INSTITUCIÓN EDUCATIVA RURAL “LA INMACULADA CAUCHERAS”

MUTATÁ-ANTIOQUIA-COLOMBIA
NIT. 900.144.490-9 DANE:205480000341

Creada mediante Ordenanza Departamental No. 33 de 1968 y aprobada mediante las Resoluciones
Departamentales No. 0508 del 23 de enero de 2003, No. 0966 del 9 de julio de 2004, No. 11342 del
23 de diciembre de 2004, No. 7251 del 28 de junio de 2005, No. 26954 del 18 de diciembre de
2007, No. 08104 del 02 de mayo de 2008, No. 050906 del 23 de mayo de 2013, No. 037080 del 7 de
mayo de 2014, No. 131113 del 05 de noviembre de 2014 y No. 132339 del 13 de noviembre de 2014
I. DATOS GENERALES

DOCENTE WALTER ELID MURILLO PALACIO

NIVEL: 10 BÁSICA JORNADA: MAÑANA
PERÍODO 4 SEMANA 2
ASIGNATURA: Educación Artística GUÍA N° 2 Historia de arte (arte decó, Arte
psicodélico, arte minimalista)
OBJETIVO Relacionar el arte y sus diferentes momentos históricos
DBA
FECHA DE INICIO TALLER: 19/10/2021 FECHA DE DEVOLUCIÓN DEL TALLER: 29/10/2021
MEDIO DE RECPCIÓN TALLER: Físico o virtual WhatsApp 320 592 79 59

2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA
Estimados padres de familia y educandos del grado, DECIMO esta guía taller, sobre artes consta de dos partes una de
lectura de conocimiento general y la otra práctica, en tu cuaderno.
2.1. INTRODUCCIÓN
El arte decó:
Es un movimiento artístico de diseño que se hizo muy popular y conocido en 1920 y
que siguió hasta el 1939. Este estilo de arte fue una gran influencia positiva para las
artes decorativas por ejemplo para el diseño gráfico, para el diseño de interiores o
para la arquitectura. Además, también tuvo una gran influencia positiva en las artes
visuales como la cinematografía, la pintura, la moda, la escultura o el grabado.

El arte Decó es el aquel estilo artístico que tuvo lugar en las primeras décadas del
siglo XX, aunque su período de mayor auge y crecimiento fue la década de 1920.
París fue la ciudad donde surgió y pronto se extendió a lo largo de Europa, así como también en Estados Unidos y
algunos países sudamericanos.
Este tipo de arte influyó positivamente en todas las artes decorativas como por ejemplo son la arquitectura, el diseño
gráfico e industrial y el diseño de interiores, además no solo influyó positivamente a las artes decorativas, sino que
también influyo en las artes visuales como por ejemplo puede ser la escultura, la cinematografía, la moda, el grabado y
la pintura. El término Art Déco, abarca un amplio abanico de ramas y especialidades del arte y la artesanía. Es por eso
por lo que este arte se ha considerado muy importante ya que influyó a varias modalidades de representación.
 Tiempo después de la Exposición Universal que se realizó en 1900 en París,
diversos artistas franceses como puede ser Héctor Guimard, Paul Follot, Emile
Decour, Raoul Lachenal, entre otros artistas fueron formando un grupo formal que
se dedicaba principalmente al tipo de arte déco de vanguardia. En el año 1925 se
organizó otra Exposición denominada como “Exposición Internacional de Arte Déco
e Industriales Modernas” aunque el concepto de arte déco se originó en una
retrospectiva denominada “Les Annés 25” que fue una exposición que se realizó en
Paris. Por esta misma razón el concepto de arte déco es una apócope de termino
francés “décoratif”. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos
geométricos y vegetales.
2.2. SABERES PREVIOS
Definición por Alastair Duncan, en la Enciclopedia of Art Déco:

No es fácil definir las principales características del Art Déco, este

estilo atrajo una multitud de diversas contradictorias influencias que
vinieron de los estilos pictóricos de vanguardia, como el Cubismo, el
Constructivismo Ruso y el Futurismo Italiano -abstracción, distorsión y
simplificación. Pero estos no fueron todos: un examen del repertorio
de motivos estandarizados del estilo tales como -racimos de flores
estilizadas, jóvenes doncellas, geométricos y ubicuos frutos- revelan
influencias del mundo de la alta moda, de Egipto, el Oriente, la África tribal y de los Ballets Rusos de Diaghilev. A partir
de 1925 el creciente impacto de la máquina puede ser discernido en repetidas y superpuestas imágenes, o más tarde,
en los treinta, por formas modernizadas derivadas de principios aerodinámicos. Todas estas influencias artísticas,
determinó el término Art Déco”.

Definición por Fancy Susan Sternau en la obra Art Déco:

Este estilo de arte se desarrolló en París y más tarde se fomentó este arte en
Hollywood como el estilo de las estrellas, siguió en Francia y se identificó como un
símbolo del glamour. Art Déco, es un conveniente término usado para describir arte
decorativo en el período entre las dos guerras mundiales, y refiere a un estilo que es
clásico, simétrico y rectilíneo. Se desarrolló durante los años 1908 a 1912 y alcanzó
un alto punto de 1925 a 1935. Este estilo influenció en otros movimientos como el Art
Nouveau, Cubismo, el Bauhaus y el arte de Egipto, el Oriente, “Africa y las Américas.

Origen de este tipo Arte Déco

Como hemos dicho anteriormente este tipo de arte llegó a la fama en el año 1920. Su
característica principal es que a diferencia de otros movimientos de diseño que tienen raíces filosóficas o políticas el
arte déco era puramente decorativo y por lo tanto se consideraba como un estilo muy burgués. Aunque las influencias
que originaron esta clase de arte era estilísticas y formales, esta modalidad de arte es sólido y además tiene una
identidad propia que le hace diferenciarse de los demás tipos de arte. Este tipo de arte no trata de anacronismo ni
tampoco de historicismo, es un arte fiel al periodo y en sus obras de arte se puede ver un anticipo de la Revolución
industrial. Es por ello por lo que el significado de las obras de esta clase de arte gira en torno a la ciudad, a lo urbano,
al progreso, a la maquinaria y al ordenamiento. Este tipo de arte fue un arte muy funcional, modernista y elegante,
además fue un gran avance con diferencia del arte nouveau ya que el arte déco fue mucho más destacado y exitoso.
art déco London Características principales de esta modalidad de arte
Este tipo de características fueron usadas tanto en la arquitectura como en la decoración, entre ellas podemos destacar:
No presenta exuberancia y exageración como sí lo hacía el Art Nouveau ya que el contexto sociopolítico de la época de
entreguerras era muy complejo y suponía una búsqueda de la simplicidad y de las formas más auténticas antes que del
lujo y del gasto.
Buscó la decoración por encima de la funcionalidad.
La característica principal de esta modalidad de arte básicamente es la geometría vigente
del cupo, es decir, para entenderlo mejor se basa en la línea recta, la esfera y los zigzags
que son una técnica imprescindible.
Las formas son más simples y planas, el interés por la belleza y el arte nunca fueron
dejados de lado.
Intenta representar diversas abstracciones que muestren la naturaleza con sus fluidos
acuáticos, nubes ondulantes y rayos luminosos producidos por el sol.
Usa imágenes de fuentes congeladas de manera ascendente.
Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y
usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas. También representaban
elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por
medio de delineaciones geométricas.
Comienza a usar nuevos materiales como por ejemplo son el plástico, la madera de ébano, el cromo, las pinturas
naturales de zapa, de tiburón, entre otros materiales menos utilizados es otros estilos como la baquelita, el cromo, el
palisandro y el carey.
En la arquitectura, además de usarse de forma continua las figuras geométricas, entre estas formas geométricas es
común encontrar rayos o líneas oblicuas, círculos, arcos de medio punto, puntas redondeadas, triángulos, líneas rectas.
También se recurre a los acabados escalonadamente y con proas marítimas que son los que sostienen los mástiles.
Además de usar puertas ochavadas, arcos y utiliza diversos y lujos materiales como puede ser el aluminio, el mármol y
el granito.
La utilización de figuras humanas. Estas figuras representaban hombres
obreros, gimnastas y en general los habitantes de la época, aunque también
hacia una grata representación de mujeres que eran participes de la producción
econocmica e iban vestidas con una moda mucho más atrevida y con el pelo
corto a modo de chico, además en diversas representaciones de mujeres estas
fumaban y eran participes de cocteles, por lo tanto se podía presentir que la mujer
estaba dotada de una gran libertad.
Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o
inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de
Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
Los artistas más destacados de esta clase de arte
Jean Dupás: desarrolló un estilo abstracto altamente personal que con sus alargamientos y sus expresiones
deshumanizadas, supo captar con gran precisión el espíritu de la época.

Robert Eugène Poughéon: este artista desarrolló un estilo abstracto en el cual destacaba por sus temas de la anatomía,
por una musculosidad pronunciada y angulosa, muchas veces heroica en sus proporciones o por la presencia de las
figuras alegóricas en ambientes naturalistas. Fue un artista muy importante dentro del Arte Déco.

Jean Gabriel Domerge: desarrolló su talento en la pintura. Creaba retratos atractivos de personajes mundanos de París,
estrellas del teatro y desnudos. Mezclaba imágenes neoclásicas y modernas en unas composiciones extrañas pero
atractivas y disponía sus figuras en escenarios arquitectónicos.
 Tamara Lempicka: esta pintora nació cerca de Varsovia, siendo una de las artistas en pintura más importantes y
representativas del Arte Déco. Se inscribió en la Academia Ramsom, donde estudió con Maurice Denis, discípulo de
Cezanne, y con André Lhote, el teórico del cubismo, de donde se ve su influencia por el
uso del claroscuro para dramatizar el impacto visual de sus figuras. Desarrolló un estilo
personal, enigmático, donde predominaban las imágenes angulares contrastadas y los
colores brillantes, con una notable carga de sexualidad. Llegó a pintar unos cien retratos,
siendo muchos de ellos desnudos y otros aparecían sobre un fondo de rascacielos
neoyorquinos.

Entre los artistas destacados de esta modalidad de arte tenemos que distinguir en dos
tipos los arquitectos y pintores. Por lo tanto, los arquitectos más destacados fueron:
Raymond Hood, L. Murray Dixon, Octavio Pérez Picó, T.L. Pflueger, William Van Alen,
Henry Hohauser, Miguel Zurita Quispe, entre otros arquitectos. A la hora de hablar de los pintores más famosos de esta
clase de arte tenemos que destacar a: Alexandra Ekster, Lewis Sue, Federico Beltrán Masses, Vadym Meller, Pierre
Legrain, Rafael de Penagos Zalabardo, Maurice Ascalon Robert Mallet- Stevens, François Jourdan, entre otros pintores
más.

atr déco cityEjemplos del Arte Decó

Buenos Aires: el estadio del Club Atlético HURACÁN situado en el sur de su ciudad fue el primer estadio Art Déco toda
América.

Miami Beach: tiene una vasta colección de edificios art déco, con alrededor de treinta manzanas de hoteles y edificios
residenciales de los años 20 a los 40.

Los Ángeles: tiene también una abundante arquitectura art déco, edificios como el Bullocks Wilshire y el Pellissier
Building, construidos en 1929 y 1931.

La Habana: es unos de los mejores ejemplos sobrevivientes del arte y la arquitectura Art Déco, como ejemplo el Edificio
Bacardí que se destaca por un estilo particular que refleja los temas clásicos del art déco.

Montevideo: existen varios ejemplos notables de arquitectura Art Déco, como el Palacio Rinaldi.

Nueva Zelanda: la ciudad de Napier fue reconstruida en estilo Art Déco después de haber sido
destruida por un terremoto en el 1931.

Londres: El London Underground también es reconocido por tener en sus estaciones variados
ejemplos del Art Decó.

China: al menos sesenta edificios Art Déco fueron proyectados por el arquitecto húngaro Laszlo
Hudec , y sobreviven en el centro de Shanghái.

Kansas city: esta ciudad tiene como representante del Art Decó con el Power and Light Building, terminado en el 1931.
Este edificio es un gran ejemplo de la Gran Depresión y sus efectos en la construcción Art Déco.

España: es posible encontrar muchas muestras del estilo Art Déco, como ejemplo de ello es la Gran Vía de Madrid o el
Paseo de Gracia en Barcelona, donde el art Déco convive con el modernismo.

Arte psicodélico:
 El arte psicodélico, también nombrado como arte lisérgico, es una modalidad de arte que trata principalmente de las
experiencias que tiene una persona con las drogas alucinógenas como por ejemplo el LSD. Además este estilo fue
llamado “psicodélico” porque su significado es “manifiesto del alma”.

El arte psicodélico o también denominado arte lisérgico surgió en la década de los 60, cuando
aparecieron las drogas alucinógenas, es una manifestación de la mente o del alma, un tipo de
arte que está basado en las experiencias de las drogas alucinógenas,como puede ser el caso
del peyote, LSD, entre otras drogas más, que alteran la percepción de la realidad y produce
diversos efectos. Aunque evidentemente el concepto de “lisérgico” hace alusión a la
calificación de la sustancia química del LSD. Aunque podemos llamarlo de las dos, ambos
términos tienen diferentes orígenes, el primero ya lo hemos dicho y el segundo concepto el de
“psicodélico” fue denominado así por un psicólogo de gran Bretaña llamado Hymphry Osmond.
El significado del término “psicodélico” es “el manifiesto del alma”.

Psicodélico es un estado psíquico de una persona que está bajo la influencia de un

alucinógeno, haciendo que el individuo tenga una percepción de aspectos de la mente, que
suelen estar ocultos. La experiencia psicodélica es el proceso que se genera cuando una droga
u otro factor estimulante que, alterando la conciencia, traen sensaciones similares al sueño,
psicosis y éxtasis religiosos.

También se conoce como arte psicodélico a aquel que imita, a través de imágenes y/o
sonidos, las sensaciones que se experimentan al hacer uso de alucinógenos. Si bien cualquier
trabajo de tipo artístico que busque exteriorizar el mundo interior de la mente puede
considerarse psicodélico, por lo general se utiliza esta denominación, para hacer referencia a movimientos que tuvo
lugar en la década de 1960 denominado “contracultura”, término acuñado por un historiador norteamericano llamado
Theodore Roszak.

Este tipo de arte se puede observar en muchos ámbitos del arte como por ejemplo en las artes visuales, en la literatura
o en la música. Es evidente, que todas las obras muestran un esfuerzo artístico muy elevado en el cual el artista intenta
proyectar o representar el mundo interior característico de la psiquis, aunque la definición común de este tipo de arte
hace referencia al movimiento artístico, que sufrió los años sesenta (del siglo XX), de contracultura. Tiempo después
surgió una revitalización del consumo de drogas con objetivos artísticos, aunque el movimiento que lo hizo posible se
denominó “movimiento rave” y fue apoyado por las tecnologías nuevas de computación que fueron apareciendo en los
últimos años de este siglo.

arte psicodélico mental Además en las artes visuales psicodélicas fueron una medida subordinada de la música
psicodélica, en especial fue la música pop. Sin embargo, no solo podemos ver el arte psicodélico en la música, en la
literatura, entre otros, sino que también podemos observarlo en portadas de discos, cómics, murales, posters
publicitarios entre otros medios similares que utilizaban este tipo de arte para reflejar diferentes patrones caleidoscópicos
que tenían las alucinaciones lisérgicas. Estas alucinaciones tenían diferentes interpretaciones, aunque la clave principal
para entenderlas era el sentimiento político y social, además de los espíritus revolucionarios que poseían los artistas.
Aun así, se ha de decir que en estos últimos años se han apreciado diferentes películas en el cine que divulgaban
imágenes creadas por el arte psicodélico, como por ejemplo una odisea en el espacio, 2001, entre otras películas más.
En estas películas podemos observar que durante diversos minutos se proyectan únicamente luces de colores de
manera radial.

Origen de este tipo de arte

La Psicodelia es una corriente, un movimiento que adquiere especial relevancia a partir de la segunda mitad de la
década del sesenta del siglo pasado y continua hasta la primera parte de la siguiente, la década del setenta. Si bien
luego de la década del setenta la Psicodelia pierde fuerza ante el nacimiento de otras corrientes que la desplazarán,
pero la psicodelia supo dejar su impronta especialmente en la publicidad, el video clip, el cine, la música y el arte
psicodélico.

Todos los esfuerzos artísticos por proyectar el mundo interior de la psiquis pueden ser considerados
“psicodélicos”; pero en el uso habitual, así como en la bibliografía especializada, las expresiones “arte
psicodélico” o “lisérgico” se refieren concretamente al movimiento artístico de la contracultura de los
años 60, ya que lo que plantea y ofrece a sus seguidores es una vía de escape a los límites que nos
impone la conciencia y la vida cotidiana del sistema dominante. Posteriormente hubo una revitalización
del uso de drogas con fines artísticos por el movimiento rave, ayudado por las nuevas tecnologías de
la computación, en la última década del siglo.
El arte psicodélico salió a la luz con pequeños movimientos que los modernistas del arte realizaron, evidentemente todos
estos artistas consumían drogas psicodélicas ya que las consideraban como una fuente de inspiración.
arte psicodélicos artes visuales psicodélicas se dieron paralelamente y, en cierta medida,
subordinadas a la música psicodélica, especialmente la música pop, que fue la más difundida
socialmente. Se usaron varios medios para reflejar los patrones caleidoscópicos de las
alucinaciones lisérgicas, que recibían todo tipo de interpretaciones en clave de sentimientos
sociales, políticos y espirituales revolucionarios inspirados por esos estados alterados de
conciencia, como los Posters de conciertos, portadas de discos, shows de luces, murales,
cómics, fanzines.

Muchas personas piensan que este tipo de arte fue un antecesor del movimiento surrealista, ya que este era un intento
de representar imágenes fantásticas y alucinógenas. Por esta misma razón los artistas surrealistas cogieron la idea del
psicoanálisis freudiano y representaron sueños inspirados en la idea.

3. PRESENTACIÓN TEMÁTICA
Características principales de este tipo de arte
Entre las características principales de este tipo de arte podemos destacar:

Los colores brillantes o con un elevado contraste entre ellos.

Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entópicos.
La transformación de los patrones y objetos e incluso a veces representaban un collage.
La introducción de fenómenos entópticos y temas fosfénicos.
En todas las obras se puede apreciar una elevada profundidad en los detalles, además de una gran estilización de ellos.
Se usaban de manera usual las pautas caleidoscópicas, fractales o la inspiración de diseños persas.
La psicodelia es un estado exaltado y revolucionario con abundancia lineal y colorista.
En los diseños predominan las formas radiales, espirales, clonaciones, repeticiones, expansiones de formas… Igual que
si estuviésemos drogados y viésemos el mundo con gran trastorno mental.
Es un mundo con leyes propias, sin gravedad, sin leyes, libre y fantástico.
Combinaciones de colores, tanto armónicas como contrastadas.
Los artistas más destacados del arte psicodélico
Uno de los artistas más destacados de esta clase de arte fue el francés André Masson,
este artista trabajaba la mayor parte de tiempo bajo la influencia de drogas y fue uno
de los primeros artistas de este tipo de arte. También podemos destacar a Antonin
Artaud y a Henri Michaux, ambos escribieron sus propias experiencias con las drogas,
entre ellas se encontraba el hachís y el peyote. Además, también debemos mencionar
a Aldous Huxley un gran escritor que escribió obras como “Cielo e infierno” y “Las puertas de la percepción”. Además
de estos artistas que fueron los principales en este tipo de arte también podemos encontrar otros como: Pablo Amaringo,
Richard Avedon, Christopher Barnaby, Luke Brown, Giorgio de Chirico, entre otros.

Artista Alex Grey: nació en Columbus, un trascendentalita radical. Su interés por la anatomía del cuerpo humano lo
llevó a estudiar más de 10 años en la Universidad de Nueva York. La principal idea de Grey consiste en plasmar en una
obra el equilibrio que todo hombre debe alcanzar para poder llegar a una perfecta contemplación, una mediación entre
el cuerpo, la mente, y el espíritu.

Michael Garfield: artista visual considerado el Indiana Jones del arte en vivo, es uno de los pintores más destacados del
arte psicodélico. En su trabajo se pueden ver reflejadas las experiencias por las que ha pasado. El mismo artista ha
descrito su trabajo como ilustraciones que tratan de mostrar el campo energético que la música contiene.
Jonathan Solter: es un artista quien dedica su tiempo al arte, a la vida y al amor. Las ilustraciones, las escenografías, la
pintura en vivo y los murales son las principales áreas para desarrollar su propuesta.

Eric Nez: se considera un artista visionario del alma, plasmaba en la plástica los resultados de sus visiones. Una fuerte
influencia dentro de sus procesos creativos son las ciencias espirituales y la psicología transpersonal.

arte psicodelico luzPouyan Khosravi: es un artista que trabaja en formato digital. Adquirió
el gusto por el arte psicodélico en Goa, y después de haber experimentado una profunda
experiencia mística decide empezar a crear diseños en este formato. Expresa la
espiritualidad y los misterios que suceden en la realidad interior de la psique.

Ted Wallace: es un artista recientemente retirado de sus labores como maestro de arte
en una escuela secundaria. Su ideología es trabajar sobre las experiencias, en las que
los pensamientos y los sentimientos no se pueden plasmar con solamente palabras.

Adam Scott Miller: Su evolución creativa se debe a agrupar las experiencias de viaje para
fusionarlas con el arte, la ciencia y el misticismo. Uno de sus principales conceptos para
generar sus obras proviene de una estética trascendental que emerge de la realidad concreta que nos rodea.

Kelsey Brookes: Después de haber decidido dejar las ciencias por el arte fue cuando comenzó su proceso creativo de
plasmar la biología molecular en lienzos de diferentes formatos.

Randal Roberts: es un artista cuyo momento creativo sucede de la idea de liberar el espíritu, siendo una de sus
principales concepciones sobre el arte es la de ser un camino para la liberación del espíritu
4. EJERCITACIÓN Y RETROALIMENTACIÓN
El arte minimalista

El arte minimalista es un movimiento artístico que trata de distintas cosas que sean ido
reduciendo a cosas esenciales y quitando los materiales y elementos que sobraban. Es
decir, este estilo de arte es un arte que tiende a reducir y representar en sus obras cosas
fundamentales y esenciales para el artista

El concepto minimalista, de forma general, es diferentes cosas que se han visto

reducidas a lo esencial y quita los materiales que sobran, a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial, sin elementos
sobrantes que rellenen sin un sentido.
El arte minimalista es una corriente artística contemporánea surgida en Estados Unidos, durante la década de los años
60, que tiene como tendencia reducir sus obras a lo fundamental, utilizando sólo los elementos mínimos y básicos, por
lo tanto solo se verán representaciones de cosas esenciales y fundamentales para el artista, que utiliza la geometría
elemental de las formas, buscando la mayor expresividad con los mínimos recursos, siendo como una crítica a la
desmesura y el recargamiento de ciertas manifestaciones artísticas del momento, particularmente la del pop art.

El minimalismo tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad, y es a menudo interpretado como una
reacción contra el subjetivismo y emocionalismo del expresionismo abstracto y el pop art, y un puente a las prácticas
del arte postmoderno

El arte minimalista se ha visto influenciado por tradiciones orientales, como la japonesa, tendientes a la reducción de
elementos y a la economía de recursos, etc.

El minimalismo permite la mayoría de variaciones hacia el zen y el orientalismo, pudiendo utilizar

muebles u objetos de estilo oriental que serán perfectos para acercarse a ambientes más
eclécticos, prefiriendo l os espacios altos, tipo loft, con una segunda planta a la vista o entrepiso,

El perfil de una persona que utiliza el arte minimalista es claramente ordenado, ofreciendo un
orden estético que se apoya en la no acumulación de objetos innecesarios que perturben su
visión. Por eso se dice que el minimalismo no está pensado para gente desordenada.

Origen del arte minimalista

El arte minimalista, como hemos comentado anteriormente, es un movimiento del arte el cual se fue desarrollando a
partir del arte occidental y fue después de la Segunda Guerra mundial (en el año 1960) cuando este estilo de arte
comenzó a destacar.

Este estilo del arte, al desarrollarse del arte occidental, tiene diferentes movimientos artísticos entre los que destaca el
uso de los materiales básicos y mínimos para realizar obras de arte. Un ejemplo de esto podría ser el uso de un tejido
natural, formas geométricas sencillas o colores puros.
El arte minimalista no solo se reduce a la pintura y a la música, sino que también a la escultura, el diseño, la arquitectura
y el mobiliario, por ejemplo, En este sentido, hoy en día es común encontrar tendencias minimalistaincluso en la
decoración de casas y de espacios interiores, como las habitaciones, la cocina o los muebles.

Características del arte minimalista

Las características más destacadas de este estilo de arte, si hablamos de manera general, son:

Abstracción total: las obras operan sólo en términos de material, superficie, tamaño y color.
Se expresa con gran austeridad en la composición y la ausencia de ornamentos innecesarios,
Máxima sencillez: buscan la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada
en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.
En la escultura: se usan formas semejantes a cubos, pirámides o esferas, organizadas en
ángulos rectos, generalmente en series.
En la pintura: se utilizan las superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura
blanca sobre fondo blanco o de otros colores apenas modificadas con líneas y puntos casi
imperceptibles por marcas cerca del borde o por pincelazos.
Niegan cualquier efecto ilusionístico y literal, haciendo que la pintura sea sólo “pigmento
específico” sobre una “superficie específica”
Utilización directa de los materiales manipulados lo mínimo posible.
Se emplean distintos materiales a fin de explotar la interacción de sus características físicas.
Juegan con la creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente, y grueso-fino.
En la pintura se aplica la pintura empastada con efectos de jaspeado o a base de gruesas pinceladas paralelas, a fin de
acentuar el carácter literal.
Se crean obras de gran formato y pinturas sin marco.
Predominio de formatos y colores neutros.
Purismo estructural y funcionalidad, con una gran precisión en los acabados.
arte minimalista reloj Los colores en el arte minimalista
Una de sus principales características del minimalismo es el uso de colores puros, con superficies o fondos
monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco, utilizando una amplia gama de sus variedades y el crudo,
aunque también se utilizan los tostados o el negro con sutiles toques de color para acentuar detalles y accesorios. Para
el contraste utilizan algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. Por ejemplo se puede
poner un detalle de color, utilizando el color rojo, representando una alfombra, como un objeto único.

Los materiales utilizados en el arte minimalista

Los materiales son otro de los puntos claves del minimalismo. En la ambientación minimalista se utiliza la madera, tanto
en pisos como en muebles, y los materiales rústicos, como el cemento alisado, vidrio, alambre de acero, venecita y
piedras, principalmente en estado natural, que haya sido manipulado lo mínimo posible.

Los Textiles utilizados en la decoración minimalista

Las telas que se utilizan deben evitar lo agresivo y barroco, aportando frescura y dando una sensación de tranquilidad
invitando a la relajación. Se utilizarán telas lisas rozando lo austero, descartando las telas floreadas y estampadas. Se
prefieren las telas rústicas en color marfil, con texturas como el lino o lonetas. Respecto a la decoración en el arte
minimalista, con cortinas, almohadones y tapizados se seguirá una unidad y un equilibrio en el conjunto.

La escultura en el arte minimalista

A la hora de hablar de la escultura debemos decir que fue un campo artístico muy destacado,
utilizando las formas geométricas simples que no representaban ninguna imagen. Los
escultores minimalistas encargaban sus obras a industriales sin participar en el proceso,
manteniéndose al margen para que no hubiera ningún rastro de humanidad. En sus obras se
podía captar su totalidad de una sola vez y de una forma inmediata, así con una primera vista
las obras eran entendidas.

En la escultura minimalista podemos observar diferentes artistas como por ejemplo son
Robert Morris, Carl Andre, Donald Judd, Dan Flavin y Sol LeWitt.

minimalismo sencillez La pintura en el arte minimalista

Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de
los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. Sus principales características son: el uso de formas
rectangulares y cúbicas, destacando una Igualdad de las partes del cuadro, usando la repetición, usando superficies
neutras y creando lienzos de gran formato, predominando mucho el color.

Si hablamos de la pintura minimalista tenemos que destacar que tenía una gran influencia del constructivismo, aunque
destacó más las influencias que tenía de las proposiciones reduccionistas expuestas por el artista Ad Reinhardt.

Hay millones de pintores destacados de esta clase de arte, entre ellos están Robert Ryman, Agnes Martin y Robert
Mangold. Diseño y arquitectura minimalista
 En el arte minimalista también podemos observar algunas tendencias de arquitectura y
diseño en las cuales las estructuras están reducidas a los elementos y materiales
necesarios sin sobrepasarse. En el diseño y la arquitectura minimalista podemos
observar las influencias que tiene del diseño y la arquitectura japonesa. Alguno de los
artistas destacados de la arquitectura minimalista es: Tadao Ando, Rudi Riccioti, John
Pawson, Hiroshi Naito y Souto de Moura.

Música minimalista
Normalmente, cuando hablamos de algún estilo de arte no solemos nombrar el campo de la música dentro de ese estilo,
sin embargo, la música minimalista tiene unas características determinadas que la diferencian de otros estilos de música.
Estas características son:

Pulsos constantes
Movimientos lentos “Éctasis” que suelen encontrarse en forma de tonos muy largos o de zumbidos.
Repeticiones de frases musicales, suelen ser cortas y con pocas variaciones.
Intensidad en la armonía tonal.
Existen otras características que diferencian a la música minimalista, pero estas son las más destacadas y por las cuales
la música minimalista ha destacado. Hay diversos artistas que se han ido, a lo largo del tiempo, asociando con este
estilo de música. Entre ellos podemos destacar algunos como por ejemplo son: Steve Reich, Jeff Mills, Brian Eno,
Cornelius Cardew, Arvo Pärt, Ricardo Villalobos, Henryk Górecki, Philip Glass y Richie Hawtin, estos serían algunos de
los artistas más destacados, aunque como hemos dicho anteriormente existen varios más.

Artistas del arte minimalista

En el arte minimalista, entre los arquitectos, diseñadores industriales y gráficos más
interesados en crear espacios y productos minimalistas destacan:

Alvar Aalto: nacido en el, finlandés, figura capital del modernismo internacional y de
lo que se conocería como diseño escandinavo. Sus edificios aprovechaban la
naturaleza a lo Frank Lloyd Wright, mientras su mobiliario se inspiró en las sillas
tubulares de Marcel Breuer que tenía en su propia casa.

Kenya Hara: nacida en el 1958, japonesa, experto en la creación de imágenes

corporativas, parte de los conceptos estéticos zen, wabi-sabi, iki, etc. Cree que el minimalismo y los productos desnudos,
usables y bien pensados marcarán el siglo XXI.
5. PRÁCTICA
Según lo aprendido y estudiado de la guía debes presentar 2 trabajos sobre el arte deco y dos sobre arte minimalista
en 1/8 de cartulina
6. RECURSOS
Materiales utilizados, páginas web, libros… Sobre en arte deco y el arte minimalista