Narración clásica

asociada al cine de Hollywood. Es el modo predominante de narración. Es la más común de

ver y es comprensible gracias a que sus elementos se complementan/acompañan para
facilitar la comprensión.
Los personajes clásicos están definidos psicológicamente y tienen personalidad clara. Los
personajes, el contexto y demás personajes secundarios (que interactúan con los
principales) ya están aclarados en los primeros minutos. Generalmente los personajes
deben resolver un problema claramente indicado con objetivos específicos. utiliza el
sistema de star system que es la creación de un prototipo de personaje general para cada
estrella, es la mezcla de un personaje y la estrella en si.
Su argumento hereda convicciones del teatro, del romance y de la novela corta del s xix
(19). Es una narración canónica donde la causalidad esta centrada en el protagonista. La
causa/efecto es su principio unificador y linealidad de la historia. En este tipo de
historia/narración la situación inicial se altera y se debe volver a la normalidad. La acción es
el intento de conseguir el objetivo. Tiene una estructura clásica de guion generalmente con
sus tres actos. Se puede decir que su estructura es: situación inalterada
->alteración/perturbación>lucha->eliminación de la perturbación. Tiene una estructura
causal doble: se pueden contar dos esferas/historias paralelas, cada una con su inicio nudo y
desenlace, pero generalmente las dos historias coinciden en el clímax y son
interdependientes. Es omnisciente: la narración sabe mas que todos los personajes, es muy
comunicativa, conocemos los indicios significativos.
Su estilo: no utiliza elementos de manipulación del tiempo y si lo hace lo justifica como
pensamientos o recuerdos. Oculta la producción para que la historia parezca que no está
construida. La narración es redundante, se repite información mediante diálogos o acciones
de los personajes. El montaje es invisible o narrativo. Se organizan los recursos técnicos de
acuerdo a las necesidades dramáticas.
El espectador clásico es activo porque realiza operaciones cognitivas especificas.
Crea/proyecta hipótesis que pueden ser probables, exclusivas o dirigidas al suspenso. Se lo
ayuda a encuadrar mediante repeticiones. Sus expectativas están dirigidas hacia el futuro.
Narración arte y ensayo
Cine de autor o no hollywoodense. Es un cine alternativo al comercial. Su argumento no es
tan redundante como el clásico. Hay lagunas permanentes, la exposición se demora y su
narración no suele estar motivada genéricamente. Tiene varias facetas. Puede convertirse
en episodios. La definición de lo real es diferente y trata de asuntos reales. No hay plazos
temporales y generalmente tiene un final abierto.
Los personajes del cine de a y e suelen estar faltos de trazos, motivos y objetivos
específicos/claros. Pueden actuar incoherentemente o cuestionarse a sí mismos, no están
definidos. Trata de sus problemas psicológicos. No se sabe por qué el personaje actúa de
esa manera. El personaje se mueve pasivamente de una situación a otra.
El argumento tiene ambigüedad narrativa, tiene una esencia temática, en el clásico hay más
interés en el argumento y en este hay más interés en el personaje. Hay desarrollo de las
puestas en escena para representar el estado de ánimo del personaje. Emplea todo tipo de
subjetividad que se puede materializar en la imagen o en la banda sonora.
Ontología de la imagen cinematográfica
Según Bazin el origen de las artes plásticas se encuentra en el embalsamiento. Los egipcios
dependían de la permanencia material del cuerpo para escapar y evitar el paso del tiempo.
Fijaban artificialmente los cuerpos o apariencias con las momias y la petrificación para
escapar de la inexorabilidad del tiempo. Así, buscaban recordar/conservar la imagen.
Esta sería la función primordial o principal de la escultura: salvar al ser por las apariencias.
Condicionadas por esto, las artes plásticas evolucionaron y paralelamente la sociedad
también. Así se llego a pensar que la imagen ya no se trataba de la supervivencia del
hombre, sino que era la creación de un mundo ideal en donde la imagen de lo real alcanza
un destino temporal autónomo. O sea que, psicológicamente hablando la historia de las
artes plásticas, hay una fuerte unión con el realismo y la semejanza. La técnica se mejoraba
para que se parezca más y más a lo real. La pintura paso de ser una realidad espiritual a
tender a la imitación del mundo exterior. Había empezado una verdadera obsesión por la
imitación de la realidad.
La invención de la perspectiva. La perspectiva es un sistema científico y mecánico que
permitía/ayudaría al artista a crear una ilusión de un espacio con tres dimensiones donde el
objeto podía observarse/situarse al igual que con nuestra perspectiva directa. Hay una idea
de realismo en donde la pintura se divide en una aspiración estética y en la obsesión de
reemplazar al mundo exterior por su doble.
Como manifestación de esa obsesión apareció el barroco.
Como la perspectiva había resuelto el problema de las formas, ahora se debía resolver el
problema del movimiento. El realismo para seguir vigente necesitaba ese elemento que
sugiriera vida en la inmovilidad del barroco.
Aparece la fotografía y pone fin al barroco. También libera a las artes plásticas de su
obsesión por el realismo y la semejanza. La fotografía y el cine satisfacían a la obsesión por
lo real. Ya que el arte es inevitablemente subjetivo, en cambio, la fotografía y al excluir al
hombre es altamente objetiva y no es tocada por la subjetividad humana. La fotografía es
natural para nosotros y nos hace creer en ella por su poder irracional. Esta no crea la
eternidad como el arte, sino que embalsama el tiempo.
Estrategias del guion cinematográfico
Originalidad de historia. No basta con solo tener una buena idea, sino que se debe saber
como desarrollar esta dramáticamente.
La construcción de la estructura de la historia. Hay formulas estructurales que facilitan la
construcción de la historia. Los tres actos nos obligan a tener un orden al narrar.
El primer testimonio de la división en 3 actos es Aristóteles.
Exposición; presentación de los personajes, del mundo que los rodea y de la cuestión
problemática de la cual va a tratarse la historia.
Peripecia; desarrollo de lo expuesto.
Catástrofe: momento/punto culminante o resolución de la historia. El problema debe
complicarse más y más hasta llegar a este punto para que la catástrofe resuelva a situación.
Es el desenlace.
Los limites entre las partes debe estar bien definidos.
Horacio: división en 5 partes
Prologo: antecedentes de la historia/drama.
Prótasis: principio. Situación inalterada.
Epítasis: fase del desarrollo.
Catarsis: clímax o punto argüido que conlleva a una
Catástrofe: desenlace doloroso.

Teatro japones
Jo: principio. Situación inalterada. Intro
Hai: desarrollo, nudo
Kiu: estallido, desenlace
Eugene Valle propone dos criterios para la construcción de la acción que va a narrarse:
Según el objetivo del protagonista
Motivo: presentación de las causas que llevan a protagonista a actuar, a ponerse en marcha
hacia un objetivo o meta determinada.
Intención: se relatan las acciones que lleva a cabo el protagonista para realizar su búsqueda.
Mediante el desarrollo la intención se renueva y se revaloriza, el objeto se hace más
preciado.
Objetivo: el protagonista cumple su meta y desaparece el problema.
Según el conflicto dramático:
Estadio inalterado: situación inicial del protagonista, falta de motivos, presentación de
personajes y circunstancias.
Alteración: es indispensable para que suceda la acción. Algo sucede que rompe con el
equilibrio inicia con una crisis y de ahí surge el motivo de las acciones y crea el conflicto.
Lucha: acción propiamente dicha. Equivale al nudo. Es el fruto de las acciones de los
protagonistas (por su objetivo) y de los demás personajes. La intención del protagonista se
mantiene y renueva mientras recorre un camino de dificultades en donde sus intereses son
más importantes. Es la fase más extensa.
Tipos de dificultades:
Obstáculos: sucesos casuales, de la nada.accidentales.
Complicaciones: fruto de las acciones del protagonista.
Contra intensiones: presencia de un antagonista.
Ajuste: se soluciona el problema, pero esto no equivale a volver a la normalidad, sino que la
situación inicial tiene configuraciones.

Producción audiovisual
Es un proceso pleno de factores y sucesos que tiene como objetivo la obtención de una
película cinematográfica y su inserción en el mercado. Su presencia es imprescindible y su
interés está resultado económico.
En la elección de proyectos audiovisuales no hay fórmulas fiables, pero si factores que
influyen
Guion: deben ser atrapantes, atractivos, debe tratar de temas interesantes y que tengan
repercusión.
Comercialidad: es una mezcla de los antecedentes del mercado y formulas o elementos que
provoquen la química del producto. Es una combinación de intuición y conocimiento para
una repercusión masiva.
Director: para contratarlo, el productor debe conocer sus antecedentes y si participo de
éxitos. El nombre del director va a influenciar en la comercialidad dependiendo si la gente lo
reconoce y esto lo deben hacer mediante los festivales.
El orden presupuestario: cada película tiene su propio presupuesto dependiendo del tipo de
película que sea. El productor debe ver la factibilidad presupuestaria y ubicar al proyecto
luego de un análisis profesional. Al tener menos presupuesto, la calidad de la película baja.
Tener un exceso en el presupuesto implican mayores compromisos económicos y
financieros. El productor obtiene y regula los recursos y controla los gastos.
Los actores principales: deben tener reconocimiento internacional, ser conocidos y
convocantes y con prestigio.
Personal de producción:
Productor empresarial: es el responsable y toma las decisiones estratégicas. Realiza el
mayor aporte de capital y generalmente es una persona legal. Elije guion, jefe de
producción, inserción en el mercado y comercialidad, etc. Responsable de los contratos.
Productor gerencial: planifica y controla el desarrollo económico. Realiza el primer
presupuesto.
Productor de campo: es el jefe de producción. Se encarga de la contratación de catering, de
las ubicaciones, de la seguridad, etc. Realiza el presupuesto fijo y realiza múltiples tareas.
Los ayudantes o asistentes consiguen material, hacen compras y realizan permisos.
Si la producción es muy grande hay un director de producción que se relaciona con el
personal, suministra material y contrata servicios.
Las etapas de producción:
Desarrollo y búsqueda de financiamiento: Se estudia, evalúa y define el proyecto. Se realiza
el primer contrato con el p ejecutivo. Es desde la idea hasta el proyecto listo para rodarse.
Implica la obtención del 100% de financiamiento.
Preproducción: fundamental, si este sale mal, no hay película
Se contrata: director, personal técnico, cabezas de equipo, etc. Se realizan castings. Se
buscan locaciones, decorados, escenografías. Se realizan permisos. Se realizan las
sugerencias de peinado, vestuario y maquillaje. Se hace la prueba de cámara y luces. Se
compra el material virgen.
Rodaje:
Se solucionan los problemas que puedan surgir. Se traslada el material, el equipo, los
actores, etc. Se envía el material al editor. Se administran los gastos.
Postproducción:
Se hace el primer armado. Se graba la música. Se mezcla el audio. Se hace la doble banda. Se
realiza la edición final, los títulos y la dosificación de color. Se hace la copia A o primer copia
A.
Distribución y comercialización:
Exposición en festivales. Distribución local y ventas internacionales.
Realización Audiovisual:
El cuadro es el límite de la imagen, este va a condicionar como vamos a organizar los
elementos. Los formatos son los que limitan los cuadros. La relación de aspecto de la
imagen es la proporción entre la altura y la anchura de la misma. La composición es la
organización de los elementos dentro del cuadro.
El campo es la parte visible, se percibe como una ventana que deja ver un fragmento de un
mundo imaginario.
El fuera de campo es el espacio invisible que prolonga lo visible, solo existe en la relación al
campo. Es el conjunto de elementos (personajes, decorados, etc) que a pesar de que no
estén presentes en el campo, el espectador los percibe y los asigna mediante cualquier
medio. Las entradas y salidas de campo generalmente son por los laterales, pero también
pueden ser por arriba, por abajo, por dentro o por fuera del campo. El fuera de campo
puede ser manifestado por un personaje por ejemplo con la mirada fuera de campo. Se
define por los elementos cuando parte de ellos están fuera del cuadro implicando que esa
parte no visible está fuera de campo.
Las técnicas de profundidad tienen el objetivo de contar o expresar.
Perspectiva: es el arte de representar a los elementos que están sobre una superficie plana
de manera de que esta representación se parezca a la percepción visual que se puede tener
de los objetos.
El punto de vista es una característica esencial del sistema. La imagen se organiza por y para
un ojo colocado delante de ella. El ojo tiene un lugar privilegiado.
La profundidad de campo es una característica técnica de la imagen, se la define como la
profundidad de la zona de nitidez o profundidad de foco. se puede modificar por ejemplo
con el flou que es el desenfoque con fines expresivos.
El plano es el fragmento de película mínima que, unida con otros fragmentos, van a producir
el film. Es la unidad de narración más pequeña.
Primerísimo primer plano: una parte del rostro
Plano general entero: enfoca solo a un individuo
Plano medio corto o medio largo: cortar el cuerpo
Plano americano: corte en la rodilla o por debajo de ella, para mostrar la acción. Vaqueros.
Plano general: sujeto entero en el escenario donde ocurre la accion.
Plano conjunto: dos personas
Primer plano: rostro de una persona.
Plano panorámico: el escenario es el protagonista.
Plano detalle: se muestra una parte del cuerpo detalladamente.
El plano secuencia es el plano lo suficientemente largo para incluir varios planos dentro de
el. Es el desarrollo de una situación dramática en una sola toma variando el encuadre.
Los planos según la angulación de la cámara.
Cámara normal: altura de los ojos.
Cámara picada: desde arriba.
Cámara contrapicada: desde abajo
Cámara cenital: sobre su vertical sobre el suelo.
Los planos tienen 24 imágenes por segundo(estándar) y tienen movimientos internos.

Dirección de arte
La dirección de arte es una especialidad no específica del cine, lo usan otras artes como el
teatro. Su objetivo es lograr la verosimilitud de los escenarios, que parezcan creíbles y que
tengan que ver con el resto de los elementos. Esto lo logra con la es enotecnia, es un
recurso técnico y artístico. Son el material, el equipo y las normas que ayudan a crear el
ambiente y el clima en danza,teatro, cine y tv. Esos escenarios ya sean naturales, artificiales
o adaptados deben ser funcionales y expresivos desde las exigencias del filme.
Se ocupa de las decoraciones, los colores, el vestuario, la iluminación y utilería.
El director de arte debe imaginar el guion y su escenario para determinar el espacio, los
colores, el volumen, su color y sus elementos. Debe determinar los elementos que subrayen
los rasgos físicos y psicológicos de los personajes. Debe haber un proceso de investigación
previa y documentación.
Aunque depende de la película y sus necesidades, se pueden identificar 3 partes de la
dirección de arte;
Proceso creativo mental: es mental y resolutivo para la representación grafica.
Representación gráfica: realización de planos, dibujos y maquetas.
Concreción material: puede ser por ejemplo la construcción de una casa desde cero.
Los conocimientos o la formación que debe tener el director de arte son: conocimiento de lo
esencial, debe tener experiencia y realizar prácticas, debe conocer el lenguaje para una
posible comunicación, debe conocer la historia y la evolución de los elementos que influyen
en su tarea, deben analizar películas y a veces también saber construir escenografías
completas.
Dirección de fotografía
Se encarga de la creación de imágenes para la puesta en escena de producciones
cinematográficas, televisivas y de video. Forma parte del equipo de cámaras y supervisa y
determina los parámetros técnicos y artísticos para la toma de imágenes. Su labor es crear
la visualización cinematográfica en colaboración con el director. Sus funciones dependen del
proyecto y sus exigencias, pero generalmente:
Crea la atmosfera de las escenas. Ayuda a la materialización practica de los deseos artísticos
del director. Decisiones de objetivos, tipos de encuadre y movimiento de cámara.

Montaje
La definición restrictiva de montaje: es la organización de planos en un filme en
determinadas condiciones de orden y duracion.
Problemas de esta definición: limita el montaje a solo unir planos, cuando también une
otros elementos. Hay partes de la película (sintagmas fílmicos) de medida superior al plano,
los filmes están articulados en un determinado numero de grandes unidades narrativas
sucesivas. Por ejemplo, la citación fílmica que es la aparición de otra película en una
película. El plano se puede descomponer en unidades más pequeñas de dos maneras: según
su duracion o según sus parámetros visuales. Hay dos instancias diferentes de
representación: la imagen y el sonido/banda sonora. El sonido en esta definición no es parte
del audiovisual. Tampoco se mencionan las modalidades de acción del montaje:
yuxtaponían, ordenación y duracion.

Definición amplia: el montaje es el principio que regula la organización de elementos

fílmicos, visuales y sonoros. Es el conjunto de estos elementos yuxtaponiéndolos,
encadenándolos y/o regulando su duracion
En esta definición se menciona al sonido, se menciona que hay unidades que no siempre
coinciden con el plano y también comprueba que el montaje es la tarea del montajista, el
guionista y el director.
Funciones del montaje:
Montaje narrativo: cuenta los hechos (cronológicamente o mezclados)
Montaje expresivo: el montaje es un fin. Logra expresar por si mismo, mediante el choque
de imágenes, un sentimiento o una idea.
Montaje expresivo: mediante los dos anteriores, se busca crear un efecto.
Función sintáctica: construcción, ordenación y conexión. El montaje asegura entre los
elementos que une: relaciones formales, paralelas y alternadas.
función semántica: tiene que ver con el significado y la producción de sentido, hay
producción de sentido connotado o denotado.
función rítmica: tiene que ver con el efecto que da la música en el montaje.
Ideologías
Escuela rusa: Eisenstein decía que el montaje es un fin. El cine es un instrumento que sirve
para reflejar una realidad y dando juicio sobre ella. Montaje superior.
André bazun: creía que no se debía caer en el montaje manipulador y que el espectador
debe estar consciente de que los acontecimientos están trucados. que el espe

Sonido
El sonido al contrario de la imagen no tiene marco que lo limite. No hay marco preexistente
en el sonido. Se pueden agregar tantos sonidos como se quieran.
Por añadidura, los diferentes sonidos se pueden ubicar/situar en diferentes niveles de
realidad.

Zona visualizada: el sonido coincide con lo que se ve en la imagen.

Sonido in: el sonido corresponde directamente con la imagen de la película.
Zona acusmatizada: se oye, pero no se visualiza el origen de este sonido
Sonido Off: su fuente no solo no esta presente en la imagen, sino que es no diegética. Esto
quiere decir que esta situada en un tiempo y espacio ajenos a la situación evocada. Puede
ser música o voz en off
Sonido ambiente: es el sonido ambiental que rodea el entorno. Este no nos hace
cuestionarse de donde se origina ya que es natural para nosotros.
Sonido fuera de campo: no esta presente, pero tiene relación con la situación evocada en la
imagen.
Sonido interno: está presente entre la in y el fuera de campo. Son los sonidos internos de la
persona tanto mental (pensamientos)como físicamente (latidos, jadeos, etc)
Sonido on the air; presente pero supuestamente retransmitidos electrónicamente por
teléfono o radio, por ejemplo.
La excepción de la música: la música es un flexibilizador del tiempo y espacio y no se traba
en sus barreras. Esta la música de foco que es en off y la música de pantalla que es en in. La
música da unión.