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The current edition of f Zehar r asks of us, through performance, a dual task: to detach ourselves from the mere immersion in the images of which each moment of our daily lives is composed and also to reect on how these images are shaped and on the imperceptible relationships that are gradually woven between them. In the same way that there are different ways to understand a performance, there are also manifold ways of making use of it. The use of the performance put forward in this number is like that of a broom employed to gather up and tidy the accumulated visual material that we have. The aim, then, is to arrange all the visual material that surrounds us and the structures that are brought to life and made sense of by these images, so allowing us to develop through them and to create new spaces that can respond to our needs. We have put into print the edition exercises that different people have shown when faced by the accumulation of images of our surroundings. It will therefore be a chain of exercises in series, a kind of incomplete series of scores or rehearsals for different and possible performances. Some of the proposed exercises are theoretical, others deal with performative experiences and, nally, there are also actual performative exercises per se.

El presente nmero de Zehar nos propone, a travs de la performance, realizar un doble ejercicio: abstraernos de la mera inmersin en las imgenes que van componiendo cada uno de los momentos de nuestra vida diaria y reexionar acerca de cmo se van conformando dichas imgenes y de las relaciones imperceptibles que se van tejiendo entre ellas. As como hay diferentes maneras de entender lo que es una performace, hay tambin mltiples formas de hacer uso de ella. El uso de la performance propuesto en este nmero sera como el de una escoba utilizada para recoger y ordenar el material visual que vamos acumulando. Se tratara, pues, de ordenar todo el material visual que nos rodea y las estructuras a las que dichas imgenes dan vida y sentido, lo que nos permitira desenvolvernos entre ellas y crear nuevos espacios que respondieran a nuestras necesidades. Hemos trasladado al papel los ejercicios de edicin que diferentes personas han realizado ante el cmulo de imgenes de nuestro entorno. Ser, pues, una cadena de ejercicios en serie, una especie de partituras o ensayos inacabados para diferentes y posibles performances. Algunos de los ejercicios propuestos son tericos, otros tratan sobre las experiencias performativas y, por ltimo, hay tambin performances propiamente dichas.

\ Esther Ferrer. [Aitor Bengoetxea]

Interview

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Esther Ferrer

[M. Zilbeti + M. Otaegi] Youve been here for two weeks now and youve been interviewed many times. What is the most-repeated question that youve been asked?

[Esther Ferrer] The most-repeated? If performance art has evolved and how I began with performance art. I think those are the things that Ive been asked the most and what I always get asked.

I imagine that your performances have evolved with you.

They get old with me, they change with me. Firstly because the social and political situation changes and psychologically you also change, as do your interests, and your work evolves as a result. Also, physically Im not the same as I was when I was thirty and there are some performances that I cannot do anymore. I can adapt them to my current state and sometimes I do adapt them because I like the idea and I dont want to leave them forgotten in some drawer. But I dont always, because sometimes I cant do the things how I did them before and I dont want to change them. These performances disappear to make way for others that adapt better to my current physical and psychological state. There are times when your concerns are more artistic and there are others, for whatever reason, because the situation is the way it is, that you have socio-political concerns or you nd yourself in a slightly strange personal situation and as this inuences both what you do at a plastic level and at a performance level. Anyway, I change the performances continually and even though I hold on to the idea because I like it, I do different versions; one idea can be looked at in many different ways.

Interview]Esther Ferrer

They say that there are many theories on performance, as many theories as there are performers. So you must have your own theory...

Of course I have my own theory, but only regarding what I do myself. I do feel that there are as many theories and as many denitions as performers, but not everybody agrees, quite the opposite. There are many who synthesise, analyse, classify, exclude it, etc. I always talk about my own work. I have my own idea about what I want to do, what I consider to be an action, and based on that I can theorise about what I do. It might be the case that those who see my performances completely disagree with my theory, but that doesnt bother me, quite the opposite, I really like it; its taken me a lot to understand that not being in agreement can be enriching for all parties.

Can performance art be seen as the meeting of the private and public spaces?

Yes, why not? But it can be done in private and in public.

But is performance a valid instrument to bring what is private to the public domain and vice versa?

Yes, but you could also say the same about a picture, for example, or a lm or a play... Very often they also exteriorise privacy... It can be applied to performance art, but it isnt exclusive. For example, very often Ive read novels which contain autobiographical elements... In this case too what is private becomes public. Youre perhaps right in one respect, which is that while in a novel, in painting or in other arts, it is possibly disguised or hidden, in a performance, in an action, by its very nature, it is more evident, given that the performer is both object and subject, and so it is more real in this sense. But it can also be well-hidden, manipulated and although Im totally against manipulation, you can undoubtedly mystify, cant you?

Turning to the performers of the 70s, feminists saw performance art as a tool for the distortion of reality.

The struggle was on two levels; private of course, because there were many things to question in ones private life, everything that touched on sexuality, the relationship with your partner, the different atavistic dependencies, etc. But it was also social, ghting to gain access to areas that were denied to us socially; the right to abortion, to equal jobs, equal salaries, the right to possess our own body, the struggle against degrading advertising, etc. Many of these things are on the border of what is public and what is private, and in our discussions we tackled all these subjects, trying to see as clearly as possible.

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As regards the arts world, Im convinced that feminism has widened the subject matter and the artistic possibilities, introducing themes that had until then been considered anartistic or non-artistic, themes that in many cases formed part of the everyday world of women. In this sense, it is difcult to separate, in the feminist struggle and in the artistic eld the extent to which we are defending our own self and our own identity, because we are also defending the social visibility of a new image, of a new woman, with all the rights, with an ability to react, with an ability to intervene and to make decisions, etc.

At Arteleku, when you began the workshop, before the presentation of each participant, you said the following: I take it for granted that all of you here are feminists which is the starting point.

I wish it were, but it isnt always the case. Now and then you even come across some anti-feminists, who havent considered the problem, who arent even aware that there are limitations on womens rights, because they havent stopped to think, or because they initially accept that thats the way it is and, even worse, thats the way it should be. They never consider it to be a problem, maybe because if they did so, so many other questions would arise and so theyd prefer not to raise the matter, Its true that for you and for me and for all the women who reect on these issues, life is more complicated and so are, naturally, relationships with men and not only in our private lives, but also our professional ones.

You have said on various occasions that you are a feminist, but your art may be so or maybe not.

Im not very fond of labels, but I think that of feminisn is still absolutely necessary nowadays, in order for your position to be made clear. I believe that when you are a feminist, you are one because you have reected, because you have fought for womens liberation, because you have explored, argued, read, tried to clarify your own contradictions, etc. All this colours whatever you do. Sometimes, after having done a performance, women will come and talk with me and say, Youre a feminist, arent you? And I always nd this surprising because the performance that Id done was completely absurd, since I work a lot with the absurd. So of course there must be something of the feminist stance of my life that shows through! On other occasions, I do in fact use my artistic work to protest against a given situation, which might be something that affects the situation of women, and I create a work to protest or denounce it. Its like a cry that comes out

Interview]Esther Ferrer

in the form of a work which is dened as feminist because it is a reaction to a set of circumstances that are against womens rights or freedoms. But what I dont intend to do is award myself a medal or y the ag of feminist in the eld of art. Im a feminist twenty-four hours out of twenty-four and I create the art that I feel I should.

Thats interesting, because that is the relationship that you want to have with the public; in the end its the public who interprets what it is that you are doing. Does it matter if they like it or not?

I dont care. What Im interested in is doing what I want in the way that I want to do in a given situation. I do set out to convey a message which is able to say things as clearly as possible, especially when I try to put forward a reection on something that I feel is important and which I think is worth reecting on.

Do you think that there is a relation between post feminist-queer theories and theories about performance?

When action art arose it was dened as a rupture in the eld of artistic expression, but, as far as I know, it wasnt born in feminist spaces it was begun mainly by men. There were women in Guta, in Fluxus and in other movements, but they were in the minority, which doesnt mean to say that they werent pioneers or important. But since it is a vehicle which enables or is suitable or appropriate for putting certain vindications up for discussion and clarifying positions in relation to the situation of women, then feminists, whether lesbians or not, have appropriated it, we practice it. For those artists who have always created feminist art, ghting, struggling... Performance art has, in effect, several elements that may be very useful in breaking moulds, as is the case with video, which is maybe why there are a lot of female video artists.

These types of media have enabled women to become subject and begin to represent themselves.

When you talk about representation, I always say that performance art doesnt represent, it presents. The intention is more to destroy those hegemonic positions that have led to the current state of affairs. You dont represent your body, you present your body of a woman, with all its rights, pretty, ugly, tall, short, fat, thin, young, old... Its yours and there it is and you use it as the subject of your action. But the struggle for women to represent themselves began before performance art and not only in the eld of art...

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Presentation... representation... Some artists claim that today we are always in the situation of representing a role which represents other roles.

Caldern spoke of the great theatre of the world. Some time ago, I wrote an article saying that half the world is the spectator of the other half of the world and that the roles are constantly changing. From the moment that you consent to a series of social norms, that you dress in a particular way etc. youre representing a character, youre responding to what you want to be, sometimes conditioned by society, sometimes less so. The absolute, pure self? What is it? What are we? I dont know, for me almost everything is a kind of enigma...

Do you consider performance art as a break with the arts system?

Not as a break with art because it is almost always within the arts system. However, I wouldnt want performance art to become just another genre within art, but rather a kind of UFO, a free electron that nobody really knows where its coming from, nor where its going to and remains without its own xed abode and set characteristics; performance art presents itself, in the majority of cases, in the eld of art. I would like it to stay in a position of estrangement in the sense that it can still be something corrosive, working like a kind of contagious virus that no-one really knows what medicine is needed to do away with it, or to dene it, systemise it. I hope that nobody nds the vaccine to manage to make this controllable, dened, structured. As we were saying in the discussion, I would like this to continue being an element of resistance inside or outside the arts system, to always be a question without an answer, in relation to the social or artistic content of the action, and even formally. I would like it to have the vitality to retain enough diversity that those watching continue to be forever asking, What on earth is this? But is this art? What does it mean? When does it nish? When does it start? Where is it going? And that it always has elements that make it different from other arts genres so much so that it can never become just another genre.

Judith Butler regards performativity as the repetition of actions which, as they are reiterated, are normativized and respond to power. Is performance art related to this reading of performativity.

Well, I suppose that in some cases, yes, and in others, no. Generalisations are always reductive; it depends on the position of each performer faced by this power, which for me naturally includes some critics, curators, university gures, etc. And anyway, is there anything that totally escapes power nowadays? Unless that means utterly radical positions of total rupture, including of course that of not practicing art at all. The modest aim is to do something that we believe, or I believe, cannot be

Interview]Esther Ferrer

completely recovered and, wherever we appear, to ght for this freedom. For this reason I defend total hybridity, illegitimacy and confusion in the practice of performance art.

Can performance art be taught?

Sometimes I think that maybe what can be taught is the history of performance art, its evolution... But even for that you have to dene what performance art is, given that youre going to analyse it, and since I think there are as many denitions as there are performers... Of course, if you decide that performance art is this and not something else, that could have, and has, form x, y or z, then it is like any work of art and you can analyse it accordingly, or even systematise it: form, volumes, spaces, content, composition, technique, etc. But I dont know what validity this teaching would have. Performance art is not a discipline; it doesnt have a technique... The question is whether or not you need a teacher to study history. You can learn the history of art by yourself in a library, by watching videos... And reaching your own conclusions, but that isnt teaching you how to carry out performance art, although maybe its teaching you to copy or to follow the path of...

It has also been debated whether or not this fact may endanger both performance art and the students themselves as they run the risk of being formatted.

The best thing is for each person to invent and thats why when I give seminars... I dont take videos, I dont talk about my work unless they ask... Sometimes I refer to one of my works because one of the participants has done something that is similar to this or that action by another artist. I do so simply because it might lead them to nd out about or investigate the work of artist x who has worked in the same area and it might help them clarify their own position but not to accumulate knowledge, which is why I never select the participants nor ask for their CV... I like people to come from wherever and I dont want those who attend to be conditioned by any artistic school of thought or by university studies, etc. I think the best thing is to mix; university students, artists, those who have no artistic speciality, etc. That way its more enriching for everybody.

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Could it perhaps be an alternative method of de-learning?

When Cage gave some courses at the New School for Social Research, he asked the participants on the rst day if there was anyone there who had never studied music. I think it was Al Hansen who raised his hand and said, Me, and Cage answered, Excellent, that way you dont have anything to forget.

You mentioned earlier that you have performances put away, which you modify... Are these modications, which you make yourself, made in order to suit you?

When I think about performances, I never think about the other, they respond to my own needs. In Vitoria, they said to me, yes, but sometimes you have done political performances. Yes, but these also respond to a need that I have at the time of doing it; something has happened that affects me and this reaction, as I said before, is perhaps a work of art. I believe that we have to protest and my protest is this, but it responds to my own needs. First Im a person and later an artist.

Could you say that it is the artistic practice of necessity?

Yes, I feel that we, or at least I, do things out of necessity, out of desire... Even charity is done out of a need that you have and thats great. Why not? If its useful and helps people... Lets not analyse. If you do somebody good, for whatever the reason, you know to what extent its useful for you and art is something similar. I do it because I want to do it and if it also serves a purpose for somebody else, then marvellous, but other times I really want to say this and not something else and I want people to understand it as clearly as possible and so I try to use all means for that message to get across. On other occasions its more ambiguous, more secret... And I like that it can be interpreted in different ways, so different that they dont have anything to do with what I think Ive done and I enjoy this and nd it interesting, but other times, as I say, I dont. In these cases, it is almost a militant act; well, I believe that all art created with freedom is militant, is political.

Valentn Torrens commented that performance art is a practice of self-evaluation.

Its up to each person. Whenever you create a work, youre demonstrating to yourself that you can do it, conscious or unconsciously. I think that this happens to everybody. Will I be able to do this, to organise it, to carry it out as I want to?

Interview]Esther Ferrer

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Am I able to do it, not only intellectually and philosophically, but also physically? Its something that you do in front of people, and so you ask yourself if youll be able to hold it together. But also when you paint a picture or make a sculpture... In everything we do, whether we want to or not, we are afrming ourselves. The thing about performance art is that it has this spectacular cot in huge inverted commas. Its clear that the way we look at a painting, which is a separate product, or we see it as completely separate from the artist, including physically, is not the same way that we look at performance art; here there is no distance, the artist is the subject and the object. For this reason the interpretations by those who accept or reject the proposal are much richer, more direct, but perhaps more confused... The object is a subject of esh and bone, it isnt a painting, it isnt the result of.... In a picture, for example, the result is xed there, but performance art is being made before your eyes, it can transform in situ. Nobody knows the result, its being made; you could even say that there is no result, simply the development of a proposal, of a situation... You can judge a painting in relation to what is dened, nished, but very often in a performance you dont know when it starts, or when it ends; it doesnt have the same elements as regards a traditional plastic work of art. Your mind is in movement, it isnt still; you have to be alert at all times.

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\ La primera media hora... Esther Ferrer. Centro Cultural de la Villa. Madrid, 1983.

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\ Esther Ferrer. [Aitor Bengoetxea]

Entrevista

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Esther Ferrer

[M. Zilbeti + M. Otaegi] Llevas aqu ya dos semanas y te han hecho muchsimas entrevistas. Cul es la pregunta que ms se ha repetido?

[Esther Ferrer] La que ms se ha repetido? Si hay alguna evolucin en la performance y cmo empec a hacer performance. Creo que son las cosas que ms me han preguntado, y que me preguntan siempre.

Imagino que tu performance habr evolucionado contigo.

Envejecen conmigo cambian conmigo. En primer lugar porque la situacin poltico social cambia y psicolgicamente tu cambias tambin, as como tus intereses, y tu trabajo evoluciona en consecuencia. Tampoco fsicamente soy la misma que a los treinta aos y hay algunas performances que ya no puedo hacer. Puedo adaptarlas a mi situacin actual y algunas veces las adapto porque la idea me gusta y no quiero dejarla en el cajn del olvido. Pero otras veces no, porque no puedo hacer las cosas como las haca antes y no quiero cambiarlas. Estas performances desaparecen para dar lugar a otras que se adaptan ms a mi situacin actual, fsica, psicolgica... Hay periodos que tienes ms preocupaciones de tipo artstico y otros que por lo que sea, porque la situacin es como es, tienes preocupaciones sociopolticas, o ests t misma en una situacin vital un poco rara y todo esto inuye tanto lo que haces a nivel plstico como a nivel de performance. De todas formas yo cambio las performances continuamente y aunque guarde la idea porque me gusta, hago versiones diferentes, una idea se puede declinar de muchas formas.

Entrevista]Esther Ferrer

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Se comenta que hay muchas teoras sobre la performance, tantas teoras como performers. Por lo tanto, tendrs tu propia teora

Por supuesto, yo tengo mi propia teora, pero solamente respecto a lo que yo hago. Pienso que hay tantas teoras y tantas deniciones como performers, pero no todo el mundo est de acuerdo, al contrario. Hay muchos que la sintetizan, analizan, clasican, excluyen etc. Yo siempre hablo de mi trabajo. Tengo mi propia idea de lo que quiero hacer, de lo que considero que es una accin, y a partir de ah puedo teorizar sobre lo que hago. Puede ocurrir que quienes ven mis performances estn en completo desacuerdo con mi teora, pero eso no me molesta, al contrario, me gusta mucho, me ha costado mucho comprender que el no estar de acuerdo puede ser enriquecedor para todas las partes.

Se puede ver la performance como la conuencia del espacio privado y pblico?

S, por qu no, pero se puede hacer en privado y en pblico.

Pero, es la performance una herramienta vlida para traer al terreno de lo pblico lo que es privado y viceversa?

S, pero esto tambin se puede decir por ejemplo de un cuadro, de una pelcula, de una obra de teatro... Muchas veces exteriorizan tambin la privacidad... Se puede aplicar a la performance, pero no es exclusivo. He ledo muchas veces por ejemplo que en muchas novelas hay elementos autobiogrcos... Tambin en este caso lo privado se hace pblico. En una cosa tienes razn quizs y es que en la novela, en la pintura o en otras artes, a lo mejor est disfrazado o encubierto y en la performance, en la accin, por sus caractersticas es ms evidente puesto que el o la performer es a la vez objeto y sujeto, es ms real en ese sentido. Pero tambin puede estar muy escondido, manipulado, aunque yo est totalmente en contra de la manipulacin, sin duda se puede misticar, verdad?

Relacionado con las performers de los aos 70, las feministas vean la performance como una herramienta de distorsin de la realidad...

La lucha era a dos niveles: uno privado, por supuesto, porque haba muchas cosas que cuestionar en tu vida privada, todo lo que toca a la sexualidad, la relacin con tu compaero o compaera, las diferentes dependencias atvicas, etc. Pero era tambin social, combatir para acceder a campos que nos estaban negados socialmente, el derecho al aborto, a trabajo igual salario igual, el derecho a disponer de nuestro cuerpo, la lucha contra

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una publicidad degradante, etc. Muchas de estas cosas estn en la frontera de lo pblico y lo privado, y en las discusiones entre nosotros tratbamos todos estos temas intentando verlos lo ms claramente posible. Por lo que se reere al mundo artstico, estoy convencida que el feminismo ha ampliado la temtica y las posibilidades artsticas introduciendo temas que hasta entonces estaban considerados a-artsticos o no artsticos, muchos de estos temas formaban parte del cotidiano de las mujeres. En ese sentido es difcil separar, en la lucha feminista y en el terreno artstico, en qu medida estbamos defendiendo nuestro propio yo y nuestra propia identidad, porque tambin estbamos defendiendo la visibilidad social de una nueva imagen, de un nuevo ser mujer, con todos los derechos, con una capacidad de reaccin, con una capacidad de intervencin y de tomar decisiones, etc.

En Arteleku, al comenzar el taller, antes de la presentacin de cada participante dijiste lo siguiente: doy por supuesto que todas las personas que estis aqu sois feministas. El punto de partida es ese...

Me encantara, pero no siempre es el caso. De vez en cuando te encuentras incluso algunas antifeministas, que no se han planteado el problema, que no son conscientes incluso de que haya una limitacin de los derechos de la mujer, porque no se han detenido a pensar, o porque aceptan de entrada que eso sea as y peor todava, que debe ser as. No se lo plantean nunca como problema, quizs porque si lo hicieran surgiran tantos interrogantes que preeren no planterselo. Es verdad que para ti y para m y para todas las mujeres que reexionamos sobre la cuestin la vida es ms complicada y por supuesto la relacin con los hombres tambin y no slo en la vida privada, sino tambin en la profesional.

Has dicho en varias ocasiones que t eres feminista, pero que tu arte puede serlo o no.

A m no me gustan mucho las etiquetas, pero la de feminista todava hoy en da creo que es absolutamente necesaria, para que quede clara tu posicin. Creo que cuando eres feminista, lo eres porque has reexionado, porque has luchado por la liberacin de la mujer, porque te has informado, discutido, ledo, intentado claricar tus propias contradicciones, etc. Entonces todo esto destie sobre lo que haces. Me ha ocurrido tras hacer una performance que vengan a hablar conmigo algunas mujeres y me digan t eres feminista verdad? Y siempre me sorprende porque a lo mejor la performance que he hecho era completamente absurda, porque trabajo mucho con el absurdo...

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As es que debe de haber algo de mi posicionamiento feminista en la vida que se transparenta, por supuesto! Otras veces efectivamente puedo utilizar mi trabajo artstico para protestar contra una situacin dada, que puede ser algo que afecta a la situacin de la mujer, y hago una obra de protesta o de denuncia. Es como un grito que sale en forma de obra que se dene como feminista porque es una reaccin ante un hecho que es contra los derechos o las libertades de las mujeres. Lo que yo no quiero es ponerme la medalla o la bandera de feminista en el terreno del arte. Yo soy feminista veinticuatro horas sobre veinticuatro y hago el arte que me parece que tengo hacer.

Es interesante, porque ah est la relacin que quieres tener con el pblico, al nal es el pblico quien interpreta lo que ests haciendo, da igual que le guste o no le guste?

Me da lo mismo. Lo que me interesa es hacer lo que quiero de la manera que quiero en una situacin dada, y si pretendo vehicular un mensaje, ser capaz de decir las cosas lo ms claramente posible, sobre todo cuando intento proponer una reexin sobre algo que creo es importante y sobre lo que pienso merece la pena reexionar.

Crees que hay una relacin entre las teoras postfeministas - queer y las teoras de la performance?

Cuando surgi la accin se posicion como una ruptura en el terreno de la expresin artstica, pero por lo que yo s, no naci en espacios feministas, quienes empezaron eran en su mayora hombres, haba mujeres en Guta, en Fluxus y en otros movimientos, pero eran minoritarias, lo que no quiere decir que no fueran pioneras e importantes. Pero como es un vehculo que facilita o que es apto o apropiado para poner sobre el tapete ciertas reivindicaciones y claricar posiciones en relacin con la situacin de la mujer, las feministas, lesbianas o no, nos hemos apropiado de ella, la practicamos. Para aquellas artistas que han hecho siempre arte feminista, de batalla, de lucha... Efectivamente la performance tiene unos elementos que pueden ser muy tiles para romper esquemas, como ocurre con el video, quizs por ello hay muchas mujeres que trabajan con el video.

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Estos medios han permitido a las mujeres convertirse en sujeto y empezar a representarse a s mismas.

Cuando hablas de la representacin, yo siempre digo que la performance no representa, presenta. Se trata ms bien de destruir estas posiciones hegemnicas que han llevado a la situacin actual. T no representas tu cuerpo, t presentas tu cuerpo de mujer, con todos los derechos, guapo, feo, alto, bajo, gordo, aco, joven, viejo... Es el tuyo y ah ests y lo utilizas como sujeto de tu accin. Pero la lucha de la mujer por representarse a s mismas empez antes que la performance y no slo en el terreno artstico...

Presentacin... representacin... Algunos autores deenden que hoy en da estamos siempre en situacin de representar un rol que represente otros roles.

Caldern habl del gran teatro del mundo. Hace tiempo escrib en un texto que medio mundo es el espectador del otro medio mundo y los papeles se intercambian continuamente. Desde el momento que te sometes a una serie de normas sociales, que te vistes de una manera etc. ests representando un personaje, ests respondiendo a lo que t quieres ser, a veces ms condicionada por la sociedad, otras veces menos. El yo absoluto, puro? Qu es? Qu somos? Yo no lo s, para m casi todo es como un enigma...

Consideras la performance como ruptura del sistema del arte?

No como ruptura del arte porque casi siempre est dentro del sistema del arte. Aunque lo que no me gustara es que la performance se convirtiera en un gnero ms dentro del arte, sino que fuera como un especie de ovni, de electrn libre que nadie sabe muy bien por donde se pasea, ni por donde va y siga sin domicilio propio y sin caractersticas jas, la performance se presenta, en un gran porcentaje de veces, en el terreno del arte. Yo quisiera poder mantenerla en una posicin de ruptura en el sentido que todava sea algo que corroe, que funciona como una especie de virus que se contagia y que nadie conoce muy bien la medicina para acabar con l o para denirlo, sistematilzarlo. Que nadie encuentra la vacuna para conseguir que esto sea controlable, denido, estructurado. Como decamos en la discusin, me gustara que siguiera siendo un elemento de resistencia dentro o fuera del sistema del arte, que siempre fuera como un interrogante sin respuesta, sobre el contenido social o artstico de la accin, e incluso formalmente. Me gustara que tuviera la vitalidad suciente para mantener tal diversidad que los que la ven se siguieran preguntando siempre, esto qu es? Pero esto es arte? Por dnde hay que cogerlo? Cundo se termina? Cundo empieza?... A dnde va esto? Que siempre tenga

Entrevista]Esther Ferrer

elementos que hagan que sea diferente de los otros gneros del arte de tal forma que no se pueda convertir nunca en un gnero ms.

Judith Butler entiende la performatividad como la repeticin de acciones que a medida que se reiteran se normativizan y responden al poder. Tiene relacin la performance con esta lectura de la performatividad?

Supongo que en algunos casos s y en otros no. Las generalizaciones son siempre reductoras, depende de la posicin de cada performer frente a ese poder, en el que incluyo por supuesto algunos crticos, comisarios, universitarios, etc. Y de todas formas, es que hoy hay algo que escape totalmente a ese poder? A no ser las posturas totalmente radicales, de ruptura total, entre las que incluyo por supuesto la de no practicar en absoluto el arte. Se trata, humildemente, de hacer algo que creemos, y all donde nos presentemos luchar por esa libertad. Por eso deendo la hibridad total, la ilegitimidad y el desconcierto en la prctica de la performance.

Se puede ensear la performance?

A veces pienso que quizs lo que se puede ensear es la historia de la performance, su evolucin... Pero incluso para eso hay que denir qu es la performance, puesto que vas a analizarla, y como creo que hay tantas deniciones como performers... Por supuesto, si decides que la performance es esto y no otra cosa, que puede tener y tiene una forma x, y o z, entonces es como una obra de arte cualquiera y la puedes analizar en consecuencia, e incluso sistematizarla: forma, volmenes, espacios, contenidos, composicin, tcnica, etc... Pero no se qu validez puede tener esta enseanza, la performance no es una disciplina, no tiene una tcnica... La cuestin es si para estudiar la historia hace falta un profesor o profesora. La historia del arte la puedes aprender t misma en una biblioteca, ver videos... Y sacar tus propias conclusiones, pero eso no te ensea a hacer performance, a lo mejor te ensea a copiar o a seguir el camino de...

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Se ha debatido tambin si este hecho puede poner en peligro tanto a la performance como a los propios estudiantes ya que corren el peligro de ser formateados.

Lo mejor es que cada uno invente y por eso cuando imparto seminarios... No llevo videos, no hablo de mi trabajo, a no ser que me lo pregunten... A veces hago referencias a alguna obra porque alguno de los participantes ha hecho algo que se parece a tal o cual accin de otro artista. Se lo digo simplemente porque le puede llevar a interesarse e investigar sobre la o el artista x que ha trabajado en el mismo terreno y puede ayudarle a claricar su propia posicin. Pero no para acumular conocimientos, por eso nunca selecciono los participantes, ni pido CV... Me gusta que la gente venga de donde venga y que asista gente que no est condicionada por una escuela artstica, por unos estudios universitarios etc. Creo que lo mejor es mezclar, los universitarios, los artistas, los que no tienen ninguna prctica artstica etc. Es ms enriquecedor para todos.

Podra ser quizs una pedagoga alternativa el desaprendizaje de las mismas?

Cuando Cage dio unos cursos en la New Scool for Social Research, el primer da pregunt a los participantes si haba alguno que no haba estudiado nunca msica. Creo que fue Al Hansen quien levant la mano y dijo, Yo, y Cage respondi, Estupendo as no tienes nada que olvidar.

Has mencionado antes que tienes performances guardadas, que las modicas... Estas modicaciones que haces, son para que te sirvan?

Cuando pienso en una performance, nunca pienso en el otro, responden a una necesidad ma. En Vitoria me comentaban s pero a veces has hecho performances polticas. S, pero tambin stas responden a una necesidad que tengo yo en ese momento de hacerla, ha ocurrido algo que me afecta y necesito reaccionar y esta reaccin, como te he dicho antes, es quizs una obra. Creo que tenemos que protestar y mi protesta es esa, pero responde a una necesidad ma. Primeramente soy persona y luego artista.

Se podra decir que es la prctica artstica de la necesidad?

S, pienso que hacemos, por lo menos yo, las cosas por necesidad, por deseo...Incluso la caridad la haces por una necesidad que tienes t y est muy bien, y por qu no? Si es til y ayuda a la gente... No analicemos. Si haces el bien para alguien, sean las razones que sean, t sabes en qu medida te sirven. El arte es algo parecido. Yo lo hago porque quiero hacerlo y si adems sirve a alguien maravilloso, pero hay otras veces que quiero

Entrevista]Esther Ferrer

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verdaderamente decir esto y no otra cosa y quiero que la gente lo entienda lo ms claramente posible, por tanto procuro poner los medios para que este mensaje llegue. En otras ocasiones es ms ambiguo, ms secreto... Y me gusta que se pueda interpretar de formas diferentes, tan diferentes que no tengan nada que ver con lo que yo creo que he hecho y sto me divierte y me interesa, pero otras veces, como te he dicho, no. En estos casos es casi un acto militante, bueno, creo que todo arte que se hace en libertad es militante, es poltico.

Valentn Torrens comentaba que la performance es una prctica de autoevaluacin...

Depende de cada cual. Siempre que haces una obra te ests demostrando a ti misma que puedes hacerlo, inconsciente o conscientemente. Yo creo que eso nos pasa a todos. Voy a ser capaz de hacer esto? De organizarlo, de llevarlo a la prctica como yo quiero... Es que soy capaz de hacerlo no slo intelectualmente y loscamente, sino fsicamente tambin?... Es algo que haces delante de la gente, entonces te preguntas, voy a ser capaz de mantener el tipo? Pero tambin cuando pintas un cuadro o haces una escultura... En todo lo que hacemos, queramos o no queramos, nos estamos armando, lo que pasa es que la performance tiene este cot espectacular con muchas comillas. Es evidente que la mirada que se posa en un cuadro, que es un producto separado, o lo vemos completamente separado del artista incluso fsicamente, no es la misma que en el caso de la performance, en ella esta distancia no existe, el artista es el sujeto y el objeto, de ah que las interpretaciones del que acepta o rechaza la proposicin son mucho ms ricas, ms directas, pero quiz tambin ms confusas... El objeto es un sujeto de carne y hueso, no es una pintura, no es el resultado de... En un cuadro por ejemplo el resultado est ah jo, pero la performance se est haciendo delante de tus ojos, se puede transformar in situ. Nadie sabe el resultado, se est haciendo, podra decirse incluso que no hay resultado, sino simplemente el desarrollo de una proposicin, de una situacin... Un cuadro lo puedes juzgar con respecto a lo que est denido, terminado, pero en una performance muchas veces no sabes cuando empieza, ni cuando termina, no tiene los mismos elementos respecto a una obra plstica tradicional. Tu mente est en movimiento, no est ja, tiene que estar alerta todo el tiempo.

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M rg Ma rgar arit ar ita it a Ai A zp pur uru u

\ Quisiera yo renegar. Videoperformance. Carmen F. Sigler, 2008.

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The emerging feminist movement of the 1960s analysed all aspects of the oppression of women. The 1960s and 1970s were years of great militancy with protests and demonstrations in the streets, discussions, readings from the most signicant feminist writings of the time and debates. There was much discussion of stereotyped sexual relations, whose imposed models were viewed as relations of power. Theories were expounded on the body as a territory of pleasure, colonised by men and over which they exercised cultural and physical control control that women needed to recover in order to manage their own bodies. Increasingly, personal relations were seen as political relations as the patriarchy came under the spotlight. This feminist movement and its discourses on the body coincided with a change in attitude in art. The period was marked by happenings, actions, assemblies, and the Fluxus movement. Artists began to take an interest in the ordinary objects of everyday life used and broken things. People saw the possibility of bringing art to the world of the everyday; there was an attempt to bring art down from its pedestal, with a less serious and more experimental approach to the process of artistic creation. Happenings, activities and actions came from that broad and open terrain where creative disciplines such as theatre, music, poetry, painting, sculpture and dance met and exchanged ideas. New attitudes emerged that abandoned well-trodden artistic paths, standing instead at a new crossroads between different trends. As early as the late 1950s and the 1960s, the female body was being used in some of the rst actions. In 1955 Ann Halprin created an experimental dance piece in San Francisco, entitled Workshop, which explored everyday gestures and sought to extend the vocabulary of dance and release the body from traditional choreographic forms. Her work was very much in keeping with the premises of the leading aesthetic movements of the time, as posited by the Situationist International, created in 1956 around the gure of Guy Debord. Debord developed the theory of the transformation of everyday life, criticising the entertainment society. He proposed abandoning art at least a certain type of art through game -like invention and the construction of situations, of the drive or drift. During this period Jiro Yoshihara created the Gutai group in Japan. It contained a number of Japanese women artists, including Atsuko Tanaka, who used new materials to create her performance pieces. In 1956, she produced her famous Electric Dress, an outt composed of ashing coloured light bulbs, one of several works by the artist that reected on the female body and fashion. In the late 1960s and early 1970s, with a widespread rejection of the art object, art actions which began to be known as performance pieces became increasingly common. The new consolidated feminist movement was also becoming very active. Many women depicted the processes

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through which their own bodies were passing, exploring the relations between the female body as a subject and as a social object. In New York in 1960, against this backdrop of ideas and experimentation, a number of different happenings were organised and experimental dance workshops were set up; the participants included women such as Trisha Brown, Lucinda Childs, Simone Forti and Yvonne Rainer, who were to give a strong boost to these new experimental interventionist areas in dance and choreography. A clear feminist tone can also be seen in several of the actions by Japanese artists in the Fluxus movement. For example in Shigeko Kubota's 1965 performance piece, Vagina Painting, performed at the Perpetual Fluxfest in New York, the artist used red paint and a brush fastened to her underwear to create an abstract painting on a paper lying on the ground. The piece, executed using overtly sexual pelvic movements, made reference to menstruation and creation, in a sort of feminist version of the action painting. In her 1961 work City Piece, the New-York-based Japanese artist and member of the Fluxus movement, Yoko Ono encouraged people to push an empty baby carriage all over the city; while her Body Sound Tape Piece referred to the sound of different emotions and the body. In a 1968 performance piece, Yoko Ono and John Lennon recorded the sounds of the foetus which Ono no later miscarried. This was in line with some of approaches of 1970s essentialist feminism especially Luce Irigaray on the discourse elaborated from the female body, from the creative energy of sexuality and the primacy of touch. In her 1960s performance pieces, Carolee Scheemann also stressed the importance of the female body and female sexuality, which she sought to liberate in her actions, reacting against the male colonisation of the female nude and reafrming her body as the site of her own sexuality. In 1964, this performer, painter and lm-maker created the Kinetic Theater along with a group of other artists. Their Meat Joy, performed in Paris that year as part of the Festival of Free Expression, provoked outraged headlines in the French press. Other women artists such as Charlotte Moorman, also working within Fluxus, performed actions that combined musical instruments, silent music, the body and a sense of play. In this way these women artists not only placed themselves outside the conventional boundaries of art assuming the removal of the borders between art and life as the Fluxus movement had it, but also opened up a new way of examining themselves and the world, questioning the established sexual difference that had been socio-culturally imposed in common depictions. The performers of those years opened up new roads along which to move. From 1970 on, many artists developed specically feminist works. There was a rise in the number of works that reintegrated the experiences of women in art practice, and these artists had a signicant impact on the

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use of new materials and processes, exploring the social and political contents of their own existences. They created performance pieces working in several different directions. Some prioritised the role of their bodies. These included the French artist Gina Oane and the Serbian Marina Abramovic , who opted for ritualistic, symbolic and spiritual actions that examined the pain of the esh, love and death. The Cuban-American Ana Mendieta, made her own reinterpretation of the traditions of worshipping archaic pre-patriarchal goddesses and Afro-Cuban magical rites, using her own body, directly or indirectly, and integrating it into nature. Others questioned the status quo that patriarchal society established for women. These included the American artist Martha Rosler, whose works examined the problems of housewives and mothers and their domestic lives. German artist Rebecca Horn spoke about the imprisonment of the body, wrapping her own body with cloths and objects, in a piece that is reminiscent on the one hand of feminine dresses and on the other of the instruments of bodily control. These artists are simply a few examples of the many different approaches and directions taken by women performance artists in the 1970s. However, I believe that they share certain characteristics that differentiate them from other periods, such as: the predominant use of their own bodies as a terrain of inquiry and the subject of the action; an accentuation of eroticism, sexuality, pain and their limits, exploring sensations and bodily and mental liberation; a certain austerity in the development and presentation of the pieces; a direct involvement by the performers with the actions, to the point of taking physical risks; an absence, with some exceptions, of technological sophistication in the execution of the pieces; a strong lack of inhibition in the execution of the piece, intentionally or unintentionally provoking the audience; and a certain seriousness and, on occasions, dramaticism of execution. All of this is presented with a strong stress on the feminist tone describing the action. In the 1980s, theoretical feminism began to question the silence of and about women in the construction of thought and the need to subvert language that had been accepted as universal, aseptic and all-embracing when it actually contained logo-phallocentric symbols. In their theoretical writings and their oeuvre, feminists began to take into account gender differences (masculine and feminine) in an awareness of the androcentrism that had impregnated the habitual artistic representations. As a result, they propounded discourses offering strategies that deconstructed existing ones and framed new approaches from which they reappropriated themselves as subjects, integrating gender and feminist perspectives as mechanisms of construction and active resistance to inherited thought and language.

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The 1980s were also the years of postmodernism in the visual arts, the years of eclecticism, when the end of the avant-gardes and global discourses was proclaimed and a theoretical and visual fragmentation was developed. It was in this context that a new generation of artists transformed performance art by integrating technical and communication media, such as photography, cinema, video and television and by inltrating performance art into other creative areas. In this context one might include among many others Cindy Sherman, Jana Sterbak, Laurie Anderson, Sue Williams, Orlan and Diamanda Galas. Sherman took performance art to the terrain of photography; between 1977 and 1980 she took a series of eighty black-and-white photos, Untitled Film Still, which are like frozen moments of an action; photos in which she uses herself as a model to interpret female characters born out of the cultural clichs offered by television and cinema. She transforms herself, morphing into ultra-feminine young women who provoke the spectators voyeuristic gaze and introduces an ironic and humorous game of looking at these girls and ultimately at herself. From 1980, on, however, Sherman started to use colour and develop further aspects of theatricality and set-design, using feelings such as horror, disaster and disgust. She is a clear example of the integration of photography into performance art, and one might describe her work as performatic or performative photography. Another example and attitude from that time can be seen in the work of Jana Sterbak, the Canadian artist of Czech origin, who lived in France and Spain for a period. Some of her pieces were clearly performance art (such as Artist as a Combustible from 1986, in which she held burning materials on her head; the piece examined the potentially dangerous nature of inspiration). In others, the objects and people are at the same level, with the former having a semantic force in themselves, making reference to the sometimes absent body. In this regard she was anticipating one of the most interesting facets of 1990s art. I am referring to the series of dresses, such as for example Remote Control, from 1989, a kind of remotely controlled motorised metal can-can dress into which the body is inserted and cannot move on its own. The piece reects on the restrictions and the conditioning factors our civilisation places on the body. Another example of this incursion of performance art into other areas can be seen in the work of Laurie Anderson, whose high-tech electro-acoustic performances, video clips and videos include special animation effects; Sue Williams who takes performance art to drawing; and the French multimedia artist Orlan, who has conducted radical work through which she has examined identity, representation, new technologies and feminism. Orlan is interested in feminist readings of psychoanalysis, and has worked on the idea that it is possible to deal with the internal image and the external image of the same person

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together. She made her own self-portraits using computer and new technologies to raise the issue of the bodys status quo in our times and in future generations, especially in light of the potential of genetic manipulation which, according to the artist, will be the performance art of the twenty-rst century. At the beginning of the 1990s, Orlan decided to change her image, undergoing cosmetic surgery in a series of operations she conceived of as performance pieces, creating an entire set design for the operating theatre, where she read psychoanalytical and philosophical manifestos while the doctors made real incisions under local anaesthetic. The he o operations p ra pe rati ion ons we were re rec recorded ecor orde d d on v vid video ideo eo a and nd photographed in the opera atin atin at ing g th thea eatr ea tres tr es the hems msel ms elve el ves, ve s, red edec ecor ec orat or ated at ed for t the h he occasion. Even the medica al tea al eam m wo wore re e sui uits ts esp spec ecia ec iall ia lly ll y de d si sign gned gn ed b by y th the e artist. The operations wer re br roa oadc dc cas a t to o a num u be er of f loc loc o al pro r gr gram am mme mes s via interactive telecom. Another of the many other r ex exam ampl am ples pl es one c cou ould ou ld men enti tion ti on is is Di Diam aman am anda an da Galas, singer, composer, po oet an oet oe and d al alll-ro lroun ro und un d ar arti tist ti st w who ho p per erfo er form fo rms rm s performances/concerts, inc cor orpo pora po rati ra ting ti ng in he her r mu musi sic si c in in ue uenc nces nc es t tha hat ha t ra rang nge ng e from gospel to opera and ele lect ctro ct roni nic ni c so soun unds un ds, ds , in nte erp rpre reti re ting ti ng p poe oets ts suc uch h as Artaud, Baudelaire and Ger e ad de Ne Nerv rval rv al. al . Sh She e us ses sh her er dis istu turb tu rb bin ng vo voic i e, ic , capable of reaching distur rbi bing ng gh he eigh ei hts ts, , as an in i st stru ru ume ent tt to o tr tran an nsf sfor or o rm thoughts into sounds and mes ssa s ge ges s. She i inv nvol olve ves ve s he hers r el rs elf f fu f l ll ly in her concerts, turning them int to a so s rt t of sham sh ham aman anic an ic rit i ua al, in a di disc s harg sc ha arg r e of released energy and pro ovo voki ki ing n i imm mm men ense se emo se motion ons s that at go fr f om m the he e visceral to the poetic or po ol li itica ti ica al. l All of these artists, and ma many oth ther er rs, s, h hav ave av e pl p ay ayed w ayed wit ith h th the e me edi diat atis isat atio ion n and disintegration of the esta esta es t bl lis ishe hed he d se self lf, , fo foll llow owin ing g a co comp mple l x an le and d sophisticated radicalisatio on i on in n th that at t the h y re he reco co ogn gnis i e so is soci cioo-cu cult lt tur u al a c cli lich chs s and stereotypes in the con nst stru ru uct ctio io on an and d co conc ncep epti tion on no of f th he b bo ody and d of female identities. Underpi inn nnin ing g th thes ese e wo work rks s ar are ne new w co conc nc cep e ts t o of f th hose ose os clichs that establish a ne ew rel elat a io at ions nshi hip p wi with th r rea e lity ea lity ty. From the 1990s, changes b bega egan n to occ ccur ur, , wi with th han new ew aes sth thet etic et ic ope peni ing g up that rediscovered happenings pe eni ning ngs s an and d pe perf performance rf for orma m nc ma nce e ar a art, t r t, referred ef fer e re red d to i in n terms such as neo-political, neo-conceptual, post-utopian and neoaction art. Performance art has found a much more favourable context and breeding ground among new generations of artists than in previous periods. Many performance artists today still employ discourses in which women are objects and protagonists of the action. However, both they and current experimental performance artists, use a mis-en-scene that is a far cry from the austere minimalist character of previous periods and at times the body is immersed in the multiple media used to create the action.

\ Quisiera yo renegar. Videoperformance. Carmen F. Sigler, 2008.

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In recent times, we have seen a new body art which is much more simulationist than in other periods, in which the body is sometimes referenced, represented and/or evoked indirectly. At the same time there has also been a move to fuse performance art with other artistic areas, to such an extent that today a distinction is drawn between performance art and performative or performatic art, inuenced by art, or fusion or hybrid art. A host of different approaches and artistic practices have been included and are still being included within that performative or performatic art. They include work from the area of poetry, sound, body art, dance and certain types of theatre, as well as from the object world, certain types of installation, photographs and videos, and even, now as an experimental novelty, new technologies, which are opening up some brand new terrain. All this has led the spirit of performance art to move into a whole range of artistic territories, with a stress on experimentation, an ever-greater inclusion of the sense of perception and the creation of situations in the works. From the beginnings of performance art down to recent years, different generations of female artists have developed languages, discourses and specic practices within the eld, that have been so important and so central that they have impacted on its development, leading to what has been called feminist and/or gender performance art. In the Spanish-speaking world, there have been some very important action-art pieces by Latin American women artists, created from a feminist and/or gender perspective. Of the numerous female performance artists working in this context, we can select a few who exemplify the wealth of Latin American feminist performance art. Among the most recent are the performances by the Venezuelan artists Sandra Vivas and Deborah Castillo, both of whom use a corrosive sense of humour and a caustic irony; the rst dealing with deconstruction and the exchange of gender identities and the second with the erotic myth of the Latino woman. The Brazilian artist Beth Moyss performs collective women's performance pieces that stand somewhere between acts of protest against gender-based violence, poetic-aesthetic rituals and group therapy. Coco Fusco and Carmelita Tropicana are both Cubans living in New York. Fusco examines the conicts and social problems of Latin-American women and gender violence, while Tropicana uses similar approaches, but with parodying attitudes that are closer to theatre. Another Cuban, Tania Bruguera creates uncompromising pieces with a strong personal involvement and a ritualistic charge full of energy. The Bolivian group Colectivo Mujeres Creando, from La Paz, create action-art street works. Costa-Rican artist Priscilla Monge offers critical and ironic video pieces built out of different visual games. Teresa Serrano, from Mexico, examines the social, economic, sexual and cultural problems of women in a patriarchal culture.

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In Spain, that rise in performance and performatic art has been reected in a host of different approaches developed by very diverse artists (performance artists and others) from the new generations. The list is long, given the high level of acceptance and development of these new approaches. Some of the work we might mention in this context includes the actions developed over a period of several years by Madrid-based artists Ana Carceller and Helena Cabello, with a reference to the female body in terms of the double and the pair; Catalan artist Alicia Framiss performance pieces on genderbased violence, which use designs for protective suits; the intimate performance pieces by Eulalia Valdosera (also from Catalonia) using everyday objects; and Basque artists Ana Laura Alez fascinated by the world of fashion, cosmetics, the artice that allows women to transform their bodies and Itziar Okariz who performs actions with a strong political-feminist tendency. On the other hand, there are the Andalusians, Pilar Albarracn, with her actions questioning and examining the preconceptions and clichs about woman from the south, using playful-ironic mises-en-scene sweetened with large doses of humour; the ritualistic shamanic actions that liberate and regenerate women by Paka Antnez; the self-referential video performances and those referring to gender identities by Carmen F. Sigler; and the games of disguises and identity allegories by Angeles Agrela. Finally in the Canary Islands, we have the feminist performance artist from Lanzarote Macarena Nieves Cceres, who inter-relates performance art with poetry and the visual arts in work in which the central features are the text, the body and identity. Nor should we forget some of the historical women performers working in Spain, including Concha Jerez and our admired Esther Ferrer, as well as other younger artists who have followed in their footsteps, such as Nieves Correa. With few exceptions, these women did not take expressly feminist positions in the conception and execution of their performance pieces (whether or not they themselves were feminists) but they did mark an important reference for later women artists and for our art in general. It has been a long time since Italian feminists shouted my body is mine to manage for myself in the 1970s. Yet, despite the politicalcultural colonisations of our bodies, the technological transformations to which we will be physically subjected, the genetic operations and possible future clones, that cry stills holds true.

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Margarita Ai Aizp zpur u u

\ Lunares. Pilar Albarracn, 2001.

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\ Body Trac racks. ks Ana Me Mendi ndieta eta, 1974.

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En los aos sesenta surge el nuevo movimiento feminista que empez a analizar la opresin de las mujeres en todas sus dimensiones y aspectos. Unos aos sesenta y setenta de fuerte militancia, de acciones y manifestaciones reivindicativas en la calle, de discusiones, lecturas de los textos feministas ms signicativos de la poca y de debates. Se discuti sobre las relaciones sexuales estereotipadas, cuyos modelos impuestos se conceptualizaron como relaciones de poder. Se teoriz sobre el cuerpo como territorio de placer, donde se ejerca el control y la colonizacin cultural y fsica masculina, control que haba que recuperar para poder autogestionar al propio cuerpo, empezando a conceptuarse las relaciones personales como relaciones polticas y a investigarse sobre el patriarcado. Ese contexto feminista, y sus discursos sobre el cuerpo, coinciden con un cambio de actitud en el arte. Unos tiempos que vienen marcados por el happening, las acciones, el ensamblaje, el movimiento Fluxus. L s ar Los Lo rtistas ti t se preo ocu cupa pan n po por la las l s co osa s s ordi dina dinari rias ias d de e la l vid ida di iar ria ia, i , por po r lo usado, por lo det e er riorado. Se S ve e la p pos osib ibil ilid id dad d de e ll llev evar a el ar rte al mun ndo de lo cotid diano n y se in inte tent nta li l be bera rar ra r a aq aqu ul u l de s su u ca car rct c er ct au ur rti ti ico, y realizar una apr prox oxim imac aci in n me meno no os gr g av ve y m ms s ex expe p ri pe rime m nt me ntal l a pro al oceso de creaci n a n art rts sti tica ca. . Lo os ha ap pp pen nin i gs gs, , la las s ac cti tivi vida vi dade da des de s y la las s acci ac cion ones n se sitan en es se te t rr rren eno en o am mpl plio io y a abi b er bi erto to d don onde on de se pr prod od duc ucen e en los lo s en ncuentros e int ter erca camb ca mbio mb ios io s de d d dis is isci scipl plin nas c cre re eat ativ ivas iv as com omo o el tea atr tro, o, la a ms sica, la poesa a, la pin intu tura tu ra, ra , la esc cul ultu tu ura r o la da danz nza. nz a. Una nas s nu nuev evas ev as acti ac titu ti tud tu des ubicadas no en las as v va as a s ar art t st stic icas ic as ya tr traz a ad az adas as, si as sino no en el e c cru ruce ru ce de cam a inos, en las enc ncru ru uci cija jada ja das da s de d dir ir rec ecci cion ci nes es. El c cue uerpo de la muje ue er se s p pon one on e en acc cci in i n ya ya des esde las pri ri ime m ras ra as acci acci c on nes de n na ales de los aos os cin ncu cuen enta en ta y d de e lo os sesenta. En 19 955 5 , en n San Fran Fr anci an cisco, Ann Halpr ci prin pr in c cre rea re a un t tra rab ra bajo bajo o de danza a experi ri ime m nta ntal al, al, W rk Wo kshop sh , que explor sh ora or a lo los s ge gest stos st os cot otid idia iano no os, pre retend n iend nd do am mpl p ia ar el voca vo cabu ca bulario de la da bu anz nza a y li ibe bera rar ra r al cuerp rp po de d las for rmas ma co cor reog re ogr r ca cas s trad tr adic ad ici ic ionales. Un tr rabaj ab baj ajo, o, p por or otr tro o la lado do, mu uy en en con nsonancia a con n las s prem pr emis em isas de los plan is nte team amie am ient ie ntos nt os e est stt st ic t cos s ms act ctu uales de la a p oc oca, a, como co mo l los planteados s po or la Int nter erna er naci na cion ci onal al S Sit itua ua aci ion onista, creada da en 19 1956 5 , 56 alre al rede re dedor de G. Deb de bord bord bo d, qu quie ien ie n de desa sarr sa rrol rr ol lla l la te teo or de la transfo ora or form fo rmac rm aci ac in i n de la vida cotidiana a, cr rit tic ican ando an do l la a so soci cied ci edad ed ad del e espect cu c lo y pr ropo poni ni ien ndo d deja de ja ar at a rs el arte a al me m no nos s de dete t rm te r in inad ado ad o ti tipo po o de ar rte te por me medi medi dio o de la invencin ldi ica y de la con onst st stru tru rucc c i cc in n de si it tuacio ones es, de la a de deri riva ri va. va . poc p oca oc a en la que el art r is sta J Jir iro ir o Yo Yosh sh hih ihar ara ar a cr rea e en Ja Jap pn p n el Gru upo p Gut utai ai, , d nt de n ro o del cual se en ncon nc ntr trab aban an alg gun unas as sa art rtis rt ista is tas ta s ja japo pone po n sa ne sas s como mo o, po or ejem ej empl pl lo, Atsuko Tan naka. naka . Es Esta ta c cre read ador ad ora or a ha ac ca a us uso o de de nuevos s ma ate t ri rial ales es para pa ra realizar sus pe erf for orma manc nces es. . As As, en 19 , 956 p pr rodujo su famosa pieza Elec ectr tri ic Dresses, un n tra raje com mpu pues esto to d de e bo bomb mbi illas uorescentes de colo co lore res s que se encen nd dan an y a apa p ga g ba an in inte erm rmit ite entemente y uno de l los os dive di vers sos trabajos re eal liz izad ados os p por or la ar arti t st s a co con n el que reexionab aba a so sobr bre e el cuer rpo femenino y la mo oda da. .

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Al nal de la dcada de los sesenta y comienzos de los setenta, a la vez que en el mundo del arte se generaliza la reaccin contra el objeto artstico, se expanden las acciones que empiezan a denominarse performances y se generaliza el nuevo movimiento feminista que se hace muy activo. Muchas mujeres representaron los procesos por los que atraviesan sus propios cuerpos, explorndose las relaciones entre el cuerpo de la mujer como sujeto y como objeto social. Es en este contexto de ideas y experimentaciones en el que en 1960, en Nueva York, se desarrollan distintas veladas de happenings y se crean talleres de danza experimental; se encuentran entre las participantes mujeres como por ejemplo Trisha Brown, Lucinda Childs, Simone Forti e Yvonne Rainer, que darn un fuerte impulso a estas nuevas reas experimentales accionistas desde la danza y la coreografa. Por otro lado, en diversas acciones de las artistas japonesas del movimiento Fluxus se observa un claro tono feminista. As, por ejemplo en la performance de Shigeko Kubota, Vagina Painting, de 1965, realizada en el Perpetual Fluxfest de Nueva York, la artista, haciendo uso de pintura roja y con una brocha sujeta a sus bragas, realiz una pintura abstracta en un papel colocado en el suelo. Una performance ejecutada efectuando movimientos plvicos, claramente sexuales, que hacan referencia a la menstruacin y a la creacin, en una suerte de action painting en versin feminista. La artista japonesa residente en Nueva York e integrante del movimiento Fluxus Yoko Ono, en su obra City Piece, de 1961, incitaba a los transentes a pasear por la ciudad con un coche de beb vaco; mientras que en la titulada Body Sound Tape Piece se refera al sonido de diversas emociones y del cuerpo; y, en una performance de 1968, Ono y John Lennon grabaron los sonidos del feto el cual despus Ono abort. Ella sigue as diversos planteamientos del feminismo esencialista de los aos setenta y sobre todo de Luce Irigaray acerca del discurso elaborado a partir del cuerpo de la mujer, de la energa creadora de la sexualidad y de la primaca del tacto. Mientras, la artista Carolee Scheemann en sus performances de los aos sesenta concede tambin gran importancia al cuerpo y la sexualidad femenina, que intenta liberar en sus acciones, reaccionando contra la colonizacin masculina del desnudo femenino y rearmando su cuerpo como lugar de su propia sexualidad. Performer, pintora y cineasta, ella crea, en 1964, con un grupo de diferentes artistas, el Kinetic Theater, cuya representacin titulada Meat Joy, en Pars, ese ao, y en el marco del Festival de Libre Expresin, provoca fuertes titulares en la prensa francesa. Otras creadoras como Charlotte Moorman, tambin en el marco de Fluxus, realizan acciones en las cuales se mezclan los instrumentos musicales, la msica silenciosa, el cuerpo y un sentido ldico. De esta forma, estas artistas, no slo se situaban ms all de los lmites convencionales del arte asumiendo la disolucin de las fronteras del arte y la vida, como propugnaba el movimiento Fluxus, sino que adems

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abrieron nuevas vas de reexin sobre s mismas y sobre el mundo, cuestionando la diferencia sexual establecida y socioculturalmente impuesta en las representaciones habituales. Las performers de estos aos abrieron nuevos caminos por donde iban a poder moverse y transitarlos. Despus de 1970, muchas artistas desarrollaron obras especcamente feministas. Se produjo un incremento de trabajos que reinsertaron las experiencias de las mujeres en la prctica del arte, y consiguieron estas creadoras un signicativo impacto en la utilizacin de nuevos materiales y procesos, explorando los contenidos sociales y polticos de sus propias existencias. En ese sentido, ellas desarrollan performances en diversas direcciones. Unas priorizarn el protagonismo de sus cuerpos, como por ejemplo la francesa Gina Pane o la serbia Marina Abramovic , quienes optarn por las acciones ritualistas, simblicas y espirituales indagando en el dolor de la carne, el amor y la muerte. En otra lnea encontramos a la cubanoamericana Ana Mendieta, que har su propia relectura de las tradiciones de adoracin de las diosas arcaicas prepatriarcales y de los ritos mgicos afrocubanos, utilizando su propio cuerpo, directa o indirectamente, e insertndolo en la naturaleza. Mientras que algunas se preguntarn por el statu quo que la sociedad patriarcal establece para las mujeres, como la americana Martha Rosler, quien examinar en sus obras la problemtica que sufren las amas de casa, las madres y la vida domstica. Mientras que creadoras como la alemana Rebecca Horn nos hablarn del aprisionamiento del cuerpo, envolviendo al suyo propio con telas y con objetos, recordndonos por un lado a los vestidos femeninos y, por otro, a los instrumentos de control corporal. Estas artistas son simplemente botones de muestra de la multiplicidad de planteamientos y direcciones tomados por las artistas performers feministas de los aos setenta. Pero, a mi parecer, tienen unas caractersticas propias que las diferencian de otras pocas y que se podran concretar, entre otras, en: un predominio de sus propios cuerpos, como terreno de indagacin y sujeto de la accin; una acentuacin del erotismo, la sexualidad, el dolor y sus lmites, explorando en las sensaciones y en la liberacin corporal y psquica; una cierta austeridad en el desarrollo y presentacin de las performances; una implicacin directa de las performers con las acciones que incluye la asuncin de riesgos fsicos; una ausencia, salvo excepciones, de sosticacin tecnolgica en la ejecucin de las performances; una fuerte desinhibicin en la realizacin de las mismas, con resultado de provocacin al pblico, sea esto pretendido o no; y una cierta seriedad y, en ocasiones, dramatismo de ejecucin. Todo ello presentado con una fuerte acentuacin del tono feminista descriptivo de la accin.

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Posteriormente, en los ochenta, el feminismo terico empez a interrogarse sobre el silencio de y sobre las mujeres en la construccin del pensamiento y la necesidad de subvertir el lenguaje aceptado como universal, asptico y comprensivo de todas las personas cuando en realidad es portador de smbolos logofalocntricos. Las feministas comenzaron a tomar en cuenta, en sus elaboraciones tericas y creaciones, las diferencias de gnero, masculino y femenino, siendo conscientes del androcentrismo que ha impregnado las representaciones artsticas habituales. Por ello fueron desarrollando discursos que vinieron a aportar estrategias deconstructivas de los ya existentes y nuevos enfoques de los que aquellas se reapropiaron como sujetos, integrando las pticas de gnero y feministas como mecanismos constructores y de resistencia activa al pensamiento y lenguajes heredados. Los ochenta son tambin los aos del postmodernismo en las artes visuales, los aos del eclecticismo, en los que se enuncia el n de las vanguardias, de los discursos globales y se desarrolla la fragmentacin tanto terica como visual. Es en este contexto que una nueva generacin de artistas transforman las performances acercndose a los medios tcnicos y de comunicacin, utilizndolos, como la fotografa, el cine, el vdeo o la televisin, e inltraron la performance en otras reas creativas. Es en este sentido como hemos de considerar los trabajos de diferentes artistas entre las que se podran mencionar, entre otras muchas, a Cindy Sherman, Jana Sterbak, Laurie Anderson, Sue Williams, Orlan o Diamanda Galas. Cindy Sherman llevar la performance al terreno de la fotografa, as por ejemplo realizar entre 1977 y 1980 una serie de ochenta fotos, en blanco y negro, Untitled Film Still, que son como instantes congelados de una accin; fotos en las cuales se sirve de ella misma como modelo para interpretar personajes femeninos nacidos de los clichs culturales ofrecidos por la televisin y el cine. Ella se transforma y metamorfosea en jovencitas superfemeninas que provocan la mirada voyeur del espectador, introduciendo juegos de miradas hacia esas chicas y, en denitiva, hacia ella misma, en un juego irnico lleno de sentido del humor. Pero, a partir de 1980, Sherman utilizar el color y desarrollar ms los aspectos teatrales y escenogrcos, utilizando sentimientos como el horror, el desastre o el asco. Ella es un claro ejemplo de integracin de la fotografa en la performance, de tal forma que podemos hablar de fotografas performticas o performativas. Otro ejemplo y actitud de estos aos sera la artista canadiense de origen checo, residente en Francia y Espaa durante un tiempo, Jana Sterbak, quien realiza una serie de obras, unas claramente performances, como la titulada Artist as a Combustible, de 1986, en la que sostiene unos materiales que arden en su cabeza y que versan sobre la naturaleza potencialmente peligrosa de la inspiracin, y otras en las que los objetos

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y las personas estn al mismo nivel, teniendo los primeros una fuerza semntica por s mismos y haciendo referencia al cuerpo a veces ausente; en esto preconiza lo que ser una de las facetas ms interesantes del arte de los noventa. Con ello me reero a la serie de vestidos como por ejemplo Telecomando, de 1989, una especie de cancn metlico y motorizado que traslada de un sitio a otro al cuerpo, que colgando en su interior, no puede desplazarse por l mismo. Reexiona as sobre el encorsetamiento y los condicionantes del cuerpo en la civilizacin actual. En esa incursin de la performance por otros senderos encontramos a Laurie Anderson que realiza performances electroacsticas, videoclips y vdeos con alta tecnologa en los que incluye efectos especiales de animacin. Sue Williams que lleva la actividad performtica al dibujo. O la artista francesa multimedia Orlan, quien ha realizado trabajos radicales a travs de los cuales ha indagado en la identidad, la representacin, las nuevas tecnologas y el feminismo. A Orlan le ha interesado el psicoanlisis desde lecturas feministas, y ha trabajado sobre la idea de que es posible tratar juntas la imagen interna y la imagen externa de una misma persona. Ir efectuando sus propios autorretratos mediante el ordenador y las nuevas tecnologas para plantear la cuestin del statu quo del cuerpo en nuestros das y en las futuras generaciones, sobre todo tras las posibilidades de la manipulacin gentica que ser, segn la artista, la performance del siglo XXI. En el inicio de los aos noventa, Orlan decidi hacerse a s misma una nueva imagen, cambiando de apariencia, operndose. Para ello, se realiz una serie de operaciones de ciruga esttica que consider como performances, creando toda una escenografa en las mesas de operaciones, donde ley maniestos psicoanalticos y loscos mientras los doctores le practican verdaderas incisiones con anestesia local. Unas operaciones que eran tomadas en vdeo y fotograadas en los propios quirfanos, redecorados para la ocasin, e incluso el equipo mdico que la asista vesta trajes diseados por determinados modistos especcamente para dichas acciones. Operaciones que han sido retransmitidas a distintos programas locales por telecomunicacin interactiva. Tambin se podra citar, entre otras muchas, a Diamanda Galas, cantante, compositora, poeta y artista integral que realiza performances-conciertos, incorporando en su msica inuencias que van desde el gospel a la pera y los sonidos electrnicos, interpretando a poetas como Artaud, Baudelaire y Gerad de Nerval. Ella utiliza su voz como si fuera un instrumento, transformando los pensamientos en sonidos y mensajes. Emplea su voz desgarrada, que alcanza niveles desconcertantes, para implicarse totalmente en sus conciertos llegando a convertirlos en una especie de rituales chamnicos, en una descarga de energa liberadora, provocando inmensas emociones que van desde lo ms visceral a lo potico o poltico. Todas estas artistas, y muchas ms, han jugado con la mediatizacin y la desintegracin del yo establecido, siguiendo una radicalizacin compleja

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y sosticada en el sentido de reconocer en la construccin y concepcin del cuerpo y de las identidades femeninas clichs y estereotipos socioculturales, estando subyacente, en la base de estos trabajos, unos nuevos conceptos de stos, establecindose una nueva relacin con la realidad. A partir de los aos noventa se van a ir produciendo cambios en el sentido de la apertura a una nueva esttica que redescubre los happenings y la performance, empezando a utilizarse los trminos de arte neopoltico, neoconceptual, post-utpico o neo-accionista, para referirse a aqulla. Entre las nuevas generaciones de artistas la performance ha encontrado un contexto y un caldo de cultivo mucho ms propicio que en pocas anteriores. Muchas performers de hoy en da siguen utilizando discursos en los que las mujeres son objetos y sujetos protagonistas de la accin pero, tanto ellas como los artistas experimentales actuales de la performance, utilizan una puesta en escena muy alejada del carcter minimalista y austero de otros tiempos y, a veces, el cuerpo est inmerso en los mltiples medios utilizados para la realizacin de la accin. En los ltimos tiempos asistimos, por un lado, a un nuevo arte corporal, mucho ms simulacionista que en otros tiempos y donde el cuerpo es a veces referido, representado y/o evocado de forma indirecta, y por otro, a los mestizajes y fusiones de la performance con todo tipo de reas artsticas hasta tal punto que hoy se habla tanto de performance como de arte performativo o performtico, inuido por la performance, o un arte fusionado o mestizo. Y dentro de este arte performativo o performtico se han integrado multitud de planteamientos y prcticas artsticas, y an se siguen integrando. Desde las que proceden de la poesa, el sonido, el arte corporal, la danza o determinado tipo de teatro, a las que provienen del mundo objetual, determinado tipo de instalaciones, de fotografas y de vdeos, e incluso, ahora como novedad experimental, las nuevas tecnologas que estn abriendo unos caminos apenas iniciados. Todo ello ha provocado que el espritu de la performance haya invadido mltiples territorios artsticos, acentundose las actitudes experimentales, una inclusin an mayor del sentido de la percepcin y de la creacin de situaciones en las obras. Desde los orgenes de la performance, y hasta estos ltimos aos, diferentes generaciones de creadoras han desarrollado lenguajes, discursos y prcticas especcas dentro de esta rea artstica, de tal importancia y con tal protagonismo, que han incidido en la evolucin de la misma y han dado lugar a lo que viene denominndose performance feminista y/o de gnero.

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En el mbito hispano, hemos de destacar la importancia de las prcticas accionistas de las artistas latinoamericanas, realizadas desde pticas feministas y/o de gnero. Entre las muy numerosas artistas performers de este contexto, hemos de destacar algunas que nos sirven como botones de muestra ejemplicativos de la riqueza de la performance latinoamericana feminista. Entre las ms actuales encontramos las performances de las venezolanas Sandra Vivas y Deborah Castillo, ambas haciendo uso de un corrosivo sentido del humor y una irona punzante, la primera sobre la deconstruccin y el intercambio de las identidades genricas, y la segunda sobre el mito ertico de la mujer latina. La brasilea Beth Moyss, que realiza performances colectivas de mujeres a mitad de camino entre actos reivindicativos contra la violencia de gnero, rituales potico-estticos y terapias de grupo. Las cubanas residentes en Nueva York, por un lado Coco Fusco, quien hace acercamientos a los conictos y problemas sociales de las mujeres latinas y a la violencia de gnero, y por otro, Carmelita Tropicana, con aproximaciones similares, pero desde actitudes pardicas cercanas al teatro. La tambin cubana, Tania Bruguera, quien lleva a cabo acciones contundentes con una fuerte implicacin personal y una carga ritualstica llena de energa. Los trabajos accionistas callejeros del grupo boliviano de La Paz Colectivo Mujeres Creando. Las videoperformances irnicas crticas construidas con diversos juegos visuales de la costarricense Priscilla Monge. A las de la mexicana Teresa Serrano que ahonda en las problemticas sociales, econmicas, sexuales y culturales de las mujeres en la cultura patriarcal. En el contexto del Estado espaol, ese auge de la performance y del arte performtico se puede analizar a travs de mltiples enfoques desarrollados por muy diversos artistas, performers o no, de las nuevas generaciones. El listado sera extenso, dada la inmensa aceptacin y desarrollo de estos nuevos planteamientos. Entre las mujeres citara a ttulo de ejemplo, las acciones que desarrollaron durante unos aos las artistas residentes en Madrid Ana Carceller y Helena Cabello, con una referencia al cuerpo femenino desde lo doble y lo par. Las performances de la catalana Alicia Framis sobre la violencia de gnero haciendo uso de diseos de trajes protectores. Las performances ntimas con utilizacin de objetos cotidianos de la tambin catalana Eulalia Valdosera. O las artistas vascas Ana Laura Alez, fascinada por el mundo de la moda, de la cosmtica, del articio que permiten transformar el cuerpo de las mujeres e Itziar Okariz que lleva a cabo acciones de un fuerte compromiso poltico feminista. Por otro lado, las andaluzas, Pilar Albarracn, con sus acciones en las que cuestiona y ahonda en los tpicos y clichs de la mujer del sur, desde puestas en escena ldico-irnicas edulcoradas con grandes dosis de humor; o las acciones chamnicas ritualsticas desde posiciones liberadoras y regenerativas de las mujeres de Paka Antnez; las videoperformances autorreferenciales y las referidas a las identidades genricas de Carmen F. Sigler; o los juegos de disfraces y alegoras identitarias de Angeles Agrela. Y, nalmente, en Canarias destacaramos

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la performer feminista de Lanzarote Macarena Nieves Cceres, que interrelaciona la performance con la poesa y las artes plsticas en trabajos donde el texto, el cuerpo y la identidad son elementos protagnicos. No podemos olvidarnos de mencionar a performers histricas dentro del Estado espaol como son, entre otras, Concha Jerez o nuestra admirada Esther Ferrer, y algunas otras ms jvenes que continuaron su senda entre las que destacara a Nieves Correa. Unas mujeres que, en la mayora de los casos, no tomaron expresamente posiciones feministas en las conceptuaciones y ejecuciones de sus performances, salvo excepciones, con independencia de que personalmente lo fueran, pero s que han supuesto un referente importante para las artistas posteriores y para nuestro arte en general. Ha llovido mucho desde que las feministas italianas de los setenta gritaran en las calles mi cuerpo es mo y yo me lo autogestiono. Pero, a pesar de las colonizaciones poltico-culturales de nuestros cuerpos, de las transformaciones tecnolgicas a las que nos veremos fsicamente sometidas, de las operaciones genticas y de los posibles futuros clones, ese grito contina en pie de guerra.

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I see you pass by in the crowd with banners walking down Pine Street, a mix of workers, activists and students shouting Jail em, dont bail em, the march moves across Wall Street up to the AIG building and the neighboring Bank of America, where barricades and dozens of police are waiting, Jail em, dont bail em, I look for you in the ever-angrier chorus, Jail em, dont bail em, the chorus is so loud that the suits above peer out their windows and look down in fear, they see a young woman grab a megaphone and rail in her own sweet way against the bank bailout, and when I hear your voice my heart leaps up, and I leap and float up to the front just as you lower the loudspeaker and the barricades come down, everyone scrambles and the beatings begin, I sidestep one two three bodies but can't find you, u, I desperately look for you till I feel a blow on the back of my head, ad, till I fall and see the megaphone lying on the ground among the scrambling feet, the warm blood runs down my back and I can an just see the AIG logo log on the door, the AIG logo emblazoned on the Manchester United jerseys,

on the red chests of the faithful pouring ring into the Theatre of Dreams, Cristiano Ronaldo and company come out on the field, the match is about to start but I'm still in the tunnels waiting outside the Reds museum, waiting for you as I stroll down the rows of trophies, the pictures of the Man United legends, outside the first whistle followed by the loud cheering, outside everything gets underway, the ball rolls and bounces while inside my little-game-of-waiting-for-you comes to an end, you won't come, I know, just like Byrne, Jones, and Colman didnt make it, I mechanically read the names of the 1958 tragedy, Taylor,Whelan, Pegg, Bent, the Reds lost in the Munich disaster, theres a snowstorm outside but Im happy, the pilot
informs us of the delay but I'm smiling, I still can't believe I'm sitting just a few rows away from Charlton, from the whole United squad and Im dying to grab a napkin and start asking for autographs left and right, and I put the peanuts aside and finally get up, but a voice coming out of nowhere asks me to sit down, the fl ight attendant walks up behind me, stick em up, and defenceless like that I fall in love at close range, your voice blends with the captains words as he fi nally announces the takeoff, you walk down the aisle handing out smiles and I forget about United, I forget and just watch you like an idiot, oblivious to the fact that once, twice, and on the third attempt at takeoff the plane almost skids off the frozen runway, it barely gets off the ground when a house crosses its path, a wing is destroyed and the captain turns

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right, everything turns and turns violently until I see you fl y down the aisle, your body passes like a blur towards the back of the plane, this tiny little plane that looks like a toy crashing against a wall, another wall, a whole building and I look for you in the fl ames, I look for you among the United squad trapped in this hell with me, while we all die in Munich, the poster with Eric Bana that I

catch out of the corner of my eye as I walk into the cinema, Im late for the movie and look for you row by row sucking a Frapuccino, just as back on the screen the Fedayeen enters the Olympic Village and are mistaken for athletes sneaking back in from a night of partying, Im not a big Spielberg fan but I still wanted to see you, especially in the dark, a woman tells me to take a seat cause I'm blocking the screen as the Palestinians leave their sweatshirts behind and silently walk down Connollystrasse, and as soon as my eyes get used to the darkness of the theatre I look for you again, row after row, just as the masked Fedayeen are now holding AK-47s and open the first door, kill the first person, almost the entire Israeli team is caught sleeping, and past midnight I get an SMS from Baraks
army, a pretty little message telling me to leave my home, to leave and run away cause the fighter jets are coming and my home is in their sights, a small detail, of course, is that I'm not home, youre the only one there, wounded and dying on the living room floor as you wait for the medicines, as you wait for the pretty little pills I havent managed to find, but all the same I run back across Gaza protected only by the night, this long night pierced by Israeli bombs, one after another after another and the screams mark my way home, a nearby explosion crushes a building and bursts my eardrums, it deafens me so much that I cant hear myself shouting when I see the rubble of my living room, when I see my entire house engulfed in a strange rain of fi re and white smoke,

the images clearly show white phosphorus falling on Fallujah but the general denies it nonetheless, the scene is so absurd that I turn up the volume on the television, the BBC anchorman then asks him about Abu Ghraib and the photos that have recently come to light, the general covered with medals keeps tiptoeing around the subject while we see on the screen the prisoner wearing a dog collar, the pyramid of naked bodies, the hooded man standing on a box, a series of pictures that stuns all of us sitting in front of the television, the anchorman has him against the ropes and now asks about the new accusations coming out of Guantanamo, and cut to the footage of a group of men in cages wearing orange jumpsuits, but that is

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something I cant see cause they cover my head with a cloth and pour water on my face, flooding my mouth, my nose, my life and I kick and scream, and try somehow to free myself from the torture table until I fracture my wrist, until I end up breaking a bone and I swallow the pain along with the stream of water thats drowning me, the general defends himself against the accusations of torture,

shielding himself behind the war on terror, telling the CNN anchorman about the post 911 world, the plane crashes into the building
crashes into the building crashes into the building, the image I see over and over again in a never-ending loop, the people on the streets of New York look up in horror, the buildings then collapse collapse collapse and I still can't believe what I'm seeing, and the

song by the Pixies begins in that romantic last scene, Edward Norton and Helena Bonham Carter holding hands as they watch the financial sector collapse all around them, where is my mind and another blast, the office buildings of the credit card companies collapse, you met me at a very strange time in my life, they collapse, they collapse, and not long after the Twin Towers a plane fl ies towards the Pentagon, I don't see it but I imagine it that September 11, a fighter plane flies over La Moneda and an explosion breaks

the windows of the palace, the building burns engulfed in white smoke, in black smoke, I see you under a parked car not far away, hiding from the tanks involved in the coup, the tanks that takeaim-and-fire, more fire in La Moneda, but Allende doesn't surrender, I look out the window of the shop Im hiding in and desperately wave at you, but you don't see me cause another Hawker flies by at full speed and everything shakes, I shudder and run out of the store shouting at you as the soldiers fire tear gas through the windows of the palace, I run towards you half-crouching, but after a few steps a bullet splits my spine in two, a soldier comes up behind me and a tank rolls down the middle of the street, a row of Chinese
tanks against an ordinary, everyday man, defying them in the middle of Beijing, challenging them and blocking their way down the Avenue of Eternal Peace, the fi rst tank in the column tries to go around him, but the solitary man in the white shirt moves and block its path again, armed only with a couple supermarket bags and a tank-stopping gaze, and from a window in a nearby building, I adjust the tele lens and point the camera towards that man in the dark trousers, I zoom in zoom in zoom in and the Google Earth

image moves in closer and closer to your country, your city, your street, click click click and as easy as that I can see the roof of your

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house on my screen, the sidewalk where you crushed my heart, the house of the neighbour who went to school with us, remember him?, the fat kid who was spying on us from his window when you broke up with me, when you told me you liked that asshole from ninth grade and something burst inside me, I move the image with the mouse three and a half streets down till I see the house where I grew up, the tiny back garden where I spent hours kicking a busted soccer ball against the wall, mom calling out to me from the kitchen, coming out and asking me to go buy a couple of cokes, the alphabet soup, the homemade flour tortillas and all the images that flood my mind, that start to lead me down a path I don't want to take and I twice click zoom out, I stare at the screen like an idiot, the aerial image of the old neighborhood, that green stain, the rundown park where we first kissed and a pain starts sta to run through my body, I see your school uniform again, your s sexy little skirt and I zoom out zoom out zoom out, I want to leave this fucking world, zoom out of life, kick the digital globe on my screen against a wall, kick it ov ver a and nd over again until it bursts, , deflates, that globe and the
mi m ili lita ta ary sat t el e lite image moves close er and zooms in on North Africa ri ca, , on th ha a t city, on that empty lot not far from the mosque, the im mag age ke keep eps ep s cl c os sin ng in a t a dizzying g speed till it has in its sight a man ma n wa walk lk kin ing g aw way f ro rom om a truck, an in nvisible voice says something in Eng n li l sh h wit ith h fe f edba back ba c ind ck duced n noise in the background, another man ot n's vo n's n' voic ice ic e gi g ve v s th he or o der an n nd a missile falls from the sky a d blows an s th t e ma m n up u int nto o a th t ousand pieces, that man who is now no w just st a b bla ack k cha har ha rred s rr smu mudg dge eo on the ground, like a very sad Ror Ro rsch rs c ac ach h bl blot ot, ot , a da dark rk ink nk kbl b ot on a test t card the psychiatrist shows

me b bef efo ef ore as ore aski king ki ng g me agai ain ai n wh what a I see, , I'm sick of this and the straitjack ja cket et is to oo ti tigh ght, gh t, but ut I kee ep playin ing the game, I look closer and tell hi him im wh what at t I see ee e, ne near ar the th upp per part t of the card I'm lying on the s re st reet et ble leed edin ed ing in g to dea eath t , with severa th al broken bones, but even so I d ag mysel dr lf to owa ward rds rd s th he bo b tt tom of th he blot, where my girlfriend is ly yin ing g on n the he gro r un ro nd, d also bleedi ing to death, the motorcycle we were ri idi d ng g is fa far a away, sm mashed up som mewhere outside the card, my girl lfr frie iend nd doesnt t even move anymor re, she just bleeds, and I know very y well that she'll die in a few secon nds and I have this corny idea, this hollywood-film-like idea of goin ng over to her and whispering in her ear that I love her, a final I-lo ove-you that sums it all up, so I drag myself down to this beautiful d dying woman, I turn her head towards me, I clean the blood off her r face a bit and try to tell her that I love her, but the words dont come out, my mouth feels like

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jelly, full of blood, and only then I realise that I have no tongue, that I had bitten it off when I fell, when I hit the pavement, I had bitten it off myself and now I can't tell my girlfriend what I feel, I look around in despair and manage to see my tongue lying a few feet away, grotesque, as if it was laughing at me, then I look back at my girlfriend and dont recognise her anymore, the blood has covered her face again and her eyes are now lifeless, the psychiatrist jots something down in his notebook and shows me the next card, the next blot, a smudge on a canvas, lots of smudges on a Pollock
hanging in the MOMA, I make a face and move on to the next room, then I look up and smile when I see the starry night on the wall, the whirls of color in the sky, the radiant moon, the thick textures, and a couple of tourists standing next to me mention Van Gogh's ear, the mutilated ear that Kyle MacLachlan finds in

an empty lot, but I'm not looking for that scene and I push fast forward, the VHS player squeaks as I hum Blue Velvet and almost pass the scene I want, but I press play when Isabella Rossellini begins taking off her clothes as we watch her from the closet, I see her and I can't help but glance at the Casablanca poster hanging on my wall, Isabella definitely with her mother's face, Ingrid and Bogart at the airport fleeing from the nazis, that black and white
farewell, like the snapshot I discreetly take out of my pocket, the two of us standing in front of the ferris wheel, happy, floating, I see your face, your smile, and for one two three long seconds Im fi lled with peace, I manage to relax till a wave smashes against our boat and I drop the wrinkled photograph, the soldier in front of me steps back and accidentally stands on it, Im about to bend down and grab it, but the sergeant gives the order and everything moves so fast, the hatch opens and a rain of German bullets overwhelms us, a hail of bullets bursts the chests and faces of the fi rst men to jump into the water, the same men that now float face-down to the beach, I push a button on the PlayStation joy-

stick and switch to third-person shooter, I follow my landing on Omaha from an over the shoulder view, I manage to reach the beach surrounded by corpses floating in and out with the tide, bullets whistle over my head, the surround sound is turned way up as tatatatatata, tatatatatata, the sweet noise of my Browning automatic unleashing its light fury against the German artillery sweeping the beach from the bunker above, I get an increible adrenaline rush and go back to first person shooting, tatatatatata, tatatatatata, my neighbour starts banging on the wall trying to get me to turn

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it dow own, n it's near n, arly ar ly tw w wo in the morning and I'm still in a trance ap ppr roa oach ching g th the e Ge G rm rm man defences, my Browning blows a hole in the he helm lmet et o of f a fu fuc c king ck k nazi who sticks his head up, and
t ata ata tata tata t ta tata ta, , Ha Harr rris is ss sweeps the grassy knoll beside the schools w st ent we tra ranc nce e wi w th h his s 9mm semi-automatic, tatatatatatata and a co coup uple of st stud den nts ts f all like rag dolls as if in a video game, I almost mo st s sh hit myse self with fear and run back into the building, I think of y you ou and n run acr cros os o ss t the maze of hallways, Columbine so big and as I pass by I hear a teacher call 911, a teacher who later tells me that th at t when she saw w Harris and Klebold she thought they were shoo sh ooti ting n a video o, sh she was just about to go out and tell them to knoc ock k it off f when n the th he bullets shattered the windows, the same bull bu ll l et t s th that at tIc can n hea e r in the distance, a teacher evacuates the cafe ca fete fe teri te r a an ri and d I can't find you, the blast wave of an explosion rattles tl es the the nearby nearb rby lockers, lockers I desperately look for you in the hallways until someone tells me you're in the library, the same library that I see Harris go into fi ring left and right, tatatatatatata, a group of

gunmen armed to the teeth enter the lobby of the Taj Mahal as I wait for you to come down from our room, the men open fire without any warning, and out of nowhere a hail of bullets riddles the open newspaper of the guy sitting next to me, a man in a suit who was calmly reading something about Obama when tatatatatatata, tatatatatatata, scared to death I jump out of my chair and run to the nearest staircase, while the men dressed in black behind me shoot at everything that moves in the lobby, and just as Im running up the steps I realise I've been shot in the arm, but it doesn't really matter, I run up as fast as I can thinking about you and this honeymoon, this trip that had started like a dream and now I hear an explosion in the background, I reach the fifth floor with my arm covered in blood, panting, and walk into the hallway just as you disappear into the elevator, I scream your name and run towards you, but you don't hear me, you cant hear me because of the earphones, because you have a million things on your mind and our first child in your womb, the doors close just before I get there and hit them, I desperately push the button again and again, but the elevator has already started its descent into that lobby-hell, I scream at the top of my lungs and without catching my breath go back to the staircase, maybe I can get to you in time, and I start going down until I run into several panic-stricken tourists who push me aside, who scream and I look down, I look and catch a glimpse of a gunman spraying bullets all around as he walks up the staircase, and

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I barely manage to get out and into the third floor corridor, I barely take a few steps when an American woman opens the door of her room and looks at me in horror, I unceremoniously shove her back and we fall inside just before the hallway is flooded with bullets, and I close the door as another blast shakes the building, I try to explain everything to her but soon the smoke starts sneaking into the room, we asume the floor below is on fire and the woman begins to get hysterical, repeating again and again that she doesn't want to die, she mumbles something about the terrorists and tries to jump out the window, the camera zooms in on one of the smouldering Twin
Towers and shows a woman jumping out of a window, then follows the fall of that somewhat-pixelated body as it comes hurtling down and disappears behind another building, speechless I change the channel just as someone else also jumps into the void, pushed out by the fl ames that engulf the building, the camera follows the man as he free-falls towards the New York sidewalk,

a banker driven mad by the never-before-seen Wall Street crash throws himself out of a 23rd floor window, and just as I read about the collapse of the stock market standing on the sidewalk, just as I see President Hoovers picture on the front page of the Herald, a man in a suit falls from the sky and lands on top of a brand new Chevy Coupe, the roof caves in and the car immediately comes to a halt, and among the New York passers-by who turn their heads in disbelief, among that multitude of cloche hats, I see you for the first time and fall in love

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ED

BLAS S VAL LDEZ

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Te veo pasar entre el grupo con pancartas que marcha por la Pine Street, una mezcla de obreros, activistas y estudiantes que entona Jail em, dont bail em, la marcha que atraviesa Wall Street hasta llegar al edifi cio de la AIG y del vecino Bank of America, hasta llegar al sitio donde los esperan barricadas y docenas de policas, Jail em, dont bail em, te busco entre el coro cada vez ms enojado, Jail em, dont bail em, el coro tan fuerte que los trajeados se asoman desde las alturas, se asoman asustados y observan a una joven que toma el altavoz y arremete a su manera contra el rescate a los banqueros, y al or tu voz me salta el corazn, salto y floto al frente justo cuando bajas la bocina y caen las barricadas, todos corren en varias direcciones y empiezan los madrazos, esquivo uno dos tres cuerpos pero no te encuentro, te busco como loco hasta que siento un golpe arriba de la nuca, hasta que caigo y veo desde el suelo tu altavoz tirado por ah entre pies que van y vienen, la sangre calientita me baja por la espalda y veo de reojo el logotipo de AIG sobre la entrada, el lo-

gotipo de AIG que cubre las casacas del Manchester United, que cubre el pecho rojo del enjambre de hinchas que va llenando el Teatro de los Sueos, Cristiano Ronaldo y compaa salen a la cancha, falta poco pa el arranque pero yo sigo en los tneles esperando afuera del museo de los Rojos, esperando y mientras llegas me paseo por la hilera de trofeos, de fotos leyendas del United, afuera el silbatazo seguido de los gritos, afuera todo comienza, la pelota rueda y vuela mientras adentro termina mi jueguito de esperarte, no llegars, lo s, como no llegaron Byrne, Jones, Colman, leo maquinalmente los nombres de la tragedia del 58, Taylor,Whelan, Pegg, Bent, los Rojos cados en el desastre de Munich, afuera la
tormenta de nieve pero yo contento, el piloto nos avisa del retraso pero sigo sonriendo, an no puedo creer que estoy sentado a pocas fi las de Charlton, del United entero y yo con ganas de pedir autgrafos a diestra y siniestra, de poner a un lado los cacahuates y llevar mi servilletita pa las fi rmas, y finalmente me levanto, pero una voz me llama de la nada y me pide que me siente, la azafata me sorprende por la espalda, manos arriba y as indefenso me enamoro a quemarropa, tu voz se mezcla con la del piloto que anuncia el prximo despegue, avanzas por el pasillo repartiendo sonrisas y yo me olvido del United, me olvido y te sigo con la mirada, idiotizado, sin darme casi cuenta que uno, dos y al tercer intento de despegue el avin se barre por la pista un poco congelada, apenas alcanza a elevarse y una casa se atraviesa en

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su destino, destroza un ala y el piloto gira a la derecha, todo gira violentamente y te veo volar por el pasillo, tu cuerpo pasa como una mancha hacia el fondo del avin, este avioncito que parece de juguete al estrellarse contra una pared, otra pared, un edifi cio entero y te busco entre las llamas, entre el equipo del United atrapado conmigo en el infi erno, y agonizamos en Munich, el ps-

ter con Eric Bana que veo de reojo al entrar al cine, llego tarde a la funcin y te busco fila a fila chupando un frapuchino, mientras atrs en la pantalla el comando fedayeen entra a la Villa Olmpica y los confunden por atletas regresando de la peda, no soy tan fan de Spielberg pero igual quera verte, sobretodo en lo oscurito, una seora me pide que me m siente, que le tapo la pantalla justo cuando el comando o palestino deja atrs las sudaderas su y cruza silencioso el Connollystrasse, apenas mis ojos se acostumbran a lo negro de la sala regreso a buscarte fila a fila, al tiempo que los fedayeen enmascarados ya empuan AK-47s, ya abren la primer puerta y pronto matan al primero, casi todo el equipo israel sorprendido mientras s duerme, due del ejercito de
Barak, un lindo mensajito nsajito que me avisa que salga ad de mi casa, que salga y corra porque vienen los aviones iones y mi hogar est en la mira, el pequeo detalle, claro, es que no me encuentro t en casa, slo t que ests herida y agonizas en la sala esperando medicinas, pastillitas que no he podido encontrar, pero an as corro de regreso y cruzo Gaza protegido slo por la noche, la noche agujerada por las bombas israeles, una tras otra tras otra y los gritos acompaan mi camino, una explosin cercana aplasta un edifi cio y me revienta los odos, me ensordece y no me escucho gritar cuando veo los escombros de mi sala, cuando veo mi casa entera envuelta en una extraa lluvia de fuego y humo blanco, las im-

genes claramente muestran fsforo blanco cayendo sobre Fallujah y an as el general lo niega, la escena es tan absurda que subo el volumen del televisor, el conductor de la BBC luego le pregunta sobre Abu Ghraib y las fotos recin salidas a la luz, el tipo lleno de medallas dice cualquier cosa mientras vemos en pantalla al prisionero amarrado con collar para perros, la pirmide de cuerpos desnudos, el tipo encapuchado parado sobre una caja, una serie de fotos que impacta a todos los que estamos frente al televisor, el conductor lo tiene contra las cuerdas y ahora menciona las nuevas acusaciones salidas de Guantnamo, corre vdeo de un grupo de hombres enjaulados vistiendo overoles naranjas, pero eso ya no lo
veo porque me cubren la cabeza con un trapo y me vierten agua

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sobre el rostro, la boca, la nariz, todo se inunda y se me tapa la vida, pataleo, intento zafarme como sea de la mesa de tortura y se me fractura una mueca, termino por romperme perme el hueso y el dolor me lo trago junto al chorro de agua que e me e ahoga, a el genera gen general

se defiende de las acusaciones de tortura, se escuda detrs de la guerra contra el terrorismo, le explica al conductor nductor de la CNN sobre el mundo post 11 de septiembre, el avin vin n se estrella contra
el edifi cio se estrella contra el edifi cio se estrella strella lla contra e el edificio, la imagen que veo una y otra vez en un loop op interminable, interminable la gente en las calles neoyorquinas levanta la mirada horrorizada, los edifi cios luego se derrumban se derrumban se derrumban sin que pueda creer lo que veo, y empieza la rola de los Pixies en esa

romntica ltima escena, Edward Norton y Helena Bonham Carter tomados de la mano observando enamorados el derrumbe del sector financiero a su alrededor, where is my mind y otro bombazo, las empresas de tarjetas de crdito se derrumban, you met me at a very strange time in my life, se derrumban, se derrumban, y poco
despus de las Torres Gemelas un avin vuela hacia el Pentgono, no lo veo pero me lo imagino ese 11 de septiembre, un avin

caza vuela a toda velocidad sobre La Moneda y una explosin revienta las ventanas del Palacio, el edificio arde envuelto en humo blanco, en humo negro, a lo lejos te veo metida bajo un coche estacionado, escondida de los tanques golpistas que cerca apuntanfuego, ms fuego a La Moneda, pero Allende no se rinde, desesperado me asomo y te hago seas desde la ventana del negocio en el que me he metido, pero no me ves porque otro Hawker pasa volando a mil por hora y todo retumba, me estremezco, salgo del negocio y te grito al tiempo que los soldados lanzan gases lacrimgenos por las ventanas del Palacio, me acerco a ti corriendo semi-agachado y a pocos metros una bala me parte la columna, un soldado me sorprende por la espalda y un tanque se acerca por el medio de la calle, una hilera de tanques chinos contra un hombre comn y
corriente que los desafa en pleno Pekn, que los enfrenta y les impide que avancen por la Gran Avenida de la Paz Eterna, el primer tanque de la columna intenta sortearlo pero el solitario hombre de camisa blanca de nuevo se interpone en su camino, armado slo con dos bolsas de supermercado y una mirada detiene-tanques, desde una ventana de un edifi cio cercano ajusto el tele lens y apunto a ese hombre de pantaln oscuro, hago zoom in zoom in zoom in y la imagen del Google Earth se acerca

a tu pas, tu ciudad, tu calle, click click click y as de fcil puedo

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ver el techo de tu casa en mi pantalla, la banqueta donde me hiciste cagada el corazn, la casa del vecino que iba con nosotros en la secundaria, te acuerdas?, ese gordito que nos espiaba por su ventana cuando me cortaste, cuando me dijiste que te gustaba ese pendejo de tercero y algo explot dentro de m, muevo la imagen con el mouse tres y media calles abajo hasta llegar al techo de la casa de mi infancia, el jardincito trasero donde pasaba horas pateando contra la pared un baln ponchado, los gritos y la mirada de mam pidindome que vaya por las cocas, la sopa de letras, las tortillas de harina recin hechas y todas la imgenes me vienen a la mente, me empiezan a llevar por un camino al que no quiero ir y rpido clickeo un par de zoom outs, veo idiotizado la pantalla, la toma area del viejo barrio, la mancha verde, el descuidado parque donde nos besamos la primera vez y un dolorcito me atraviesa, veo de nuevo tu uniforme, tu sexy faldita del colegio y zoom out zoom out zoom out, quiero salirme de este puto mundo, zoomoutizarme de la vida, patear ese globo terrqueo que cubre mi pantalla contra una pared, patearlo una y otra vez hasta poncharlo, ese globo y la
imagen del satlite militar se acerca vertiginosamente y hace zoom in al norte de frica, a esa ciudad, a ese terreno baldo no muy lejos de la mezquita, la imagen se acerca rapidsimo hasta tener en la mira a un hombre que se aleja de una camioneta, una voz en off dice algo en ingls entre un ligero feedback, la voz de otro da la orden y un misil cae del cielo y parte en mil pedazos al hombre que ahora es slo una mancha negra en el suelo, carbonizada, como de Rorschach, una mancha negra en una lmina

que me ensea el psiquiatra y de nuevo me pregunta qu es lo que veo, ya estoy harto y me aprieta demasiado la camisa de fuerza, pero sigo con el juego, enfoco la mirada y le digo lo que veo, en la parte de arriba estoy tirado en la calle, desangrndome, tengo varios huesos rotos, pero an as intento arrastrarme hacia la parte de abajo de la mancha, donde est tirada mi novia, tambin desangrndose, la moto en la que venamos est ya lejos, hecha chatarra en algn lugar fuera de la lmina, mi novia ya ni se mueve, slo sangra, y s muy bien que morir en unos segundos y me entra la idea cursi, como de pelcula, de acercarme a ella y decirle al odo que la amo, decirle un te amo final, un te amo que lo resuma todo, por eso me arrastro hasta esa hermosa muchacha agonizante, le volteo la cabeza, le limpio un poco la sangre de la cara e intento decirle que la amo, pero no me salen las palabras, la boca la siento gelatinosa, empapada de sangre, y slo apenas me doy cuenta de

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que no tengo lengua, de que yo mismo me la he mordido al caerme de la moto, al golpearme contra el pavimento, yo mismo me la he cortado y ahora no puedo decirle a mi novia lo que siento, desesperado volteo hacia todos lados y alcanzo a ver a mi lengua tirada a unos metros de distancia, grotesca, como rindose de mi, luego regreso la mirada a mi novia y no la reconozco, la sangre ha vuelto a cubrirle la cara y sus ojos ya no tienen vida, el psiquiatra apunta algo en su cuadernito y me ensea la siguiente lmina, la siguiente mancha, una mancha en un lienzo, muchas manchas en
un lienzo de Pollock colgado en el MOMA, hago una mueca y me paso a la siguiente sala, entonces levanto la mirada y sonro al ver la noche estrellada en la pared, los remolinos de color en el cielo, la luna radiante, la textura pastosa, y un par de turistas parados junto a m mencionan la oreja de Van Gogh, una oreja

mutilada que encuentra Kyle MacLachlan en un lote baldo, pero no busco esa escena y presiono forward, el VHS avanza rechinando mientras tarareo Blue Velvet y casi casi se me pasa, pero pico play cuando Isabella Rossellini empieza a desvestirse mientras la vemos desde el closet, la veo y no puedo evitar echar una mirada al pster de Casablanca que cuelga en mi pared, Isabella definitivamente con el rostro de su madre, Ingrid y Bogart en el aeropuerto escapando de los nazis, esa despedida en blanco y negro, como
la foto que discretamente saco del bolsillo, los dos estamos parados frente a la rueda de la fortuna, felices, flotando, veo tu rostro, tu sonrisa, y por uno... dos... tres largos segundos me lleno de paz, logro relajarme hasta que una ola choca violentamente contra el pequeo buque y suelto la arrugada foto, el soldado parado enfrente la pisa sin querer queriendo, estoy apunto de agacharme me pero el sargento da la orden y todo se acelera, ace se abre la compuerta uerta y un una na l na llu lluvia luvi v i a de b via vi balas ale alemanas lema le em nas nos en envuelve, una lluvia de metralla la l les e r es revienta ev vie ient nta nt a el pecho-rostro pec p cho h -r - os str ro a los primeros p que brincan al agua a y ahora a or ah o a fl flot otan t an nb boc boca o a abajo oc abaj ab a o hacia h ci ha cia la playa, pla presiono

un botn del co control ontrol ol ld del e P el PlayStation layS la ySta yS tati ta ti ion y la a ac a accin cin n ahora pasa a tercera persona, sona, sigo sigo mi mi desembarco dese de semb m ar arco co en en Omaha Omah aha desde un over the shoulder, logro o tocar to ocar la a arena a na a entre ent tre r cadveres cad ad dv eres que qu ue van y vienen en la marea, a, bal balas las pasa pasan an chifl ch hiflando sobre sob bre mi m cabe cabeza, eza, el e sourround sound a todo volumen vol olum ume um en mientras tatatatatata, tatatatata ata ta, , tatatatatata, tat ta tatatat el dulce ruido de mi Browning automtica que descarga su furi furia-light contra la artillera tillera alemana que barre la playa desde la torre to de vigilancia, la adrenalina me satura y regreso a first person shooting, tatatatatata, tatatatatata, el vecino empieza a golpear la pared

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para que le baje, son casi las dos de la maana y yo an en trance, acercndome a las defensas alemanas, mi Browning le revienta el casco a un puto nazi que asoma la cabeza, y tatatatatatata, la
9mm semi-automtica de Harris barre la verde colina junto a la escuela, tatatatatatata y varios estudiantes caen como trapos, como si fuera un videojuego, me cago del miedo y regreso corriendo al interior del edifi cio, pienso en ti y atravieso el laberinto de pasillos, Columbine tan grande y escucho de pasada a una maestra que llama al 911, una maestra que luego me dira que al ver a Harris y Klebold a lo lejos pens que fi lmaban un video, quera salir a regaarlos cuando la metralla destroz los vidrios de las ventanas, la misma metralla que escucho a lo lejos, un maestro evacua a todos del comedor y no te encuentro, la ola expansiva de una explosin retumba los casilleros, recorro como loco los pasillos hasta que alguien me dice que ests en la biblioteca, la misma en donde veo entrar a Harris abriendo fuego a diestra y siniestra, tatatatatatata, un grupo de pistoleros armados

hasta los dientes entran al lobby del Taj Mahal mientras espero que bajes del cuarto, el comando abre fuego as como as, de golpe y de la nada una lluvia de balas perforan el peridico abierto del hombre sentado junto a m, un tipo trajeado que lea tranquilamente algo sobre Obama cuando tatatatatatata, tatatatatatata, muerto de miedo brinco de la silla y corro a la escalera cercana, al tiempo que los hombres vestidos de negro avanzan a mi espalda y arrasan con todos a diestra y siniestra, apenas subo a prisa los escalones me doy cuenta que tengo una herida de bala en el brazo, pero no importa, subo tan rpido como puedo pensando en ti y en esta luna de miel, en este viaje que haba empezado como un sueo y ahora una explosin se escucha no muy lejos, llego al quinto piso y salgo al pasillo con el brazo ensangrentado, jadeando y justo veo que te metes al elevador, te grito y corro hacia ti pero no me escuchas, traes audfonos, traes mil cosas en la mente y a nuestro primer hijo en la panza, las puertas se cierran un momento antes de que llegue y las golpee, presiono desesperado el botn pero el elevador ya empez su descenso hacia ese lobby-infierno, pego un par de gritos y sin tomar aliento regreso a las escaleras, en una de esas te alcanzo, empiezo a bajar cuando me topo con un puado de turistas que suben alocados y me hacen a un lado, me asomo escaleras abajo y alcanzo a ver a un pistolero que sube repartiendo metralla a su paso, apenas y logro salir al pasillo del tercero piso, apenas doy unos pasos una gringa abre la puerta de su cuarto y me observa horrorizada, la

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empujo hacia atrs sin modales y ambos caemos dentro justo antes de que una lluvia de balas inunde el pasillo, cierro la puerta al tiempo que otra explosin estremece el edificio, intento explicarle a la rubia lo que pasa y el humo pronto lo llena todo, se cuela por ah, por all, suponemos que el piso de abajo arde en llamas y la gringa se pone histrica, repite y repite que no quiere morir, dice algunas incoherencias sobre los terroristas e intenta salirse por la ventana,
la cmara hace zoom in a una de las humeantes Torres Gemelas y muestra a una mujer que salta al vaco desde una ventana, muestra y sigue la cada de ese cuerpo medio pixelado que baja a mil por hora y desaparece tras otro edifi cio, estupefacto cambio de canal y justo otra persona igualmente brinca al vaco empujado por las llamas que envuelven al edifi cio, la cmara sigue al hombre que cae vertiginosamente hacia la banqueta neoyorquina,

un banquero desquiciado por el nunca antes visto crash de Wall Street se lanza al vaco desde un piso 23, justo leo sobre el colapso de la bolsa parado en la banqueta, justo veo la foto del presidente Hoover en la primera plana del Herald cuando un hombre trajeado cae del cielo y aterriza sobre un nuevecito Chevy Coupe, el techo se hace pedazos y el coche se detiene de inmediato, y entre los traunsentes neoyorquinos que se acercan incrdulos, entre esa multitud de sombreros campana te veo por primera vez y me enamoro...

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Em mily Roysdon

\ untitled (David Wojnarowicz project). Emily Roysdon, 2001-2008.

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\ It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives. Rosa von Praunheim, 1970.

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The many facets of performance and performativity are all over our lives. Long theorized, long rehearsed, the forms of performance continue to unfold in every direction. There is something always new in performance, and always something borrowed. This issue of Zehar proposes that we consider performance as a kind of editing, a gesture of gathering, accepting, rejecting the information from the world around us. Editing our stimuli in order to make meaning performance as process. I have experience with each word, editing and performance, distinctly. Editing for me is most literally the work of organizing an independent feminist art journal, LTTR, for six years. And performance the form and site of many projects and inquiries. What happens when we rub these words next to each other and ask that performance be held within the bounds of a subtractive process? How can we read this proximity? This formulation provokes me in several ways. My rst question becomes Who do you choose to be in dialog with? What is it that we seek out and who do we honor with our efforts? The second main concern for me is locating a site of action, of creation and possibility. Performance demands a generative capability - humans do. I think there is a lot to consider in subsuming performance as a product of editing, and there are many great examples that challenge and highlight this idea. I would like to begin by teasing out the signicance of the word edit in this proposal. Closely related to the concept of editing I nd other process verbs: archive, organize, reect. Implicit is an analysis of content with the ambition of producing something better than the original. The act of editing is usually a subtractive model. If one were to add information, it would be more aptly described as collecting and organizing. You edit out. The action is a refusal. In the idea of performance as editing there is as much emphasis given to what we take in from our cultural surroundings as that which we edit out, and that which we put out. If we allow the source material to be as signicant as the product, then we lose sight of the greatest potential in having a multitude of stimuli, and that is the ability to create something new through simultaneity. Upon close inspection, the idea of performance as editing seems to give equal power to all that we come into contact with in our daily lives. It is undeniable that we are shaped by the circumstances of our lives, as Hannah Arendt says Men are conditioned beings because everything they come in contact with turns immediately into a condition of their existence. But it is crucial to mark differences in the value of myriad input and to continue categorizing our stimuli. I am submitting the word edit to scrutiny because I believe there are certain dangers worth naming in order to avoid them. Number one is passivity. I loathe to think that we swim in a sea of images and absorb

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them like salt through osmosis. I want to insist on an identity as an actor more than a mirror. Agency over reection. The process of editing is located in a decision to accept or reject the stimulus. It is a consumerist model of identity searching, subscribing, collecting. Spoken differently, the positive potential of this formulation is one of the multitude, where passivity is disdained and curiosity and rigor rule. This editing archiving to analyze and re-mix a model that is additive and plural looks more like a palimpsest than an editing room oor. Let it be a model of inclusion that thrives on contradiction and simultaneity. Its a question of politics that cant be left out of the concept of performance. The performative subject animates our histories, and if its a subtractive model that denes either history or the subject, then we have everything to lose. Ian Whites recent program of events in Berlin created a performative palimpsest at the site of cinema by coupling historic lms with contemporary live interventions. The program brought together lms chosen from the 1971 premier of the International Forum of New Cinema and re-contextualized them in several sites throughout the city. White described the programming as an investigative series of screenings with simultaneous performances and other projections that explore the ways in which what we see is shaped by what we see it with. In IBIZA: A Reading For The Flicker, White, himself an artist and curator, read an explicit tale of sexual adventures alongside Tony Conrads The Flicker lm. Whites voice moved in and out of being audible, deliberately competing with the amplied soundtrack of The Flicker blazing into the room. In another event Richard Serras 16mm lm Hand Catching Lead was screened in one of Berlins notorious sex lab clubs. At the Arsenal cinema, my 12 black and white photographs, untitled (David Wojnarowicz project), was projected as a slideshow simultaneous with Rosa von Praunheims It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives. When it was rst debuted Praunheims lm created great outrage as audiences attempted to situate themselves between the images on screen representations of gay cruising, clubs, sex and fashion and the off-screen, pseudo-scientic, sometimes homophobic, condescending, ironic, truthful, contradictory voice over. I arranged a choreography of my photographs to interact with the lms progression and contradictions. It was a lively experiment and an extremely productive pairing. Whites program tore at the edges of each independent work and made unlikely couplings into generative bed-fellows. Whites strategy of layering created an amplied space of viewing lled with anticipation. The program edited the canon of cinema, rubbed the now up against a then and created radical re-mixes that were sites of pleasure and resistance.

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Another excellent project that embodies the additive, palimpsest form of editing is Ridykeulous 2006 intervention on the seminal 1989 Guerrilla Girls poster The Advantages of Being a Woman Artist. The Guerrilla Girls took aim at the male dominated art world and made a list of ironic benets to being unsung makers in the art market. Ridykeulous updated the 20 year old feminist politics by inserting a queer lesbian identity into the mix and over writing hysterical sex jokes atop the Guerrilla Girls legitimate claims of exclusion. For example, where the Guerrilla Girls write Not being stuck in a tenured teaching position, Ridykeulous writes Not getting your st stuck in a tight spot. This after ve lines of pussy licking, dick sucking stabs. Ridykeulous ridicules acceptance and makes no attempt to make their politics palatable to the mainstream. They write another scene for success overtop their feminist heritage. And it is denitely a performance. They arent asking for room at the table of masters, they are spotlighting their current position and making it look liberated and self-sustaining. By writing on top of the original 1989 poster they in fact make the historical document more visible, and in making visible their attention to the feminist legacy of the Guerrilla Girls, Ridykeulous is making performative declarations of independence by speaking directly to an audience of their own making. Thinking now from the vantage point of history, I want to consider the aforementioned question who do you choose to be in dialogue with? I think asking, if not explicitly answering, this question is a crucial act of identifying our politics and ambitions and differentiating between the information we are fed and the information that we seek. In directing our attention and speaking back to a source, regime, history, individual we validate the vocabulary and language that comes with the original statement. Is there a way to interrupt the network of meanings and associations of the original statement to engage anew? This question exists for me primarily in the macro perspective thinking about politics, and processes of history, and thinking about our ability to create and to change the circumstances of our lives. In Yael Bartanas video Mary Koszmary (ghost and nightmares in Polish), we become witness to the performance of the leftist intellectual Slawomir Sierakowski as he stands in an abandoned amphitheater and delivers a public address. He is proposing that Jews return to Poland and together they move forward, away from the limits of their shared past of Nazi tyranny. The sound of his words echoing through the space and drifting towards the history that once animated that theatre. Listening to him, wondering why there is no audience for his message, I imagine the potential of his dream. Sierakowski is re-writing what is possible in Poland. He is occupying a space, stating his position and inviting dialogue about the political history and process of reconciliation. Boldly speaking of the future in a monument of the past, he is addressing an absent nation. Bartana and Sierakowskis project is placed in

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conversation with a history of Jewish diasporra, Nazi occupation and Polish leftist politics. Clearly the message is unpopular but, in speaking it, they create a potential audience and potential action. Bartana and Sierakowski take these histories and create a new vocabulary of what is possible, aunting the processes of change and history. Change and history come together in the archive. Sierakowskis actions are opening the national archive and asking people to dig around and regroup for a radical left future. Ridykeulous Perverse the feminist art archive and in one swift maneuver reinvigorated and updated the original message. The archive is the performance of history through collection and proximity. In my work with LTTR I thought of the archive as a set of relations and intimacies. LTTR sought to create an active archive of contemporary feminist art in order to make visible the conversations and projects of our generation. We edited a journal, organized live performance events and radical read-ins, anything that could give form to the networks of collaboration we experienced and to articulate our genderqueer feminism. LTTR was dedicated to highlighting the work of radical communities whose goals are sustainable change, queer pleasure, and critical feminist productivity. The group was founded in 2001 with an inaugural issue titled Lesbians to the Rescue, followed by Listen Translate Translate Record, Practice More Failure, Do You Wish to Direct Me?, and in 2006 Positively Nasty. Each issue of LTTR was initiated by an open call and edited through consensus by myself, Ulrike Muller, Ginger Brooks Takahashi and K8 Hardy. Each submission was considered independently and in regards to the working themes of the journal. The desire to make the journal a signicant contribution to contemporary feminist genderqueer concerns guided editorial debates and decision making. It was an incredible experience to receive a hundred submissions and have the privilege of taking seriously each works proposition and its position in regards to our call. We spent days reviewing each submission and debating the effects of each project next to another and the ramications of our decisions. With each open call we created a frame and the submissions lled out the statement of the journal. We asked for what we wanted and, together with the submissions, developed the vocabulary that we wanted to exist. LTTR created active spaces of collaboration and was also cognizant of creating an archive of our generations queer and feminist politics. We were not reinventing the wheel. We were all interested in and indebted to the histories and strategies of prior generations. We were talking back to Heresies, to Gran Fury and Fierce Pussy.

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Each of the projects I have discussed have mined the archive and built a new vision alongside the source material that inspired and challenged them. They are great examples of people being explicit in the choice of their dialogic partner, and of directly addressing the inherited vocabularies of the debate. What is so exciting to me about this framing is that projects can be productive and not reproductive. We can engage the language and strategies of stimuli around us and create something new. Its still a process of editing, an intimate process of attraction, but it emphasizes the generative capability of performance and the simultaneity of inuences and desires. My concern that history and self not be a subtractive process is my will insisting on the ability of this simultaneity to destabilize and proliferate. The talking back that these projects exhibit sometimes becomes the power to rewrite, and I dont want this engagement to be thought of as a consolidating gesture. Rather the demand for more.

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\ untitled (David Wojnarowicz project). Emily Roysdon, 2001-2008.

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Emil ily y Ro Roys ysdo don do n

It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives. Rosa von Praunheim, 1970.

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El gran nmero de facetas de la performance y la performatividad impregna toda nuestra vida. Muy teorizadas y muy ensayadas, las formas de la performance continan desplegndose en todas direcciones. Siempre hay algn componente nuevo en la performance; y siempre algn componente que ha sido tomado prestado. Este nmero de Zehar propone que consideremos la performance como un tipo de edicin, un gesto de reunin, aceptacin o rechazo de la informacin del mundo que nos rodea. De edicin de nuestros estmulos para dar signicado; la performance como proceso. Tengo una experiencia muy clara respecto a ambos trminos, edicin y performance. Expresado de forma muy literal, la edicin ha sido, para m, el trabajo de organizar una revista de arte feminista independiente, LTTR, durante seis aos. Y performance, el lugar y la forma de muchos proyectos y estudios. Qu sucede cuando entretejemos estas palabras y pedimos que la performance se mantenga en los lmites de un proceso de sustraccin? Cmo podemos interpretar esta proximidad? Esta frmula consigue inquietarme de varios modos. Mi primera pregunta pasa a ser: A quin eliges para dialogar? Qu es lo que buscamos y a quin honramos con nuestros esfuerzos? Mi segunda preocupacin bsica radica en localizar un sitio de accin, de creacin y posibilidad. La performance exige una capacidad generativa; los seres humanos la tienen. Pienso que hay que considerar muchos elementos a la hora de subsumir la performance como un producto de la edicin y hay muchos ejemplos destacados que cuestionan y resaltan esta idea. Me gustara comenzar por desentraar el signicado de la palabra editar en esta propuesta. Estrechamente relacionados con el concepto de edicin, hallo otros verbos de accin: archivar, organizar, reejar. Est implcito un anlisis del contenido con la ambicin de producir algo mejor que el original. El acto de editar es, normalmente, un modelo de sustraccin. Si furamos a aadir informacin, sera ms adecuado describirlo como recopilacin y organizacin. T suprimes. La accin es un rechazo. En la idea de performance como edicin se recalca tanto lo que tomamos del medio cultural que nos rodea como lo que suprimimos y lo que eliminamos. Si permitimos que el material original sea tan signicativo como el producto, entonces perdemos de vista el mayor potencial logrado con una multitud de estmulos, es decir, la capacidad para crear algo nuevo a travs de la simultaneidad. Si la estudiamos con detenimiento, la idea de la performance como edicin parece proporcionar igual poder a todo con lo que entramos en contacto en nuestra vida cotidiana. Es innegable que estamos conformados por las circunstancias de nuestras vidas, tal como arma Hannah Arendt: Los hombres son seres condicionados, puesto que todo aquello con lo que entran en contacto se convierte inmediatamente en una condicin de su existencia. Pero resulta fundamental marcar

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diferencias en el valor de la mirada de estmulos que recibimos y continuar categorizndolos. Estoy sometiendo la palabra editar a un escrutinio porque pienso que existen determinados peligros a los que merece la pena poner nombre con el n de evitarlos. El nmero uno es la pasividad. Detesto pensar que nadamos en un mar de imgenes y que las absorbemos como la sal por medio de smosis. Quiero insistir en una identidad de actor ms que de espejo. La agencialidad sobre la reexin. El proceso de edicin se ubica en la decisin de aceptar o rechazar el estmulo. Es un modelo de identidad consumista; bsqueda, suscripcin, recopilacin. En otras palabras, el potencial positivo de esta formulacin es el de la multitud, en el que se desdea la pasividad y reinan la curiosidad y el rigor. Esta edicin archivo para analizar y volver a mezclar, un modelo adictivo y plural, se asemeja ms a un palimpsesto que a una sala de edicin. Vamos a dejar que sea un modelo de inclusin que se alimente de la contradiccin y la simultaneidad. Es una cuestin de poltica que no puede dejarse al margen del concepto de performance. El tema performativo anima nuestras historias y, si es un modelo sustractivo que dene la historia o el objeto, entonces tenemos todas las papeletas para perder. El reciente programa de eventos de Ian White celebrado en Berln cre un palimpsesto performativo en un cine mezclando pelculas histricas con intervenciones en vivo contemporneas. El programa reuni pelculas seleccionadas de la premier de 1971 del Foro Internacional del Nuevo Cine y las volvi a contextualizar en diversos lugares repartidos por toda la ciudad. White describi la programacin como una serie de anlisis de investigacin con performances simultneas y otras proyecciones que exploran los modos en que se ve conformado lo que vemos por aquello con lo que lo vemos. En IBIZA: A Reading For The Flicker White l mismo artista y comisario lee un cuento de aventuras sexuales explcitas durante la proyeccin de la pelcula The Flicker de Tony Conrad. La voz de White surga y desapareca, compitiendo deliberadamente con la banda sonora amplicada de The Flicker atronando en la sala. En otro evento, se proyect la pelcula de 16 mm de Richard Serra Hand Catching Lead en uno de los clubes de laboratorio de sexo ms afamados de Berln. En el cine Arsenal, se proyectaron mis doce fotografas en blanco y negro untitled (David Wojnarowicz project) en forma de exposicin de diapositivas simultneamente con It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives de Rosa von Praunheim. Cuando se present por primera vez, la pelcula de Praunheim result muy escandalosa, ya que la audiencia intentaba situarse entre las imgenes de la pantalla representaciones de gay cruisings, clubes, sexo y moda y la voz fuera de pantalla pseudocientca, en ocasiones homofbica, condescendiente, irnica, veraz y contradictoria. Compuse una coreografa de mis fotografas para

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que interactuara con las contradicciones y la progresin de la pelcula. Fue un experimento animado y un emparejamiento extremadamente productivo. El programa de White se rasgaba en los bordes de cada obra independiente y converta acoplamientos poco probables en compaeros de cama generativos. La estrategia de estraticacin de White cre un espacio amplicado de visualizacin impregnado de anticipacin. El programa edit el canon del cine, enfrent el ahora con el entonces y dio lugar a nuevas mezclas radicales que se convirtieron en sitios de placer y resistencia. Otro proyecto excelente que abarca la forma palimpsstica, aditiva, de la edicin es la intervencin en 2006 de Ridykeulous en el pster original sobre las Guerrilla Girls de 1989 The Advantages of Being a Woman Artist. Las Guerrilla Girls asumieron como objetivo el mundo del arte dominado por los hombres y realizaron una lista irnica de las ventajas de ser una creadora desconocida en el mercado del arte. Ridykeulous actualiz veinte aos de polticas feministas insertando la identidad de una lesbiana queer en la mezcla y sobrescribiendo chistes de sexo extremadamente divertidos sobre las demandas de exclusin legtimas de las Guerrilla Girls. Por ejemplo, donde las Guerrilla Girls escriben Not being stuck in a tenured teaching position (No te quedes atrapada en una plaza ja de profesora), Ridykeulous utiliza Not getting your st stuck in a tight spot (No dejes que tu puo quede atrapado en un sitio pequeo). Esto tras cinco lneas de lametazos vaginales, chupadas de pene. Ridykeulous ridiculiza la aceptacin y no lleva a cabo ningn intento de que su poltica sea agradable para la corriente dominante. Escribe otra escena de xito sobre su herencia feminista. Y, denitivamente, es una performance. No estn pidiendo sitio en un pupitre de maestros; estn resaltando su posicin actual y haciendo que parezca liberada y autosostenible. Escribiendo sobre el pster original de 1989, de hecho, hacen que el documento sea ms visible y, al hacer visible su atencin a la herencia feminista de las Guerrilla Girls, Ridykeulous lleva a cabo declaraciones performativas de independencia hablando directamente a una audiencia de elaboracin propia. Pensando ahora desde la posicin estratgica de la historia, me gustara considerar la pregunta previamente realizada: A quin eliges para dialogar?. Pienso que preguntar, sino explcitamente responder, a esta pregunta es un acto crucial de identicacin de nuestra poltica y ambiciones y de diferenciacin entre la informacin que recibimos y la informacin que buscamos. Al dirigir nuestra atencin y responder a una fuente, un rgimen, la historia, un individuo validamos el vocabulario y el lenguaje que conlleva la declaracin original. Hay algn modo de interrumpir la red de signicados y asociaciones de la declaracin original para implicarse de nuevo? Esta cuestin existe para m, bsicamente, en una macroperspectiva: pensamientos sobre poltica y procesos de la historia y pensamientos

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sobre nuestra capacidad para crear y cambiar las circunstancias de nuestras vidas. En el video de Yael Bartana Mary Koszmary (fantasma y pesadillas en polaco), nos convertimos en testigos de la performance del intelectual de izquierdas Slawomir Sierakowski, mientras se halla de pie en un anteatro abandonado y habla por unos altavoces. Propone que los judos regresen a Polonia y que juntos sigan hacia delante, escapando de los lmites de su pasado compartido de tirana nazi. El eco del sonido de sus palabras en el espacio y el cambio de rumbo hacia la historia que una vez dio vida a ese teatro. Al escucharle, preguntndome por qu no hay audiencia para su mensaje, imagino el potencial de su sueo. Sierakowski est reescribiendo lo que es posible en Polonia. Est ocupando un espacio, manifestando su postura e invitando al dilogo sobre la historia poltica y el proceso de reconciliacin. Hablando con audacia del futuro en un monumento del pasado, se ocupa de una nacin ausente. El proyecto de Bartana y Sierakowski se localiza en una conversacin con la historia de la dispora juda, la ocupacin nazi y la poltica de izquierdas de Polonia. Claramente, el mensaje es impopular pero, comentndolo, crean una posible audiencia y una posible accin. Bartana y Sierakowski recogen estas historias y crean un vocabulario nuevo de lo que es posible, alardeando de los procesos del cambio y la historia. El cambio y la historia se renen en el archivo. Las acciones de Sierakowski abren el archivo nacional y solicitan a la gente que investigue y se reagrupe para un futuro de izquierdas radical. Ridykeulous pervirti el archivo del arte feminista y, en una rpida maniobra, dio nuevo vigor y actualiz el mensaje original. El archivo es la performance de la historia a travs de la recopilacin y la proximidad. En mi trabajo con LTTR, consider el archivo como un conjunto de relaciones e intimidades. LTTR intentaba crear un archivo activo de arte feminista contemporneo para hacer visibles las conversaciones y los proyectos de nuestra generacin. Editamos una publicacin, organizamos eventos de performances en directo y lecturas radicales, cualquier elemento que pudiera dar lugar a las redes de colaboracin que habamos experimentado y articulara nuestro feminismo queer. LTTR se dedic a resaltar el trabajo de las comunidades radicales cuyos objetivos son el cambio sostenible, el placer queer y la productividad del feminismo crtico. El grupo se cre en 2001, con una publicacin inaugural titulada Lesbians to the Rescue seguida por Listen Translate Translate Record, Practice More Failure, Do You Wish to Direct Me? y, en 2006, Positively Nasty. Todas las publicaciones de LTTR se iniciaron con una convocatoria libre y se editaron por consenso con Ulrike Muller, Ginger Brooks Takahashi, K8 Hardy y conmigo misma. Todas las presentaciones fueron consideradas de forma independiente y en relacin con los temas de trabajo de la revista. El deseo de que las publicaciones constituyeran una contribucin signicativa a los problemas de las feministas queer contemporneas

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gui los debates editoriales y la toma de decisiones. Recibir cientos de presentaciones y disfrutar del privilegio de tomar en serio cada una de las propuestas de trabajo y su postura en relacin con nuestra convocatoria fue una experiencia increble. Dedicamos muchos das a revisar las presentaciones y a debatir las consecuencias de cada proyecto as como a las ramicaciones de nuestras decisiones. Con cada convocatoria libre, creamos un marco y las presentaciones dieron sentido a la declaracin de intenciones de la revista. Pedimos lo que queramos y, junto con las presentaciones, desarrollamos el vocabulario que desebamos que existiera. LTTR cre espacios activos de colaboracin y tambin se ocup de crear un archivo de la poltica feminista y queer de nuestra generacin. No estbamos reinventando la rueda. Estbamos interesadas y en deuda con las historias y estrategias de generaciones anteriores. Estbamos respondiendo a Heresies, a Gran Fury y a Fierce Pussy. Cada uno de los proyectos que he comentado han minado el archivo y creado una visin nueva junto con el material original que los inspir y alent. Son grandes ejemplos de personas explcitas en la eleccin de su socio dialgico y de ocuparse directamente de los vocabularios heredados del debate. Lo que ms me interesa de este marco es que los proyectos pueden ser productivos y no reproductivos. Podemos engranar el lenguaje y las estrategias de estimulacin que nos rodean y crear algo nuevo. Sigue siendo un proceso de edicin, un proceso ntimo de atraccin, pero recalca la capacidad generativa de la performance y la simultaneidad de las inuencias y los deseos. Mi preocupacin relativa a que la historia y el yo no son un proceso sustractivo se basa en mi voluntad de insistir en la habilidad de esta simultaneidad para desestabilizar y proliferar. La respuesta que muestran estos proyectos se convierte, en ocasiones, en el poder de volver a escribir y no deseo que esta implicacin sea considerada un gesto de consolidacin. Por el contrario, quiero que se considere la demanda de algo ms.

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la ms bella + roxana popelka + 16 queridos amigos am migos

Queridos amigos]La Ms Bella + Roxana Popelka + 16 queridos amigos

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1 obstculo: planes y esperanzas 1 le llevaron a travs de la oscuridad. 2 obstculo: cuando empez a llover 2 se pararon los calendarios. 3 obstculo: vio con el rabillo 3 del ojo que ella se mova. 4 obstculo: arreci la lluvia, 4 prudentemente redujo la velocidad. el sitio helado, estaba seco. Tales eran los pensamientos que le asaltaban sin cesar mientras avanzaba por aquel oscuro alquitranado. aquel oscuro alquitranado alquitranado oscuro alquitranado.

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Queridos amigos. Nos han solicitado un texto desde la revista Zehar r de Arteleku, con estas palabras: En En este nmero de Zehar r, queremos entender y poner en prctica el concepto de performance como una actividad de edicin edicin de nuestra cultura visual cotidiana. Como una herramienta para re- interpretar la cultura visual con y a travs re de la cual vivimos. Por eso nos interesa el proceso de edicin de vuestra revista revista. . Y despus de estudiar un poquillo el atravesado atravesado asunto, hemos pensado en elaborar un juguetn juguetn textotexto cuento-relato-partitura, cuento relato partitura, a travs de las respuestas- opiniones respuestas opiniones-palabras-voces palabras voces que vosotros nuestros amigos y colaboradores performers y/o tambin editores, tenis al respecto del tema tema-concepto concepto solicitado... Con las palabras recibidas encajaremos -enlazaremos enlazaremos un nico artculo colectivo, a modo de revista revista (des) caminada, caminada , en parte bablico, en parte sincrnico... como lo han sido siempre los proyectos de La Ms Bella... y de alguna manera cercano a la performance... Adems, hemos invitado a Roxana Popelka para que elabore un potico cuerpo cuerpo comn comn del resultado, que de algn modo funcione como contenedor, paginacin, portada, contraportada, etc... Necesitamos vuestras palabras lo ms pronto posible. Disculpad las prisas. Besos.

La Ms Bella

Queridos amigos]La Ms Bella + Roxana Popelka + 16 queridos amigos

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No es un lugar conocido. Un objetivo sera tomar conciencia del proceso, en su vivencia plena, sin temer al desconcierto que provoca entender que la performance/pieza, se encuentra escondida en lo ms oscuro y desconocido de nuestro ser/cuerpo/taller... un salto al vaco Este salto al vaco provoca no es el descubrimiento un lugar conocido. que conformando y trasvasando conceptos a formas visibles, se traducen, probablemente y con suerte, a un lenguaje cotidiano, posteriormente, si procede, puede dar lugar el anlisis literario o educacional. El proceso puede leerse revisitando varias experiencias pasadas. Una performance lleva a otra, son pginas que siguen, captulos, libros, pero desconozco donde te llevan. Da lo mismo! Me gusta ir a alguna parte... En ocasiones aisladas, aunque igualmente trascendentales, el uso de la performance para denunciar/ exhortar con gran energa (esto siempre), alguna situacin concreta, produce el alejamiento de la experiencia misteriosa, posiblemente debido a la puntualidad y concrecin de la causa que lo impulsa.

Carlos Llavata

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PRESE sin prejuicios; MIRE a su alrededor con atencin; ENTIENDA bien lo que percibe desde el corazn; ELIJA con consciencia; AHORA: responda a uno dndole en el rostro con alguna accin o beneficio. NO SE MORTIFIQUE. Si se desea editar esta partitura: lase y/o imprimase y/o accinese.

prese... mire entienda. elija ahora y no se mortifique

Yolanda Prez Herreras

Queridos amigos]La Ms Bella + Roxana Popelka + 16 queridos amigos

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En este nuestro ensordecido contexto insistentemente audiovisual, audiovisual , pero en el que LO AUDIO se dice y concibe a ttulo de inventario, hay que tener presente dos cosas que vuestro pargrafo olvida: a) que el elemento partitura partitura o protocolo de accin a seguir, suele ser importante al plantear este tipo de intervenciones, y b) en una cultura tan hibridada como la nuestra, tambin la performance o arte de la accin contiene (o puede contener) un elemento explcita o implcitamente sonoro sea sea cual sea el soporte sobre el que se sustente o manifieste, este , y lo decimos para completar vuestro enfoque mera y parcialmente visual: visual : Quin puede concebir la vida sin sonidos a los que atender?

sin sonidos a los que atender? slo dos cosas: 1 . contiene 1. 2. 2 . no contiene

Lloren Barber

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...yo creo que la performance corre siempre con los tiempos (o los tiempos corren, porque corre la accin). En cualquier caso, el tiempo es performativo, sin duda. Aqu, en los territorios intermedios que pisamos, pienso que seguimos haciendo lo mismo de siempre con los medios que proporcionan los tiempos. En realidad lo que hacemos, sea accin, comisariado, autogestin, investigacin, publicacin, documentacin... o cualquier otra cosa que cada cual considere vlida, es todo uno. Representa una forma de moverse por la vida y por el arte que parece que en los ltimos tiempos est adquiriendo una visibilidad pblica que podramos calificar de medio aceptable. Si esto es as, se debe, en la inmensa mayora de los casos, a la persistencia (y la resistencia, no olvidemos que corren los tiempos hablamos de un arte militante) corren como forma de moverse, corren de los que hacemos esto. En el terreno de la edicin creo s que corren. que se ha ganado bastante en estos aos, porque tengo cada cual que lo considero vlido, o no. la sensacin de que se ha perfilado y especializado es todo uno. mucho la materia. Por un lado, por la necesidad de hacer visible un trabajo que ya lleva bastantes elementos de accin acumulados y tiene mucho que decir; por otra porque creo que se han abierto otras vas de afrontar el hecho performativo o accionista. A destacar tambin el papel fundamental que juegan los eventos de todo tipo como soporte y difusin y ciertas iniciativas y herramientas didcticas que acercan y simplifican un camino de acercamiento acercamiento hacia nuestro trabajo y desde ste a lo que ocurre en el arte y la vida en general, y aqu la edicin, como elemento no efmero, tiene un lugar muy significativo...

Rubn Barroso

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Este tipo de preguntas le hacen a uno sentir que se est asomando a un abismo. As, sobre el papel, se podra argumentar que lo que la performance, o el modo de hacer performativo, le puede aportar a un proceso editorial es su inherente heterogeneidad y su carcter interdisciplinar. El arte de accin nunca ha sido un ente monoltico, y siempre ha estado acompaado por otros canales y formatos de trabajo. En trminos ms concretos, se podra traducir lo performativo en el mbito editorial aplicando procedimientos y criterios derivados de la prensa underground y los zines de mail art (ensamblaje, montaje, sedimentacin, cadver exquisito, etc.), o tcnicas ms cercanas a lo especficamente performativo, como el trabajo de instruccin/protocolo. En este ltimo caso, resulta interesante el efecto secundario de las complejas relaciones entre el arte de accin y los medios impresos. Es bien sabido que, aunque necesaria, la documentacin de una accin (sea una accin realizada en otro contexto, o sea una accin realizada especficamente para el mismo medio impreso, o una fotoperformance), fotoperformance ), es siempre incompleta, fragmentaria, metonmica. Esto le confiere a la documentacin visual de una accin una inestabilidad que no se suele ver en el resto de publicaciones impresas, ni siquiera las relacionadas con el mundo del arte. Esta nocin la la de que no todo est en las pginas, la de que se hace inevitable un discurso externo, y la de que no se est hablando desde la

soledad y el silencio, sino desde un coro de multiplicidad de voces y lenguajes lenguajes quizs pudiera ser la mayor aportacin de lo performativo a la hora de abordar un procedimiento editorial. Pero ahora que, por otras cuestiones, se est empezando a cuestionar tanto la funcin como el carcter privilegiado de las publicaciones impresas, tambin se podra argumentar que desde el campo del arte de accin ya se ha dado con modos completamente desmaterializados y efmeros de abordar la cuestin. Qu manera ms performativa puede haber de abordar una publicacin que una Revista Caminada? La Revista Caminada de Madrid acaba de cumplir 15 ediciones, y debo reconocer que en la actualidad es uno de los pocos formatos de produccin y recepcin del arte de accin por el que no haya perdido inters.

estamos asomndonos a un abismo? son ideas mas? en trminos ms concretos: no soy un ente monoltico, eh! no lo soy.

Kamen Nedev

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DEL UNO AL 10 1. Reinterpretar la realidad construyendo o reconstruyendo conceptos mediante lo efmero del tiempo real, del cuerpo y de un contexto socio-espacial socio espacial determinado. 2. Sin embargo, en muchas ocasiones, no se reinterpreta nada, no se representa; se juega ms bien al despiste para iniciar un camino que no es siempre el mismo. 3. Ya lo tengo: se cambia como las estaciones, vamos a contar: se aleja de lo medible y se transita por terrenos yermos o sorprendentemente 1. me aburro exuberantes. Absurdos, tambin. 4. Hoy 2. no quiero, hoy no no me desnudo. 5. Me aburro. 6. S, claro, 3. no es poesa, ni teatro. siempre fuera del mercado. 7. No, no quiero 4. ven, acrcate entenderte ni que me entiendas. Maana, 5. tcame ms con suerte, habremos olvidado todo. 8. No mucho ms es poesa. Ni teatro. 9. Producimos desde la no-trascendencia no trascendencia de lo no no-objetual, objetual, pero no por ello somos algo sublime. Y mira que es agradable ser una huella! Aunque sea pequea. 10. Ven, acrcate, si quieres, y tcame. Esto es para consumir ahora. Difcil, parece, llevarlo al papel impreso. Ya sabes que si bien puede convivir con la eternidad, no soporta el paso del tiempo.

Carlos Tejo

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tripulacin de cabina entrando en pista para despegue buen vuelo debajo del asiento si tienen alguna duda buen vuelo para inflarlo nunca debe inflarse dentro del avin dejando visible las mscaras de oxigeno respiren con normalidad para respetar a todos y dar otro aire a Barajas existen puntos de fumadores respiren con normalidad descenso al aeropuerto de Madrid parte posterior electrnicos gracias abrchense el cinturn de seguridad los mantengan desconectados gracias tengan en cuenta que durante el despegue y aterrizaje la apertura de puertas hasta llegada que sea de su agrado que encontrar en la bolsa delantera a continuacin vamos a realizar una demostracin seguridad dos ventanillas de emergencia sobre las alas todas las salidas incluso la ventanilla dispone de una rampa el chaleco salvavidas se encuentra situado se introduce la cabeza por la apertura tambin podr inflarlo soplando por el tubo no se levanten hasta que el avin se haya parado preparar cabina para el despegue en caso de despresurizacin de la cabina mscaras de oxgeno y feliz horario: vuelo para soltarlos levante la lengeta del enganche muchas de 10 a 14 h gracias por su atencin de y de 17 a 20 momento nos encontramos en sbados cerrado. nuestro nivel de crucero pies y feliz vuelo

Pere Sousa

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DE LO PERFORMATIVO EN LAS REVISTAS Siempre ha sido performtico lo de pasar las pginas. Tambin coleccionar revistas es performtico. Y encuadernarlas y exponerlas. Como objeto en s mismo son recortables, apilables, amontonables, rompibles... Luego estn las revistas caminadas, que son una deriva en s mismas y las revistas habladas que organizaban poetas antiguos. Yo estoy pensando en convocar una revista en autobs. Ser una deriva cmoda. Pero si hablamos de revistas objeto o revistas revistas-ensamblaje, ensamblaje, lo performativo se amplia, porque no slo se produce una vez editada la revista sino que empieza desde el momento de su materializacin. Pegar, coser, juntar, ensobrar, encajar, embolsar, enfilar, apilar, doblar, recortar, contar, y un sin nmero de operaciones que hay que hacer para montar cada ejemplar y que suelen convertirse en una performace colectiva llena de chcharas y bromas. Finalmente el lector/receptor lector/receptor deber a su vez abrir, desplegar, separar, mirar al trasluz, romper y rasgar, jugar, completar, elegir y un etctera tan largo como la imaginacin del editor-es editor es le proponga y su humor le aconseje. Pero, como siempre, lo ms performativo es soar con hacer las cosas. Y no se necesitan ni teoras ni ms material que el muy difuso material de los sueos.

pegar coser ensobrar encajar enfilar apilar. te voy a convocar a mi autobs.

Hilario lvarez

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Y s, la performance parece todo lo contrario al mundo impreso, y qu va. Hiptesis 1: Una performance sucede en el tiempo. Hiptesis 2: Editar un zine es ordenar tipogrficamente el tiempo alrededor. Hay quien puede calificar lo impreso de constancia, de eternidad incluso; pero un zine es un momento, es actualidad de una accin conjunta en el espacio. La gente se encuentra y se revista. Para comunicar su gesto, la gente escribe. Escribe sobre el gesto o a propsito del gesto. La edicin underground se esfuerza en hablar de una accin efmera, la de la cultura que est, que ya est siendo, que se va, que se va yendo...

-tesis tesis 1: una performance sucede -anttesis anttesis 1: ordenar es editar tipogrficamente el tiempo alrededor -sntesis sntesis 1 1+1 1 = la performance ordena el tiempo, pero un zine es un momento edicin/accin accin/edicin edicin/accin/edicin/accin accinaccinaccinedicin

Por otro lado, qu si no una accin es el manifiesto futurista? Qu si no un texto editado por Le Figaro? Edicin o accin? Edicin y accin. Futurismo.

Mara Salgado

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La cuestin imprescindible es estar vivo. El performance, como la vida, ni se repite, ni vuelve, ni se posee, ES un tiempo limitado que ha tenido un antes y tendr un despus. Durante este margen la performance bien se puede entender como una forma de edicin con la EXPERIENCIA y la PRESENCIA, tomar CONCIENCIA de estar vivo provocando ciertas SITUACIONES que en la rutina cotidiana sean ms difciles de darse y sobre todo de experimentar COMPARTINDOLAS con ms personas. Como si nos permitiramos escoger ciertos momentos para guionizarlos y editar el hecho de VIVIR, te vi en el autobs decidir el OCURRIR y el HACER. llevabas una bolsa blanca La performance ocurre, nos ocurre, -te te estoy esperando esperandopor eso no vale ni que lo expliquen ni que te lo cuenten. Se convierte en el lugar de lo irrepetible, lo personal e intransferible, el terreno de lo imposible de poseer o intercambiar; por formato obliga a experimentarlo en viva piel cualquier otra cosa sera otra cosa. Simplemente infrmese usted del programa performtico de su entorno y acuda, se encontrar con algo que le guste o no, entrar a formar parte de las cosas que han pasado en su vida. Puede optar por HACER o no, llegar ms o menos lejos, repetir o salir espantado, haga lo que haga se ver obligado a REFLEXIONAR sobre el tipo de postura o actitud que adopta para ESTAR sobre la tierra y SENTIR el aire que le rodea.

Beln Cueto

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PERFORMANCE COMO UNA HERRAMIENTA DE EDICIN Si hacemos abstraccin de cualquier elaboracin terica, y sobre todo de las interpretaciones simblicas y parateatrales, el arte de accin en el siglo XX puede verse como una serie de lecturas atpicas de los cdigos establecidos, y prcticas autorreferentes con el espacio, el tiempo y las personas. La proximidad, incluso las coincidencias, tanto en formas como en personas con otras manifestaciones tpicas del siglo XX, como el arte conceptual, el arte de procesos, la poesa visual, el poema poema-objeto, objeto, y de forma muy especial, con el libro libro-objeto, objeto, etc, nos indica que estamos ante una nueva formulacin de las producciones estticas. Los tres componentes definitorios de la accin (ya sea un evento, un happening o una performance), el tiempo, el espacio y las personas pueden convivir con cualquier otro componente, ya sea de la vida cotidiana o de montajes espectaculares. Y de hecho la frmula de la accin pronto se introduce (como en el teatro Dad) como propuesta (posible o imposible), y como literatura. Las revistas revistas-objeto, objeto, ensambladas o articuladas son, en el terreno editorial una versin performtica, en la que la utilizacin de la tecnologa permite extender en el tiempo su recorrido, y alcanzar espacios no previsibles en las performances tpicas. A cambio, la unidad de tiempo y lugar queda abolida. Para una publicacin peridica institucional, las posibilidades que abre la performance se limitan por la imposibilidad o la dificultad de interpretar atpicamente sus propios cdigos. Pondr un ejemplo: a mediados de los aos noventa, Arteleku compr una serie de libros entre los que estaba la segunda edicin de mi libro La depresin en Espaa. Tras la recepcin, una atenta seorita llam por telfono para indicarnos que quera devolver este libro porque porque estaba totalmente tachado tachado. . Se acept su propuesta, con la condicin de que indicara en la carta de devolucin el motivo aducido. El libro lleg con la carta, en la que tan slo se indicaba que se devolva segn lo acordado en la conversacin telefnica.

con con sistencia con-sistencia consistencia la proximidad y tres componentes dad la depresin en espaa hay ms ejemplos.

Fernando Milln

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lo personal es poltico mi cuerpo es poltico la obra es poltica dentro de la utopa de que podemos cambiar el mundo con nuestra vida/obra/acciones/trabajo... lo que leemos, lo que vemos, lo que consumimos, donde nos movemos, lo que pensamos, lo que hacemos y cmo lo hacemos, lo que decimos y cmo lo decimos, a quin va dirigido, todo tiene su significante y significado, su cdigo y su poder transformador y autorreferencial. Coherente es deconstruirlo, analizarlo y reconstruirlo para saber en donde estamos y qu/ quines/cmo somos y queremos hacer. mujeres altas mujeres bajas el el concepto de mujeres utpicas performance como una polticas: actividad de edicin edicin de nuestra cultura estoyrodeadademujeresquehuelenasopa visual cotidiana. Como una herramienta para re -interpretar interpretar la cultura visual con y a travs de la que vivimos vivimos... ... Considero que nuestra cultura visual COTIDIANA nos reconduce a unos modelos conservadores y patriarcales + nuestra cultura COTIDIANA es eminentemente visual. As, la valoracin de la implicacin directa de los consumidores consumidores de imgenes es que la accin es una sacudidora de conciencias, haciendo pasar a los sujetos de rol pasivo a irremediablemente implicados en lo que estn viendo por su dimensin fsica (tocar, oler, el paso del tiempo, etc.) por lo regular ninguneada pero muy poderosa. Su poder revulsivo y repulsivo, transformador. Pongo en consideracin: la sensacin de cada vez ms performance domesticada: domesticada : que no manche, que no deje olor, que todo se quede como estaba, que no tenga desnudos, ni sonidos corporales o palabras ofensivas, etc. Nos lo venden como respeta respeta el emplazamiento, la sensibilidad, que nos vuelvan a ceder el espacio o nos den dinero de nuevo... nuevo.... . Esto es normalizar, transformar una experiencia en algo visual, por lo tanto normalizado y mucho ms inofensivo. Mara AA

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La Bote en Valise de Marcel Duchamp es un claro ejemplo de deconstruccin de una exposicin. La Ms Bella es una performance deconstruida que rompe todos los esquemas, tambin los comerciales.

un praxinoscopio es un ejemplo sobre cmo romper los

esquemas.

Luan Mart

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PERFORMANCE es: el recorrido mental entre el recorrido mental entre P . . . . . . . . . E P . . . . . . . . . E el recorrido mental de P+ E+ R+ F+ O+ R+ M M+ A A+ N+ C+ E

nunca has estado en una performance? no he estado en la india y en frica del sur

Concha Jerez

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toda una experiencia no te arrepentirs de los dems!

CMO EDITAR UNA ACCIN? El arte de accin es efmero por naturaleza, de ah muchos deducen que no puede documentarse ni transmitirse, que se trata de una experiencia intransferible Desde AIRE (revista y archivo) la cuestin seria otra en trminos de arte de las ideas que funciona a travs del mecanismo de comunicacin emisor-receptor. emisor receptor. Desde esta perspectiva la fotografa, pero tambin el texto y el impreso son un terreno ptimo para la comunicacin del arte de accin, incluso un espacio ideal que permite la foto -accin accin y el impreso impreso-accin. accin. En todo este asunto, la fotografa documental, incluso a travs de la secuencia y toda la gama de colores posibles es la ms cuestionada, pues siempre requiere de la muleta del texto o pie de foto y de tener presente el filtro (punto de vista) del que la documenta, pero por lo dems, no es siempre as en todos los otros procesos comunicativos? Recordar la sabia advertencia de Marcel Duchamp: las las obras las completan los dems dems

Joan Casellas

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La performance es un territorio encrucijada de mltiples disciplinas artsticas: el arte sonoro (en s mismo otra encrucijada), la danza, el mimo, la prestidigitacin, el teatro, el circo, la conferencia, el concierto. Todo eso y ms cabe en una performance, que a todo otorga un estatuto propio y que es a su vez una integracin coherente de acciones unitarias. (Ya s que no he definido lo que es la performance, pero es que eso mejor lo hacis los que sabis de esas cosas...).

(y se tumba en la conferencia sin quitarse los zapatos ni apagar la luz)

Jos Iges

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camiones y autobuses en toda la poblacin

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Dear Friends Frien nd s engl en english glis gl ish is h translation tran tr ansl an slat sl atio at ion io n la ms bella + roxana popelka pop pelka + 16 dear dea ear r fr friends frie iend ie nds nd s

and through which we live. We are therefore interested in the process you use in publishing your magazine magazine. . Having examined this hybrid hybrid question a bit, we thought we might prepare a playful playful text-story-account-score, text story account score, using any answers/opinions/words/voices that you, our friends and contributors as performance artists and/or publishers, might have on this subject/concept With the words we receive we will fi t/tie together a single collective article, as a sort of (un)walked (un)walked magazine, magazine , part Babelic, part synchronic as La Ms Bella Bellas s projects have always been and in some way close to performance art itself We have also asked Roxana Popelka to prepare a poetic common common body body of the result, which will in some way act as container, pagination, cover, back cover, etc. We need your words as soon as possible. Sorry to rush you. Love. La Ms Bella

1st obstacle:

2nd obstacle:

3rd obstacle:

4th obstacle:

plans and hopes carried him through the darkness. when it began to rain the calendars were stopped. he saw out of the corner of his eye that she was moving. the rain fell heavier, prudently he slowed down. the frozen place was dry.

These were the thoughts that tormented him as he drove on through that tarry darkness. that tarry darkness tarry tarry darkness. a leap into the unknown it is not a known place.

Dear friends, We have received a request from Arteleku Artelekus s Zehar r magazine to submit a piece. The letter reads as follows: In In this edition of Zehar r, we want to examine and implement the concept of performance art as a publishing tool, helping us to publish material from our everyday visual culture in new ways and so re re-interpret interpret the visual culture with

It is not a known place. One goal would be to become aware of the process, in all its experience, without fearing the perplexity caused by understanding that the performance piece/work is hidden in the darkest and most and unknown place in our self/body/workshop... This leap into the unknown leads us to discover that by shaping and transferring

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concepts to visible forms, they are translated, probably and hopefully, into an everyday language; later, if it is appropriate, there may be a literary or educational analysis. The process can be interpreted by revisiting several past experiences. One performance piece leads to another; they are pages that follow on one another, chapters, books, but I dont don t know where they are leading. Who cares! I like going somewhere... On isolated (though nonetheless important) occasions, the use of performance art to denounce/exhort some specific situation with great energy (always), distances us from the mysterious experience, possibly because of the currency and specificity of the cause being championed. Carlos Llavata

with no sounds to attend to? just two things: 1st it contains. 2nd it does not contain.

In our deafening and insistently audio-visual audio visual context, where nonetheless the term LO LO AUDIO AUDIO [that which is audio] is used and conceived as an inventory title, we need to remember two things that your paragraph neglects to mention: a) the score score element or protocol of action to be followed, tends to be important when performance art pieces are being devised, and b) in a culture as hybrid as ours, performance or action art also contains (or may contain) an explicitly or implicitly sound element whatever whatever medium it may use: we say this in order to complement your solely and partially visual visual approach: Who could conceive of life without sounds to attend to? Lloren Barber

stop... look understand. choose now and don dont t mortify yourself.

STOP without prejudice; LOOK around you carefully; UNDERSTAND well what you sense from the heart; CHOOSE conscientiously; NOW: answer one of them, facing up to them with some action or benefi t. DONT DON T MORTIFY YOURSELF. If you want to edit this score: read it and/or print it out and/or activate it. Yolanda Prez Herreras

time runs it runs like a way of moving, it runs yes, it runs. anyone who considers it to be valid, or not. is all one.

...I think performance art always runs with the times (or the times run, because the action runs). In any case, time is unquestionably performative. Here, in the intermediary territories we occupy, I think we keep doing the same thing with the media provided by the times. What we actually do, whether it is action, curating, self self-management, management, research, publication, documentation or anything we happen to consider valid, is all one. It represents a way of moving through life and art

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which in recent times appears to be acquiring a public visibility that we might call an acceptable medium. If this is true, then in the immense majority of cases, it is due to the persistence (and the resistance, for we should not forget that we were re talking about militant art) of those of us involved. I think we have made a lot of headway in the fi eld of publishing in recent years, in that I sense that profi les and outlines have been widely laid down. This has come about on the one hand, because of the need to provide greater visibility to work that has already accumulated quite a few elements of action and that has a lot to say; and on the other hand, I think, because other paths have opened up for addressing the idea of performance or action art. It is also important to note the essential role events of all types play in supporting and disseminating performance art, and also to highlight certain educational initiatives and tools that make it easier to approach approach our work and build a rapprochement between it and what happens in life and art more generally. It is here that publishing, as a non non-ephemeral ephemeral element, has a very signifi cant role to play... Rubn Barroso

idea could be brought into the publishing arena by applying procedures and criteria derived from the underground press and the mail mail-art art zines (assemblage, collage, sedimentation, exquisite corpse, etc.), or techniques closer to the specifi c performance art area, such as instruction/protocol work. In the latter case, the side-effect side effect of the complex relations between action art and the print media is interesting. As is well known, any documenting, however necessary it may be, of an action (be it an action carried out in another context, in other words an action conducted specifi cally for the same print medium, or a photoperformance), photoperformance ), is always incomplete, fragmentary and metonymic. This confers upon the visual documentation of an action an instability that is not generally seen in other print publications, even those related to the art world. This notion that that not everything is on the pages, that an external discourse is inevitable, and that it is talking not from a position of complete solitude and silence, but from an ensemble of multiple voices and languages languages might be the greatest contribution of performance art when it comes to the publishing procedure. But now that (for other reasons) people are beginning to question both the function and the privileged nature of the print media, one might also argue that the fi eld of action art has already found completely dematerialised and ephemeral means of addressing the issue. What more performance performance art art way of addressing a publication could there be than a Walked Magazine? Madrid Madrids s Revista Caminada has just brought out its fi fteenth edition, and I must confess that it is one of the few art production and reception formats in which I have not yet lost interest. Kamen Nedev

are we looking out over an abyss? is it just me? in more specific terms: i am not a monolithic being, right? im i m not.

Questions like these make you feel as if you youre re staring out over an abyss. So, on paper, you could argue that what performance art (or the performance art way of going about things) can contribute to a publishing process is its inherent heterogeneity and its interdisciplinary nature. Action art has never been monolithic, and it has always been accompanied by other channels and formats of work. In more specifi c terms, the performance art

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let s count: lets 1. i im m bored. 2. i don dont t want to, not today. 3. it its s not poetry or theatre. 4. come closer. 5. touch me more much more.

FROM ONE TO 10 1. Reinterpret reality by constructing or reconstructing concepts through the ephemerality of real time, of the body and of a given socio socio-spatial spatial context. 2. However, on many occasions, nothing is reinterpreted, nothing is represented; rather the purpose is to distract in order to start a path that is not always the same. 3. I have it: it changes like the seasons; it shuns the measurable and travels across barren or surprisingly lush terrains. Absurd ones, too. 4. Today I shall not get undressed. 5. I Im m bored. 6. Yes, of course, always outside the market. 7. No, I dont don t want to understand or for you to understand me. Tomorrow, if we were re lucky, we well ll have forgotten it all. 8. It is not poetry. Or theatre. 9. We produce from the non non-transcendence transcendence of the non non-objectual, objectual, but that doesn doesnt t make us something sublime. And look, it its s being a footprint! Even a small one. 10. Come closer, if you like, and touch me. This is for immediate consumption. It seems diffi cult to transfer it to the printed page. You know that although it can coexist with eternity, it does not bear well the passing of time. Carlos Tejo

cabin crew entering in line for take-off take off good fl ight under the seat if you have any queries good fl ight to infl ate do not infl ate your lifejacket until you are outside the aircraft ensuring that are visible the oxygen mask breathe normally for the good of everyone and to give Barajas a new air smoking areas are provided breathe normally descent to Madrid airport on the back electronic thanks fasten your safety belt switched off thank you remember that during take take-off off and landing doors opening until you reach hope you enjoy you will find in the pocket in front of you we are now going to review the safety procedures two emergency window over the wings all exits including the window have a ramp the life jacket is located slip it over your head you can also infl ate it by blowing into the tube remain seated until the aeroplane has come to a complete halt prepare for take off in the event of a loss of cabin pressure oxygen masks and good fl ight to release it, lift the upper portion of the buckle than you for your attention for the time being we are fl ying at our cruising altitude feet and good fl ight Pere Sousa

paste stitch stuff in envelopes fit line up stack im i m going to call you to come on my bus.

OF PERFORMANCE ART IN MAGAZINES Turning the pages has always been an act of performance art. Collecting magazines is performance art too. And binding them and exhibiting them. As an object in themselves they are cut-outs, cut outs, stackable, pileable, breakable... Then there are the walked magazines, which are a variation in themselves and the spoken

times: 10 am - 2 pm and 5 pm to 8 pm closed on saturday.

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magazines organised by ancient poets. I am thinking of organising a magazine on board a bus. It would be a comfortable variation. But if we are talking about object magazines or assemblage-magazines, assemblage magazines, the performance art aspect becomes wider, because not only does it happen after the magazine has been published; it begins from the very moment its starts being made. Paste, sew, join, stuff in envelopes, fi t, bag, thread, stack, fold, cut, insert, and any number of operations that need to be done to put each edition together, and which usually become a collective performance full of chatter and jokes. Finally the reader/receiver reader/receiver must in turn open, unfold, separate, look against the light, tear up, play, complete, choose and a list of actions as long as the editors editors imagination can come up with or as their mood takes them. But, as always, the most performance art thing to do is to dream about doing the things. And you dont don t need theories or any material apart from the very diffuse material of dreams. Hilario lvarez

- Hypothesis 1: A performance event happens in time. - Hypothesis 2: Editing a zine means typographically ordering the time around. There are people who may classify the printed word as constancy, even as eternity; but a zine is a moment, it is the present of an action set in space. People meet and they review each other. To communicate their gesture, people write. They write about the gesture or a propos of the gesture. Underground publications make an effort to speak of an ephemeral action, that of the culture that is there, that is already being, that is leaving, that is in the process of leaving... At the same time, what is the futurist manifesto if not an action? What else is a text published by Le Figaro? Publication or action? Publication and action. Futurism. Mara Salgado

- thesis 1: a performance art piece happens. - antithesis 1: ordering means typographically publishing the time around. - synthesis 1 + 1 = the performance piece orders time, but a zine is a moment. publication/action action/publication publication/action/publication/action actionactionactionpublication

I saw you on the bus You were carrying a white bag Im I m waiting for you you

The essential thing is to be alive. A performance art piece, like life, is neither repeated, nor does it return, nor is it possessed; it IS a limited time that has had a before and will have an after. In this margin, the performance piece can either be seen as a form of publication with EXPERIENCE and PRESENCE, becoming AWARE of being alive causing certain SITUATIONS that in the everyday routine are less likely to happen and especially to experiment BY SHARING THEM with other

And yes, the performance looks quite the opposite to the printed world, and no way.

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people. It is as if we allowed ourselves to pick certain moments and script them and publish the fact of LIVING, deciding on the HAPPENING and the DOING. The performance art piece occurs, occurs to us; that is why it is not enough to have it told or explained to you. It becomes the place of the unrepeatable, the personal and non-transferrable, non transferrable, the terrain of that which is impossible to possess or exchange; by its format it obliges us to experience it in our own fl esh; anything else would be something else. Just check out the programme of performance art events in your area and go along; you will find something that, regardless of whether you like it or not, will come to form part of the things that have happened in your life. You can choose to DO or not, go as far as you like, repeat the experience or escape in horror; whatever you do, you will be forced to REFLECT on the type of position or attitude you adopt TO BE on the earth and FEEL the air around you. Beln Cueto

and self self-referencing referencing practices with space, time and people. The proximity, even the coincidence, both in forms and in people, with other typical twentieth century manifestations, such as conceptual art, process art, visual poetry, the object-poem, object poem, and very particularly, with the object-book, object book, etc. shows us that this is a new formulation of aesthetic productions. The three defining components of the action (whether it is an event, a happening or a performance), that is, time, space and people, can exist alongside any other component, whether it is from everyday life or through spectacular montages. Indeed the formula of the action is soon introduced (as in Dada theatre) as a proposal (possible or impossible), and as literature. In the publishing fi eld, object-magazines, object magazines, assembled or articulated, are a performance art version, whose time time-span span can extended through the use of technology, to reach areas that would be unattainable for typical performance art pieces. In exchange, the unity of time and place is lost. For an institutional periodical publication, the possibilities opened up by performance are limited by the impossibility or diffi culty of interpreting its own codes atypically. Let me give you an example: in the mid 1990s, Arteleku bought a series of books, including the second edition of my book La depresin en Espaa. After the reception, a polite young lady phoned me to tell me she wanted to send the book back because because it had all been crossed out out. . We accepted her request, with the condition that she state her reasons for returning it in the covering letter. The book arrived with the enclosed letter, which, however, simply stated that she was sending it back as we had agreed on the phone. Fernando Milln

con con sistency con-sistency consistency proximity and three components dada la depresin en espaa there are other examples.

PERFORMANCE ART AS A PUBLICATION TOOL If we make an abstraction of any theoretical preparation, and particularly of symbolic and para-theatrical para theatrical performances, action art in the twentieth century can be seen as a series of atypical interpretations of established codes,

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tall women small women utopian women policies: iamsurroundedbywomenwhosmellofsoup

again or that they give us money again... again.... . This is normalising, transforming an experience into something visual, and therefore normalised and much more inoffensive. Mara AA

the personal is political my body is political the work is political within the utopia of being able to change the world with our life/oeuvre/actions/work... what we read, what we see, what we consume, where we move, what we think, what we do and how we do it, what we say and how we say it, who it is addressed to: everything has its signifi cant and its signifi cate, its code and its transforming and self self-referential referential power. It would be consistent to deconstruct it, analyse it and reconstruct it to know where we are and what/who/how we are and what we want do. concept of performance art as a publishing tool, concept helping us to publish material from our everyday visual culture in new ways and so re re-interpret interpret the visual culture with and through which we live live I consider that our EVERYDAY visual culture redirects us towards conservative and patriarchal models + our EVERYDAY culture is eminently visual. So, my assessment of the direct involvement of the consumers consumers of images is that the action is a stirrer stirrer-up up of consciousnesses. It takes the subjects from a passive role to being inescapably engaged in what they are seeing through its physical dimension (touch, smell, the passage of time, etc.), generally ignored but very powerful. Its power to revolt and to repel, to transform. I offer up for your consideration: the sensation of an increasing amount of domesticated domesticated performance art: performance art that doesnt doesn t stain, that leaves no odour, in which everything is left as it was, with no nudes, no body sounds or offensive words, etc. It has been sold to us as respecting respecting the venue, sensitivity, ensuring that they let us use the space

a praxinoscope is an example of how to break the moulds.

Marcel Duchamps Duchamp s Bote in Valise is a clear example of deconstruction of an exhibition. La Ms Bella is a deconstructed performance that breaks all the moulds, including the commercial ones. Luan Mart

have you never been at a performance art piece? no i have been in india and south africa.

PERFORMANCE is: the mental journey between P . . . . . . . . . E the mental journey between P . . . . . . . . . E

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the mental journey of

P+ E + R+ F + O+ R+ M+ A+ N+ C+ E Concha Jerez

(and he lies down at the lecture without taking off his shoes or turning out the light)

quite an experience you wont won t regret it for the others!

Performance is a crossroads of multiple artistic disciplines: audio art (in itself another crossroads), dance, mime, prestidigitation, theatre, circus, lecture, and concert. All this and more has a place in a performance art piece, which gives everything its own status, and which is in turn a consistent integration of unitary actions. (I know I havent haven t defined what performance is, but its it s better if you who know about those things do it...). Jos Iges

HOW CAN YOU PUBLISH AN ACTION? Action art is ephemeral by nature and many commentators deduce that it cannot be documented or transmitted, i.e., that it is a non-transferrable non transferrable experience From AIRE (magazine and archive) the serious issue is different in terms of ideas art, which operates through the mechanism of transmitter transmitter-receiver receiver communication. From this perspective, photography, but also the text and the printed word are a perfect terrain for communicating action art, including an ideal space that allows the photo photo-action action and the print print-action. action. In this whole business, documentary photography, even through the sequence and the whole range of possible colours is what is most often questioned, since it always requires the crutch of the text or caption and must take into account the fi lter (point of view) of the person documenting it, but is this not always the case in all other communicative processes? Remember Marcel Duchamps Duchamp s sage advice: works works are completed by other people people Joan Casellas back cover // advertising trucks and buses in the whole town

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What can a study of performance contribute to art education? What are performance studies and what is the object of their study? What relevance do performance studies have for history of art, visual culture, theatre, thea atre, tre philology, phi hilo lolo logy gy, , philosophy, philosophy y, anthropology anth an thropo p lo ogy and and education? edu duca cati tion on? ? What What has has been n the a att ttit itud ude e of f playwrigh hts ts, , an anth thro ropo polo logi gist sts, s, a art rtis ists ts a and nd e edu duca cato tors r to per erfo fo orm r an nce s stu tudi tu dies di es? s? What is th the e re rela lati tion onsh ship ip b bet etwe ween en t the he s stu tudy dy of d am dr ama a an and the stud dy of per er rfo f rman ance an ce a art rts rt s an and dp pe er rf for orma mati tivi ti vit vi ty? ty?

Ju udi dit t Vidiell la

\ Corpus Deleicti Performace Workshops, 2007. [Judit Vidiella]

Scenarios and actions for a theory of performance]Judit Vidiella

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\ Corpus Dele eict icti Perf erformace Workshops, 200 007. 7. [Ju [Judit dit Vi Vidie diella lla] ]

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Over the last forty years, the metaphor of theatricality has gradually extends from the terrain of the arts to other areas of knowledge in social sciences: sociology, anthropology, linguistics, philosophy... This re-territorialization of performance has led to a reappraisal of the political status of the theatre, in a context in which both terms have been redened in relation to the other. Because of its nature as a repeated construction it has often been conned to the fringes, especially in light of the anti-theatre prejudice that has dominated the social sciences for quite some time1. But experiences such as direct action, political aesthetics and the practices of [feminist] embodiment have blurred the divisions between spectacle and reality, and the boundaries between art, life, politics and ction. For performances are also essential acts of transferral and transmission of social knowledge, of cultural memory and a sense of identity, etc., which are perpetuated through repeated actions, which have come to be called cultural performances2, social performances3 and social dramas4. From this point of view, performance is at the same time a practice and an interpretative methodology, which allows us to analyse the majority of everyday events and behaviours as performances. Dwight Conquergood5 dened the possibilities and characteristics of performance art using a series of alliterations: the is as in imagination, inquiry, and intervention; the a's as in artistry, analysis and activism; and the cs as in creativity, criticism, citizenship. The many derivations of the term, nearly a philological exercise of disciplinary translations, mean that the history of the practise of performance art is replete with strange transferrals that some critics have censured for their lack of denition at the disciplinary borders. Imported into a Spanish context, it has been referred to basically as performance art or action art, although this is only a minute part of what performance studies actually encompass. In this short cartography of the term, there is also another bastard concept: performativity, which has radically transformed both the approach to artistic practices of performance in contemporary art and the very conceptualisation of the conguration of subjectivities in daily life, the policies and aesthetics of experimentation by minority [queer] groups. Revisions of John Austins work by philosophers such as Jacques Derrida and Judith Butler have eclipsed other minor localisations of the term performativity, such as those offered by Lyotard and Marcuse, who dened it as the mechanism of operativity and functioning in the postmodern era characterised by the power-knowledge relationship where education and data optimisation, knowledge and information, legitimise each other through a series of repetitions subjected to parameters of productive effectiveness (economic, symbolic, political, etc.).

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This territorial conquest by linguistic contributions that dene the performative as a quality more of discourse than of performance has made it difcult to reclaim the use of performative in the terrain of performance. Some authors, including Diane Taylor, have proposed using the adjectivised form the performative, which encompasses both the discursive and the embodied dimension. Accustomed to the potential connections between theory and activism, many performers saw this linguistic advance as involving a certain political paralysis, mainly because the distinctions between performance and performativity were not clear. [...] Performance is going to become one of the buzzwords of the twenty-rst century, associated not only with the experimental art, but also with an analysis of functionality in capitalist technological and economic systems; with linguistic formations; with workforce regulation and with the regulating repetitions of gender, race and sexuality... In a kind of futuristic prediction, Jon McKenzie envisaged that performance will be to the twentieth and twenty-rst centuries what discipline was to the eighteenth and nineteenth centuries, that is, an onto-historical formation of power and knowledge6. He suggested three paradigms of investigation from which to build a general theory of performance and understand its links to education, technology and labour in contemporary post-Ford societies. These three systems are constituted by means of performative processes of repetition and optimisation of data, of performance, of cultural, economic, political effectiveness, etc.: 1. Performance Management: organisational performance, of management and administration of multinationals, company administration and management posts, etc. 2. Techno-Performance: studies the operating ability of technological devices in everyday life (testing), telecommunications and the development of military and government technology, etc. 3. Performance Studies: analyses cultural performance rituals social and artistic practices and performative acts that make up our identity with regard to a series of corporal regulations. McKenzie nds similarities in their respective operating systems, governed according in terms of efcacy, efciency and effectiveness. In the organisational-manufacturing system: efciency in the organisation in terms of bureaucratic economy. In the technological system: effectiveness in technical execution. And in the case in hand the production of cultural capital and cultural performances effectiveness

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in terms of social and political justice, as well as effectiveness in the artistic execution of the performance, and in the transformation of the audience. Because the cultural paradigm has lived in a fantasy of permanent transgression vis--vis the other two systems, regulated more by institutional and economic relations. If, as Lyotard says, performativity is the postmodern condition, McKenzie attributes the fact that this regulatory feature has been ignored in performance studies precisely to the paradigmatic condition of the eld, i.e., to the machinery of these studies which are programmed to generate a type of narrative that does not match this more regulatory vision of the performance. This has been a serious omission on the part of a generation of theoreticians and artists who may have been too optimistic in theorising exclusively on the resistant and subversive part of performance. The repetition of these dissident features has overshadowed other performance genealogies, localisations, discourses and practices which could also form part of the constitution of the eld. Thus, the language of subversion will accompany and coexist in a complicated fashion with the language of academic institutionalisation, which has turned the transgressive and effective security of the performance into a liminal norm. The pedagogy of performance should make it possible to analyse critically the social dynamic through which we are constituted by means of what one might call unteaching acts, contact pedagogies7, or aesthetics and policies of experimentation, which see in performance a reproductivenormative component and at the same time a reective potential to deconstruct hegemonic representations and practices. [...] In both the US and the UK, performance art was developed more extensively in the eld of the visual arts than the dramatic arts. This genealogy may helps us understand why performance artists have historically tried to distinguish what they do from traditional dramatic arts in a context imbued by a certain anti-theatrical prejudice, suspicious of any cultural norms and methodological practices that might in some way be related to spectacle, simulation, masquerade... The paradoxical thing about this dissident position is that precisely at the time of the greatest boom in performance art, the avant-garde visual arts also built their identity in opposition to the theatrical and the performative, especially as a result of art critic Michael Frieds article Art and Objecthood (1967), which characterises the transfer from modernism to postmodernism in the visual arts as theatrical, in a clearly disparaging adjectivization. This tendency among new disciplinary formations to disqualify their relationship and afliation with previous formations ends up homogenising the genealogical lines and traditions from which they

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are supposed to be breaking away, often as a strategy for consolidating their own eld. Even so, there have been artists and theoreticians who have sought to recover minor genealogies in order to open up new possibilities of hybridization in performance and theatricality, exploring unpredictable connections. Their efforts have centred on making visible the eccentric condition that both the dramatic arts and performance have had within the research areas of the humanities and, to a lesser extent also, in the panorama of cultural production and art education. [...] One of the peculiarities of performance art is its process-based and ephemeral nature. Because it coexists alongside loss and disappearance of bodies, texts and actions the moment and the experience generated become stronger than the register. This feature of performance has earned it a name for resisting capitalist hoarding regimes, although it would be naive to think that it does not participate in contexts of circulation of [cultural] capital and the xing of meanings and representations. Different theoreticians (Antonio Prieto, Jane Blocker, Peggy Phelan, etc.) and artists (Johannes Birringer, etc.), were to show an interest in the complicated connections between performance, repetition, register and representation, for example in the shift that occurred in the register of the performance, by decentring the auratic presence of the performers' bodies, as well as the unique experience in the audiences presencetestimony of the action taking place at that particular time. In this way, the importance of the action resides not only in the simultaneity and presence of the bodies present, but also in the historical nature and potential for other (posthumous) subjects who can generate other types of spectatorial encounters with this material. This is what has been termed prosthetic performance8 or performative writing9, whereby the practice of writing the performance serves not only to preserve, x and describe something, but precisely to re-produce it. As a result, the act of writing involves more the disappearance or production of other types of event, rather than a representation of the re-presentation. [...] Performance studies are committed to study the social construction of the relations that are erected around the systems of ideological belief they build for us, and which organise our experience through cultural representations, practices and regulations. They do so not only through artistic practice. In the educational context, the close relationship between performance and visual culture goes back to Visual Arts Education, when the rst American Theatre Department appeared in the School of Fine and

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Applied Arts in Carnegie Mellon University in 1914. A few years later, when performance emerged as a provocative tool for artistic innovation in the 1960s and 1970s, art schools considered it necessary to reevaluate their study programmes and teaching methods and incorporate performance into their art curricula. Indeed, performance studies, like visual culture studies, emerged in a period characterised by a revision of traditional academic disciplines10, and the cultural wars that took place at this time of professional and social opposition. Dened as anti-discipline, interdiscipline, post-discipline or even indiscipline, performance studies became consolidated from the 1980s on. This indiscipline has gradually extended territorially, especially in the United States, but also in other countries such as Australia, England, Scotland, France, Mexico and Brazil, among others. In the Spanish context, there is no eld of studies dened as such from which performers and theoreticians can explicitly recognise their afliations, although one could undoubtedly trace an emerging genealogy from which on might build a map of local practices. A similar process of hybridization occurred in the formation of visual culture studies. The publication of a questionnaire in October magazine in 1996 sparked heated debates on the need to incorporate changes in the curriculum. Some critics argued that visual culture had been built along the lines of anthropology (a criticism also levelled against performance studies because of their interest in ethnographic ritual and methodologies), which distanced it from a relationship with art history. They also warned of the danger of producing subjects for a globalised market, referring not only to the knowledge market, but also to the encouragement of objects of study linked to a market of consumer products and goods (advertisements, lms, etc.). [...] Hybridisations in the intellectual and artistic panorama of the 1970s and 1980s revolved around the three axes or cultural turns. These did not always co-exist peacefully, perhaps because of the anxiety in a changing context of academic struggles: 1. Those who stressed the importance of language as opposed to perception (the linguistic turn), and who emphasised the textualization of culture, producing a shift in emphasis from literature to popular culture, communication, creation of meaning, the circulation of discourses, the narrative constitution of subjectivity, the acts of speaking and writing, etc. In the specic case of cultural studies, they favoured a committed study of the literacy of the popular classes and an interest in the practices of reception, consumption and construction of meaning.

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2. Those who focused on the political implications of certain visual practices (the visual turn), centring on a study of images in relation to the circulation and power of mediation of the performances, the incorporation of pleasure into the forms of seeing and the practices of spectatoriality in the consumption of the visual, the formation of identity, etc. Just as there was a shift in cultural studies with regard to literature, in visual culture studies there was a clear need for a separation from art history, often unjustly condemned as being elitist because it ignored the contributions made by other minor enclaves, such as feminist and postcolonial art history. 3. Those who emphasised the forgotten role of the body (the theatrical turn), who highlighted the importance of embodiment practices and the use of theatrical concepts to understand current forms of identity conguration. In performance studies, the strongest points tended more towards a discussion on the embodiment of the discourse, re-presentation, identity, and the body, an analysis of the strategies through which power operates, the search for tactics of resistance and policies of experimentation, the gradual abandonment of theatre and the championing of performance and ethnography as a political practice, etc. [...] The emergence of performance studies coincided with a growth in personal narratives following the Second World War, when there was an increase in the number of people writing memoirs and autobiographies in the United States11. Together with the new identitary movements organised around civil rights, this fostered an interest in giving voice to the experience of subjects through narratives such as ethnodrama, dramatised biography, storytelling, etc. These narratives, which sometimes took the form of performances (mainly by feminist artists), highlighted the issue of the formation of subjectivity in relation to gender, sexuality, age, race, trauma, disease cultures, disabilities, etc. But it was not until the period after 1960 that performativity would become the prevailing model for understanding the articulation of the subject and identity in the contemporary world. Feminist performance criticism has made a fundamental contribution to the debate and to the growth in the practice of performance and theories on the constitution of subjectivity. From this perspective, the recovery of the artistic panorama of the 1960s and 1970s has highlighted not only the recovery of the role of women artists at a time when they were still very underrepresented in art institutions (schools, galleries, museums, criticism, historiography, etc.), but also their signicant contributions to experimentation with other types of artistic practice, where performance actions played a key role in championing body politics. In some institutions, the perspective of performance studies was adopted as a

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result of a feminist revision of the curriculum. One of the most signicant examples was the educational experience of Judy Chicago in 1970s. Beatriz Preciado has already written about this experience in the 54th issue of this magazine and there is therefore no need for me to go into greater detail about it here. What exactly do all these genealogies have to do with each other? Can a student develop his or her artistic practice while at the same time looking in greater depth at such different approaches? How is all this reected in the pedagogic strategies of performance studies? What is really the transforming capacity of performance studies when it comes to adjusting to specic needs and circumstances?

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Notes
1 Because of its association with artice, representation, mimicry, audience immediacy, etc. although more recently the theatrical turn in the social sciences has reassessed concepts that have come to form part of poststructuralist, postcolonial and feminist-queer theories, such as the masquerade, mimicry, performativity, drag. These are occasions through which we reect on ourselves and dene ourselves as a culture or a society, by dramatising our collective histories and myths, while at the same time through other alternatives, (religious festivities, rites, etc.) we also present ourselves with opportunities for change. Ordinary interactions from the day-to-day life of individuals, and their consequences. In most of these interactions, we are not fully aware that they are culturally regulated. The sociologist Erving Goffman was one of the most important theoreticians to use the dramaturgical model applied to social reality. The anthropologist Victor Turner tried to devise a model that would allow an analysis of way rites of passage were organised, in order to understand breakdowns in the social, personal, psychic and cultural unity of individuals and societies. The phase performance theoreticians were most fond of was the liminal phase, which furnished a model that could be used to theorise on the ways in which theatre and other types of art practice could transform individuals and society. In Madison Soyini and Hamera Judith (2006: xii) (Ed.) The Sage Handbook of Performance Studies. London: Sage Publications. McKenzie Jon (2001:18) Perform or Else. From Discipline to Performance. London and New York: Routledge. I have referred to these concepts in another writing event. See Y http://aulabierta.info/node/785 Cheng Meiling (2002) In Other Los Angeleses: Multicentric Performance Art. Los Angeles: University of California Press. See Pollock Della (1998) Performing Writing, in Phelan Peggy, Lane Jill (Ed.) (1998) The Ends of Performance. New York and London: New York University Press; Allsop Ric (1999) Performance Writing, in Auslander Philip (Ed.) (2003) Performance. Critical Concepts in Literary and Cultural Studies. Vol. II. London and New York: Routledge.

10 These disciplinary debates were initially led by two universities, New York University (NYU) and Northwestern University (NWU) in Chicago. 11 See Denzin Norman (2003) Performance Ethnography: Critical Pedagogy and the Politics of Culture. London: Sage Publications.

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Qu puede aportar el estudio de la performance a la Educacin Artstica? Qu son los Estudios de Performance y cul es su objeto de estudio? Cul es la relevancia de los Estudios de Performance en relacin con la Historia Hist Hi stor o ia del or del Arte, Art A rte, e, la la Cultura Cult Cu ltur ura a Visual, Visu Vi sual al, , el Teatro, Tea eatr tro, o, , la a Filologa, Filolo og g a, , la Filosofa, F lo Fi loso sof fa, a, la la Antr An tr rop o ol o og o a y/o / la Pe Peda d go da gog ga? a? Qu Q ac Qu acti titu tude d s ad de a op o ta t n lo los s dr d am mat atur urgo go os, an antr ntr t op pl log ogos os, , ar arti tist stas as, as , ed e uc u ad ador or res r res e pe es pect ct to a lo los s Es Estu t di tu dios os s de Pe Perf rf for o ma manc nce? e e? Y c cu u l es l la a re ela aci cin n e ent n re e nt el l es stu udi dio o de del l te teat atro at ro y el es estu tudi tu dio di o de la perf pe rf forma orma m nc nce e y la l perfo erfo form rmat rm a iv at ivid idad ad d?

Judi it Vi V di diella

\ Corpus Deleicti, Taller de performance, 2007]Body-crossing: taller de re-de-construccin de identidades, 2006. [Judit Vidiella]

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En los ltimos cuarenta aos la metfora de la teatralidad se ha ido desplazando del territorio de las artes hacia diversas reas de conocimiento en las ciencias sociales: Sociologa, Antropologa, Lingstica, Filosofa... Esta re-territorializacin de la performance ha llevado a una revalorizacin del estatus poltico del teatro, en una coyuntura en la que ambos trminos se han visto redenidos uno en relacin al otro. Su carcter de construccin repetida la ha llevado muchas veces a una posicin marginal, especialmente por el prejuicio anti-teatral que ha dominado durante bastante tiempo el panorama de las ciencias sociales1. Pero experiencias como la accin directa, las estticas polticas y las prcticas de corporizacin [feministas] han complicado las divisiones entre espectculo-realidad, as como los lmites entre arte, vida, poltica y ccin. Y es que las performances son tambin actos vitales de transferencia y transmisin de saberes sociales, de memoria cultural y sentido de identidad, etc. que se perpetan a travs de acciones reiteradas, lo que se ha venido en llamar performances culturales2, performances sociales3 y dramas sociales4. Desde esta ptica, la performance se constituye simultneamente como prctica y como metodologa interpretativa, lo que permite analizar la mayora de sucesos y conductas diarias como performances. Dwight Conquergood5 denir las posibilidades y caractersticas de la prctica de la performance mediante un juego de aliteraciones: las is como imaginacin, investigacin, intervencin. Las as como artisticidad, anlisis, activismo. Y las ces como creatividad, crtica, ciudadana. Las mltiples derivas del trmino, casi en un ejercicio lolgico de traducciones disciplinares, hacen de la performance una prctica con una historia llena de transferencias extraas que algunos han criticado por la imprecisin en las fronteras disciplinares. Importada al contexto espaol, se ha referido bsicamente al arte performance o arte accin, lo que corresponde a una nma parte de lo que en realidad comprende el campo de los Estudios de Performance. Adems, a esta breve cartografa del trmino, hay que aadirle un concepto bastardo: la performatividad, que ha transformado radicalmente tanto la aproximacin a las prcticas artsticas de la performance en el arte contemporneo como la conceptualizacin de la conguracin de subjetividades en la vida diaria, o las polticas y estticas de experimentacin por parte de colectivos minoritarios [queer]. Las revisiones de las aportaciones de John Austin por parte de lsofos como Jacques Derrida y Judith Butler han eclipsado otras localizaciones menores del trmino performatividad, como las de Lyotard y Marcuse, que la denieron como el mecanismo de operatividad y funcionamiento en la era postmoderna caracterizada por la relacin poder - conocimiento donde la educacin y la optimizacin de datos, conocimiento e informacin, se legitiman entre s mediante una serie de repeticiones sujetas a parmetros de ecacia productiva (econmica, simblica, poltica, etc.).

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Esta conquista territorial de las aportaciones lingsticas, que denen lo performativo ms como una cualidad del discurso que de la performance, ha hecho difcil reclamar de nuevo el uso de lo performativo en el terreno de la performance. Para ello, algunos autores, como Diane Taylor, proponen recurrir a la forma adjetivada lo performtico, que atiende tanto la dimensin discursiva como la corporizada. Y es que, acostumbrados a las conexiones potenciales entre teora y activismo, para muchos performers, este avance lingstico acarre cierta parlisis poltica, principalmente porque no quedaban claras las distinciones entre performance y performatividad. [...] La performance se va a convertir en una de las palabras clave del s. XXI, no slo vinculada al campo del arte experimental, sino tambin al anlisis de la funcionalidad en los sistemas tecnolgicos y econmicos capitalistas; a las formaciones lingsticas; a la regulacin de la fuerza de trabajo, y a las repeticiones reguladoras de gnero, raza y sexualidad... En una especie de prediccin futurista, Jon McKenzie vaticin que la performance ser en el siglo XX y XXI lo que fue la disciplina para el s. XVIII y XIX, esto es una formacin onto-histrica del poder y el saber6. Con ello, seal tres paradigmas de investigacin desde los que construir una teora general de la performance para comprender su vinculacin con la educacin, la tecnologa y el trabajo en las sociedades contemporneas postfordistas. Estos tres sistemas se constituyen mediante procesos performativos de repeticin y optimizacin de datos, de rendimiento, de ecacia cultural, econmica, poltica, etc.: 1. Performance Management: la performance organizativa, de gestin y direccin de multinacionales, cargos de administracin y gestin de empresa... 2. Techno-Performance: estudia la operatividad de los dispositivos tecnolgicos en la vida cotidiana el testing, las telecomunicaciones y el desarrollo de tecnologa militar y gubernamental... 3. Estudios de Performance: analiza la performance cultural -rituales, prcticas sociales, artsticas y actos performativos- que conguran nuestra identidad en relacin a una serie de regulaciones corporales. McKenzie encuentra similitudes en sus respectivos sistemas de operatividad regidos segn trminos de ecacia, eciencia y efectividad. Respecto al sistema organizativo-productivo: eciencia en la organizacin en trminos de economa burocrtica. En el sistema tecnolgico: efectividad en la ejecucin tcnica. Y en el caso que nos ocupa produccin de capital cultural y performances culturales ecacia en trminos de justicia social y poltica, adems de ecacia en

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la ejecucin artstica de la performance, y en la transformacin de la audiencia. Y es que el paradigma cultural ha vivido en una fantasa de transgresin permanente respecto a los otros dos sistemas, ms regulados por relaciones institucionales y econmicas. Si, segn Lyotard, la performatividad es la condicin postmoderna, McKenzie atribuye el olvido de este rasgo normativo en los Estudios de Performance a la propia condicin paradigmtica del campo, es decir, a la maquinaria de estos estudios programados para generar un tipo de narrativa que no encaja con esta visin ms normativa de la performance. Esta omisin ha sido importante por parte de una generacin de tericos y artistas que quizs hayan sido demasiado optimistas a la hora de teorizar exclusivamente la parte resistente y subversiva de la performance. La repeticin de estos rasgos disidentes ha ensombrecido otras genealogas, localizaciones, discursos y prcticas de la performance que tambin podran formar parte de la constitucin del campo. As, el lenguaje de la subversin acompaar y coexistir de forma complicada con el lenguaje de la institucionalizacin acadmica, que ha convertido la seguridad transgresora y ecaz de la performance en una norma liminal. La pedagoga de la performance debera permitir analizar crticamente las dinmicas sociales a travs de las cuales nos constituimos mediante lo que podramos llamar actos indocentes, pedagogas de contacto7, o estticas y polticas de experimentacin, que ven en la performance un componente reproductivo-normativo y a la vez un potencial reexivo, para deconstruir las representaciones y prcticas hegemnicas. [...] Tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, el performance art se desarroll de forma ms extensa en el campo de las artes visuales en comparacin con las artes de la interpretacin. Quizs esta lnea genealgica ayude a comprender por qu histricamente los y las artistas de la performance han querido distinguir lo que hacen de las artes escnicas tradicionales en un contexto imbuido por cierto prejuicio anti-teatral, que sospechaba de las formas culturales y las prcticas metodolgicas que pudieran tener cualquier liacin con el espectculo, el simulacro, la mascarada... Lo paradjico de esta posicin disidente es que precisamente en el momento de mayor efervescencia del performance art, las artes visuales de vanguardia construyeron su identidad tambin en contraposicin con lo teatral y lo performtico, especialmente a raz del artculo Arte y Objetualidad (1967) del crtico de arte Michael Fried, que caracteriz el giro del modernismo al postmodernismo en las artes visuales como teatral, en una clara adjetivacin despectiva. Esta tendencia de las nuevas formaciones disciplinares a desautorizar su relacin y liacin respecto a formaciones previas

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acaba homogeneizando lneas genealgicas y tradiciones de las que se supone rompe los lazos, muchas veces como una estrategia para aanzar el propio campo. An as, ha habido artistas y tericos que se han interesado por recuperar genealogas menores con el n de abrir nuevas posibilidades de hibridacin en la performance y la teatralidad, explorando conexiones impredecibles. Su esfuerzo se ha centrado en la visibilizacin de la condicin excntrica que tanto las artes escnicas como la performance han tenido dentro de las reas de investigacin en humanidades y, en menor medida tambin, en el panorama de produccin cultural y formacin artstica. [...] Una de las peculiaridades del performance art es su carcter procesual y efmero. Al convivir con la prdida y la desaparicin de los cuerpos, los textos, las acciones, el momento y la experiencia generada adquieren ms fuerza que el registro. Esta particularidad de la performance la ha dotado de un reconocimiento de resistencia respecto a los regmenes capitalistas de acumulacin material, aunque es ingenuo pensar que no participa en contextos de circulacin de capital [cultural] y jacin de signicados y representaciones. Diversos tericos (Antonio Prieto, Jane Blocker, Peggy Phelan...) y artistas (Johannes Birringer...), se van a interesar por las complicadas conexiones entre performance, repeticin, registro y representacin, por ejemplo en el desplazamiento que se genera en el registro de la performance, al descentrar la presencia aurtica de los cuerpos de las y los performers, as como la experiencia nica en la presencia-testimonio de las y los espectadores respecto a la accin que sucede en ese mismo momento. De este modo, la importancia de la accin no reside nicamente en la simultaneidad y presencia de los cuerpos presentes, sino tambin en el carcter histrico y potencial para otros sujetos (pstumos) que puedan generar otro tipo de encuentros espectatoriales con este material. Es lo que se ha denominado performance prosttica8 o escritura performativa9, segn la cual la prctica de escritura de la performance no tiene la nalidad nica de preservar, jar y describir algo, sino precisamente de producirlo de nuevo. Como consecuencia, el acto de escritura tiende tambin hacia la desaparicin o hacia la produccin de otro tipo de acontecimientos, en lugar de una representacin de la representacin. [...] Los Estudios de Performance tienen el compromiso de estudiar la construccin social de las relaciones que se erigen alrededor de los sistemas de creencia ideolgicos que nos constituyen, y que organizan nuestra experiencia a travs de representaciones, prcticas y regulaciones culturales. Y no lo hacen nicamente desde la prctica artstica.

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La estrecha relacin entre performance y cultura visual se remonta en el contexto educativo de la Educacin de las Artes Visuales, cuando el primer Departamento de Teatro americano apareci en la Escuela de Bellas Artes y Artes Aplicadas Carnegie Mellons Schools of Fine and Applied Arts en 1914. Unos aos ms tarde, cuando la performance se erigi en una herramienta provocativa para la innovacin artstica en los aos 60 y 70, las escuelas de arte vieron necesario replantear sus programas de estudio y metodologas pedaggicas con el n de incorporar la performance en sus currculos de arte. De hecho, Los Estudios de Performance, al igual que los Estudios de Cultura Visual, emergen en un mismo perodo caracterizado por la revisin de las disciplinas acadmicas tradicionales10, as como de las guerras culturales que tuvieron lugar en esos momentos de contestacin profesional y social. Denidos como anti-disciplina, interdisciplina, post - disciplina e incluso indisciplina, los Estudios de Performance se fueron consolidando a partir de los aos 80. Paulatinamente, esta indisciplina se ha ido extendiendo territorialmente, especialmente en los Estados Unidos, pero tambin en otros pases como Australia, Inglaterra, Escocia, Francia, Mxico y Brasil entre otros. En el contexto espaol, no existe un campo de estudios denido como tal desde el que performers y tericos puedan reconocer explcitamente su liacin, aunque sin duda se podra rastrear una genealoga emergente desde la que constituir un mapa de prcticas locales. En la formacin de los Estudios de Cultura Visual sucedi un proceso de hibridacin similar. La publicacin del cuestionario en la revista October en 1996 desat acalorados debates sobre la necesidad de incorporar cambios curriculares. Algunas de las crticas apuntaban que la Cultura Visual se eriga segn el modelo de la Antropologa (crtica vertida tambin a los Estudios de Performance por el inters en el ritual y las metodologas etnogrcas), lo que la alejaba de la relacin con la Historia del Arte. Tambin alertaban del peligro de producir sujetos para un mercado globalizado, no slo en lo referente a un mercado de conocimientos, sino tambin al fomento de los objetos de estudio vinculados a un mercado de productos y mercancas de consumo (anuncios, pelculas...). [...] Las hibridaciones en el panorama intelectual y artstico de los aos 70 y 80 giraron alrededor de tres ejes o giros culturales que no siempre convivieron felizmente, lo que explicara las ansiedades en un contexto cambiante de luchas acadmicas: 1. Aquellos que acentuaban la importancia del lenguaje opuesto a la percepcin (giro lingstico), y que enfatizaban la textualizacin

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\ Judit Vidiella: Cartografa para una pedagoga de contacto.

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de la cultura, produciendo un cambio de nfasis de la literatura a la cultura popular, la comunicacin, las prcticas de creacin de signicado, la circulacin de discursos, la constitucin narrativa de la subjetividad, los actos de habla y de escritura, etc. En el caso especco de los Estudios Culturales, se apost por el estudio comprometido de la alfabetizacin de las clases populares y el inters por las prcticas de recepcin, consumo y construccin de signicado. 2. Aquellos que focalizaban las implicaciones polticas de ciertas prcticas visuales (giro visual), y que se centraron en el estudio de las imgenes en relacin a la circulacin y el poder de mediacin de las representaciones, la incorporacin del placer en los modos de ver y las prcticas de espectatoriedad en el consumo de lo visual, la formacin de la identidad, etc. Del mismo modo en que hubo en los Estudios Culturales un desplazamiento en relacin a la Literatura, en los Estudios de Cultura Visual se subrayar la necesidad de una separacin respecto a la Historia del Arte, condenada muchas veces injustamente de elitista al obviar las aportaciones hechas desde otros enclaves menores, como la Historia del Arte Feminista o Postcolonial. 3. Los que enfatizaban el rol olvidado del cuerpo (giro teatral), que pondra en escena la importancia de las prcticas de corporizacin y el uso de conceptos teatrales para comprender las actuales formas de conguracin identitaria. En los Estudios de Performance, los puntos de fuerza se distribuiran ms hacia la discusin sobre la encarnacin del discurso, la re-presentacin, la identidad y el cuerpo, el anlisis de las estrategias a travs de las cuales opera el poder, la bsqueda de tcticas de resistencia y polticas de experimentacin, el abandono paulatino del teatro y la reivindicacin de la performance y la etnografa como una prctica poltica, etc. [...] La emergencia de los Estudios de Performance coincide con el auge de las narrativas personales a partir de la Segunda Guerra Mundial, cuando en los Estados Unidos se produce un incremento de la escritura de memorias y auto-biografas11 que, junto con los nuevos movimientos identitarios organizados alrededor de los derechos civiles, generaron un inters por dar voz a la experiencia de los sujetos a travs de narrativas como el etnodrama, la biografa dramatizada, el storytelling, etc. Estas narrativas, algunas veces materializadas en performances (principalmente por las artistas feministas), van a poner en primer plano la cuestin de la formacin de la subjetividad en relacin al gnero, la sexualidad, la edad, la raza, el trauma, las culturas de la enfermedad, la discapacidad, etc. Pero no ser hasta el perodo posterior a 1960 que la performatividad devendr el modelo dominante para comprender la articulacin del sujeto y la identidad en la contemporaneidad.

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La crtica de la performance feminista ha sido fundamental en la contribucin al debate y crecimiento de la prctica de la performance y de las teoras sobre la constitucin de la subjetividad. La recuperacin del panorama artstico de los aos 60 y 70 desde esta mirada, ha puesto de relieve no slo la recuperacin del papel de las mujeres artistas en un momento en el que su presencia pblica era todava muy minoritaria en las instituciones de arte (escuelas, galeras, museos, crtica, historiografa, etc.), sino tambin por sus aportaciones signicativas en la experimentacin de otro tipo de prcticas artsticas, en las que las acciones performticas tuvieron un papel clave en la reivindicacin de las polticas del cuerpo. En algunas instituciones, la adopcin de la perspectiva de los Estudios de Performance fue de la mano de una revisin curricular feminista. Uno de los ejemplos ms signicativos fue la experiencia educativa de Judy Chicago en los aos 70, a la que Beatriz Preciado dedic un espacio en el nmero 54 de esta revista, por lo que no me voy a extender aqu. Qu tienen exactamente que ver todas estas genealogas entre s? Puede un estudiante enfrentarse al desarrollo de su prctica artstica al tiempo que profundiza sobre aproximaciones tan diversas? Cmo se reeja todo esto en las estrategias pedaggicas de los Estudios de Performance? Cul es realmente la capacidad transformativa de los Estudios de Performance a la hora de ajustarse a las necesidades y circunstancias concretas?

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Notas
1 Por su asociacin con el articio, la representacin, la mmesis y la inmediatez con la audiencia... aunque recientemente el giro teatral en las ciencias sociales ha revalorizado conceptos que han acabado formando parte de las teoras postestructuralistas, postcoloniales y feministas-queer, como la mascarada, el mimetismo, la performatividad, lo drag. Ocasiones a travs de las cuales nos reejamos y denimos como cultura o sociedad, dramatizando nuestras historias y mitos colectivos, al tiempo que nos presentamos mediante otras alternativas con oportunidades para el cambio, como son las estas religiosas, los ritos... Interacciones ordinarias del da a da de los individuos, as como las consecuencias de stas. En la mayora de estas interacciones, no somos del todo conscientes que estn culturalmente reguladas. El socilogo Erving Goffman fue uno de los tericos ms destacados en usar el modelo dramatrgico aplicado a la realidad social. El antroplogo Victor Turner trat de aportar un modelo que permitiera analizar la organizacin de los ritos de paso para entender las rupturas en la unidad social, personal, psquica y cultural de los individuos y sociedades. La fase ms apreciada para los tericos de la performance ha sido la liminal, al proporcionarles un modelo que permita teorizar los modos en los que el teatro y otro tipo de prcticas artsticas podan transformar a los individuos y a la sociedad. Madison Soyini, Hamera Judith (2006: xii) (Ed.) The Sage Handbook of Performance Studies. London: Sage Publications. McKenzie Jon (2001:18) Perform or Else. From Discipline to Performance. London and New York: Routledge. En otro acontecimiento de escritura me refer a estos conceptos, ver Y http://aulabierta.info/node/785 Cheng Meiling (2002) In Other Los Angeleses: Multicentric Performance Art. Los Angeles: University of California Press. Ver Pollock Della (1998) Performing Writing, en Phelan Peggy, Lane Jill (Ed.) (1998) The Ends of Performance. New York and London: New York University Press; Allsop Ric (1999) Performance Writing, en Auslander Philip (Ed.) (2003) Performance. Critical Concepts in Literary and Cultural Studies. Vol. II. London and New York: Routledge.

10 Estos debates disciplinares estuvieron inicialmente liderados por dos universidades, la Universidad de Nueva York (NYU) y La Universidad Northwestern de Chicago (NWU). 11 Ver Denzin Norman (2003) Performance Ethnography: Critical Pedagogy and the Politics of Culture. London: Sage Publications.

Zehar]116]117

Do you remember what I remember? Loreto Martnez Troncoso Edurne Rubio

Do you remember what I remember? ]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio edurne 19:09

I cant remember it all. We remembered very early that day.

loreto 19:09

?
edurne 19:09

:-)
19:10

acordar v. intr. 3. Sair do sono;

loreto 19:11

But where are we?

edurne 19:11

Before dawn.
loreto 19:11

Was it still night? I cant really remember... but I remember we were there, as they say here: excits comme de puces.
edurne 19:12

It was night even though the nights are very short at that time of year ... but yes, we got to the border by night.
loreto 19:12

To be exact, the station, where we took in what Vila-Matas1 later called the expedition. Thats one thing I do remember, seeing the day rising (literal trans. of le jour se lve).
edurne 19:13

Actually, the photos I took at the station are blurred because there wasnt enough light... Ive sometimes thought of deleting them (I always have the same doubts about blurred photos). So you see, now Im glad I kept them.

Zehar]118]119 19:15 19:22

edurne a post le chier IMG_1172. JPG aux membres de ce clavardage

edurne a post le chier IMG_1179. JPG aux membres de ce clavardage

loreto

19:16

loreto

19:24

Oh, the memories!

edurne 19:16

Yesss...
loreto 19:18

I remember we met there, we hugged, kissed, introduced ourselves... we woke up (with autonomous cafeses) and then we went walking round Fuentes de Ooro4 towards the customs area (the border?)
edurne 19:25

Did we initially call that experience, that moment, an hour for nothing or/and a no-mans hour...? I dont know what order it should be in exactly but its funny to think of it today: an hour for nothing isnt the same thing at all as an hour for nobody.
edurne 19:19

Autonomous cafeses?????
loreto 19:25

An hour of nobody!!!
loreto 19:19

The day before we bought everyone coffee. One of those coffees you heat up by shaking the plastic thing it comes in... I think it breaks some capsule at the bottom and the coffee self- heats, autocoffee?
edurne 19:26

Thats right, an hour for nothing never existed, right?

edurne 19:19

Ah!!! Nomad cafeses! :-) :-)

loreto 19:26

just a second, phone.

As Santi said later2: an hour with no owner, either in Spain or in Portugal3...

loreto 19:21

Yes, a no-mans hour is... would be/was... an hour of innite possibles... an hour full of intersection points, a crossroads with lots of directions, an hour of action : to make the decision to go towards. Would for nothing be a closed street? Or a dead-end street?
19:22

I remember Clment Rosset talks about that crossroads moment in his Le rel: Trait de lidiotie. (Ill hunt down the extract)

Do you remember what I remember? ]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio edurne 19:29 edurne 19:39

Ive been reading Chris Marker this weekend. Do you remember the other day we talked about subjective cartography? Look: On Immemory Y www.derives.tv/spip.php?article78 ppp p (extract) Mon hypothse de travail tait que toute mmoire un peu longue est plus structure quil ne semble. Que des photos prises apparemment par hasard, des cartes postales choisies selon lhumeur du moment, partir dune certaine quantit commencent dessiner un itinraire, cartographier le pays imaginaire qui stend au dedans de nous. En le parcourant systmatiquement jtais sr de dcouvrir que lapparent dsordre de mon imagerie cachait un plan, comme dans les histoires de pirates5.
loreto 19:35

And what happened while Ion and I were looking for a place?
loreto 19:40

Yes, I started out on the road with the expedition, but then Jlio and I went ahead to meet you and nish installing everything for the conversas, on the other side of the border, in Vilar Formoso, in the Turismo bar (what a coincidence, wasnt it?) I remember before we crossed the line there were loads of swallows ying over the area.
edurne 19:41

Thats right! You came a bit early to connect the phone up to the computer. We were running tests: Jlio rang from his mobile 10 metres away and you tried to record it... What I do remember perfectly was the noise of the morning machines hosing down the border with high-pressure water.
loreto 19:42

Im back. Just a moment while I read...

edurne 19:35

I didnt experience the road from the station to the border... Well, yes, but not with the expedition. Ion6 and I went ahead as an advance party to nd a place to stay. We were in a hurry and we were a bit stressed... We needed to nd electricity for the speaker and the computers and it was getting close to no-mans hour, it was twenty to nine... Ion wanted to go to a gypsy camp near the customs post and ask them for somewhere to plug our things in...
loreto 19:38

It didnt work! I remember Jlio described the place, the architecture, the differences (the betweens)..., and he nished up by singing us a song in Portuguese.
19:43

So do I..., I can still hear the machines on our beira.

edurne 19:43

nosso lado...
loreto 19:44

Id forgotten the gypsy camp!

edurne 19:38

We liked the idea of the camp, but in the end we decided not to move away, to stay at the border. We had to make the decision in a matter of seconds. I wonder what would have happened if wed gone to the gypsy camp...
loreto 19:39

I wonder what the assistants in the Turismo bar thought when they saw us out there with our computers, telephones, loudspeakers...
edurne 19:45

What would it have been like?

When we asked the manager of the bar if we could put an extension cord out onto the terrace and use all the tables, he looked at us in surprise, but he didnt ask any questions... which is very Portuguese, isnt it?

Zehar]120]121 loreto 19:46 19:57

Qu saudades! Um bolo de arroz e uma meia de leite por favor!

edurne 19:46

:-P
loreto 19:47

An action-event-laboratory dealing with freedom of knowledge and freedom of movement in the Straits of Gibraltar, the border between Fortress Europe and Africa of the Masses. Y http://fadaiat.net p We were interested in their search for new terms, new geographies, new forms of beauty... They spoke about new technologies with such passion, proposing other uses... We were attracted by their Utopian account... New relations between work, policy and art.
loreto 19:58

We couldnt say that its a no-mans land...

edurne 19:47

Yes, its actually a very specic place.

loreto 19:48

I remember what a woman said in Performing the Border by Ursula Biemann. That for the border to become real you need the crossing of bodies; without them, it is no more than a discursive construction.
19:49

Thats right, but she didnt talk to us about fadaiat t, did she? She talked about another project on the border between El Alentejo and Extremadura, didnt she?
edurne 19:59

The lm is set on the USA (/) (-) Mexican border. As the narrator is saying that, a car drives along beside a section of the border in the middle of nowhere, in the desert, built like a no-mans land.
19:51

Thats right! Id forgotten! Ive got ahead of myself...

loreto 19:59

Gone ahead? Where from? Where to?

edurne 20:00

Here, there are two towns, which are almost joined. In the middle, you have the customs huts, which are empty (but the ags standing out proud in the wind). Is that all that will be left of this discursive construction? The aduana/alfndega (as well as the individual and collective memory)?
edurne 19:54

Actually I dont know if we even talked to her about fadaiat... fadaiat t happened in 2005 and it was a continuation of the project Alicia did talk about: Almadraba a (1997). But actually the rst project she told us about was Alm da Agua (1996), also on the Portuguese border.
loreto 20:01

I remember Santi began the rst talk, and he started by saying: Here we are, surrounded by wonderful people and useless ags. It was 9am, Spanish time, 8am, Portuguese time. I rang Alicia in Seville7, who had just dropped her daughter off at the day care centre.
loreto 19:55

Ah! Yes! Alm m = beyond (the water). Beyond that section of the Guadiana that marks the border between... Water, as a metaphor, as a source of life, as a owing...
20:02

How did we think of interviewing Alicia?

edurne 19:55

...as a vehicle of knowledge and the transmission of ideas...

edurne 21:02

We were reading about the fadaiat project, in the Straits.

Floating culture she said.

Do you remember what I remember? ]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio 21:04 edurne 20:12

Do you remember the notes she read about an action with some pateras or boats?
loreto 20:05

Yes.
20:14

That was an action that was already in the Almadraba a project. They wanted to explore that proximity (15km separates Europe from Africa) and that distance at the same time, the closeness and what separates us...
20:06

The order of the three talks actually worked well: rst Alicia with a very political and social point of view, then Oskar8 talking about the proximity of the bodies, and then Vila-Matas, who I seem to remember, talked more about the journey...
loreto 20:15

The intervention was called La misma tierra. Two pateras [small shing boats, used to ferry undocumented immigrants across the Straits of Gibraltar] full of sand would each set out from one side. They were going to meet in the middle of the straits and exchange the sand there. Return to the beaches to deposit the foreign sand, which in that way would cease to be foreign.
20:07

...about the idea of the journey. Not so much the physical journey but the mental journey. Between those two journeys. He spoke for example about Roussel who sailed round the world twice but wrote very little about it in his books... (apparently, he travelled to Africa to write Impressions dAfrique, but never left his hotel room).
20:16

But they werent able to do it...

edurne 20:07

He also said that he travelled a lot but his real travelling was around his writing desk, in his writing.
edurne 20:16

To be honest, I cant remember exactly what the action consisted of, but I remember the frustration, the impossibility... I think she talked about naivety (culture/reality) and TIME, waiting for the permit, the waiting time...
20:08

And Santi mentioned the unmoving traveller, Robert Walser.

20:19

Yes. But lets get back to TIME. Oskar talked about time, do you remember?
edurne 20:20

Well, Im not sure thats what she said. Maybe thats just my way of interpreting it.
loreto 20:09

They were waiting for two days, but one of the permits didnt come through.
20:11

Thats what made me think about the way the talks tied in with each other: Alicia nished up by talking about time (western time) and then Oskar was wondering how to get out of time?
loreto 20:21

Yes, Im reading back over my notes and she wonders there whether that not possible might be because of our inexperience? Our naivety? Our lack of understanding? Our arrogance? Our impositional Western way of looking at things? Our lack of time?

He said a drama or a tragedy we have as a species, the time it has befallen us to live in.

Zehar]122]123 edurne 20:23 edurne 20:31

In some way, our thing was an attempt to get out of time. The no-mans hour consisted of a spatial and temporary parenthesis: we were living and working, from 9am to 9pm, between two places. Depending on which side of the border you looked at the clock in, we were living in the future or the past of one or the other. A one-hour time travel.
loreto 20:25

Maybe its got something to do with the straight journey Vila-Matas talked about:
20:31

Without wanting to frighten the expedition: there is a modern journey which is not the circular journey of the Odyssey; it is a straight journey which Magris talks about, a journey with no possible return he said (and it made me shiver).
20:32

He said: You are on a journey and the journey is a in itself a frontier situation.
edurne 20:25

Ion and Oskar spoke about the border at the River Bidasoa, the International Bridge in Irun.
loreto 20:26

Later, I heard him say the same thing in lectures and interviews, but its never made such an impression on me as it did that day at the border.
loreto 20:36

Yes, we crossed three borders with them: Irun, where they were born, Vilar Formoso, where we were and from the customs in Geneva, where Oskar was working at that exact time, surrounded by trucks, train carriages... like Irun, as he remembered it, and like our surroundings... (we travelled mentally, each with their own experience of, their memory collective or not their imagination, their ction)
edurne 20:29

It was Pessoa who wrote: Viajar! Perder pases! Ser outro constantemente, Por a alma no ter razes De viver de ver somente! No pertencer nem a mim! Ir em frente, ir a seguir A ausncia de ter um m, E a nsia de o conseguir! Viajar assim viagem. Mas fao-o sem ter de meu Mais que o sonho da passagem. O resto s terra ecu9.
edurne 20:38

And I remember he spoke about living in a country that is not your own, a sort of frontier life... Its something Ive always felt since Ive been living here.
loreto 20:29

(moi aussi i)
edurne 20:30

tre un etranger vie.

loreto 20:30

And when you go home, youre not from there any more, youre between. (anddans la vie)

When you asked him how he reintroduces, paraphrases Pessoa, saying : To travel, to lose suicides, to lose them all. To travel until we have exhausted any noble options of death that exist, he said it was a phrase he had used for many things. :-)

Do you remember what I remember? ]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio loreto 20:39 loreto 20:51

To travel, to lose theories, to lose them all; when he was invited to Lyon, nobody was there to pick him up when he arrived and he spent 24 hours in his hotel room writing a theory of the novel... On his way back by train to Barcelona he realised that what he had to write was not a theory but a novel. And that was how he came to lose all the theories and start a novel.
edurne 20:43

Obviously, if you get an attack of the giggles, if you shiver or sweat, theres nothing you can do.
edurne 20:53

Vila-Matas also talked about truth / ction (= lie?) in literature... A Christian dichotomy and a bit stupid, nobody writes to lie.
loreto 20:53

:-D
20:53

Oskar also talked about losing, about losing weight (of the past?)
loreto 20:43

Of the past? I dont remember if he said anything about the past but he did talk about relaxing intellectually and letting yourself go. (And yes, intellectually is past, isnt it?).
edurne 20:46

The piece he told us about was called The Sandwich, wasnt it?
loreto 20:46

He told us about when they invited him to go a meeting with Bernardo Atxaga at UNIA on reality and ction. On the way to Seville he had this idea that Atxaga wouldnt come to the meeting. When he got to the station, there was a taxi driver waiting for him, but there and then he decided that it would be him who wouldnt go to the meeting and he just decided to disappear.
edurne 20:56

No, The Sandwich h was the title entre nous, he said. The real title is Untitled.
20:47

Thats how Doctor Pasavento o begins, isnt it? He decides not to take the taxi and go to Naples instead. And ever since then, the escalators in the station (which exist) remind him that one day he disappeared. (the disappearance was much more believable than what actually happened in real life)
loreto 20:58

After a walk, the members of the audience came into a room and were invited to lie down on some other body already lying there on the ground. Then another body lay down on top, turning the member of the audience into a sandwich. So they were being told a self-ction that talked about losing weight ...I dont remember right now whether this situation happened individually or whether they were a group of bodies in a sandwich (I imagine them all in a line)
edurne 20:50

Yes, he said: I have the impression that something important in my life happened there.
edurne 21:00

What would have happened if instead of having the talks in the Turismo bar, wed gone to the gypsy camp?
loreto 21:01

A situation in which you cant tell a lie.

20:51

Thats it! Maybe thats where our story can begin.

The bodies are so close that its impossible to lie.

Zehar]124]125 Post Data loreto

I was wondering... why and how the idea of doing that moment... this halt between, rst came up.
edurne

I think the idea of the talks on the border, came up practically at the same time as miaketak k... I cant remember whether it was at a meeting in Arteleku or in Serralves. Ion and Blanca had suggested that we re-think Mugatxoan with them.
loreto

We talked about the mobility of Mugatxoan, as an autonomous and itinerant project (a family on wheels?), hosted by different structures... And in addition, because we had been through the Mugatxoan experience, we said that the moment of travelling, that passage between San Sebastian and Porto formed part of the experience, and that we had to take it into account.
edurne

Out of those meetings we created miaketak (which means explorers). Since then weve travelled with Mugatxoan (which meant on the border).
loreto and edurne

miaketak k are: alejandra, amaia, edurne, jlio, larraitz, loreto, mara, sandra.

Do you remember what I remember? ]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio

Enrique Vila- Matas, writer. (But the best part of a writers biography is not the record of his adventures, but the story of his style. Vladimir Nabokov. Strong Opinions). Santiago Eraso, former director of Arteleku, has inspired, accompanied and supported Mugatxoan from its beginnings down to the present day. He is currently a member of the content design team of UNIA arteypensamiento at the International University of Andalusia and is an independent collaborator with a number of public institutions, cultural companies and social movements. When travelling to Portugal it is important to remember that there is a 60 minutes time difference between the countries. Portugal is one hour behind Spain. Y www.emprenderviajes. com/informacion_de_inters_de_portugal.htm

My working hypothesis is that every fairly long memory is more structured than it seems; that photos apparently taken by chance, postcards chosen on a passing whim, after a certain number, begin to plot an itinerary, to map out the imaginary country that stretches as far as our inner self. Making a systematic tour of it, I was sure that I would discover that the apparent chaos of my imagery concealed a secret map, just like in a story of pirates. Ion Munduate directs, together with Blanca Calvo, the arts project Mugatxoan. La hora de nadie e was carried out on 30 June 2008 during the journey that Mugatxoan made, as they do for each edition, from Donostia to Porto. Y www.mugatxoan.org/blog Alicia Pinteo is a member of BNV productions, a cultural company which organised Alm da Agua, Copia Cabana a in 1996 and Almadraba a in 1997. A critical dialogue between art and the globalisation of market and culture, between art and life. Oskar Gmez-Mata is the director of the theatre company LAlakran, and took part in Mugatxoan 2006 offering a workshop and presenting the work Optimistic vs Pesimistic. In Mugatxoan 2009 he presented his new work: Karos, Ssifos y Zombies. To travel! To change countries! / To be forever someone else, / With a soul that has no roots, / Living only off what it sees! / To belong not even to me! / To go forward, to follow after / The absence of any goal / And any desire to achieve it! / This is what I call travel. / But theres nothing in it of me / Besides my dream of the journey. / The rest is just land and sky.

Zehar]126]127

Te acuerdas de lo que me acuerdo? Loreto Martnez Troncoso Edurne Rubio

Te acuerdas de lo que me acuerdo?]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio edurne 19:09

No consigo acordarme del todo. Nos acordamos muy temprano ese da.
loreto 19:09

?
edurne 19:09

:-)
19:10

Acordar v. intr. 3. Sair do sono;

loreto 19:11

Pero, dnde estamos?

edurne 19:11

Antes del amanecer.

loreto 19:11

Todava era de noche? No recuerdo bien... pero recuerdo que estbamos, como dicen aqu: excits comme de puces.
edurne 19:12

Era de noche y eso que las noches en esa poca del ao son muy cortitas... pero s, llegamos a la frontera de noche.
loreto 19:12

Precisamente a la estacin, donde acogimos a la, como dijo ms tarde Vila - Matas1, expedicin. De eso s me acuerdo, de ver el da levantarse (trad. literal de le jour se lve).
edurne 19:13

De hecho, las fotos que hice en la estacin estn borrosas porque no haba luz... varias veces dud en borrarlas (siempre me pasa con las fotos borrosas). Ya ves, ahora me alegro de haberlas guardado.

Zehar]128]129 19:15 19:22

edurne a post le chier IMG_1172. JPG aux membres de ce clavardage

edurne a post le chier IMG_1179. JPG aux membres de ce clavardage

loreto

19:16

loreto

19:24

Qu recuerdos!
edurne 19:16

Siisi...
loreto 19:18

Recuerdo que all nos encontramos, nos abrazamos, besamos, presentamos... despertamos (con cafeses autnomos) y despus nos fuimos andando por Fuentes de Ooro4 hacia la zona de las aduanas (la frontera?).
edurne 19:25

Le llamamos en un principio a esa experiencia, a ese momento, una hora para nada o/y una hora de nadie...? No s en qu orden exactamente pero es gracioso pensarlo hoy: una hora para nada no es para nada lo mismo que una hora para nadie.
edurne 19:19

Cafeses autnomos?????
loreto 19:25

Una hora de nadie!!!

loreto 19:19

El da anterior compramos cafs para todos. Un caf que se calienta agitando el recipiente de plstico en el que viene... Creo que una cpsula en el fondo se rompe y auto calienta el caf, autocaf?
edurne 19:26

Eso, una hora para nada nunca existi, verdad?

edurne 19:19
2

Ah!!! Cafeses nmadas!:-):-)

loreto 19:26

Como ms tarde dijo Santi : una hora sin dueo, ni de Espaa, ni de Portugal...3
loreto 19:21

un segundo, llamada.

S, una hora de nadie es... sera/era... una hora de posibles... innitos, una hora llena de lneas de fuga, un cruce con muchas direcciones, una hora de accin: tomar la decisin de ir hacia. Para nada sera una calle cortada? o sin salida?
19:22

Recuerdo que Clment Rosset habla de ese momento de cruce en su Le rel: Trait de lidiotie. (buscar el extracto)

Te acuerdas de lo que me acuerdo?]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio edurne 19:29 loreto 19:39

Este n de semana he estado leyendo sobre Chris Marker. Te acuerdas que el otro da hablbamos sobre cartografas subjetivas? Mira: sobre Immemory : Y www.derives.tv/spip.php?article78 ppp p (extracto) Mon hypothse de travail tait que toute mmoire un peu longue est plus structure quil ne semble. Que des photos prises apparemment par hasard, des cartes postales choisies selon lhumeur du moment, partir dune certaine quantit commencent dessiner un itinraire, cartographier le pays imaginaire qui stend au dedans de nous. En le parcourant systmatiquement jtais sr de dcouvrir que lapparent dsordre de mon imagerie cachait un plan, comme dans les histoires de pirates5.
loreto 19:35

Qu hubiese sido?
edurne 19:39

Y qu pas mientras Ion y yo buscbamos un lugar?

loreto 19:40

S, empec el camino con la expedicin pero luego Jlio y yo tambin nos adelantamos para encontraros y terminar de instalar todo para las conversas, ya del otro lado de la lnea, ya en Vilar Formoso, en el Bar Turismo (qu coincidencia, no?) Recuerdo que antes de pasar la lnea haba un montn de golondrinas sobrevolando la zona.
edurne 19:41

Ya estoy de vuelta, un momento que leo...

edurne 19:35

Es verdad! Vinisteis un poco antes para conectar el telfono al ordenador. Estuvimos haciendo pruebas: Jlio llamaba con su mvil a 10 metros y t intentabas grabarlo... Lo que recuerdo perfectamente, era el ruido de las maquinas maaneras que limpiaban con agua a presin la frontera.
loreto 19:42

Yo no viv el camino desde la estacin a la frontera... Bueno, s, pero no con la expedicin. Ion6 y yo fuimos de avanzadilla para buscar un lugar donde instalarnos. Fuimos corriendo y nerviosos... Necesitbamos encontrar electricidad para el altavoz y los ordenadores y era casi la hora de nadie, faltaban unos veinte minutos para las 9h... Ion quera ir a un campamento gitano cercano a la aduana y pedirles un lugar para enchufarnos...
loreto 19:38

No funcionaba! Recuerdo que Jlio nos describa el lugar, la arquitectura, las diferencias (los entres)... y que termin cantndonos una cancin en portugus.
19:43

Yo tambin, an escucho las mquinas a nuestra beira.

edurne 19:43

Ya no me acordaba del campamento gitano!

edurne 19:38

nosso lado...
loreto 19:44

La idea del campamento nos gustaba, pero al nal decidimos no alejarnos, quedarnos en la frontera. Fue una decisin que tuvimos que tomar en cuestin de segundos. Me pregunto que habra pasado si hubisemos ido hasta el campamento gitano...

Me pregunto qu se preguntaran los pasantes del bar Turismo cuando nos vean all fuera con ordenadores, telfonos, altavoces...

Zehar]130]131 edurne 19:45 loreto 19:55

Cuando preguntamos al encargado del bar si podamos pasar un alargador hasta la terraza y utilizar todas las mesas, nos miro extraado, pero no pregunt nada... muy portugus no?
loreto 19:46

Cmo pensamos en entrevistar a Alicia?

edurne 19:55

Estuvimos leyendo sobre el proyecto fadaiat, en el estrecho.

19:57

Qu saudades ! Um bolo de arroz e uma meia de leite por favor!

edurne 19:46

:-P
loreto 19:47

Una accin-evento-laboratorio en torno a la libertad de conocimiento y la libertad de movimiento en el estrecho de Gibraltar, frontera entre la Europa Fortaleza y el frica de la multitud. Y http://fadaiat.net p . Nos interesaba su bsqueda de nuevos trminos, nuevas geografas, nuevas formas de belleza... Hablaban de las nuevas tecnologas con palabras de pasin, proponiendo otros usos... Nos atraa su relato utopista... nuevas relaciones entre trabajo, poltica y arte.
loreto 19:58

No podramos decir que es un lugar de nadie...

edurne 19:47

S, en realidad es un lugar muy concreto.

loreto 19:48

Pienso en lo que dice una mujer en Performing the Border de Ursula Biemann. Que para que la frontera devenga real se necesita el cruzar de los cuerpos, sin ello no es ms que una construccin discursiva.
19:49

Es cierto, pero ella no nos habl de fadaiat o s? Nos habl de otro proyecto en la frontera entre el Alentejo y Extremadura no?
edurne 19:59

La pelcula tiene lugar en la frontera EEUU (/) (-) Mxico. Cuando la voz en off nos dice esto, un coche circula al borde de un tramo de la frontera que est en medio de la nada, del desierto, construida como en una tierra de nadie.
19:51

Es verdad! Se me haba olvidado! Me he adelantado...

loreto 19:59

Adelantando? De dnde? Hacia dnde?

edurne 20:00

Aqu, hay dos pueblos, casi unidos. En medio, las casetas de las aduanas, que estn vacas (pero las banderas bien erguidas al viento) Ser esto lo nico que queda de esta construccin discursiva? La aduana / la alfndega a (adems de la memoria individual y colectiva)?
edurne 19:54

En realidad ni siquiera s si llegamos a hablar con ella de fadaiat t... fadaiat t ocurri en el 2005 (creo) y era la continuacin de un proyecto sobre el que Alicia s que habl: Almadraba (1997). Pero en realidad del primer proyecto del que nos habl fue de Alm da Agua a (1996), tambin en la frontera con Portugal.

Recuerdo que Santi empez la primera conversa y que comenz diciendo: Aqu estamos, rodeados de estupendas personas e intiles banderas. Eran las 9h, hora espaola, las 8h, hora portuguesa. Llam a Sevilla, a Alicia7, que acababa de dejar a la nia en la guardera.

Te acuerdas de lo que me acuerdo?]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio loreto 20:01 20:11

Ah! S! Alm m = ms all (del agua). Ms all de ese tramo del Guadiana que dibuja la frontera entre... El agua, como metfora, como fuente de vida, como uir...
20:02

...como vehculo de conocimiento y de transmisin de ideas...

edurne 21:02

S, releo mis notas y en esas notas ella se preguntaba si ese no posible sera... a causa de nuestra inexperiencia? Nuestra ingenuidad? Nuestra falta de entendimiento? Nuestra prepotencia? Nuestro mirar impositivo occidental? Nuestra falta de tiempo?
edurne 20:12

S.
20:14

Cultura otante dijo.

21:04

Te acuerdas de las notas que ley sobre una accin con unas pateras o barcas?
loreto 20:05

Eso fue una accin ya en el proyecto Almadraba. Queran explorar esa cercana (15km de ancho separa Europa de frica) y esa lejana al mismo tiempo, lo prximo y lo que nos separa...
20:06

La verdad es que el orden de la tres conversas funcion bien: primero Alicia con una visin muy poltica y social, despus Oskar8 hablando sobre la cercana de los cuerpos y luego Vila - Matas, quien creo recordar nos habl ms del viaje.
loreto 20:15

La intervencin se llamaba La misma tierra. Dos pateras llenas de arena partan cada una de una orilla. Iban a encontrarse en medio del estrecho y all intercambiar la arena. Volver a las playas para depositar la arena extranjera que as dejara de serlo.
20:07

S, de la idea de viaje. No tanto del viaje fsico sino del viaje mental. Entre esos dos viajes. Habl por ejemplo de Roussel, quien dio dos veces la vuelta al mundo, pero que poco escribi de ello en sus libros... (Parece ser que para escribir Impressions dAfrique e viaj a frica, pero no sali de su habitacin de hotel).
20:16

Tambin nos dijo que l viajaba mucho pero que su verdadero viaje tiene lugar alrededor de su escritorio, en su escritura.
edurne 20:16

Pero no fue posible realizarlo...

edurne 20:07

S, no me acordaba muy bien en qu consista exactamente la accin, pero recuerdo la frustracin, la imposibilidad... Creo que hablaba de ingenuidad (cultura/realidad) y de TIEMPO, esperando el permiso, el tiempo de espera...
20:08

Y Santi mencion el viajero inmvil, Robert Walser.

20:19

S. Pero volvamos al TIEMPO. Oskar nos habl del tiempo te acuerdas?

edurne 20:20

Bueno, no estoy segura de que esto fue lo que ella dijo. Quizs sea mi manera de interpretarlo.
loreto 20:09

Por eso estaba pensando en cmo las conversas se fueron entrelazando: Alicia termin hablando del tiempo (tiempo occidental) y Oskar se preguntaba despus cmo salir del tiempo?

Estuvieron esperando dos das, pero uno de los permisos no llegaba.

Zehar]132]133 loreto 20:21 loreto 20:30

Un drama o una tragedia que tenemos como especie, el tiempo que nos ha tocado vivir, dijo.
edurne 20:23

Y cuando uno vuelve a casa, uno ya no es de all, est entre. (y dans la vi ie)
edurne 20:31

De alguna manera, el nuestro, era un intento de salir del tiempo. La hora de nadie consista en un parntesis espacial y temporal: estbamos viviendo, trabajando, entre las 9h y las 9h, entre dos lugares. Dependiendo de que lado de la frontera se mirara el reloj, estbamos viviendo el futuro o el pasado del uno o del otro. Un viaje en el tiempo de una hora.
loreto 20:25

Quizs tenga algo que ver con el viaje rectilneo del que nos habl Vila-Matas:
20:31

Sin querer asustar a la expedicin: hay un viaje moderno que no es el viaje circular de la Odisea, es un viaje rectilneo del que habla Magris, un viaje sin posible retorno dijo (y me dio un escalofro).
20:32

Dijo: Vosotros estis de viaje y el viaje es una situacin fronteriza de por s.

edurne 20:25

Ion y Oskar hablaron de la frontera del Bidasoa, del Puente Internacional de Irn.
loreto 20:26

Ms tarde le he odo decir lo mismo en conferencias y entrevistas, pero nunca me ha impresionado tanto como ese da en la frontera.
loreto 20:36

Es Pessoa quien escribe: Viajar! Perder pases! Ser outro constantemente, Por a alma no ter razes De viver de ver somente! No pertencer nem a mim! Ir em frente, ir a seguir A ausncia de ter um m, E a nsia de o conseguir! Viajar assim viagem. Mas fao-o sem ter de meu Mais que o sonho da passagem. O resto s terra ecu9.
edurne 20:38

S, con ellos viajamos por tres fronteras: de Irn, all donde ellos nacieron, a Vilar Formoso, all donde estbamos nosotros y desde las aduanas de Ginebra, donde Oskar estaba trabajando en ese mismo instante, rodeado de camiones, de vagones... Al igual que en Irn, como l recordaba, y al igual que a nuestro alrededor... (viajamos mentalmente, cada uno con su experiencia de, su memoria colectiva o no, su imaginacin, su ccin)
edurne 20:29

Incluso recuerdo que habl del hecho de vivir en un pas que no es el tuyo, una especie de vida fronteriza... Algo que yo siempre he sentido desde que vivo aqu.
loreto 20:29

(moi aussi i)
edurne 20:30

tre un etranger vie.

Cuando le preguntaste por cmo retoma, parafrasea, Pessoa, diciendo: Viajar, perder suicidios, perderlos todos. Viajar hasta que se agoten las nobles opciones de muerte que existen, dijo que era una frase que le haba servido para muchas cosas. :-)

Te acuerdas de lo que me acuerdo?]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio loreto 20:39 loreto 20:51

Viajar, perder teoras, perderlas todas, en una invitacin a Lyon nadie vino a buscarle a su llegada y pas 24 horas en su habitacin de hotel escribiendo una teora sobre la novela... De regreso en tren a Barcelona se dio cuenta de que lo que tena que escribir no era una teora sino una novela. Y as llego a perder todas las teoras para comenzar una novela.
edurne 20:43

Est claro que si te da la risa, si tiemblas o si sudas, no lo puedes evitar.

edurne 20:53

Vila-Matas tambin habl de verdad / ccin (= mentira?) en la literatura... Una dicotoma cristiana y un poco tonta, nadie escribe para mentir.
loreto 20:53

Oskar tambin hablaba de perder, de perder peso (del pasado?)

loreto 20:43

:-D
20:53

Del pasado? No recuerdo si dijo del pasado, pero s de relajarse intelectualmente y dejarse ir. (Y s, intelectualmente es pasado, no?).
edurne 20:46

La pieza de la que nos hablaba se llamaba El sndwich, verdad?

loreto 20:46

Nos habl de cuando le invitaron a UNIA a un encuentro con Bernardo Atxaga sobre realidad y ccin. De viaje hacia Sevilla pensaba que Atxaga no vendra al encuentro. Cuando lleg a la estacin, un taxista le estaba esperando, pero all decidi que sera l el que no asistira al encuentro y decidi desaparecer.
edurne 20:56

No, el sndwich era el ttulo entre nosotros, dijo. Pero el verdadero ttulo es Sin ttulo.
20:47

As empieza Doctor Pasavento, no? decide no coger el taxi y marcharse a Npoles. Y desde entonces, las escaleras mecnicas de la estacin (que existen) le recuerdan que un da desapareci. (la desaparicin fue mucho ms verosmil de lo que realmente aconteci)
loreto 20:58

Despus de un recorrido, el pblico entraba en una sala y era invitado a acostarse sobre un cuerpo que ya estaba all acostado en el suelo. Luego otro cuerpo se acostaba sobre l, quedando as el espectador en un sndwich. Ah, se le contaba una autoccin que hablaba sobre perder peso ...ahora no recuerdo si esta situacin aconteca individualmente o si eran un grupo de cuerpos en sndwich (yo me los imagino en lnea)
edurne 20:50

S, dijo: Tengo la impresin de que all pas algo importante en mi vida.

edurne 21:00

Qu habra pasado si en vez de hacer las conversas en el Bar Turismo hubisemos ido al campamento gitano?
loreto 21:01

Una situacin en la que no se puede mentir.

20:51

Eso es! Quizs ah pueda empezar nuestro relato.

Los cuerpos estn tan prximos que la mentira es imposible.

Zehar]134]135 Post Data loreto

Me pregunto... por qu, cmo surgi la idea de hacer este momento... esta parada entre.
edurne

Yo creo que la idea de las conversas en la frontera, surgi prcticamente al mismo tiempo que miaketak k... No recuerdo si fue en una reunin en Arteleku o en Serralves. Ion y Blanca nos haban propuesto re-pensar con ellos Mugatxoan.
loreto

Hablamos de la movilidad de Mugatxoan, como un proyecto autnomo e itinerante (familia rodante?) y que era acogido por diferentes estructuras... Tambin, como nosotras ya habamos pasado por la experiencia de Mugatxoan, nos decamos que ese momento de viaje, ese pasaje, entre Donostia y Porto formaba parte de la experiencia y que tenamos que tenerlo en cuenta.
edurne

A partir de esas reuniones se creo miaketak (que signica exploradoras). Desde entonces viajamos con Mugatxoan (que signica en la fronterita)
loreto y edurne

miaketak k somos: alejandra, amaia, edurne, jlio, larraitz, loreto, mara, sandra.

Te acuerdas de lo que me acuerdo?]Loreto Martnez Troncoso, Edurne Rubio

Enrique Vila-Matas, escritor. (Pero la mejor parte de la biografa de un escritor no es la crnica de sus aventuras, sino la historia de su estilo. Vladimir Nabokov. Opiniones contundentes). Santiago Eraso, exdirector de Arteleku, inspira, acompaa y apoya Mugatxoan desde sus inicios hasta ahora. En la actualidad forma parte del equipo de contenidos de UNIA arteypensamiento de la Universidad Internacional de Andaluca y es colaborador independiente de diferentes instituciones pblicas, empresas culturales y otros tantos movimientos sociales. Es importante tener en cuenta cuando se viaja a Portugal que existe una diferencia horaria de 60 minutos. All es una hora menos que en Espaa. Y www.emprenderviajes.com/ informacion_de_inters_de_portugal.htm

Mi hiptesis de trabajo era que toda memoria un poco larga es ms estructurada de lo que parece. Que fotos tomadas aparentemente al azar, postales elegidas segn el humor del momento, a partir de cierta cantidad, comienzan a dibujar un itinerario, a cartograar el pas imaginario que se extiende hacia nuestro interior. Recorrindolo sistemticamente estaba seguro de descubrir que el aparente desorden de mi imaginera esconda un plano, como en las historias de piratas. Ion Munduate dirige junto a Blanca Calvo el proyecto artstico Mugatxoan. La hora de nadie e se llevo a cabo el 30 de junio del 2008 durante el viaje que Mugatxoan realiza, como en cada edicin, desde Donostia hasta Porto. Y www.mugatxoan.org/blog Alicia Pinteo es miembro de BNV producciones, empresa cultural que organiz Alm da Agua, Copia Cabana a en 1996 y Almadraba a en 1997. Un dilogo crtico entre el arte y la mundializacin del mercado y la cultura, entre arte y vida. Oskar Gomez-Matas es miembro de la compaa de teatro LAlakran, particip en Mugatxoan 2006 dando un taller y presentando la pieza Optimistic vs Pesimistic. En Mugatxoan 2009 present su nueva pieza: Karos, Ssifos y Zombies. Viajar, perder pases! / Ser otro constantemente / por el alma no tener races / de vivir, de ser solamente. / No pertenecer ni a m! / Marchar al frente, ir siguiendo / la ausencia de tener un n, / y el ansia de conseguirlo! / Viajar as es viaje / pero lo hago sin tener de m / ms que el sueo del pasaje. / Lo dems es tierra y cielo.

Zehar]136]137

Ornitorrinkus: Maialen Lujanbio, Judith Montero

Stripping off the corset in public

Ornitorrinkus: bertsolaritza and experimental music

Stripping off the corset in public...]Ornitorrinkus

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Ornitorrinkus session To convey the notion of a verse session, English uses the term performance. The term in Spanish is actuacin and in Basque saioa [session]1. Note the similarity: a performance is the act of forming or executing an action or feat. In other words, a session. When we rst started Ornitorrinkus, and had to explain what it was in writing, we were faced with the problem of what to call it? It is not a show; or a concert; it is not a happening, in the classical artistic sense. It may be performance: but who performs it and who receives it...? An event? As yet it is not a term that is generally used to describe an artistic activity... Like so many other occasions, the answer lay back at the source, in the very word that we had heard so often we had forgotten all about it: saioa, or session. Ornitorrinkus is a session that combines bertsolaritza2 and experimental music.

Performance and Ornitorrinkus Esther Ferrer argues that performance art is the art of presence, of space and of measured time. For John Cage, music is something that happens in a measured time. Music and performance art, therefore, have one important characteristic in common: they are actions that occur over time, they are situations. Ferrer herself denes her work as gesture music. Performance art is, therefore, a situation. A situation created through action.

Translators Note: Rather than attempt to transfer into an English context this comparison of the different terms used in different languages, this passage adheres closely to the original Basque, with close cognates used in the translation. Bertsolaritza: extemporary verse singing in the Basque tradition. A verse is a bertso and the performers are bertsolaris. It Is Not the Homosexual Who Is Perverted, But the Society in Which He Lives. Rosa von Praunheim, 1970.

Zehar]138]139

Sound/word action in bertsolaritza and in music It may be performance art, then, but if it is an action, what is an action? Does it inevitably need to be physical? Gestural? Can the actions be only word-actions? In verse sessions the action is in the words: not in the gestures; not in corporeal expression; not in physical action. Action is represented by word, and happens in the mind of the listener. It is imaginary. The world of music is tremendously broad, but if we limit ourselves to instrumental music, then we can say that the physical action consists of creating sound, of playing. Any other gestures that may be produced will be gestures intended to emphasise the rises and falls and the movements of the music. Furthermore, what the sound action expresses is something entirely abstract. But even without representing anything specic, music has an extraordinary capacity to activate our most private feelings (the adjective universal is often applied to music, but it is also considered to be manipulative). What action happens then in the mind of the listener, when he or she listens to the sound, to the music? This is not easily decipherable; it is not descriptive. So what imaginary action happens in the mind-stomachcrotch-foot-etc. of the receiver? Might one say, perhaps, that there is a common imaginarium when it comes to building those actions in the minds of the listener? Are there timeless codes with collectively unied meanings? And what is the weight of gender in giving meaning to the actions?

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Performance and gender

For Judith Butler, gender is a way of acting, a kind of performance, a result of the obsessive repetition of actions to construct identity. Ramos Lpez, Pilar (2003) Feminismo y msica. Introduccin crtica. Madrid: Narcea Ediciones.

The rst step is to be aware of that learnt way of doing things; to observe the way of going about things, and to start working from there. As the Alexander technique says, if you want to correct an incorrect body movement the rst thing to do is not to try to change the movement itself, because the result will always be inadequate. The rst step is to stop doing what you are doing. Applying this principle to gender, instead of modifying those repeated actions, stopping doing them would be a major step forward: not doing what you do. If gender is a way of proceeding, then we need to ask ourselves what are the ways of doing things in bertsolaritza and music. Relating the characteristics of performance art with bertsolaritza, we might say that there are two main features: Presence: stillness of the body but important: physical presence and voice presence. Occupation of space, being the centre... Action: of word, argumentary, opinion, positioning. Taking the oor, keeping the oor... in bertsolaritza the message is a basic element; one bases oneself on argumentation and dialectic. The

stillness of the body is a support to the message, a way of avoiding distractions; this is how it is performed today. In the case of music, the presence and the action are entirely joined. The very action of playing an instrument entirely conditions the presence; some are played sitting down, others standing; they can be played by knocking (percussion), plucking (strings) or by placing them in the mouth and blowing (wind), etc. Historically, musical instruments have been gender-classied: originally women were banned from playing instruments that needed to be placed in the mouth, and later on they simply avoided them. A woman who plays the harp is seen very differently to one who plays the drums or the trombone; her presence on the stage is entirely different. Ornitorrinkus uses the whole family of saxophones, from the soprano sax (the smallest) to the baritone sax (the largest with the lowest sound). The presence of the instruments, combined with the fact that they are being played by women, can entirely condition the way the action is perceived.

Zehar]140]141

Actions in public spaces Bertsolaritza and musical actions take place in public spaces. What historical difculties have women endured in performing in public spaces? To date, bertsolaritza has been seen as being a mans eld. But we know that there have also been women bertsolaris. The rst reference we nd is in the old fueros, or laws of Bizkaia, drawn up in 1452. Women who are known as shameless local troublemakers and make stanzas and verses in the form of libel (whom the law calls profazadas (abominated women). Such profazadoras were banned from singing verses to the dead, on pain of a ne of one thousand maravedis. And precisely because of that prohibition, we know that women were singing. In other words, the known history of women bertsolaris begins with a prohibition. We do not have to go so far back in the world of music to nd similar prohibitions. For example, in the Alarde (troop review) procession in Irun, women members of the bands do not play on San Marcials Day of their own free will they tell us. The women of the txarangas or brass bands who participate in the St. Sebastians Eve celebrations in San Sebastian have had a lot of trouble joining some of the societies. The musicians at the Vienna New Years Concert are all men: women are banned from participating... Things are changing gradually, but it is still easy to nd such examples. How do these attitudes affect womens experiences with music? Since the profazadoras there have been other women bertsolaris working with improvisation, as their children and grandchildren can still attest today: The bertsolari in our house was our aunt. Yes, they sang verses, but always in the private sphere, within the four walls of their houses. Not in public spaces. A woman in a public space, as the centre of attention, the holder of the word, the protagonist of the festival..., was something completely inconceivable until very recently. And this is still the case today, even if things are gradually changing. A woman who wants to sing (or anything else) in public, will encounter major problems. In music too, there have always been women musicians. But the difference is between composers and performers: many women have been performers, primarily in the aristocracy. Subsequently, with the emergence of the bourgeoisie, many households had musical

Stripping off the corset in public...]Ornitorrinkus

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instruments, and with the introduction of the upright piano (which could be placed against the wall of the sitting room), a broad range of new possibilities opened up for people wanting to play music at home. It was common for the members of a family to gather together each night to play music, each one on a different instrument. Women too, of course. In the private space. It was seen as proper for a woman to know some music, but almost as an ornamental feature. While she was still single. As a kind of entertainment. Yet although Mozarts sister was a hugely talented performer, her father decided that the great musician would be the son, and it was he who was brought to court. Clara Schumann (Germany, 1819-1896) was an extraordinary concert pianist; she was born and raised in a famous family of musicians, and was highly successful on her 40 concert tours. She was one of the great names of her time. She married Robert Schumann, had 8 children, and for a long time the family lived off the money she had earned... but despite having a solid grounding as a composer, and still being admired as a pianist and a composer, she said: I once believed that I possessed creative talent, but I have given up this idea; a woman must not desire to compose there has never yet been one able to do it. Should I expect to be the one? Her case is as signicant as it is singular. Although things have changed somewhat, has the change been the same in all areas and genres of music? There are plenty of women music teachers, but what about stage performances? How many women performers do you get in the festive verbena groups, when it comes to making instrumental music in a party atmosphere? Or are they mostly just singers? Why? What function do singers in groups perform? What happens to women when they go out on stage?

Zehar]142]143

Sound/word presence: in bertsolaritza and music Women are not trained to occupy a space or to take the oor and keep it. The centre and the oor (the word), the spotlight: these are not the places for them. Women are not brought up to lead a large group, much less if that group is formed by men. Seeing a woman at the centre of attention often conveys a sense of discomfort and insecurity to the receiver... even when the receiver is a woman. Feelings of identication, of representation, tend to arise that are clear examples of an unhealthy situation.
Verse has helped me feel uncomfortable in the world (...) The exercise of responding to the rhymes has taught me that I have not been taught to say things without thinking (...) When opening the verse session I learnt that I was not educated to take the initiative: its better if someone else starts and I follow on afterwards (...) The moment I went up on stage I realised I hadnt been educated to go round unprotected: if there are six bertsolaris, I nd it difcult to go rst or last. Id rather be in the middle, protected from in front and from behind (...) When choosing a companion to versify with, I realised I wasnt brought up to have an authoritarian voice. Why did I call that guy to come for the verse session in that area? (...) Why do I sometimes need a male voice at my side? (...) Why do I feel more comfortable in a theatre than in a pelota court? Why do I sing lower and lower? Why do I like the music I do for the verses? Why do I sometimes feel like sitting down on a stool, putting on a dress and singing with my legs crossed? Uxue Alberdi: Zu emakumea zara 2008/10/29, Berria.

At the same time, a womans word does not have either the weight or the credibility of a mans. Women have had the experience of not being listened to, and they are afraid it might happen again. They always start their involvement by asking for permission: I think... I dont know, err.... but... I feel that, err... It is men who grant legitimacy. At a popular meal (and in many other contexts), the fact that there are two women singing provokes even for the bertsolari herself a sense of insecurity and doubts as to the legitimacy of what they are doing. Women arent used to being the centre, let along being the heart and soul of the party. Fiestas and women, like humour and women, are still delicate subjects even today... subjects that need to be investigated. Someone who acts in public needs to display self-condence. Through the word, through the body, through the pose. And that security is what is often lacking amongst women. Of course, men may be lacking it too, but women, in general, are not educated for this purpose.

Stripping off the corset in public...]Ornitorrinkus

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How do we move on? Despite all the difculties, many women have managed to make a name for themselves in bert+solaritza.
The one from Arrate is a forcible, full, singlepieced body, and that means that it is rooted in Basque Culture (...), that it is a body that matches the corporeality of bertsolaritza. But at the same time it implies a challenge to its own culture and from inside it. (...) My central argument is that the body has had a central role in the presence and legitimising of women in a world of men, just as bertsolaritza has been until recently and as it continues to be in some way more generally in Basque society. Esteban, Mari Luz (2004) Antropologa del cuerpo: genero, itinerarios corporales, identidad y cambio. Barcelona: Ediciones Bellaterra.

Something similar happens in the world of music; skill is often measured in terms of strength, speed and the capacity to reach the loudest notes, in the role of the leader. And so it is clear that in order to succeed in public artistic activity, the only way is to be good, twice as good, better than men themselves at these skills. But even going part of the way down the road with these skills, even being accepted on the basis of those characteristics, one also feels other desires. A desire to show and demonstrate different attitudes. To remove the corset that oppresses us. But, how then can we nd a way of showing those other attitudes, those other tones of voice, those other themes, in another space? Ornitorrinkus was set up to try to answer that question.

When it comes to singing verses, women have been judged mainly in terms of those characteristics that are considered most masculine: swiftness in responding, rmness, self-condence, force, lack of embarrassment, uncowardliness... Mari Luz Esteban, however, adds that these characteristics are not masculine, but poses and attitudes that form a whole with Basque culture. In short, the people who have been successful in bertsolaritza to date have been people with these characteristics. (In bertsolaritza, being a drag-king means being a plazagizon, in other words, being self-assured in front of an audience). But the problem is that from their wide range of characteristics they have only managed to use those ones. Is bertsolaritza possible with other types of characteristics?

Zehar]144]145

Ornitorrinkus The principles of Ornitorrinkus are clearly set out in the name of the group: Ornitorrinkus means duck-billed platypus, an animal that was unknown to Europeans and yet existed. When they did d discover it, European scientist ts ts took years to work out how to classify it. The classications they proposed varied depending on n the particular aspect they used, ed but there was always something left undened. It didnt t their moulds. It looked like an animal made up out of different pieces from other animals, and in a single body it contained features that had previously been thought to be incompatible. The idea of the unclassiable, of the ambiguous, whose identity cannot be told; that is the form and meaning of Ornitorrinkus. And its raw material is experimental verse and music.

\ [Alberto Elosegi]

Stripping off the corset in public...]Ornitorrinkus

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Presence, time and space in Ornitorrinkus One of the aims of Ornitorrinkus has been to deconstruct, in the broadest sense, the learnt action to which we have already referred. Deconstruct or question: the way of being a woman; the way of understanding spectacle and its place; the way of understanding music; the way of understanding bertsolaritza, the singing of verses... Pointing out what cannot be seen, what cannot be heard, what is not important, is one of the recurring themes of Ornitorrinkus. Not only pointing out through word and description, but transforming what-it-is-not into something that is; and the raw material for that transformation is, precisely what -is-not: silence as a part of the contents and a sound element, as the raw material for creation; and likewise, breathing, which is given a presence and importance it does not normally receive; volume... We normally focus our attention on sounds that have no presence. Ornitorrinkus examines sounds, words, situations that are out of the spotlight. And the same is true of the physical space of the session. Making the invisible visible. Ornitorrinkuss rst session, for example, was performed in the Leoka wash-house in Hernani; the session was intended to examine in a new way a place that has always been there, or rather over there, separate, hidden. Just as postmodernism has done, we utterly question the divisions between concert/folk, oral/written and traditional/experimental music. Our aim is to offer synthetically things that a priori seem distant and incompatible, and to do this we try to nd a common language. Ornitorrinkus asks questions about the role imposed on the audience by the well-known common codes used in bertsolaritza, and about the place in which the experimental music places the listener. Using imaginary common codes and altering them through action, offering our perception multiple possible interpretations. It tries to change the relationship with the audience; turning the audience into an active part of the situation/session. Beginning with the position, and continuing through the action. Ornitorrinkus, as its name suggests, is a session for questioning classications and studying what happens when one escapes from the attitudes corresponding to those classications. Centre/fringe, important/ unimportant, heard/unheard, obligation to be a certain way, inability before the audience, postural attitude... clearly; these are all metaphors that are directly related to gender roles. Speaking about the need to classify and regulate everything, Ornitorrinkus says: What cannot be classied, then, classies as unclassiable.

Zehar]146]147

O nito Or nito t rrin nkus: s Maialen Lujanbio, Judit ith h Mo Mont nte nt ero

Ornitorri inkus: bersolaris smo y msica exp per rimental

\ Sesin Ornitorrinkus. [Alberto Elosegi]

Despojndose del cors en pblico...]Ornitorrinkus

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\ Sesin Ornitorrinkus. [Alberto Elosegi]

Zehar]148]149

Ornitorrinkus saioa Para expresar lo que es una sesin de versos, en ingls se utiliza la palabra performance. En castellano actuacin, en euskara saioa. Reparemos en la similitud. Performance: plasmar, r ejecutar, r accin o proeza. Una sesin, en denitiva. Cuando empezamos con Ornitorrinkus, a la hora de dar una explicacin por escrito nos encontramos con esa dicultad: cmo llamarle? Espectculo no es; concierto tampoco; performance, en su sentido artstico clsico, no; representacin... Quin la realiza y quin la recibe...? Evento... a da de hoy no se ha utilizado este trmino para nombrar una actividad artstica... Y como muchas otras veces, la solucin estaba en el origen, en una palabra en la que, a fuerza de orla, no reparamos: Sesin. Ornitorrinkus es una sesin que combina bersolarismo y msica experimental.

Performance y Ornitorrinkus Esther Ferrer arma que performance es el arte de la presencia, del espacio y del tiempo medido. Para John Cage, la msica es algo que sucede en un tiempo medido. As, la msica y la performance tienen una importante caracterstica en comn. Son acciones que suceden en el tiempo, son situaciones. La propia Ferrer dene su actividad como msica de gesto. La performance es, pues, situacin. Situacin creada por medio de la accin.

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Accin sonido / palabra: en el bersolarismo y en la msica Performance, pero, si es una accin, qu es una accin? Es imprescindible que sea fsica? Gestual? La accin puede ser solamente de palabra? En las sesiones de versos la accin est en las palabras, no en los gestos, no en la expresin corporal, no en la accin fsica. La accin es representada por la palabra, y sucede en la mente de los oyentes. Es imaginaria. El mundo de la msica es tremendamente amplio, pero si nos limitamos a la msica instrumental, su accin fsica es crear sonido, tocar. Y el resto de gestos que se puedan producir, sern gestos dirigidos a enfatizar los altibajos y los movimientos de la msica. Adems, lo que expresa la accin sonora es algo totalmente abstracto. Pero, aun sin representar nada concreto, la msica tiene una capacidad extraordinaria para movilizar los sentimientos ms ntimos (a la msica se le aplica el adjetivo de universalidad, pero tambin se le imputa una naturaleza manipuladora). Qu accin sucede entonces en la mente del oyente, cuando escucha el sonido, la msica? De hecho, no es fcilmente descifrable, no es descriptiva. Por lo tanto, qu accin imaginaria sucede en la mente -estmago-entrepierna-pie... del receptor? Podramos decir, acaso, que existe un imaginario comn a la hora de construir esas acciones en las mentes de los oyentes? Existen cdigos intemporales con signicados unicados colectivamente? Y cul es el peso del gnero a la hora de dotar de signicado a las acciones?

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Performance y gnero
Para Judith Butler, el gnero es una forma de proceder, una especie de performance, resultado de la repeticin obsesiva de acciones para la construccin de la identidad. Ramos Lpez, Pilar (2003) Feminismo y msica. Introduccin crtica. Madrid: Narcea Ediciones.

El primer paso es ser consciente de esa forma aprendida de proceder. Observar el modo de proceder, y a partir de ah empezar a trabajar. Como arma la tcnica Alexander, para corregir un mal movimiento corporal lo primero no es intentar cambiar el movimiento, porque el resultado tambin ser inadecuado. El primer paso es dejar de hacer lo que se est haciendo. Aplicando ese principio al gnero, en lugar de modicar esas acciones repetidas, dejar de hacerlas sera un gran paso. No hacer lo que se hace. Si el gnero es una forma de proceder, debemos de preguntarnos cmo son las formas de proceder del bersolarismo y de la msica. Relacionando las caractersticas de la performance con el bersolarismo, podramos decir que este tiene dos caractersticas principales: Presencia: quieta pero importante. Presencia fsica y presencia de voz. Ocupacin del espacio, ser el centro... Accin: de palabra, argumental, opinin, posicionamiento. Tomar la palabra, mantener la palabra... En el bersolarismo el mensaje es un elemento fundamental, se basa en la argumentacin y la dialctica. La quietud del cuerpo es, a su vez, un apoyo al mensaje, una forma

de no provocar distorsiones; as se interpreta hoy en da. En el caso de la msica, la presencia y la accin estn totalmente unidas. La propia accin de tocar el instrumento condiciona totalmente la presencia; unos se tocan sentado, en pie otros, los hay que se tocan a golpes (percusin), o frotndolos (los de cuerda), o los de viento introduciendo una parte en la boca... Los instrumentos musicales han sido clasicados desde un punto de vista de gnero en la historia, primero prohibiendo que las mujeres tocasen instrumentos que deben introducirse en la boca, y evitndolo despus. Percibimos de muy diferente manera una mujer que toca el arpa, o una que vemos tocando la batera o el trombn, la presencia sobre el tablado es totalmente diferente. En Ornitorrinkus se utiliza toda la familia del saxofn, desde el saxo soprano (el ms pequeo) hasta el bartono (el mayor y de sonido ms grave), y su presencia, unida a que los toque una mujer, puede condicionar totalmente la forma de percibir esa actuacin.

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Actuaciones en espacios pblicos Las actuaciones de bersolarismo y de msica se producen en espacios pblicos. Qu dicultades histricas ha sufrido la mujer a la hora de actuar en espacios pblicos? El bersolarismo ha sido un campo de hombres, as ha sido considerado hasta ahora. Pero sabemos que tambin ha habido mujeres bersolaris. La primera cita que encontramos es la de los fueros viejos de Bizkaia, de 1452. Mujeres que son conocidas por desvergonzadas y revolvedoras de vecindades y ponen coplas y cantares a manera de libelo (que el Fuero llama profazadas). Estas profazadoras tenan prohibido cantar versos a los difuntos, bajo multa de mil maravedes. Y precisamente esa prohibicin de cantar es la que nos demuestra que cantaban. Es decir, la historia conocida de las mujeres bersolaris comienza con una prohibicin. En el caso de la msica, no necesitamos remontarnos siglos atrs para encontrar prohibiciones. Por ejemplo, en el Alarde de Irn, las mujeres miembros de la Banda de Msica no tocan el da de San Marcial, por voluntad propia nos dicen... Las mujeres de las txarangas que participan en la vspera de San Sebastin en Donostia han tenido muchos problemas para poder entrar en algunas sociedades, en el Concierto de Ao Nuevo de Viena los msicos son hombres y las mujeres tienen prohibido participar... Las cosas van cambiando poco a poco, pero todava es fcil encontrar casos de este tipo. Cmo afectan estas actitudes a las vivencias de las mujeres con la msica? Despus de las profazadoras tambin ha habido mujeres bersolaris, que trabajaban la improvisacin, tal y como hoy en da todava nos cuentan sus hijos y nietos: la mejor bersolari de nuestra casa era la ta. S, cantaban versos, pero siempre en el espacio privado, dentro de las cuatro paredes de sus casas. No en espacios pblicos. La mujer en un espacio pblico, como centro de atencin, duea de la palabra, protagonista de la esta... Era algo totalmente impensable hasta hace bien poco. Y lo sigue siendo todava, a pesar de que las cosas van cambiando poco a poco; la mujer que quiera cantar (u otra cosa) en pblico, tendr grandes problemas. En la msica tambin, siempre ha habido mujeres msicos. Pero la diferencia est entre compositores e intrpretes: muchas mujeres han

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sido intrpretes, primeramente en la aristocracia. Despus, la aparicin de la burguesa posibilit que hubiese instrumentos musicales en muchas casas, y la creacin del piano, con su versin de pared (un piano adecuado para colocar contra la pared de la sala de estar), ofreci un amplio campo de posibilidades a las personas que tenan costumbre de tocar en casa. Era muy habitual que todas las noches los miembros de una familia se reuniesen para tocar msica, un instrumento cada uno. Las mujeres tambin, por supuesto. En el espacio privado. Vean adecuado que una mujer supiera algo de msica, pero casi como elemento decorativo. Mientras estaba soltera, a modo de entretenimiento. Pero, por ejemplo, a pesar de que la hermana de Mozart era una intrprete de gran talento, Wolfang Amadeus padre decidi que el gran msico sera el hijo, y ste fue el que llev a la corte. Posteriormente, en el siglo XIX, no podemos dejar de citar el caso de Clara Schumann (Alemania, 1819-1896): fue una extraordinaria concertista de piano, se cri y educ dentro de una famosa familia de msicos, y cosech gran fama en las 40 giras que realiz. Fue uno de los grandes nombres de la poca. Se cas con Robert Schumann, tuvo 8 hijos, y durante largo tiempo la familia se mantuvo gracias al dinero que ella haba logrado... Pero a pesar de tener una slida formacin como compositora, an siendo admirada como pianista y como compositora, dijo: un tiempo pens que tena cierta capacidad para crear, pero he renunciado a esa idea; una mujer no debe tener deseos de componer msica. Si hasta ahora nadie ha conseguido hacerlo, qu puedo esperar yo?. El caso de esta mujer es tan signicativo como singular. A pesar de que las cosas han cambiado algo, ese cambio se ha producido igual en todos los tipos y campos musicales? Muchos profesores de msica son mujeres, qu sucede entonces en las propuestas sobre un escenario? Cuntas mujeres intrpretes hay en los grupos de verbena, a la hora de hacer msica instrumental en un ambiente festivo? O es que la mayora de ellas son cantantes? Por qu? Qu funcin cumplen los cantantes en los grupos? Qu sucede a las mujeres a la hora de salir al escenario?

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Presencia sonido /palabra: en el bersolarismo y en la msica La mujer no est entrenada para ocupar el espacio, ni para tomar ni para mantener la palabra. En centro y la palabra, destacar, son lugares que no le corresponden. La mujer no est educada para dirigir un grupo grande, mucho menos si ese grupo est formado por hombres. Ver a una mujer en el centro de atencin transmite, a menudo, incomodidad y falta de seguridad al receptor. Tambin cuando el receptor es mujer. Suelen brotar sentimientos de identicacin, de representacin, los cuales son clara muestra de una situacin no saludable.
El verso me ha ayudado a sentirme incmoda en el mundo (...) El ejercicio de responder a las rimas me ha enseado que no he sido educada para decir las cosas sin pensar (...) A la hora de comenzar la sesin de versos he aprendido que no me han educado para tomar la iniciativa: mejor si comienza el otro, yo le seguir a continuacin (...) En el momento de subir al tablado me he dado cuenta de que no me han educado para andar sin proteccin: si somos seis bersolaris, difcilmente saldr la primera o la ltima. Mejor en el centro, protegida por delante y por detrs (...) Al elegir el compaero para versicar, me he dado cuenta de que no me han educado para tener una voz autoritaria. Por qu he llamado a ese chico para la sesin de versos en aquel barrio? (...) Por qu necesito algunas veces una voz masculina a mi lado? (...) Por qu me siento ms cmoda en el teatro que en el frontn? Por qu canto cada vez ms bajo? Por qu me gustan para los versos las msicas que me gustan? Por qu siento a veces ganas de sentarme en un taburete, ponerme un vestido y cantar con las piernas cruzadas? Uxue Alberdi: Zu emakumea zara 29/10/2008, Berria.

Por otra parte, la palabra de la mujer no tiene ni el peso ni la credibilidad de la del hombre. La mujer ha vivido la experiencia de no ser escuchada, y siente miedo de que vuelva a ocurrir. Comienza su participacin, siempre, pidiendo permiso: creo... No s, eh, pero... Opino que, eh... El hombre es el que da legitimidad. En una comida popular (y en otros muchos contextos), el hecho de que canten dos mujeres provoca, incluso al propio bersolari, falta de seguridad y dudas sobre la legitimidad de lo que se est haciendo. La mujer no est habituada a ser el centro, mucho menos a ser el alma o protagonista de la esta. La esta y la mujer, como el humor y la mujer, son temas delicados todava a da de hoy. Temas a estudiar. La persona que acta en pblico, debe mostrar seguridad en s misma. Por medio de la palabra, por medio del cuerpo, de la pose. Y esa seguridad es la que falta muchas veces a las mujeres. Tambin les puede faltar a los hombres, por supuesto, pero la mujer, en general, no est educada para ello.

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Cmo avanzar? A pesar de todas las dicultades, ms de una mujer ha realizado su camino en el bersolarismo.
El de Arrate es un cuerpo contundente, rotundo, de una pieza, y esto hace que est enraizado en la cultura vasca (...) Que sea un cuerpo ms acorde con la corporeidad del bertsolarismo. Pero implica al mismo tiempo un desafo a su propia cultura y desde el interior de la misma. (...) Mi argumento central es que el cuerpo ha tenido un papel central en la presencia y la legitimacin de las mujeres en un mundo de hombres, como lo ha sido hasta hace poco el bertsolarismo y lo sigue siendo de alguna manera, y en general en la sociedad vasca. Esteban, Mari Luz (2004) Antropologa del cuerpo: genero, itinerarios corporales, identidad y cambio. Barcelona: Ediciones Bellaterra.

En el mundo de la msica sucede algo parecido, la habilidad, muchas veces, se mide en la fuerza, la rapidez, la capacidad de llegar a las notas ms altas, en el papel de leader. As pues, est claro, para poder avanzar en la actividad artstica publica, no existe otra manera que ser bueno, el doble de bueno, mejor que los propios hombres en las citadas actitudes. Pero aun avanzando un tramo del camino con esas actitudes, aun siendo aceptado en base a esas caractersticas, tambin se sienten otros deseos. Deseo de mostrar y demostrar actitudes diferentes a esas. De quitarnos el cors que nos oprime. Pero, cmo lograr entonces proponer un modo de mostrar esas otras actitudes, esos otros tonos de voz, esos otros temas en otro espacio? En un intento de responder a la pregunta, naci Ornitorrinkus.

A la mujer, a la hora de cantar versos, se le han valorado, principalmente, esas caractersticas consideradas masculinas: arranque para responder, rmeza, seguridad, contundencia, falta de vergenza, no acobardarse... Pero Mari Luz Esteban matiza que estas caractersticas no son masculinas, sino poses y actitudes que conforman un todo con la cultura vasca. En denitiva, los que han hecho camino en el bersolarismo, hasta hoy en da, han sido los poseedores de esas caractersticas. (En el bersolarismo, ser drag-king es ser plazagizon, es decir, desenvuelto ante el pblico). Pero la cuestin es que de su amplia gama de caractersticas solamente han podido utilizar, sacar esas. Es posible el bersolarismo con otro tipo de caractersticas?

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Ornitorrinkus Ornitorrinkus muestra claramente sus principios desde su propio nombre: el ornitorrinco era un animal desconocido para los europeos, pero exista. Cuando lo descubrieron, los cientcos tardaron aos en sus intentos de clasicacin. Las clasicaciones que proponan variaban en base al aspecto en el que ponan su atencin, pero siempre les quedaba algn eco por denir. No se adecuaba a los moldes que disponan. Pareca un animal hecho a trozos, y reuna en un mismo cuerpo caractersticas hasta entonces consideradas incompatibles. La idea de lo inclasicable, del campo ambiguo, de lo que no puede saberse qu es, eso es la forma y el sentido de Ornitorrinkus. Y su materia prima el verso y la msica experimental.

\ [Alberto Elosegi]

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Presencia, tiempo y espacio en Ornitorrinkus Uno de los objetivos de Ornitorrinkus ha sido la deconstruccin, en sentido amplio, de la antes citada accin aprendida. Deconstruir o cuestionar: el modo de ser mujer; el modo de entender el espectculo y el lugar para el mismo; el modo de entender la msica; el modo de entender el bersolarismo, el cantar versos... Sealar lo que no se ve, lo que no se oye, lo que no tiene importancia, es uno de los temas recurrentes de Ornitorrinkus. No solamente sealar por medio de la palabra y la descripcin, sino transformar lo -que-no es en algo que es; y la materia prima para esa transformacin es, precisamente, ser lo-que-noes: el silencio como elemento de contenido y elemento sonoro, como materia prima de creacin; lo mismo la respiracin, dndole la presencia y la importancia que normalmente no suele tener; el volumen... Normalmente, dirigimos la atencin a los sonidos que no tienen presencia. Ornitorrinkus reexiona sobre los sonidos, palabras, situaciones que se encuentran fuera de foco. Lo mismo en lo que se reere al espacio fsico de la sesin. Hacer visible lo invisible. Por ejemplo, la primera sesin de Ornitorrinkus se realiz en el lavadero Leoka de Hernani, una sesin para mirar de otra manera a un lugar que siempre ha estado ah, mejor dicho, all, apartado, escondido. Al igual que ha hecho la postmodernidad, se cuestionan totalmente las divisiones msica culta/popular, oral/escrito, tradicional/experimental. El objetivo es ofrecer de una manera sinttica lo que a priori es lejano e incompatible, buscando para ello un idioma comn. Ornitorrinkus se pregunta acerca del rol que impone al pblico el hiper conocido cdigo comn que utiliza el bersolarismo, y acerca del lugar en que la msica experimental coloca a los oyentes. Utilizando cdigos comunes imaginarios y modicndolos mediante la accin, ofreciendo mltiples opciones de interpretacin a la percepcin. Intenta cambiar la relacin con el pblico, convirtindolo en parte activa de la situacin/sesin. Empezando por la posicin, y continuando mediante la accin. Ornitorrinkus, como su nombre indica, es una sesin para cuestionar las clasicaciones y estudiar qu es lo que sucede al salirse de las actitudes que corresponden a las mismas. Centro/margen, importante/sin importancia, lo que se escucha/no se escucha, obligacin de ser de algn modo, incapacidad ante el pblico, actitud postural... Es evidente que todas stas son metforas relacionadas directamente con los roles de gnero. Sobre la necesidad de clasicar y regular todo, Ornitorrinkus nos canta as: Lo que no se puede clasicar, entonces, clasicado como inclasicable.

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\ Permanent Food #15. Maurizio Cattelan, Paola Manfrin.

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Concerning some seductive Unidentied Published Objects and other hybrid real and virtual arrangements

On the back cover of a young American rock bands rst album is a phrase that could well be the motto of many experimental magazines: We did it because we didn't know it was impossible. Economically and practically speaking, the rst issue of any new magazine is always a struggle. In the world of image and contemporary art, however, a number of French and other European magazines have managed to overcome some of the difculties with a new critical approach to the form and interface of publication. 1. Semaine, a new geography of periodicity In today's art world, in France and elsewhere in Europe, the real difference lies in the great diversity of actions being carried out on the ground, despite the increasing difculties for survival faced by small art centres as opposed to the power of ofcial art.

Analogue, a publisher from Arles run by Gwenola Menou, is working to encourage access to art. They also publish books, such as L'anthologie de l'art by Jochen Gerz which sparked year-long exchanges between artists and art critics. The collection also includes Raymond Hainss La bote ches a compilation of childhood photographs by this New Realist, with notes and commentaries, including puns and cultural references. Semaine is a weekly contemporary art magazine, which centres on the transience of the works and exhibitions presented from a historical perspective. The editorial team dene it as archaeology of thought. This exploration is developed in the different sections by means of weekly booklets. Semaine directly interviews artists, exhibition curators and authors; once all the information has been compiled, they prepare an eight-part catalogue, which is published every two months. This format makes it easier to sell.

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2. The collector as a model Some artists are inherent collectors: examples include Joachim Schmid and the French artist Claude Closky, who brings out small theme magazines and catalogues, in which the artist tries to nd his own order within the range of diverse images. On his website, Schmid says: This series of books centres on the themes presented by everyday, amateur photographers. Images found on photo-sharing sites such as Flickr have been collected and ordered in a way to form a continually expanding encyclopaedic library of digital photography. Each book is comprised of images that focus on a specic photographic event or idea, the grouping of photographs revealing a language of modern vernacular photography. In his book Penser/Classer, Georges Perec offered another literary model based on a reference to language and its organisation, which is still the subject of experimentation and reference for many new artists. Since the early days of the cinema, we have known that by combining images we can give them a new meaning, in accordance with the principle of logical sequence and lm editing. 2.a. An organised collection In order to be taken seriously in the ofcial art world of art centres, Kunsthuser and museums, one needs to produce books and catalogues of no fewer than one hundred pages. On this principle, the publisher M19 (the name is a reference to the 19th of May), publishes a yearly magazine entitled Grammes dArt, containing works by international artists. The publisher composes and publishes magazines and books and provides a specic space for previously unseen work. The title of each issue reects its exact weight, so for example the second issue is entitled 1865 Grams of Art. The collection is meticulously run by its founders, Pierre Drenan and Frdric de Lachze, who painstakingly select artists

related to a single theme or who share a common artistic vision. It is the differences between the various works that give their critique its full meaning. 2.b. Permanent Food, a high-performance archive There are plenty of UPOs (Unidentied Published Objects) on the art market. Permanent Food is one of them, a twice-yearly magazine edited since 1995 by Italian artist Maurizio Cattelan and Paola Manfrin with help from Dominique Gonzalez-Foerster. Although this is not a virtual publication per se, it has no editorial staff or ofce and is an excellent instrument for keeping up with current visual trends. It is published by LAssociation des Temps Librs and Les Presses du Rel (Dijon, France) and distributed by Idea Books (Amsterdam, Netherlands) in collaboration with the Dijon Consortium. Each issue includes a selection of images, taken from publications from around the world, presented in the form of press cuttings. The visual force of the images is achieved through a rigorous juxtaposition of different contexts. The long selection period helps create, as Paola Manfrin puts it, a sequence that in some ways describes the historical moment you're living. On occasions, they play at being critics; for example, they followed up an idea by Mariuccia Casadio, the editor of Vogue Italia, and brought out a special issue with material from different editions of Vogue. This corpus of images generally plays with irony, building a stark language taken from mixed sources, with touches of black humour and more dramatic ourishes. It creates a new accumulation-based logic, introducing new parameters of interpretation. Despite the fact that the basic unit is the twin-page spread, it might be seen as a diptych. But under the unwritten rules of Permanent Food, less similar images are juxtaposed, each taken from extreme areas of meaning or usage. The result is to mislead the reader, who initially struggles

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to trace a common link between the images and thus uncover their meaning, which is never immediately obvious. Understanding requires an effort. Yet the mystery does not last forever, and after leang through several twin-page spreads one ends up constructing or reconstructing the meaning. Paradoxically, another of the advantages of this format is that we actually spend more time examining each image than we would normally. Each issue is to some extent built around what might be termed black holes in the iconography, within which new relations emerge and meanings are kept suspended, creating their own memory. 3. lacritique.org (magazine section) and Photos Nouvelles, half-way between website and paper We wanted to strike a reasonable balance between Internet and print publication, but did not have sufcient funds at this time to print an online version of our magazine at Y www.lacritique.org; as a result, we decided, in discussion with our editorial committee, to collaborate with some existing magazines. We have organised an exchange with Area revue)s(. Each theme issue of the publication contains articles and interviews with artists, exhibition curators, philosophers and personalities from the world of the human sciences. The latest issue, for example, centres on art values and includes my piece on Jean Kapram, an outsider from the New Realism group and one of the rst artists in France to look at media aesthetics and start working in this area. He was also one of the rst people in this country to use a computer to create drawings (for the graphic version of his series Million). For us, this was a chance to offer a whole series of texts and illustrations online related to these interesting and now historical works. In the eld of creation, we often concentrate solely on new developments and end up leaving historical gaps and we wanted to reverse this trend.

In this regard, we are also working with Photos Nouvelles (Publishers Atlantica), a twomonthly magazine specialising in contemporary photography of all genres. As a result, we can publish large numbers of images, even though it is organised by portfolios with no particular theme-based order. This process of exchange has been favoured by the current situation of high printing costs and sustained demand; although readers are increasingly connected to the Net, many still prefer book format. Nonetheless, even in a virtual medium we still want to offer the same quality of approach, and we have therefore divided our sections up into concepts relating to different specic theoretical tools. - carts (Differences), is about norms and standards and the Greek term doxa and raises the issue of beauty and taste. - Prcipit (Precipitate), used in the chemical sense of the term, seeks to illustrate the relationship between artists and their environment. - Ncessit (Necessity) tries to reassert the urgent need for an author to nd his or her aesthetic forms through everyday practice. It refers back to Kandinsky's inner necessity, but in a wider sense; it has to do both with desire and with reactions and chance. - Pretexte (Pretext). The work is considered as an object that is separate from the subject; the relationship is linked to the community and to its political commitment, based on the creators' discourse. - Tactique (Tactic) tries to analyse the market positioning of contemporary art, careers and the economy, which are so important as materials. - Lacunes (Gaps). When recent art history highlights its lacunae in some artists or trends, its permanent forgetting or its conceptual faults, the time has come to question our own system. All these entrances allow us to experiment with other interpretations of images and works.

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4. Synesthsie, from an online magazine to a real Virtual Art Centre Anne-Marie Morice founded this magazine of Internet creation fteen years ago, using the opportunities offered by new technologies to dedicate a space to artists working in this experimental area, and also to give them a chance to contribute their own reviews or theoretical ideas. The website is organised into different sections magazines, blogs, theoretical zooms, events and resources with links to the various artists dealt with. The theme of the most recent issue was the city and its new developments and within this framework, at the end of the year, Synesthsie collaborated with the biennial Art Grandeur Nature, in exhibitions organised in open spaces throughout the dpartement of Seine-SaintDenis. Through their installations, sculptures and other pieces, the artists examined the relationship between different places and their use by the inhabitants. These issues were also addressed by philosophers and art critics, who analysed the dynamic constitution of the new urban spaces in relation to the concept of area. Previous issues of the magazine, announced through a newsletter, always included at least one theoretical chapter. They have also published a print edition, nanced by the Local Conseil General, which has enabled them to sell a booklet with the theoretical texts and a catalogue (Graphics: Pierre di Sciullo Atelier, distributed by Le Comptoir des Indpendants). More recently, the magazine has had a presence at fairs and other events, such as La Force de l'Art, a triennial that seeks, with relative success, to summarise the present position of contemporary French art, although it has been widely criticised for the works selected (very few women and always the same artists, although some are undeniably very good). One of their successful decisions has been precisely to work with Synesthsie; this has enabled them to provide space for

some genuinely different projects, such Isabelle Grosse's 3D video Upstream and Serge Lhermitte's recent Small Dictionary of Body and Social Postures in Urban Situations, for example. The show has given the virtual collection selected by Anne-Marie Morice's team a new opportunity for visibility in the Gran Palais and over the Internet. In recent decades, performance art has often been linked to body art and to live performance, very close to choreography and independent of history, arising from the urgency of the present. Although the real, esh-and-blood, body is not present in the magazines, we have sought to accompany these types of project with new bodies of images, trying to create new forms of energy, based on the different means of production and other means of distribution. It is a whole new interpretation with different strategies that have already been the subject of experimentation in contemporary art. Y www.synesthesie.com Y www.lacritique.org Y www.lespressesdureel.com Y www.analogues.fr Y www.m19.fr Y www.areaparis.com Y www.atlantica.fr/API/Photonouvelles.php

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De algunos seductores Objetos Publicados No Identicados y dems soluciones mixtas entre lo real y lo virtual

En la contraportada del primer lbum de un joven grupo de rock americano aparece esta frase, que podra perfectamente encabezar numerosas revistas experimentales: Lo hemos hecho porque no sabamos que era imposible. Ciertamente, el primer nmero de una revista sigue siendo toda una hazaa, econmica y prctica, pero en el mundo de la imagen y del arte contemporneo, algunas experiencias francesas y europeas consiguen superar el trance con un nuevo enfoque crtico en la forma e interfaz de publicacin. 1. Semaine, otra geografa de la periodicidad En el mundo del arte hoy en da, en Francia pero tambin en Europa, la diferencia reside en la gran diversidad de acciones de campo, a pesar de las cada vez mayores dicultades para sobrevivir que tienen que sortear los pequeos centros de arte, frente al poder del arte ocial.

La editorial Analogue, de Arles, dirigida por Gwenola Menou, favorece el acceso al arte. Y publica tambin libros, como Lanthologie de lart de Jochen Gerz, que propici durante un ao intercambios entre artistas y crticos de arte. La coleccin cuenta tambin con La bote ches de Raymond Hains, una recopilacin de fotografas de infancia del autor del grupo de los Nuevos Realistas, con anotaciones de lectura y comentarios, que incluyen juegos de palabras y referencias culturales. Semaine es un semanal de arte contemporneo, centrado en la temporalidad de las obras y exposiciones presentadas desde una ptica histrica, que el equipo editorial dene como arqueologa del pensamiento. Una exploracin desarrollada en las distintas secciones por medio de libretos semanales. Semaine entrevista directamente a los artistas, los comisarios de exposiciones y los autores; posteriormente, con toda la informacin recopilada, elabora un catlogo

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\Photos Nouvelles #55. Ed. Atlantica.

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de ocho fascculos, que va publicando cada dos meses. Un formato que le permite venderse mejor. 2. El coleccionista como modelo El espritu de coleccin es inherente a algunos artistas, como Joachim Schmid o el francs Claude Closky, que elabora pequeas revistas o catlogos temticos, en los cuales el artista intenta encontrar su propio orden dentro de la diversidad de imgenes. Joachim proclama en su web: Mis series de libros se centran en los temas generalmente abordados por los fotgrafos acionados. He ido seleccionando y ordenando las fotos que he encontrado en webs compartidas, como Flickr, para crear una enciclopedia de fotos digitales en constante evolucin. Cada libro contiene imgenes relacionadas con un acontecimiento concreto o una idea fotogrca; su agrupacin pretende ofrecer une lenguaje moderno de la fotografa verncula. Georges Perec ofrece otro modelo literario, en su libro Penser/Classer, que sigue siendo objeto de experimentacin y referencia todava hoy en da para numerosos artistas noveles y que se sustenta en la referencia al lenguaje y a su organizacin. Sabemos desde hace aos desde los inicios del cine, que juntando imgenes podemos darles un nuevo sentido, conforme al principio de secuencia lgica y de montaje de pelculas. 2.a. Una coleccin organizada Para ser tomado en serio en el mundo del arte ocial, al mismo nivel que los centros de arte, kunsthaus y museos, es preciso producir libros y catlogos no inferiores a cien pginas. En base a dicho principio, la editorial M19 (en referencia al 19 de Mayo), publica la revista anual Grammes dArt, que rene las obras de artistas internacionales. Esta editorial redacta y publica revistas, libros y brinda a las obras desconocidas

un espacio especco. Cada nmero lleva por ttulo su peso exacto, por ejemplo 1865 gramos de arte es el del nmero dos. Una coleccin rigurosamente gestionada por sus fundadores Pierre Drenan y Frdric de Lachze, que seleccionan con sumo cuidado artistas relacionados con un mismo tema o que comparten una misma visin artstica. Las diferencias entre las distintas obras otorgan pleno sentido a su crtica. 2.b. Permanent Food, un archivo de grandes prestaciones En el mercado del arte existen gran nmero no de OVNIs (UFO), sino de OPNI (Objetos Publicados No Identicados). Permanent Food es uno de ellos, una revista bianual editada por el artista italiano Maurizio Cattelan y Paola Manfrin, que cuenta con la colaboracin de Dominique Gonzalez-Foerster desde 1995. Aunque no se trata de una publicacin propiamente virtual, no cuenta con equipo editorial ni ocina y constituye un excelente instrumento para chequear las tendencias visuales. Publicada por LAssociation des Temps Librs, la edita Les Presses du Rel (Dijon, Francia) y la distribuye Idea Books (Amsterdam, Holanda), junto con el Consorcio de Dijon. Cada nmero incluye una seleccin de imgenes extradas de otras publicaciones mundiales, presentadas a modo de recortes de prensa. En cada nmero, la fuerza visual de las imgenes se consigue con la yuxtaposicin rigurosa de diferentes contextos. El largo periodo de seleccin contribuye a crear, tal y como arma Paola Manfrin, una secuencia que, en cierto modo, describe el momento histrico que vivimos. En ocasiones, juegan a ser crticos, elaborando un nmero basado, por ejemplo, en una idea de Mariuccia Casadio (editora de Vogue Italia), recabando material en diferentes ediciones de la revista Vogue. Ese corpus de imgenes trabaja generalmente la irona, construyendo un lenguaje bruto de fuentes mixtas, con toques de humor negro o

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ms dramticos. Una nueva lgica basada en la acumulacin que introduce nuevos parmetros de lectura y que, a pesar de que la unidad fundamental reside en la doble pgina, puede considerarse como un dptico. Pero las reglas no escritas de Permanent Food colocan frente a frente imgenes menos similares, procedentes cada una de ellas de mbitos de signicado o de uso extremos, despistando al lector, al que le cuesta encontrar la relacin que las une y, por consiguiente, su sentido que nunca es evidente. La comprensin queda siempre por descubrir. Pero no siempre existe gran misterio y se acaba construyendo o reconstruyendo su sentido tras pasar varias dobles pginas. Paradjicamente, otra de sus ventajas es que el tiempo, muy breve, que habitualmente dedicamos a la lectura de una imagen, se ve en este caso incrementado. Cada nmero est en cierto modo construdo sobre una especie de agujeros negros en la iconografa, dentro de los cuales surgen nuevas relaciones y los signicados se mantienen en suspenso, creando su propia memoria. 3. lacritique.org (seccin revista) y Photos Nouvelles, entre web y papel Con el afn de mantener un justo equilibrio entre Internet y la publicacin, pero no disponiendo en estos momentos de fondos sucientes para imprimir una versin online de nuestra revista en Y www.lacritique.org, hemos decidido, junto con nuestro Comit de Redaccin, colaborar con revistas ya editadas. Para ello, hemos procedido a un intercambio con Area revue)s(. Cada nmero de dicha publicacin, temtico, contiene artculos y entrevistas a artistas, comisarios de exposiciones, lsofos y personalidades del mundo de las ciencias humanas. El ltimo nmero, por ejemplo, gira en torno a los valores del arte y en l gura mi texto sobre Jean Kapram, que fue outsider del grupo Nuevos Realistas y uno de los primeros en Francia en considerar y trabajar con la esttica de los medios de comunicacin. Tambin fue uno de los pioneros en nuestro pas en utilizar un ordenador para producir los dibujos de

la versin grca de su serie El Milln. Para nosotros fue una oportunidad de ofrecer online toda una serie de textos e ilustraciones de esas interesantes y ahora histricas obras. En el mbito de la creacin, nos centramos a menudo nicamente en las novedades y acabamos creando lagunas histricas; una tendencia que nosotros pretendemos contrarrestar. En ese sentido, tambin colaboramos con Photos Nouvelles (Ed. Atlantica), una revista bimensual especializada en fotografa actual de todas las tendencias. Lo que nos permite publicar gran cantidad de imgenes, a pesar de que est organizada por portafolios sin orden temtico. Un intercambio que se ha visto favorecido por la situacin actual de elevados costes de imprenta y de una demanda que se mantiene ya que, a pesar de que los lectores acuden cada vez ms a la red, algunos siguen preriendo el libro. No obstante, incluso en soporte virtual pretendemos ofrecer la misma calidad de enfoque, para lo cual hemos organizado nuestras secciones por conceptos, relacionados con diferentes herramientas tericas especcas. - carts (Diferencias), tiene que ver con la norma y el estndar y el trmino griego doxa y plantea la cuestin de la belleza y del gusto. - Prcipit (Precipitado), utilizado en el sentido qumico de un trmino que pretende ilustrar la relacin entre los artistas y su entorno. - Ncessit (Necesidad) intenta rearmar la urgente necesidad para un autor de encontrar sus formas estticas a travs de la prctica cotidiana. Remite a la necesidad interior de Kandinsky, pero en un sentido ms amplio; tiene que ver tanto con el deseo como con las reacciones y el azar. - Pretexte (Pretexto). El trabajo es considerado como un objeto separado del sujeto, la relacin est ligada al comunitarismo y al compromiso poltico, basado en el discurso de los creadores. - Tactique (Tctica) intenta analizar el posicionamiento del mercado de arte

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contemporneo, de la carrera y de la economa, que son tan importantes como los materiales. - Lacunes (Lagunas). Cuando la historia reciente del arte pone de maniesto sus lagunas sobre algunos artistas o corrientes, su olvido permanente o sus fallos conceptuales, ha llegado de la hora de cuestionarse nuestro propio sistema. Todas estas entradas nos permiten experimentar otras lecturas de las imgenes y de las obras. 4. Synesthsie, de una revista online a un autntico Centro de Arte Virtual Anne-Marie Morice fund hace quince aos esta revista de creacin en Internet, aprovechando las oportunidades que ofrecen las nuevas tecnologas, con el n de dedicar un espacio a los artistas en este mbito experimental, brindndoles tambin la posibilidad de contribuir con su propia crtica o enfoque terico. La web est organizada en distintas secciones: revistas, blogs, zooms tericos, acontecimientos, recursos, con enlaces de los diferentes protagonistas profesionales. En el marco del tema de su ltimo nmero, la ciudad y sus nuevos desarrollos, Synesthsie colabor a nales del ao con la bienal Art Grandeur Nature, en sus exposiciones organizadas en espacios abiertos en todo el departamento de Seine-Saint-Denis. A travs de sus instalaciones, esculturas y diferentes piezas, los artistas se plantean la relacin existente entre diferentes lugares y su uso por parte de los habitantes. Cuestiones que tambin han sido abordadas por lsofos y crticos de arte, que han analizado la constitucin dinmica de los nuevos espacios urbanos en relacin con el concepto de zona. Los anteriores nmeros de la revista, anunciados a travs de una newsletter, siempre incluan al menos un captulo terico. Tambin han publicado un nmero en papel, nanciado por el Consejo General

del Departamento, que les ha permitido vender un libreto con los textos tericos y un catlogo (Grasme: Pierre di Sciullo Atelier, distribuido por Le Comptoir des Indpendants). Ms recientemente, dicha revista ha estado presente en Ferias y dems eventos, como La Force de lArt, trienal que intenta, con relativo xito, dar cuenta de la situacin del arte francs contemporneo y que ha sido blanco de numerosas crticas, respecto a la seleccin de las obras: muy pocas mujeres y siempre los mismos artistas, aunque algunos de ellos no dejan de ser, indiscutiblemente, muy buenos. Uno de sus aciertos ha sido precisamente contar con Synesthsie, que ha permitido brindar una oportunidad a propuestas realmente diferentes, comos las de Isabelle Grosse, con el vdeo 3D Upstream o Serge Lhermitte, con su reciente Pequeo diccionario de posturas corporales y sociales en situaciones urbanas, por ejemplo. La coleccin virtual seleccionada por el equipo de Anne-Marie Morice ha encontrado en la muestra una nueva posibilidad de darse a conocer en el Grand Palais o en Internet. La performance ha estado a menudo ligada, en las ltimas dcadas, al body art y al espectculo en vivo, muy prximo a la coreografa, independiente de la historia, que surge de la urgencia del presente. Aunque el cuerpo real, carnal, no est presente en las revistas, hemos intentando acompaar ese tipo de proyectos con nuevos cuerpos de imgenes, intentando crear nuevas formas de energa, basadas en los diferentes modos de produccin y otros modos de distribucin. Toda una nueva lectura y estrategias diferentes, que ya han sido experimentadas en el arte contemporneo. Y www.synesthesie.com Y www.lacritique.org Y www.lespressesdureel.com Y www.analogues.fr Y www.m19.fr Y www.areaparis.com Y www.atlantica.fr/API/Photonouvelles.php

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\ Daddys Girl. Debbie Drechsler [La Cpula, 2004].

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Women, spaces and comics: those sharp shadows

In the last decade or so, a large number of comics by women from around the world have appeared on the Spanish graphic novel market. This means that after many years we are now in a position to make an analysis of the focus of women writers, the stories they choose and the way they draw. Here we want to examine just a few of the many graphic novels that have been published, analysing the spaces in which some of the more personal and creative work takes place. We hope that this will give a clearer understanding of the way some of the most original women artists are thinking, but more importantly, the direction they are taking. We will study their mises-enscene and situations and the real and symbolic spaces that appear, but in particular we want to see the angle from which they are looking and recording their ideas, and the light under which they do so. Taken in chronological order1, the comics analysed here encompass different writers, ages, origins and themes. However, they have two things in common: they have all been translated into Spanish and none of them is in full colour. The use of the traditional system of black and white comic strips offers a chance to examine in

greater depth this world of light and shadow we want to analyse. The rst comic we will analyse is My New York Diary (1993)2 the work that brought its author, the Canadian Julie Doucet (1965), to the publics attention. The work is in the best underground tradition and tells the trials and tribulations of a young woman trying to realise her vocation, drawing for a living in New York city. Doucets New York is a dirty, chaotic and unbalanced city that appears disturbing and threatening; one in which women are especially vulnerable to sexual and emotional abuse. The rooms, the enclosed spaces, are even more chaotic and stiing, and the author is depicted as being on the verge of an emotional and nervous breakdown as the result of stress, a difcult relationship and drug abuse. The result is a graphic novel containing multicoloured strips and very intense strokes and Doucets use of black and white comes close to expressionist etchings. However overwhelming or disturbing it might at rst appear, Diary does not make for difcult reading, because its intimate, honest, self-critical and ironic tone with its light touch of humour and the optimistic nale lighten up the atmosphere. Signicantly, the last story, when the narrator

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decides to leave the city after dumping her partner, is the most ordered and light-lled of any. My New York Diary, which is an account of a maturing process, is a reminder that such processes are always more difcult for women, who are much more exposed and vulnerable; yet it also reects womens ability to overcome such problems and emerge victorious. Structured as short stories that were published during the 1990s, the striking but delicate comic book Daddys Girl (1996)3 by American artist Debbie Drechsler (1953) focuses directly on the theme of incestuous sexual abuse. It is a shadowy subject which no society has yet chosen to illuminate and act upon as rmly as its extreme gravity merits. Because these events tend to occur within the impenetrable area of the private family home, it is these indoor spaces that we see most in her work. Once again the pictures have the texture of an etching. They are dark and stiing, and the combination of an apparently childlike stroke with the extreme detail very aptly transmits the feeling of menace, the fear, the anguish and the trauma the heroine experiences in her day-to-day life; it is clear proof that, contrary to popular opinion, the home is often the most dangerous and threatening of all places for women. In her next work, The Summer of Love (2002)4 the heroine has grown up and has moved to a new town. New house, new friends, new places... High school, gym, playground, bars, parties... the author focuses on her difculty in adapting to the change and her intense and contradictory mood swings. In doing so, she brings in a personal technique: she adds russet and green to the traditional black and white for the shading and background in the different scenes. As well as effectively reecting the ever-changing, sometimes cruel, insecure and uncomfortable world of adolescence (magnicently represented by the metaphor of the forest surrounding the house), by using coloured shadows, she manages

very successfully to reect how her emotional state modies the way she experiences certain moments and spaces. A Childs Life and Other Stories (1998)5 and The Diary of a Teenage Girl: An Account in Words and Pictures (2002)6, both by American writer Phoebe Gloeckner (1960), share many of the features of the other works we have been examining. Once again, the aesthetic is that of the 1970s underground comics and the theme is autobiographical. While the rst of the two books is structured in the form of short stories, the second is a diary. Again, childhood, adolescence, alcohol, drugs and sex are all part of the backdrop. Gloeckner skilfully denounces the emotional abandonment and sexual abuse suffered by many girls who grew up during the sexual revolution through the sordid realism of her illustrations. And once again, it is the account of a process of maturity that it is achieved even in the most traumatic and shadowy of circumstances. Most of these features can also be found in the famous Persepolis (2000)7 by Iranian artist Marjane Satrapi (1969). Rewarded more for its subject matter than for its expressive but unelaborate illustrations although these do gain in quality as the narrative progresses it is worth highlighting her successful use of black and white, and the novel way she resorts to images and techniques from traditional Persian artistic culture. In a clear attempt to reect and denounce the black shadow that Islamic fundamentalism has cast across Iran in general and Iranian women in particular, Satrapi uses black for the background to many of the frames, especially the interiors. She repeats the technique even in the third volume of the series, when the narrator moves to Europe; in this case however, it is employed to express the feeling of loss, alienation and hostility she experienced in Austria, in Vienna, which she depicts as being cold and dark. The great success and inuence of Persepolis has helped normalise the theme of the female autobiography in non-western countries. In

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\ Fun Home. Una familia tragicmica. Alison Bechdel [Mondadori, 2008].

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her Le Jeu Des Hirondelles (2007)8, with its much more elaborate and complex illustrations, the Lebanese artist Zeina Abirached (1981) manages to reproduce the stiing atmosphere and the anguish of a population trapped where they are by air raids through blacking in the backgrounds in the interiors and by repeating images. Korean artist Kim Eun-Sung (1965) in My Mothers Story (2008)9 tells the story of a womans simple life, which is at the same time a recreation of a united Korea that now only exists in the memory of its survivors. She does so by using dark interiors and simple images. Another recent publication is Nylon Road (2006)10 by the Iranian Parsua Bashi (1966). Although it repeats Satrapis theme, it approaches it directly from memory. This may be the reason that Bashi has chosen a sepia tone as a background for her grey and white illustrations. All the graphic novels we have discussed so far recognised by their authors as being autobiographic have been conceived, selected, organised and prepared from memory. In the next comic we want to look at, however, the author drew the strips for therapy and to give vent to her emotions, and initially had no intention of publishing them. The drawings dodged my thoughts and went straight to the truth (...) the truth always shines a light on the dark places: thats what makes the shadows so sharp, in the words of Rosalind B. Penfold, the author of the comic Dragonslippers. This is what an abusive relationship looks like (2005)11. What makes Penfolds drawings so striking is the light they shine on the vast, dense shadow of abuse, showing us, through pictures, the devastating effect it has on the psyche, life and everyday events of those who suffer it. Presented in the form of a confession, the graphic novel starts by asking the reader to hold a light while the author searches the basement for the box where she keeps the drawings that will eventually become her diary of the process. In this symbolic way, she begins a visual narrative that operates in the most intimate spaces: The car, the house, the bedrooms, the bed... but also the diary, the

body, and especially, the mind of an abused woman. Penfolds graphic novel is magnicent for several reasons, especially because it has the capacity to record immediacy throughout the process. Her drawings are simple and surprisingly expressive, capable of capturing in a few quick brush strokes all the complex and nuanced world of a relationship of this kind; fear, anxiety, pain, disorientation, uncertainty, obsession... the nightmare of the abused woman; and indifference, anger, contempt, violence, obsession... the maelstrom of the abuser. Dragonslippers also contains some very effective narrative features, particularly the decisive moments and means in the transformation of both characters. At the most traumatic and painful moments, the author inverts the colours, drawing what seems to be the negative of the original, a dark place. After a long and painful journey back to health, the author, with the help of her therapist, was able to put this true and sincere account together and publish it. Although it has been translated into a host of languages we feel the book is still not as well known as it should be; it is a magnicent text for anyone wanting a personal, profound and educational look at this obscure and tragic social phenomenon. In 2006, the American artist Alison Bechdel, known for her humorous comic strips on all things lesbian, (1960) published Fun Home: A Family Tragicomic12. As the title suggests, this is another family story. Throughout this article we have stressed the importance and attention given by the authors to the private, intimate spaces of the home. In this work, however, the home, the obsessively tidied and decorated Victorian home, is not just the setting; by its very nature, it is another character in the story. Bought in a dilapidated state by the father, the house ends up becoming more of a museum than a place to live and work, for it doubles as a funeral home. This beautiful but chilly backdrop leaves its mark on family life. Bechdel situates her childhood and teenage years among the sophisticated furniture, the lamps, the salons and the gardens, she looks back at

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the complex and tormented personality of her father and the ambiguous relationship between the two, both homosexual. Trying to understand his possible suicide, the author engages in a continuous exercise of telling, and reviewing and reecting on the story told. Fun Home is a highly elaborate work and it dazzles the reader in many ways: for the graphic virtuosity of its author, a consummate draughtswoman; for her narrative techniques which in our opinion will bolster the development of the graphic novel and herald a magnicent future for this young literary genre. Full of metaliterature and hypertext, literature is omnipresent in the relationship between father and daughter but the contribution of the multiple details and nuances provided by the outstanding images produces a complex novel whose appeal is as unusual as the artists use of blue water-colours for shading and backgrounds. The career of French artist Aude Picault (1979) is reminiscent of Bechdels: having produced much lighter and more humorous works13, in 2006 she released Papa14, a short graphic novel on the process of coming to terms with her fathers suicide. This therapeutic tribute to her lost father, Papa is, however, much more direct and emotional. It seems surprising that the artists open, simple and fresh, spontaneous and expressive stroke is capable of dealing so forcefully with the intense subject matter. Where are you now? asks the daughter. Im nowhere replies her father, and in order to make him more than just a memory, the author brings him back to life in this poetic work. Using short lines that tangle and untangle, that turn in on themselves and open to the innite, Picault is notable for her capacity to draw, express symbolic spaces as difcult as suicide, death, the suffering and sorrow of the daughter, and her reconciliation with her abandonment and the shared past.

In 2007, Rachel Deville (1972), a French artist living in Barcelona published Lobas15 which delves into the chiaroscuro world of the relationship between identical twin sisters. In a dislocated world of adults that they experience from behind closed doors and endless threatening corridors, the twins build a world with their own rules, spaces and even language, a world that will gradually deteriorate until the necessary separation gives them their own different identities. The world of upstairs and downstairs, the ambivalence, the mirror... even the titles of the chapters (Narcissus, Cain and Abel, The Labyrinth, Medusa) are all clear indications that the author wants to situate the sisters story more in the eld of myth than reality. Using only traditional pencil and starting from a grey world, she works the chiaroscuro technique, increasing and reducing the intensity of the shadows as they occur. In order to achieve the chaotic and disturbing setting the history requires, Deville depicts a host of enclosed spaces, ranging from the uterus to the labyrinth. Dolls houses, boxes, cages, shells... they are all spaces that symbolise enclosure and stiing, until we come to the estrangement of the two sisters, which, as in My New York Diary, ends the book on an optimistic note, with a picture that is more open, ordered and lled with light. The most recent comic we have read is by a young American artist Lilli Carr (1983), whose black-and-white work The Lagoon (2008)16 takes an entirely personal look at the myth of the Siren with her sweet but deadly song. While sound is the driving force in the story, the dark cover is an indication of the way the artist uses black to set the scene. Here, black refers back to real spaces and time the night and in turn to the mysteries and dangers that the night and the lagoon hold. The creature, of course, is black. With its own very strong personality (all the authors characters have a black shaded

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triangle on their noses that makes her work easily identiable) the book is disturbing in effect, with a successful fade-to-black at the end included. There are many other artists we could include17 but we shall end the list here. We believe that the inux of women into the world of the graphic novel not only provides female images that are removed from the sexist stereotypes that are so common in the genre but also offers new themes and visual techniques to reect them with. The strongly autobiographical trend to be found in these works, far from taking us to non-transferrable worlds, demonstrates that womens experiences are very similar the world over, and also serves to cast some light on the shadows in which many of these hidden and silenced experiences have suffered until now: traumatic childhoods, raw adolescence, sexual abuse, domestic abuse, incest, social and sexual vulnerability, difcult relationships with parents... these are subjects that are constantly reected and treated with a depth that confers on them a critical and social denunciation that it is important to highlight. Another no less noteworthy feature is the lucidity and honesty with which these women have looked at the darker sides of all these experiences, visiting the most painful and traumatic spaces, yet providing the necessary touch of self-criticism, humour, delicacy and poetry to make them both readable and enriching.

1 The titles and the dates given in brackets after them are those of the publications in their original language. The footnotes refer to the Spanish edition. 2 Julia Doucet: Diario de Nueva York. Inreves, 2001. 3 Debbie Drechsler: La muequita de pap. La Cpula, 2004. 4 Debbie Drechsler: Verano de amor. La Cpula, 2007. 5 Phoebe Gloeckner: Vida de una nia. La Cpula, 2006. 6 Phoebe Gloeckner: Diario de una adolescente. La Cpula, 2007. 7 Marjane Satrapi: Perspolis. Norma, 2002-2004. 8 Zeina Abirached: El juego de las golondrinas. Sins Entido, 2008. 9 Kim Eun-Sung: La historia de mi madre. Sins Entido, 2008. 10 Parsua Bashi: Nylon Road. Norma, 2009. 11 Rosalind B. Penfold: Quireme bien. Una historia de maltrato. Lumen, 2006. 12 Alison Bechdel: Fun Home. Una familia tragicmica. Mondadori, 2008. 13 Aude Picault: Rollos mos. Sins Entido, 2008 y Ms rollos mos. Sins Entido, 2008. 14 Aude Picault: Pap. Sins Entido, 2009. 15 Rachel Deville: Lobas. Sins Entido,2007. 16 Lilli Carr: La laguna. La Cpula, 2009. 17 For the personal approach to space in their work we can recommend a number of other authors who have been translated into Spanish, such as Mary Fleener, Linda Medley, Jessica Abel, Gabrielle Bell, Gabriella Giandelli, Vanna Vinci...

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\ Summer of Love. Debbie Drechsler [La Cpula, 2007].

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\ La laguna. Lilli Carr [La Cpula, 2009].

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Mujeres, espacios y cmics: esas sombras tan pronunciadas

A lo largo de esta ltima dcada, el mercado editorial del cmic en el Estado espaol ha incorporado gran nmero de cmics de mujeres de todo el mundo, lo que nos permite, por primera vez en muchos aos, analizar y reexionar sobre la mirada, las historias y los trazos que stas eligen y usan. En esta ocasin, es nuestro objetivo acercarnos a unos pocos de los muchos cmics editados para analizar algunas de sus propuestas ms personales y creativas con respecto a los espacios donde sus historias se desarrollan, para conocer mejor cmo, pero, sobre todo, hacia donde miran algunas de las creadoras ms originales. Sus puestas en escena, las situaciones, los tipos de espacios tanto reales como simblicos que aparecen, pero en especial, es nuestra intencin reexionar desde dnde y con qu luz se miran y registran. Comentados por orden cronolgico1,los cmics analizados corresponden a autoras, edades, orgenes y temticas diferentes, aunque tienen dos caractersticas comunes: todos estn traducidos al castellano y ninguno es a todo color. El uso del tradicional sistema de vietas en blanco y negro nos permite ahondar con mayor profundidad en este mundo de luces y sombras que queremos analizar.

El primero que pasaremos a analizar es Diario de Nueva York (1993)2 el trabajo que report reconocimiento a su autora, la canadiense Julia Doucet (1965). Cmic que sigue la estela underground: en l se narran las vicisitudes de una mujer joven que intenta sacar adelante su vocacin de dibujante en la ciudad de Nueva York. El N.Y. de Doucet es una ciudad sucia, catica y desequilibrada que resulta inquietante y amenazante, donde las mujeres estn especialmente expuestas a abusos sexuales y emocionales. Las habitaciones, los espacios cerrados son todava ms caticos y asxiantes, y la autora se presenta rozando el colapso emocional y nervioso, suma de la tensin vital, una difcil relacin de pareja y el abuso de las drogas. El fruto de todo esto es un cmic de vietas abigarradas y trazos muy intensos, con un uso del blanco y negro cercano al grabado expresionista que no obstante, aunque pueda apabullar o inquietar al principio, no resulta difcil de leer, ya que el tono intimista, honesto, autocrtico e irnico con leves toques de humor lo aligera, as como el optimista nal. Signicativamente, esa ltima historia, cuando tras haber abandonado a su pareja decide dejar la ciudad, es la ms luminosa y ordenada. Diario de un proceso de madurez, el Diario de Nueva York nos recuerda que la dicultad a la hora de vivir estos procesos siempre es ms marcada en las mujeres, mucho ms expuestas

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y vulnerables, pero tambin reeja las capacidades que stas tienen para superarlos y seguir adelante. Estructurado como historias cortas que se publicaron a lo largo de los noventa, el impactante pero delicado cmic La muequita de pap (1996)3, de la norteamericana Debbie Drechsler (1953), enfoca directamente sobre el tema de los abusos sexuales incestuosos. Un tema o una sombra que todava ninguna sociedad ha decidido iluminar y afrontar con la contundencia que su extrema gravedad exige. Dado que los mismos suelen ocurrir en el impune espacio de la intimidad familiar, son precisamente los espacios interiores los que ms abundan. De nuevo con la textura del grabado, las vietas son oscuras y asxiantes, y la mezcla de un trazo aparentemente infantil con un detalle extremo consigue trasmitir de manera muy acertada la amenaza, el miedo, la angustia y el trauma con el que la protagonista vive el da a da, evidenciando cmo, en contra de lo que se ha acostumbrado a pensar, el interior del hogar puede ser el lugar ms peligroso y amenazador para las mujeres. En su siguiente trabajo, Verano de amor (2002)4, la protagonista ha crecido y llega a una nueva ciudad. Nueva casa, nuevos amigos, nuevos lugares... El instituto, el gimnasio, el patio, los bares, las estas... La autora se centra en las dicultades para la adaptacin y los estados de nimos, intensos y contradictorios. Para ello incorpora una tcnica personal: al tradicional blanco y negro suma el rojo/ pardo y el verde como sombreado y fondo de las distintas escenas. Adems de reejar con acierto el siempre cambiante, a veces cruel, inseguro e incmodo mundo que es la adolescencia (magncamente metaforizado en el bosque que rodea la casa), logra, va sombra de color, reejar con gran efectividad cmo el estado emocional modica la vivencia que se hace de los momentos y los espacios. Vida de una nia (1998)5 y Diario de una adolescente (2002)6, ambos de la norteamericana Phoebe Gloeckner

(1960), comparten muchas caractersticas anteriormente comentadas. La esttica de nuevo sigue la marcada por el cmic underground de los setenta; la temtica es autobiogrca y en el primero se estructura en forma de historias cortas y en el segundo, en forma de diario. Una vez ms, la infancia, la adolescencia, el alcohol, las drogas y el sexo son parte de la ambientacin. Gloeckner, de nuevo, denuncia el abandono emocional y los abusos sexuales que sufrieron muchas de las nias que crecieron durante la llamada revolucin sexual, muy conseguido esta vez va el srdido realismo de sus ilustraciones. Y nuevamente, es la crnica de un proceso de madurez que se consigue incluso desde las condiciones, las sombras ms traumticas. La mayora de estas caractersticas se pueden encontrar en el famoso cmic Perspolis (2000)7 de la iran Marjane Satrapi (1969). Ms premiado por su temtica que por sus expresivas pero poco elaboradas ilustraciones aunque stas van ganando en calidad segn avanza la narracin, destacamos su conseguido uso del blanco y negro, as como el novedoso recurso de utilizar imgenes y tcnicas de la cultura artstica tradicional persa. En un claro intento de reejar y denunciar la negra sombra que el fundamentalismo islmico extendi por Irn en general y sus mujeres en particular, Satrapi utiliza el negro como fondo de muchas de las vietas, especialmente las que se sitan en espacios interiores. La tcnica se repite incluso en el tercer volumen de la obra, cuando la autora se traslada a Europa, en este caso para expresar la sensacin de prdida, desarraigo y hostilidad que sinti en Austria, con la ciudad de Viena retratada como fra y oscura. El gran xito e inuencia de Perspolis ha normalizado la temtica autobiogrca femenina ms all de Occidente. La libanesa Zeina Abirached (1981), en su obra El juego de las golondrinas (2007)8, de ilustraciones mucho ms elaboradas y complejas, consigue gracias al recurso de fondear en negro todos los espacios interiores y a la repeticin de las imgenes,

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\ Quireme bien. Una historia de maltrato. Rosalind B. Penfold [Lumen, 2006].

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reproducir la asxia y angustia del encierro y la espera de una poblacin bloqueada por los bombardeos de la guerra. Igualmente, la coreana Kim Eun-Sung (1965), en La historia de mi madre (2008)9, ambienta en oscuros espacios interiores la narracin en sencillas imgenes de la sencilla vida de una mujer que es a su vez la recreacin de una Corea unida, que ya slo existe en el recuerdo de quienes la vivieron. Recientemente, se ha publicado Nylon Road (2006)10, de la iran Parsua Bashi (1966), que aunque repite la temtica de Satrapi, la enfoca directamente desde la memoria y quizs es por eso que ha elegido un tono sepia como fondo para sus ilustraciones en blanco y gris. Todos los cmics hasta ahora comentados reconocidos por sus autoras como autobiogrcos estn pensados, seleccionados, organizados y elaborados desde la memoria. Sin embargo, en el siguiente cmic, la autora realiz los dibujos como terapia y desahogo, sin ninguna intencin de publicarlos. Los dibujos sorteaban mis pensamientos e iban directos a la verdad (...) la verdad siempre proyecta luz en los lugares oscuros: eso es lo que hace que las sombras sean tan pronunciadas. Estas son palabras de Rosalind B. Penfold, la autora del cmic Quireme bien. Una historia de maltrato (2005)11. Los dibujos de Penfold impactan precisamente por la luz que proyectan sobre la inmensa y densa sombra que es el maltrato y permiten ver en imgenes sus devastadores efectos en la psique, vida y cotidianeidad de las personas que lo sufren. Planteado como una confesin, el cmic se inicia con la peticin a la persona que lee para que sostenga un foco de luz mientras la autora busca en el stano la caja que guarda los dibujos que acabarn siendo el diario del proceso. De este modo tan simblico empieza una narracin visual que se mueve por los espacios ms ntimos: el coche, la casa, las habitaciones, la cama... pero tambin el diario, el cuerpo, y sobre todo, la mente de una mujer maltratada. El cmic de Penfold es un trabajo magnco por diferentes razones, especialmente porque tiene la capacidad de registrar la inmediatez durante todo el proceso.

Son dibujos sencillos y sorprendentemente expresivos, capaces de captar en pocos y rpidos trazos todo el complejo y matizado mundo de una relacin de este tipo; miedo, angustia, dolor, desorientacin, incertidumbre, obsesin... la pesadilla de la maltratada; e indiferencia, ira, desprecio, violencia, obsesin... la vorgine del maltratador. Igualmente, Quireme bien, cuenta con grandes aciertos narrativos, en especial con respecto a los momentos y maneras decisivas en transformacin de ambos. En los momentos ms traumticos y dolorosos, la autora invierte los colores dibujando lo que parece el negativo del original, un oscuro lugar. Tras un largo y doloroso viaje de vuelta a la salud, la autora, ayudada por su terapeuta, fue capaz de ordenar y editar el honesto y veraz cmic que hemos comentado. Aunque se ha traducido a multitud de lenguas, creemos que todava no goza del prestigio y la difusin que le corresponde, ya que es un magnco material para acercarse de manera personal, profunda y pedaggica a este oscuro y trgico fenmeno social. Conocida por sus tiras humorsticas de temtica lsbica, la norteamericana Alison Bechdel (1960) public en el 2006 Fun home. Una familia tragicmica12. Como el ttulo indica, nos encontramos, una vez ms, ante una historia familiar; y si a lo largo de este artculo hemos subrayado la importancia y atencin que las autoras otorgan a los espacios privados, el hogar, la casa victoriana obsesivamente arreglada y decorada, ser en esta novela grca no slo el escenario, sino por su personalidad, un personaje ms. Comprada en un estado muy deteriorado por el padre, se acabar convirtiendo ms en un museo que un lugar para vivir y trabajar, ya que es a la vez una funeraria. Este bello pero fro decorado marcar la convivencia de la familia. Entre esos sosticados muebles, lmparas, salones y jardines sita Bechdel su infancia y adolescencia para revisar la compleja y atormentada personalidad de su padre y la ambigua relacin entre ellos, ambos

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homosexuales. Intentando entender su posible suicidio, la autora hace un constante ejercicio de narracin, y revisin y reexin sobre lo narrado. Altamente elaborada, Fun Home deslumbra por mltiples razones. Por el virtuosismo grco de la autora, consumada dibujante. Por sus tcnicas narrativas que, en nuestra opinin, impulsan el desarrollo de la novela grca y anuncian un magnco futuro para este joven gnero literario. Plagada de metaliteratura e hipertextos, la literatura es omnipresente en la relacin entre el padre y la hija, pero la aportacin de los mltiples detalles y matices que consiguen las sobresalientes imgenes produce una compleja novela de un atractivo inusual, como inusual es su uso del azul en acuarela para las sombras y fondos. La trayectoria de la francesa Aude Picault (1979) nos podra recordar a la de Bechdel: tras haber trabajado material mucho ms humorstico y ligero13, public en 2006 Pap14, una corta novela grca sobre el proceso de aceptacin del suicidio de su padre. Teraputico homenaje al padre perdido, Pap resulta, no obstante, mucho ms directo y emotivo. Sorprende que el abierto, sencillo y fresco, el tan espontneo y expresivo trazo habitual de la autora soporte con tanta fuerza la intensa temtica. Dnde ests ahora?, pregunta la hija. No estoy en ningn sitio, contesta el padre, y para que el padre no sea tan slo un recuerdo, la autora vuelve a darle vida en esta potica obra. Usando cortas lneas que se enmaraan y desenmaraan, que giran sobre s mismas o se abren al innito, Picault destaca por su capacidad para dibujar, expresar espacios simblicos tan arduos como el suicidio, la muerte, el sufrimiento y la tristeza de la hija, as como la reconciliacin con su abandono y el pasado compartido. La francesa pero ancada en Barcelona Rachel Deville (1972) public en el 2007 Lobas15, que ahonda en las luces y las sombras de una relacin entre hermanas gemelas. En un desencajado mundo de

adultos que ellas viven como puertas cerradas y amenazantes pasillos innitos, las gemelas construirn un mundo con reglas, espacios e incluso lenguaje propio, mundo que se ir deteriorando hasta la necesaria separacin que les aporte una identidad diferenciada. El mundo de arriba y el de abajo, la ambivalencia, el espejo... Ya los ttulos de los captulos (Narciso, Can y Abel, El laberinto, Medusa) nos avisan de que la apuesta por situar la evolucin de las hermanas est ms en el espacio del mito que en el real. Con el nico recurso del tradicional lpiz, partiendo de un mundo gris, la autora trabaja la tcnica del claroscuro aumentando y disminuyendo la intensidad de las sombras segn se van produciendo. Para lograr la ambientacin catica y turbadora que la historia necesita, la autora recurre a la representacin de gran cantidad de espacios cerrados que van desde el tero hasta el laberinto. Casas de muecas, cajas, jaulas, corazas... espacios que simbolizan el encierro y asxia, hasta el alejamiento de las hermanas que cierra el libro, como en Diario de Nueva York, con una optimista imagen, la ms abierta, ordenada y luminosa. El ltimo cmic que ha llegado a nuestras manos es de la joven autora norteamericana Lilli Carr (1983), cuya obra en blanco y negro La laguna (2008)16 revisa de manera totalmente personal el mito de la sirena de dulces cantos mortferos. Aunque en este caso son los sonidos los que conducen la historia, la negra portada nos avisa de que nos encontramos ante un nuevo ejemplo de los usos de este color en cuanto a la ambientacin se reere. En este caso, el negro nos remite a unos espacios reales y a un tiempos real la noche y a su vez a los misterios y peligros que la noche y la laguna guardan. La criatura es, por supuesto, negra. Trabajo de marcada personalidad (todos los personajes de la autora llevan sombreada la nariz con un triangulo negro que hace

Mujeres, espacios y cmics: esas sombras tan pronunciadas]Josune Muoz

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sus propuestas fcilmente identicables) que consigue un cmic de inquietante efecto, con logrado fundido en negro nal incluido. Se podran comentar otras muchas autoras17, pero pasaremos a concluir. Creemos que la incorporacin de las mujeres al mundo de cmic, no slo aporta imgenes femeninas alejadas de los estereotipos sexistas tan habituales, sino tambin nuevas temticas y tcnicas visuales con las que reejarlas. La marcada tendencia autobiogrca que muestran estos materiales, lejos de remitir a mundos intransferibles, nos demuestra que la experiencia de las mujeres es muy parecida en todo el planeta, e igualmente sirve para enfocar, iluminar las sombras que muchas de estas ocultadas, ensombrecidas, silenciadas vivencias han sufrido hasta ahora: la infancia traumtica, la cruda adolescencia, el abuso sexual, el maltrato, el incesto, la vulnerabilidad social y sexual, la difcil relacin con los padres... son temas constantemente reejados, tratados con una profundidad que le conere una crtica y denuncia social que no podemos dejar de subrayar. Por otro lado, es igualmente destacable la lucidez y honestidad con que estas mujeres enfocan los lados ms oscuros de todas estas experiencias visitando los espacios ms dolorosos y traumticos, y aportando, no obstante, los necesarios toques de autocrtica, humor, delicadeza o poesa necesarios para que su lectura nos sea soportable y enriquecedora.

1 Las fechas que aparecen entre parntesis son las de las ediciones en lengua original. Las notas a pie de pgina indican la edicin en castellano. 2 Julia Doucet: Diario de Nueva York. Inreves, 2001. 3 Debbie Drechsler: La muequita de pap. La Cpula, 2004. 4 Debbie Drechsler: Verano de amor. La Cpula, 2007. 5 Phoebe Gloeckner: Vida de una nia. La Cpula, 2006. 6 Phoebe Gloeckner: Diario de una adolescente. La Cpula, 2007. 7 Marjane Satrapi: Perspolis. Norma, 2002-2004. 8 Zeina Abirached: El juego de las golondrinas. Sins Entido, 2008. 9 Kim Eun-Sung: La historia de mi madre. Sins Entido, 2008. 10 Parsua Bashi: Nylon Road, Norma, 2009. 11 Rosalind B. Penfold: Quireme bien. Una historia de maltrato. Lumen, 2006. 12 Alison Bechdel: Fun Home. Una familia tragicmica. Mondadori, 2008. 13 Aude Picault: Rollos mos. Sins Entido, 2008 y Ms rollos mos. Sins Entido, 2008. 14 Aude Picault: Pap. Sins Entido, 2009. 15 Rachel Deville: Lobas. Sins Entido,2007. 16 Lilli Carr: La laguna. La Cpula, 2009. 17 Por su personal tratamiento del espacio en su obra, podemos recomendar la lectura de otras autoras ya traducidas como son Mary Fleener, Linda Medley, Jessica Abel, Gabriele Bell, Gabriella Giandelli, Vanna Vinci...

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\ Pap. Aude Picault [Sins Entido, 2009].

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Performances para 7 sillas. Esther Ferrer. Centro Internacional de Poesa de Marseilla, 1990. [Jean-Marc de Samie] Y