Apuntes del Proyecto Palladium

El Teatro Griego

Sobre el Teatro

Las representaciones teatrales

A finales del siglo VI a. C. comienzan a desarrollarse en el mundo griego diversas formas
de poesía dramática. Las formas dramáticas son: Tragedia, Comedia y Drama satírico.
La poesía dramática surgió cuando comenzó la decadencia de la poesía lírica, un género
propio de la aristocracia, cuyos poemas se recitaban o se cantaban en pequeños círculos. Frente
a esto, la poesía dramática se representaba ante todo el pueblo. Es, por tanto, un género popular
enmarcado dentro de la polis. El fin de la polis supuso también la desaparición de este género.
Hubo representaciones teatrales en todas las ciudades griegas, tuvo especial importancia
el teatro en la Magna Grecia y Sicilia. Sin embargo, el caso mejor conocido es el de Atenas.
Las representaciones teatrales de Atenas se hacían dos veces al año, en la fiestas Leneas
(en el mes del Gamelión - febrero-, época en la que solían celebrarse las bodas) y en las
Grandes Dionisiacas (marzo). Tales representaciones comenzaron durante la tiranía de Pisístrato.
Conocemos el nombre del primer poeta trágico que representó sus obras en Atenas: Tespis.

Origen de los géneros dramáticos

Las discusiones acerca del origen de la comedia y la tragedia han sido frecuentes, sobre
todo a partir de la aparición del libro de Nietzche, El nacimiento de la tragedia. En esta obra se
concede a la tragedia un doble origen: dionisiaco y apolíneo.
El tema ya fue abordado por Aristóteles en su obra Poética, en ella se dice que la
tragedia tiene su origen en los solistas (exarcontes) del ditirambo (canción lírica en honor
de Dionisos). Asimimismo, relaciona el término τραγῳδία (tragodia) con el canto del
macho cabrío, los tragoi eran los seguidores de Dionisos. Así pues, Aristóteles concede
gran importancia al elemento dionisiaco en la tragedia. Respecto a la comedia, dice que
surgió de los que dirigen las procesiones fálicas y añade que este tipo de procesiones aún
se celebraban en su época. El nombre κωμῳδία (komodia) significa "canto del cortejo"
y parece que hace referencia a estas procesiones grotescas.
La teoría etnológica concede a la tragedia un origen en los ritos primitivos de fecundidad.
La comedia podría tener origen en las fiestas del Año Viejo y el Año Nuevo, en las que hay
agones (luchas) entre lo viejo y lo nuevo.
Una tercera teoría considera que el origen de la tragedia se encuentra en el culto a los
héroes, en los cantos fúnebres dedicados a éstos. Con esta teoría se intenta explicar la gran
importancia que tiene el treno (canto fúnebre) en la tragedia.

Ninguna de estas teorías ha sido plenamente aceptada. El helenista R. Adrados llega a la

conclusión de que hay un origen común para los tres géneros dramáticos.
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La puesta en escena
Antes de las representaciones se realizaba un concurso de autores, de los que se elegían
tres para competir en el teatro. Los gastos de las representaciones eran sufragados por el corego,
un ciudadano rico de la ciudad. Actores de teatro
En cuanto a los actores, vestían de forma solemne y llevaban un elevado calzado,
llamado coturnos. Con el cambio de máscara podían representar varios personajes, incluso
femeninos, puesto que las mujeres nunca actuaron en el teatro.
La escenografía era sencilla, hecha con efectos pictóricos, la acción tenía lugar en el
exterior, en la calle, una puerta daba acceso al interior del palacio en el que vivían los héroes o
heroínas de la obra. A veces se utilizó una rudimentaria maquinaria teatral, sobre todo, para hacer
aparecer a los dioses en escena. Entre las gradas (cavea) y el proscenio estaba la orchestra
circular, allí se situaba el coro. Teatro Pamukkale
La escena estaba detrás del proscenio, allí se preparaban los actores. A medida que los
actores fueron adquiriendo mayor importancia, el escenario fue siendo más importante, se
construyó de piedra y se le añadieron elementos arquitectónicos.

La Tragedia

Estructura formal de la tragedia

Las tragedias conservadas presentan una estructura más o menos regular, con dos
elementos básicos: coro y actores.
El coro fue el elemento fundamental en los orígenes de este género, del coro
surgió el exarconte, el actor. Normalmente, la entrada del coro va precedida de un prólogo
pronunciado por un personaje. En las obras de Eurípides aparece casi siempre, mientras que los
otros trágicos no siempre lo utilizan. La entrada del coro en la orchestra es la parodos, se inicia a
veces con ritmo de marcha con anapestos(ritmo ÈÈ_).
A continuación, tienen lugar diversos episodios en los que participan los
personajes de la obra, es aquí donde intervienen los actores. En principio había sólo uno, Esquilo
introdujo el segundo actor y Sófocles el tercero.
Los actores debían recitar largos monólogos, o bien dialogaban entre sí o con el
coro. En escenas muy emotivas incluso los actores cantaban. Encontramos diálogos con gran
tensión dramática en los que cada actor pronuncia un verso, o llegan a hablar los dos en el
mismo verso (esticomitías) cuando la discusión es muy violenta.
Esos episodios son interrumpidos por las intervenciones del coro: los estásimos.
Suele haber de dos a cinco, con una estructura antistrófica: la composición consiste en la
aparición de una estrofa y una antístrofa que tienen la misma estructura métrica. Como colofón
aparece un epodo.
La actuación simultánea del coro y el actor recibe el nombre de diálogo lírico: el
actor recitaba y el coro cantaba versos líricos al tiempo que danzaba en la orchestra. A lo largo de
la historia de la tragedia el coro fue perdiendo importancia, quedando relegado a un mero ornato
lírico.
Al final de la obra tiene lugar el éxodos (salida del coro). En algunas tragedias
euripideas al final de la obra suele aparecer la figura del deus ex machina: divinidad que resuelve
la trama de la obra.
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Esquilo
Escribió al menos 80 dramas, de las que sólo nos han llegado siete y algunos fragmentos
de otros.
La primera obra fechada se llamaba Los Persas (472 a. C.) y sabemos que formaba parte
de una trilogía. Esta obra es casi la única de tema contemporáneo, ya que trata sobre la batalla de
Salamina, no se exalta el triunfo de Atenas en la batalla, sino la soberbia (hybris) del rey persa
Jerjes.
De la trilogía tebana conservamos solamente la última de las tragedias: Siete contra Tebas,
en la que se cuenta la lucha entre los hijos de Edipo: Etéocles y Polinices.
Prometeo encadenado es la primera pieza de otra trilogía.Prometeo y el águila Presenta gran
simplicidad de léxico y de métrica, se piensa que fue una de sus primeras obras. Debía contar con
gran aparato escénico. Prometeo está castigado en el Cáucaso por haber robado el fuego a los
dioses y habérselo entregado a los hombres.
La Orestía es la única trilogía completa que conservamos, está formada por: Agamenón,
Coéforos y Euménides

Aspectos formales de la obra de Esquilo

El coro tiene grandes intervenciones líricas, aparece íntimamente ligado a la acción.
Con dos actores (tres en la Orestía) era difícil desarrollar en escena una acción
complicada, los progresos se hacen por medio de diálogos, el coro interviene para juzgar esos
diálogos o para prever lo que va a suceder después.
Esquilo utiliza una lengua majestuosa y solemne con influencia de la lírica y la épica, con
rebuscados compuestos y perífrasis. Hace uso de palabras exóticas o con acento extranjero.
Abundan los relatos de mensajero con rasgos épicos.
La trilogía ligada es un hallazgo de Esquilo. La Orestíada es el único ejemplo que nos ha
llegado, encontramos situaciones trágicas de gran tensión y profundidad, pero al final llega la
salvación de mano de la sabiduría divina de Zeus, el dios que posee la comprensión y que ha
llegado al conocimiento por medio de sufrimiento.

Sófocles
Gozó de gran prestigio en su ciudad y fue amigo de ilustres contemporáneos como
Heródoto, Hipócrates o Pericles. Sus obras triunfaron en numerosas ocasiones. Sin embargo, en
ningún poeta griego encontramos una consideración más profunda del dolor humano y del
destino. De la prolífica obra de Sófocles conservamos 7 tragedias y fragmentos de un drama
satírico.

La considerada más antigua es Áyax, en la que se representa el drama de este héroe: Áyax
no recibe las armas de Aquiles, enloquece y quiere matar a Odiseo, que se ha quedado con las
armas. Cegado por los dioses, mata a un rebaño y no a sus rivales, avergonzado, decide darse
muerte.
En Antígona se contraponen las leyes divinas y las humanas. Antígona sepulta a su
hermano Polinices, pese a la prohibición impuesta por el gobernante Creonte.
Edipo Rey representa una leyenda que pertenece también al ciclo tebano. Edipo, rey de
Tebas, ordena investigar la causa de la peste que asola la ciudad. A lo largo de la obra se desvela
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este enigma y el propio enigma de Edipo: él ha sido el causante de la peste, él ha cometido

parricidio e incesto. Se nos muestra la antítesis entre el obrar humano y la voluntad inescrutable
de los poderes superiores. Pero en esta oposición es donde el hombre, el héroe trágico, alcanza
su mayor grandeza. Edipo intenta huir de su destino, para caer en él, no ceja en sus
averiguaciones a pesar de temer ya la trágica verdad. En el momento en que conoce la verdad,La
representación de Edipo Edipo, el rey preocupado por su pueblo, amante de la verdad, cae en
desgracia y queda ciego, es desterrado para no contaminar la ciudad con su delito.
Electra trata el mismo tema que Coéforos de Esquilo, pero con enfoque diferente, aquí el
personaje central es Electra, con sus sufrimientos y sus esperanzas.
En Traquinias Deyanira, esposa de Heracles, intenta reconquistar a éste, utilizando un
remedio mágico: la sangre envenenada del centauro Neso. El efecto del remedio es bien
diferente, Heracles muere entre terribles dolores, pero reconoce que lo que le sucede es el
destino que tenía asignado de antemano.
Edipo en Colono se considera su obra póstuma. Edipo ya anciano llega al Ática, a Colono,
allí, por fin en paz, muere de forma sobrenatural. Teseo le acompaña a su última morada.

Aspectos formales de la obra de Sófocles

Es el introductor del tercer actor.

Abandona la trilogía ligada.
No le interesa mostrar el poder divino, sino que centra su atención en el individuo que
debe actuar siempre y llegar hasta las últimas consecuencias. Lo importante es la acción de los
personajes, faltan grandes coros explicativos y largos pasajes narrativos.
El héroe de Sófocles es un héroe real, mezcla del bien y del mal, es el que domina la
escena con su nobleza, con su falta de medida, con su violencia. Sófocles es ante todo un creador
de caracteres.
Parece ser que el estilo de sus primeras obras era pomposo, pasó después por un estilo
preciosista, para llegar a un estilo calificado de natural, este es el que encontramos en las obras
conservadas. El lenguaje no es grandilocuente, puede ser coloquial, pero nunca vulgar.
Es un maestro en los diálogos verso a verso (esticomitías), en los que consigue gran
efectividad.

Eurípides
Las fuentes nos hablan de un Eurípides solitario e inconformista, que pocas veces
obtuvo victorias con sus obras, ya que el público ateniense no veía con buenos ojos que le
mostrasen en escena problemas contemporáneos. En el año 408 se marchó a la corte del rey
Arquelao de Macedonia, murió en Pella en el 406. Atenas le recordó y le erigió un cenotafio.
Compuso cerca de 90 obras, de las que nos han llegado 18, conocemos fragmentos de otras pues
aparecen en comedias de Aristófanes.
De las obras conservadas la más antigua es Alcestis. Narra el sacrificio de ésta, dispuesta a
morir en lugar de su esposo Admeto, Heracles la liberó de la muerte.
Hay un grupo de obras en las que el tema fundamental es la guerra (no olvidemos que
Eurípides vivió las Guerras del Peloponeso), así tenemos: Los Heraclidas, Las Suplicantes, Hécuba,
Andrómaca y Las Troyanas, algunas claramente antiespartanas. Algunos protagonistas son los
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perdedores de la Guerra de Troya. En general, son obras que nos describen los males de la
guerra, tanto entre los vencidos como entre los ganadores.
También compuso Eurípides una Electra. La joven ha sido desposada por su madre con
un campesino, para humillarla. Pero el esposo es honrado y posee una gran alteza moral. Orestes
fue la última obra que representó en Atenas antes de su marcha.
Una de sus obras más célebres es Medea. Esta princesa ayudó a Jasón a conseguir el
Vellocino de Oro, por estar enamorada de él. Cuando éste quiso abandonarla para casarse con
otra mujer, Medea furiosa mató a su rival y al padre de ésta, pero quería causar más daño a Jasón
y mató a sus propios hijos. Huyó después en el carro del Sol, su antepasado y se refugió en
Atenas. En un monólogo se debate entre su pasión desmedida por Jasón y el amor a sus hijos,
proclama que su deseo es bueno, pero la pasión vence a la razón. El poeta hace un análisis de
aspectos del alma humana olvidados hasta ese momento, analiza también los motivos que
impulsan a los protagonistas a actuar. En ninguna obra de teatro se han representado con tanta
nitidez las fuerzas oscuras e irracionales que pueden brotar del corazón humano. Los
protagonistas son de carne y hueso, sienten violentas pasiones, no se preocupan por cuestiones
teológicas, ni por el dolor ocasionado al traspasar los límites del ser humano. Esto hizo que la
obra escandalizara al público, debido a la crudeza con que se ponían en escena los sentimientos
más íntimos.
Hipólito muestra también el tema de la violencia del amor. Fedra, madrastra de Hipólito,
se enamora perdidamente de éste, pero es rechazada y se suicida, no sin antes vengarse, ya que
deja una nota escrita para su esposo Teseo, en la que acusa a Hipólito de haber querido
seducirla. Teseo maldice a su hijo y le destierra, Hipólito muere víctima de la maldición de su
padre. El joven Hipólito practica el culto a Ártemis y defiende como ideal de vida la castidad y la
pureza, rechaza todo lo que tenga que ver con Afrodita. Fedra vive atormentada por la pasión y
reconoce su culpa, sin embargo, se deja arrastrar por el amor. Los dos protagonistas carecen de
moderación y deshonran a dos divinidades, Hipólito rechaza a Afrodita y Fedra a Ártemis. Los
dos han de pagar con la muerte sus errores.
De la estancia de Eurípides en Macedonia nos quedan Ifigenia en Aúlide y Bacantes. En la
primera hay notables estudios psicológicos de los protagonistas. En Bacantes se describe el
despedazamiento de Penteo por obra de las Ménades, entre las que se encontraba su propia
madre Ágave. Este terrible crimen se debe a la venganza de Dionisos contra Penteo, ya que éste
había prohibido los rituales del dios en Tebas. El propio Dionisos convence a Penteo para que
espíe a las mujeres, hace que estas le confundan con un león y que lo despedacen con sus propias
manos. Ágave aparece llena de júbilo con la cabeza de su hijo en las manos. Se han dado diversas
interpretaciones sobre la obra:

Aspectos formales de la obra de Eurípides

En sus tragedias es muy frecuente el prólogo en el que se narran acontecimientos

anteriores.
Muchos de los coros están formados por mujeres que tienen una relación afectiva con
los protagonistas.
Son frecuentes las luchas dialécticas que comienzan con una resis (monólogo) de cada
uno de los protagonistas, para acabar en esticomitías. Los relatos de mensajero son muy
artificiosos con abundantes arcaísmos.
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En varias obras el final lo resuelve un Deus ex machina, así en Hipólito es Ártemis la que
aparece y explica a Teseo las causas de lo sucedido.
En la lengua son frecuentes los vulgarismos sobre todo en los diálogos, sin embargo, los
coros presentan dialectalismos: jonismos y dorismos.
Es abundante el repertorio de figuras estilísticas, especialmente metáforas y anadiplosis;
estas últimas aparecen en partes cargadas de afecto, como en los vocativos. Hace gran uso de la
adjetivación.
En cuanto al contenido, Eurípides muestra una actitud crítica frente al mito tradicional y
gusta de las variantes extrañas.
Sus temas fundamentales son el amor, el héroe salvador, el sufrimiento de la mujer y el
esclavo confidente. Estos temas fueron también utilizados en la Comedia Nueva de Menandro.

La Comedia

Estructura formal de la comedia

Suele haber un prólogo antes de la entrada del coro (párodos).

Los actores suelen mantener frecuentes agones (luchas) con el coro.
El elemento original de la comedia es la parábasis, en la que se interrumpe la acción y los
actores se dirigen al público, para hacer una captatio benevolentiae y conseguir el premio por su
trabajo.
El protagonista no es un héroe del mito, sino un héroe del pueblo que parodia a los
antiguos guerreros.
Son frecuentes las procesiones y fiestas para poner fin a la obra. Los elementos
fantásticos y obscenos tienen un papel relevante.

Clasificación de la comedia griega

Comedia Antigua. Conservamos las obras de Aristófanes.

Los testimonios de la Comedia Media son casi inexistentes.
La Comedia Nueva está representada por Menandro, es la llamada comedia burguesa,
que tanto influyó en los autores latinos y, a través de ellos, en el teatro de occidente.
Los dos grandes poetas cómicos son Aristófanes y Menandro.

Aristófanes
Estuvo muy relacionado con el mundo político y literario de su época (445 a. C. -385 a.
C.). Se muestra defensor de los viejos ideales y poco amigo de las nuevas tendencias de la
sofística. No se le puede considerar enemigo de la democracia, a pesar de que en sus sátiras
políticas supo señalar las debilidades de un sistema que ya se tambaleaba. Nos han llegado once
comedias:
La más antigua es Los Acarnienses, en la que se hace una sátira de la Guerra del
Peloponeso y de los generales que la dirigen, la guerra aparece como una cosa absurda y cruel.
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Los Caballeros es un furibundo ataque al demagogo Cleón y a la democracia que

permite a tal persona gobernar una ciudad.
En Las Nubes aparece un Sócrates ridículo, identificado con los sofistas. Es un charlatán,
viejo sórdido que masculla palabras ininteligibles, director de una singular escuela, a la que se
dirige un viejo campesino del Ática con su hijo, para aprender a librarse de sus acreedores.
En Las Avispas la burla va dirigida a los tribunales de justicia y al modo en que se realizan
los juicios.
En La Paz la sátira alcanza a los dioses: un campesino ateniense cansado de la guerra
sube el cielo montado sobre un escarabajo para liberar a la Paz, prisionera de Ares, y llevarla a
Atenas.
Las Aves destaca por su fantasía y por el lirismo de sus coros. Las aves, persuadidas por
dos aventureros, construyen su imperio en los cielos y los dioses tienen que entrar en
negociaciones con ellas, ya que no les permitían recibir el humo de los sacrificios.
Lisístrata (411 a.C.) es una sátira contra la Guerra del Peloponeso, reanudada ese año.
Todas las mujeres de Grecia tratan de conseguir la paz negándose a cumplir con sus deberes
matrimoniales, en tanto sus maridos no consigan firmar la paz.
En Las Tesmoforias las mujeres de Atenas quieren vengarse de Eurípides, por considerar
que éste las difama en las tragedias.
El tema central de Las Ranas es la crítica literaria, el enfrentamiento entre el arte viejo y el
arte nuevo. En el Hades son enfrentados y juzgados Esquilo y Eurípides, para decidir cuál de
ellos debe volver a la vida, ya que han muerto todos los buenos poetas trágicos y Atenas necesita
uno. Esta es la obra más dinámica y cómica por la parodia de los poetas y de los dioses.
Después del 404 a. C., año en el que Atenas fue derrotada por Esparta, la crítica
descarada ya no es adecuada. En las comedias posteriores hay más elementos fantásticos. En
Las Asambleístas hay una guerra de sexos y aspiración a un mundo ideal.
En Pluto la 'riqueza' está ciega y no sabe dónde debe ir. Estas últimas obras carecen de
parábasis y presentan ya ciertos rasgos de la Comedia Nueva.

Aspectos formales de la obra de Aristófanes.

El verdadero vehículo de humor para Aristófanes es la lengua, sus juegos de palabras son
inagotables, llega a crear auténticos engendros verbales.
Saca partido de todas las posibilidades de distorsión y doble sentido que ofrecen los
nombres propios. Mezcla los más zafios vulgarismos con elevadas formas poéticas. Parodia el
lenguaje sublime de la tragedia.
Por medio de la sátira y la burla sugiere ideas nuevas sobre la vida y rechaza las
desigualdades. Asimismo, se muestra contrario al ala más radical del imperialismo ateniense y
critica la política belicista de los demagogos posteriores a Pericles. Máscara de comedia

Menandro
Vivió una época de grandes cambios sociales y políticos (342 - 292 a. C). Fue testigo de
la ascensión de Alejandro Magno y vivió las luchas de los Diádocos de éste para gobernar el
Imperio. Sin embargo, estos acontecimientos del inicio de la época helenística no se reflejan en
absoluto en sus obras.
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Se sabe que su primera obra fue Orgé, fechada en el 321 a. C.

Se conservan fragmentos de otras, como El Misántropo y El Arbitraje.

Aspectos formales de la obra de Menandro

Fue muy imitado por Terencio y por Plauto. Gracias a las obras de estos dos poetas
latinos sabemos algo más acerca de la obra de Menandro.
Aparecen los personajes típicos de comedia burlesca: viejo de mal carácter, joven
enamorado, muchacha pobre y hermosa, criados indiscretos y astutos, soldado fanfarrón...
En el lenguaje se aprecian influencias de Eurípides, así como en la utilización del
prólogo. Se aprecia un estilo refinado, sin elementos grotescos.
El coro aparece desligado de la acción, es sólo un relleno. Introduce los apartes. Las
obras se dividen en actos, quizá en cinco, había más de tres actores.