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br avanza.
e • Pinchando en el Indice , y una vez en
este, se puede seleccionar la parte de la
2008 presentación donde queremos ir.
Indice Paseo por el Museo del
Prado

• Origen del Museo del Prado

• Interior del Museo
• Obras Maestras
• Curiosidades y datos interesantes
• Ampliación del Museo
• Plano
• Alrededores del Museo
Indice
 El edificio que hoy sirve de sede al
Indice Museo Nacional del Prado fue diseñado
por el arquitecto Juan de Villanueva en
1785, como Gabinete de Ciencias
Naturales, por orden de Carlos III. No
obstante, el destino final de esta
construcción no estaría claro hasta que
su nieto Fernando VII, impulsado por su
esposa la reina María Isabel de Braganza,
tomó la decisión de destinar este edificio
a la creación de un Real Museo de
Pinturas y Esculturas.
El Real Museo, que pasaría
pronto a denominarse
Museo Nacional de Pintura
y Escultura y
posteriormente Museo
Nacional del Prado, abrió
por primera vez al público
en noviembre de 1819.
Indice Descripción
Está formado por un del edificio
cuerpo de
central Villanueva
al que flanquean unas galerías
alargadas que terminan en unos pabellones cuadrados en cuyo interior
se cobijan las rotondas.
El cuerpo central sobresale con una construcción que tiene seis
columnas de orden toscano, un entablamento, una cornisa y un ático
que lo remata. En su cara posterior, termina en forma semicircular o
absidial, de tal modo que su plano adopta forma basilical.
Originariamente, dicha estancia abarcaba las dos plantas de altura, y a
finales del XIX se dividió en dos pisos. El inferior era la sala de juntas,
hasta su reciente conversión en recibidor. La planta superior es la actual
sala 12, presidida por Las Meninas.

Las dos galerías laterales tienen dos plantas en altura. La inferior con
unos ventanales profundos y alargados que acaban en un arco de
medio punto y la superior con una galería de columnas jónicas (en la
actualidad hay un tercer piso retranqueado, obra posterior).
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice

• Después de una breve descripción de cada

una de las colecciones. Se presentan las 50
Obras Maestras recomendadas en la Web
del Museo del Prado, todas ellas,
Indice PINTURA ESPAÑOLA 1100-1850
Con gran diferencia, la mayor y más importante colección del
mundo. Cronológicamente abarca desde murales románicos
del siglo XII hasta el final del siglo XIX. Sus ricas colecciones
incluyen pintura medieval, con Bartolomé Bermejo, Juan de
Flandes y Berruguete, renacentista, con autores como Pedro
Machuca, Juan de Juanes y Juan Correa de Vivar, manierista
con el protagonismo absoluto de El Greco, y barroca con
Zurbarán, Ribera, Murillo y Velázquez. Sólo las colecciones de
estos cuatro autores suman 200 pinturas. Del siglo XVIII,
destacan aparte de Goya los bodegones de Luis Meléndez y la
variada colección de Luis Paret, considerado el mejor pintor
español de estilo rococó. Desde hace muchos años se trabaja
en la puesta en valor de la pintura española del siglo XIX
posterior a Goya, que incluye riquísimos y muy caudalosos
fondos desde el Neoclasicismo hasta Sorolla; las pinturas de
este siglo suman casi 3.700 obras en total (más de la mitad de
todas las pinturas del museo). Entre las últimas novedades de
la colección española antigua, destacan las compras de La
condesa de Chinchón de Goya, El barbero del Papa de
Indice PINTURA ESPAÑOLA 1100-1850

Románica y Renacimient Siglo XVIII

Gótica o
Barroca Siglo XIX

Velázquez
Anónimo Yáñez de la Goya Haes, Carlos de
Almedina, Vista del jardín de la Perro
Soldado o Villa Medici de Roma Perro
Fernando
Montero semihundido La canal de
Santa Catalina Mancorbo en
los Picos de
Europa
Indice PINTURA ITALIANA
Desde el primer Renacimiento, con unos pocos ejemplos de
Fra Angélico, Mantegna, Antonello da Messina y Botticelli,
hasta el siglo XVIII (Tiépolo y Corrado Giaquinto). También,
ocho obras de Rafael y su taller, obras maestras de Correggio,
Bronzino, Andrea del Sarto, Sebastiano del Piombo, Federico
Barocci, Annibale Carracci, Caravaggio, Guido Reni, Guercino,
Luca Giordano... y la mayor colección mundial de la escuela
veneciana (Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano).

Tiziano, Vecellio di Carracci, Annibale Batoni, Pompeo

Gregorio Venus, Adonis y Francis Basset, I
Cupido barón de
La bacanal de los
Indice PINTURA FLAMENCA
Primitivos flamencos como Weyden (El descendimiento de la
cruz), Dieric Bouts, Petrus Christus y Hans Memling, y la mejor
colección de El Bosco. Igualmente sobresalientes son las
pinturas de Patinir, El Triunfo de la Muerte de Pieter Brueghel el
Viejo y varias de Quentin Metsys y Pieter Coecke. Pintura
flamenca del siglo XVII: una enorme colección de Rubens, más
de 25 cuadros de van Dyck, varios de Jacob Jordaens,
incluyendo su Autorretrato con su familia, y la serie de Los
Cuatro Sentidos de Brueghel. Es una de las mejores
colecciones flamencas del mundo, sólo comparable con la del
museo de Viena.

Jordaens, Jacob
El Bosco Teniers, David
Mesa de los pecados Tres músicos
ambulantes El Alquimista
capitales
Indice PINTURA HOLANDESA
La pintura holandesa del XVII tiene una presencia mucho más
corta, aunque incluye La reina Artemisa de Rembrandt y
ejemplos de Gabriel Metsu, Adriaen van Ostade, Mathias
Stomer y Philips Wouwerman.

Rembrandt
Artemisa
Claesz., Pieter
Bodegón
Indice PINTURA FRANCESA
Apenas hay ejemplos anteriores a 1600, aunque los siglos XVII
y XVIII cuentan con obras magistrales de Poussin, como El
Triunfo de David y El Parnaso. Claudio de Lorena cuenta con
varios paisajes magistrales, y hay un par de ejemplos de
Simon Vouet. El tenebrismo cuenta con ejemplos llamativos de
Georges de La Tour y Valentin de Boulogne. Retratistas de los
borbones españoles, como Jean Ranc y Van Loo, tienen
presencia junto a maestros rococós como Watteau y Boucher. .

Poussin, Nicolas
El Parnaso
Lorena, Claudio de
La Tour, Georges de Paisaje con el
embarco en Ostia de
Ciego tocando la
Santa Paula Romana
Indice PINTURA ALEMANA
Reducida en número, pero de gran calidad. Cuatro de las obras
maestras de Alberto Durero, entre ellas su Autorretrato de
1498 y la pareja de tablas de Adán y Eva, así como una Virgen
y dos curiosas escenas de cacería de Lucas Cranach, dos
alegorías muy importantes de Hans Baldung Grien y, ya del
siglo XVIII, un rico grupo de retratos de Anton Raphael Mengs.

Lucas Cranach
Cacería en honor de Carlos V en el
castillo de Torgau

Hans Baldung Grien Alberto

Durero
Las edades y la
Aautorretrat
Indice PINTURA BRITÁNICA

Existe una pequeña colección de pintura inglesa, tanto de

artistas nativos como de extranjeros que trabajaron de forma
estable en aquel país: Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds,
Thomas Lawrence, David Roberts y ya de la época victoriana,
Lawrence Alma-Tadema.

Alma Tadema, Sir Lawrence

David Roberts
Escena pompeyana, o La siesta
La Torre del Oro
Indice ESCULTURA
Escultura griega y romana, también del siglo XVI y posterior.
Destacan las Musas que pertenecieron a Cristina de Suecia, y
que tras la última ampliación se ubican en el recibidor oval,
bajo la sala de Las Meninas.

Anónimo Anónimo Anónimo

El baile de las La emperatriz Sabina El niño de la espina
ménades
Indice ARTES DECORATIVAS
El Tesoro del Delfín, valiosa colección de orfebrería y gemas
talladas. Además el Museo guarda una rica colección de
tapices, armaduras porcelanas, así como el caudaloso
monetario que fue de Alberto Bosch
 DIBUJOS Y ESTAMPAS
Indice
Sobresale la colección de dibujos de Goya, la más amplia del
mundo. Junto a ella, la colección de dibujos españoles del siglo
XIX, con más de 3.000 obras originales, es de extraordinaria
importancia. Las colecciones de dibujos extranjeros son más
desiguales, aunque incluyen notables ejemplos italianos; de
manera sorprendente, en fecha reciente se identificaron dos
bocetos de Miguel Ángel para la Capilla Sixtina.
Indice

Las 50 Obras Maestras,

del Prado
Indice

La cacería de liebres muestra a un cazador a

caballo -casi de frente como el Soldado-, con
el tridente en la mano, lanzando tres perros
Anónimo para acosar a las liebres y llevarlas hasta la
Cacería de red tendida por el cazador
liebres
 las composiciones de
Mantegna y la dota de
Indice resonancias italianas,
por el modo de disponer
al los personajes con un
dominio de líneas rectas
que otorgan
monumentalidad al
conjunto. Para llamar la
atención sobre Cristo
Crucificado, situado en el
centro, ante un fondo de
paisaje, idea un
semicírculo de figuras en
torno a Él. A la
originalidad del pintor
flamenco al representar
este tema iconográfico
se suma su dominio
técnico, patente en la
forma de reproducir las
calidades de las cosas
Flandes, Juan de como las piedras
La Crucifixión preciosas y el coral
esparcidos por el suelo.
Planta Baja Sala
 santo abad benedictino
vestido de obispo. El
Indice personaje aparece sentado en
un trono gótico decorado con
estatuas policromadas de las
siete virtudes, las teologales:
Fe, Esperanza y Caridad y las
cardinales: Prudencia, Justicia,
Fortaleza y Templanza.

Destaca especialmente el
extremo realismo del rostro de
Santo Domingo y la fuerza de
su mirada, características
propias del arte flamenco que,
en este caso, no son verídicas
sino ideales, ya que fue en el
siglo XI cuando el monje
Domingo fundó, cerca de
Burgos, el Monasterio de Silos,
donde vivió. Este realismo
contrasta con el abundante
Bermejo, Bartolomé uso del oro que, como se
había especificado en el
Santo Domingo de Silos contrato, no aparece
entronizado como obispo embutido, como es habitual en
Aragón.
 La disposición del
escenario y de las figuras
Indice reflejan la modernidad de
Berruguete en cuanto a las
nuevas tendencias
compositivas. A su vez, la
pintura ilustra su
capacidad para la
narración pictórica. La
escena compone una
magnífica crónica de la
Castilla de tiempos de los
Reyes Católicos. Los
personajes vestidos a la
moda del siglo XV, están
dotados de una gran
realidad y verismo,
rozando lo anecdótico,
como el personaje que
duerme debajo del santo.

Procede de la Sacristía de
Berruguete, Pedro Santo Tomás de Ávila.

Auto de Fe presidido por Santo

Domingo de Guzmán
 artista armoniza los
conceptos de dibujo y
Indice color desarrollados
respectivamente en el foco
romano y veneciano. En
los diferentes colores de
los mantos destaca la
contrastada gama de su
paleta, que entronca con
la de Tintoretto. También
se pueden apreciar ecos
de la obra de Miguel Ángel
en la vigorosa anatomía de
Jesús.

La obra fue pintada para el

ático del retablo del altar
mayor de la Iglesia de
Santo Domingo el Antiguo
de Toledo, por encargo de
Diego de Castilla, deán de
Toledo y albacea de doña
María de Silva, enterrada
El Greco
en el convento. Fue
La Trinidad adquirida en 1832 por
Fernando VII al escultor
Planta Primera Sala
Valeriano Salvatierra.
 espada, detalle que destaca su
condición de caballero. Una de
Indice las obras maestras del
Renacimiento español y una de
las más divulgadas de la
producción de El Greco.

Pintada en los primeros años

del artista en Toledo, El
caballero de la mano en el
pecho se distingue por la
expresividad de la mirada que
el personaje mantiene fija en el
espectador y el naturalismo en
el gesto de la mano.

Existen muy diversas

interpretaciones entorno a la
identidad del personaje y al
significado del gesto,
afirmando algunos que
simboliza diferentes estados,
como arrepentimiento o un
El Greco juramento. Aunque existan
El caballero de la mano dudas razonables, se ha
en el pecho llegado a identificar al
 que iba a ser el panteón
familiar dentro de la Iglesia
Indice Conventual de Santo Domingo
el Antiguo, en Toledo. Para tal
efecto, el artista recuperó un
tema que había tratado en
diversos momentos de su
carrera, un símbolo de
resurrección y eternidad que
acompañaría los restos del
pintor, probablemente
autorretratado en el pastor del
primer término. Se ha pensado
que escogió este episodio por
el significado de su apellido
(Theotocopoulus) y la palabra
griega Theotokos (Madre de
Dios).

El panteón ideado dejó de ser

tal muy pronto, y la tela
cambió de ubicación dentro de
El Greco la iglesia, sufriendo distintos
deterioros. En 1954 fue
Adoración de los adquirida para el Museo del
pastores Prado.
 Iglesia Conventual de
Santo Domingo el
Indice Antiguo, en Toledo. Para
tal efecto, el artista
recuperó un tema que
había tratado en
diversos momentos de
su carrera, un símbolo
de resurrección y
eternidad que
acompañaría los restos
del pintor,
probablemente
autorretratado en el
pastor del primer
término. Se ha pensado
que escogió este
episodio por el
significado de su apellido
(Theotocopoulus) y la
palabra griega
Theotokos (Madre de
Velázquez, Diego Dios).
Rodríguez de Silva y El panteón ideado dejó
El triunfo de Baco, o Los de ser tal muy pronto, y
 Justino de Nassau, las
llaves de la ciudad de
Indice Breda, rendida tras un
largo asedio. El hecho,
acaecido el 5 de junio de
1625, se consideró en su
momento un episodio
clave de la larga guerra
que mantuvieron los
españoles para evitar la
independencia
holandesa.

La obra, con clara

finalidad de propaganda
política, insiste en el
concepto de clemencia
de la monarquía
hispánica. A diferencia
de otros cuadros de
historia contemporánea,
Velázquez no se recrea
Velázquez, Diego en la victoria, y la batalla
tan solo está presente
Rodríguez de Silva y en el fondo humeante. El
La Rendición de Breda, o pintor centra la atención
 Aracne.

Indice El mito aparece

representado en dos
planos bajo la apariencia
de un día cotidiano en la
Fábrica de Tapices de
Santa Isabel. Al fondo de
la escena el rapto de
Europa aparece hilado
en el tapiz que cuelga de
la pared y, ante él
Atenea, vestida con
armadura, castiga a
Aracne. Las mujeres que
observan el suceso, y
que podríamos confundir
con clientas de la
fábrica, serían en
realidad las jóvenes
lidias testigos del
momento. En primer
término, las hilanderas
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y representarían el
La fábula de Aracne, o Las Hilanderas desarrollo del concurso.
Atenea, hilando en la
Planta Primera Sala 15a rueda y Aracne
 perspectiva, de la plasmación de la
luz y de la representación de la
Indice atmósfera.
Las interpretaciones sobre el tema y
la plasmación del mismo han sido
múltiples. Las más numerosas
subrayan la reivindicación de la
nobleza de la pintura frente a las
prácticas artesanales. Velázquez se
autorretrata pintando el propio
cuadro a la izquierda del lienzo,
afirmando así la supremacía del arte
de la pintura. La infanta Margarita
(1651-1673), vestida de blanco,
aparece rodeada en el centro de la
composición por sus damas de
compañía, las “meninas” María
Agustina de Sarmiento e Isabel de
Velasco, dos bufones de la corte,
María Bárbola y Nicolasito Pertusato,
y un perro mastín. Detrás de ella,
aparecen conversando un
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y guardadamas, la dueña Marcela de
Ulloa, y, en la puerta, al aposentador
La familia de Felipe IV, o Las Meninas José Nieto.
Planta Primera Sala 12 Los reyes, Felipe IV y Mariana de
 dormido, recostado
sobre el brazo izquierdo.
Indice Detrás de él se
encuentra un árbol y al
otro lado la escala de luz
por la que suben y bajan
los ángeles.

El asunto muestra la
capacidad técnica de
Ribera para construir un
discurso metafórico. A
través de la
representación de un
pastor tendido a
descansar en el campo
describe uno de los
episodios bíblicos más
conocidos. La visión en
primer plano del
personaje sólidamente
construido y los rasgos
Ribera, José de realistas de la escena
El sueño de Jacob sirven para hacer
verídico el sueño
Planta Primera Sala 26 milagroso, que se
 Conjunto pictórico que representa el origen milagroso de la fundación de
Santa Maria Maggiore de Roma. Fueron encargados para la iglesia sevillana
Indice de Santa María la Blanca, remodelada en los años posteriores a 1660 y
concebidos como programa de exaltación mariana que desarrolló la bula
papal de 1661 sobre el misterio de la Inmaculada Concepción.
El sueño del patricio Juan muestra la aparición de la Virgen al patricio y a su
esposa mientras duermen, momento en el que María les encomendó que
levantasen una gran iglesia bajo su advocación en el monte Esquilino con la
planta diseñada por una milagrosa nevada.

rillo, Bartolomé Esteban

ndación de Santa María Maggiore de Roma: I. El sueño del patricio Juan
nta Primera Sala 28
Indice

Imagen de devoción, muy difundida en la España del

siglo XVII, que representa un Agnus Dei, el “Cordero de
Dios” que alude al sacrificio de Cristo muriendo para
salvar a la humanidad. Destaca la sencillez de la
composición formada exclusivamente por la imagen del
joven animal con las patas atadas y apoyado sobre un
alféizar fuertemente iluminado por un único foco de luz.
Zurbarán, Francisco deZurbarán realizó seis versiones de este tema, con
pequeñas variantes iconográficas, lo que indica que tuvo
Agnus Dei un relativo éxito entre la clientela privada. Ésta es la
Planta Primera Sala 18versión de mayor calidad y corresponde a su etapa de
 Santos en Brasil,
ocupada un año antes
Indice por los holandeses. El
cuadro, dividido en dos
partes, representa el
momento posterior a la
batalla. A la derecha, el
general español muestra
un tapiz a los vencidos,
en el que el rey Felipe IV
está siendo coronado
con el laurel de la
victoria por el conde-
duque de Olivares y por
Minerva, pisando a la
vez los cadáveres de la
Herejía, la Ira y el
Engaño, en alusión a los
enemigos de la
monarquía española. A
la izquierda, Maíno optó
por mostrar las
Maíno, Fray Juan Bautista consecuencias de la
guerra, a través del
Recuperación de Bahía de Todos los Santos sufrimiento de las
Planta Primera Sala 16 víctimas representado
 jilgueros y dos
gorriones en una
Indice caña, tres
zanahorias, dos
rábanos y un gran
cardo blanco
cerrando la
composición. Y
colgados del alfeizar
superior: tres
limones, siete
manzanas, un
jilguero, un gorrión y
dos perdices rojas.

La composición
destaca por su
sobriedad, intimismo
e intensidad,
características que
se enfatizan gracias
a la luz lateral que
Sánchez Cotán, Juan produce grandes
sombras, creando
Bodegón de caza, hortalizas y frutas una ilusión perfecta y
Planta Primera Sala 18 plenamente realista
 almohadas y colcha.
La leyenda ha querido ver en la modelo a la duquesa de Alba, aunque también
Indice ha sido identificada con Pepita Tudó, amante de Godoy desde 1797.
En 1800 aparece citada por primera vez en el palacio de Manuel Godoy sin su
pareja, La maja vestida (P741), como sobrepuerta. En 1808 aparece
mencionada por segunda vez junto a La maja vestida (P741), en el inventario
realizado por Frédéric Quilliet, agente de José Bonaparte, de los bienes de
Manuel Godoy, quien quizás las encargó. Y en 1813 se describe a las damas
como Gitanas en el inventario de incautación de bienes de Godoy por el rey
Fernando VII.

Goya y Lucientes, Francisco de

La maja desnuda
Planta Primera Sala 29
 trajes, a la última
moda, de las joyas,
Indice posiblemente
creaciones del joyero
de la corte Chopinot
y de las
condecoraciones,
como la banda de la
Orden de Carlos III,
de la recién creada
Orden de María
Luisa, el Toisón de
Oro y las cruces de la
Inmaculada y de San
Jenaro.

La armoniosa, clara y
a un tiempo
compleja
composición, revela
la maestría del
artista. La sutil
Goya y Lucientes, Francisco de definición de los
caracteres atestigua
La familia de Carlos IV la capacidad del
Planta Primera Sala 32 pintor para analizar
 Napoleón, como
represalia al
Indice levantamiento del 2
de mayo de 1808
contra la ocupación
francesa.

Los soldados
franceses, de
espaldas a la
derecha de la
composición,
apuntan a los
madrileños que han
de morir. El
dramatismo y la
tensión de la escena
quedan subrayados
por el uso de la luz,
que ilumina
fuertemente a los
héroes permitiendo
a y Lucientes, Francisco de diferenciar sus
caracteres y
de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña
actitudes endel
un Príncip
ta Primera Sala 39 detallado estudio
 Negras por el uso que en ellas se hace de los
pigmentos oscuros y negros y también por lo
Indice sombrío de los temas. El carácter privado e
íntimo de esta casa, hizo que el artista se
expresara en estas obras con gran libertad.
Pintadas directamente sobre los muros, la
técnica empleada debió de ser mixta, pues los
análisis químicos revelan el empleo de aceites
en su composición.

Todas las pinturas fueron mandadas trasladar a

lienzo por el barón Émile d'Erlanger, quien
adquirió la Quinta en 1873. Las obras sufrieron
enormemente con este traslado, perdiendo gran
cantidad de capa pictórica en el proceso.
Finalmente el Barón donó las pinturas al Estado,
siendo destinadas al Museo del Prado, donde se
exponen desde 1889.

Saturno, en el momento de devorar a uno de

sus hijos, es una de las imágenes más
expresivas de las Pinturas Negras. Ocupaba el
Goya muro
y Lucientes,
de enfrenteFrancisco de (P754) en la
al de La Leocadia
sala de la planta baja de la Quinta del Sordo.
Saturno devorando a un hijo
Planta Baja Sala 67
 considerado este
soberbio exponente de
Indice su virtuosismo en la
captación de los
elementos, todos ellos
tratados con un
lenguaje directo y
realista. En primer
término, un limón se
contrapone, aislado, al
grupo que constituyen
una rodaja de salmón
fresco y varios
cacharros de cocina;
estos últimos son una
vasija de cobre, un
perol del mismo metal
y un puchero de
Alcorcón sobre el cual,
a modo de tapa, figura
un trozo de loza; detrás
se adivina el mango,
posiblemente de un
cucharón. El plano que
Meléndez, Luis Egidio sustenta el conjunto
desaparece en el fondo,
Bodegón: un trozo de salmón, un limón y tres vasijas
 momento en que la
Reina Católica dicta su
Indice testamento en Medina
del Campo el 12 de
octubre de 1504, días
antes de morir. En una
estancia regia casi
sumida en la
penumbra, bajo una
cama de dosel, destaca
Isabel, con una medalla
de la Orden de
Santiago colgada del
pecho. El blanco de las
ropas de cama
contrasta con los
colores apagados de
los presentes. La única
nota de color la crea el
manto rojo de un
apesadumbrado rey
Fernando, quien tiene a
su lado a su hija Juana.
En el grupo de los
Rosales Gallinas, Eduardo asistentes se reconoce
a Cisneros vestido con
Doña Isabel la Católica dictando su testamento el hábito cardenalicio.
 últimos coletazos de las
tranquilas olas.
Indice
Sorolla conjuga en esta
pintura dos temas que
fueron objeto de su
atención en numerosas
ocasiones: los niños y
la playa. Estas escenas
cargadas de luz
marcaron
definitivamente la
estética que hizo tan
popular al artista. El
color abordado con un
exquisito análisis es
otra de las
características de sus
pinturas de exteriores,
y en este ejemplo
sobresale el pelo rubio
del chico en el centro
de la composición, cuyo
color se confunde con
Sorolla y Bastida, Joaquín
el de la cálida arena. La
Chicos en la playa pincelada larga y
 Gabriel a María y, a su izquierda, la
expulsión de Adán y Eva del Paraíso. La
Indice condenación y salvación del hombre. En
el banco o predela se narran escenas
de la vida de la Virgen: Nacimiento de
María y los Desposorios con San José,
Visitación de María a su prima Santa
Isabel, Nacimiento del Niño Jesús, la
Presentación del Niño en el Templo y la
Dormición de la Virgen con Cristo
recogiendo su alma.
Fra Angelico, también conocido como
Beato Angelico, dedicó su obra
exclusivamente a los temas religiosos
pues entendía el arte como un aspecto
de la devoción religiosa.
Particularmente minucioso en los
detalles y calidades de los objetos,
naturaleza y personajes representados,
Fra Angelico aúna en su estilo de la
tradición tardogótica italiana con el
nuevo lenguaje renacentista. Ejemplo
Angelico, Fra de ello es la profundidad espacial de la
arquitectura que, aunque sigue las
La Anunciación recomendaciones de Brunelleschi de
Planta Baja Sala 49 centrarse en un escenario cuadrado y
 María quien, según los Evangelios
Apócrifos fue elevada por Cristo al
Indice Reino de los Cielos en cuerpo y
alma tras su muerte terrenal,
momento también conocido como
la “Dormición de la Virgen”.

La composición de esta pintura

está dominada por la búsqueda de
la perspectiva, conseguida
especialmente gracias a la
geometría del dibujo del
pavimento, al juego de escala de
tamaños de las figuras y a la
ventana del fondo que actúa como
“punto de fuga”. También es digno
de destacar la fuerte
individualización de las fisonomías
de los personajes, así como la
maestría en la ejecución del
paisaje, siendo una de las primeras
representaciones topográficas
reconocibles de la pintura italiana.
Mantegna, Andrea
El Tránsito de la Virgen
Planta Baja Sala 49
Indice
En la pintura de
Antonello, de gran
virtuosismo técnico,
convive una
caligrafía minuciosa
de origen nórdico,
perceptible en el
paisaje o el cabello
de Cristo, con un
tratamiento
monumental de la
anatomía y una
preocupación por el
volumen y la
perspectiva
claramente
meridionales.

Messina, Antonello de
Cristo muerto, sostenido por un ángel
Planta Baja Sala 49
 Esta obra fue pintada en
Indice Roma, momento en el que
Rafael culminó su capacidad
para pintar las personas más
reales de lo que son, que le
reconocían sus
contemporáneos.

La composición deriva de la
Gioconda de Leonardo da
Vinci, pues en ambos casos el
modelo aparece sentado,
formando un triángulo con su
cuerpo y su brazo. Resultan
especialmente sorprendentes
los contrastes cromáticos
entre el brillante rojo del
capelo, la manga blanca y el
rostro del cardenal, gracias al
uso de las luces. Esta
característica y la
Rafael minuciosidad de la pincelada
otorgan un carácter
El Cardenal tridimensional al retratado,
Planta Baja Sala 49 que deja vislumbrar el interés
 1558) conmemorativo de la
victoria en Mühlberg de las
Indice tropas imperiales sobre las
protestantes. La aparente
sencillez de la composición
esconde una compleja
simbología que muestra al
Monarca en su doble
condición de caballero
cristiano y heredero de la
tradición imperial romana.
Ejemplo de ello es la lanza
que sostiene el Emperador
con su mano derecha y que
siendo el símbolo del poder
de los césares, también hace
referencia al arma de San
Jorge y a la lanza que portaba
Longinos durante la Pasión de
Cristo (soldado romano que
clavó su lanza en el costado
de Cristo y que a continuación
Tiziano, Vecellio di Gregorio se convirtió al cristianismo).
El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg
Planta Primera Sala 11
 la que la bebida
manaba de un arroyo
Indice por gracia del dios
Baco. Una ninfa
aparece desnuda en
primer término y al
fondo sobre el
montículo, yace Sileno,
asiduo acompañante
del dios. El pasaje de
la partitura situada en
el centro inferior de la
composición ha sido
atribuido al músico
flamenco, activo en la
corte de Ferrara,
Adriaen Willaert. Su
letra, “Qui boyt et ne
reboyt il ne seet que
boyre soit” hace
referencia a la
celebración del vino
Tiziano, Vecellio di Gregorio por parte de hombres
y dioses.
La bacanal de los andrios
Planta Primera Sala 7a
 de Céfalo y Procris (Museo de
Estrasburgo), y ambas
Indice ilustran pasajes de Las
Metamorfosis de Ovidio, en
este caso el Libro X,
dedicados a amores
truncados por la muerte
repentina y fortuita de uno
de los amantes.

La pintura muestra el último

instante de felicidad de los
amantes antes de la muerte
de Adonis por los colmillos de
un jabalí. Veronés optó por
mostrar la psicología del
amor, plasmada en el rostro
ensombrecido de Venus,
conocedora de la suerte que
aguarda a su amado.
Realizada tras una posible
estancia en Roma, Veronés
Veronese, Paolo se inspiró en la escultura
helenística de El niño de la
Venus y Adonis oca para la figura de Cupido
Planta Baja Sala 75 y en el Endimión de un
 Escena del Nuevo Testamento (Juan 13, 1-20) que muestra el momento justo
anterior a la Última Cena, en el que Jesús se dispone a lavar los pies de San
Indice Pedro, como ejemplo de humildad y servicio al prójimo. El desplazamiento a un
lateral de los actores principales, Cristo y San Pedro, responde a su
emplazamiento original en el muro derecho del presbiterio de San Marcuola, de
tal modo que la acción de Cristo lavando los pies a San Pedro era la parte de
lienzo más próxima a la feligresía.

Tintoretto, Jacopo Robusti

El Lavatorio
Planta Baja Sala 75
 María Magdalena, de rodillas
y ricamente vestida a la
Indice moda del siglo XVI, reconoce
a Cristo resucitado en la
figura de un hortelano.
El detallismo con que la obra
está pintada delata el destino
del encargo, la capilla de la
familia Ercolani en Bolonia,
uno de los pocos encargos
privados realizados por
Correggio tras regresar a
Parma en 1520 después de
su estancia de formación en
Roma.

La composición es de un
equilibrio extraordinario, en
el que se contrarrestan la
inestabilidad de la figura de
la Magdalena con la
serenidad de Cristo frente a
un paisaje iluminado por la
Correggio luz del amanecer.

Noli me tangere
 el cuerpo muerto de su
enemigo dispuesto a
Indice atar la cabeza
degollada a modo de
trofeo.

El cuadro muestra la
última escena de la
batalla entre filisteos e
israelitas narrada en el
Antiguo Testamento
(Samuel 17, 51), en la
que David mata al
gigante Goliath con la
sola ayuda de una
piedra y una honda
trayendo la victoria al
pueblo de Israel.

La autoría de esta
pintura ha sido
controvertida, pero
Caravaggio hoy en día se acepta
unánimemente la
David vencedor de Goliath atribución al maestro
Planta Primera Sala 5
 el Nilo, de donde es
salvado por la hija del
Indice Faraón (Éxodo 2).
Gentileschi tuvo una
primera formación en
Florencia para luego
trasladarse a Roma
donde fue amigo de
Caravaggio, realizando
obras próximas a su
estilo que interpreta de
forma personal.
Posteriormente trabajó
en Génova y en París,
pasando después a
Londres, donde acabó
su vida. Este lienzo de
carácter sofisticado y
elegante, con
suntuosas gamas
cromáticas, fue
pintado durante su
estancia en la corte de
Gentileschi, Orazio Lomi de Carlos I de Inglaterra
Moisés salvado de las aguas como regalo del artista
a Felipe IV de España.
Planta Primera Sala 4
 serpiente del Pecado
Original, coronada por
Indice la paloma del Espíritu
Santo y rodeada por
ángeles y por algunos
de los símbolos
marianos. Éstos son la
vara de azucenas, la
palmera, la fuente y el
espejo. Esta escena
muestra la manera
tradicional de
representar la
Inmaculada
Concepción de la
Virgen, que fue
concebida sin pecado
original.

La obra fue un encargo

Real para la Iglesia de
San Pascual de
Tiepolo, Giambattista Aranjuez.
Inmaculada Concepción El boceto para este
Planta Primera Sala 23 lienzo se conserva en
 experimenta la Virgen
Indice ante el sufrimiento y la
muerte de su Hijo.
Weyden maneja con
maestría las figuras
representadas en un
espacio limitado al
fondo y en los
extremos, donde los
movimientos opuestos
y complementarios de
San Juan y la
Magdalena cierran la
composición. En el
interior de ese espacio
sobresale el juego de
diagonales paralelas
que diseñan los
cuerpos de Cristo y de
María, poniendo de
manifiesto su doble
Weyden, Roger van der pasión. Impactan los
gestos, la contención
El Descendimiento con que se expresan
Planta Baja Sala 58 los sentimientos y el
 al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha
muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse
Indice en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas
delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad
entregada a los diversos placeres mundanos.
Obra de carácter moralizante, es una de las creaciones más enigmáticas,
complejas y bellas de El Bosco, realizada en la última etapa de su vida.
Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, hijo natural del gran duque
de Alba, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

El Bosco
El jardín de las Delicias, o La pintura del madroño
Planta Baja Sala 56a
 Según la tradición clásica, el barquero Caronte atravesaba en su barca la
laguna Estigia con las almas de aquellos que accedían al Infierno. En el mundo
Indice cristiano medieval este tema fue sacralizado al convertirlo en una elección
entre el Bien y el Mal. Aquí Patinir sitúa un ángel en el lado izquierdo, que
señala el difícil camino hacia el Paraíso, pese a que el alma se encamina ya al
acceso del Infierno, donde vigila la entrada el Cancerbero, o perro de tres
cabezas.

Patinir, Joachim
El paso de la laguna Estigia
Planta Baja Sala 56a
 1554 casó con Felipe II y murió
en 1558. Sentada sobre un rico
Indice sillón de terciopelo bordado, la
Reina aparece vestida con traje
gris rameado y sobretodo de
terciopelo morado, rica
indumentaria propia de su
elevada condición, igual que las
joyas que luce en el vestido,
tocado, puños y cinturón. Del
cuello cuelga un pinjante con
una perla de lágrima. En la
mano derecha sostiene una
rosa encarnada propia de la
familia Tudor y en la izquierda
una pareja de guantes, símbolo
asimismo de distinción.
El retrato reúne la minuciosidad
descriptiva característica de la
pintura flamenca y el
majestuoso distanciamiento
propio de la dignidad de la
Moro, Antonio retratada, que Moro supo
captar magistralmente y que
María Tudor, reina de Inglaterra, segunda esposa dedeFelipe
servirá modeloIIa futuros
lanta Baja Sala 55 retratos cortesanos.
 tema habitual en
la literatura del
Indice medioevo como
es la danza de la
Muerte, que fue
frecuentemente
utilizado por los
artistas nórdicos.
Brueghel dotó a
toda la obra de un
tono pardo rojizo,
que ayuda a dar
un aspecto
infernal a la
escena, apropiado
para el asunto
representado. La
profusión de
escenas y el
sentido
moralizante
utilizado por el
Brueghel 'el Viejo', Pieter autor, son parte
de la influencia de
El triunfo de la Muerte El Bosco en su
Planta Baja Sala 56a obra.
 columna clásica, el Niño
ayudado por su madre,
Indice juega con los regalos
que le ofrece uno de los
Magos. Desde ese punto
hacia la derecha se
representa el resto de
las figuras que
componen el cortejo de
los Reyes.
En un primer momento
la obra tenía unas
dimensiones más
pequeñas que las
actuales.
Cuando en 1628/1629
Rubens visitó España
amplió la pintura hasta
sus dimensiones
actuales. En una franja
superior incluyó dos
ángeles de influencia
Rubens, Pedro Pablo tizianesca, incorporando
otra franja a la derecha,
Adoración de los Magos donde hizo constar su
Planta Primera Sala 9b autoría,
 una fuente, bajo una
guirnalda de flores y
Indice ante un fondo de
paisaje. Las figuras
están inspiradas en la
escultura clásica,
visible en la intención
de reproducir la
frialdad del mármol
en sus carnes. El
ritmo circular y la
elegante ondulación
son características
habituales en el
artista, aspectos que
se unen a las formas
grandilocuentes y los
colores cálidos que
incorpora el pintor en
las obras de sus
últimos años.

Rubens, Pedro Pablo

Las tres Gracias
Planta Primera Sala 9
 pintor, de negro, está
situado de perfil, más
Indice bajo, para no
destacar por encima
de la figura del
aristócrata. El
carácter excepcional
de este retrato doble
se justifica por la
fuerte relación de
afecto entre el pintor
y su patrón, reforzada
visualmente por la
posición de sus
manos sobre la roca,
como símbolo de la
fuerza de su amistad.
Además, al retratarse
junto a un noble, el
artista está llamando
la atención sobre su
elevada condición
Dyck, Anton van social y dignificando
Sir Endymion Porter y Anton van Dyck indirectamente su
labor de pintor como
Planta Primera Sala 10b una actividad noble.
 Es una celebración
de las Artes,
Indice especialmente de
la Poesía. Apolo
ofrece el néctar de
los dioses a un
poeta,
probablemente
Homero, coronado
de laurel por
Calíope, la musa
de la poesía épica.
En primer plano
dos amorcillos
ofrecen a los
poetas el agua
inspiradora que
mana de la Fuente
Castalia,
personificada por
la mujer desnuda.
Inspirado en el
Poussin, Nicolas fresco de Rafael
en el Vaticano, es
El Parnaso quizás un
Planta Primera Sala 3 homenaje al poeta
 junto a una ventana abierta a un fondo
de paisaje montañoso. Viste de jubón
Indice blanco con guarniciones negras y
camisa con puntilla dorada, pelo largo,
gorra de listas blancas y negras con
borlal, capa parda y guantes grises de
cabritilla. La elección de unas ropas
elegantes y aristocráticas y la mirada
severa dirigida al espectador, con
altiva serenidad, indican la voluntad
del pintor de hacer ostentación de su
situación social.

Destaca la riqueza de detalles, la

minuciosidad del tratamiento de las
calidades y el brillante colorido, de
entonación dorada, todo ello apoyado
en un dibujo de impecable precisión

La satisfacción de su propia capacidad

artística se comprueba en la inscripción
del alfeizar de la ventana, escrita en
alemán: “1498, lo pinté según mi
Durero, Alberto figura. Tenía yo veintiséis años
Autorretrato Albrecht Dürer”.
Planta Baja Sala 55b
 de una copa que le ofrece
una sirvienta. Al fondo la
Indice figura de una enigmática
anciana se adivina entre
la penumbra.

Es una obra alusiva a la

fidelidad y al amor
conyugal, con la que
parece que el pintor está
aludiendo a su
matrimonio con Saskia
van Utylenbroch
celebrado el mismo año
en que firma el cuadro.
Realizado en el periodo de
máxima actividad artística
de Rembrandt, la
utilización dirigida de la
luz logra resaltar la figura
ante el fondo negro,
recurso tenebrista propio
Rembrandt Harmensz. van Rijn de Caravaggio (1573
Artemisa 1610), adquirido a través
de la obra de su maestro
Sala A
 La escultura representa a
Orestes y Pílades,
Indice modelos legendarios de
amistad, ofreciendo un
sacrificio por haber vuelto
de la Táuride con la
imagen de Artemisa (la
estatuilla representada),
acto que purificó a
Orestes de su castigo
divino. Otros autores
identificaron las estatuas
con los hermanos Cástor y
Pólux.

En época moderna fue

añadido al torso izquierdo
el retrato romano de
Antínoo. Creación del
clasicismo augusteo, el
grupo escultórico es un
soberbio reflejo del
Anónimo eclecticismo de esta
época.
Ofrenda de Orestes y Pílades (Grupo de San Ildefonso)
Planta Baja Sala 71
Indice
Carlos V encarga la obra a
Leone, junto con otras siete
esculturas más - tres de bronce
y cuatro de mármol -, en 1549.
La representación iconográfica
del grupo es invención propia
del artista, plasmando la
grandeza y dignidad del
Emperador, aludiendo al
conjunto de sus victorias y de
su vida como pacificador. La
estatua del Furor está
directamente inspirada en la
evocación que hace Virgilio de
la estirpe de Augusto ( La
Eneida I, 259). Firmado y
fechado por su hijo Pompeo
sobre la base, tiene una
inscripción alrededor del
pedestal.
Leoni, Pompeo
El emperador Carlos V y el Furor
Planta Primera Sala 1
 importante del conjunto
conocido como Tesoro del
Indice Delfín. La pieza representa
una sirena, luciendo un
tocado de plumas
esmaltadas, con el torso y
los brazos decorados con
rubíes y diamantes, las
extremidades inferiores
esmaltadas en azul,
sujetando un recipiente
esculpido en ágata y
apoyada en un pedestal de
la misma piedra y esmaltes.

Posible salero que sigue

modelos datables en la
primera mitad del siglo XVI
y como fuente formal se
han citado las obras del
italiano Benvenuto Cellini
(1500-1570), especialmente
Anónimo su célebre salero
perteneciente a la colección
Salero de ónice con sirena de oro del Kunsthistorisches
Planta Segunda Sala 101 Museum de Viena.
Indice
 Datos y curiosidades del Museo del Prado
Indice
• El Prado ocupa aproximadamente 45.000 m2 y tuvo
2.652.924 visitantes en 2007.
• La colección está formada por aproximadamente : 7.600
pinturas, 1.000 esculturas, 3.000 estampas y 6.400 dibujos,
además de un amplio número de objetos de artes
decorativas y documentos históricos.
• Ningún museo o colección en el mundo alberga tantas y
tan importantes obras de los siguientes artistas como el
Museo del Prado:
• Goya (133 pinturas, incluyendo casi todos sus cartones
para tapices)
• Tiziano (40 pinturas), junto con importantes series de
Tintoretto y Veronés
• El Greco (36)
• Patinir (varias de sus obras maestras, de su cortísima
producción)
• Rubens (alrededor de 80 obras, algunas pintadas a dúo
con otros artistas)
• Velázquez (unas 45 pinturas, de las apenas 100
catalogadas)
Indice Datos y curiosidades del Museo del Prado

• En el museo se encuentra el cuadro llamado La Gloria

pintada por Tiziano para Carlos V, que junto al retrato de la
Emperatriz le acompañarían en su retiro del monasterio de
Yuste en Cáceres, Extremadura.
• Se guarda también el Retrato ecuestre de la reina
Margarita del pintor Bartolomé González, mostrando dos de
las joyas más famosas del Joyero de la Corona de España:
la perla llamada Peregrina (que actualmente se cree
identificar por algunos con la que está en poder de
Elizabeth Taylor) y el diamante el Estanque, hallado en
tierra de Madrid y tallado por Jacome Trezzo.
• Se encuentran asimismo las pinturas con que Goya decoró
su finca de Madrid llamada «La quinta del sordo».
Adquirida la propiedad por el barón Emil d’Erlanger, ordenó
su traslado a lienzo y, tras presentarlas en París, al no
despertar el interés del Museo del Louvre, decidió legarlas
al Prado.
• En sus inicios, el museo abría apenas dos o tres días a la
semana, y cerraba siempre que llovía, se supone que para
Indice
Indice

Ampliación de Rafael Moneo (El

cubo de Moneo)
Indice

• Siguiendo el proyecto
de Rafael Moneo, en
2007 se ha
culminado la mayor
ampliación del Museo
en sus casi
doscientos años de
historia. Esta
ampliación no ha
supuesto cambios
sustanciales para el
Edificio Villanueva,
centrándose en una
ampliación hacia el
claustro de los
Claustro de los Jerónimos Jerónimos (el Cubo
de Moneo) de forma
que el museo cuente
Indice

Museo del Prado claustro de los Jerónimos (El cubo

de Moneo)
Indice

Vestíbulo ampliación Museo del Prado

Indice

• La conexión entre ambos edificios se ha efectuado

subterráneamente, aprovechando el desnivel entre los
Jerónimos (calle Ruiz de Alarcón) y el Paseo del Prado. La
ampliación se presentó el 27 de abril de 2007 si bien la
inauguración oficial no tuvo lugar hasta medio año
después, el 30 de octubre de 2007, con una selección de la
Indice
Indice

Entrada al Museo del Prado por la parte

ampliada
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice

El convento de San Jerónimo «el Real», conocido

popularmente como «Los Jerónimos», fue uno de los más
importantes de Madrid, si bien de él ya sólo queda la
iglesia. El claustro, fue muy deteriorado por el ejército
napoleónico y actualmente ha quedado incorporado a la
ampliación del Museo del Prado, diseñada por el
Indice
 Indice

asterio de San Jerónimo se realizó en estilo gótico tardío con influencias

Indice

Vista nocturna del convento de San Jerónimo «el Real»,

Volu
me
n
I

Octu
br Documentación y cuadros:
e http://www.museodelprado.es/
es.wikipedia.org/wiki/Museo_del
2008 _Prado
Fotos:
Propias y Flickr.com