REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

INTITUTO UNIVERSITARIO DE NUEVAS PROFESIONES

COORDINACION ACADEMICA
AMPLIACION LAS MERCEDES – PUBLICIDAD IIII

HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

TEC. AUDIOVISUALES Y FOTOGRAFIA

Profesor:
Yudalis Marcano
Autor:
Andrés Muñiz: 24.227.054

Caracas, Marzo 2018

 INTRODUCCION

La fotografía se define como "procedimiento por el que se consiguen imágenes

permanentes sobre superficies sensibilizadas por medio de la acción fotoquímica
de la luz o de otras formas de energía radiante."
La fotografía y la cámara están unidas por un vínculo muy fuerte. Pero se
diferencian entre sí porque la primera es arte y la segunda es el aparato que la
reproduce. Por otra parte, hay que saber mirar para lograr buenas fotografías, algo
que parece difícil en fotografía, y al mismo tiempo indispensable. Para ello el
requisito fundamental en este arte es aprender a mirar.
A continuación, señalaremos diversos tópicos relacionado con el arte de la
fotografía como su historia, cómo se ha desarrollado, sus características, las
características de la fotografía en blanco y negro, las partes y funciones de la
cámara fotográfica, los diferentes tipos de cámara, la forma de cómo evolucionado
dicho artefacto, las técnicas de iluminación, la composición fotográfica y la relación
que existe entre Publicidad y Fotografía.

Historia de la fotografía
Tenemos como antecedente de la fotografía a Ibn al-Haitham -de origen árabe-,
quien observó los eclipses solares y lunares. Éste hacía pasar los rayos expuestos
por el astro rey e irradiados por el satélite natural mediante un pequeño agujero,
los cuales se reflejaban en la pared opuesta de una habitación sombría,
denominada Cámara Oscura.
A mediados de 1820, en Francia, el litógrafo Joseph Nicéphore Niépce llevó a
cabo los primeros experimentos relacionados con la obtención de fotografías
cuando exponía a la luz solar una placa impregnada de betún de Judea, soluble
por acción de la luz.
En 1839, su paisano Jacques Daguerre se basó en el descubrimiento de Niépce, -
con quien se asoció en 1829- y lanzó un método práctico: el daguerrotipo, en el
cual utilizó placas de cobre embarradas con yoduro de plata y las exhibió en
cámaras de madera. Luego, se percató que podía conseguir imágenes más
perfectas al aplicar el yoduro de plata sobre papel y después sobre placas
de vidrio. Desafortunadamente, las fotografías tenían que ser preparadas y
reveladas inmediatamente después de la exposición, de modo que el fotógrafo de
campaña debía llevar una tienda y una gran cantidad de productos químicos.
Un científico británico de la Universidad de Cambridge llamado William Henry Fox
Talbot hizo en 1840 experimentos similares a los de Daguerre, a través de
transformaciones químicas de productos sensibles. Estos tuvieron como
consecuencia unos negativos de los que podían sacarse copias. Sus "calotipos"
sobre papel eran más fáciles de reproducir, pero gozaban de menor definición que
los daguerrotipos.
El invento de Daguerre fue divulgado por todo el planeta. Sus tiempos de
exposición era muy largos, al principio. Más adelante se fueron reduciendo
considerablemente y el perfeccionamiento progresivo de la técnica provocó la
aparición de una industria fotográfica.
Por otro lado, los escoceses David Octavius Hill y Robert Adamson realizaron sus
retratos de estilo pictórico basándose en el experimento de Talbot, ya que la
fotografía, en sus orígenes, tomó como modelo a la pintura y adoptó muchos de
sus recursos.
En 1851, el británico Frederick Scott Archer permitió otra evolución en la fotografía
al aplicar una mezcla de nitrocelulosa con alcohol y éter conocida como colodión,
la cual permitía llevar a cabo negativos en cristal. Este sistema unía las ventajas
del daguerrotipo y del calotipo. No obstante, el fotógrafo debía sensibilizar la placa
inmediatamente antes de la exposición y aprovechar la emulsión mientras
estuviese húmeda.
Años más tarde, el retrato fotográfico cada vez se volvía más popular gracias a su
verosimilitud y economía, dejando de lado al retrato pictórico. En 1854, el francés
André-Adolphe-Eugéne Disdéri publicó el retrato más famoso –denominado
"tarjeta de visita"- al utilizar negativos múltiples en una única placa de vidrio, de la
que se obtenían pequeñas reproducciones. Expertos en fotografía como el francés
Gaspard-Félix Tournachon (conocido como Nadar), y la inglesa Julia Margaret
Cameron llevaron el retrato a un alto grado de precisión al rechazar el tradicional
retoque y buscar un estilo propiamente fotográfico, con una preocupación especial
por captar la psicología del personaje. Asimismo, Nadar elaboró las primeras
fotografías aéreas desde un globo y el británico Roger Fenton fue el pionero de los
reportajes de guerra gracias a una serie acerca del conflicto de Crimea, en 1855.
Las fotografías sólo podían hacerse en blanco y negro, pero en 1861 se conocían
los principios fundamentales de la fotografía en color.
En 1887, otro británico, Eadweard Muybridge, tomó fotografías de las sucesivas
fases del movimiento de una figura. Los artistas plásticos fueron influenciados por
este experimento, sobre todo en los que pintaban carreras de caballos.
En 1888, el americano George Eastman (fundador de Kodak) lanzó un nuevo
método consistente en aplicar la capa sensible sobre una cinta flexible de
celuloide, de manera que los negativos podían almacenarse en rollos. Como
resultado, el fotógrafo dejaba el laboratorio en casa, y el equipo resultó más
sencillo. Gracias a este sistema, las cámaras se perfeccionaron y la fotografía se
volvió más popular todavía.
A principios del siglo XX, fotógrafos como el estadounidense Alfred Stieglitz y el
luxemburgués Edward Steichen animaron la aparición de publicaciones y
la organización de exposiciones fotográficas, en estrecha relación con las
tendencias artísticas contemporáneas. Y en 1907, Auguste y Louis Lumière
establecieron unas placas de cristal para obtener fotografías en colores. Dichas
placas fueron bautizadas como Autochromes Lumière.
La fotografía artística siguió explorando la vida cotidiana, sus personajes y sus
paisajes, sin adornos ni retoques, como las del alemán August Sander, el francés
Henri Cartier-Bresson, los estadounidenses Paul Strand, Ansel Adams y Walker
Evans. Strand y Adams se dedicaron al paisaje, mientras que Evans se dedicó
al periodismo gráfico sobre la época de la depresión económica, tras la crisis de
1929.
La verdadera fotografía en color surgió en 1935, cuando Kodak y Agfa empezaron
a vender sus películas con emulsión de tres capas.
Con el paso del tiempo, se fueron reconociendo la fotografía como arte. Hasta los
propios creadores plásticos se sintieron atraídos por los experimentos fotográficos.
De estos casos, se pueden mencionar el del constructivista húngaro László
Moholy-Nagy y sus imágenes de luz, el estadounidense Man Ray y el surrealismo,
y los alemanes John Heartfield y Hannah Höch quienes denunciaron la situación
político-social a través del fotomontaje.
La fotografía se extendió rápidamente a todos las áreas de la creatividad humana
y se transformó en un lenguaje de primera magnitud en
una culturaprimordialmente visual, como es la contemporánea.
Características de la fotografía
La fotografía es el antecedente del cine, así que posee sus propias características:
 Es estática.
 Al igual que el cine, se puede dar en diferentes colores y tonalidades como
blanco y negro, color y sepia.
 Cuando son cámaras con rollo, posee un negativo que debe ser revelado con
productos químicos para que pueda ser positivo.
 La luz es un elemento muy importante en la fotografía, pues no serviría de nada
fotografiar un objeto a oscuras.
 Se han creado miles de tendencias en este campo: publicitaria,
artística, personal, documental, etc.

La fotografía en blanco y negro

A pesar de que se usa en la actualidad fotos a color, fotografías digitales y

muchos programas para el montaje (como Photoshop), todavía se sigue usando
la fotografía en blanco y negro, aunque con menor frecuencia. Algunas de las
razones son para obtener buenos resultados, aunque el revelado de la película y
el tiraje de las copias lo debe hacer el mismo fotógrafo. Eso se deba a que los
laboratorios están automatizados y el blanco y negro requiere un cuidado especial,
muy personal. Por eso es importante enumerar las características de la fotografía
en blanco y negro para conocer mejor sus diferenciar de la fotografía a color:
 Se le da prioridad al objeto, ya que gracias a esta técnica se pueden observar
mejor los detalles como volumen, luces, sombras, textura, profundidad, entre
otros. En cambio, si fuese a color, estos detalles no se podrían observar con
mejor claridad porque los que más resalta es el color mismo.
 Brinda más posibilidades que el color para que el fotógrafo haga su
propia interpretación de la realidad.
 A partir del mismo negativo, el fotógrafo puede obtener imágenes muy distintas
desde el punto de vista expresivo.
 Ofrece más posibilidades de intervención que el color. La fotografía se hace en
dos etapas, la toma y la fase de revelado y tiraje. Por eso se comprende que en
la actualidad los aficionados y los auténticos artistas de la fotografía suelan
preferir el blanco y negro.

Fotografía y publicidad
La fotografía es muy usada en publicidad, sobre todo cuando se toman fotos para
vallas, anuncios, ilustraciones en libros y otras publicaciones. Se ha recurrido a
ella para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Además, desde la década
de 1920 se ha usado mucho con la intención de impulsar y dirigir el consumo, y
como un elemento más de la publicidad. Los aficionados utilizan una amplia gama
de sofisticadas técnicas para que sus imágenes sean atractivas. Y en mucho de
los casos, hacen retoques en ellas para que se aproxime a la perfección que
los medios y la publicidad han establecido en cuanto a la belleza humana.
Esta clase de imágenes ha tenido un fuerte impacto dentro de la cultura porque ha
representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances
en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Los que más se
destacaron en esta área son: Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la
alta sociedad; Richard Avedon, quien se hizo popular como fotógrafo de moda, y
Helmut Newton, polémico fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen
habitualmente un gran contenido erótico.

Composición fotográfica

La composición fotográfica es la manera en la que se organizan los objetos

vistos dentro del encuadre, dentro de lo que realmente queda en cuadro. Es decir,
ordenan las figuras dentro del espacio visual disponible y dándole un sentido de
unidad, de modo que resulte armoniosa y artísticamente equilibrada.
Los elementos que hay que percatarnos para formar el cuadro son la perspectiva,
el horizonte, la diagonal, la línea "S", la imagen horizontal, la imagen vertical, el
centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio y el ritmo.
Si le queremos dar un nuevo nivel de significado al encuadre, podemos variar la
posición de la cámara para seguir el desarrollo de la acción, en otras palabras la
capacidad de movimiento del encuadre. También es importante destacar los
diversos aspectos en cada escena. En este proceso participa del montaje y se
produce el "montaje dentro del plano".
Sin embargo, dentro de la composición, de todos los elementos citados con
anterioridad hay dos que influyen en la composición que describiremos enseguida:

a. El equilibrio: Mientras más equilibrada sea la situación de los elementos que

la componen, más agradable resulta la fotografía. Su "peso visual" se debe a
cómo se distribuyen las figuras. Los elementos de mayor masa visual se
podrían colocar más al centro, y los más ligeros hacia los márgenes. La
noción de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa. También
se toma en el volumen y el peso que instintivamente se relaciona con cada
 elemento. Además, el equilibrio se asocia a las composiciones verticales, a la
intensidad y al contraste de los colores. Una imagen mal equilibrada es
rechazada inconscientemente por cualquier observador y su mensaje no
podrá ser captado.

b. El ritmo: Se define como el resultado de la repetición de líneas, formas,

volúmenes, tonos y colores. Cuando se repite un motivo, la armonía de una
escena aumenta. El ritmo permite unir los diferentes elementos de la escena
para otorgarles unidad y fluidez. Las composiciones con ritmo excesivamente
rígido (olas, cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo, etc.),
es aconsejable romperlas con algún pequeño objeto que no tenga nada que
ver, pero que disminuya su rigidez y proporcione un centro de interés.

CONCLUSION
La fotografía ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Muchos expertos han
ido descubriendo la forma más sencilla de hacer las fotografías, tomando como
referencia a los antecedentes para que este tipo de arte vaya mejorando cada vez
más. A pesar de su evolución, a estas alturas hay expertos que se inclinan por las
fotos en blanco y negro. Cada uno de ellos le da un significado, dependiendo del
tipo de mensaje que quiera dejar. Gracias al blanco y negro, los detalles se
pueden observar mejor, cosas que no ocurre en la fotografía a color. Por ser un
arte, hay gente que está dedicada a ella como profesión y otra como hobbie. Para
estimular esto, se han hecho cursos y concursos de fotografía, la cual va
adquiriendo más y más aficionados.

ANEXOS