Metodo Piano Essentials

Piano Esencial 4 de octubre de 2021
PIANO
ESSENTIALS
Método de Piano
CLAMA 1
  Bienvenido/a al curso Piano Essentials dictado por Jesús Molina.
En este curso aprenderás muchos recursos para improvisar, armonizar, arreglar y ensamblar.
A diferencia de otras intervenciones de Jesús Molina en material de

enseñanza, este curso fue producido por un equipo de docentes a cargo de
Lisandro Pidre para brindar conceptos de una manera más clara y metódica
para el alumno.
Jesus Molina y Lisandro Pidre
IMPORTANTE
Todas las clases en video de Jesús Molina deben ser estudiadas con el presente PDF y el material de apoyo
que este curso trae, incluyendo MIDI y Backing Tracks. Creamos un sistema completo donde el artista
puede compartir recursos y explicarlos en pantalla mientras el material complementario agrega
información útil y valiosa. Esto trasciende cualquier MasterClass ya que se convierte en un curso
metódico. Cuando leas “INTERACTIVO” busca en tu dashboard el video mencionado para profundizar
aún más sobre el tema tratado.
CÓMO USAR LOS ARCHIVOS MIDI
Los archivos MIDI son una herramienta increíble para poder observar nota por nota lo que el maestro Jesús
Molina tocó en las clases. Hemos hecho una extracción de las clases para que puedas ver en tu DAW favorito, o en
un reproductor MIDI las notas exactas. Incluso, puedes bajarle de velocidad, modificar e, incluso, pasarlo a
partitura.
Basta con importar los archivos a Logic, Ableton Live, Protools, Studio One, o cualquier DAW, asignarle un sonido
de Piano y listo.
Si prefieres usar un reproductor MIDI, puedes utilizar CLAVIATURA, MIDIcolous, Synthesia y más. Existen
para todos los dispositivos, Mac y PC. Algunas aplicaciones son de paga y otras gratuitas
SISTEMA DE TUTORIA
Otro gran beneficio que tienes por haber adquirido este curso innovador de Jesús Molina, es la posibilidad de
acceder a la tutoría de Piano Essentials donde puedes realizar consultas musicales de las video clases. Solventar
dudas, mandar tareas y ejercicios para seguir progresando. Las dudas musicales que puedan surgir cuando estes
estudiando Piano Essentials podrás realizarlas y te serán contestadas.
Para más información acerca del sistema de tutorías escríbenos a [email protected] o vía
Whatsapp +521442-847-7784
CLAMA 2
INICIO A LA
IMPROVISACIÓN
Un posible Tabú
Mucha gente le tiene miedo a
improvisar porque representa
todo un desafío para cualquier
músico. Darle coherencia a las
notas espontáneas no es tarea
fácil.
Agrupa algunas
notas
Iniciaremos tomando las 5
primeras notas de una escala e
intentaremos hacer algunas
combinaciones. CIFRADO AMERICANO
En caso de que no conozcas sobre este método de escritura, el
Acentúa
cifrado americano es un conjunto de letras que representan
Pocas notas acentuadas. Si acordes siendo: C=Do D=Re E=Mi F=Fa G=Sol A=La B=Si
logras acentuar de manera
Dicho esto, empezaremos conociendo la escala menor de Re cuyo
aleatoria e intencionalmente,
tu escala, por más simple que
cifrado americano sería D min.
parezca, sonará mucho mejor.
D E F G A Bb C
Las acentuaciones aportan
dinámica a cualquier ritmo Creando combinaciones
melódico y armónico. Puedes usar todas las notas de la escala o, bien, las primeras 5.
Puede parecer limitante pero, en realidad, te ayudará a desarrollar
más creatividad. Cuantas más herramientas tienes, la creatividad
puede cesar si nunca aprendiste a administrar los recursos.  
CLAMA 3
El Metrónomo
El metrónomo te otorga la posibilidad de mejorar tu tiempo
interno. Esto es importantísimo porque nadie tiene un tiempo
exacto y perfecto, a menos que sea un robot. Sin embargo,
puede tener la habilidad de mantener un tiempo constante
con variaciones de velocidad imperceptibles; para lograr ese
efecto “columpio” propio de la naturalidad de la música, es
TAREA necesario tener un buen tiempo interno. Para esta tarea, el
metrónomo es el mejor amigo del músico.
Con el siguiente ejercicio
lograrás: La app que Jesús Molina utiliza como Metrónomo es la
siguiente:
• Incrementar tu creatividad
• Desarrollar un motivo simple
• Aprender a improvisar
En el material descargable de
esta clase encontraras 3 archivos.
Utiliza el MIDI en tu DAW favorito,

para ver nota por nota las frases
creadas por Jesús.
Utiliza el MP3 para improvisar al

termino de cada frase realizada
por Jesús. Tendrás 4 compases
cada vez que él termine.
Utiliza el Backing Track para

improvisar sobre toda la pieza tú “Tocar con metrónomo es importantísimo porque podría ocurrir
solo. que aprendas mil combinaciones de todas las escalas, pero no
domines el tiempo.
INTERACTIVO
Quizás un día quieras grabar contenido para tus redes, o una
VIDEOS DE APOYO PARA ESTA
producción musical y tengas que hacer un solo. Si no dominas el
CLASE:
tiempo, entonces podrías tener muchos problemas a la hora de
1- CINCO NOTAS grabar.” J.M
2- AGREGANDO NOTAS
CLAMA 4
ANTES DE
IMPROVISAR
Anticipar es la La estrategia
clave Hay notas que se comportan distinto que otras. Por ejemplo el Bb,
dentro de la escala de Dmin, puede sonar inestable. Por eso, es
Recuerda que, la mayoría de necesario evitarlo, según el caso, o utilizarlo con un propósito definido.
las veces, ya conoces la Esto ocurrirá todo el tiempo en todos los ámbitos musicales. Habrá
canción o progresión. Intenta momentos que tendrás que elegir qué notas utilizar y hacerlo
anticipar los acordes que
estratégicamente, conociendo perfectamente el sonido que brindarán a
vendrán con tus notas en el
tu música.
solo.
Canta tu melodía
Si tú tratas de cantar lo que
estás tocando (aunque
desafines), será como
ponerle límites deliberados a
tus notas. Esto te dará mayor
control melódico.
Imagina lo que
vendrá
En tu cabeza debe existir un
tipo de sonido que te
permita imaginar melodías.
Para lograr ese conocimiento e instinto, debes pasar horas sobre el
No necesariamente
complicadas o difíciles de
piano escuchando el comportamiento de cada nota que toques.
tocar, sino que tengan un
INTERACTIVO
sonido en particular. Esto
ocurre cuando desarrollas tu VIDEOS DE APOYO
sonido interno a base de
escuchar música. Cuando 3- “ACENTUACIÓN”
oyes a otros artistas,
empiezas a desarrollar tu
4- “COMBINACIÓN RÁPIDA”  
sonido.
CLAMA 5
3 MODOS
MENORES
Hay 3 escalas menores principales que utilizaremos para improvisar en la mayoría de los contextos
musicales actuales.
MENOR NATURAL
Es la escala menor más común ya que surge del sexto grado de la tonalidad mayor.
Tomemos como ejemplo la escala mayor de Do. Todos conocemos su sonido desde la infancia. También,
escribiremos sus respectivos grados:
C D E F G A B
I II III IV V VI VII
Ahora, tomamos el grado VI y tocamos la escala partiendo de ahí
C D E F G A B
Nos quedaría así:
A B C D E F G
I II bIII IV V bVI bVII
Como verás, el tercer grado ahora no es III, sino bemol III o bIII. ¿Por qué? Porque la distancia que hay
del C al E es de 2 tonos, lo cual se conoce como intervalo de tercera mayor. Pero la distancia que existe
entre A y el C, es de un tono y medio, lo cual se conoce como intervalo de tercera menor.
CLAMA 6
La escala Menor Natural que Jesús Molina utiliza, es la de D min, siendo sus notas:
D E F G A Bb C
I II bIII IV V bVI bVII
MENOR ARMÓNICA
Esta escala es similar a la natural pero su grado séptimo (bVII) no lleva bemol, quedando así:
D E F G A Bb C#
I II bIII IV V bVI VII
salto
El salto que hay del Bb al C# genera un sonido tipo árabe. Pruébalo en tu improvisación.
MENOR MELÓDICA
Esta escala comienza como si fuera menor, pero culmina como si fuera mayor. Es similar a la armónica
pero sin el salto característico.
D E F G A B C#
I II bIII IV V VI VII
Esta escala te recordará a Bach.
Explora
Utiliza las 3 escalas para improvisar, y analiza las diferencias entre sí. Recuerda que encontrarás sus notas
características a partir del V grado de cada una de ellas.
INTERACTIVO
Mira el video número 5 llamado “MODOS MENORES”.
CLAMA 7
ARPEGIOS
Un arpegio es tomar un acorde y tocarlo nota por nota. Por eso, es necesario conocer sobre armonía
para explorar más a fondo cómo hacer arpegios más interesantes.
En la clase 3, Jesús armoniza los modos menores vistos anteriormente. Vamos a explicar qué es
armonizar.
Utilicemos como ejemplo la escala de C mayor.
C D E F GAB
De cada una de las notas de la escala de C, podemos formar un acorde de cuatro voces. Basta con
tomar una nota y combinarla con 3 intervalos de terceras, siempre salteando una nota.
C D E F G A B
Cmaj7
C D E F GAB C D
Dmin7
INTERACTIVO
Mira el video número 6 llamado “ARMONIZACIÓN DE UNA ESCALA”
CLAMA 8
Armonización de la escala de Re Menor

Para obtener arpegios y utilizarlo en tu improvisación, es necesario armonizar la escala y probar los
arpegios que surgen de ésta.
En la clase, Jesús armoniza la escala agregándole el grado 6, como en el Jazz tradicional obteniendo un
sonido más en bloque y, además, de 5 notas.
D E F GAB C D
Dmin6
INTERACTIVO
Mira el video número 7 llamado “ARMONIZANDO TIPO BLOCK CHORD”
Todas las escalas pueden armonizarse. Si armonizas las distintas escalas que aprenderemos en este curso,
lograrás adquirir un vocabulario, no sólo armónico, sino melódico.
Los arpegios cómo método de técnica

Es importante comprender que los arpegios son la única herramienta que te permite enlazar escalas,
acordes y más. Cuando utilizas una escala, el arpegio te ayuda a abordar más octavas de lo que puedes
tocar sin utilizarlos. Puedes dar saltos de una octava a otra tan solo usando un arpegio. El salto, incluso,
puede ser mayor.
Estudia arpegios todo el tiempo a modo de ejercicio. Esto te dará mayor dominio del rango del piano y de
dónde se encuentran las teclas. Parece una broma pero, muchas veces, la imprecisión o falta de limpieza
está relacionada al poco dominio sobre arpegios y escalas.
CLAMA 9
TWO FIVE
ONE
La progresión TWO-FIVE-ONE es una de las progresiones más utilizadas en el Jazz y consta de tomar
el segundo grado de una escala, el quinto y resolver al primero. Por ejemplo:
Dmin7 G7 Cmaj7
II V I
Esta progresión es muy efectiva porque el segundo grado y el quinto generan una especie de pregunta
musical que necesita ser resuelta. Ahí es cuando aparece el primer grado ya que éste genera el sentido de
resolución que faltaba.
Todas las tonalidades tienen un TWO-FIVE-ONE, por ejemplo: El Two-Five-One de F, sería Gm7 C7
Fmaj.
INTERACTIVO
Mira el video número 8 llamado “CLÁSICO TWO FIVE”.
GIANT STEPS
Esta canción es difícil por su velocidad, sin embargo, el discurso armónico que tiene no deja de ser varios
Two Five. No significa que sea sencilla la canción, pero definitivamente si logras dominar los distintos
recursos que pueden utilizarse en esta progresión, podrás improvisar sobre Gian Steps, al menos,
lentamente.
La velocidad es algo que viene con la práctica, pero si no sabes qué tocar y tienes velocidad, no tendrá
sentido lo que toques.
CLAMA 10
CORCHEA
SWING
Swing Algo que es característico dentro del Jazz, es la corchea swing.
Observa la clase para ver cómo Jesús utiliza la corchea dentro del
Intenta tocar Swing como si marco del Jazz. Uno de los Tips que podrían ayudarte a dominar esto
tuvieras pereza o flojera. es tocar con “flojera”.
Recuerda que la corchea
Swing se toca “atresillada”. Muchas veces el músico se preocupa por tocar lo más exacto al
tiempo, pero en el Swing es recomendable tocar un poco atrás del
Atrás del beat beat para lograr el efecto “columpio” que la música tiene, ya que es
ejecutada por humanos.
Es como si estuvieras
tocando un poco atrás del Un buen consejo es estudiar solos de saxofonistas como Charlie
metrónomo. Esto te dará un Parker. Esto te ayudará a percibir el Jazz desde un ámbito más
sentido de swing muy general y no sólo de tu instrumento.
importante.
INTERACTIVO
Metrónomo
Observa el siguiente video para que veas cómo se puede diferenciar la
Recuerda usar tu metrónomo corchea normal o “straight” con “swing”.
acentuando en 2 y 4, para
que sientas el tiempo de una Video número 9 llamado “CORCHEA SWING VS. STRAIGHT”
manera más acorde al swing
y a las acentuaciones que
puedan surgir.
CLAMA 11
MODOS
GRIEGOS
Los modos griegos suelen asustar a las personas como si se estuviera hablando de algo muy
complejo. Sin embargo, los modos griegos son escalas que surgen de la escala mayor natural.
Vamos a echarle un vistazo.
Si tocamos la escala natural de C nos quedaría de la siguiente manera:
C D E F G A B
Si tomamos la misma escala, pero en vez de empezar en C, lo hacemos en D, entonces quedaría

así:
D E F G A B C
Como verás, es la misma escala. La diferencia radica en dónde empezó cada una. Ahora bien,
¿Suenan distinto? Claro que sí. Porque los intervalos se comportarán distinto. Ej: Si tocamos en el
piano C D E, no suena igual a tocar D E F, porque el primero tendrá una sonoridad conocida
como mayor, alegre, etc. El otro sonará menor, más triste o agresivo.
De igual manera, podemos construir una escala pero partiendo de E:
E F G A B C D
Si tocas estas escala verás que tiene una sonoridad particular, como española, flamenca. Ahora
bien, recuerda que no estamos tocando nada raro sino las notas de la escala natural de C, pero
empezando desde cada una de sus notas. Veamos todos los modos y sus nombres para que
empieces a familiarizarte con ellos.
CLAMA 12
I JÓNICO C D E F G A B
II DÓRICO D E F G A B C
III FRIGIO E F G A B C D
IV LIDIO F G A B C D E
V MIXOLIDIO G A B C D E F
VI EÓLICO A B C D E F G
VII LOCRIO B C D E F G A
Vemos entonces, que de la primer escala, la cual recibe el nombre de Jónica (aunque también es la escala
Mayor Natural) surgen los 7 modos griegos. En la primer columna vemos los grados correspondientes a
cada escala.
La escala Eólica que surge del 6to grado es, también, el modo natural menor.
Vamos a ejercitar:
Muchas veces hay confusión de qué escala tocar cuando nos nombran un modo griego, así que vamos a
resolver esas dudas.
Si alguien dice F mixolidio debemos tomar la tabla de arriba e identificar a qué grado representa la palabra
Mixolidio.
Vemos que corresponde al 5to grado.
Entonces F Mixolidio significa que F es quinto. ¿De dónde es 5to F? De Bb mayor.
Bb C D Eb F G A
CLAMA 13
Entonces F mixolidio es así:

F G A Bb C D Eb
Como podrás ver, es la escala de Bb mayor, empezando desde el F (su quinto grado).
Pongamos otro ejemplo:
D Locrio.
Al ver la tabla, descubrimos que el modo Locrio representa al séptimo grado, entonces D Locrio
significa “D como séptimo grado”. ¿De qué escala, D es séptimo grado?
Eb F G Ab Bb C D
Así es. D es el séptimo grado de la escala mayor de Eb. Entonces D Locrio sería así:
  D Eb F G Ab Bb C
Cada modo griego, al igual que cada escala, tiene notas características. Es decir, uno o más sonidos
distintivos del modo que lo hará único. Por eso, es indispensable practicarlos todos para ver cómo
suenan y cómo se comportan en distintos conceptos.
En la siguiente tabla, podrás ver en rojo las notas características del modo, por lo cual, cuando
improvises, utiliza esas notas para acentuar sus cualidades.
I JÓNICO C D E F G A B
II DÓRICO D E F G A B C
III FRIGIO E F G A B C D
IV LIDIO F G A B C D E
VI EÓLICO A B C D E F G
VII LOCRIO B C D E F G A
CLAMA 14
PENTATÓNICA
&BLUES
Sólo cinco notas
Aquí tenemos la escala pentatónica mayor de C. 
La pentatónica es una escala
de cinco notas. Puede ser
menor o mayor y, en ambas,
se suprimen dos grados.
La escala Blues
A la pentatónica se le puede
agregar la cuarta aumentada,
para darle una sonoridad
más Blues. Esa es la nota
Blues.
Pentatónica menor de C
Grandes
herramientas
Estas escalas pueden darte
varias herramientas que
utilizarás a menudo en el
Jazz. La idea no es abusar del
uso de estas, sobre todo de
la nota Blues. Pero saber
cuándo utilizarlas te dará la
habilidad de sonar más Pentatónica menor de C, con nota Blues.
estilístico.
CLAMA 15
OUTSIDE
Tocar Outside es tocar fuera de la tonalidad sin un sentido aparente. No siempre que se utilizan notas no
diatónicas quiere decir Outside. Por ejemplo, se puede utilizar intercambio modal para hacer uso de
distintas escalas, sin embargo, eso no es Outside.
La concepción de tocar Outside está basado en el color que esto aporta a la música. No tanto encontrarle
una explicación teórica, sino que nos guste el color que estamos usando.
La lejanía de la tonalidad
Tocar fuera del tono sin caer en tonalidades familiares sería tocar medio tono arriba, o medio tono abajo.
Sin embargo, es sólo una forma de verlo. Ya que por ejemplo, usar C en tu bajo, y tocar la escala de C#
mayor, convertiría nuestro C, en C locrio. Y no es lo que buscamos.
Pentatónica en Outside
Si bien aún no llegamos a este tema en profundidad, te dejaremos un adelanto acerca de una de las mejores
maneras de usar pentatónica en un solo.
INTERACTIVO
Observa el siguiente video para practicar pentatónicas en Outside. No olvides apoyarte en la clase de Jesús
Molina para entender aún más este concepto. Mira el video número 10 “PENTATÓNICA OUTSIDE”
TIP: Recuerda que el sonido de la escala pentatónica tiende a sonar muy obvia. Es una escala
muy utilizada y puede caer en lo aburrido si sólo se hace sonar las cinco notas.
Criterio de Outside
No es bueno abusar de tocar Outside. Es importante entender que es un recurso útil pero no
indispensable para hacer sonar bien un solo. De hecho, es recomendable utilizar otro tipo de estilo al
improvisar en piezas musicales muy arraigadas al Jazz tradicional. Por supuesto que uno puede romper
ciertas reglas y usar Outside en un standard de Jazz, pero hay más mérito si no se usa. El Outside es una
manera de darle al oyente una melodía que probablemente no entienda y esto, por error, se asume como
algo extremadamente artístico y de gran nivel, cuando no siempre es así.
CLAMA 16
OUTSIDE II
El Staccato
Es una acentuación breve sobre una nota mientras acorta un poco su duración. Es una gran herramienta
para sonar más limpio y preciso, sin embargo, es bueno combinarlo con Legato para que no suene muy
robótico.
Observa la clase para aprender cómo Jesús practica el Staccato.
Aquí puedes ver cómo se escribe el Staccato en partitura. Como puedes observar, cada Negra tiene un
punto. Esto significa que la Negra no sonará como tal, sino más corta.
Antes de tener velocidad para tocar, es necesario tener precisión, limpieza y seguridad. Cuando un músico
es seguro de lo que toca, no importa la velocidad que use, lo podrá tocar.
Nivel de Touch o Velocidad

Hay pianos digitales, sintetizadores, etc. Que tienen la facultad de poder modificar, en su configuración,
cómo va a responder a la presión que se ejerza sobre la tecla. Esto significa que si uno presiona la tecla, el
instrumento detectará la fuerza y la traducirá en determinado volumen de sonido. Este parámetro se
conoce, también, como curva de velocidad.
Suele haber 4 modos de curva:
SOFT: No hace falta presionar tan fuerte las teclas ya que el piano traducirá el toque suave como si fuera
medianamente fuerte.
MEDIUM o ESTANDAR: Hay más rango para tocar de manera más natural.
HARD: El pianista deberá tocar más fuerte el piano para alcanzar más volumen. Este modo suele dar una
sensación similar al Piano acústico real.
CLAMA 17
FIX: Algunos pianos digitales traen este modo donde, inteligentemente, el instrumento detecta la
manera usual en la que el pianista toca y va ajustando de manera automática la curva que más se aplique al
músico.
Legato o Ligado
Tocar ligado es lograr que no haya separación entre dos o más notas. Uno puede tocar todo un pasaje
ligado o sólo algunas notas. Se puede combinar con Staccato, y esto es lo más óptimo para solear, ya que le
aportará a la improvisación una dinámica distinta.
Para marcar esto en una partitura, basta con poner un arco que englobe todas las notas que serán tocadas
de manera ligada.
La técnica lo es todo
Para mejorar en estas dos técnicas es necesario practicar mucho. Si subes la velocidad, el Staccato será más
difícil.
Intenta no sonar a patrón
Tocar demasiado Staccato puede volver monótona tu improvisación. Si combinas esa sonoridad indeseada
con Licks, entonces sonará todo a un ejercicio o a un patrón. Y la idea es evitar esto a toda costa porque,
recuerda: estas improvisando.
La mejor manera de evitar sonar a patrón es utilizando la combinación de distintas técnicas o

articulaciones. Combina Staccato con Legato y cambia las acentuaciones de las notas como Jesús Molina
muestra en la clase. Practica con Metrónomo para mejorar el pulso interno.
HANON “El pianista virtuoso”

Jesús Molina te recomienda un libro llamado Hanon, ya que es muy buen material de apoyo para practicar
técnica. Puedes realizar todos los ejercicios pero en Staccato y con velocidades más rápidas.
CLAMA 18
DESARROLLO
MELÓDICO
Lo más importante
Muchas veces un pianista logra tener muchas herramientas musicales para improvisar. Escalas, acordes,
arpegios, técnica, licks y mucho más. Pero a la hora de hacer un solo no logra conectar las distintas
herramientas y darle un sentido melódico artístico.
La melodía de una canción es lo más importante. De igual manera, la melodía de un solo es lo más
importante porque, aunque se use armonía para improvisar, los acordes tienen su propia melodía. La nota
más aguda de un acorde siempre suena a melodía. Entonces, si queremos mejorar para improvisar
debemos mejorar nuestro gusto por la melodía y aprender sobre desarrollo melódico.
Escuchar música
Si quieres aprender a tocar melódicamente bien,
debes escuchar mucha música. No sólo Jazz.
Intenta escuchar otros estilos que contribuyan al
desarrollo melódico como RnB, Pop, Ballads, etc.
Incluso, dentro del Jazz, puedes escuchar pianistas

m á s m e l ó d i c o s . In c l u s o , S a x o f o n i s t a s ,
Trompetistas, etc. Todo eso ayudará a que tu gusto
melódico mejore en gran medida.
No importan con quién estudies, o qué libros uses para aprender, si no escuchas música, nunca podrás
sonar bien. Parte de tu formación está basada en lo que escuchas fusionado con lo que tú eres y lo que
puedas innovar.
Analiza cómo suenan las distintas notas

Toma un acorde con tu mano izquierda y elabora una melodía en la mano derecha. Analiza bien con tu
oido cuáles notas suenan mejores y cuáles no. Deberías poder notar que hay algunas notas que no suenan
bien pero que sí están correctas. Eso significa que, aunque no haya error aparente, no conviene usar esas
notas. Veamos un ejemplo: Si tocas el acorde de C mayor en tu mano izquierda, y haces una melodía con la
escala de C en la derecha, la nota F no sonará tan bien si la repites mucho o si te quedas mucho en ella.
Esto sucede porque entra en conflicto con la 3 nota de tu acorde de la izquierda.  
CLAMA 19
C D E F G A B
Las notas en verde son las del acorde las cuales, obviamente, sonarán bien en tu melodía. La nota en rojo
no sonará bien si la usas demasiado, intenta probarlo y verás. Las notas restantes, en negro, son notas que
sonarán bien en tu melodía y no representan conflicto alguno.
Pregunta y respuesta
Toda la música está basada en la pregunta y la respuesta. Toca algunas notas y luego intenta responderlas.
Si tocas una melodía de 3 notas ej. C D E, podrás responderla con otras tres notas, ej. E D C. Claro que
hay mil combinaciones pero empezar a tratar las melodías a base de pregunta y respuesta te permitirá
darle coherencia a tu improvisación. Si tocas una pregunta más larga, la respuesta será más larga.
LA MELODÍA APRENDIDA
Siempre aprende la melodía de las canciones para acostumbrarte a oírlas con tu propio gusto.
Transcribe
Otra forma de mejorar en la construcción de las melodías es transcribiendo. Antes, transcribir significaba
escribir lo que se oía en una canción. Hoy en día, no necesitas papel y lápiz para hacer eso. Basta con
tomar tu DAW o aplicación favorita y repetir muchas veces la canción, bajarle la velocidad, o lo que sea
necesario para poder tocar lo que estas escuchando.
Si dominas las melodías de tus canciones favoritas o standards de Jazz, tendrás una mejor concepción del
desarrollo melódico.
Hay 3 canciones que Jesús Molina te recomienda tocar completas en su melodía:
1) A Night In Tunisia
2) Autumn Leaves
INTERACTIVO
Mira el video número 11, 12 y 21 “Dessarrollo melódico” y “Ornamento”.
CLAMA 20
ARMONIZACIÓN
Dominantes
Secundarios Cmaj7 Dmin7 Emin7 Fmaj7 G7 Amin7 Bm7b5
Son acordes que aparecen Imaj IImin7 IIImin7 IVmaj7 V7 VImin7 VIIm7b
con el fin de ser resueltos. 5
Son mayores y tienen
séptima menor, ej: D7 Vemos que el G tiene 7 y se construye así:
Enfócate en la
melodía
Siempre la melodía debe ser
lo primero a tener en cuenta
para rearmonizar.
Un acorde sin
límites
Es difícil que una nota de la
melodía no quede con un
acorde si se utilizan Cuando estas notas suenan juntas se genera una inestabilidad
extensiones, alteraciones y sonora que el oido quiere resolver. Se conoce como “Tritono” y es
más recursos en la armonía. un intervalo. Sabemos que este acorde quiere resolver a Cmaj7.
Aunque funcionalmente la
nota sea un “error” el acorde Entonces se puede decir que G7 es el mejor acorde para resolver a
utilizado podrá conllevar esa Cmaj7 o bien, traducido en grados, el V7 es el mejor grado para
nota para aparentar que no lo resolver al Imaj7. Llamamos al V grado, Dominante Primario.
es.
¿Qué ocurriría si creamos otros dominantes pero que nos ayuden a
llegar a los demás grados? Ahí aparecen los Dominantes
Secundarios.
CLAMA 21
DOMINANTES
SECUNDARIOS
Analicemos la siguiente progresión con sus respectivos grados:
Cmaj7 Fmaj7 Dm7 G7
Imaj7 IVmaj7 IImin7 V7
Del primer grado pasamos al cuarto, entonces, un dominante secundario sería agregar un acorde que nos
ayude a llegar mejor al cuarto grado.
Cmaj7 C7 Fmaj7 Dm7 G7
Imaj7 D.S IVmaj7 IIm7 V7
El Cmaj7 se convirtió en un acorde dominante (C7) ya que ahora tiene Bb en su construcción:
C E G Bb
Ahora el C7 nos ayudará a llegar mejor al Fmaj7.
Así, cada grado tiene un dominante secundario.
CLAMA 22
A cualquier grado diatónico de la escala mayor que posea quinta justa se le puede anteceder de un
dominante secundario. Esto es construir un acorde de séptima dominante desde su quinta justa para crear
una tensión a resolver con el acorde original.
Así, por ejemplo en tonalidad de DO Mayor, si tomamos el acorde Dm7 y sobre su quinta LA,
construimos A7, este acorde A7 será el dominante secundario de Dm7, y se cifraría como V7/II.
DOMINANTE SECUNDARIO DESTINO
A7 Dmin7
B7 Emin7
C7 Fmaj7
D7 G7
Como podemos ver en la tabla de arriba, todos los dominantes secundarios enlistados tienen un destino.
E7 Amin7
Se puede romper la regla, pero el propósito de un dominante es ser resuelto.
Analicemos una reconocida pieza que tiene dominantes secundarios.
En rojo, vemos 3 dominantes secundarios. Como podemos ver, entre el primer círculo rojo y el segundo se
gesta una cadena de dominantes secundarios ya que el E7 debería resolver a Am7. Esto no sucede, sino que
resuelve a un A7. Ese efecto se conoce como cadena y da la sensación de que la progresión se extiende.
CLAMA 23
Resuelve
Resuelve
No Resuelve
¿Qué escalas se pueden usar en estos dominantes secundarios para improvisar?
DESTINO DOMINANTE SECUNDARIO ESCALA
Dmin7 A7 Mixolidia b13
Emin7 B7 Mixolidia b9 b13
Fmaj7 C7 Mixolidia
G7 D7 Mixolidia
Amin7 E7 Mixolidia b9 b13
De alguna manera, la escala a usarse, engloba dos factores:
1) Notas del acorde, es decir, del dominante secundario.
2) La escala que mejor se relacione con el acorde de destino.
INTERACTIVO Mira el video número 13 “DOMINANTES SECUNDARIOS”.
ALTERA LOS DOMINANTES SECUNDARIOS
Desde luego que hay manera de alterar un poco los dominantes para que tengan un sonido más
interesante. Tomemos como ejemplo el dominante secundario A7 que resuelve a Dmin7.
CLAMA 24
Las notas de nuestro dominante son las siguientes: A C# E G
A A C# E G
Bass/Root Bass/Root 3era 5ta b7

Raíz Raíz
Lo que haremos será quitar la raíz de la mano derecha y suplantarla por el Bb (9na bemol), y en la mano
izquierda tocaremos la Raíz y la Séptima. Entonces nos quedaría así:
Mano Derecha
Mano Izquierda
b9
3ra b7
Raíz/ Bass b7
Root 5ta
Ya nuestro acorde no será A7 sino A7(b9) donde se le especifica que su 9na es bemol.
Veamos otra opción de alteración para nuestro dominante.
CLAMA 25
3era
b7 9#
La mano izquierda sería igual que el ejemplo anterior, pero en la mano derecha vemos la
interacción entre la 3era la cual es C# y la novena sostenida, la cual sería B#.
Si quisieras darle a este acorde un sonido más tenso e interesante, puedes tocarlo de la siguiente
manera:
3era y 9na
sostenida 5ta
juntas aumentada
INTERACTIVO Mira el video número 14 Y 15 “DOMINANTES ALTERADOS”
“VARIACION DE DOMINANTES”.
CLAMA 26
Du Du Liegst Mir Im Herzen

Jesús Molina te enseña cómo rearmonizar una canción simple y sencilla. Como podrás ver, la canción se
encuentra en la tonalidad de G mayor y tiene sólo 3 acordes: G, D, C.
Realmente son pocos acordes pero funcionan. ¿Por qué? Porque si agrupáramos los acordes que se
obtienen de armonizar la escala mayor, notaremos que hay 3 tipos de grupos tonales. Esto se debe a la
relación que cada grupo tenga con las notas del tritono que vimos anteriormente y que se encuentra en el
5to grado. Veamos cuáles son esos grupos tonales:
1) Tónica: es el grupo más estable ya que no tienen, prácticamente, relación con el tritono. Los grados
que pertenecen al grupo tónica son el I (el más estable de todos), IIImin7, y VImin7.
2) Sub-Dominante: son los acordes que tienen un sonido ligeramente inestables ya que contienen una
de las notas del tritono. Los grados que pertenecen a este grupo son el IVmaj7 y el IIm7.
3) Dominante: son aquellos que, debido a su sonoridad, tienden a ser resueltos. Naturalmente, tienen el
tritono en su configuración siendo estos el V7 y el VIIm7b5.
Bajo esta premisa, vemos que la canción tiene los 3 acordes más representativos de cada grupo y si la
música tiene los 3 grupos, entonces realmente tendrá el sentido de pregunta y respuesta, tensión y reposo
que hemos estado hablando.
Versión Original
# 3 G˙ ™ ˙
& 4 ˙™ œ bœ nœ œ
5
# D G
œ œ ˙™
& ˙™ ˙™ œ
9 C
# ˙
& ˙™ œ bœ nœ œ œ œ œ
13
# D˙ œ œ
G
& ˙ ˙™
CLAMA 27
Variaciones de rearmonización
#3 G E7(b9)
˙
& 4 ˙™ ˙™ œ bœ nœ œ
5 D7(b9)
# A‹7 œ œ
G
˙™
& ˙™ ˙™ œ
9 E7(b9) A‹7
# ˙
13
# D7˙ œ œ
D7(b9) G
& ˙ ˙™
Aquí vemos los acordes que se agregaron. Otros se modificaron para que, los agregados, tengan mayor
sentido. Por ejemplo, al agregar el E7(b9) la tensión que se crea necesita ser resuelta, entonces, se tuvo que
agregar el Amin7 para que la progresión del dominante secundario sea más eficiente.
Tip: Utiliza las inversiones y mueve el bajo para lograr darle un color distinto y más movimiento como lo
hace Jesús Molina.
Aquí verás un nuevo recurso. La melodía en los primeros dos compases se repite, entonces, puedes utilizar
un recurso para darle movimiento armónico.
# 3 G˙ ™ GŒ„Š7 E7(b9)
& 4 ˙™ œ bœ nœ ˙ œ
5 D7(b9)
# A‹7 A‹(Œ„Š7)
œ œ
G
˙™
& ˙™ ˙™ œ
9 E7(b9) A‹7
# ˙
13
# D7˙ œ œ
D7(b9) G
& ˙ ˙™
CLAMA 28
No nos olvidamos del dominante primero

Aquí puedes ver una opción para rearmonizar el D7. No olvides practicarlo en todas las tonalidades.
Mano Derecha
Mano Izquierda
Un nuevo recurso para rearmonizar

Hay un tipo de acorde que se llama oncena aumentada que puede ser extremadamente útil para
rearmonizar con un concepto más abierto. Podríamos entrar en la teoría pero nos llevaría mucho tiempo
de explicación. Sin embargo, hay una manera más sencilla de verlo, tal y como Jesús lo aplica en la clase.
Básicamente, consta de mantener la melodía y rearmonizar usando el bajo en la séptima de cada acorde, o
un tono atrás de la raíz, como prefieras verlo. Si tuviéramos que cifrarlo quedaría así:
B¨/A¨
C©‹7
# 3 G/F™ E7/D
˙
& 4˙ ˙™ œ bœ nœ œ
5 C/D
#F/E¨ D/E
œ G&
& ˙™ ˙™ œ œ ˙™
9 A‹7
# E7/D C©‹7 B¨/A¨
˙
13
# D7˙ œ œ
D7(b9) G
& ˙ ˙™
INTERACTIVO Mira el video número 16 “ONCENA AUMENTADA”.
CLAMA 29
Movimiento interno de voces

Para desarrollar esta técnica, es necesario entender algunas cuestiones de voicing.
Llamamos voicing a la disposición de las notas dentro de un acorde. Cuando hablamos de armonía
aplicada al piano, vemos que el pianista utiliza ambas manos para elaborar acordes. Lo más común es que
con su mano izquierda toque los bajos e inversiones de los acordes, y con la derecha el resto del acorde.
Inversiones: Si tenemos un acorde de 4 voces, ejemplo Cmaj7, lo formamos así -C E G B- pero hay una
manera de cambiar el orden de las notas del acorde y que siga siendo Cmaj7. En los acordes cuatríadas
tenemos 1 posición fundamental y 3 inversiones:
Fundamental: C E G B
Primera Inversión: E G B C
Segunda Inversión: G B C E
Tercera Inversión: B C E G
Es el mismo acorde pero invertido. En el ejercicio anterior había que ir moviendo los acordes conforme a
la melodía y sin la aplicación de inversiones no hubiera sido posible. Por eso, debes estudiarlas en
profundidad y mucho.
Para anotar inversiones y cifrarlas, se utiliza un slash o barra para separar el acorde del bajo:
C / E (Do con bajo en Mi) Significa que estamos utilizando la primera inversión del acorde, la cual
empieza en su tercera.
D / A (Re con bajo en La) Significa que estamos utilizando la segunda inversión del acorde de D.
Cómo aplicarla de una manera compleja

Para aplicar el concepto de voicing interno debemos distribuir las notas de una manera más dinámica que
sólo tocando el bajo con la mano izquierda. Una de esas maneras es tocando, en la izquierda, Raíz y
Séptima. Otra opción es tocar Raíz, tercera y séptima. En la derecha, entonces, nos queda la posibilidad
de agregar más notas y que nuestro acorde final suene mucho más grande. Observa el siguiente acorde de
C tocando 3 notas con la mano izquierda y el resto con la derecha:
Ahora sí, teniendo acordes más grandes, el centro de éstos puede ser movido para generar el efecto que
estamos buscando.
INTERACTIVO Mira el video número 17 “MOVIMIENTO INTERNO”.
CLAMA 30
REARMONIZANDO
UNA BALADA
Rearmonizar tiene que ver con generar armonía que no estaba sobre una melodía, sin que choque con ésta
última. La melodía es el eje central de la rearmonización porque plantea los límites que se usarán para
rearmonizar. Parece limitante pero no lo es.
Si la melodía canta un C, piensa…. ¿Cuántos acordes tienen la nota C? MILES!! Por lo cual, las
posibilidades son casi infinitas. El problema es que los músicos, a veces, encuentran comodidad en el tono
raíz y no se arriesgan a probar acordes que salgan de la tonalidad.
En los primeros acordes que Jesús Molina toca en el himno “Oh Tu Fidelidad” de la clase 12, aparecen
acordes con una sonoridad que desestabiliza la concepción habitual que tenemos. Esto ocurre porque no
antepone el límite de lo tonal y explora nuevos horizontes en los acordes.
Un dominante primario alterado

El primer acorde de la canción es un dominante . Jesús lo toca de la siguiente manera:
Raíz b7 b 3 #11 13 Raíz - Nota de la

melodía
Puedes usar este acorde para resolver al primer grado, o bien, tocar los dominantes secundarios con todas
estas notas y sonarán increíble.
CLAMA 31
TIP: Todos los acordes que conozcas, incluyendo los que aprendas en este curso, conviértelos en melodía.
Úsalos para improvisar. Aunque no conozcas las escalas que deben usarse en ciertos acordes, con que
toques las notas de éste desarrollaras un instituto auditivo que te ayudará a descubrir qué notas o qué
escala puede quedar mejor. Al finalizar, tal vez no te sepas el nombre de la escala que descubriste, pero no
importa.
Veamos, nuevamente, el acorde anterior:
El acorde esta formado por 5 notas distintas ( F G# B C# E) y dos repetidas (G y G agudo).
Si tomas en cuenta que una escala estándar tiene 7 notas y 5 ya las estas usando, entonces tan solo debes
descubrir 2 notas faltantes para que tengas tu escala completa a la hora de improvisar.
INTERACTIVO Mira el video número 18 “UN ACORDE BILL EVANS”.
CLAMA 32
BILL EVANS
Un romántico del
Jazz
Es uno de los pianistas más
importantes en la escena del
Jazz.
Rompía algunas
reglas
Sin duda tenía un sello
característico ya que usaba la
armonía de una manera que
no se usaba anteriormente.
Estudiarlo cambiará
tu vida
Si quieres tocar cualquier
estilo de música que contenga
información armónica
compleja y profunda, debes
estudiar a Bill Evans.
Algunos acordes forzarán tu

técnica para estirarse ya que, Jesús Molina explica un Two Five One tipo Bill Evans.
como vimos anteriormente, los
voicings distribuidos de Una melodía de décimas.
distintas maneras te ayudan a
lograr acordes más gordos y
Conocemos el intervalo de octava el cual consta de tocar una
grandes. nota y 7 notas arriba o abajo. Bill Evans solía utilizar, entre otras
cosas, intervalos más grandes: décimas.
CLAMA 33
Una vez teniendo la armonía del Two Five, se combina una melodía de décimas entre la nota más aguda y
una nota intermedia como nos muestra Jesús Molina en la video clase.
Drop 2
El Drop Dos es una disposición de voicing que Bill Evans utilizaba bastante, y muchos otros pianistas en
la escena del jazz. También, las técnicas de Drop sirven para armonizar u orquestar otros instrumentos
como metales, etc.
Para explicar cómo funciona la técnica del Drop 2 es necesario tomar de ejemplo un acorde de 4 voces.
Aquí tenemos Cmaj7 con las voces enumeradas. No estamos hablando de grados sino del orden de las
voces y la más aguda es la primera.
C E G B
4 3 2 1
Entonces el Drop 2 consiste en tomar la segunda voz y pasarla o “dejarla caer” a la parte más grave
quedando así.
G C E B
4 3 2 1
Melodías armonizadas en bloque

Otra de las cosas que Bill Evans usaba mucho es tocar en bloque. Moverse en “Block Chords” significa que
toda la mano armoniza nota por nota la melodía. Utiliza las notas de la escala o de la tonalidad para
construir los acordes que te ayudarán. Recuerda que si estas tocando en modo menor puedes usar la
armonización de la escala con 6tas, como vimos anteriormente.
Recuerda echar un vistazo a las piezas del Real Book, donde encontrarás cientos de standards de Jazz para
aplicar estos conocimientos.
INTERACTIVO Mira el video número 19 “PEQUEÑO FRAGMENTO BEAUTIFUL

LOVE”
CLAMA 34
DESARROLLO
RÍTMICO
No existe música sin ritmo. Incluso, la melodía tiene ritmo implícito. Así que el dominio de
células rítmicas es indispensable para enriquecer todo lo que hagamos: improvisar, armonizar,
componer, arreglar.
La concepción rítmica viene con la escucha. Oir música rítmica será importantísimo para
desarrollar este aspecto. La Salsa, Samba, Folklore, y muchos estilos más, están basados en el
ritmo.
Si tienes algún instrumento de percusión en tu casa, puedes practicar distintos patrones

rítmicos con las dos manos. Varios músicos como Michel Camilo, Chick Corea, saben tocar
batería o percusión. Y si escuchas la música de ambos verás que es extremadamente rica en
ritmo.
La base del ritmo

Sin duda, el eje central del ritmo es la subdivisión. La música puede subdividirse utilizando
figuras rítmicas. El ritmo es, en definitiva, acentuación.
Hay un ejercicio para bateristas y percusionistas basado en la combinación de ambas manos.

Se conocen como Paradiddles y consta de lo siguiente:
L = Mano Izquierda
R = Mano Derecha
CLAMA 35
Intenta tocar el ejercicio con las dos manos. Puede ser sobre la mesa o sobre el piano, eligiendo dos
notas o más en cada mano. Las notas que elijas son libres, no importa. Lo que nos importa es que hagas
la combinación de las manos según el orden planteado por el ejercicio.
El símbolo > representa un acento sobre la nota a la cual se aplica. Dale un poco más fuerte en esas
figuras para marcar el acento.
INTERACTIVO VIDEO DE APOYO 20 “DESARROLLO RÍTMICO”.
> > > > > >

/ œœœœœœœœœœœœœœœœ œœœœœœœœœœœœœœœœ
RL RR LR L L RL RR LR L L RL RR LR L L RL RR LR L L
La acentuación es la manera más clara de generar distintas sensaciones de desplazamiento ya que,

aunque se esta tocando lo mismo, el contraste entre las figuras fuertes y las débiles pueden dar una
cadencia única. No es difícil de hacer pero requiere práctica.
Dos y Dos
Otro rudimento para ambas manos es la combinación de dos movimientos por manos.
> > > > > >

/ œœœœœœœœœœœœœœœœ œœœœœœœœœœœœœœœœ
RR LL RR L L
Dos y Dos Ternario

Algo más de subdivisión, esta vez en ternario.
INTERACTIVO Mira el video número 20 del material de apoyo.
CLAMA 36
ENSAMBLE
En esta última sección veremos algunos consejos que Jesús Molina da para cuando hay una banda
tocando. Observa las video clases de ensamble con A Night In Tunisia y Softly As In The Morning
Sunrise, para ver cómo sacarle el mayor provecho a tu banda.
Interplay
Es la habilidad de tocar un instrumento escuchando al resto y priorizando el sonido final de la banda y
no el propio. Cuando estas tocando tu piano, puede que el bajista haga alguna ornamentación, o el
baterista haga un fill, o el guitarrista despliegue su creatividad haciendo un adorno. Si tú no priorizas el
interpela y no escuchas lo que está sucediendo, podría pasar que tus figuras choquen con los de otro
instrumentista y se pierda lo importante: el sonido de la banda.
Para mejorar en el Interplay, lo primero es aprender a escuchar. Oir es más importante, incluso, que
tocar. Cuando escuchas lo que otros hacen, por sobre lo que tu voluntad quiere hacer, te surgirán ideas
que complementarán el mensaje final. Piensa en el Interplay como un diálogo donde hay varias personas
hablando. Si a la hora de que alguien va a decir algo importante, tú u otra persona lo interrumpe, se
pierde el mensaje final.
Ubícate en tiempo y espacio

Analiza el contexto musical. ¿Qué formación tiene la banda? ¿Cuántas personas son? ¿Hay voz? ¿Quién
lleva la melodía? No es lo mismo tocar piano con Bajo y Batería que si, también, hubiera guitarra.
Porque, considerando que la guitarra también puede tocar armonía en un comping, si tus acordes varían
demasiado y los que el guitarrista toca, también, se volverá una confusión armónica importante.
También, toca el piano conforme la formación que tienes. Si el arreglo que escribiste está lleno de
arreglos pianísticos, mucho ritmo, y más… entonces no dejarás espacio para que la guitarra, por
ejemplo, haga figuras rítmicas. Tampoco permitirías que el bajo toque Slap, porque éste suele tocarse
con muchas figuras.
“Si tocas en banda, que suene a banda y no a un pianista solista.”
CLAMA 37
Utiliza el ritmo como parte de tu solo

Puedes usar variaciones rítmicas para que tu solo cobre vida. Si sólo tocas escalas en semi corcheas el solo
se volverá tedioso y poco propositivo. Pero si haces variaciones rítmicas que frenen el ritmo y luego lo
aceleren, etc… podrás tener un recurso poderosísimo para improvisar.
Una de las ventajas del ritmo es que no tienes que practicarlo sobre un piano, necesariamente. Sobre una
mesa, en el café, en el transporte público, en un auto, puedes practicar. Si eres de esas personas que todo
el tiempo está golpeando y haciendo ritmo, dale a esa energía, un sentido mayor de aprendizaje.
Apóyate en la batería
Un baterista tiene la habilidad de manejar muchas variaciones rítmicas. También tiene la posibilidad de
cambiar el ritmo drásticamente y tomar una dirección distinta. Si, como pianista, logras adaptarte a esas
variaciones, toda la banda tendrá un sentido más apretado, más pocket.
Compases compuestos
Es increíble poder tocar métricas difíciles, pero no te olvides que siempre lo que se debe priorizar es la
música y la pieza en sí. Si la dificultad del ritmo hace que sólo se escuche una canción difícil de digerir,
ininteligible musicalmente, sin melodía y sentido, entonces es preferible tocar en 4 cuartos.
A veces es preferible tocar en 4 cuartos utilizando recursos de acentuación y desplazamiento para que
suene distinto y la gente “crea” que es otra métrica. Esto te dará más creatividad que sólo intentar hacer
cosas difíciles. Es como tratar de tocar todo el tiempo “outside” termina por ser una muletilla que sonará
repetitivo y poco congruente.
Escucha música y Transcribe

Hemos hablado bastante de esto en el curso, pero si tuviera que resumir todo lo visto, diría que lo mejor
es escuchar música. Nutrirte de otros. Siempre es necesario tener una fuente de inspiración; busca la tuya.
No importa quién, al principio tal vez sea música que logras digerir mejor. Mas adelante, quizás, te
interesen los compases irregulares más difíciles que hay; luego te gustará el Jazz tradicional, y así
sucesivamente habrá cambios en tí que te permitirán aprender de otros músicos para luego elaborar tu
sonido propio.
CLAMA 38
Has llegado al final de este método de piano.
Gracias por adquirir el curso de Jesús Molina Piano Essentials.
CLAMA 39

Metodo Piano Essentials

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Metodo Piano Essentials

Cargado por

Información del documento

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Metodo Piano Essentials

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Piano Esencial 4 de octubre de 2021

Bienvenido/a al curso Piano Essentials dictado por Jesús Molina.

A diferencia de otras intervenciones de Jesús Molina en material de

Jesus Molina y Lisandro Pidre

CÓMO USAR LOS ARCHIVOS MIDI

• Desarrollar un motivo simple

Utiliza el MIDI en tu DAW favorito,

Utiliza el MP3 para improvisar al

Utiliza el Backing Track para

Ahora, tomamos el grado VI y tocamos la escala partiendo de ahí

Nos quedaría así:

I II bIII IV V bVI bVII

I II bIII IV V bVI bVII

I II bIII IV V bVI VII

Esta escala te recordará a Bach.

Mira el video número 5 llamado “MODOS MENORES”.

Utilicemos como ejemplo la escala de C mayor.

Mira el video número 6 llamado “ARMONIZACIÓN DE UNA ESCALA”

Armonización de la escala de Re Menor

Mira el video número 7 llamado “ARMONIZANDO TIPO BLOCK CHORD”

Los arpegios cómo método de técnica

Mira el video número 8 llamado “CLÁSICO TWO FIVE”.

Si tocamos la escala natural de C nos quedaría de la siguiente manera:

Si tomamos la misma escala, pero en vez de empezar en C, lo hacemos en D, entonces quedaría

De igual manera, podemos construir una escala pero partiendo de E:

Vemos que corresponde al 5to grado.

Entonces F Mixolidio significa que F es quinto. ¿De dónde es 5to F? De Bb mayor.

Entonces F mixolidio es así:

Pongamos otro ejemplo:

Observa la clase para aprender cómo Jesús practica el Staccato.

Nivel de Touch o Velocidad

Suele haber 4 modos de curva:

Intenta no sonar a patrón

La mejor manera de evitar sonar a patrón es utilizando la combinación de distintas técnicas o

HANON “El pianista virtuoso”

Incluso, dentro del Jazz, puedes escuchar pianistas

Analiza cómo suenan las distintas notas

Hay 3 canciones que Jesús Molina te recomienda tocar completas en su melodía:

Mira el video número 11, 12 y 21 “Dessarrollo melódico” y “Ornamento”.

Cmaj7 Fmaj7 Dm7 G7

Imaj7 IVmaj7 IImin7 V7

Cmaj7 C7 Fmaj7 Dm7 G7

Imaj7 D.S IVmaj7 IIm7 V7

El Cmaj7 se convirtió en un acorde dominante (C7) ya que ahora tiene Bb en su construcción:

Ahora el C7 nos ayudará a llegar mejor al Fmaj7.

Así, cada grado tiene un dominante secundario.

DOMINANTE SECUNDARIO DESTINO

Analicemos una reconocida pieza que tiene dominantes secundarios.

¿Qué escalas se pueden usar en estos dominantes secundarios para improvisar?

DESTINO DOMINANTE SECUNDARIO ESCALA

Dmin7 A7 Mixolidia b13

Emin7 B7 Mixolidia b9 b13

Amin7 E7 Mixolidia b9 b13

De alguna manera, la escala a usarse, engloba dos factores:

1) Notas del acorde, es decir, del dominante secundario.

2) La escala que mejor se relacione con el acorde de destino.

INTERACTIVO Mira el video número 13 “DOMINANTES SECUNDARIOS”.

ALTERA LOS DOMINANTES SECUNDARIOS

Las notas de nuestro dominante son las siguientes: A C# E G

Bass/Root Bass/Root 3era 5ta b7

  Bienvenido/a al curso Piano Essentials dictado por Jesús Molina.