RENACIMIENTO

Fue un movimiento cultural, social, intelectual

y artístico que se dio en Europa en los siglos
XV y XVI, principalmente en Florencia, Italia
y se le considera la etapa de transición entre la
Edad Media y la Modernidad.
Dicho movimiento se inspira en la
ANTIGÜEDAD CLÁSICA, se considera que
este periodo es el renacer delas culturas griega
y romana.

El Renacimiento se caracterizó por…

 Vivir el presente y gozar de la vida (carpe diem).
 La ética y nuevos valores sociales.
 La curiosidad científica.
 La vida sencilla (beatus ille).
 La confianza en la razón por encima de la fe.
 Recuperar la cultura clásica, es decir, la cultura romana y griega.
 La aparición del antropocentrismo.
 Buscar la belleza en la simetría, la perspectiva y la proporción humana como base de
todas las esculturas.
 Buscar el equilibrio de las formas y mesura de las expresiones.
 Crear una imitación en la escultura y la arquitectura realizada en Roma y Grecia.
 Buscar hacer representaciones en una belleza ideal.
 Encontrar el equilibrio, la armonía y la tranquilidad para crear una obra armónica.
 Interesarse principalmente en el cuerpo humano y en particular, el desnudo.

Durante el Renacimiento, las artes alcanzaron dimensiones insuperables.

Ya no se valora Durante el Renacimiento, las artes alcanzaron
dimensiones insuperables. Ya no se valoraba el arte sólo por su utilidad,
sino que se buscaba en él la belleza. Las obras de arte dejan de ser
objetos que tienen que cumplir necesariamente una función y pasan a ser
considerados objetos autónomos. En ellas se expresaba claramente la
preocupación humanística: el ser humano, sus sentimientos y sus
pasiones, el poder del amor y del dolor.
 HOMBRES SIN CENSURA
El Renacimiento, esa etapa de la historia que nos ha dejado múltiples maravillas en el campo
del arte y el saber. El Renacimiento se enmarca como una de las épocas más importantes que
existen, un periodo de tiempo en el que emergieron figuras tan importantes como Leonardo da
Vinci y Miguel Ángel.

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P iieerroo Pintor, inventor, escultor, ingeniero, astrónomo…clasificar a el italiano
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Leeoon Leonardo da Vinci en una sola disciplina no es tarea fácil, su figura encaja
d Vinc
daa V perfectamente en el ideal del hombre del renacimiento, con una apariencia
física estancada en el misterio, ya que ¿realmente era como se plasmaba?
Leonardo da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en la Villa Toscana de Vinci,
Italia, siendo hijo natural de una campesina, Caterina y de Ser Piero, un rico
notario florentino.
Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente ya que en su infancia
dibujaba animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una
profunda observación del entorno natural en el que creció. Giorgio Vasari, su
primer biógrafo, relata como el genio de Leonardo, siendo un niño, creo un
escudo de medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con
él. Consiente del talento de su hijo, su padre le permitió ingresar como aprendiz
en el taller de Andrea del Verrocchio. A lo largo de seis años el gremio de
pintores prescribía como instructor, antes de ser reconocido como artista libre,
Leonardo aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación
artística.
Su primer trabajo, del cual se tiene certera noticia fue la construcción de la
esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa
María de Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de
Antonio Pollaiuolo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de
anatomía.
Hacia 1498 Leonardo finalizo una pintura mural, en principio un encargo
modesto para el refectorio del convento dominico de Santa María dalle Grazie,
que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: La Última Cena.
Otras de sus importantes obras es la Gioconda, la cual es la cumbre de su etapa
florentina y sin olvidarnos del conocido Hombre de Vitruo que se ha convertido
en todo un símbolo, ya que está basado en uno de sus descubrimientos médicos.
A partir de 1517 su salud, hasta entonces inquebrantable, comenzó a
desmejorar. Su brazo derecho quedo paralizado; pero, con su incansable mano
izquierda, Leonardo aun hizo bocetos de proyectos urbanicos, de drenajes de
ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas. Convertida en una especie de
museo, la casa de Amboise estaba repleta de los papeles y apuntes que
contenían las ideas de este hombre excepcional, muchas de las cuales deberían
esperar siglos para demostrar su factibilidad y aún su necesidad.
En su última época decidió ser acompañado únicamente por tres de sus
pinturas: La Gioconda, San Juan Bautista y Santa Ana, La Virgen y El Niño.
Por lo cual puede decirse que poseía entonces uno de los grandes tesoros de su
tiempo.
En la casa de campo de Cloux en Amboise, Francia, hoy Clos Lucé, falleció el
italiano Leonardo da Vinci a los 67 años de edad tras una larga enfermedad, el
2 de mayo de 1519. Su tumba está en la capilla de San Huberto, en el recinto
del castillo de Amboise.
 La Ultima Cena (1495-1498)

La genial captación plástica del dramático momento en que Jesucristo dice a los apóstoles «uno de
vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del
momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se
convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para
artistas de todo el continente. Es una pintura mural de 4.60 metros de altura y 8.80 metros de
ancho, se encuentra en la pared en donde se pintó originalmente, en el refectorio del convento
dominico de Santa María delle Grazie donde fue encargada por Ludovico Sforza duque de Milán,
Italia. La ultima cena de Leonardo da Vinci fue declarada patrimonio de la humanidad por la

En Los cuadernos de Leonardo da Vinci se identifican los personajes, que aparecen agrupados en
tríos a excepción de Jesús. De izquierda a derecha son:

 Primer grupo: Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés.

 Segundo grupo: Judas Iscariote, Pedro y Juan, llamado "el imberbe".

 Personaje central: Jesús.

 Tercer grupo: Tomás, Santiago el Mayor indignado y Felipe.

 Cuarto grupo: Mateo, Judas Tadeo y Simón.

Destaca el hecho de que Judas, a diferencia de la tradición

iconográfica, no es separado del grupo, sino que está
integrado entre los comensales, en el mismo grupo que
Pedro y Juan. Con ello, Leonardo introduce una innovación
en el fresco que lo pone en el centro de las referencias
artísticas de su tiempo. Sorprende también el hecho de que
Leonardo pone en manos de Pedro un cuchillo, en alusión a
lo que ocurrirá poco después en el prendimiento de Cristo.
Con esto, Leonardo logra ahondar en la psicología del
personaje de Pedro, sin duda uno de los apóstoles más
radicales

.… De acuerdo con algunos investigadores, Leonardo habría reflejado en el fresco de La Última
Cena su concepción filosófica sobre la llamada triada platónica, muy valorada en aquellos años.
La triada platónica estaría conformada por los valores de la Verdad, la Bondad y la Belleza,
siguiendo la línea de la Academia Platónica Florentina, de Ficino y Mirandola.

Dicha escuela de pensamiento defendía el neoplatonismo en oposición al aristotelismo, y

pretendía hallar una conciliación de la doctrina cristiana con la filosofía de Platón. La triada
platónica está representada de algún modo en tres de los cuatro grupos de personajes, ya que el
grupo donde está Judas sería una ruptura. Se presume, por lo tanto, que el grupo situado al
extremo derecho del fresco podría ser la representación de Platón, Ficino y el mismo Leonardo
autorretratado, quienes mantienen una discusión sobre la verdad de Cristo. El tercer grupo, en
cambio, sería interpretado por algunos estudiosos como una evocación del amor platónico que
busca la belleza. Este grupo podría representar a la vez a la Santísima Trinidad debido a los
gestos de los apóstoles. Tomás señala al Altísimo, Santiago el Mayor extiende sus brazos como
evocando el cuerpo de Cristo en la cruz y, finalmente, Felipe lleva las manos al pecho, como
señal de la presencia interior del Espíritu Santo.

La obra La Última Cena se ha ido deteriorando

a lo largo de los años. De hecho, el deterioro
comenzó pocos meses después de haber sido
terminada. Esto es consecuencia de los
materiales utilizados por Leonardo. El artista se
tomaba su tiempo para trabajar, y la técnica del
fresco no le convenía pues requería rapidez y no
admitía repintes, ya que la superficie de yeso se
secaba muy pronto. Por ello, a fin de no
sacrificar la maestría de la ejecución, Leonardo
ideó mezclar óleo con temple. Sin embargo,
debido a que el yeso no absorbe adecuadamente
la pintura al óleo, muy pronto comenzó el proceso de deterioro del fresco, lo que ha dado pie a
numerosos intentos de restauración. A la fecha, gran parte de la superficie se ha perdido.

Mona
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Lisa
También
También conocida
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La expectación, pero
también las
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acompañado a
este cuadro
único desde
su
creación. Ho
y sabemos
que hacia
1503
Leonardo
comenzó el retrato
de una dama florentina: Lisa
Gherardini, esposa del mercader Francesco
del Giocondo, que pudo encargar el cuadro con motivo del
traslado de la familia a su nueva vivienda, o bien tras el
alumbramiento de su segundo hijo, en 1502. En 2005 se
dieron a conocer unas notas del florentino Agostino
Vespucci en el margen de una obra de Cicerón conservada
en la biblioteca de la Universidad de Heidelberg, fechadas
en octubre de 1503. Además de criticar a Leonardo por
dejar las obras sin terminar, Vespucci indicaba que el pintor
se encontraba en esa fecha realizando un retrato "del busto
de Lisa del Giocondo", con lo que parece zanjarse el tema
de la identidad de la mujer representada en el óleo del
Louvre, fruto de debate durante siglos. A pesar de ello, son
muchos los que han querido –y siguen queriendo– ver en la
tabla mil y una identidades, sin descartar incluso un
autorretrato del propio artista travestido.

Perfeccionando su propio hallazgo del sfumato, llevándolo a una

concreción casi milagrosa,
Leonardo logró plasmar un gesto
entre lo fugaz y lo perenne: la
«enigmática sonrisa» de la
Gioconda es uno de los capítulos más admirados, comentados e
 imitados de la historia del arte, y su misterio sigue aún hoy
fascinando.

Existe la
leyenda de
que
Leonardo
promovía
ese gesto en
su modelo
haciendo sonar
laúdes mientras
ella posaba.
El cuadro, que ha atravesado no pocas vicisitudes, ha
sido considerado como cumbre y resumen del talento
y de la «ciencia pictórica» de su autor.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni ( Miguel Ángel )

Escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano nacido el 6 de marzo de 1475, procedía de una
vieja familia de mercaderes y banqueros de Florencia. Su padre era un funcionario con una posición
acomodada en la ciudad, sin embargo, desde muy joven, Miguel Ángel se inclinó por la carrera artística, esto
en contra del deseo de sus padres. A los 13 años, un amigo de la familia lo llevo al taller de Domenico
Ghirlandaio, para que se iniciara en las diversas técnicas de la pintura, entre ellas la del fresco, que más tarde
aplicaría con excepcional maestría en la capilla Sixtina. Un año más tarde se adentraría en el mundo de la
escultura atreves de Bertoldo di Giovanni.
Posteriormente el artista se referiría a estos años de formación con cierto menosprecio ya que creía en su arte
como un don divino y no como un fruto de la instrucción.
Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento Italiano, heredero del gran
arte de la Florencia de los Médicis, alcanzó toda su gloria como artista con sus grandes creaciones para los
papas de Roma. Un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo
XVI como figura culminante del Renacimiento, reflejó en sus obras la crisis de una época que se deslizaba
hacia las guerras de religión y la represión de la Contrarreforma.
En 1547 y tras la muerte de su gran amiga Vittoria Colonna una especie de arrepentimiento empezó a
dominar al artista, el cual dejó de pensar que la belleza del cuerpo humano en el arte era una expresión de la
hedonismo de las formas perfectas que dominaran antiguamente su creación y la idea de la muerte sería el
tema predominante de su poesía.
Esta nueva sensibilidad se reflejó sobre todo en su escultura, que sufrió un profundo cambio en la fase final
de su vida. Testimonio de ello son sus últimas obras, una serie de representaciones de La Piedad, tema que
tendría para Miguel Ángel el significado de un réquiem. Así, en la dramática Piedad Rondanini los cuerpos
de madre e hijo se funden en su agonía. Se dice que el escultor trabajo en esta obra hasta el día antes de
morir.
Vida y obra fueron así, para Buonarroti, una sola cosa, pues al tiempo que su vida determinaba su
creación, sería su obra la razón de su existencia.
El 18 de febrero de 1564, Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni o conocido en español como Miguel
Ángel, falleció a los 88 años de edad en Roma. Murió consumido por una fiebre lenta -según Giorgio Vasari-
en su ordinaria residencia en Macel de’ Corvil, zona que desapareció a comienzos del siglo XX con motivo
de la construcción del Altar a la Patria.

En su juventud, Miguel Ángel llamó la atención de algunos mecenas importantes al hacer pasar
una de sus propias esculturas como una pieza de la antigua Grecia.

Cuando tenía sólo 19 años, esculpió el hoy desparecido Cupido Durmiente y luego trabajó junto
con un miembro de la poderosa familia Medici para hacerla pasar por una antigüedad. El joven
artista incluso enterró la escultura de mármol y la desenterró para que luciera vieja y desgastada.
Si bien esto le permitió vender la escultura a un precio más alto, también atrajo la atención de un
importante coleccionista.

Durante el Renacimiento Italiano, la copia de obras de arte clásicas no era vista como algo malo,
sino más bien como una demostración de talento. Así que cuando el Cardenal Raffaele Riario,
quien había comprado la obra, descubrió la falsificación, no se molestó. En cambio, invitó a
Miguel Ángel a viajar a Roma y trabajar para él. Fue una invitación que catapultó la carrera de
Miguel Ángel.

Los frescos en la bóveda de La Capilla Sixtina

 La famosa Capilla Sixtina ha ocupado y siempre

ocupará un lugar privilegiado dentro del Palacio

Apostólico de la Ciudad del Vaticano.
Esta imagen de gran belleza y magnificencia parece única en su especie. Sin embargo, a pesar de
su esplendor, fue la pieza final de un proyecto
orquestado por el entonces papa Sixto IV. Este
encargó a un grupo de pintores renacentistas
realizar una serie de paneles al fresco sobre la
vida de Moisés y Jesucristo. Acompañados de los
retratos de los papas que ya habían gobernado en
la Iglesia.
Como desenlace a tan magnífica creación, el papa Julio II encomendó años después en 1508
a Miguel Ángel decorar la bóveda de la capilla. Creando una obra de arte sin precedentes, que
representa la manifestación del poder divino sobre la Tierra. Sin embargo, aunque parece un
trabajo más del renacimiento de la época, algunos expertos creen que en realidad fue creada para
revelarse contra la figura del papa, creando detalles ocultos que señalan al hombre como un
símbolo mucho más poderoso que cualquier ente divino. 

La decoración de la bóveda de la capilla concluyo finalmente el día de todos los santos de 1512,
cuatro meses antes del fallecimiento de julio II, en su lecho de muerte, se declaró feliz porque
Dios le había dado fuerzas para ver terminada la obra de Miguel Ángel, pudiendo así conocer de
antemano a través de ella cómo era el reino de los cielos.

Buonarroti se había inspirado en la forma real de la bóveda para insertar en ella gigantescas
imágenes de los profetas y las sibilas, situando más arriba el desarrollo de la historia del Génesis
y dejando la parte inferior para las figuras principales de la salvación de Israel y de los
antepasados de Jesucristo. Mediante una inmensa variedad de perspectivas y la adaptación libre
de cada personaje a la profundidad de la bóveda, Miguel Ángel consiguió crear uno de los
conjuntos más asombrosos de toda la historia del arte, una obra de suprema belleza cuya
contemplación sigue siendo hoy una experiencia inigualable.

En la parte central de la
bóveda, se encuentra La
Creación de Adán, uno de los
frescos estrella de La Capilla
 representación del episodio
bíblico del Génesis en el que
dios da vida al primer hombre.

Con un tamaño de 2.8 m x 5.7 m, es posible observar una

representación de Dios rodeado de un manto rojo y
multitud de ángeles. No obstante, su contorno recuerda
mucho al de un cerebro humano. Los investigadores creen
que Miguel Ángel quiso representar la inteligencia
suprema con la que Dios dotó a Adán y Eva.

 En su imagen es posible apreciar la llamada glándula

pineal, que aportaría un significado de lo más
complejo. Cualquier hombre puede acceder a la divinidad, pues esta se encuentra en el cerebro
humano.

El Juicio Final

Otro de los frescos más aclamados y controversiales es el mural

realizado de El Juicio Final, este tiene un tamaño de 13.70 m. x 12.
20 m. y se encuentra en el ábside de la bóveda de la Capilla Sixtina.

Comenzó a ser pintada 25 años después de terminar los frescos de la

bóveda de la Capilla Sixtina.

En 1535, el papa Paulo III encargó a Miguel Ángel, el más grande

fresco jamás pintado que trataría sobre el Juicio Final y que se
ubicaría en la pared del altar de la Capilla Sixtina. El tema estaba
relacionado con lo que había sucedido en la Iglesia en los años
precedentes: la Reforma Protestante y el saqueo de Roma. Por eso se intentaba representar a la
humanidad haciendo frente a su salvación.
Una vez terminada, en 1541, la pintura provocó el escándalo y las
críticas más violentas, pues se consideraba vergonzoso que en tan
sagrado lugar se hubiesen representado tantas figuras desnudas,
especialmente algunas parejas cuyas posturas podían parecer
comprometidas. Según algunos obispos, el fresco no correspondía a
un recinto tan sagrado como la Capilla sino a una taberna.
Se acusó a Miguel Ángel de herejía y se intentó destruir el fresco.
Aunque el papa Julio III era tolerante y no se preocupó de los
desnudos, a su muerte se decidiría la corrección del fresco
colocando paños de pureza a todos sus personajes.
La persona que se ocupó de esta labor, por orden de Pío V,
fue Daniele da Volterra, discípulo de Miguel Ángel, a quien, por
este trabajo se le colocó el sobrenombre de Braghettone (Pinta
calzones); Daniele murió dos años después de iniciar el trabajo, sin
haberlo terminado.
En este fresco también se encuentra un autorretrato de lo más
simbólico. En él, aparece San Bartolomé sosteniendo la piel
degollada de otro individuo. Este sería el propio Miguel Ángel,
como signo de que él creía no merecer el Cielo, pues estaba
atormentado.

Según expertos, aunque parezca increíble, la

figura de Jesucristo no está representada en el
juicio final. El lugar que en un principio fue
reservado para él, finalmente lo ocupó una curiosa
combinación: el profeta judío Zacarías con el
rostro del papa Julio II. Zacarías fue famoso por
denunciar la corrupción y la falta de
espiritualidad de los sacerdotes. Una elección que
deja en evidencia los sentimientos de Miguel
Ángel por el Vaticano

A juicio de Giorgio Vasari, historiador del arte, arquitecto y pintor contemporáneo de Miguel
Ángel, los frescos de la Capilla Sixtina eran "una obra cumbre de la pintura de todos los
tiempos, con la que se desvanecían las tinieblas que durante siglos habían rodeado a los
hombres y oscurecido el mundo".

En fin, dos genios imprescindibles para la historia que han marcado una época llena de grandezas.
Unos artistas admirados por todas las civilizaciones entre los que no se puede elegir, simplemente
centrarse en disfrutar de su legado.
BIBLIOGRAFÍA…

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