La importancia de la fotografía en

Archviz
En primer lugar, ¿por qué descargar un módulo de fotografía justo en medio de un curso de
3D, verdad? Muy sencillo: los conocimientos de fotografía son el ingrediente principal para que
pases de ser alguien que hace simples renderizados a un profesional que crea imágenes
realmente impactantes. Y eso, amigo mío, es independiente del software de modelado o
renderizado que utilices. ¡Y es también en este conocimiento que vivirá uno de sus principales
diferenciales en el mercado archviz! Fue al girar esta llave cuando mi visión sobre el 3D ha
cambiado por completo, ¡y eso es lo que espero que ocurra también contigo! ¿Vamos?

¿Qué es la fotografía?
Empecemos por el principio. ¿Sabes lo que es la fotografía? En el año 2020, en un siglo en el
que se generan millones de fotos en periodos de tiempo súper cortos, todavía es habitual que
la gente no entienda exactamente lo que eso significa. La palabra fotografía procede de los
términos griegos "photos" y "graphé", que no significan otra cosa que "dibujar con la luz", o
simplemente, "dibujar con la luz".

Personalmente, ¡no creo que esta definición pueda ser más increíble! En realidad, todo lo que
ve nuestro ojo no es más que la interpretación que hace nuestro cerebro de toda la
información luminosa que le llega. Y de forma muy similar se forman también los renders.
Renunciando a una explicación super compleja y a algunos tecnicismos, lo que ocurre en la
práctica es que la luz "sale" de los V-Ray Lights, se encuentra con toda la geometría presente
en la escena, y cuando la luz se refleja en los objetos empieza a ser interpretada por la
cámara.

Más allá de la cámara física

Pero, ¿sólo es posible con una cámara física profesional? ¡De ninguna manera! Una de mis
frases favoritas sobre fotografía es que "la herramienta más poderosa de un fotógrafo es la
imaginación del espectador". La cámara, por su parte, no es más que un medio para hacerlo
posible. Un medio para captar y grabar esa imagen perfilada por la luz. Poético, ¿verdad? 😁

Al igual que ocurre con la cámara, ocurre absolutamente lo mismo con el universo 3D, ¡el
mundo de la infografía! La diferencia es que, en nuestro caso, en lugar de la cámara física,
utilizaremos un render (y la propia cámara del renderizador) para capturar lo que hay en ese
universo. Otra diferencia, por supuesto, es que en 3D tenemos toda la libertad para crear
nuestro escenario, que en archviz, la mayoría de las veces, será un proyecto de arquitectura
y/o interiores o detalle que forme parte de ellos. Aparte de eso, toda la esencia de la fotografía
estará tan presente en un render como en una fotografía real. Y de la misma forma que un
aficionado con una Canon 5D Mark IV (de casi 30 mil reales 💰) no podrá hacer buenas fotos,
si no tienes conocimientos de fotografía, ni usando un Threadripper 3990X y una RTX 2080ti
podrás hacer renders impactantes.

Fotografía de arquitectura e interiores

Hablando más concretamente de arquitectura e interiores, existe un nicho de fotografía
centrado únicamente en estos frentes. Y si pensamos en la publicidad, esto se vuelve aún
más específico. Personalmente, en un principio, creo que es importante tener conocimientos
de "fotografía general", no sólo porque son la base del conocimiento fotográfico, sino también
porque algunos conocimientos inicialmente "no contextuales" son súper importantes para que
puedas desarrollar una mirada más creativa.

Pero si bien es importante tener estos conocimientos generales sobre fotografía, también es
esencial conocer técnicas específicas orientadas a la arquitectura y los interiores, para
aplicarlas en tus renders. Con ellos, aprenderás cosas como:
 Elegir el marco que mejor destaque los puntos fuertes del proyecto
 Utiliza las líneas de proyectos y entornos para reforzar la composición
 Cómo utilizar la luz para realzar los volúmenes

Y varias otras habilidades extremadamente importantes para que tus imágenes archviz sean
más impactantes 💪.

La importancia de la fotografía en
archviz
Bueno, con lo que hemos hablado en clase hasta ahora, creo que ya hemos extraído un poco
por qué la fotografía es esencial en archviz, ¿verdad? Incluso porque, de forma directa, lo que
hacemos es fotografía, ¡sólo que en un universo tridimensional! Pero si tuviera que enumerar
algunas de las principales razones por las que creo que saber fotografía es obligatorio si
quieres destacar en el mercado del archviz, algunas de ellas serían:

 Sabrá cómo guiar los ojos de su público (¡y clientes!) a través de la imagen.
Como un director de orquesta, esto es esencial para que puedas identificar sus puntos
fuertes, y potenciarlos aún más, ¡para crear una imagen impactante!

 Aprenderá a manipular (en el gran sentido de la palabra) las emociones de

quienes vean su renderización. ¿Recuerda la frase que he citado antes: "la
herramienta más poderosa de un fotógrafo es la imaginación del espectador"? Es
usted quien debe guiar esa imaginación. Un render archviz no debe limitarse a
exponer un proyecto, debe hacer que el cliente final se imagine dentro de él. ¿Sentir el
confort, la calidez y el refinamiento de una habitación con luz cálida; imaginarse
nadando en una piscina; o poder visualizar a sus hijos jugando en el parque infantil
 mientras sus padres disfrutan de una buena barbacoa en una cálida tarde? Esto es lo
que su renderizado debe hacer imaginar a su cliente.

 Podrá destacar las cualidades de un proyecto. ¡Ya sea explorando las líneas
diagonales de una hermosa fachada, utilizando los reflejos en el agua de un lago
cercano a la casa, o destacando el espectáculo de diseño de iluminación que ofrece el
proyecto!

 Comprenderá cómo elegir el estado de ánimo del render en función del objetivo.
Cada proyecto tiene un objetivo y un público objetivo, y cada país tiene unas
características culturales que influyen en la forma de hacer publicidad. Entendiendo la
fotografía, dispondrás de los recursos necesarios para identificar y "construir" el estado
de ánimo (mood, feeling, style) del render en función del objetivo. En Brasil, por
ejemplo, la fachada de un edificio en un día soleado puede tener muy buena
aceptación. En los países nórdicos, en cambio, los ambientes más dramáticos, con un
cielo cerrado y nubes voluminosas, pueden ser los preferidos.

Técnicas esenciales para un

archivista profesional
Ahora que hemos hablado de algunas de las principales razones para aprender fotografía, voy
a enumerar aquí para ti algunas de las principales técnicas/principios de fotografía que son
esenciales para cualquiera que quiera trabajar a un alto nivel en archviz:
 Principios básicos para una buena imagen: controlar la exposición (lo clara u
oscura que es una foto), el contraste y el balance de blancos.

Renderizado por Jesus Selvera, con exposición, contraste y balance bien equilibrados,
dejando la escena natural.

 Dirigir la mirada a través de líneas: explorar y resaltar las líneas del proyecto,
utilizándolas para guiar al espectador a través del renderizado de acuerdo con el
 objetivo.

Render de Ricardo Canton; el encuadre parte ya de una de las líneas del proyecto, que
viene de la esquina superior derecha, y guía la mirada del espectador.


 Render de David Silva, también utilizando las líneas del proyecto para dirigir la mirada.
Las líneas de la cubierta y el muro de la derecha apuntan al proyecto, y de ahí salen las
líneas diagonales más fuertes.

 Dirigir la mirada a través de la luz: saber "jugar" con la luz para llamar la atención
sobre las zonas más importantes de la imagen y crear una "jerarquía" visual que
impacte y tenga sentido para el proyecto que se expone.

Render de The Boundary, que utiliza las sombras del asfalto para dirigir la mirada hacia
la zona más luminosa: el edificio. Las líneas diagonales también desempeñaban un
papel importante para guiar la mirada.

 Técnicas de composición: regla de los tercios, proporción áurea o encuadre, por

ejemplo. Estas técnicas, desarrolladas a lo largo de los siglos en el conjunto de las
artes visuales, pretenden comprender cuestiones como la "estructura" de una imagen
o los puntos a los que el espectador mira primero, y utilizar esta información para dar
aún más énfasis al elemento principal de la imagen y aumentar el impacto de su
 representación.

Renderizado por Mica Cruz, utilizando la regla de los tercios.

 Llevar las lentillas puestas: una de las primeras cosas que aprende un fotógrafo es
el resultado que tendrá cada milímetro del objetivo y su influencia en las fotos. Esta
información es crucial y marca la diferencia en el aspecto y la composición de la
imagen. Aún así, la mayoría de los que estudian archviz ni siquiera configuran esta
opción en el render, y se limitan a utilizar la opción por defecto. Pero una vez que
comprenda la influencia de los distintos tipos de lentes, sabrá cuál elegir para resaltar
las imponentes líneas de una losa en voladizo y cuál utilizar para enmarcar un detalle
decorativo en un ambiente interior, por ejemplo.

Renderizado por Peter Guthrie, utilizando milímetros bajos en la cámara, lo que permite
encuadrar todo el entorno y "alargar" un poco las líneas del proyecto, dándoles más
énfasis.
 Renderizado por Jesús Selvera, utilizando un milímetro superior. Así, consiguió
"acercar" los elementos del fondo al ave, llenando mejor el fondo de información
interesante de color y luz, y logrando un buen desenfoque.

 Manipular el estado de ánimo a través de la luz: La calidad (las características que

la componen) de la luz marca la diferencia en la percepción que un espectador tiene
de un entorno. Del frío a lo acogedor o del movimiento a la soledad, por ejemplo, la luz
tiene el poder de influir en todo. Y cualquier profesional de la arquitectura que quiera
transmitir la sensación de un lugar o un entorno con calidad y claridad necesita
 dominar el uso de la luz.

Render de Santí Sanchez, explorando una iluminación diferente a la habitual, y

transmitiendo una sensación de soledad/soledad en el ambiente.
Render de Arqui9, que explora una sensación completamente diferente de la imagen anterior.
Aquí la luz del sol propone un día perfecto para ir a la playa y relajarse en la arena, disfrutando
del hermoso clima tropical de la zona en la que se inserta el proyecto.

 Efectos de lente: DOF (profundidad de campo o desenfoque de profundidad),

desenfoque de movimiento y estela de luz son ejemplos de efectos de lente esenciales
a la hora de enfatizar el sujeto de la foto; mantener elementos en la escena para que
sumen sin distraer; y/o dar sensación de movimiento o reforzar la percepción de
profundidad, por ejemplo. Todo esto se puede hacer en V-Ray (y en cualquiera de los
renderizadores más maduros del mercado), pero además de saber ejecutar, es
importante entender cómo funcionan y cómo se usan en fotografía, para poder
 aprovecharlos de una forma más inteligente y creativa.

Renderizado de Peter Guthrie, con la técnica Light Trail ("estela de luz"), que aprovecha muy
bien el movimiento presente en la escena, al tiempo que difumina los elementos que distraen y
dirige la atención de las luces hacia el edificio.
  Composición cromática: cada color es una variable. Cada uno de ellos aporta una
emoción diferente, y esta emoción aún puede cambiar en función del tono utilizado, del
contexto en el que se encuentre y de la combinación empleada con otros colores y
texturas. Si eres arquitecto o diseñador de interiores, probablemente ya lo sepas muy
bien, pero si no es así, es hora de que empieces a centrarte en este tema.

Render de Mica Cruz, que explora una paleta más neutra (puede remitir al estilo escandinavo,
por ejemplo) y utiliza el verde como "color pop". La paleta elegida da una sensación de
tranquilidad al entorno.
Paleta de colores utilizada en el renderizado anterior.

La diferencia de los que ya

entienden...
¿Conoce las imágenes que se utilizaron allí arriba como ejemplo? Entre ellos había proyectos
modelados con SketchUp y renderizados con V-Ray para SketchUp; algunos se hicieron
utilizando otro software de modelado y renderizado; otros se modelaron en SketchUp y se
renderizaron fuera de él; e incluso había uno, de Arqui9, modelado en SketchUp y creado casi
por completo en Photoshop. ¿Y eso qué significa? Que no importa qué software de modelado
o qué programa de renderizado utilices, cuando sabes de fotografía, lo tienes todo para crear
imágenes bellas e impactantes, ¡estés donde estés! 📷 💪
Luz: volumen y profundidad
Párate a pensar: el mundo en el que vivimos y caminamos es tridimensional, es decir, tiene
medidas, profundidad y extensión. Las cosas en ella tienen volumen, pero nada de esto existe
en una imagen, ya sea una fotografía o un render. Lo que tenemos en una foto es un "recorte
bidimensional de lo que hay ahí fuera", como dice el fotógrafo y escritor italiano Danilo Russo.

Entonces, ¿por qué cuando miramos una foto o un render, a menudo tenemos la clara
sensación de que esa imagen 2D tiene volumen y profundidad? Además de otros factores
como la escala y el comportamiento de las líneas, una de las principales razones es la
diferencia entre luces y sombras. La forma en que la luz varía (y, en consecuencia, las
sombras) gradualmente sobre los elementos de una imagen, es la causa principal para
percibir dicha tridimensionalidad, ¡por lo que es sumamente importante comprender este
concepto para poder aportar realismo y naturalidad a tus renders! 💪
Fíjese bien en el edificio principal de la foto de arriba. Las caras de la izquierda tienen más luz,
mientras que las de la derecha están más sombreadas, lo que nos da una clara sensación de
profundidad.
La decadencia de la luz
Pero, ¿qué comportamientos tienen normalmente la luz y las sombras que nos hacen aceptar
con naturalidad las características de la tridimensionalidad? ¿Se trata simplemente de hacer
que todo lo que está iluminado sea muy claro y todo lo que está sombreado muy oscuro?

En realidad, no va a ser así. En la imagen de arriba, por ejemplo, fíjate en que no hay una sola
intensidad específica de luz y sombra. Hay zonas iluminadas más claras que otras, y zonas de
sombra donde una sombra es más oscura y otra más sutil. ¿Quieres ver sólo?

Fíjese bien en el volumen naranja del centro de la imagen. Ninguna de las tres caras de ese
volumen recibe sombra proyectada, pero fíjate cómo cada una de ellas sigue recibiendo una
cantidad de luz diferente. Mientras que la cara superior -que da a la luz- se ha vuelto más
clara, la cara inferior -que recibe menos luz- se ha oscurecido.

Y si hablamos de la tercera cara, a la derecha, observarás que tiene mayor cantidad de luz
que la de abajo, pero menos que la de arriba (lo que se debe a que recibe luz, pero de forma
menos directa que la de arriba).
Bien, pasemos ahora a un ejemplo un poco menos sencillo: fíjate en las sombras bajo el
coche: si las sombras funcionaran uniformemente, el suelo directamente bajo el coche no
debería ser diferente de la zona que tiene al lado, puesto que el coche ya está en una zona
sombreada, ¿no? Pero lo que ocurre es exactamente lo contrario: la sombra de la zona C es
más clara; el suelo de la zona B se oscurece, debido al contacto más estrecho con el coche; y
a medida que nos acercamos a la zona A, las sombras se van oscureciendo progresivamente,
precisamente porque es la zona situada directamente debajo del coche, donde la luz llega con
menor intensidad.

Estas variaciones de luz y sombra, es decir, este comportamiento que hace que tanto la luz
como las sombras tengan varias intensidades diferentes, ¡ocurre por el fenómeno de la
descomposición de la luz! Por ello, cuanto más directamente reciba la luz una zona, más clara
será. Al mismo tiempo, a medida que nos alejamos de la fuente luminosa, la intensidad de la
luz disminuye gradualmente hasta alcanzar las sombras más oscuras.

Para entenderlo mejor, eche un vistazo a esta esfera:

Diseccionando un poco la imagen, lo que obtendremos es:

 A: la zona que recibe la luz más directamente y, por tanto, la más brillante
 B: suelo más cercano a la luz. Aunque la luz esté tan cerca como el área "A", como la
fuente de luz está inclinada hacia "A", el área en "B" es un poco menos clara.
 C: zona donde se produce la transición de la zona de luces a la de sombras. Fíjese en
el "gradiente" que se produce en esta transición.
 D: zona donde las sombras son más oscuras, porque la luz procedente de la fuente
está bloqueada por la esfera. Además, como en la imagen del coche, esta zona está
en contacto muy estrecho con la esfera, lo que acaba oscureciendo aún más las
sombras.
 E: ahora la transición es la opuesta a lo que ocurrió en "C". Esta vez, las sombras se
van aclarando poco a poco, hasta convertirse en zonas de luz.
 F: observa que esta zona no está detrás de la luz, sin embargo, al estar bien alejada
de la fuente de luz, comienza a oscurecerse cada vez más, siempre de forma gradual.
 G: una de las zonas más oscuras, ya que no recibe luz directa y además está alejada
de la fuente luminosa.
Renderizado con sombras frente a renderizado sin
sombras
Veamos algunos ejemplos más en la práctica, de cómo se comportan las sombras en los
renders, y cómo influyen en el realismo del mismo... Para ello, voy a poner aquí abajo tres
renders sin materiales, del proyecto Greenwich House. Echa un vistazo 👇

En este renderizado es posible notar algunas diferencias en los rostros, pero la ausencia de
sombras provocada por el sol compromete nuestra percepción de la profundidad, causando
extrañeza a los ojos por la diferencia entre lo que ocurre en la imagen y lo que estamos
acostumbrados a ver en la realidad.
En esta segunda imagen, la percepción del volumen aumenta considerablemente. Aquí
podemos diferenciar fácil y rápidamente la dirección y el lado de cada cara, basándonos en la
información de luces y sombras. Pero la falta del decaimiento de la luz que, como vimos,
genera la gradación de luces y sombras, hace que las zonas sombreadas queden
completamente oscuras, las transiciones parezcan bruscas y sigamos sin obtener la
naturalidad esperada.
Ahora las cosas son como solemos verlas en el mundo exterior. La diferencia entre las zonas
que reciben luz solar directa y las que están en sombra ya nos da información sobre el
volumen, y las gradaciones de luz y sombra nos dan los detalles que faltan, mostrando lo que
está más cerca o no de una zona de contacto, y lo que recibe más o menos luz procedente
directamente del sol. Por ejemplo, el balcón de la segunda planta. La pared que vemos de
frente ya está sombreada, pero no tanto como la zona del revestimiento del fondo, que, al
estar más alejada, tiene sombras muy oscuras.

¿Has visto un poco mejor ahora la importancia de comprender claramente la importancia de la

luz y las sombras y el papel que desempeñan en nuestras imágenes? 😁 Entonces, prepárate,
¡porque lo que hablamos aquí en esta lección fue sólo el principio de lo que vamos a hablar
con respecto a la relevancia de saber usar la luz correctamente! En la segunda parte de esta
lección, hablaremos del impacto que tiene la dirección de la luz y también de los conceptos de
sombras de luz directa y sombras de IG

Elegir la dirección de la luz

En la última clase hablamos un poco de cómo la luz y las sombras son importantes para que
percibamos el volumen, incluso en una imagen 2D. Pero, ¿significa eso que basta con añadir
las sombras y sus características de gradación causadas por el deterioro de la luz? ¿No
influye nada más?
Todo lo contrario. Cuando descubrimos la importancia de la iluminación, también empezamos
a tener en cuenta otros factores, como la dirección de la luz, la temperatura y también los
diferentes tipos de sombra, para utilizarlos de la mejor manera posible, según lo que
queramos mostrar en un render. ¡Y es precisamente sobre este primer punto (la dirección de
la luz), del que hablaremos en la clase de hoy! 💪

La dirección de la luz
Empecemos, pues, hablando de la importancia de la dirección de la luz en nuestras imágenes.
La dirección de la luz que elijamos es fundamental para que se perciba el volumen de un
proyecto. Por eso es importante tener en cuenta características como la estación del año, la
hora del día y la rotación del sol, por ejemplo, a la hora de configurar la iluminación. Cada una
de estas características aportará un resultado lumínico diferente que, en consecuencia, puede
dar más o menos valor a los volúmenes de un proyecto. Veamos algunos ejemplos...

Luz superior / Zenithal

La luz cenital es la que viene de arriba, cuando tenemos el sol en su punto máximo, por
ejemplo. En las imágenes externas puede ser agradable, por ejemplo, si el proyecto no tiene
demasiados volúmenes sobresalientes que puedan ensombrecer otros elementos del
proyecto. En el caso de esta hermosa toma, realizada por el fotógrafo Derek Swalwell, la luz
cenital permitió una buena iluminación, casi igual, de todo el exterior del proyecto. Ten en
cuenta que en este tipo de luz las sombras se aprovechan menos... En el ejemplo siguiente,
se ven pocas sombras proyectadas y aparecen discretamente, como en el candelabro y la
pared de la izquierda.
Foto de Derek Swalwell

Otro caso en el que explorar la luz cenital en los renders puede ser muy chulo, es cuando se
utiliza la técnica de iluminación del mismo nombre en el interior del proyecto, aprovechando
las aberturas del techo para iluminar el entorno. Se trata precisamente de valorar la técnica
utilizada en el proyecto, que aprovecha la iluminación natural.

Diseño de K. Associates Architecture

Luz lateral
Al venir lateralmente, es una de las luces que más realza los volúmenes, los revestimientos y
las texturas, aprovechando las sombras generadas por estos elementos. Puede ser estupendo
en casos como el de la imagen de abajo, donde la cámara está colocada en diagonal, pero la
luz viene lateralmente desde el lado opuesto. Pero es importante recordar que la luz lateral
sólo realzará el lado en el que está colocada la luz, dejando el lado opuesto más oscuro.

Foto de Nelson Kon

Foto de Derek Swalwell, explorando la luz lateral, que hace que se proyecten hermosas
sombras sobre los volúmenes de madera.

Luz frontal
La luz frontal se produce cuando la fuente de luz se sitúa exactamente (o casi) detrás de la
cámara, yendo directamente hacia la dirección del proyecto. En la fotografía arquitectónica de
interiores y, por tanto, en nuestros renders, es importante tener cuidado con este tipo de luz.
La razón es que la luz frontal tiende a dar menos valor a los volúmenes y texturas del
proyecto, porque "esconde" la sombra detrás de los elementos y objetos del proyecto. El
resultado es una escena más "plana", por lo que este tipo de luz se utiliza con mayor
frecuencia en la fotografía de rostros, por ejemplo, para ocultar las "imperfecciones". Pero vale
la pena recordar, por supuesto, que toda regla tiene su excepción: la foto de abajo, tomada
por Adam Letch, aprovecha muy bien la luz que viene por detrás de la cámara, explorando
muy bien las sombras de los árboles sobre el proyecto.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que en este caso la cámara no se sitúa delante del
proyecto, lo que facilita la percepción del volumen al dejar al descubierto las caras
sombreadas.
Foto de Adam Letch; proyecto de SAOTA

Luz de fondo / Retroiluminación

Es el tipo de iluminación que tiene la fuente de luz principal colocada detrás del sujeto
principal. En algunos casos puede resaltar menos los elementos frontales del proyecto -ya que
nuestro ojo tiende a mirar primero las zonas más brillantes-, pero al mismo tiempo hace un
muy buen trabajo para delinear los contornos del proyecto, y añade un aspecto más
"dramático" a la representación.
Renderización y manipulación por Arqui9

En el ejemplo siguiente, la luz procede de detrás del sujeto, pero la fuente de luz -en este caso
el sol- tiene una altura mayor. El resultado son unas sombras proyectadas bien alargadas y
realzadas.
Foto de Adam Letch; proyecto de SAOTA

Luz diagonal / Luz de 45°

Y por último, llegamos a una de las direcciones de iluminación más "comodín": la luz que se
encuentra con el sujeto en dirección diagonal. La luz diagonal (o luz de 45º) consigue lo mejor
de ambos mundos. Al no ser totalmente lateral, puede iluminar el sujeto de la foto, atrayendo
más atención hacia él y realzando el proyecto. Al no ser totalmente frontal, no pierde detalles
de texturas, volúmenes y revestimientos, al contrario, consigue aportar muy bien este tipo de
información. Por estas características, he dicho que es una dirección de luz "comodín", porque
funciona muy bien en la mayoría de los casos.
Foto de Derek Swalwell
Foto de Derek Swalwell
Autor desconocido. Un rasgo que resalta la luz diagonal son las sombras proyectadas también
en diagonal, como ocurre en el volumen de lamas (2ª planta).

Altura de la luz
No sé si te has dado cuenta, pero cada vez que hablamos de la dirección de la luz en los
temas anteriores, hablamos del "lado" en el que está la fuente de luz, pero en pocos
momentos mencionamos la altura en la que está posicionada -con la excepción de la luz
cenital-. Resulta que, aunque no sea una luz que venga completamente de arriba, la altura
también es un factor importante y, junto con la dirección horizontal, influye directamente en
cómo se comportarán las luces y las sombras de un render o una foto.

Entonces, ¿hay una altura ideal del sol para configurar en V-Ray?

La respuesta es que esto dependerá del resultado que quieras, de las características del
proyecto y de la dirección en la que hayas elegido colocar tu fuente de luz principal.

Si ha elegido una luz de 45°, por ejemplo, cuanto menor sea la altura del sol, normalmente las
sombras proyectadas por él serán más "largas", mientras que el sol a mayor altura dará lugar
a sombras más "cortas", como las del ejemplo siguiente.
Foto de Derek Swalwell

Pero como he dicho antes, esto también varía según las características del proyecto. En este
otro, por ejemplo, que tiene un volumen más "avanzado", el sol a mayor altura dio lugar a una
hermosa sombra proyectada sobre ese mismo volumen.
Foto de Derek Swalwell
Por eso, a la hora de elegir la dirección y la altura de la fuente de luz, recuerda que la
fotografía es "dibujar con luz". Observa las características del proyecto y su entorno, y piensa
qué tipo de luz realzará los volúmenes, las texturas, los revestimientos y generará sombras
más interesantes para tu renderizado.

Renderizado por Ricardo Canton

Resumen
Veamos un breve resumen de cada tipo de luz...

 Luz cenital: luz que viene de arriba. En este tipo de luz, las sombras proyectadas se
aprovechan menos, excepto cuando hay diferencias significativas entre los volúmenes
del proyecto.

 Luz lateral: la luz que proviene del lateral es una de las que más resalta los detalles y
las texturas, explorando bien las sombras proyectadas. Es importante recordar que el
lado opuesto de la luz puede perder importancia en el cuadro.

 Luz frontal: tenga cuidado al utilizar esta luz, porque oculta las texturas y los
volúmenes, y puede "esconder" la imagen. Utilízalo cuando el proyecto no esté
paralelo a la cámara, o intenta explorar las sombras proyectadas por otros elementos
del proyecto.
  Luz de fondo: se coloca detrás del sujeto principal. Con la luz colocada más arriba,
utilízala para dar gran evidencia a las sombras provocadas por los volúmenes de la
escena. O, con una luz más baja, puede perfilar muy bien los contornos del proyecto.
Suele utilizarse con fines más "artísticos" que comerciales.

 Luz diagonal: la luz "comodín". Al mismo tiempo, ilumina bien el proyecto, resalta las
texturas y los detalles de los volúmenes. Uno de los mejores para utilizar con "fines
comerciales". Explora diferentes alturas de luz para lograr diferentes resultados de
sombra.

¿Te ha gustado entender un poco mejor cómo influye (y mucho) la dirección de la luz en el
resultado de la iluminación de tus renders? Así que explora diferentes tipos de luz, "juega" con
cada uno de ellos para ver en la práctica los diferentes resultados que obtendrás, y comparte
tus resultados aquí en los comentarios de esta clase para que los veamos 👊

Sombras proyectadas, sombras GI y sombras

de contacto
Es muy común que los futuros profesionales de archviz hagan renders internos y se queden
"jorobados", pensando que sigue sin ser realista, pero sin saber la causa de ello. Y resulta
que, a menudo, el principal problema (o al menos, uno de ellos) está en el comportamiento
de las sombras.

¿Recuerdas que en la clase "Luz: volumen y profundidad" hablamos mucho del

decaimiento de la luz y la gradación de las sombras, y de cómo estos comportamientos son
esenciales para que los renders se comporten de forma natural, siguiendo lo que ocurre en
la realidad?

Pues bien, en esta lección vamos a hablar también de eso, pero esta vez "diseccionando" las
sombras en tres tipos:

 "Sombras proyectadas;
 "Sombras de IG"; y
  "Sombras de contacto".

Estos tres elementos existen en el mundo real y deben estar presentes en tus renders si
quieres que parezcan realistas. Vamos a conocerlos.

Sombras proyectadas
Las sombras proyectadas son las que aparecen cuando la luz encuentra algún obstáculo
directo. Es el tipo de sombra que identificamos más fácilmente, y casi todos los
renderizadores más utilizados del mercado pueden simular este tipo de sombra sin gran
dificultad.

Renderizado por Vittore Bekidis. La luz entra por las ventanas, y como resultado vemos las
sombras proyectadas por el marco de la ventana.
Las sombras proyectadas pueden tener características diferentes en función de la fuente de
luz. Básicamente, cuanto mayor sea la fuente de luz, más tenues serán las sombras
proyectadas causadas por ella. En el renderizado anterior, por ejemplo, podemos ver que los
bordes de las sombras no son completamente "rectos", sino más bien tenues y suaves. Esto
también puede ocurrir si algo bloquea parcialmente la fuente de luz, como en un día
nublado, por ejemplo. De lo contrario, los resultados serán sombras proyectadas "duras" y
nítidas, como en la imagen de abajo.

Fotografía de Adam Letch. La intensa luz del sol provocó sombras nítidas proyectadas por
la pared.
Fotografía de Adam Letch. En este otro ejemplo, las sombras proyectadas por las sillas son
muy claras.

Sombras de IG
Pues bien, ¡resulta que las sombras proyectadas no son todo lo que hay! Por el contrario, en
la vida real existen otros "tipos" de sombras, como hemos comentado antes, y son
esenciales para conseguir realismo. Y uno de los tipos de sombras más descuidados por los
chicos del 3D, son las sombras GI.

Estas sombras no están causadas directamente por fuentes de luz directas -como la luz solar
o la de una luminaria-, sino por fuentes indirectas -como el propio cielo o los reflejos de la
luz-.

Fíjate en la imagen de abajo: no hay una fuente de luz directa como la luz del sol y, sin
embargo, podemos ver varias sombras, como las generadas por las estanterías y el armario
de la pared de la cocina.
Foto de Derek Swalwell
Sombras GI generadas por las estanterías y el armario. Este tipo de sombra es crucial para
que un render parezca realista y natural, y sin embargo la mayoría de la gente no sabe cómo
usarla/configurarla correctamente.

#QuickTip: V-Ray, por defecto, no genera bien este tipo de sombras. Esto ocurre porque el
modo "Mapa de Irradiancia" intenta optimizar el render comprometiéndolos. Para obtener
este resultado de sombras, utiliza una Luz Plana (en modo "Portal" o no) en las ventanas,
o utiliza un HDR para iluminar tus escenas.

Contacto
Las sombras de contacto son las que aparecen principalmente en el encuentro de un objeto
con otro, o debajo de objetos que están muy cerca de superficies. Cabe señalar que las
sombras de contacto también están dentro de la "categoría Sombras IG", pero he decidido
ponerlas en un tema aparte para prestarles más atención.

Como mencioné en el tema anterior, las sombras de contacto también son esenciales para el
realismo. Nuestros ojos ya están acostumbrados a ellas, porque se producen en la realidad,
y cuando vemos un render sin estas sombras de contacto, nos parecen extrañas al mismo
tiempo (incluso sin poder identificar el motivo).
Foto de Derek Swalwell
Izquierda: sombras de contacto en el encuentro de la pared blanca y el forro; derecha:
sombra de contacto por encima del forro blanco; abajo: sombra de contacto entre dos
asientos.

#QuickTip: mucha gente intenta usar Ambient Occlusion para generar este efecto, pero
"AO" es un comportamiento falso. Para obtener buenas sombras de contacto, utilice
Fuerza bruta en Rayos primarios, o ajuste la "Tasa mínima" y la "Tasa máxima" a -3 y -1 o
-3 y 0 en el "Mapa de irradiancia". El renderizado será un poco más lento, pero las
sombras de contacto mejorarán notablemente.
En un render externo sin luz directa, la importancia de las sombras GI/sombras de contacto
se hace aún más evidente. Ejercite la vista buscando y marcando en este render las
principales sombras de IG/contacto que haya identificado. (autor desconocido)
Ejemplos en Render
Veamos algunos ejemplos... La primera imagen de abajo es un render sin buenas sombras
GI y sombras de contacto de baja calidad. Observa cómo los pies de la cama y la silla no
generan sombras GI, y prácticamente no hay sombras de contacto en los encuadres, por
ejemplo.
Render sin Luz Plana para sombras GI; Mapa de Irradiancia a -3 y -3.

En este segundo ejemplo, se utilizó una Luz Plana detrás de la ventana, utilizando la opción
"Portal simple". Al añadir la Luz Plana, obtenemos sombras GI mucho más definidas y, en
consecuencia, una iluminación mucho más realista. Fíjate, por ejemplo, en las sombras que
atraviesan los pies de la cama y la silla de la derecha.
Renderizado con Luz Plana, y Mapa de Irradiancia a -3 y -3. Las sombras de IG ahora
tienen más definición, pero las sombras de contacto (en el marco, por ejemplo) aún dejan
que desear. Los tejidos también obtuvieron mejores sombras, aumentando el nivel de
detalle.

En el tercer ejemplo, los ajustes "Tasa mínima" y "Tasa máxima" se han cambiado a -3 y -
1, lo que aporta más precisión y calidad a las sombras de contacto de la imagen.
Renderizado con Luz Plana, y Mapa de Irradiancia a -3 y -1. Ahora la imagen tiene buenas
sombras GI y buenas sombras de contacto. El resultado es una iluminación más natural y
realista.

Ahora mira la diferencia entre el "Antes" y el "Después" 👇.

En la imagen de la izquierda apenas había IG ni sombras de contacto en el encuadre. En la
imagen de la derecha, podemos ver claramente estas sombras, incluso en el cabecero y las
telas.

En la imagen de la izquierda, la calidad de las sombras GI es extremadamente baja,

comprometiendo completamente su definición. En la segunda imagen, podemos ver
claramente sombras de IG en los pies de la cama, por ejemplo, y también en la mesa
auxiliar.
Fíjate en que antes apenas se veían los detalles de la silla y el zapato. Al añadir sombras GI
y sombras de contacto, podemos ver los detalles, así como las sombras de la silla y de las
telas que hay sobre ella.
¿Ves cómo las sombras marcan la diferencia en un render? 😁 Asegúrate de que tus renders
usan siempre sombras bien proyectadas (cuando se pretende usarlas) y tienen buenas
sombras GI y sombras de contacto, y el realismo de tus escenas aumentará
significativamente 💪.

Cómo dirigir el ojo a través de la luz

Si hay algo que descubrimos al estudiar fotografía es que la luz es uno de los elementos más
importantes de cualquier imagen. Puede mostrar formas, realzar texturas, transmitir
emociones y mucho más. Y entre las diversas funciones que desempeña la luz en una foto o
un render, una de ellas es dirigir, o mejor dicho, guiar la mirada del espectador hacia donde
uno quiere que mire. De este modo, tienes el poder de contar una historia o, simplemente, de
hacer que el espectador se fije inmediatamente en el tema principal de la imagen y se centre
en él. Y de eso vamos a hablar un poco en la lección de hoy. 😎

Pero, ¿cómo consigue la luz guiar la mirada del espectador? Muy sencillo: en cualquier
imagen, nuestro cerebro siempre buscará ante todo la luz. No importa lo grande que sea la
zona... Si tienes una imagen con 8000 píxeles llenos de sombras y un solo píxel es
superbrillante, es a este píxel solitario al que nuestro ojo se dirige primero, ¿quieres verlo?
La imagen de arriba muestra una habitación entera, pero en cuanto miramos la foto nuestros
ojos se dirigen inmediatamente a la zona de la ventana iluminada -que corresponde a menos
del 5% de la superficie de la imagen-, ignorando prácticamente todo lo demás.

Pero, ¿cómo podemos aprovechar este papel que desempeña la luz para dirigir la mirada
directamente en nuestros renders? Echa un vistazo:
Atractivo para las siluetas
Una de las formas de utilizar muy bien el poder de atracción que tiene la luz en relación con
nuestros ojos, es colocar la fuente de luz detrás de las formas que queremos resaltar. De este
modo, podemos perfilar las formas y siluetas del sujeto principal del renderizado, lo que ocurre
porque la luz atrae nuestra atención, de modo que nuestros ojos perciben más
inmediatamente lo que tienen delante.
El sol situado detrás, además de crear una bella atmósfera, "dibuja" en la imagen la silueta del
árbol y las líneas que componen el proyecto. (Render de Santí Sanchez)
En este otro render, el fondo más claro resalta las formas presentes en la mesa destacada,
como la lámpara, incluso sin crear una silueta tan marcada como en la primera imagen
(Render de Santí Sanchez)
Aquí nuestro ojo va muy rápidamente al fondo con esta hermosa puesta de sol, y luego es
guiado gradualmente hacia el proyecto, mientras vemos estas hermosas siluetas de los
árboles circundantes. (Render de P&M Studio)

Aumentar la visibilidad
Aquí el uso es ligeramente diferente al del primer tema, pero la diferencia resultante en
estilo/característica es bastante visible. En lugar de colocar la fuente de luz principal detrás del
sujeto, y dejarlo sin iluminar, la idea aquí es diferente: el sujeto principal del render (el edificio
en el ejemplo de abajo) se iluminará normalmente, pero además colocaremos otra fuente de
luz o zona bien iluminada (como la zona más brillante del fondo en el ejemplo de abajo) detrás
de él. De este modo, nuestra atención se centrará aún más en el elemento principal de la
imagen, y esta luz funcionará también como una especie de luz de recorte, resaltando los
contornos y las líneas que forman parte del sujeto principal del render.
En el ejemplo anterior, el edificio está iluminado normalmente, pero la zona iluminada del bg
se ha colocado detrás de él, lo que hace que el edificio destaque aún más en la imagen,
además de resaltar sus contornos. (Renderizado por Estetic Vision)
Al igual que el render anterior, este también es un render de hora azul que aprovecha que la
zona más luminosa del BG está situada detrás del edificio. Esta técnica es muy utilizada
comercialmente por los grandes estudios, y suele dar muy buenos resultados. (Renderizado
por Peter Guthrie)
Definición de jerarquías mediante luces
y sombras
Y por último, una de las formas más geniales de utilizar a nuestro favor el hecho de que la luz
"tira" de los ojos del espectador, es utilizar zonas de luz x sombra para crear una jerarquía
visual en la imagen, conduciendo los ojos del espectador de forma muy rápida y eficaz hacia
el elemento principal del render. En escenas exteriores, un uso muy chulo de esta técnica es
hacer que los árboles o edificios circundantes dejen en sombra el suelo del primer plano,
mientras que el proyecto se convierte en la zona más iluminada de la imagen, atrayendo toda
nuestra atención hacia sí en un primer momento, pero sin perder el resto de la escena que
cumple la función de componer y aportar "zonas de respiración". Ya en escenas de interior,
otro ejemplo de uso sería permitir que aparezca más de un ambiente en el render, pero
mantener encendidas sólo las luces del ambiente que queremos destacar.
A diferencia de todos los renders anteriores, que utilizaban la luz direccional para resaltar
siluetas o añadir protagonismo al proyecto, este render tiene un objetivo diferente, que está
muy claro: enfocar mucho más rápida e intensamente el proyecto. Esta vez, toda la superficie
del suelo ha sido sombreada, y nuestros ojos corren rápidamente hacia el proyecto, que es el
elemento más iluminado de la escena. Esta es una técnica estupenda que puedes utilizar para
conservar elementos del entorno para componer la imagen, pero sin dejar de dirigir la atención
hacia el sujeto principal. (Diseño de Fran Silvestre Arquitectos)
La misma técnica puede utilizarse para los renders de interiores. Echa un vistazo al dormitorio
de arriba. Aunque el primer plano muestra parte de otra habitación, nuestros ojos se dirigen
directamente a la zona de la cama, la parte más luminosa del render (Render de Peter
Guthrie)
¿Has visto cómo la luz se muestra cada vez más como un elemento crucial para que hagamos
renders impactantes? Comenta abajo cuál fue el ejemplo que más te gustó y que quieres
aplicar en tus próximos renders 👊

Temperatura de la luz: ¿Qué importancia

tiene?
Entre las principales características de la luz están su intensidad, dirección, naturaleza (luz
dura o suave, por ejemplo) y también la temperatura. Cada una de estas características
desempeña un papel clave en la forma en que percibimos una foto o un render, como qué
sensaciones o sentimientos tenemos al observar el sujeto principal bajo las características
elegidas. Precisamente por eso, hoy vamos a hablar de una de estas cuatro
características: ¡la temperatura de la luz!

Ajustar el clima de la imagen

Una de las principales funciones de la temperatura de la luz es "manipular" nuestra
percepción del ambiente de una representación. Usando esto a su favor, puede provocar en
el espectador diversas sensaciones sobre un entorno, por ejemplo, así como dar pistas sobre
el clima y la época en que se hizo la grabación.
La iluminación natural sin influencia de tonos cálidos, junto con la niebla, nos da la
sensación de un ambiente frío alrededor del edificio, mientras que el propio proyecto, con
sus colores cálidos, se vuelve acogedor. (Render de Beauty and The Bit)
Aquí ocurre lo contrario. La cálida luz del sol que atraviesa los árboles se ve resaltada por
la translucidez de las hojas y nos da la sensación de una cálida luz cayendo sobre este
proyecto situado en medio de un bosque (Render de Beauty and The Bit)
En esta tercera imagen, nos hacemos una idea clara de que se acerca el atardecer, lo que
convierte a las mesas al sol en un atractivo en un entorno súper propicio para relajarse y
bañarse en la luz. (Renderizado estilo Cinemagraph, por The Boundary)

Aumentar la percepción de profundidad

Otra influencia importante de las distintas temperaturas de la luz que forman parte de una
imagen está en relación con cómo afectan a nuestra percepción de la profundidad.

Si en toda la imagen sólo hay luces con temperaturas similares, la composición se vuelve
más monótona y nuestros ojos tienen más dificultades para percibir la profundidad. Por otro
lado, cuando exploras diferentes temperaturas, la composición se vuelve más interesante y
la escena parece tener más profundidad.
Observa cómo la escena se divide aquí en "03 planos" a través de la temperatura de la luz.
El primer plano -zona más cercana a la cámara-, tiene colores más fríos, por el predominio
de la luz natural en un día nublado de invierno. La zona central es la más cálida, con
muchas luces artificiales, debido a las luces artificiales externas e internas. El fondo -el
fondo de la imagen- vuelve a ser frío. Esta clara división entre los planos nos ayuda a
percibirlos fácilmente, y es crucial para que la composición consiga este increíble impacto
visual. La temperatura aquí también se utilizó para hacer una división vertical en la imagen,
separando la zona bajo las vías -que es más cálida y está menos expuesta- de la zona de los
trenes. (Render de Mohit Schaniya)
Del mismo modo, en esta escena interior con un aspecto más "comercial" también podemos
diferenciar fácilmente la zona principal del fondo, por la gradación de temperatura que se
produce, partiendo de la luz más fría y haciéndose más cálida a medida que los ojos se
acercan al fondo. La sensación aquí también es que se trata de un entorno comercial, más
frío (algo así como una consulta médica), y la luz natural, procedente del exterior, es más
cálida y acogedora (Render de Ricardo Canton)

Establecer la jerarquía utilizando diferentes

temperaturas
Del mismo modo que nuestros ojos se dirigen primero a las zonas luminosas -como ya
hemos comentado en la lección anterior-, también tendemos a fijarnos primero en los
colores más cálidos y saturados. Y por eso, por ejemplo, un elemento rojo o naranja destaca
muy fácilmente entre objetos azules o verdes. Y este es otro factor que podemos
aprovechar: definir una jerarquía visual en la imagen mediante diferentes temperaturas de la
luz.
Junto con el factor intensidad, la temperatura también desempeña un papel clave: nuestros
ojos se sienten atraídos por las zonas más cálidas de la imagen. En este render, nos fijamos
primero en la zona interior, que es el tema principal, y luego recorremos el resto de la
imagen. (Render de Peter Guthrie)
¡Las líneas en la foto (y en los renders)!
Si hay algo que debes haber notado en las clases de fotografía que forman parte de este
módulo, es que uno de nuestros principales objetivos es entender cómo guiar los ojos de
quienes ven nuestros renders, según los puntos fuertes de la imagen y el nivel de importancia
que le damos a cada elemento que forma parte de esa composición. Hasta ahora hemos
hablado mucho de cómo la luz, por ejemplo, tiene un papel crucial en este sentido. Pero no es
el único. Hay otro elemento que también cumple muy bien la función de guiar el ojo en un
render, y que tiene una importancia fundamental en el impacto y la sensación que causarán
nuestras imágenes en quienes las miren: ¡las líneas!

¿Qué quiere decir con "líneas"? En realidad, no tienen por qué ser literales. Todos los
elementos que forman parte de nuestros renders, al juntarse acaban creando líneas, que a
veces son menos evidentes, y en otras mucho más. En cualquier caso, siempre
desempeñarán un papel importante en nuestra percepción de cada render o fotografía.
En esta foto del hermoso proyecto desarrollado por SAOTA, la barandilla de cristal y la losa
que hay debajo crean una línea curva en la imagen, que guía los ojos del espectador desde el
principio de la imagen (Foto de Adam Letch)
En esta ocasión, las líneas más presentes son las verticales, provocadas por los troncos de
los árboles que rodean el proyecto. (Proyecto de Damith Premathilake Architects)

Pero no sirve de nada identificarse. Cada tipo de línea genera un tipo diferente de sensación e
impacto, y cada una guía los ojos del espectador de una manera también diferente. Por eso es
importante conocer cada uno de ellos y saber cómo colocarlos y aprovecharlos en tus renders,
¡para aumentar el impacto de tus composiciones! ¿Vamos a ello? 💪

Líneas conductoras
Las líneas conductoras son las líneas creadas por los elementos de la imagen, que tiran
claramente de los ojos del espectador para "entrar" en el encuadre, guiando los ojos a través
de la composición hacia el sujeto principal de la imagen o hacia algún otro punto específico
que queramos que se vea. Estas líneas pueden aparecer a través de una calle, las lamas de
una cubierta, los volúmenes del propio proyecto o cualquier otra cosa que guíe rápidamente
nuestra mirada.
La línea que sale de la parte izquierda del render y se dirige hacia el avión que pasa en el
cielo, es un gran ejemplo de línea directriz. La línea que comienza justo en la esquina inferior
izquierda de la imagen también dirige nuestros ojos, pero incluso la línea principal que viene
del lado derecho también "tira" de nuestra mirada hacia la parte superior. (Renderizado por
Omega Render)
Aquí el conducto principal lo crea la losa del proyecto. El fotógrafo eligió este encuadre
precisamente porque, de este modo, la línea que se ha creado a partir de ese volumen nos
conduce a través del proyecto, empezando por la derecha y yendo hacia la zona de la
izquierda. (Foto de Derek Swalwell)

Líneas horizontales
¿Y cómo funcionan las líneas horizontales? ¿Cuál es su papel? A menudo, las líneas
horizontales en un render transmiten sensación de paz y tranquilidad, debido a que transmiten
poco movimiento y más estabilidad visual. Además, también pueden ampliar la sensación de
amplitud del lugar o entorno que se graba.
Aquí el muro de la residencia, los escalones e incluso el suelo crean líneas horizontales,
transmitiendo una sensación de estabilidad, poco movimiento y tranquilidad. Las líneas
horizontales y la luz probablemente fueron diseñadas para transmitir este tipo de sensación
(Foto de Nelson Kon)
De nuevo con un encuadre frontal, las líneas horizontales transmiten calma y paz, realzadas
por este hermoso clima del atardecer. Observa cómo el conjunto de elementos que componen
la foto funcionan juntos y nos permiten "viajar" momentáneamente a ese lugar e imaginar la
sensación de estar allí. (Foto de Casey Dunn)

Líneas verticales
Al igual que las líneas horizontales, las verticales tienden a darnos una fuerte sensación de
estabilidad y permanencia. Cuando las líneas verticales tienen mucho peso en la imagen,
tendemos a recorrer el renderizado empezando por abajo y subiendo por toda la composición.
Se pueden crear líneas verticales impactantes utilizando pilares, elementos de la estructura
metálica del proyecto, listones de madera o incluso árboles, como mostramos en la
introducción de esta lección.
Aquí, como en los primeros ejemplos de la clase, las líneas verticales se crean a partir de los
árboles que rodean el proyecto. (Foto de YOD Design Lab)
En este segundo ejemplo, la estructura del proyecto crea líneas verticales muy marcadas.
Toda la composición de la foto, incluidas las líneas verticales, nos hace recorrer la imagen de
abajo arriba (Render de Alena Makagon)

Líneas diagonales
A diferencia de las líneas verticales y horizontales, las diagonales transmiten dinamismo,
movimiento y grandeza. Guían nuestros ojos de forma más rápida y ayudan a impactar en la
composición. Cuando se trata de proyectos, tanto interiores como exteriores, las líneas
diagonales contribuyen a realzar el proyecto, aumentando nuestra percepción de grandeza y
también de profundidad, lo que da lugar a composiciones de gran impacto visual. Estas líneas
diagonales pueden crearse a menudo a través de los volúmenes del propio proyecto, o
mediante revestimientos o techos de lamas, por ejemplo.
El encuadre desde la esquina del proyecto, y con la cámara apuntando hacia arriba, da como
resultado unas diagonales increíbles, que confieren al proyecto un aire imponente a la vez que
refuerzan nuestra percepción de la profundidad. (Foto de Scott Shirley)
Aquí, el entramado ha proporcionado el uso de grandes diagonales, creadas tanto a partir de
los elementos estructurales del proyecto como del suelo y el techo de madera. Como estas
diagonales parten del principio del encuadre (delimitación de la imagen), siguen
desempeñando un excelente papel como líneas conductoras, guiando nuestra mirada a través
de esta hermosa foto. (Diseño de Looklen Architects)
Una vez más, las diagonales refuerzan la sensación de grandeza y profundidad del proyecto.
Aquí las diagonales fueron creadas por la estructura de la piscina y también por los volúmenes
de la casa (Foto de Adam Letch)
En este otro interiorismo, las líneas diagonales las crean el revestimiento del suelo y el techo,
pero también las líneas del sofá y otros elementos. (Foto de Adam Letch)

Líneas curvas
Al igual que las líneas diagonales, las curvas también sugieren movimiento. Pero aquí hay una
diferencia crucial: mientras que las diagonales transmiten dinamismo y velocidad, las líneas
curvas tienden a animar al espectador a explorar la imagen con calma, y sugieren un
movimiento más grácil.
La línea curva creada por la planta superior, nos guía para explorar la imagen de una forma
más tranquila. Líneas curvas como ésta añaden elegancia e incluso gracia a la composición.
(Renderizado de Brick Visual)
En este otro render, con un talante más "dramático", las líneas curvas se crean a partir del
propio suelo, y conducen nuestros ojos hacia el proyecto. (Render de Omega Render)

Líneas divisorias
Además de los distintos tipos de líneas de los que hemos hablado antes, y sus respectivas
finalidades, también podemos utilizar las líneas de una imagen con otro propósito: ¡dividir la
imagen! Las líneas de una imagen pueden utilizarse a propósito para dividir la imagen en
zonas claramente diferenciadas, generando composiciones superinteresantes. Estas
divisiones pueden producirse tanto vertical como horizontalmente, e incluso en diagonal.
En la imagen superior, la línea continua generada por el material negro que discurre desde la
parte inferior-central de la foto y se encuentra con la estructura del proyecto, divide el
encuadre en dos zonas, resaltando de forma sorprendente la división entre el entorno interno y
externo del proyecto, dando como resultado una composición muy interesante. (Foto de
Rungkit Charoenwat)
En esta segunda imagen, el fotógrafo situó la línea que divide la piscina del suelo de hormigón
exactamente en el centro de la imagen, creando una división de zonas también
superinteresante en la foto, dejando en el lado izquierdo principalmente la piscina, el cielo y el
mar, mientras que en el lado derecho estaban los elementos de hormigón y madera que
forman parte del proyecto (Foto de Adam Letch)

Es increíble lo que el uso de líneas puede hacer en una imagen, ¿verdad? ¿Qué tal si coges
un proyecto en el que estabas trabajando y creas una nueva cámara pensando en el uso de
las líneas de acuerdo con algunas de las características de las que hemos hablado aquí en
clase? 😁 ¿Explorar las diagonales, horizontales o verticales, o incluso dividir la imagen
utilizando las líneas del proyecto? Depende de ti. Pruébalo y comparte los resultados aquí en
los comentarios, ¿vale?

Longitud Focal: Comprender los

objetivos
Cuando vas a hacer un render en SketchUp y llega el momento de definir el encuadre, ¿qué
lente milimétrica, o mejor dicho, qué distancia focal utilizas? ¿18mm? ¿25mm? ¿55mm?
¿135mm? 🔭🔬

El hecho es que la mayoría de la gente ni siquiera fija la distancia focal, y muchos de los que
lo hacen, simplemente ponen algún número mágico que han oído/leído en internet, sin saber
exactamente el porqué de todo esto. 🤦♂️ ¡Pero puedes estar seguro de que esto ya no te
pasará! 💪

La distancia focal que establezcas (o no establezcas) en SketchUp, es ESENCIAL para el

resultado final de tu composición, y puede pasar sensaciones completamente diferentes según
cada elección. Por eso he creado esta clase para explicarte todo lo que necesitas saber sobre
las lentes, y cómo puedes utilizar estos conocimientos para crear renders con mucho más
impacto. ¿Vamos a ello? 🏃♂️🏃♀️

La importancia de la distancia focal

En general, la distancia focal es la que va a definir el ángulo de visión con el que vas a
trabajar. Este valor se determinará en milímetros ("mm"), y cuanto más bajo sea, mayor será
su campo de visión, mientras que cuanto más alto sea el valor, menor será el campo. Pero
eso no es todo: cuanto más corta sea la distancia focal elegida, más se notará cierto tipo de
distorsión en la imagen. Es decir, la sensación al elegir un objetivo de 24 mm, por ejemplo,
será que todo en la escena tiene más profundidad, los ambientes parecen más grandes, las
líneas diagonales de una fachada parecen más largas, mientras que los objetos que forman
parte de la composición parecen más pequeños y distantes.
En el ejemplo anterior, se utilizó un objetivo de 24 mm, lo que aumenta la sensación de
profundidad del entorno, dándonos la impresión de que el pasillo es aún más largo de lo que
realmente es, y resaltando de manera muy fuerte las diagonales conductoras que forman
parte de la imagen. (Foto de Mitya Ivanov)

Lo contrario también es cierto: cuanto mayor sea el valor milimétrico de la distancia focal de un
objetivo, menos distorsión veremos en las fotos y renders, y todo en la imagen se verá más
cerca. Mientras que los objetivos con menos milímetros son los más adecuados para grabar
edificios y entornos enteros, los que tienen más milímetros son excelentes para captar
detalles.

En este caso, el objetivo de 135 mm hace que todo parezca más cercano, y al "acercar" el
fondo, la información de éste ha llenado muy bien el encuadre, sin dejar espacios vacíos
innecesarios y aprovechando los bellos colores del entorno. Los objetivos de mayor distancia
focal y la profundidad de enfoque suelen ir de la mano (Foto de Markus Spike)

Para entender aún mejor la diferencia y el impacto que causará cada milímetro, fíjate en este
gif 👇 Observa cómo, en los objetivos de menor distancia focal, la cabeza del chico se
distorsiona y se ve más alargada; la cantidad de desenfoque es menor; y podemos ver gran
parte del entorno que le rodea. En los objetivos de mayor distancia focal, la cabeza es más
plana, lo que nos da la impresión de un rostro más lleno; el "fondo" del entorno se acerca
mucho más; y el nivel de desenfoque también ha aumentado.
Los diferentes tipos de lentes
Los diferentes tipos de objetivos se suelen agrupar según el rango de distancia focal en el que
se encuentran, y cada uno tendrá sus propias características y especificidades.

 Ojo de pez (8 a 10 mm): son los objetivos con mayor campo de visión. Excelente para
cuando quieres capturar muchas cosas en el mismo encuadre. Debido al gran campo
de visión, una característica llamativa de estos objetivos es que distorsionan los planos
y hacen que la imagen sea "circular". Cuanto más cerca esté un objeto de la cámara,
más distorsionado estará. Además, debido a la baja distancia focal, la profundidad de
campo aquí es súper alta, lo que significa niveles súper bajos de desenfoque.
Observa cómo los elementos más cercanos a la cámara, como la puerta de la izquierda, están
completamente distorsionados. Al utilizar una lente de ojo de pez, la distorsión no se evita,
sino que se abraza. En este render se pudo captar todo el entorno, en un encuadre muy
creativo. (Render de Artur Tamioła)

 Súper gran angular (10 a 20 mm): también pueden captar un encuadre muy amplio,
ya que capturan un gran campo de visión. No distorsionan la imagen tanto como un
ojo de pez, pero aún así pueden tener un alto nivel de distorsión, particularmente en
los elementos más cercanos a la cámara. Suelen utilizarse cuando el fotógrafo
necesita encuadrar una zona amplia, pero no dispone de mucho espacio físico para
moverse.
En esta toma con un objetivo de 16 mm, las líneas se extienden y adquieren un gran realce.
Fíjate en la distorsión que se produce en los pies de la mesa, en primer plano, y también en
los objetos que están encima, como la tetera. Muchos profesionales de la arquitectura evitan
la distorsión, pero los fotógrafos de arquitectura suelen utilizarla bien y, cuando está bien
pensada, puede ayudar al impacto que genera la composición. (Diseño de IAPA Design
Consultants)

 Gran angular (21-35mm): probablemente uno de los grupos de objetivos más

utilizados por los fotógrafos de arquitectura para captar imágenes exteriores, y también
para la fotografía de paisajes. Esta elección se debe a que los objetivos de este grupo
también son capaces de captar una gran superficie, pero sin la misma distorsión que
se produce en el supergran angular.
Esta vez se utilizó un objetivo de 24 mm. Obsérvese cómo se pudo encuadrar tanto el
proyecto como parte de su entorno, pero sin tener la misma distorsión que notamos en la
imagen anterior (Foto de Fran Parente)

 Normal (de 40 a 60 mm): son los objetivos que tienen el ángulo de visión más
cercano al ojo humano, por lo que el famoso objetivo de 55 mm, por ejemplo, es tan
utilizado para las imágenes publicitarias de arquitectura. No se alejan ni se acercan, no
se acercan ni se alejan, y la distorsión es mínima. En archviz, como tenemos la
ventaja del clipper, podemos permitirnos utilizar estas lentes incluso en casos en los
que no sería posible en la realidad.
Fíjate en cómo, en este encuadre, fue posible captar gran parte del comedor y de la cocina,
sin ninguna distorsión incluso a los pies de la silla más cercana a la cámara. El uso de una
lente de grupo "normal" aquí, muy probablemente sólo es posible con el uso de un recurso
"clipper", que permite ocultar parte del proyecto en la cámara, sin interferir con la iluminación y
los reflejos/refracciones de la imagen. (Render de Anton Removskyi)

 Medio teleobjetivo (70 a 135 mm): El enfoque es ahora diferente. En lugar de intentar
encuadrar grandes áreas, la idea es acercarse y capturar ángulos más cercanos. Son
excelentes para captar los detalles sin causar una gran sensación de
distorsión/aceleración. Este tipo de objetivo también favorece el uso del desenfoque de
profundidad.
Los objetivos como el utilizado aquí (un 85 mm) son excelentes para captar los detalles del
diseño y la decoración. Ayudan a rellenar bien el encuadre, a evitar huecos innecesarios y a
potenciar el desenfoque (Foto de Storiès)

 Teleobjetivo (de 140 a 400 mm): y por último, tenemos este grupo de objetivos que
tienen un ángulo de visión extremadamente cerrado. Permiten captar elementos muy
lejanos y también detalles muy pequeños, como un insecto o las líneas y pelos de una
tela.
Aquí el objetivo de 232 mm permitió captar este increíble detalle de una mariposa aterrizando
en una flor. (Foto de Tanju Dargan)

¿Cuándo utilizar cada tipo de lente?

En la fotografía arquitectónica y de interiores, donde los fotógrafos no tienen la ventaja de
"sacar" simplemente una pared, o de ocultar un árbol y un poste para encuadrar lo que
necesitan, los objetivos gran angular se utilizan en exceso y se aprecian. Según Adrian
Schulz, fotógrafo de arquitectura y escritor, la distancia focal más utilizada para las imágenes
en exteriores se sitúa entre los 20 y los 35 mm, mientras que para los interiores, el rango es
de 14 a 20 mm. En las imágenes destacadas de archviz en Behance, por ejemplo, verás que
muchas imágenes están tomadas con el grupo de lentes "normal", con distancias focales más
cercanas a los 55 mm.

Así que mi principal consejo es: no te apegues a uno u otro valor. Intenta, en primer lugar,
entender bien las características de cada grupo de lentes, ver muchas referencias, y explorar
los diferentes tipos de lentes en tus renders, ¡intentando siempre mejorar el proyecto y
tratando de encontrar encuadres y composiciones creativas!
Fotografía con un objetivo de 16 mm, por Roberto Nickson.

Consejos finales
¡Y para cerrar esta clase, quiero dejarles 03 consejos finales, que considero muy importantes!

Consejo 01Cuando elijas un objetivo, recuerda pensar en otros aspectos de la composición,

como las líneas de la foto, y en cómo estos elementos se influirán mutuamente. Una distancia
focal baja, por ejemplo, puede resaltar hermosas líneas conductoras diagonales.

Consejo 02Para entrenar el ojo para identificar qué grupo se utilizó en cada foto, es necesario
ver muchas referencias. Para ello, puede utilizar dos sitios para empezar:

A) ArchdailyTodo lo que tiene que hacer es descargar la imagen. Una vez hecho esto, haga
clic con el botón derecho del ratón, elija la opción "Propiedades" y vaya a la pestaña
"Detalles". Allí encontrará la información "Distancia focal".
A) Unsplash: puedes ver mucha información interesante sobre todas las imágenes publicadas
allí, como el número F, la velocidad de obturación y el ISO utilizado. Lo mismo ocurre con la
distancia focal. Sólo tienes que abrir la imagen y hacer clic en "Info", en la esquina inferior
derecha.

Consejo 03Por defecto, SketchUp utiliza "grados" para determinar el ángulo de visión. Pero
es posible configurarlo para que utilice "milímetros" y establecer la distancia focal de los
fotogramas como si se tratara de una cámara real. Para ello, escriba la letra Z > elija el valor
de la distancia focal > escriba "mm" junto al número (por ejemplo, "55mm"). Al escribir el valor
con la unidad, SketchUp entenderá que quieres usar el milímetro para esta configuración, y a
partir de ahí, siempre que escribas un valor con la herramienta de zoom, ya estará en
"milímetros". Genial, ¿eh? 😁

Bueno, ¡ya hemos llegado al final de esta lección! Dígame, ¿qué le ha parecido? Escribe en
los comentarios qué es lo que más te ha gustado de esta clase, y comparte conmigo las
pruebas que has hecho explorando diferentes tipos de lentes, ¿te parece?
Una vez más, vemos el buen uso de los colores cálidos que ya formaban parte del proyecto,
con los colores fríos aportados por la luz natural, tenemos una composición muy
armoniosa, llevando nuestros ojos a las zonas internas del proyecto primero, y luego a las
externas.

No es de extrañar que la temperatura de la luz desempeñe un papel superimportante en

nuestros renders. Préstales mucha atención, utilízalas de forma planificada, teniendo
siempre en mente qué tipo de sensación y estado de ánimo quieres que tenga y perciba el
espectador al contemplar tus obras. Sal de lo estándar y juega con los colores de las luces
según las características de cada proyecto, y te sorprenderás con los diferentes resultados
que obtendrás 😁.

Profundidad de campo: Profundidad de

campo
Un proceso muy curioso ocurre con nuestro ojo cuando miramos un determinado objeto. Si
vives en una casa/apartamento con mosquitera, por ejemplo, haz el siguiente experimento:

Paso 01: Acércate mucho a la ventana donde está la pantalla;

Paso 02: observa los nodos en la pantalla:
Paso 03: mira un coche en la calle;
¿Te has dado cuenta de lo que ha pasado? Cuando mirabas directamente a la pantalla, todo
en la calle se volvía más borroso. Y cuando mirabas el coche en la calle, era la pantalla la que
se volvía borrosa. Genial, ¿eh? 😁 Si no tienes una pantalla en casa, puedes experimentar de
muchas otras formas, incluso simplemente colocando la mano a 30 cm delante de uno de tus
ojos. El efecto será el mismo.

Como las cámaras que creamos y utilizamos en fotografía se hicieron basándose en cómo
funciona el ojo humano, también tenemos este desenfoque en fotografía (y por consiguiente,
en renderizado), y lo llamamos "Profundidad de Campo", "Desenfoque de Profundidad", o
simplemente "DOF". ¡Y es precisamente el tema de esta vez!

¿Cuál es el papel del DOF?

Mediante la DOF, o profundidad de campo, podemos determinar qué parte de la imagen
estará enfocada, qué zonas estarán desenfocadas y la cantidad de desenfoque ("blur") que se
producirá.

Una de las principales funciones del DOF es establecer claramente dónde está el elemento o
la zona más importante de una foto o un render, dónde queremos que vaya primero el ojo de
nuestro espectador. Del mismo modo que las líneas conductoras pueden guiar al ojo, a través
de la profundidad de campo, también podemos dirigir eficazmente la atención del espectador
hacia nuestros renders, ya sea de un modo más sutil -utilizando un desenfoque de luz- o de un
modo más directo -utilizando un desenfoque de alta intensidad-.
Aquí el nivel de desenfoque es superintenso. Casi todo en la imagen está borroso; el fondo
está completamente difuminado y no podemos ver ningún detalle, por lo que nuestra atención
se dirige directamente al ojo del gato en cuanto posamos los ojos en la imagen. (Foto de Gijs
Coolen)
En este otro ejemplo vemos algo muy diferente. Aquí la mayor parte de la imagen está
enfocada, sólo la hierba del primer plano y los árboles del fondo sufren cierto desenfoque.
Este sutil desenfoque puede resultar interesante cuando se desea que la mayor parte de la
imagen permanezca enfocada, pero aun así se utiliza la DOF para realzar la jerarquía visual
de los elementos y reforzar la composición, en conjunción con otros elementos. (Foto de
Ludmilla Cerveny)

¿Qué influye en la intensidad del DOF?

Hay tres elementos principales (exactamente lo mismo ocurre con la cámara de V-Ray, si está
utilizando la configuración avanzada de la cámara), que definirán la cantidad de desenfoque
que existirá en una foto/render:

 Proximidad al objeto enfocado: Observe que el desenfoque de profundidad se

produce a distancia. Pero, ¿cuál es esa distancia? Básicamente, será la distancia
desde el elemento principal de tu foto o render a los demás elementos. Cuanto más
alejados estén otros objetos del elemento principal, que será tu punto de enfoque, más
desenfocados estarán estos objetos.
En el caso de la primera foto, tanto las zonas de hierba situadas delante del gato como
las situadas detrás estaban desenfocadas. Y cuanto más se alejaban los elementos
 del gato, más borrosos se volvían. Lo mismo ocurre en el ejemplo siguiente: la
luminaria situada delante de la principal está tan borrosa como la situada detrás. Así
funcionará el DOF.

 Número F (apertura del diafragma): cuanto mayor sea el valor establecido como
número F, mayor será la cantidad de desenfoque percibido, y viceversa. En otras
 palabras, si quieres una imagen con poca profundidad de campo (mucho desenfoque),
es necesario reducir el número F. Si quieres un desenfoque sutil, utiliza un número F
más alto.

 Distancia focal (milímetros): cuanto mayor sea la distancia focal (el valor, en
milímetros, del objetivo) que utilices, más fácil te resultará conseguir un alto nivel de
desenfoque, mientras que utilizando gran angular, por ejemplo, aparecerá menos
desenfoque.
Disparada con número F a 5,6 y distancia focal de 16 mm. Observa cómo la profundidad de
campo es bastante alta, manteniendo casi toda la imagen enfocada, excepto la zona del
banco más cercana a la cámara (Foto de Jason Briscoe).
En este otro ejemplo, incluso utilizando el número F 6.3, el desenfoque es más evidente, ya
que la foto se tomó con un objetivo de 93 mm (Foto de Milada Vigerova)

 Proximidad a la cámara: además de los tres puntos anteriores, cuanto más cerca
esté el sujeto de la foto de la cámara, más probabilidades tendrás de conseguir altos
niveles de desenfoque al tener una menor profundidad de campo. Lo mismo ocurre en
el lado opuesto... Si el sujeto no está tan cerca de la cámara, los elementos más
cercanos a la cámara tenderán a salir súper borrosos.
En esta imagen podemos observar que las hojas de la planta en primer plano están muy
difuminadas, precisamente porque están muy cerca de la cámara, mientras que el sujeto está
más lejos. (Foto de Hutomo Abrianto)

 Extra (Dentro de V-Ray): todo lo anterior se aplica tanto a una fotografía como a
nuestros renders. Pero dentro de V-Ray, tenemos un punto extra: si estás usando la
configuración básica de la cámara, puedes controlar la cantidad de desenfoque
directamente, a través de la opción "Desenfocar". Cuanto mayor sea el valor de esta
opción, menor será la profundidad de campo, es decir, mayor será el desenfoque.
Cuanto más alto sea el valor en "Desenfocar", más borrosa será la imagen.

💡 ¿Quieres aprenderlo todo sobre cómo usar DOF en V-Ray 4.2 para SketchUp? En el
módulo V-Ray Total Domination tenemos una clase completa sobre este efecto. Aquí el
enlace👉 https://bit.ly/AulaHighlihtDepthofField
Imagen renderizada en la clase "Profundidad de campo", que forma parte del módulo V-Ray
Full Domain.

¿Cuándo y cómo utilizar el DOF?

La verdad es que, cuando se trata de fotografía, la gran mayoría de las imágenes contienen
alguna cantidad de desenfoque de profundidad, tanto porque es también la forma en que
funciona nuestro ojo, y sobre todo por la forma en que el DOF ayuda a guiar los ojos del
espectador, y hacer que la composición sea más impactante, centrando la atención en el
elemento principal, y alejando la atención de los elementos menos importantes. Aun así, es
esencial saber elegir si utilizar o no el efecto, y también cómo utilizarlo, en función de la
composición que desees. Para ayudarte, voy a enumerar aquí 4 situaciones para utilizar (o no)
la profundidad de campo:

 Desenfoque cero: cuando se desea utilizar grandes angulares para resaltar las líneas
de un proyecto y su profundidad, manteniendo todo enfocado y dejando clara toda la
grandeza reflejada en las características de los elementos que lo componen. En este
caso, puedes dejar de lado el desenfoque y optar por abusar de la nitidez/enfoque del
proyecto y de las diferentes texturas que lo componen.

Aquí prácticamente toda la imagen está enfocada. La única excepción son los árboles del
fondo (Foto de Gabriel Konrath)
Aquí, de nuevo, tenemos un campo de profundidad muy grande, y el desenfoque es
prácticamente inexistente. Todos los detalles de la composición son nítidos (Render de Nurik
Karanavidani)

 Desenfoque bajo: El propósito de este nivel de desenfoque es ser un complemento,

un refuerzo de la sensación de profundidad, manteniendo al mismo tiempo una
profundidad de campo alta (la mayor parte de la imagen sin desenfoque). Puedes
utilizarlo, por ejemplo, para difuminar hojas de árboles en primer plano, manteniendo la
atención del espectador en el proyecto. Suele ser una gran elección para escenas al
aire libre.
En este ejemplo, los arbustos del primer plano están ligeramente difuminados. La cantidad de
desenfoque es sutil, pero suficiente para que la diferencia ayude a nuestro cerebro a percibir
los elementos del propio proyecto como el tema principal. (Renderizado por Rafał Dawlud)

 Desenfoque medio: aquí el desenfoque estará claramente presente en la

composición, nos dirá rápidamente cuál es el sujeto de la foto, pero aún así nos dejará
percibir e identificar el entorno y las formas/texturas que están alrededor del sujeto
principal. Esta opción es estupenda cuando queremos centrarnos en una zona (y no
sólo en un elemento), o en un elemento concreto, pero mostrando su entorno.
Cuando miramos la imagen, nuestros ojos identifican rápidamente la maceta como elemento
principal de la composición, pero también nos permite identificar el entorno en el que está
insertada y otras formas que forman parte de la composición, como el sofá, la mesa y la
lámpara del fondo. (Foto de Paul Hanaoka)
En el segundo ejemplo de desenfoque medio, de nuevo nuestro ojo es guiado hacia los
objetos totalmente enfocados en la zona de la silla, pero aún así podemos identificar todos los
elementos que rodean al sujeto. (Renderizado de Mario Stoica)

 Desenfoque alto: Y por último, con una profundidad de campo escasa y un nivel de
desenfoque alto, el sujeto queda completamente explícito, toda nuestra atención se
centra en él, mientras que el resto de la imagen se desenfoca y gran parte de los
elementos que no son principales, dejan de ser identificables. Utilice esta opción
cuando desee centrar toda la atención en un único elemento de la escena (un
elemento decorativo, por ejemplo), o en un detalle de textura/modelado/material.
Sólo el sujeto de la foto es identificable, mientras que el resto no lo es. Pero un error muy
común es pensar que, por estar completamente difuminados, los demás elementos dejan de
ser importantes. Es exactamente lo contrario: es esencial que planifiques tu composición de
forma que los colores y las zonas luminosas llenen el encuadre de forma que tu composición
resulte más atractiva y armoniosa. (Foto de Jael Vallee)
De nuevo, aquí vemos una profundidad de campo extremadamente baja, dejando enfocados
solo la luminaria y los libros que hay debajo de ella. (Render realizado por mí 😜)

¿Le ha gustado saber más sobre el DOF? Esta función es asombrosa, y saber aprovecharla te
ayudará a elevar el nivel de tus composiciones. Haz algunas pruebas y compártelo con
nosotros en los comentarios. Te encantará

Desenfoque de movimiento, panorámica

y estela de luz
Si en la lección anterior hablamos del desenfoque de profundidad, que ayuda a definir el
objeto del render y a guiar los ojos del espectador, desenfocando los objetos en función de la
distancia entre ellos y el elemento principal, en la lección de hoy hablaremos de otro tipo de
efecto: Desenfoque de movimiento, panorámica y estela de luz: ¡los desenfoques relacionados
con el movimiento presentes en una composición! ¿Vamos?

Quién no ha intentado alguna vez hacer una foto y ver que el resultado era súper borroso,
¿verdad? 😂 ¿Y cuál es la razón de eso? Este "desenfoque" se produce porque en ese breve
instante en el que se estaba "tomando" la foto, el sujeto de la misma se movió. El desenfoque
no es más que tu cámara o tu móvil captando el movimiento que se produjo en el momento de
la foto. Y aunque estos desenfoques accidentales son bastante indeseables, entender el
concepto que hay detrás de ellos y aprender a utilizarlos en tus composiciones dará un gran
impulso a tus renders. Y por eso vamos a aprender un poco más sobre ellos:

Desenfoque de movimiento (o desenfoque de

movimiento)
Esta es la técnica que utilizamos manteniendo "congelado" el encuadre del sujeto principal y
desenfocando los elementos que están en movimiento. Nos centramos en el elemento que
está inmóvil, mientras otros elementos se mueven por la escena. De este modo, conseguimos,
al mismo tiempo, guiar más rápidamente la mirada del espectador hacia el sujeto -que estará
completamente nítido-, transmitir movimiento en esa zona/entorno -mostrando que hay cosas
moviéndose allí-, y aumentar el impacto global de la composición utilizando este efecto fresco,
eficaz y llamativo.
Renderizado con Motion Blur, para transmitir el movimiento del coche en la calle. El coche
sigue formando parte de la composición, con forma, colores y movimiento, pero al mismo
tiempo, debido al desenfoque de movimiento, nuestros ojos son guiados más rápidamente
hacia el edificio. (Render/Fotomontaje de Luka Popovic)
Panorámica (o desenfoque de movimiento inverso):
La panorámica funciona de forma muy similar al desenfoque de movimiento, pero el objetivo
aquí es justo el contrario. En lugar de centrarse en el elemento que está inmóvil, el sujeto pasa
a ser exactamente el elemento que está en movimiento. A diferencia del desenfoque de
movimiento, en el que la cámara permanece inmóvil, para conseguir el efecto panorámico es
necesario que la cámara se mueva con el movimiento del sujeto. Esto es posible apuntando
con la cámara al objeto en movimiento y siguiéndolo a su paso, o moviendo la cámara a la
misma velocidad y dirección que el elemento principal. El resultado es sorprendente: el sujeto,
que estaba en movimiento, queda "congelado", mientras que el resto de la composición recibe
el desenfoque de movimiento.

Utilizando la técnica del Panning, el coche aparecía completamente nítido, mientras que el
suelo y la hierba recibían desenfoque de movimiento, transmitiendo claramente la idea de la
velocidad del coche. Obsérvese también que las ruedas también recibieron un desenfoque de
movimiento radial (circular), esto se debe a que las ruedas se mueven de forma diferente al
coche. (Foto de AngMoKio)
Este mismo render podría haberse realizado sin utilizar el Panning, pero el movimiento del
coche y la sensación que aporta la composición no tendrían el mismo impacto en el
espectador. Observa también que cuanto más lejos de la cámara, menos desenfoque de
movimiento actuará, por lo que el asfalto del primer plano está bien desenfocado, mientras
que los árboles del fondo sólo tienen desenfoque de profundidad, no de movimiento.
(Renderizado de AngMoKio)

Sendero luminoso (o sendero ligero)

Es un efecto súper llamativo que se produce cuando aplicamos desenfoque de movimiento a
zonas o puntos de luz. El resultado es que tenemos, literalmente, "estelas de luz" atravesando
la imagen, transmitiendo todo el movimiento que está ocurriendo en el encuadre, y dando
como resultado un efecto muy bello.
Estas "líneas brillantes" que se ven en la imagen son exactamente el efecto que conocemos
como estela de luz. En la foto de arriba, aparecieron porque se estaba produciendo el efecto
Desenfoque de movimiento, y los elementos que se captaron en movimiento eran coches con
los faros y las linternas encendidos. El resultado es una composición más atrevida y llamativa
(Foto de Atelier RZLBD)
Light Trail se utiliza a menudo en imágenes de edificios, transmitiendo todo el movimiento y el
contexto urbano alrededor del edificio (Render de Neorama)

Cómo controlar la intensidad

Ahora que has visto cuáles son estos tres efectos, te habrás preguntado: "¿Cómo controlo su
intensidad?". Básicamente, hay dos cosas que influirán en la intensidad del desenfoque de
movimiento y, en consecuencia, también en la estela de luz:
Velocidad de obturación: en la cámara (tanto la real como la de renderizado), el ajuste que
determinará la intensidad de los efectos de movimiento es la velocidad de obturación. En una
ilustración muy sencilla, puedes imaginar que el obturador de la cámara es como el párpado
de nuestros ojos. Se abre y se cierra rápidamente, y graba lo que se captó en el momento en
que se abrió. Vale, pero ¿cómo influye eso en los efectos? Cuando la velocidad de obturación
es demasiado alta, es decir, se abre y se cierra en un espacio de tiempo muy corto, incluso los
objetos en movimiento aparecerán congelados en la foto. Sin embargo, cuando la velocidad es
baja, es posible que se produzca movimiento en el encuadre durante la ventana de tiempo en
la que el obturador se abre y se cierra. Y es precisamente cuando eso ocurre, cuando vemos
el desenfoque de movimiento. Y cuanto menor sea la velocidad de obturación, mayor será el
desenfoque de movimiento, la panorámica y la estela de luz.

Cuanto menor sea el número por debajo de "1" (por ejemplo, 1/80), más lenta será la
velocidad de obturación y más intenso el desenfoque de movimiento.

Velocidad del objeto en movimiento: y el segundo factor que influye directamente en la

intensidad del desenfoque de movimiento es la velocidad del propio objeto en movimiento.
Utilizando la misma velocidad de obturación, un coche a 60 km/h se verá mucho más borroso
que una persona caminando a 5 km/h, por ejemplo. En otras palabras, cuando estés
animando un objeto para aplicarle desenfoque de movimiento, cuanto más rápido sea el
movimiento (cuanto más espacio se mueva en relación con el tiempo de animación), más
intensos serán los efectos de movimiento.
Observa cómo las personas tienen diferentes niveles de desenfoque de movimiento. Mientras
que la mujer de la chaqueta azul está completamente nítida, la chica de la mochila tiene el
brazo izquierdo borroso, y las personas que caminan más rápido han recibido aún más
borrosidad en la mayor parte de sus cuerpos. (Foto de Timon Studler)

Ejemplos de uso
Y por último, ¿cómo y cuándo se puede utilizar el desenfoque de movimiento? A continuación
pondré algunos ejemplos que me parecen geniales, hablando un poco sobre el uso de cada
uno, y cómo puedes explorar las mismas posibilidades:
Uno de los usos más "cotidianos" del desenfoque de movimiento es utilizarlo para transmitir el
movimiento de los coches en imágenes de fachadas. Con el desenfoque de movimiento,
dirigimos la atención hacia el proyecto, que es el sujeto de la foto, pero permitimos que los
elementos circundantes se sumen a la composición y aumenten el impacto de la imagen. Un
consejo es utilizar coches a diferentes velocidades para que la imagen resulte más natural.
(Renderizado de Max Rymsha)
Ahora es el turno de las imágenes internas. Aplicar el desenfoque de movimiento a las
personas que pasean por el proyecto es una forma estupenda de humanizar el entorno. Una
ventaja en este caso es que si las personas estuvieran completamente despejadas en la
composición, serían el elemento que más llamaría nuestra atención. Pero al utilizar el
desenfoque de movimiento, conseguimos lo mejor de ambos mundos: humanizar el entorno
sin desviar la atención del proyecto. Un detalle que merece la pena destacar aquí, es que el
desenfoque no es homogéneo, la intensidad varía según las partes del cuerpo de la persona
que más se mueven, por eso el desenfoque del pie derecho es menor que el del pie izquierdo,
y también por eso el desenfoque de las manos se comporta de forma diferente. (Foto de Olha
Wood)
¿Quién dijo que el desenfoque de movimiento sólo se aplica a personas y coches? Puedes ser
creativo y utilizar el desenfoque de movimiento para transmitir el movimiento de hojas volando,
un ventilador girando o incluso el agua de una piscina moviéndose con el viento. (Foto de
Studio Archispektras)
La estela de luz es muy utilizada en imágenes nocturnas de edificios, precisamente porque
aporta colores llamativos a la imagen a la vez que muestra todo el movimiento que ocurre
alrededor del proyecto, que es el objeto de la composición. (Render de Peter Guthrie)
¿Te has fijado en cómo se comporta el reflejo del agua en esta imagen? Probablemente hayas
visto algo parecido en fotos de proyectos con piscina, y puede que incluso hayas probado a
ajustar la configuración del reflejo del agua para conseguir este efecto. Pero lo cierto es que lo
que lo genera es precisamente el Desenfoque de Movimiento. Aquí, una velocidad de
obturación baja permite captar el movimiento del agua y genera este asombroso resultado.
(Foto de Adam Letch)
Aun sin ser tan llamativo como en el ejemplo anterior, el desenfoque de movimiento que se
aprecia en las plantas aquí, ayuda a dar un aspecto muy natural al entorno, a la vez que nos
ayuda a sumergirnos en la sensación de estar en él en ese momento, dando pistas de cómo
está el ambiente. Puedes aplicar el mismo principio a las ramas de los árboles que hacen de
"marco natural" al proyecto (Foto de Adam Letch)
Otro ejemplo muy chulo de uso del desenfoque de movimiento: las cascadas. Al utilizar Motion
Blur sobre ellas, la sensación de que el agua está "cayendo" se hace mucho más real, ¡y toda
la composición queda más chula! (Foto de Felipe Lima)
Molan estos ejemplos, ¿verdad? Algunos los podemos aplicar más fácilmente en Photoshop -
como es el caso de Light Trail-, y otros los podemos hacer directamente en V-ray, ¡como es el
caso de Motion Blur y Panning! ¿Qué te parece si empiezas a aprender a configurar estos
efectos ahora mismo? 😎🔥 Llegar:

👉 Lección de desenfoque de movimiento (parte 01)

👉 Lección de desenfoque de movimiento (parte 02)

👉 Clase Panning

Pilar 01: Exposición

Cuando hablamos de hacer un buen render, mucha gente piensa en configurar bien los
materiales, usar modelos de calidad o saber qué V-Ray Light es el ideal para cada situación.
Nada de esto está mal, al contrario, todos estos elementos son importantes para un buen
renderizado. Pero antes de eso, hay 03 características básicas en cualquier render que
necesitan ser bien trabajadas para que las imágenes sean atractivas: exposición, contraste y
balance de blancos.

Incluso siendo esenciales, es increíblemente común ver cómo se descuidan estas mismas
características. Por eso, hemos creado tres clases para que entiendas bien cada característica
y "aciertes" al hacer renders. ¿Vamos a hacerlo?

La exposición
En primer lugar, ¿qué significa este término llamado exposición? 😅 Muy sencillo: cómo de
claro u oscuro es tu render. Cuando un render es demasiado oscuro, decimos que está
"subexpuesto", y cuando es demasiado claro, el término utilizado es "sobreexpuesto".
Normalmente, no queremos ni lo uno ni lo otro. Un render sobreexpuesto (con demasiada luz)
tendrá zonas que quedarán sopladas, causando pérdida de detalle en los elementos que
componen la imagen, además de que será más incómodo de ver. Y por eso la tendencia es
que cuando ponemos los ojos en una imagen sobreexpuesta rápidamente queremos apartar la
mirada de ella. En un renderizado subexpuesto (demasiado oscuro), los colores no se realzan
lo suficiente, y también puede haber una pérdida de detalle porque hay zonas demasiado
oscuras.

Un render con la exposición ideal suele ser aquel en el que la imagen no es demasiado
brillante u oscura, no hay pérdida de detalle y los colores se realzan como es debido.
Render sobreexpuesto: observe cómo aquí empiezan a perderse los detalles y el volumen. En
varias zonas, como la cubierta y los muros frontales de la esquina derecha, ya no podemos
identificar bien dónde empieza y acaba una cara.

Render subexpuesto: los colores no lucen como lo harían normalmente, como podemos
apreciar en los paneles de madera, la hierba, los árboles y el cielo azul. Y de nuevo se pierden
detalles, esta vez debido a zonas muy oscuras, como en las sombras sobre la hierba, en
primer plano, y también en la zona junto a la mesa con las sillas.

Renderizar correctamente expuesta: La misma imagen, ahora con la exposición ideal. Aquí
vuelven a apreciarse los detalles de la textura en la pared frontal de la esquina derecha. Lo
mismo ocurrió en la zona de cubierta. Una imagen correctamente expuesta realza los colores,
permite ver y apreciar los detalles y resulta más atractiva a los ojos del espectador.
(Renderizado por TABARQ)

"Pero, ¿cómo sé cuál es la exposición ideal que debo utilizar en mis

renders?".
Ahora que conoces la importancia de hacer un render con la exposición correcta, puede que te
estés haciendo la pregunta anterior. Y lo mejor de todo es utilizar muchas referencias. Cuando
hagas un render, fíjate en muchos fotografía arquitectónica y también renders de calidad.
Compara tus renders con esas imágenes y ajusta la exposición según esas referencias. Es la
mejor manera de entrenar el ojo y saber cuál es la exposición ideal. Pero, por supuesto,
también hay algunos trucos y técnicas geniales que puedes utilizar para aumentar, y mucho,
tus posibilidades de conseguir una buena exposición en tus imágenes.

Exposición automática en V-Ray

La cámara de V-Ray, en las nuevas versiones, tiene una opción de exposición automática muy
interesante. No te dará necesariamente la exposición "perfecta" de la imagen, pero utilizarla
como punto de partida te agilizará el trabajo a la hora de ajustarla. Mi consejo es que lo utilices
de la siguiente manera.
 1. Coloca las luces principales de tu escena
2. Ir a la pestaña "Cámara
3. Active la opción "Auto" junto a "Valor de exposición (EV)".
4. Haz un render (sólo para activar la opción) y vuelve a la pestaña "Cámara".
5. Haz clic en el icono 🔄 situado a la derecha de "Valores automáticos".
6. Haga clic en el icono ✔

Haciendo estos dos últimos pasos, identificaste la exposición que V-Ray calculó como ideal
para tu escena, y luego transferiste esos valores a la opción "Exposure Value". De esta forma,
puedes utilizar la "exposición ideal" mostrada por V-Ray como punto de partida, y evitar que
recalcule la exposición cada vez que cambies la luz.

Force Color Clamping & Highlight Burn

Dentro del V-Ray Frame Buffer hay dos herramientas muy interesantes que te ayudarán a
ajustar la exposición de tus escenas. La primera es la "Fuerza de sujeción del color". Su icono
es el segundo de izquierda a derecha, que se encuentra en la barra inferior del Frame Buffer.
Cuando hagas clic en él para desactivarlo, V-Ray te mostrará las áreas de tu escena que
están reventando, por ejemplo.

Haga clic en el segundo icono, de izquierda a derecha, para desactivar la opción "Forzar
sujeción del color".
Estos colores "diferentes" que aparecen en la imagen (como el rojo en el obturador y el verde
en la madera) identifican zonas de la imagen que están "sopladas" y han empezado a perder
detalle.

Para solucionarlo, puedes utilizar la segunda herramienta del Tampón de fotogramas de la

que hablaremos en este tema: la pestaña "Exposición". Ahí puedes controlar la exposición y el
contraste. Además, tirando del regulador de la opción "Quemar resalte" hacia la izquierda,
puedes reducir las ráfagas en la imagen.

Para acceder a la pestaña "Exposición", vaya primero a la esquina inferior derecha de la

memoria intermedia del fotograma y seleccione la opción "Mostrar control de correcciones".
Al reducir el valor en "Quemado de altas luces", reducimos la intensidad de las zonas
brillantes y, en consecuencia, eliminamos las ráfagas.

Herramienta Niveles de Photoshop:

Yendo a PS, hay otro truco genial para que compruebes si la exposición de tu render está bien
o no, y la corrijas, cuando sea necesario. Para ello, utilizaremos la herramienta "Niveles" de
Photoshop, y el paso a paso es éste:

1. Abra su render en Photoshop como objeto inteligente

2. Vaya a la pestaña "Configuración" del panel derecho de la pantalla y elija la opción
"Niveles".
3. Seleccione la capa "Niveles" y vaya a sus propiedades
4. En el gráfico, comprueba que el deslizador derecho toca el gráfico
5. Si no es así, arrástrelo hasta que toque
Arrastre el control deslizante hasta que toque el borde del gráfico.

Cuando el control deslizante derecho no toca el borde del gráfico, significa que incluso las
zonas más claras de la imagen son demasiado oscuras. Haciendo este cambio, podemos
ajustar de forma sencilla y rápida la exposición de una imagen.

¿Qué te ha parecido entender un poco mejor cómo la exposición de tu render puede influir
directamente en la calidad y el impacto que tendrá? 😁
¡Salud!
Pilar 02: Contraste
Siguiendo con los tres pilares básicos para crear una buena imagen, hoy hablaremos del pilar
02: ¡el contraste! De forma simplificada, el contraste es la diferencia entre varias zonas de una
imagen, y el contraste de luces y sombras será la diferencia entre la cantidad de "brillo" de las
zonas de luces y sombras. De forma similar a la exposición, un contraste por encima o por
debajo de lo deseado puede comprometer los detalles de la imagen, así como nuestra
percepción del volumen/profundidad en relación con ella. La consecuencia de esto, al final, es
bastante grande. Mientras que un render con un contraste desequilibrado resultará aburrido o
"extraño" a nuestros ojos, una imagen con un buen contraste tendrá un nivel de impacto
mucho mayor.
En una imagen con poco contraste (lo que comúnmente llamamos una imagen "lavada"), la
sensación de volumen y profundidad se ve comprometida, lo que reduce el grado de impacto
del renderizado.

En las imágenes con un contraste exagerado, es habitual ver zonas borrosas y también zonas
que llamamos "negro absoluto". En ambos casos, se pierden detalles de la imagen y los
colores también quedan muy saturados.
Cuando el contraste está bien equilibrado, los detalles no se pierden y podemos percibir el
volumen y la profundidad a través de una diferencia equilibrada entre las sombras y las luces.
El resultado es un render más atractivo e impactante (Render de Katrin Solyanik)
"Vale, pero ¿cómo conseguir el contraste adecuado?".
A estas alturas del campeonato, ya ni siquiera necesito hablar de referencias, ¿verdad? lolrs'
Además de ellos, conviene recordar que el nivel de contraste ideal también depende del tipo
de sensación que quieras transmitir. Aunque un contraste más alto puede ser más impactante
en algunos casos, un contraste ligeramente más bajo puede aportar una sensación de
tranquilidad. Una vez más, aquí las referencias lo son todo. Una vez reforzado este punto,
existen algunas técnicas/herramientas estupendas que te ayudarán a mejorar el contraste de
tus imágenes:

Curvas en el Frame Buffer y Curvas en Photoshop

Una de mis herramientas favoritas para mejorar el contraste es la herramienta de curvas, que
se puede encontrar tanto en Photoshop como en el Frame Buffer de V-Ray (también conocido
como VFB). ¿Cómo funciona? Para acceder a las curvas dentro del Frame Buffer, hay que ir a
la esquina inferior izquierda del mismo, y seleccionar la opción "Mostrar Control de
Correcciones", que es la primera opción de izquierda a derecha. Después, ve a la ventana que
se abrirá a la derecha del VFB y despliega la pestaña "Curvas".

En el gráfico encontrará dos controladores (dos cuadraditos, uno en cada extremo). El

regulador situado en la esquina superior derecha controla las zonas resaltadas. Al
seleccionarla, aparecerá una esfera blanca. Si arrastras esta esfera blanca hacia arriba, las
luces se harán más claras, y si la arrastras hacia abajo, más oscuras. Y arrastrando hacia
delante afectará a los tonos medios. En el controlador inferior, influiremos en el
comportamiento de las sombras. Si arrastras su esfera hacia arriba, las sombras se harán más
claras, y viceversa. Fíjate en el "antes y el después" al utilizar curvas para resaltar los
contrastes de una escena.
La herramienta de curvas es una de las que utilizo en el 100% de las imágenes que hago. La
mejora de los contrastes aumenta considerablemente el impacto final del renderizado. Un
consejo extra es utilizarlo con la opción "Forzar sujeción de color" (de la que hablamos la clase
pasada), para identificar posibles desenfoques. Procura que las sombras no sean demasiado
oscuras.

Mientras que el controlador superior controla las luces, el inferior controla las sombras.

👉 Clase "Herramienta Curvas en Photoshop

Niveles de herramientas
Otra gran herramienta que te ayudará a conseguir el contraste ideal es la herramienta Niveles.
Al igual que las curvas, los niveles también se pueden controlar tanto en el Frame Buffer de V-
Ray como en Photoshop, pero personalmente encuentro el control de Photoshop mejor y más
preciso para lo que queremos. Pero, ¿cuál es la idea aquí? También puedes utilizar los niveles
para realzar los contrastes, pero esto no es el truco del día. El consejo es que utilices los
niveles para asegurarte de que tu imagen no tiene zonas de altas luces o zonas que están
exageradas.
¿Cómo hacerlo?

1. Abra su imagen en Photoshop

2. Ve a la pestaña "Configuración" y haz clic en "Niveles".
3. En las propiedades de los niveles, vaya a "Niveles de salida".
4. En lugar de 0 y 255, pon "10" y "245".
Al cambiar estos valores a 10 y 245, ha establecido que ninguna zona de la imagen será más
oscura que el gris 10, y ninguna zona será más clara que el 245. En otras palabras, se evitan
las rayas y las zonas "completamente negras".

Elemento de renderizado Raw Light

Y, por último, otra opción increíble para mejorar los contrastes de tu imagen: utiliza el
elemento Luz cruda renderizado en Photoshop, con el modo de fusión "Luz indirecta". Es una
técnica que utilizo en casi todos mis renders, y la diferencia es sensacional. Cuando se utiliza
Raw Light con el modo "Luz indirecta", resaltamos las zonas claras de la imagen y
oscurecemos las sombras. El resultado es que tenemos un contraste de luces x sombras más
impactante, aumentando el grado de impacto de toda la imagen.
¿Cómo hacerlo?

1. Antes de renderizar su imagen, active el elemento de renderizado "Raw Light".

2. Abre el render y el canal de luz Raw en Photoshop
3. Coloca la capa Raw Light encima de la capa de renderizado
4. Con la capa Raw Light seleccionada, elige el modo de fusión "Luz indirecta
5. Utilice la opacidad para controlar la intensidad del efecto (por lo general 10 y 40%
funciona bien)
La mejora que se obtiene al utilizar el canal Raw Light es bastante grande. Fíjese en la
diferencia de contraste de la vegetación. Al aplicar este contraste adicional de luces y
sombras, nuestros renders ganan aún más impacto. Pero ten cuidado de no exagerar en la
intensidad y acabar perdiendo detalles de la imagen. P.D.: comprueba también si tus
materiales que tienen refracción están con la opción Afectar Canales puesta en "Todos los
Canales", en la pestaña refracción. En el GIF de ejemplo, el material del agua no estaba
configurado, por lo que el resultado era un poco deficiente.

Aquí termina nuestra lección sobre los contrastes. 💪 Cuéntame en los comentarios: ¿cuál fue
tu consejo favorito de esta clase?

Pilar 03: Balance de blancos

En nuestra continuación sobre los tres pilares básicos necesarios para conseguir una buena
imagen, vamos a hablar más sobre el tercero y último: ¡el balance de blancos! Mucha
gente tiene dudas sobre lo que esto significa realmente, y también es habitual confundirse
con el concepto. Así que lo explicaré de la forma que para mí tiene más sentido: El balance
de blancos (también conocido como "White Balance") es una función que tenemos en
fotografía y renderizado para asegurarnos de que los tonos blancos de una foto o render son
realmente blancos, sin verse afectados de forma exagerada por otros colores.

Sencillo, ¿verdad? Pero, ¿por qué es necesario? Porque cuando iluminamos una habitación,
las luces que utilizamos tienen una temperatura y, por tanto, un color. Y este color puede
acabar influyendo en todos los demás colores de la imagen de forma no deseada. Al utilizar
la herramienta Balance de blancos para corregir el balance de blancos, conseguimos que
todos los colores de nuestro renderizado sean más agradables y naturales, lo que suele
suponer una gran diferencia en el aspecto de una imagen a los ojos del espectador.

¿Qué influencia del color identifica más en esta imagen? Si pensabas en tonos amarillentos,
estás en lo cierto. Fíjate cómo la luz aquí hizo que toda la escena fuera más amarillenta. Las
paredes y las puertas de los armarios, por ejemplo, que serían blancas, acabaron recibiendo
esta fuerte influencia del amarillo y el rojo.

Aquí lo que ocurre es lo contrario. Las luces y las sombras están en tonos más fríos, y los
tonos azulados han influido mucho en los colores de la imagen, haciéndola menos natural.
Observa cómo la diferencia, al principio, puede parecer sutil si nuestros ojos aún no están
bien entrenados. Sin embargo, observando este tercer render, vemos claramente que parece
mucho más natural que los dos anteriores. Esa es la diferencia que marca tener un buen
balance de blancos en nuestros renders, tenlo siempre en cuenta. (Render de Sasha Holim)

"¡¿Genial, eh?! Pero, ¿cómo ajusto el balance de blancos?".

Usted ha oído la palabra de referencias, ¿verdad?! lolrs ' Bromas aparte, me
verás/escucharás/leerás hablar cientos de veces sobre la importancia de utilizar buenos
árbitros. La razón es sencilla: es esencial que entrenes la vista y empieces a "interiorizar"
las características que hacen que un render sea bueno. Así que, para empezar, puedes
consultar algunas imágenes de buenos fotógrafos como Adam Letch y Derek Swalwell.
Dicho esto, te mostraré algunos recursos interesantes que puedes utilizar para calibrar
el balance de blancos de tus renders. ¿Vamos a hacerlo?
Balance de blancos automático
De la misma manera que vimos en la lección sobre la exposición, las nuevas versiones de
V-Ray también tienen una función muy chula que calcula automáticamente lo que
considera que es el balance de blancos ideal, según las características de tu escena. Y mi
consejo para un flujo de trabajo con esta herramienta es el siguiente

1. Coloca las luces principales de la escena, con sus respectivas

temperaturas/intensidades
2. Ir a la pestaña "Cámara
3. Active la opción "Auto" junto a "Balance de blancos".
4. Haz un render (sólo para activar la opción) y vuelve a la pestaña "Cámara".
5. Haz clic en el icono 🔄 situado a la derecha de "Valores automáticos".
6. Haga clic en el icono ✔

Haciendo estos dos últimos pasos, identificaste el balance de blancos que V-Ray calculó
como ideal para tu escena, y luego transferiste el color utilizado, a la opción "Balance de
Blancos". De esta forma, puedes al mismo tiempo, usar como punto de partida el "balance
de blancos ideal" mostrado por V-Ray, pero evitar que lo recalcule indeseadamente cada
vez que cambias la luz.

Balance de blancos en el Frame Buffer

Otra excelente característica presente en V-Ray, que nos ayuda a ajustar el balance de
blancos en nuestros renders, es la pestaña "White Balance", que se encuentra en la pestaña
"Corrections Control" del Frame Buffer. La forma de utilizarlo es extremadamente sencilla:
si crees que tu escena está recibiendo una influencia muy fuerte de tonos cálidos, como el
rojo y el amarillo, reduce el valor de esta opción o simplemente tira de su "barra" hacia el
lado izquierdo. Ahora, si la imagen es demasiado fría, es decir, con una fuerte influencia de
tonos como el azul y el verde, entonces haz lo contrario, tirando gradualmente del regulador
hacia el lado derecho, o aumentando los valores de la opción Balance de blancos. Echa un
vistazo:
Si tu imagen está muy influenciada por los tonos cálidos, tira del regulador de temperatura
hacia la izquierda, y viceversa.
Selector de color en Photoshop
Alejándonos de V-Ray, Photoshop también tiene varias funciones geniales que pueden
ayudarte mucho, tanto para comprobar si el balance de blancos de tu imagen es bueno,
como para ajustarlo. En PS, lo primero que puedes hacer es utilizar el "selector de color".
Con esta herramienta, basta con hacer clic en una zona de la imagen que debería ser blanca
y comprobar de qué color es en realidad. Si el color que aparece en el selector de color está
en una zona que casi toca el lado izquierdo de la ventana, es una buena señal, significa que
los blancos de tu imagen han sido poco influenciados por los tonos de color. Ahora, si el
selector comienza a alejarse del lado izquierdo, esto podría mostrar que tu render necesita
algunos ajustes de balance de blancos, echa un vistazo.

Al utilizar el selector y seleccionar un área de la imagen que debería ser blanca, vemos en
el selector que se encuentra a la izquierda de la ventana, mostrando una fuerte influencia de
otro color, en este caso el azul. Será necesario ajustar el balance de blancos para eliminar
esta fuerte influencia de los tonos azules en la escena.
Con el balance de blancos corregido, notaremos que cuando seleccionemos una zona de la
imagen que deba ser blanca y abramos el selector de color, nuestro selector quedará
prácticamente apoyado en el lado izquierdo de la ventana, mostrando que nuestra imagen
no tiene excesiva influencia de ningún color.

Balance de blancos en el filtro Camera Raw

Además del selector de color, que te ayudará a hacer un "diagnóstico" del balance de
blancos, PS también tiene herramientas que te ayudarán a corregirlo, como la función
"Balance de blancos", que está dentro del filtro Camera Raw. Para encontrarlo, sólo tienes
que seguir los pasos que se indican a continuación:

1. Abra su render en Photoshop como objeto inteligente

2. Ir al menú de filtros
 3. Seleccione la opción "Filtro Camera Raw
4. Haga clic en la opción "Básico
5. Bien, el primer elemento que aparece es "Balance de blancos".

Puede utilizar esta opción al menos de tres formas distintas:

A) Utilizando el modo automático: junto a "Balance de blancos", puede elegir una de las
tres opciones disponibles. Si eliges la opción "Auto", el filtro Camera Raw calculará
automáticamente el balance de blancos que considera ideal para tu render, en función de
sus características. Puedes editarlo más tarde si crees que aún necesita más ajustes.

A menudo, el resultado del balance de blancos automático no será "100%", pero puedes
utilizarlo para los ajustes más "crudos", y hacer pequeños cambios a partir de él.
B) Uso del selector de balance de blancos: ¿te has fijado que junto al "automático" que
hemos elegido, también hay un selector? ¿Cómo funcionará? Haga clic en el selector y, a
continuación, haga clic en un área de su renderizado que deba ser blanca. Al hacer esto,
estás mostrando a Photoshop qué áreas de la imagen deben ser blancas, y hará los ajustes de
color en tu render basado en eso.

Cuando utilizamos el selector de balance de blancos y seleccionamos el armario o la pared,

que deberían ser blancos, Photoshop realiza los ajustes de color necesarios para que estas
zonas se vuelvan blancas, corrigiendo los colores de la imagen. Pero no intentes seleccionar
zonas como la ventana, porque no podrá hacer ese cálculo a partir de zonas
extremadamente luminosas.

C) Ajuste manual: por último, también puede realizar estos ajustes manualmente. Sólo
tienes que elegir el modo "Personalizado" en el menú "Balance de blancos" y arrastrar los
reguladores de las opciones "Temperatura" y "Color", a izquierda y derecha, según la
imagen sobre la que estés trabajando y el resultado que quieras conseguir.
Equilibrio de color en Photoshop
Y para cerrar los consejos de herramientas que puedes utilizar para corregir el balance de
blancos de tus renders, vamos a hablar del lecho de ajuste "Balance de color". Erika lo
explicó de forma más detallada en esta clase. Para utilizarlo para mejorar el balance de
color en tu escena, lo que harás es muy sencillo:

1. Identifica las zonas de tu imagen más afectadas por otro color

2. Añada la capa de ajuste "Equilibrio de color
3. En la opción "Tono", elija las zonas que desee modificar (Sombras, Medios tonos o
Luces).
4. Identifica cuál de los tres selectores contiene el color que crees que influye
demasiado
5. Arrastre el control deslizante hacia el color opuesto al que influye demasiado

¿No está seguro de haberlo entendido al 100%? Pongamos un ejemplo: supongamos que, en
mi render, creo que las sombras son exageradamente azules. ¿Cómo puedo solucionarlo?

 Paso 01: añadir la capa de balance de color

 Paso 02: seleccione la opción "sombras" (porque son las que se ven afectadas en
este caso)
 Paso 03: vaya al selector que contiene el color "Azul
 Paso 04: tira de la barra hacia el lado opuesto del azul, yendo hacia el "Amarillo".
Si afecta a más de un grupo de zonas -sombras, altas luces o medios tonos- de la imagen, no
te preocupes: puedes realizar los cambios de uno en uno. Cambia las altas luces, luego los
medios tonos, y así sucesivamente. Además, ten siempre en cuenta que para añadir el
exceso de influencia de un color, añádele el color opuesto.

Conocer las normas para saber cuándo y cómo

infringirlas
Los colores y la temperatura de una imagen influyen directamente en nuestras sensaciones
sobre lo que estamos viendo. Dicho esto, los seres humanos tendemos a asociar los colores
más cálidos, como el rojo y el amarillo, con la alegría y la energía. Los tonos más fríos, en
cambio, tendemos a asociarlos con la soledad e incluso la melancolía. Cuando aprendas a
realizar ajustes de color en tu imagen, recuerda que las reglas están ahí para servir de
referencia, pero al mismo tiempo, eso no significa que no puedan romperse. Al contrario,
pueden y deben hacerlo. Pero los que "se saltan las normas" sin conocerlas al menos, suelen
dar patadas al azar. Ahora bien, quienes conocen las normas y entienden cómo funcionan,
sabrán cuándo y cómo pueden saltárselas, en función del objetivo que tengan en mente. En
cualquier caso, usando las reglas o rompiéndolas, entender estos conceptos es algo esencial
para que puedas crear renders cada vez más impactantes 💪.

Técnicas de composición: encuadre

Dime, ¿te están gustando las clases del módulo de fotografía hasta ahora? Espero que sí,
porque ya hemos hablado de muchas cosas interesantes, como el uso de la luz, el concepto
de las lentes e incluso efectos impactantes como la profundidad de campo y el desenfoque de
movimiento. Pero la cosa no acaba ahí, porque ahora hemos llegado a una fase del módulo
que me parece súper chula: el momento de hablar de las principales técnicas de composición
- ¡técnicas que te ayudarán, y mucho, a componer tus renders y hacerlos aún más
impresionantes! ¡Hagámoslo!

Qué es el enmarcado
Y la primera técnica que he separado para que hablemos en la clase de hoy, es una técnica
llamada Encuadre, o simplemente encuadre natural.

¿Cómo funciona? Ya fotografiemos a una persona, un entorno o un edificio, podemos utilizar

elementos del propio entorno para crear una especie de marco alrededor del sujeto principal.
Utilizar elementos como puertas, pilares, árboles, o cualquier otro que pueda "rodear" al
elemento principal de la escena, ayudará a prestarle aún más atención, ya que nuestros ojos
tenderán a fijarse en lo que hay dentro de ese marco creado. Como dice el fotógrafo Laurie
Excell en su libro "Composition - from Simple Pictures to Great Images", "encuadrar tus
escenas mediante la técnica de los marcos naturales (o "encuadre") puede ser una forma muy
eficaz de utilizar otros elementos de la composición para resaltar el sujeto".
Esta foto de la Basílica de San Mar, situada en Venecia, es un excelente ejemplo de la técnica
del encuadre. Al utilizar esta entrada como marco del edificio, el fotógrafo hace que queramos
mirar lo que hay dentro del marco, que en este caso es la basílica, el tema principal de la foto.
Otro punto positivo de esta técnica, es que a menudo ayuda a "añadir" profundidad a la
imagen debido a esta clara diferencia entre los planos - encuadre en primer plano, y sujeto en
segundo plano, como en el ejemplo. (Autor de la imagen desconocido)
En este otro ejemplo, se utilizó un elemento de la naturaleza para crear el encuadre. Esta vez,
en lugar de utilizar estructuras robustas, el árbol del primer plano sirvió muy bien de marco
para el edificio, que es el tema principal de la fotografía. Se trata de una técnica muy utilizada
en fotografía de arquitectura y archviz, precisamente porque nos ayuda a dirigir la mirada del
espectador hacia el proyecto de una forma muy eficaz, aumentando el impacto de la
composición. Nótese también que, debido a la forma en que se utilizó la luz, el árbol en primer
plano se colocó a contraluz, permitiéndonos ver sólo su silueta, lo que hace que la
composición sea aún más agradable, porque el árbol "tira" menos de nuestra atención, de lo
que ocurriría si estuviera muy bien iluminado. (Foto de BNIM)
El uso de marcos naturales no se limita a las escenas de exterior. Eche un vistazo a este
ejemplo. Aquí, los arcos de entrada en la división entre cada habitación sirvieron de marco
para la imagen. Observe cómo, naturalmente, los nuestros se guían hacia lo que está en el
centro del "marco" que se ha creado mediante el encuadre. Puedes utilizarlo de varias
maneras, ¿quieres ver? Al renderizar un dormitorio, prueba a colocar la cámara detrás de la
puerta para utilizarla como marco para la cama y el resto de la habitación. (Render de Jakub
Cech)
¡Mira qué chulo! Aunque el lado izquierdo tiene elementos como los jarrones, nuestro ojo se
dirige directamente a lo que hay dentro del marco. Aquí, el marco lo ha creado la propia
mampostería, y nuestros ojos se dirigen hacia este singular salón de diseño más rústico.
Gracias al marco, los elementos del interior adquieren aún más protagonismo en la imagen
(Render de Scorpios Mykornos)
Uy, ¿también vale más de un fotograma? Aquí, en este ejemplo, todos los vanos entre los
pilares acaban teniendo este papel, pero tanto el posicionamiento como el corte que se
produce en los vanos izquierdo y derecho, hacen que nuestro cerebro vea el vano central
como el principal. Y el marco generado por ella, llama nuestra mirada hacia la zona de la isla y
el colgante, dando mayor protagonismo a esa región del cuadro, que por composición, es la
principal del render (Render de Terzo Piano)

¿Ves cómo el encuadre es una característica más que puedes utilizar en tus imágenes, para
mejorar los proyectos y crear composiciones más agradables, impactantes y llamativas? Ya
sea en escenas externas, internas, o incluso en detalles, puedes utilizar el Encuadre de forma
creativa, buscando elementos en el entorno que puedan enmarcar el sujeto principal, para
resaltarlo aún más en tus renders. 👊

¿Le ha gustado? Luego haz un render chulo utilizando esta técnica y compártelo aquí con
nosotros en los comentarios de esta clase, ¿cerrado? 💪

Técnicas de composición: regla de los tercios

Al llegar hasta aquí, ya te habrás dado cuenta de que mucho de lo que hablamos en el
módulo de fotografía tiene que ver con la comprensión del funcionamiento de la mente
humana. Lo que llama nuestra atención, lo que guía nuestros ojos... Es esencial entenderlo
para dejar de crear imágenes simples y empezar a crear renders realmente impactantes. Y es
precisamente con este objetivo que, en la clase de hoy, conoceremos una técnica de
composición más: ¡la Regla de los Tercios!

Qué es la regla de los tercios

Mientras que en el mundo del archviz es habitual ver a principiantes que aún no tienen ni
idea de lo que es la regla de los tercios y de su importancia, en el universo de la fotografía y
el cine, se trata de una técnica extremadamente básica, utilizada muy a menudo en las
composiciones que vemos en las fotos y también en los encuadres de series y películas del
entorno.

VALE, VALE... Pero, ¿qué es en realidad la regla de los tercios? ¿Cómo funciona
exactamente? Con el paso del tiempo, muchos artistas, tanto de fotografía como de otras
artes visuales, empezaron a comprender cómo mira el ser humano la imagen, en qué zonas
de la misma tendemos a fijarnos primero y qué distribución/organización nos suele resultar
más atractiva y equilibrada. Con ello, creamos (o más bien, descubrimos), la tan famosa
Regla de los Tercios. Y su teoría es bastante sencilla: dividir una imagen en 9 partes
iguales, trazando sobre ella dos líneas horizontales y dos verticales. Al hacerlo, se crearán 4
puntos de intersección, como en la imagen inferior:
Estos puntos de intersección que se crean, son lo que podemos llamar "zonas prime" de una
imagen, es decir, los lugares donde solemos mirar primero, y por tanto tienen gran
importancia en una composición.

Pero, ¿cómo puede utilizar esto en su beneficio? También es muy sencillo: intenta colocar
el sujeto del render, es decir, el elemento o elementos de tu composición que tengan más
importancia, lo más cerca posible de uno de estos puntos de intersección. Si colocas un
elemento importante de la escena en una de estas zonas privilegiadas, podemos decir que
multiplicarás el impacto que tendrá tu composición, aumentando las posibilidades de que el
espectador se centre en el sujeto y pase más tiempo mirándolo, y haciendo que tus renders
sean más atractivos y agradables. Así funcionará la regla de los tercios.
Cuando observamos esta imagen, nos damos cuenta de su impacto, y también de que
nuestros ojos se dirigen rápidamente hacia el rostro del caballero sentado en la silla. Pero es
muy común que no comprendamos del todo lo que hay detrás de la forma en que nuestros
ojos se guiaron...

Al colocar sobre la imagen las líneas de la regla de los tercios, descubrimos que la regla se
utilizaba para la composición. La cara del caballero, que es uno de los elementos más
importantes de la foto, se colocó en una de las zonas nobles que hemos mencionado: el
punto de intersección de la esquina superior derecha. De este modo, nuestros ojos se
dirigían con mayor eficacia y la composición resultaba aún más impactante y equilibrada.
En la fotografía de personas, casi siempre la cara (preferiblemente los ojos) se sitúa en uno
de los tercios. (Foto de Science in HD)
En esta bella representación, ¿qué elemento crees que debería haberse colocado en uno de
los tercios?
Por la característica de profundidad de campo (desenfoque de profundidad), podemos
identificar fácilmente que los elementos situados encima de la mesa son el sujeto principal
de la escena. Por tanto, situarlos en uno de los tercios es una elección que ayudó al artista a
dejar una composición más equilibrada y vistosa. Además, la maceta del fondo, incluso
difuminada, también tiene un nivel de importancia considerable en la imagen, por lo que
colocarla en otro de los tercios también fue una buena elección. (Render de Artur Tamioła).
¿Se aplica la regla de los tercios también a las fotos de arquitectura? ¿O sólo se aplica a los
elementos más pequeños de la composición?
Por supuesto, la regla de los tercios también se aplica a la fotografía de arquitectura,
interiores e incluso paisajes. En tus renders de exteriores, puedes utilizarlo, por ejemplo,
para hacer como en la imagen superior: situar los volúmenes principales del proyecto en
uno o dos tercios, y dejar los demás para lo que llamamos "zonas de respiro". Este contraste
de información ayuda a equilibrar la composición, evitando que resulte recargada y
permitiendo que el espectador dedique más tiempo a apreciar su arte. Ten en cuenta
también que no es necesario que elijas una única técnica de composición, la mayoría de los
conceptos que trabajamos durante el módulo se complementan entre sí. Aquí, por ejemplo,
tenemos la regla de los tercios, una línea principal que sale de la esquina inferior derecha y
la temperatura de la luz como elemento que también ayuda a definir la jerarquía de la
composición. (Diseño de Clive Wilkinson Architects)
¿Cómo utilizar la regla de los tercios en el renderizado de interiores? 😯 En un entorno más
abarrotado, donde muchas cosas parecen importantes en el encuadre, puede ser difícil saber
en qué sentido utilizar la regla de los tercios.
El consejo es: coloca los elementos más interesantes e importantes en tercios. En este
ejemplo, el colgante y las mesas, que son sin duda algunos de los elementos más
importantes e interesantes de la imagen, se colocaron en tercios. La colocación de uno de
los cuadros también podría ser interesante (Diseño de Radius Design)

Cómo utilizar la regla de los tercios en SketchUp

Algunas personas utilizan lo que llamamos "marca de agua", importando una imagen como
el primer ejemplo que mostré aquí, dentro de SketchUp. Particularmente, no me gusta esta
solución, porque una característica fundamental a la hora de encuadrar es la opción "Safe
Frame" de V-Ray, que te muestra exactamente lo que aparecerá en el render. Y al menos
hasta ahora, si importas una imagen como marca de agua en SketchUp, no cambiará según
la proporción de imagen que estés usando en V-Ray. Resumen: esta técnica sólo
funcionaría si utilizas siempre la misma relación de aspecto, lo cual, sinceramente, creo que
puede acabar completamente con la creatividad y el impacto de tus renders, ya que para
diferentes proyectos y contextos, funcionarán diferentes relaciones de aspecto.

Pero entonces, ¿no se puede utilizar? Sí, claro que sí. La forma más sencilla es simplemente
visualizar (sí, incluso mentalmente) tu imagen con la división de la regla de los tercios, y
hacer tu encuadre basándote en eso. Esta es la opción más rápida, y un poco menos precisa.
Ahora, si quieres más precisión, haz lo siguiente:

1. Haz tu encuadre más o menos con lo que te ha parecido interesante

2. Tome una impresión del área que aparecerá en el render (el área entre las franjas
negras del marco seguro)
3. Abra la impresión en Photoshop
4. Introduzca la letra "C" y haga clic en la imagen

P.D.¹: para que Photoshop muestre la cuadrícula de la Regla de los Tercios al utilizar la
herramienta de recorte, asegúrese de que la opción que aparece a continuación está
activada.

P.S.²: ¿quieres hacer capturas de pantalla de forma súper sencilla y rápida? La

herramienta LightShot es un gran truco para ello.

Haciendo los pasos anteriores, Photoshop te mostrará en tu imagen exactamente la división

que tenemos en la regla de los tercios. Con esto, verás si el sujeto principal de tu render
puede desplazarse más en cualquier dirección, para situarlo en uno de los tercios. Haz los
cambios, y repite los pasos para ver si ahora queda como quieres 😁
Imprime la ventana gráfica en SketchUp. Para la impresión, seleccione exactamente el área
que está dentro de las bandas negras del marco seguro, que es exactamente lo que aparecerá
en el render.
Imprime en Photoshop, con la cuadrícula (líneas superpuestas en la imagen) de la regla de
los tercios sobre la imagen. Utilizando la cuadrícula, podemos identificar si los elementos
de nuestra composición están colocados correctamente, de acuerdo con lo que queremos, al
utilizar la regla de los tercios.

Resultado de la composición.
Tomando la prueba: al trazar esta imagen ilustrativa sobre el render, podemos ver
fácilmente que el jarrón de flores, el sujeto principal de la composición, fue posicionado
exactamente en los tercios laterales izquierdos, mientras que en los tercios laterales
derechos tenemos sólo las áreas borrosas, para traer más equilibrio a la imagen. (Render de
la clase "Profundidad de Campo", en el módulo "V-Ray Full Domain")

Recuerda: técnicas como la regla de los tercios son importantes para comprender los
elementos que hacen que una imagen sea atractiva y armoniosa, pero que una técnica de
composición sea interesante no significa que debas utilizarla en el 100% de tus imágenes.
Aprende los conceptos, consulta referencias, practica mucho, y prueba varias veces, para
ver qué conjunto de técnicas te ayudarán más a mejorar los proyectos que estás
renderizando, y crear renders cada vez más impactantes 💪.

¿Le ha gustado la Regla de los Tercios? Comenta aquí en clase qué te ha parecido, o
incluso si conoces alguna técnica / recurso para facilitar el uso de esta regla dentro de
SketchUp, ¡combinado?! 👊
Técnicas de composición: Espacio
negativo (zona de respiración)
Para hablar de este tema, me gusta jugar con una analogía. Piense en una persona con ropa
increíblemente llamativa, toda de colores, un gran sombrero de copa y gafas oscuras que se
ven a kilómetros de distancia. Esta persona llamará la atención allá donde vaya, ¿verdad? La
respuesta más intuitiva también sería un rápido "seguro", pero depende. De hecho, si va de
camino al trabajo un día cualquiera, esta persona llamará mucho la atención. Pero al mismo
tiempo, si están en una fiesta de disfraces, donde todos los demás van vestidos igual o más
llamativos, esa misma persona no llamará tanto la atención. ¿Está de acuerdo?

¿Y qué sentido tiene eso? Para que un elemento destaque, esté donde esté, tiene que estar
junto a otros elementos que no tengan el mismo protagonismo. Así, si se intenta encuadrar al
mismo tiempo en el sujeto de una foto varios objetos que por sí solos llamarían nuestra
atención, juntos ya no se produce el mismo efecto.

Entonces, el punto es: si todos "se destacan" en una imagen, la verdad es que nadie se
destaca y la imagen tiene grandes chances de ser confusa y poco atractiva a los ojos del
espectador, ya que allí hay un exceso de información que crea una dificultad en la lectura de
la imagen para identificar cuál o cuáles serían los elementos principales.

Y si hay algo importante en una composición (y que mucha gente no presta atención) a la hora
de hacer la imagen menos confusa, más armónica y con más realce al elemento principal, ese
algo es lo que llamamos en fotografía y también en render, el Espacio Negativo (o Áreas de
Respiración).

Qué son los espacios negativos

Para empezar a hablar de los espacios negativos, primero es importante entender
los Espacios Positivos: de forma simplificada, espacio positivo es toda área de la escena
llena de una cantidad significativa de información, ya sea esta información el sujeto principal
de la escena, líneas, texturas... En definitiva, toda la información "heterogénea" que aparece
en el marco.

Los espacios negativos (también conocidos como "áreas de respiración"), en cambio, son las
zonas de la imagen con menor cantidad de información. Son los espacios más neutros,
formados por zonas más homogéneas que aparecen en una foto o render. Los espacios
negativos ayudan a "perfilar" y resaltar el tema principal de la imagen, facilitando que nuestros
ojos lo encuentren, y también, ayudando a que la composición sea equilibrada y armoniosa en
cuanto a "cantidad de información", lo que permite que el espectador dedique más tiempo a
apreciarla.
En esta imagen, el espacio positivo está compuesto por el edificio y todo lo que forma parte de
él: las líneas, los marcos, las luces... -mientras que el espacio negativo está formado por el
cielo. Muchas veces, cuando estamos haciendo nuestros renders, el primer impulso es cortar
todo lo que no es el proyecto, pero fíjate cómo este espacio negativo, o simplemente "área de
respiración" hace la imagen mucho más agradable, resaltando bellamente el edificio, y
permitiendo que nuestros ojos viajen hasta él rápidamente, y recorran los detalles que lo
componen. (Foto de Liam Martens)
Echa un vistazo a esta imagen. Casi toda ella está compuesta por espacios positivos, a
excepción de las pocas zonas de cielo que aparecen. El resultado es que todo en el encuadre
compite por la atención, creando una imagen más caótica con una composición menos
atractiva.
En el mismo lugar, al encuadrar más el cielo, y en este caso también el suelo (la textura sin
grandes variaciones da como resultado una zona relativamente homogénea, que podemos
considerar como espacio negativo), fíjate cómo los contornos del proyecto e incluso los
árboles quedan mucho más resaltados y valorados. (Foto de Manuel Sá).
¿Cómo funciona esto con las imágenes interiores? La clave aquí suele ser no cortar
demasiado cerca (por ejemplo, cortar la imagen en la zona del techo) del suelo y el techo, y
dejarles más espacio para que aparezcan como una zona de respiración. (Render de Kern
Studio)
Otro consejo con respecto a las escenas interiores, es resistir la tentación de poner 1000
"bloques" para llenar toda la escena lol' En este render, por ejemplo, no sería difícil imaginar
que muchos profesionales de la archivística llenarían completamente el sofá, pondrían 3 o 4
adornos más en la mesa de centro y esparcirían algunos modelos como zapatillas y otras
cosas por el suelo. Se trata de un "impulso" que hay que controlar, tanto desde el punto de
vista del diseño -porque puede escaparse del estilo de pensamiento- como fotográfico, porque
puede "matar" las zonas de respiración y hacer que la imagen resulte más confusa. Lo
contrario, sin embargo, puede dar lugar a una composición más elegante y armoniosa.
(Diseño de Studio VAE)
En otra bella imagen exterior, de nuevo podemos ver cómo el cielo actuaba de respiro y
ayudaba a resaltar y delinear los contornos del proyecto. El cielo es sin duda uno de los
elementos que mejor funcionan como respiro en las imágenes exteriores (Proyecto de Fran
Silvestre Arquitectos)
Aquí, el suelo, las paredes y el fondo "reventado" funcionaron bien como espacio negativo,
permitiendo que nuestra atención recayera en la cama y en los elementos decorativos de esta
habitación. (Render de Patryk Mietky)
DOF -o Desenfoque de Profundidad- hace que las zonas más alejadas del sujeto de la imagen
sean más homogéneas, creando zonas de respiración que ayudan a resaltar mejor el
elemento principal y hacen que la composición sea más interesante. (Foto de Chris Panas)

Bueno, pero después de varios ejemplos, es posible que aún te queden algunas preguntas,
como"¿pero cómo sé cuánto espacio negativo debo dejar en la imagen?", o,"¿cómo sé qué
cortar y qué dejar en el encuadre?". En primer lugar, es importante recordar el concepto de
espacio negativo: zonas homogéneas de una foto o un render que ayudan a resaltar el
elemento principal. En otras palabras, dejar un poco de zona a los lados del proyecto que
muestre demasiado las casas vecinas, puede no aportar nada en espacio negativo e incluso
hacer la imagen más confusa, mientras que no recortar demasiado el cielo o el suelo puede
ser una buena elección, aportando grandes zonas de respiración.

Y en cuanto a la proporción, no hay ninguna regla (aparte de ver muchas referencias), pero
varios fotógrafos de renombre dicen que al menos entre el 25% y el 50% de una buena foto
tiene que ser sólo espacio negativo. Según ellos, ésta es la proporción ideal para crear
composiciones armoniosas.
En el registro de este hermoso proyecto desarrollado por la oficina SAOTA, el cielo actúa una
vez más como un área de respiración, trayendo énfasis a las formas y líneas imponentes del
proyecto, así como destacando los árboles que forman parte de él. El suelo también sirve de
respiro (Foto de Adam Letch)

Entonces, ¿practicamos con espacios negativos? Haz un render explorando este concepto, y
compártelo aquí en los comentarios de la clase, diciendo cuáles fueron los elementos que
usaste como espacio negativo 👊

Técnicas de composición: colocación

del horizonte
Cuando haces un render, ¿cómo colocas el horizonte de tu escena? Puede que no lo parezca,
pero este pequeño "detalle", que no tiene nada que ver con el detalle, marcará toda la
diferencia en la forma en que se percibirá tu imagen, en la sensación de profundidad y en la
definición de la jerarquía de los elementos de tu composición, entre otros factores. ¿Echamos
un vistazo?

¿Horizonte en el centro?
Una de las reglas más utilizadas por los fotógrafos es la del "horizonte descentrado". Lo que
dice es muy sencillo: evita siempre situar el horizonte exactamente en el centro de tu imagen.
Si la dejas ligeramente descentrada, obtendrás una composición más armoniosa y podrás
definir mejor qué zona de la imagen es más importante (si la línea del horizonte está
ligeramente por encima del centro, la parte inferior del encuadre recibirá más atención, y
viceversa).
La línea del horizonte casi nunca se sitúa exactamente en el centro. Lo ideal es colocarlo al
menos un poco por encima o por debajo del centro. Aquí tenemos un uso interesante y
habitual en la fotografía arquitectónica: al colocar la línea del horizonte por debajo del centro,
atraemos más la atención hacia el cielo. Como el cielo es un espacio negativo, en lugar de
"compartir atención" con el elemento principal, lo resalta. En los renders externos, ésta es una
de las técnicas más utilizadas porque añade valor al proyecto. (Foto de Assen Emilov)
Se pueden romper todas las reglas si con ello se mejora la composición. Y uno de los casos
más comunes en los que podemos romper las reglas y situar el horizonte en el centro o muy
cerca de él, es cuando queremos enfatizar la simetría que existe en el renderizado, como en el
ejemplo de arriba, donde el edificio y sus reflejos en el agua nos aportan esta bella simetría.
(Foto de Lloyd Williams)
Posicionar el horizonte con tercios
Otra técnica muy interesante relacionada con la colocación del horizonte, es utilizar los tercios
para posicionarlo, según lo que más queramos valorar en la imagen. ¿Cómo funciona? Si
colocas la línea del horizonte en el tercio superior, al mismo tiempo aumentas la sensación
de profundidad que tiene la imagen, aportas más importancia a los elementos del primer plano
y a la parte inferior de la imagen. Cuando hacemos lo contrario y situamos la línea del
horizonte en el tercio inferior, mostramos que el cielo y todo lo que hay en la parte superior de
la composición son los elementos más importantes. Hacer esto también puede ayudar a dar la
impresión de que el sujeto del render está más aislado.

El horizonte se situó en el tercio superior.

El resultado es que la percepción de la profundidad ha aumentado, y las zonas de los dos
tercios inferiores han recibido más énfasis en la composición, lo que probablemente era
precisamente el objetivo del fotógrafo: que nos fijemos primero en el bote en primer plano, que
es el sujeto principal, y él nos guíe por el resto de la imagen. (Foto de Pixpa)

La línea del horizonte se situó en el tercio inferior.

¡Vuelve a ver este proyecto aquí! 😁 Esta vez, con la línea del horizonte situada en el tercio
inferior, damos más énfasis a la parte superior de la composición, que es precisamente donde
se sitúan la mayoría de los volúmenes del proyecto.
Fíjate en lo creativos que podemos llegar a ser, comprendiendo cómo influye la posición del
horizonte en nuestra forma de ver una imagen. Aquí, la línea del horizonte está en el tercio
superior, lo que sugiere más importancia al elemento en primer plano, ¿no? No
necesariamente. En esta imagen, la composición hace que miremos primero al fondo, pero las
líneas que parten de él, del camino que existe en la escena, guían nuestros ojos hacia el
proyecto. Este es un uso excelente para imágenes arquitectónicas (Renderizado por MIR)
La línea del horizonte, situada en el tercio inferior, dirigía de nuevo gran parte de la atención al
cielo, que a su vez servía de espacio negativo y resaltaba el diseño. (Diseño de Spado
Architects)

¿Ves cómo la posición de la línea del horizonte puede influir en la composición?

Comprendiendo estos conceptos podrás crear diferentes composiciones impactantes de un
mismo proyecto. Así que, ¿qué tal si haces dos renders del proyecto en el que estás
trabajando -uno con el horizonte en el tercio inferior y otro en el tercio superior-, y lo compartes
conmigo aquí en los comentarios? 👊

Elección de la relación de aspecto de la

imagen
A la hora de decidir el encuadre de un render en V-Ray, ¿qué proporción utilizas? Mucha
gente simplemente lo deja por defecto, otros utilizan la opción "Match Viewport" (que utiliza la
misma proporción que el viewport), y aún queda el grupo que elige una proporción específica
pero la utiliza en todos los proyectos. Resulta que la proporción y también la orientación de la
imagen pueden marcar la diferencia en la composición, y pueden realzar más o menos el
proyecto según sus características, e incluso repercutir en el engagement que tendrá tu
publicación en las redes sociales. 😮 ¿Tienes curiosidad por saber un poco más? ¡Pues ve allí!
Orientación vertical u horizontal
Una de las grandes cuestiones puede ser la de dejar el encuadre horizontal o vertical, y el
impacto que esto puede tener. Lo cierto es que cada orientación puede funcionar mejor en
función de las características de la escena, es decir, la idea aquí es buscar la orientación que
dé más "el pego", que encaje mejor con el proyecto. Pero como sé que puede ponerse
abstracto, para decidir entre horizontal y vertical, mi consejo es que te hagas tres preguntas
para decidir qué orientación usar, que son estas de aquí:

 Pregunta 01: ¿El proyecto en el que estoy trabajando es vertical u horizontal?

 Pregunta 02: ¿qué orientación se adapta mejor al proyecto, sin captar zonas no
deseadas?
 Pregunta 03: ¿qué orientación permite la mejor relación "Sujeto vs Área
Respiratoria"?

Vamos a probarlo:

01) el proyecto es horizontal; 02) tanto la relación de aspecto vertical como la horizontal nos
permitieron encuadrar bien el proyecto sin encuadrar en exceso el entorno; 03) mientras que
la orientación vertical podría dar lugar a excesivas zonas de ventilación -tanto cielo como
suelo-, la relación de aspecto vertical dejaba un 30-40% de la imagen como zona de
ventilación, lo que es una relación muy buena. Resultado: el encuadre horizontal da más
"juego" con el tema del render, que es el proyecto. (Render de TABARQ)
1) el proyecto es vertical; 2) la orientación horizontal no permite evidenciar la gran altura del
techo de la sala, y si lo intentáramos, acabaría mostrando demasiado las zonas laterales, que
no son el centro de la imagen; 3) la orientación vertical permite explorar las paredes y el techo
como zona negativa; Resultado: la orientación vertical parecía la opción más natural para
este caso. (Render de Vladimir Naumov)
Vale la pena recordar que esta no es una regla absoluta; habrá casos en los que aunque el
proyecto sea horizontal, querremos mucha más área de respiración, y por lo tanto una
proporción vertical será interesante; al mismo tiempo, habrá casos en los que a propósito
queramos mostrar más del entorno del proyecto, para explorar su inserción en el contexto, y
en este caso incluso en proyectos verticales una orientación horizontal o incluso cuadrada
puede funcionar muy bien. Dicho esto, las tres preguntas anteriores son sin duda una buena
guía para saber lo que debería funcionar en la mayoría de los casos. Para saber dónde
romper estas reglas, ya lo sabes, es esencial ver muchas referenciaspara saber dónde y cómo
romperlos.

Aquí quizá lo más intuitivo habría sido un encuadre vertical, pero el autor de la imagen decidió
mostrar más el contexto del proyecto, y por ello decidió utilizar una orientación horizontal.
(Render de Angelo Ferreti)

Ratios más comunes

Las relaciones de aspecto de imagen más comunes son precisamente las que encontrarás en
los preajustes de V-Ray: 16:9; 1:1; 4:3; 5:4; y 4:5. Recuerda que estos números representan la
relación entre el lado alto y el lado ancho. Es decir: 1:1 significa que el lado ancho (número del
lado izquierdo) es igual al lado alto (número del lado derecho).
16:9 - Pantalla panorámica: aquí la anchura es casi el doble que la altura, lo que hace que la
imagen sea muy horizontal. Es ideal, por ejemplo, para mostrar grandes paisajes. Este
formato es excelente para ser visto en los televisores

Renderizado por Motiv Studio

1:1 - Cuadrado: aquella proporción muy cuadrada, en la que la anchura y la altura tienen el
mismo tamaño. Puede funcionar bien si el proyecto no es demasiado vertical u horizontal, o
incluso cuando no tiene una forma definida. Suele ser genial para las redes sociales.
Renderizado por Martin Schropp

4:3 - Imagen: una de las opciones más utilizadas en fotografía, es más ancha que alta, lo que
da lugar a un formato horizontal. Una de las ventajas es que no es excesivamente horizontal
como el 16:9. Suele ser muy buena para captar ambientes interiores un poco más grandes
con alturas de techo estándar.
Renderizado por Vblackrender

5:4 - Paisaje: un término medio entre los dos formatos anteriores. Puede estar bien si no
quieres una imagen muy horizontal, pero aún así quieres establecer una jerarquía más clara,
dejando un lado ligeramente más grande.
Renderizado por Ntoo Studio

4:5 - Retrato: aquí lo que ocurre es exactamente lo contrario que en el anterior. Es el único de
los preajustes que tiene un formato vertical. Muy adecuado para proyectos verticales como
edificios o entornos interiores con techos altos, o cuando simplemente no es necesario
mostrar un entorno por completo.
Renderizado por Artur Tamiola

Aunque éstas son las opciones por defecto, puedes utilizar la opción "personalizada" para
utilizar diferentes relaciones de aspecto si te interesa para el proyecto en el que estás
trabajando. En el ejemplo siguiente, de un edificio muy vertical, la relación de aspecto elegida
era aún más vertical que Retrato.
Renderizado por Assembly Studios

Qué formatos utilizar en las redes sociales

Cuando se trata de Facebook, es importante entender primero que las publicaciones en tu
propio feed pueden tener un aspecto diferente a las publicaciones en tu página o hechas en
un grupo. En general, cualquiera de los formatos estándar de V-Ray debería funcionar bien
para cualquier post. La excepción es que a los formatos verticales se les puede dar "bandas
laterales" para hacerlos cuadrados para las publicaciones en tu perfil personal. Aparte de eso,
todos los formatos funcionarán bien tanto en la página como en el grupo. En Instagram, los
formatos por defecto que acepta la plataforma son Cuadrado (1:1), Paisaje (19:6) y Retrato
(4:5), por lo que imágenes con formatos distintos a estos pueden no tener el mismo impacto.
Consejo extra 01: normalmente estas plataformas valoran más las imágenes cuadradas, por
lo que es posible que enganchen más que otras.

Consejo extra 02: Tanto en las publicaciones de Instagram como en los grupos de Facebook,
es habitual que las imágenes en formato vertical reciban más engagement que todas las
demás, incluso las cuadradas. Y la razón es sencilla: como los feeds de estas redes sociales
tienen un espacio horizontal limitado, cuando se publica una imagen horizontal, se reduce
para que quepa, y acaba pareciendo más pequeña. En el formato Retrato, que es vertical,
ocurre lo contrario: la imagen aparecerá en el mismo ancho que las cuadradas, pero con aún
más área en el lado vertical. En resumen: las imágenes de retrato aparecen "más grandes" en
nuestro feed en estas plataformas, y suelen llamar más la atención por ello.

Esta foto fue publicada en Insta, con el formato 5:4. El resultado fue que Insta "rellenó" con
bandas blancas en la parte superior e inferior para que la imagen fuera cuadrada. El impacto
visual se reduce, y posiblemente también el compromiso.
Aquí el formato utilizado fue el Retrato (citado como uno de los más "valorados"). La imagen
llena completamente el espacio destinado a ella y aparece con una superficie aún mayor que
las cuadradas. Considerando imágenes de la misma calidad, normalmente el engagement de
las que tienen el formato Retrato es mayor.
Entonces, ¿más confianza para definir el formato de imagen a utilizar en tus renders?
Cuéntame aquí en los comentarios cuál fue el consejo que más te gustó 👊

Composición cromática (parte 01)

¿Cómo trata los colores en sus renders? ¿Cómo se eligen? Para alguien que trabaja con
archviz, es esencial entender cómo se relacionan los colores entre sí. Incluso si los materiales
de un proyecto son decididos por el diseñador, algunos elementos adicionales como los
elementos de decoración, e incluso elementos que tienen una gran influencia en los colores de
la imagen como el cielo y el tono de la iluminación, normalmente serán decididos por usted, y
tendrán un gran impacto en la composición general del color de su render. Y como diría Ben
Parker, "con grandes poderes, vienen grandes responsabilidades". Así pues, conozcamos un
poco más el color...

La importancia de los colores

Son los colores los que deciden en gran medida qué sensación tendrá una persona al ver su
renderizado. Tanto si se trata de los colores de la luz como de los colores elegidos para cada
material, cada color dentro de su imagen desempeñará un papel importante en cómo se
percibirá. Mientras que los colores "brillantes" como el rojo, por ejemplo, tienden a atraer la
atención y dominar la composición incluso cuando se colocan sólo en pequeños detalles de la
imagen, además de aportar también calidez; los colores más neutros, como el beige, pueden
transmitir una mayor sensación de tranquilidad, invitando al espectador a posar su mirada en
tu composición durante más tiempo. Pero no sólo el color influye en todo esto: su intensidad (o
saturación) y la combinación con otros colores también determinarán la emoción y el
dinamismo que tendrá tu resultado final.
Los colores neutros como el beige y el marrón realzan las texturas, por eso son tan valorados
y utilizados en Interiorismo. El rojo, incluso en muy poca cantidad, consigue llamar nuestra
atención. (Foto de Anastasiya Pavlova)

La psicología de los colores

¿Recuerdas que dijimos que cada color tiene un impacto diferente en nuestra percepción y en
la emoción que sentimos al mirar una imagen? Bueno, decidí separar un tema para hablar
sólo de eso, así que mencionaré aquí para ti algunos de los principales colores y sus
emociones. Este conocimiento puede ser una guía muy importante a la hora de crear tus
renders, pero no olvides que un mismo color puede tener impactos muy diferentes según el
contexto y los demás colores que formen parte de la escena. Vámonos:

Blanco
El blanco es la combinación de todos los colores, y evoca cosas como la pureza y la paz. Es
una opción excelente para ambientes pequeños y/o poco iluminados, ya que refleja más luz y
da sensación de mayor amplitud. El blanco tiene la capacidad de realzar todos los demás
colores asociados a él.
Todos los colores de la imagen han sido realzados por el blanco, y podemos ver fácilmente
que se trata de un entorno bien iluminado. (Foto de Derek Swalwell)

Negro
Recuerda más al poder, la responsabilidad y/o la grandeza. A menudo da la sensación de un
lugar moderno y sofisticado. Cuando se combina correctamente con otros colores, el negro
también tiene la capacidad de realzar casi todos los demás colores asociados a él.
Tanto en entornos como incluso en productos (por ejemplo, plataformas, aplicaciones),
mientras que el blanco da una sensación más amable y alegre, el negro aporta una mayor
sensación de elegancia y exclusividad. En la imagen superior, vemos cómo el negro realzaba
muy bien los tonos amarillos. P.D.: cuando hablamos de blanco y negro, en realidad queremos
decir gris "muy claro" o gris "muy oscuro". (Diseño de Igor Sirotov)

Gris
Es un color neutro. Aunque utilizado solo este color evocará tristeza e incluso angustia, si se
combina con otros colores, el gris tiene el poder de realzarlos a la perfección. Responde
increíblemente bien cuando se utiliza con colores fuertes y vibrantes como el morado, el verde
o el amarillo limón, por ejemplo. Combinaciones como éstas pueden evocar sabiduría,
refinamiento e incluso sensatez.
Al ser un color neutro, el gris puede realzar muy bien tanto las texturas como otros colores.
(Imagen de Artem Alekseev)
 Aquí, toda la obra -colores
grises, buena luz natural, cálida luz artificial y la chica sentada en el sillón- sugieren
aislamiento y refinamiento al mismo tiempo. (Proyecto de Fran Silvestre Arquitectos)

Rojo
Uno de los colores más fuertes. Puede transmitir sensación de fuerza, vitalidad, pasión, calor
e incluso sensualidad. Es uno de los colores con mayor peso visual y, por tanto, aunque se
utilice en poca cantidad puede llamar nuestra atención. En los muebles, resalta muy bien las
formas. Tiene éxito en ambientes como bares y restaurantes porque es conocido como un
color que estimula el apetito y crea ambientes muy acogedores. En los hogares, puede ser
muy estimulante, una invitación a la actividad. En salones, puede combinarse con tonos más
neutros. Pero es importante tener cuidado al elegir el tono de rojo. Los tonos más "abiertos"
(claros/saturados) pueden provocar reacciones más negativas, como ira y brutalidad,
generando malestar según el contexto.
Aquí, el rojo resalta muy bien las formas de la escalera; al ser un color vivo y atrevido, aporta
impacto a la estancia. Como comentamos anteriormente, este color -incluso en cantidades
más pequeñas que en la imagen superior- se utiliza habitualmente en entornos en los que se
desea estimular el apetito. (Imagen de Sergey Melnikov)

Naranja
Es un color que destila placer, éxtasis y luminosidad. Alude a las llamas del fuego, que
representan la luz, el calor y la euforia. Excelente para entornos comerciales como tiendas
más despojadas, bares de aperitivos y restaurantes. Fomenta mucha alegría, creatividad y
comodidad. Dado que promueve tanta energía o estrés, puede ser bueno evitar asociarlo con
entornos que ya sugieran un mayor nivel de estrés o irritación.
Como promueve mucha energía, el naranja suele utilizarse en lugares/imágenes que
queremos asociar con actividades físicas, como tiendas de deportes. (Imagen de Igor
Iastrebov)

Amarillo
Asociado a la propia luz solar. Representa la energía, la alegría, el verano. Es el color más
brillante del círculo cromático, una herramienta utilizada para visualizar los colores. El amarillo
tiene una gran capacidad para resaltar las formas de los objetos debido a su gran capacidad
de expansión. Ayuda a iluminar el entorno y a aumentar la percepción del espacio. También
es un color estrechamente asociado con el intelecto, las ideas y la investigación mental, según
los expertos en psicología del color. También nos da una sensación de brillo, jovialidad y
alegría.
Utilizado junto con una forma menos predecible que contrasta con las demás, el uso del
amarillo en la imagen de arriba nos da la sensación de que la persona de la composición está
a punto de entrar en un ambiente más relajado y creativo. (Imagen de Derek Swalwell)

Verde
Ahora dejamos el grupo de colores que hacen referencia al calor. El verde es un color muy
bienvenido en regiones y ambientes cálidos, precisamente porque nos recuerda la frescura, la
calma, la serenidad, la salud e incluso el bienestar. Los tonos verdes favorecen el equilibrio
mental, la armonía y la sensación de descanso y relajación. Atenúa las emociones y facilita el
razonamiento correcto, además de amplificar la conciencia y la comprensión, según los
especialistas en neurociencia (ciencia que estudia el funcionamiento de nuestro cerebro) que
estudian la influencia de los colores en nuestro cerebro. El verde se asocia a menudo con la
imagen de seguridad, protección e incluso comodidad.
El verde sugiere un lugar tranquilo y sosegado, donde se puede tener una buena lectura o
hacer ejercicio de introspección sin ser interrumpido. (Diseño de DA Bureau)
Gran parte de la forma en que vemos los tonos verdes tiene que ver con el hecho de que los
asociamos con la naturaleza. Precisamente por ello, transmiten una mayor sensación de
calma y tranquilidad. (Imagen del proyecto de la Casa Hanna)
Azul
Es un color que remite más al frío, al mar y al cielo, produciendo sentimientos como paz,
serenidad y armonía. Al igual que el verde, el azul es un color que transmite frescura y
serenidad, pero con mayor dinamismo que el verde. También transmite confianza, respeto,
tranquilidad e incluso sofisticación. Al formar parte del espectro frío, por su tranquilidad y
confianza, fomenta la devoción y la fe. Es un color popularmente asociado con el deber, la
belleza y la habilidad.

En esta composición en la que predominan los tonos azules, tenemos la sensación reforzada
de que se trata de un entorno sofisticado. (autor desconocido)
Aquí, lo que probablemente predominará es la sensación de serenidad y tranquilidad.
Dependiendo de la iluminación y la composición, el azul también puede asociarse fácilmente
con sentimientos de frío y soledad (autor desconocido).

Morado / Violeta
Los tonos púrpura, violeta y lila representan la fantasía, el misterio, la espiritualidad, el sueño,
el misticismo y, al mismo tiempo, la delicadeza. Según la tonalidad, también puede crear
ambientes tranquilos y serenos. Se asocian a las dotes artísticas, la tolerancia y la
consideración.
Al estar junto al rojo en el círculo cromático, el morado puede evocar misterio junto a
sensualidad, por lo que es importante tener cuidado con la dosis, si no es ésa la intención que
se tiene al utilizar este color. (Imagen de Hina Hoa)
Beige
Nunca pasan de moda. El beige, o los tonos pastel, se utilizan para equilibrar y componer con
maestría... siempre son bienvenidos en composiciones sobrias y clásicas. Casi nadie se
"enferma" de un ambiente con tonos neutros. Da sensación de sobriedad, belleza, nobleza,
sofisticación y tradición. Como ya hemos comentado, los tonos neutros ayudan a resaltar las
texturas.

Nuestros ojos pueden descansar más tiempo en imágenes con colores neutros como el beige,
y ayudan a realzar texturas como los tejidos. (Diseño de Olga Kryvosheinko)

Marrón
Al igual que el beige, el marrón da la sensación de que todo es permanente, sobrio y seguro.
Es el color de la estabilidad, sobre todo cuando se utiliza en muebles y mobiliario. Acepta muy
bien las combinaciones con colores opuestos y contrastados.
Los tonos marrones suelen asociarse con la elegancia y la seguridad de la madera. (Diseño
de Rost Rktl)
Otra asociación habitual es con el cuero. En ambos casos, sensación, sofisticación y
sobriedad son palabras que pueden venir a la mente. (Proyecto de Marina Zanina)

Rosa / Magenta
Independientemente de la tonalidad, transmite una sensación de delicadeza, afecto, calidez y
energía. Los tonos pastel de estos colores quedan muy bien junto a tonos oscuros y pesados
como el azul marino y el marrón café. Según el tono, puede aportar un aire de alegría y
frescura, dejando atrás la monotonía y lo previsible. Los tonos rosa y magenta son más
dramáticos, modernos y estimulan a la gente. En las empresas, eleva las vibraciones. El rosa
y el magenta son bienvenidos en entornos residenciales y, combinados con muebles más
modernos, dan un aire de audacia y sofisticación. Se adapta muy bien con toques de negro,
que aportan mucho glamour a la composición.
El rosa en tonos pastel combina muy bien con el azul marino, y también con los tonos
dorados. Rompen la monotonía y aportan un toque de delicadeza y elegancia al mismo
tiempo. (Diseño de Damir Ussenov)
Aquí el rosa se sale completamente de lo previsible, rompe la monotonía y transmite
sensación de modernidad. (Proyecto de Maden )

¿Ves cómo cada color puede ayudarnos a expresar una sensación o sentimiento, influyendo
en la percepción que una persona tiene en relación con lo que mostramos en nuestros
renders? Comprender los colores es esencial para manipular -positivamente- las emociones
que provocan tus imágenes. Para dominar este tema, además de lo que viste en esta clase,
es importante consumir muchas referencias, y uno de los mejores lugares para eso es
el Página de Behance que destaca los trabajos de Diseño de Interiores. De ahí saqué la
mayoría de los refs que aparecen aquí en la clase 😁.

Además de las emociones que puede transmitir cada color, también es importante tener en
cuenta el tono utilizado: más claro o más oscuro, más o menos saturado, etc. - también influye
mucho en las sensaciones provocadas. Y además de los colores individuales, la forma en que
combines los distintos colores dictará el ritmo de tu composición y el nivel de impacto que
tendrá. Pero tranquilos, este es precisamente el tema de nuestra próxima lección 👊
Composición cromática - Parte II
La clase pasada empezamos a hablar de la composición de los colores, y principalmente
hablamos de las características individuales de cada color, ¿no? Pero resulta que casi
ningún color va a quedar solo en su interpretación. Y la forma en que los colores se
combinan entre sí tiene el poder de cambiar -y mucho- la manera en que percibimos una
imagen. Así que, como no podía ser de otra manera, en esta clase vamos a intercambiar una
idea muy chula sobre la armonía entre los colores.

Círculo cromático
¿Has oído hablar de él? En la última clase incluso lo mencioné brevemente, pero no
llegamos a profundizar en ello. En pocas palabras, es una herramienta que nos mostrará los
colores que ve el ojo humano, para que podamos combinar los colores entre sí de la mejor
manera posible. La rueda cromática se considera una herramienta indispensable para
diversos ámbitos, como la fotografía, el diseño de interiores, el diseño gráfico, la pintura
digital y muchas otras áreas visuales.

Busca "Círculo cromático" en google y encontrarás decenas de representaciones de esta

herramienta.
Colores básicos
 Colores primarios: también conocidos como "colores puros", el rojo, el amarillo y
el azul son los colores primarios del tradicional "Círculo cromático".
 Colores secundarios: resultantes de la mezcla de dos o más colores primarios.
Algunos de los colores secundarios son el naranja, el verde y el violeta.
 Colores terciarios: son los colores que se crean mezclando un color primario y un
color secundario, o la unión de dos colores secundarios. El rojo anaranjado y el
verde azulado son dos ejemplos de colores terciarios.

Tipos de armonía
Pero, ¿cómo combinar los colores? Si simplemente se toman dos o tres colores del círculo
cromático y se combinan entre sí, la calidad de la combinación será tan aleatoria como la
elección. Pero conociendo mejor la relación entre los colores y su impacto psicológico,
podemos armonizar mejor nuestras composiciones. Para ello, podemos utilizar el círculo
cromático con algunos de los principales tipos de combinación, que son:

Colores complementarios
Son los colores que están exactamente opuestos en el círculo cromático, como el amarillo y
el azul, por ejemplo. Los colores complementarios crean un contraste excelente, y si los dos
colores complementarios de una composición son "puros" (sin añadir blanco, gris o negro,
que cambian la saturación), crean un contraste máximo. También conviene recordar que,
utilizados en grandes cantidades, los colores complementarios pueden hacer que una
composición resulte pesada, haciendo que el espectador quiera dejar de mirar la imagen, así
que utilízalos con moderación.

Los colores seleccionados son opuestos en el círculo cromático.

En este render, el contraste entre el amarillo de las hojas y el azul del cielo produce un gran
impacto, precisamente porque son colores complementarios (Render de Chahoud Courses).

Colores análogos
Son los colores que están juntos, uno al lado del otro, en el círculo cromático. Utilizar
pequeños grupos de colores análogos puede dar lugar a bellas composiciones, pero a
menudo armonizan tan bien que puede ser interesante añadir más tensión con un color
primario.
Los colores análogos son los que están uno al lado del otro en el círculo cromático.
Los tonos rosa, azul y verde se encuentran uno junto al otro en el círculo cromático (Foto
de Arno Smit)

Colores triádicos
El esquema triádico es muy similar a los complementarios, pero esta vez tenemos tres
colores equidistantes en el círculo cromático, no sólo dos. Esta composición tiene un buen
contraste y, al mismo tiempo, mantiene bien la sensación de armonía y puede cansar menos
la vista. Pero conviene recordar que si se utilizan los tres colores en cantidades iguales, el
resultado puede seguir siendo exagerado, así que elige un color dominante.

El esquema triádico consiste en aportar tres tonos de colores equidistantes en el círculo

cromático.
El naranja rojizo, el azul y el verde son equidistantes en el círculo. En esta escena, el azul y
el naranja tenían un peso muy similar, pero al combinarse con tonos grises, la composición
resultaba impactante sin resultar cargante. (diseño de Studio 11)

División complementaria
De forma similar al esquema complementario, lo que ocurre en este modelo es: utilizamos
un color como base, y tomamos los dos colores que están a derecha e izquierda del color
opuesto al que hemos utilizado como base. En teoría puede parecer complejo, pero en la
práctica es bastante sencillo, compruébelo:

El color utilizado como base era el verde azulado. Los colores a ambos lados de su
complemento son el amarillo anaranjado y el rojo violáceo.
El contraste se hace interesante sin llegar a cansar. (autor desconocido)

Colores tétricos
También conocido como "esquema cuadrado". Básicamente, son cuatro colores
equidistantes en el círculo, o dos pares complementarios. Puede resultar muy difícil
equilibrar cuatro colores con gran contraste entre sí, pero si lo consigues, generarás una
imagen de gran impacto visual. Para evitar crear una imagen demasiado "pesada"
visualmente, puedes utilizar un color como dominante y los demás en tonos menos
saturados, añadiendo blanco/negro/gris.
Los cuatro colores están a la misma distancia unos de otros en el círculo cromático.

Este es un buen ejemplo de composición tetrádica. Observe cómo la composición resulta

interesante e impactante pero, al mismo tiempo, cualquier aumento de la dosis podría dar
lugar a una composición visualmente pesada. Para evitarlo, el azul, por ejemplo, se utilizó
en menor cantidad (Diseño de Michele Armando)
Colores monocromos
Este esquema consiste en utilizar variaciones del mismo tono. Para ello, se elige un color de
base y se varía la cantidad de brillo y saturación del mismo, por ejemplo. Los esquemas
monocromáticos pueden ser muy tranquilizadores, precisamente por la falta de contraste.

Todos los colores utilizados son en realidad una variación del mismo tono: rojo-naranja.
El resultado puede ser muy acogedor y tranquilizador gracias al bajo contraste entre los
colores. Añadir tonos neutros, como gris, beige o marrón, puede ayudar a aumentar el
contraste y resaltar los colores. (autor desconocido)

Es estupendo ver cómo se pueden combinar los colores entre sí, ¿verdad? Ahora que
conoces bien el impacto psicológico de los colores y cada tipo de armonía entre ellos, voy a
poner aquí dos herramientas increíbles que pueden ayudarte a crear paletas de colores -
conjuntos de colores que se utilizarán para la composición de tus renders:
 Rueda de color: Herramienta de Adobe que permite realizar varios tipos de
combinaciones de colores diferentes, permitiendo ya establecer el tipo de armonía
(complementaria, monocromática, etc.). También puede guardar sus paletas en una
biblioteca personalizada, ver tendencias en el uso de colores para distintas áreas y
explorar viendo varias paletas publicadas por personas y empresas.

 Colors.co¿Has visto alguna imagen en Internet y te ha gustado mucho la paleta de

colores? Con la herramienta Colors . co también puedes extraer esa paleta de
colores para utilizarla en tus proyectos.
¡Uf, ahora sí! Mucho contenido, ¿verdad? Y con esta clase acabas de completar el módulo
de fotografía Highlight 🎉🎉🎉🎉 Asegúrate de practicar mucho, porque estas técnicas de
fotografía y composición del color, seguro que serán uno de tus grandes diferenciales. Con
ellos dejarás de crear simples renders y empezarás a crear imágenes asombrosas e
impactantes, ¿de acuerdo? 👊

Y por supuesto, para cerrar este módulo no podía ser de otra manera: ¡recuerda siempre que
una de las prácticas más importantes para que evoluciones y entrenes tu ojo artístico es
consumir muchas referencias! Así pues, no olvide descargar el guía de referencia Exclusiva
Highlight, ¡¿Feshow?!