hartista

Textos de : A partir de la

exposición homónima
Alfredo Coloma
de Ivanova Gutiérrez
Ramiro Garavito
Ivanova Gutiérrez
Persona Casa Galería
Valeria Paz Abril 2018
Andrés Pereira La Paz, Bolivia
 Editorial
Considerando como punto de inicio a la palabra
hartista, que al ser ficticia no cuenta con
una definición determinada, los textos que
componen la presente publicación reflejan,
desde el punto de vista de sus autores, lo que
ésta podría significar en y para el contexto
boliviano.

Alfredo Coloma

Ivanova Gutiérrez
Tattoo performance - 20/05/2017
Persona Casa Galería
Artista, ¿de profesión?
Alfredo Coloma

Si bien el sector de las artes visuales en nuestro medio parece mantenerse Contrariamente a la concepción modernista del artista, que lo define como un
estable e incluso estar en crecimiento dada la cantidad de exposiciones, individuo singular, genial y aislado del mundo, la realidad demuestra que los
concursos, premios y demás instancias organizadas, las políticas y las artistas representan solo una pequeña parte del sistema en el que operan3.
condiciones que lo rigen son desconocidas por la mayoría de la población y En sí, los artistas dependen de su interacción con galerías, museos, centros
en algunos casos inclusive por sus propios actores. Ya que por lo general las culturales, así como con gestores, mediadores, curadores, críticos, galeristas,
obras de arte son dadas a conocer al público como productos finalizados, coleccionadores, montajistas y otros artistas. En las principales escenas
mayoritariamente a través de exposiciones, éste no llega a conocer más que artísticas mundiales, la subsistencia económica de esta red de actores se
una etapa de su creación. Aislando a las obras de su contexto original y basa, en buena medida, en el comercio de las obras de arte. Esto no ocurre
disponiéndolas en un espacio neutro, este principio de opacidad, sin duda en nuestro país, ya que el mercado del arte es extremadamente pequeño y
un residuo de la ideología del cubo blanco1, busca resaltar y hacer accesibles evidentemente no puede sostener al sistema local, por lo que la economía
sus características (formales así como conceptuales) al público. Sin embargo, del arte subsiste mayoritariamente gracias a las limitadas subvenciones
esto relativiza la actividad de los artistas, ya que si todos ellos exhiben sus tanto estatales como privadas. No es de extrañarse que bajo esta lógica,
obras bajo los mismos términos, es lógico asumir que también comparten los artistas sean los menos beneficiados, ya que a diferencia de la mayoría
las mismas condiciones de financiamiento, producción, promoción, etc., de los actores del sistema artístico, éstos no están asociados a estructuras
es decir que todos trabajan bajo un mismo estándar. Este aparente nivel institucionales que aseguren sus salarios, es decir que deben trabajar como
de profesionalidad termina atenuando la precariedad del sector artístico en freelancers.
nuestro país y debe ser disuelto para llegar a comprender cuáles son sus
necesidades más urgentes Como todo freelancer o trabajador independiente, el artista debe negociar su
salario cada vez que sus servicios son requeridos, lo cual resulta complicado
Si los artistas son en efecto considerados como profesionales, es necesario en nuestro medio, dado que en la mayor parte de los casos el trabajo de los
conocer cuáles son los parámetros que los definen como tales. A diferencia artistas no es compensado económicamente. Por lo general, las instituciones
de otras profesiones, la del artista no es accesible únicamente a aquellos que justifican esto con la supuesta visibilidad que una exposición (u otro evento)
realizan estudios universitarios o formaciones especializadas. De hecho, la le proporciona al artista. Pero en un sistema en el que básicamente no existe
mayoría de los artistas activos actualmente, no fueron formados en escuelas un comercio de obras de arte ¿para qué sirve la visibilidad ofertada? Si el
o carreras de arte y provienen más bien de otros campos académicos. Por comercio de arte existe en nuestro medio, es más bien como una excepción
un lado esto deja ver que el arte no es una disciplina tautológica únicamente a la norma, como en el caso de las galerías de arte de la zona sur de La Paz,
interesada en cuestiones ligadas a la estética y en consecuencia que los en las cuales únicamente un grupo reducido de artistas expone y vende sus
programas académicos de las escuelas y carreras de arte, basadas en trabajos, generalmente a compradores de la clase alta paceña.
el aprendizaje técnico, es inadecuada respecto a las necesidades y los
intereses actuales de los artistas (apenas alrededor de dos o tres personas Cabe preguntarse entonces ¿cómo sobreviven los artistas que inician sus
egresan de la Carrera de Artes de la UMSA cada año2). Por otro lado y de carreras? La respuesta es simple: Dejando de serlo y trabajando “en otra
manera más general, esto crea una falta de institucionalidad para el sector cosa”. Con excepción de aquellos nacidos en familias privilegiadas, esta es la
de los artistas, ya que al no contar con un título profesional que los defina manera de trabajar por defecto para la gran mayoría de los artistas nacionales.
como tales, éstos corren el riesgo de no poder validar sus prácticas como Si bien la condición de “artista a medio tiempo” le permite a muchos subsistir
actividades profesionales y acceder a beneficios sociales, como un seguro económicamente y financiar sus producciones, por lo general termina
de salud, por ejemplo. afectando la calidad y la evolución general de sus prácticas, convirtiéndose en
meras actividades secundarias, no lejanas de los pasatiempos. Este régimen
de informalidad no solamente ha reducido de manera drástica el alcance de
las propuestas artísticas, sino que ha truncado la carrera de muchos. La casi
1  Ver Brian O’Doherty, Dentro del cubo blanco. La ideología del espacio expositivo, nula presencia de artistas bolivianos en el circuito internacional, a pesar de
Cendeac, Madrid, 2011 ser cada vez más inclusivo, es una prueba de ello.
2  Información proporcionada por tres estudiantes actualmente en tercer año de la
Carrera de Artes de la UMSA, así como por Ivanova Gutiérrez licenciada de la misma.
La secretaría de esta carrera se negó a proporcionar información sobre la cantidad de
ingresos y egresos a la misma. 3  Ver Howard S. Becker, Les mondes de l’art, Flammarion, Tours, 1988
 Así, muy pocas producciones artísticas llegan a ser relevantes y a ser En lugar de aportar soluciones estructurales a los problemas de la escena
consideradas por la crítica local, que de hecho es minúscula, o por la artística (creando programas de especialización o sustentando a la producción
población en general (menos de diez exposiciones fueron comentadas de de los artistas a largo plazo, por ejemplo), estos concursos son simples
manera seria por la prensa paceña el año pasado). En la mayoría de los casos paliativos, que al final de cuentas le son más útiles a sus organizadores como
las propuestas artísticas no llegan a ser más que eventos que conciernen propaganda política, que a los artistas que participan en ellos y que obtienen
a un grupo social reducido, es decir el de los mismos artistas. Un ejemplo un corto periodo de notoriedad a cambio5.
claro de esto es la Bienal de Arte Contemporáneo SIART, que en su novena y
última versión de 2016, llamó la atención de la población únicamente gracias
al escándalo generado en reacción a la intervención del grupo feminista
Mujeres Creando sobre los muros del Museo Nacional de Arte. La relevancia
de este evento en particular es preocupante, ya que en teoría éste es la
ventana que da a conocer el estado actual de las artes visuales en Bolivia, no
solo a nuestra propia población, sino al mundo.

Evidentemente, la responsabilidad por la poca relevancia del arte

actual no puede recaer únicamente en el sector de los artistas, ya
que ésta resulta de la falta de interés de las instituciones estatales y en
consecuencia de la ausencia de políticas que aseguren su fomento,
valorización y promoción. Esto podría ser objetado indicando que existen
premios nacionales y municipales que sí lo hacen, en particular el Premio
Plurinacional Eduardo Abaroa, organizado por el Ministerio de Culturas
y Turismo, dada la cantidad de dinero que atribuye a sus ganadores. Pero
esto sería negar las intenciones políticas que se encuentran detrás de este
galardón, que como lo indica una de sus premisas “busca promover y
fortalecer la educación cívico patriótica, y realzar el fervor patrio de todas
las bolivianas y los bolivianos sobre el derecho a la reivindicación marítima”4.

Es obvio que para un artista con pocos ingresos es difícil rechazar esta
Artista, ¿de profesión?

oportunidad de ser remunerado, aún si implica “adaptar” su práctica, Keith Arnatt, Trouser - Word Piece, 1972-89
consciente o inconscientemente, para participar en este premio. Así, muchos ©Tate Modern Collection
jóvenes artistas ven a este premio como salida a su situación de precariedad
y como medio de legitimación y reconocimiento, lo que se demuestra por los
Ya que no hay mucho en juego en términos de carrera, de compromiso
altos índices de participación en el mismo. Y es ahí donde yace la inteligencia
o de subsistencia económica, es decir al no ser considerado como una
y la perversidad del gobierno de turno respecto a la creación de este premio,
actividad profesional, el rol del artista puede ser abordado de manera ligera
ya que, por un lado, le permite afirmar que se interesa en el sector artístico
y sin mucho compromiso. ¿Se debe entonces considerar que el ser artista
y que los apoya consecuentemente y, por otro, le permite utilizar las obras
en nuestro medio se reduce a ocupar esta posición social, es decir a ser
ganadoras como estandartes que corresponden perfectamente a su discurso
reconocido como tal? En su obra de 1972, Trouser - Word Piece, el artista
político, afirmando en consecuencia que el sector artístico está de su lado.
británico Keith Arnatt afirmaba ser un “verdadero artista”. ¿Qué implicaría
Basta con leer los títulos de las propuestas ganadoras para comprender hasta
realizar esta misma afirmación en la actualidad y en particular en nuestro
qué punto el gobierno utiliza este premio para instrumentalizar a los artistas.
contexto?
Alfredo Coloma

4  Información extraída del sitio web del Ministerio de Culturas y Turismo del Estado 5  Habría que realizar un estudio para contabilizar cuantos artistas continúan teniendo
Plurinacional de Bolivia, http://www.minculturas.gob.bo/qu/articulo/54-convocato- una práctica luego de haber participado en los concursos estatales y municipales a fin de
ria-2017-premio-plurinacional-eduardo-abaroa, consultado el 16/01/2018 poder establecer su verdadera utilidad.
hartista Sobre ser hartista
Ramiro Garavito Ivanova Gutiérrez

1.  adj. Se dice de aquella persona que, habiendo nacido en Hartista plantea la reformulación de una denominación muy común y sin
embargo poco conocida, buscando develar ciertos aspectos de la “tierra
un contexto cultural y socioeconómico adverso, pretende de nadie” que el ámbito artístico local representa, para reformularlos
ejercer su vocación artística sin lograrlo. considerando sus carencias también como oportunidades y no solo como
desventajas. La palabra propone un error gramatical que nos lleva hacia su
referencia primaria, es decir hacia la palabra artista y por ende nos invita a
2.  com. Artista boliviano que vive escindido entre la cuestionar el concepto generalizado que se tiene de ésta. Adherir una h a la
cultura occidental y sus “obligaciones” hacia su cultura palabra artista podría considerarse únicamente como un juego de palabras,
sin embargo su propósito principal es el de invitar al público a replantear la
ancestral. concepción por defecto que se tiene de ésta y de proponer una que tome en
cuenta las condiciones específicas de nuestro medio.
3.  El que trabaja como artista sin percibir salario o Mi experiencia personal en los campos del tatuaje y del arte (como estudiante
remuneración alguna. y como artista más adelante) me llevó a interrogar mi propia noción de lo
que representa el ser artista y en consecuencia de lo que es el arte. A los
4.  Persona que, siendo artista, gana su sustento ejerciendo 14 años, mi plan de vida consistía en estudiar arte y dedicarme al tatuaje
para vivir, además de ser artista por las noches, lo cual nunca fue una buena
actividades distintas a las de su naturaleza. noticia para mis padres, que asociaban a los artistas con los estereotipos
más comunes (bohemio, pobre, etc.).

Sin tener una idea clara de lo que es ser un artista, uno entra a la universidad
básicamente con el objetivo de aprender a dibujar y pintar “bien”, que para
la gran mayoría son las habilidades principales del artista. Además, la idea
romántica sobre los artistas, es decir la que te define como un ser extraño
digno de admiración, sigue siendo popular, sobre todo entre los jóvenes que
buscan definirse como individuos luego de terminar el colegio. Ser rarito es
la onda. Sin embargo, como en mi caso, uno no entiende muy bien cómo
funciona el mundo del arte, mucho menos el medio local. Es decir, que se
piensa que de algo deben vivir los artistas, que deben vender su arte, o ser
docentes, o decoradores de interiores, etc.

No pensé que las clases semanales de artes plásticas en mi colegio no me

alcanzarían para saber lo que era ser artista ni para entender de que se trataba
el arte. Según los cursos prefacultativos de la UMSA que cursé, el arte se
dividía en categorías: dibujo, pintura, grabado, escultura y cerámica, algo de
lo que no me enteré en el colegio, probando que mis clases de artes plásticas
fueron casi nulas. Aun así, logré aprobarlos e ingresar a la carrera de artes junto
a un amigo, hoy en día un artista contemporáneo, quien intentaba explicarme
sobre este otro tipo de arte que en ese momento estaba definitivamente fuera
de mi entendimiento. Un arte denominado contemporáneo, por su nexo con
el presente.
 Mi interés y desarrollo en el arte contemporáneo fue paralelo al de mis estudios Concentrarse en hacer un buen tatuaje, regresar a casa, diseñar más tatuajes
universitarios, basado en las diversas conferencias de Roberto Valcárcel intentando complacer las demandas de los clientes (una mandala con
inicialmente, ya que el aprendizaje en la carrera de Artes se limita a los medios leones, y fuego, una galaxia dentro de una copa, el nombre de mi mamá,
artísticos tradicionales y al desarrollo de la destreza técnica, dejando de lado mi papá y un corazón partido, todo en una superficie de 15 centímetros,
otros tipos pensamiento más actuales sobre el arte. Mis colegas tampoco por ejemplo), además de tener que investigar para una obra personal, que
tenían un interés real por otras maneras de pensar en el arte fuera de lo que en mi caso implica partir de una intuición, informarme, escribir, discutir con
nos ofrecía la carrera y en muchos casos se limitaban a “sobrevivir” a ciertos colegas, exteriorizar los pensamientos, los descubrimientos y las dudas,
docentes. De hecho muchos de ellos cambiaron de carrera al no saber qué para luego pensar en formas que correspondan al concepto o idea que
hacer al terminar la de artes. En mi caso decidí continuar, hacer mi tesis, trabajo y probarlas, sabiendo que esto puede incluso llegar a contradecir mis
producir mis obras y desarrollar mis habilidades de tatuadora. intuiciones. Resumiendo, intento llegar a conocer los aspectos sobre lo que
investigo, para luego proponer una visión propia, sin cerrarme a cambios u
Mi trabajo de tesis, que a través del análisis del medio de la instalación ideas absolutas.
buscaba introducir al arte contemporáneo local y global, fue duramente
recibido por mis docentes por no adaptarse a los conceptos de arte que Si bien ambos tipos de actividad me gustan por la diferencia de desafíos
ellos validaban. A pesar de haber recibido mi título profesional, no sabía que me presentan, el tratarlos como actividades independientes complica mi
cómo subsistir como artista, por lo que decidí arriesgarme y trabajar en un posición y me obliga a tener que elegir entre lo uno y lo otro, sin que yo quiera
estudio de tatuajes para sostenerme económicamente, tal y como lo había realmente hacerlo. Nunca había podido integrar mi oficio de tatuadora en mi
planeado a mis 14 años. Había conocido a algunos tatuadores que vivían de práctica artística. El tatuarme la palabra hartista fue para mí una manera de
este oficio, entonces supuse que yo también podía hacerlo. En todo caso, era reconciliar estas dos posiciones que ocupo. El tatuarme esta palabra también
más factible que dedicarme al arte a tiempo completo. tiene que ver con asumir la realidad de estas dos posiciones, es decir la de
tener que aceptar que mi trabajo con el tatuaje es principal y que mi práctica
El oficio del tatuador en La Paz es la versión actual del artista popular o del artística queda en un segundo plano.
artesano. Trabaja a pedido y se le tiene una cierta consideración por saber
hacer algo estético, con respecto a la belleza más popular. Casi igual a la Si un buen artista es el que expone en galerías, el que participa en
idea general que se tiene de los artistas, se lo considera como atrevido, residencias por todo el mundo y que está activo en la escena del arte local e
extremo, borracho, rebelde, como una personalidad o un personaje digno de internacional, entonces soy una mala artista. Sin embargo, intento utilizar el
ser reconocido. Comencé mi aprendizaje del tatuaje aun estando en colegio. arte como una manera de resistir, como una actividad en la que pueda tener
Mis tutores me hicieron tres preguntas antes de empezar: Si realmente quería la posibilidad de crear algo y que no sea solamente una herramienta para
Sobre ser hartista

hacer esto, que iba a estudiar y si tenía chico. subsistir económicamente. Ser hartista es adoptar una posición incorrecta,
pero la asumo conscientemente.
Descubrí que la enseñanza tiene una dinámica en la cual, el aprendiz es un
ayudante que puede servir como mano de obra gratuita o casi gratuita. No se
enseña a cualquiera a tatuar, ya que es un oficio que se aprende de manera
empírica, lo que implica que cada tatuador desarrolla una técnica personal
que lo diferencia de los demás y que por tanto desea preservar. Existe una
lógica de maestro y pupilo, en la cual este último debe doblegarse al primero,
hacerle favores, adularlo, etc. En mi caso tuve la suerte de que mi maestro
reconociera mis competencias técnicas para el dibujo y la pintura y que
Ivanova Gutiérrez

respetara mi formación en la carrera de artes. Sin embargo, el hecho de ser

una chica con pareja, en un medio dominado por una lógica machista hizo
que mi aprendizaje fuera complicado en varios sentidos.

Al considerarme como una artista contemporánea, me doy cuenta de haber

mantenido mi gusto por la plástica y el tatuaje en el closet, afirmando
pertenecer a un bando y no al otro.
El jueves 8 de febrero de 2018 al promediar la una de la tarde, el cartel1 de la
Carrera de Artes y Diseño de la Universidad Mayor de San Andrés, ubicado en
la calle 0 de Obrajes, fue cubierto por un banner de las mismas dimensiones en el
que figuraba la palabra HARTISTA.

Ignorado por los estudiantes, así como por los docentes y el personal administrativo
de la Carrera de Artes y Diseño, el banner fue modificado únicamente en su
disposición por las lluvias frecuentes, la cual fue corregida el viernes 16 de
febrero. Está corrección pasó también desapercibida.

El banner fue retirado por personal de la Carrera de Artes y Diseño a mediados de

marzo de 2018, es decir más de un mes y medio despues de haber sido instalado.

Acción realizada por Ivanova Gutiérrez en colaboración con Alfredo Coloma

con el apoyo logístico de Mariana Villarroel, Juan Carlos Carrillo y Valeria Bernal
Regístro fotográfico: Carla Espinoza y Andrea “China” Martinez

1   Este cartel fue diseñado para que las palabras ARTES y DISEÑO puedan ser leídas indepen-
dientemente una de la otra.
Artista / hartista
Valeria Paz

En la historia del arte boliviano ser artista ha respondido a una definición A lo largo de su trayectoria profesional, Valcárcel ha hecho harto (ha sido
cerrada y excluyente del arte, en la que frecuentemente cumplía una función curador, crítico, editor, diseñador, entre otros) para llenar, muchas veces de
heroica: el artista con su obra contribuía a la solución de los grandes manera no remunerada, los vacíos de profesionales que existen en el país.
problemas del país.1 Nuevas ideas o formas de pensar la realidad o el arte Por otro lado, tiene que hacer harto para vivir. Con estudios de arquitectura
no han tenido lugar puesto que en esta fórmula ya estaban resueltas las en Alemania se trata de un artista autoformado (más que autodidacta). A los
formas y temas. Hoy en día, el oficio o manejo de la técnica es el requisito 66 años enseña tiempo completo (ocho clases en la universidad) y da clases
principal del título profesional y es lo primordial en la valoración de la obra.2 particulares en su taller. Goza de un cierto prestigio en el ámbito artístico
Los artistas virtuosos son muy reconocidos y su oficio considerado un don de gracias a su visión crítica del arte y de la sociedad boliviana que sin embargo
nacimiento más que el resultado del estudio o trabajo. Esta situación refuerza no es suficiente para pagar la cuentas. Una situación ideal –motivo por el
el mito del artista como genio, un tipo raro y extravagante (generalmente en cual compra religiosamente la lotería de Miami– sería poder dedicar al menos
masculino) que inspira admiración pero también compasión; sentimientos medio tiempo a la creación artística.
que definitivamente contribuyen a que en última instancia no se valore (y no
se considere necesario pagar) su trabajo. Este rápido análisis y ejemplos sugieren que la tradición y los clichés en el
arte valen (económicamente) más en Bolivia que cuestionarlos o cómo dice
Pero hay algunos artistas, aunque raros, que al parecer logran vivir sin Mamani Mamani “Una persona con identidad vale cien veces más que una
grandes dificultades de su oficio. Roberto Mamani Mamani, autodidacta persona sin identidad”.5
y autodenominado “príncipe aymara” es un artista comercial que se sirve
de ciertas creencias no cuestionadas que prevalecen sobre lo que es ser
artista y de crear otros mitos en los que capitaliza lo políticamente correcto.3
Cumplir y representar a cabalidad estas creencias, además de un olfato por el
negocio le ha permitido abrir una tienda de arte y mercancía artística en San
Miguel; así como diseñar aretes, anillos y topos y pintar mantas para el Gran
Poder (que vende en el mismo precio que sus cuadros), crear murales en el
interior de Cholets y fachadas de edificios en El Alto, entre otros. En 2012,
para festejar sus cincuenta años de vida pintó los cuerpos “perfectos” (según
su sitio web), de doce misses del país; 4 contribuyendo de esa manera, una
vez más, a la afirmación de creencias problemáticas (como son la cosificación
de la mujer y el sexismo en el arte).

Si tomamos como contra ejemplo a Roberto Valcárcel parecería que el artista

que rechaza y cuestiona en su obra las creencias, prejuicios y mitos (la
tradición, en otras palabras) no logra vivir de su oficio.

1  Alfredo Coloma, Eloísa Paz. Glosario de términos para entender el contexto del arte
contemporáneo en Bolivia, CCELP, La Paz, 2017.
2  Ver definición de “virtuosismo” en ídem.
3  En su página web menciona que es “conocido a nivel mundial como el Príncipe
Aymara”. “Biografía” publicada en el sitio web del artista, <www.mamani.com/mamani-
biografia.pdf>, se accedió a esta página el 12 de octubre de 2107.
5  “Mamani Mamani – el color de Los Andes”, vídeo publicado en el sitio web del artista,
4  Ídem. <www.mamani.com/prensa.php> se accedió a esta página el 12 de octubre de 2107.
Andrés Pereira

¿Se puede pensar en un artista Boliviano realmente? Se puede dejar de renegar y se puede pensar en hablar con trabajo

¡Oh! queridx colega… ¡Oh! queridx colega…

Se puede pensar en arte boliviano o también en arte hecho en o desde Bolivia ¿Se puede dejar de pensar en dinero?

¡Oh! queridx colega… ¡Oh! queridx colega…

Se puede pensar que no somos parte de la historia del arte o de los relatos Se puede dejar de pensar en los beneficios del exotismo
del arte contemporáneo
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
¿Se puede ser exigente con unx mismx se puede trabajar en el desierto?
¿Se puede pensar que lo anterior es una trampa?
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
Se puede dejar de idealizar también
Se puede pensar en qué nos interesa profunda y sensiblemente de esto que
hacemos, del arte, sin necesidad de parecer una miss Bolivia o un conjunto ¡Oh! queridx colega…
folkórico en Viña del Mar
Se puede seguir
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
Se puede pensar que no es una competencia
¿Se puede pensar el arte como un gesto de r/persistencia?
¡Oh! queridx colega…
Mmm… ¿de pensamiento?
Se puede pensar que no hay lejos ni cerca
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
¿Se puede pensar con las manos?
Se puede pensar que somos generacionalmente distintos, se puede pensar
¡Oh! queridx colega…
en dejar atrás traumas ajenos
¿Quién te dice donde se aloja tu trabajo?
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
Se puede no pensar nada y vivir feliz o sufrir mucho
¿Quién te dice lo que tienes qué hacer? ¿Quién te dice que tienes que
¡Oh! queridx colega…
quedarte o también seguir?
¿Se puede pensar que no estamos aislados?
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
¿Con quién peleas, con quién?
¿Se puede pensar que no nos merecemos todo por ser bolivianos, se puede
¡Oh! queridx colega…
pensar en trabajar nuestros campos como cualquier agricultor?
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
¡Oh! queridx colega…
hartista
Vista de instalación
Persona Casa Galería, Abril 2018
hartista
Vistas de instalación
Persona Casa Galería, Abril 2018

hartista (posibles definiciones)

Tattoo performance - 20/05/2017 (Fotografía + Registro en video)

Aglomeración estética
Plantillas de tatuajes
Sobre los autores:
Alfredo Coloma es artista y curador (ocasional). Actualmente realiza un Master de
Artes Visuales en la HEAD (Alta Escuela de Arte y Diseño de Ginebra). Vive y trabaja
entre Bolivia, Francia y Suiza.
Ramiro Garavito es artista, crítico y curador. Vive y trabaja en Cochabamba, Bolivia.
Ivanova Gutiérrez es tatuadora y artista. Es licenciada de la Carrera de Artes y
Diseño de la UMSA, con especialidad en Pintura. Vive y trabaja en La Paz, Bolivia.
Valeria Paz es historiadora, crítica y curadora. Obtuvo su doctorado en Historia del
Arte en la Universidad de Essex, Inglaterra en el año 2015. Vive y trabaja en La Paz,
Bolivia.
Andrés Pereira es artista. Vive y trabaja entre Bolivia y Perú.

Agradecimientos
Ivanova Gutiérrez, Galo Coca Soto, Ramiro Garavito, Valeria Paz, Andrés Pereira,
Narda Alvarado, Persona Casa Galería, Juan Carlos Carrillo, Mariana Villarroel,
Valeria Bernal, Tania Romero, Freddy Gutiérrez, Andrea “China” Martinez, Alfredo
Salinas Menacho, Juan Carlos Roca, Candela Sotos, Pablo Mendez, Ronald Reyes,
Dos Mares, María Teresa Rojas, Clovis Duran, Barbara Fedier, Pierre Leguillon,
Laurent Schmid, Fulvia Carnevale, Lili Reynaud-Dewar, Yolande Estermann, Anselm
Wiskott, Alexa Wiskott, Walter Durán y la familia Coloma Varela.

Edición, Diseño Gráfico y Diagramación

Alfredo Coloma
Vistas de instalación
Galo Coca Soto

Ñojo Press, Abril 2018

La Paz, Bolivia / Ginebra, Suiza
[email protected]