este plano, podremos poner el que
queramos.
 Plano general: Al mostrar el espacio, podemos movernos al siguiente lado del eje
porque al espectador le queda claro cuál es la geografía del espacio y sabe dónde
está exactamente.
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 Plano subjetivo: Usando un plano subjetivo de uno de los personajes hace que
estemos dentro del eje. Si el personaje mira a cámara (PSubjetivo) estamos dentro
del eje. Por lo tanto, podemos pasarnos, en el siguiente plano, al otro lado del eje sin
desconcertar.
 Travelling de un lado al otro: Se trataría de mover la cámara de un lado del eje al
otro. Aquí mostraríamos como estamos cruzando el eje, por lo que tampoco
desconcertaría.
 El personaje se puede mover (si se mueve la cámara, también puede hacerlo un/una
actor/actriz). Estableciéndose un nuevo eje, no por corte, sino por movimiento.

Saltarse el eje de forma “correcta” conviene hacerlo para que el espectador no se pierda,
pero a lo mejor, lo que queremos transmitir puede ser precisamente eso, que se pierda y se
desconcierte porque quizás, nuestro personaje se siente así y es la manera que podemos
utilizar para que el espectador se sienta como él/ella.

En este ejemplo queda muy claro el salto de eje y sirve también para mostrar cómo utilizar
el metalenguaje para contar historias: ¡Tía, no te saltes el eje!, de Kike Narcea. El
cortometraje fue ganador de la V edición del festival Jameson Notofilmfest:

https://www.youtube.com/watch?v=svejkenpjJU

Más sobre el salto de eje: Vídeo realizado por José F. Orguño, cineasta y dramaturgo
sevillano:

https://www.youtube.com/watch?v=qFLVVj20lmo&t=68s

D. ¿Qué es el Plano Contraplano que aparece en todas las películas?

Es la forma más usual de grabar una conversación o un diálogo entre 2 personas. El
concepto Plano Contraplano hace referencia a 2 planos que van montados seguidos en
montaje.

Se suele dar cuando estos personajes están uno frente a otro. Primero se graba a uno y
luego se graba a otro personaje si sólo estamos usando una cámara. Puede que en el
encuadre haya alguna referencia del personaje que está de espaldas (o escorzo) o puede
que no lo haya.

También puede haber un plano de alguien mirando un objeto y después el contraplano de

ese objeto. O de alguien mirando una planta y el contraplano de la planta.

Se suele usar el mismo tamaño de plano en ambos casos si no queremos dar más
importancia a uno de los personajes. Para que sea igual es muy frecuente hacerle una foto
al monitor o, si usamos un teléfono, que alguien le haga una foto a la pantalla cuando está
el plano encuadrado, para después poder utilizar la foto de referencia para encuadrar el
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contraplano. De esta manera nos aseguramos hacer el mismo plano y contraplano.De esta
manera nos aseguramos hacer el mismo plano y contraplano.

El canal Every Frame a painting de Youtube muestra el uso del plano y contraplano que los
hermanos Coen usan magistralmente en su cine:

https://www.youtube.com/watch?v=5UE3jz_O_EM

Para saber más contamos con estos retos relacionados con Alfabetización audiovisual:

 Alfabetización Audiovisual_ Brumaria